Hubo una época en que me gustó mucho Cindy Sherman, la fotógrafa norteamericana que casi siempre se autorretrata. Luego dejó de gustarme tanto. Y ahora vuelve a gustarme por una razón afectuosa: a mi hija Aloma le gusta mucho. Sé que no tiene demasiado sentido lo que digo, pero es así. Y me ha gustado mucho esta foto. Sherman es muy teatral, imaginativa, tiene alma de transformista. ¿Cuántas mujeres, cuántas artistas, cuántas actrices puede ser Cindy Sherman?

Acaba de fallecer a los 99 años, en una residencia de ancianos, Eve Arnold, la fotógrafa norteamericana que se incorporó en 1951 a Magnum, la primera mujer que lo hizo. Eve Arnold ha retratado a las gentes humildes de Estados Unidos, a los negros y el mundo del jazz, estuvo en Rusia, captó a Joan Crawford en la intimidad, a Marlene Dietrich, y en 1952 conoció a Marilyn, a quien le hizo fotos durante una década, hasta su última película: ‘The Misfits’. Fueron fotos de mujer a mujer: fotos íntimas, hondas, fotos que ahondaron en la rica personalidad de Marilyn, que se buscó a sí misma siempre: en los libros, en el amor, en el cine, en sus diarios y en sus poemas. Eve Arnold fue una mujer sensible, discreta e intensa que colaboró en diversas revistas: sus fotos respiran hondura, humanidad, responden a una respetuosa forma de mirar. A ella le apasionaban los seres humanos: la fotografía intentaba captar la vida, la verdad, el temblor del alma. Al parecer, en sus últimos, días a Thomas Mann. [Aquí se incorporan fotos de Marilyn, de Cuba, de Silvana Mangano, de Liz Taylor o de Jacqueline Kennedy, entre otros.] 

El fotógrafo británico Gered Mankowitz, nacido en 1946, ha retratado a muchos de los más importantes músicos de los 60, 70, 80 y 90. Aquí vemos a Jimi Hendrix, Marianne Faithfull, Los Rollings, Mick Jagger, Arrows o Kate Bush. Espléndidos y variados retratos de un auténtico maestro de la fotografía musical.

[Recibo esta carta de Gervasio Sánchez, un amigo de la fotografía y del periodismo. Este tipo de cartas también matizan y explican el éxito de Gervasio: siempre hace públicos sus sentimientos y sus gratitudes y manda sus cosas a muchos amigos. Es un periodista comprometido entre amigos. Actualmente, Gervasio Sánchez expone en el ‘Centro de Historias’ de Zaragoza]

Queridas amigas y queridos amigos:

 Por Gervasio SÁNCHEZ

Cuando falta unos pocos días para acabar el año me gustaría contaros que 2011 ha sido muy especial. Por fin he podido presentar mi proyecto Desaparecidos que rondaba por mi cabeza desde que era un joven estudiante universitario y que empecé hace 13 años en un viaje a Chile de finales de diciembre de 1997, pocos meses antes de que naciera mi hijo Diego.

 He tenido la suerte de presentarlo en el Musac de León, La Casa Encendida de Madrid y el CCCB de Barcelona y ahora mismo está en el Centro de Historias de Zaragoza. Sus directores, los actuales, alguno de los cuales como Josep Ramoneda está a punto de dejar su puesto, y los anteriores, apoyaron este proyecto desde el primer día.

  Los equipos de estas instituciones se volcaron en la producción y la realización. La comisaria, Sandra Balsells, trabajó intensamente para que Desaparecidos tuviera la relevancia que ha tenido. Mi editor, Leopoldo Blume, luchó para que los libros fuesen de gran calidad a un precio asequible.

  Pero proyectos bellos y duros como Desaparecidos suelen quedarse en los cajones olvidados o, como máximo, se mantienen en la despensa anímica de los autores por los siglos de los siglos si no son apoyados por personas capaces de arriesgarse.

  Desaparecidos podría haber formado parte del baúl de los olvidos, pero tuvo la gran suerte de contar con el apoyo incondicional de Rafael Doctor cuando apenas era un embrión en mi cabeza.

  Rafael Doctor batalló por él en La Casa de América cuando era su jefe de exposiciones, lo que le acarreó más de un disgusto y decidió ponerlo en marcha un mes después de inaugurar como director el Musac de León en abril de 2005.

 Tengo que decir que me dio total libertad para realizar el proyecto como yo quisiese e, incluso, en un acto de generosidad pocas veces visto, aceptó la fecha de presentación que yo le propuse a sabiendas de que quizá él ya no sería el director del Musac.  

  Además, en otro gesto inusitado en los salones del poder artístico, convenció al director de La Casa Encendida de la importancia de compartir el proyecto y posteriormente, ya como ex director del Musac, fue clave para convencer al CCCB de que se sumase a él.

   Durante los años de realización de Desaparecidos mis encuentros con Rafael Doctor en León sirvieron para recibir múltiples consejos que enriquecieron con creces el resultado final. Estoy seguro que Desaparecidos hubiera cojeado sin sus recomendaciones.

  A poco de que se cumpla un año de la presentación de Desaparecidos no me queda una sola duda de que el apoyo y la generosidad de Rafael Doctor fueron imprescindibles para llevar a buen puerto el proyecto más ambicioso, difícil y arriesgado de mi vida profesional.

  También quiero que sepáis que fue Rafael Doctor quien me presentó al Premio Nacional de Fotografía en 2009 y defendió mi candidatura con tanta pasión que consiguió la unanimidad del jurado, algo verdaderamente muy difícil cuando se trata de valorar la obra de un autor.

Por eso quiero darle las gracias públicamente cuando está a punto de finalizar 2011.

Muchas gracias por vuestra atención

Espero que tengáis un Feliz Año Nuevo

Un abrazo

Gervasio Sánchez

VIRXILIO VIEITEZ, EL HERMANO GALLEGO DE AUGUST SANDER ,

Y EL NIÑO QUE FUI

Ya lo he contado alguna vez: solo tenía una foto de niño. Me la mandó mi hermana o mi madre, no recuerdo cuál de las dos, no me di cuenta de que venía con otras cosas en un sobre grande y la perdí para siempre. La arrojé, supongo, al papel y a la basura. A veces veo esta foto de Virxilio Vieitez y me acuerdo del niño que fui, de las humildes Navidades con mis padres en Castelo, en Lañas, y luego en Arteixo. Y me acuerdo de muchos amigos, de aquellos días, y los comparo con estos: de estos días en que te encuentras con tus hijos,con tus sobrinos, con la gran familia Gascón Brumós. Y os dejo aquí esta foto: este chaval de aldea que no se sabe bien si está orgulloso de sí mismo o si se encuentra asustado... Virxilio Vieitez, el fotógrafo gallego que se parecía a August Sander... Felices Navidades a todos. Feliz 2012.

RETRATO DE UN SEÑOR QUE MIRA: CARLOS SAURA

He escrito mucho, muchísimo, sobre Carlos Saura. He estado en su casa en Collado Mediano, y nos hemos encontrado en varias ciudades: Zaragoza, Huesca, Madrid, Barcelona. En el fondo, me gusta mucho más su fotografía que su cine, que ya es decir, y me gusta su vitalidad indesmayable, su pasión por crear. Escribe (novelas, guiones, recuerdos, reflexiones sobre su trabajo), pinta, hace fotos, hace cine, ópera, es un enamorado del amor y de las mujeres, fue un fotógrafo que retrató a los artistas flamencos, y hay en él algo de bailarín aplazado. Pedro Anguila le tomó esta foto; me parece que resume lo que es Saura: un mirón, un galanteador de la hermosura y la paradoja, un insaciable curioso de los colores de la alegría. La foto es de Pedro Anguila, antes Pedro Hernández, y antes y ahora un espléndido fotógrafo y una estupenda persona.

Recomiendo aquí su estupenda página web: www.pedroanguila.com

AUTORRETRATO, CON ARTISTA DE CABARÉ, DEL JOVEN STANLEY KUBRICK

Antes de ser el gran cineasta que fue, Stanley Kubrick se ganó la vida como fotógrafo. Era excelente. Su caso es parecido, en cierta forma, al de Carlos Saura. Hace algunos años Akal publicó casi su obra fotográfica completa. Ese libro-catálogo me lo regaló Jorge Gay. Fue un regalo maravilloso, sin duda. Hoy, dando vueltas, encuentro esta foto suya, este autorretrato con bailarina o artista de cabaré.

Lee Miller (Estados Unidos, 1907-1977) fue modelo para su padre, bailarina, modelo para Vogue y otras revistas, y posó para Edward Steichen. Se trasladó a París y aprendió fotografía con Man Ray, con quien colaboró durante tres años. Cuando ella lo abandonó, él juró que se suicidaría. Luego, Lee Miller siguió haciendo fotos: fue amante de Picasso y se inclinaría hacia el fotoperiodismo: captó los campos de concentración, se bañó en la bañera de Hitler, durmió en la cama de Eva Braun, captó ejecuciones. Se casó con Roland Penrose, pintor e historiador del surrealismo, y poco a poco se fue diluyendo. En cierto modo, por diversas circunstancias, entre ellas la deslealtad, se inclinó hacia el alcohol, el aislamiento y otras formas de dolor y soledad. Estas dos fotos son de Edward Steichen; la de abajo es de 1931.

Todas las fotos son de Brigitte Grignet, una fotógrafa belga instalada en Nueva York desde 1996 que se dedica sobre todo al fotoperiodismo. Ha recorrido muchos países del mundo y documento la vida en Colombia, Guatemala, Estados Unidos, etc.

Me escribe Vicente Lachén a propósito de un proyecto fotográfico sobre Ramón José Sender: “La exposición  ‘Visiones de Mr. Witt’, se expuso en septiembre y octubre en Pla-Za. Ahora en noviembre está en Abizanda y en diciembre llegará a Tardienta. Es la primera muestra que hicimos relativa a a Ramón J. Sender basándonos en sus textos y que surgió a partir de una beca del IEA”. 

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EL PROYECTO

'Visiones de Mr. Witt: la imaginación

de Ramón J. Sender en fotografía',

de Vicente Lachén y Dominique Leyva

La muestra, compuesta por 50 fotografías de los dos autores, es un itinerario por la narrativa de Sender, en la que el público no sólo podrá contemplar una sucesión de imágenes, sino que cada una de ellas irá acompañada por el texto y el ejemplar de la novela que ha servido de punto de partida.

`Visiones de Mr. Witt: la imaginación de Ramón J. Sender en fotografías´, de Vicente Lachén y Dominique Leyva, está compuesta de 50 fotografías en las que los autores han seleccionado textos de las novelas de Sender y han buscado los lugares geográficos que le inspiraron, el primero en territorio aragonés y Leyva en Alburquerque. Estos dos lugares geográficos dividen el recorrido en dos partes e invitan también a establecer las diferencias entre dos periodos de una de las figuras más destacadas del panorama novelístico español del siglo XX.

Esta exposición se presenta como un itinerario por la narrativa de Sender en la que el público no sólo podrá contemplar una sucesión de imágenes, sino que cada una de ellas irá acompañada por el texto y el ejemplar de la novela que ha servido de punto de partida. A través de las fotografías, Vicente Lachén y Dominique Leyva se trasladan a obras como `Crónica del alba´, `El lugar de un hombre´ o `Imán´, entre más de una docena.

Por ello, decidieron centrar su trabajo en dos etapas, que se repartieron entre los dos fotógrafos. La primera debía abarcar la época de juventud del escritor, que discrurrió en la provincia de Huesca y correspondió explorar a Vicente Lachén, cuya familia paterna procede, precisamente, de Alcolea de Cinca, pueblo donde pasó su niñez el pequeño Sender. Su trabajo también incluye instantáneas de la localidad natal del escritor, Chalamera. 

Por su parte, Dominique Leyva se ocupó de la penúltima etapa de la vida del autor, que transcurrió durante 16 años en Alburquerque (Nuevo México). Allí nació Leyva, y Sender fue profesor en el Departamento de español de la misma universidad donde algún tiempo después estudiaría el fotógrafo mexicano.

Para realizar el trabajo, Lachén y Leyva se leyeron un buen número de obras de Sender, como "Crónica del alba", "El lugar de un hombre", "Relatos fronterizos", "Billy el niño" o "Imán", entre otras muchas, y luego interpretaron con la cámara algunos de los pasajes referidos. Por eso, en la exposición, el público puede contemplar hasta 50 imágenes a color, acompañadas cada una de ellas de un texto en el que se ha basado el fotógrafo para tomarla y el título del libro del que se ha extraído el fragmento.

Además, con las frases de las fotografías se traza una línea narrativa, como si de un relato de Sender se tratara, con Mr Witt (protagonista de uno de sus libros) como particular observador de la historia.

*Las dos fotos son de los autores. Y abajo, una foto de Lachén y Leyva de la FNAC.

[El pasado domingo, en el suplemento ‘Hoy domingo’, que coordina Picos Laguna, publiqué esta entrevista con la actriz, cantante, bailarina y escritora Miryam Domínguez Renedo (Zaragoza, 1973). Hoy es su cumpleaños. La traigo aquí y recuerdo que hasta el domingo 23 puede verse su función ‘El gran Penhe’, dirigida por Paco Ortega, con Sergio Marqueta Siiberg al piano, en el Teatro del Mercado. Impresionan sus temas de jazz.]

Miryam Domínguez Renedo (Zaragoza, 1973) es una mujer indómita, inclinada a las decisiones drásticas. Y eso le ha llevado a marcharse, con apenas dieciocho años a Madrid y luego a Estados Unidos; a ser madre e, impulsada por un deseo de sosiego para educar a Daniela, a regresar a Zaragoza. Después de estudiar hidroterapia, aromaterapia y otras muchas cosas, y contar con una clínica más o menos exitosa, esta cantante, actriz y bailarina ha decidido mudar de piel y recuperar su vocación primera: el escenario. Redactó el monólogo ‘El gran penhe’, un texto de denuncia en clave satírica del machismo imperante en la vida y en un montón de canciones de jazz, y ha montado un espectáculo que se estrenaba el pasado viernes en el Teatro del Mercado, bajo la dirección de Paco Ortega. “He empezado a bailar a los siete años y estudié la carrera en el Conservatorio bajo la dirección de Cristina Miñana”, dice.

-¿Qué le atrajo la danza?

-Cuando tenía esa edad me quedaba fascinada con las canciones de Ella Fitzgerald, con la música de ‘Chorus line’, con otros musicales como ‘Cantando bajo la lluvia’. Recuerdo que cuando ponían aquellas películas las grababa con mi radio cassette y luego escuchaba la banda sonora una y otra vez hasta que me la aprendía. Y yo creo que de ahí nace un poco todo.

-Eso se llamaba vocación...

-Acabé estudiando Turismo, pero siempre me ha interesado mucho la danza y la interpretación. Estudié en el Instituto Pablo Gargallo, en San José, que estaba muy cerca de mi casa. En algunas asignaturas que iba bien, como Gimnasia o Inglés, me marcha; aprovechaba esa hora para venir a casa, ponerme ante el espejo y bailaba, cantaba, me disfrazaba, me maquillaba y me desmaquillaba. Lo hacía todo muy de prisa pero con entusiasmo. Era un momento muy especial para mí. Aún tenía tiempo de ducharme. Yo de niña decía aquello de “mamá, yo quiero ser artista”.

¿Cómo le fue en el Conservatorio?

Fue una experiencia durísima porque para mí el ballet es Arte con mayúsculas, una búsqueda de la perfección y la ligereza, de la armoniosidad y del movimiento, y no era nada fácil. Tenías que entregarte al 100  % y yo lo hacía, y además te movías en un ambiente un tanto extraño de gente especial, rara y compleja. El ballet empezó a ser demasiado dramático para mí.

-¿Qué le llevó a Madrid?

Me invitaron a una boda, y me quedé. Decidí emprender una de las primeras aventuras de mi vida. Tenía dieciocho años. De inmediato empecé a recorrer agencias, productoras; los dos primeros días había andado tanto en Madrid, con mis elevados tacones, que tenía ampollas en los pies. Soy luchadora, valiente, estoy dispuesta a encontrar lo que busco, y tuve un golpe de suerte. El programa ‘Un dos tres’ estaba haciendo un castin en toda España; solo en Madrid había 500 candidatos. Me presenté y tuve suerte: me cogieron y pasé una temporada maravillosa. Y además aclaré un poco mi destino y mi vocación.

-¿Cuándo empezó a cantar?

Mucho más tarde, junto a mi ex marido. Fue un poco por casualidad. Él era compositor e intérprete y hacía sus ensayos y sus estudios al piano. Probamos a hacer algunas cosas, pero sería más tarde, cuando conocí a Juan Carlos Calderón, cuando me solté a cantar. Me oyó, le gustó mi estilo y grabamos ‘Riviera’, que era un disco de grandes éxitos de Mocedades, de Bosé, de otros solistas, pero llevados a los terrenos del jazz. El jazz es especial para mí: por pura intuición, tras haberlo oído mucho, sé cómo se canta el jazz.

Perdone la simpleza de la pregunta: ¿cómo se canta el jazz?

El jazz lo tengo dentro del alma. Esta pregunta, en el fondo, es imposible de responder. O lo sientes o no lo sientes. No se puede cantar jazz si no te emociona, si no te estremece. Hay cantantes que tienen buena voz, puedes cultivar un estilo, puedes hacer lo que hace Bisbal u otros cantantes, pero el jazz es distinto. Me emociona profundamente, me hace llorar. Es el tipo de arte en el que ves a Dios. Cuando cantas jazz le encuentras un sentido a la vida, te hace pensar en la armonía del universo, es el colmo de la elegancia, de la belleza, es el temblor de lo emotivo y yo lo sentía.

Hemos dado un salto importante porque con Calderón nos hemos ido al año 2002. Antes se había ido a Estados Unidos.

Sí. Había conocido a dos bailarines con compañía propia: Bobby Nikko y Lola González. Fueron decisivos en mi carrera y en mi vida. Ingresé en su compañía y actuamos mucho. Estaban gentes como Raquel Meroño, Lila Arranz, mujeres altas y bellas, que podían ser modelos, actrices, presentadoras. Fue un período mágico y de golpe decidí irme a Estados Unidos.

¿Qué se le había perdido?

El deseo de libertad. Quería ser ‘hippie’ y libre en la vida. Me marché buscando aventuras en la gran ciudad, Nueva York, viajaba sola y desequipada, sin nada preparado, por el puro placer de hacerlo.

¿Sola, una mujer joven, alta y hermosa como usted?

Siempre he sido muy valiente en todo. Decidida y arriesgada, creo yo, y he aborrecido la noche, las drogas y los ambientes sórdidos, algo que siempre me ha aterrorizado. Iba buscando el lado dulce y bonito de la vida, y tuve mucha suerte: me iba dando de bruces con perlas amorosas: amigos, trabajos, peripecias. No he sido una mujer de amoríos o de intensas aventuras amorosas, al menos entonces.

¿Cómo se sintió en Nueva York?

Fatal. Para mí es una ciudad tan fascinante como inhóspita. Dura. Nada te ayuda en nada: ni el clima. Yo vivía en una residencia de monjas, baratísima, y desde allí asistía con algo de desolación al mundo deslumbrante en apariencia que había a mi alrededor. Tenía algo de dinero, ahorrillos, pero intentaba trabajar en todo lo que podía. Conté con una beca, asistí a varias escuelas de danza y conocí a un amigo, Datico, de origen cubano, que me introdujo en los círculos culturales, en las tertulias, en diversos montajes. Allí aprendí muchas cosas: filosofía, literatura, teatro, música y, por supuesto, danza, el método norteamericano, que es muy intenso y exigente. Mi formación, mi escuela, mi manera de interpretar creo que es muy norteamericana.

De Nueva York se trasladó a Los Angeles.

En Estados Unidos viví picoteando de aquí y de allá. Trabajé hasta de ‘baby sitter’. Allí me encontré con una pareja de amigos: él era de Zaragoza y ella era una ‘stripper’. Tenían una casa preciosa, y me presentaron a gente de la televisión. Pronto empecé a colaborar en un canal hispano de la Fox Production. De vez en cuando regresaba a España. Participé en algunos capítulos de una serie donde era la novia latina por la que discutían los dos protagonistas. Recuerdo que entonces íbamos de fiesta en fiesta por las espléndidas casas y mansiones de las colinas de Hollywood: vivía feliz, sin preocupaciones, rodeada de amigos, pero eso sí: yo entonces era muy vitalista, muy inocente, muy cándida. De temperamento romántico. Sabía lo que era pasear en descapotable, sabía lo que eran las fiestas y el lujo: jugaba a vivir en Hollywood.

¿Cuándo apareció ‘Grand Prix’ y Ramón García en su vida?

Poco después, tras regresar a España. Fue ya en 1996 y estuve una temporada. Luego fui la presentadora de Peque Prix, e hice otras muchas cosas sin tener que pagar peajes desagradables. No tuve que pasar por aros sórdidos ni acostarme con nadie para crecer. Más tarde, trabajó en Canal Gran Via en el programa ‘Rodando’, que retransmitía en directo los premios Goya, entrevisté a muchísimas personas del cine español, trabajé en el Canal Viajar, donde conocí al escritor y viajero Paco Nadal... Luego apareció Juan Carlos Calderón en mi vida y también el que iba a ser mi marido, el compositor y pianista Jeansy Aúz. No había cantado nunca en público. Asistí a clases de canto con Juan Carlos Calderón y él me invitó a cantar. Me dijo: “Se te ve una diva en el escenario. Vamos a preparar un repertorio de jazz”. Con Jeansy Aúz fundamos la productora musical 5Notas.

¿Cómo les fue?

Muy bien. Tuvimos grandes éxitos. Jeansy tiene mucho talento. Muchísimo. Hicimos ‘Yo soy Bea’, que cantó Edurne, la sintonía de ‘Cuarto Milenio’ de Iker Jiménez, y miuchas otras cosas. Jeansy Aúz realizaba bandas sonoras para cortos y largometrajes y yo le ayudaba todo lo que podía. Trabajamos para Tele Cinco, para TVE, para compañías privadas. Hace algo más de tres años tuvimos a Daniela, y decidimos volver a Zaragoza.

¿Decidimos?

Bueno, en realidad, yo quería que mi hija se educase en una ciudad más hospitalaria y tranquila, una ciudad más humana. Y nos vinimos aquí, pero Jeansy no pudo soportarlo. No se sentía cómodo aquí y nos hemos separado queriéndonos.  Ese ha sido el motivo de ruptura. Me cambió la vida: hice muchos cursos y talleres, y aprendí quiromasaje, aromaterapia, hidroterapia, naturopatía, y creé mi propia consulta. Hubo un momento en que percibí que me estaba muriendo en vida, que necesitaba el escenario y me dije a mí misma que tenía que encontrar una salvación, un empeño, una función.

¿Cómo nació ‘El gran Penhe?

Soy partidaria las cosas de manera drástica. Dar un salto aunque no tengas red. Sé, además, que me va a ir bien. Si saltas la red aparece.

¿Quién ha sido su red: su madre, el dramaturgo Paco Ortega o Enrique Gastón?

Los tres han sido determinantes para mí. Siempre he estado muy unida a mi madre: es una mujer extraordinaria, apasionada y viva, que siempre está estudiando. Es uno de los seres humanos más completos que he conocido jamás. Hizo unos cursos sobre feminismo y nos habló a mi hermana y a mí de sus descubrimientos y de algunos datos espeluznantes sobre la desconsideración de la mujer. Impulsada por ella, y luego por Enrique Gastón y Paco Ortega, salió esta función. ¿Le cuento algo?

Por favor.

Yo siempre había escrito. Desde niña me sentía poeta. Redacté el guión de ‘El gran Penhe’ en una mañana: me salió solo, como si estuviera poseída. Y me apetecía mucho estrenarlo aquí en esta ciudad por la que he apostado para vivir, aunque yo creo que no me quedaré aquí para siempre.

¿Y eso? Parece un mal final para este cuento de su vida.

Echo de menos el mar. Y creo que tarde o temprano me trasladaré a vivir a Barcelona. Me gusta cambiar, reinventarme: soy capaz de pasar de la oscuridad al brillo y al revés: puedo pasar del escenario a la más estricta intimidad. He pasado de cortar uñas y de dar masajes al escenario del Teatro del Mercado y luego al Principal, aunque creo que este es el principio de mi nueva vida.

¿Qué es lo que quiere contar con este montaje?

Yo soy el único personaje. Paco Ortega ha creído en mí. Como cantante en la función, interpreto a mi modo, canto y sigo al pianista Sergio Marqueta. El mensaje es muy serio: es una crítica al sistema patriarcal y una denuncia de la invisibilidad de la mujer.

Casi ha cambiado su actitud. La veo hasta indignada.

Soy una mujer apasionada. Y la injusticia me enciende. Estoy contra la prostitución, contra la discriminación en la vida laboral, contra el acoso sexual (y sé de qué hablo), contra algunos tópicos y contra la violencia de género. Mi texto habla de todo eso. Me duelen en el alma las injusticias. No puedo soportar que aún se acuse a una mujer de ir provocando por la calle cuando lleva minifalda, un determinado escote o una ropa ajustada. Y que se justifique al violador o al asesino con esos pálidos argumentos. El culpable es quien viola, quien agrede, no quien lleva tal o cual escote. La mujer tiene derecho a manifestarse con libertad y a sentirse bella a su modo.

EN PLANO CORTO

Apasionada, contradictoria y espiritual

Miryam Domínguez se define como una mujer muy espiritual y a la vez muy dialéctica, a la que le impresiona igual un ser humano que la tarea parsimoniosa de una hormiga. Sin restarle méritos a las grandes obras del hombre, una sinfonía de Beethoven, un cuadro de Rembrandt o una gran novela, huye de la grandilocuencia. Le atrapan las cosas pequeñas, los mínimos gestos, la dialéctica: le encanta discutir, exponer sus puntos de vista y combatir en un duelo de palabras. “No hay nada más seductor que una guerra dialéctica: me gusta discutir acaloradamente con adversarios inteligentes. Insisto: soy muy apasionada para todo. Para la creación, para el amor, para la amistad, y en esta ciudad he encontrado amigos muy importantes y generosos”.

Le gusta repetir que “a veces es más brillante y apacible la sombra que el esplendor de los focos o del éxito”. Ella ha vivido así, en la trastienda del éxito, en los últimos tiempos tras el intenso trabajo desplegado en televisión, en revistas musicales y con su productora musical 5Notas.

Ahora, en este nuevo viaje hacia el interior, confiesa que “está deliberadamente desinformada. Estoy reconcentrada en mí misma, volcada en la meditación y la búsqueda, voy en busca del conocimiento hacia adentro más que hacia afuera”. Así se explican algunas de sus lecturas constantes como ‘El libro del Tao’, aunque también es una gran lectora de novela negra, “me gustan mucho esos autores nórdicos que están llegando”, de Anton Chejov y de los cuentos oscuros de Guy de Maupassant. Es una enamorada de la música anglosajona: Ella Fitzgerald a la cabeza, Chet Baker, pero también Alisson Krauss y Jason Mraz.

Miryam es una mujer paradójica, contradictoria en apariencia. Busca un cuarto propio, un estilo propio. Dice: “El hombre no debe sentirse la medida de todas las cosas. Y la sociedad debe trabajar para acabar con sus tics. Las mujeres somos la mitad del mundo y tenemos que encontrar nuestro acomodo con naturalidad”. Ella intenta aportar su grano de arena y su grito en una obra teatral donde suena el jazz: su voz navegada de estupor y de emoción.

*Todas las fotos son de Juan Moreno.

UNA FOTO DESDE LAS SOMBRAS
DEL FOTÓGRAFO CIEGO EVGEN  BAVCAR

Hace unos días escribí aquí del fotógrafo Paco Grande, de quien estoy preparando un reportaje extenso. Y hablaba de los fotógrafos ciegos: uno de los más conocidos es Evgen Bavcar, nacido en Eslovenia en 1946 y ciego desde los once años. Empezó a tomar fotos a los 16 años y suele decir que lo que más le interesa es la realidad, a la que le da algunos mordiscos entre sombras. Ha fotografiado ciudades, gentes, atmósferas, ha intuido lo que hay en la desdibujada zona tenebrosa. Y dice: "Nunca hay que confiar en el ojo ajeno, sino solamente en el propio, aún si bizquea." Aquí fotografía a Hanna Schygulla, musa de Fäsbinder y de muchos de nosotros. Para mí fue una musa personal como lo fueron, pongamos por caso, Dominique Sanda o Debra Winger.

[Conocí hace algo más de un par de años a Ramón Zaragozano, un hombre que recorre el mundo el moto, que tiene amores secretos (no sé si reales o soñados), que escribe poemas, que hace fotografías y que cultiva la amistad de un modo personal, con una mezcla de cariño e ironía, de desdén y ternura. Es difícil de definir el tamaño de su corazón: lleno de matices, de complicidades, de sorpresas. Esta noche me ha mandado esta foto y este poema.]

PAQUÉSCRIBIR

Miro mis manos

Sin que yo me entere

Como un extraño

Y no me gustan

Y no entiendo

Ni falta

Que hace

Por qué te gustan

A ti

Miro mi boca

Mis labios

Mientras me afeito

En 4x2 (tú lo sabes)

Y entre cuchillada y rojez

Los miro

Y no sé por qué los besas

Miro mi horario

Que no es mío

No tengo nada

Mío

Y de no dormir

A la noche

Hay mucho tiempo

Y no sé por qué

Haces tanta fuerza para entrar

En él

Miro mi paso

Mi andar

A ningun sitio

A ver

A no ver

Y no sé qué quieres ver

Conmigo

No sé quién eres

Ni tú sabes

Quién soy yo …

Pero me cuestas la vida

JESSICA LANGE Y PACO GRANDE: HISTORIA DE AMOR Y FOTOGRAFÍA

He aquí una preciosa foto de amor. Son Jessica Lange y Paco Grande, fotógrafo y aficionado al flamenco, hijo de Francisco Grande Covián. Se conocieron en Minnesota, donde se trasladó Grande Covián con su familia, en 1968: Paco Grande era profesor y al parecer tutor de la joven Jessica, nacida en 1949. De inmediato, se trasladaron a España: estuvieron en Asturias, en Barcelona, donde vivieron un tiempo, y sobre todo en el mayo de 1968 en París en compañía de los fotógrafos Robert Frank y Danny Lyon, entre otros. Paco Grande y Jessica se casaron en 1970, se separaron en 1975, formalmente lo harían en 1981, y al año siguiente Jessica conocería a Sam Shepard. Este le regaló al poco tiempo una Leica, y la actriz de ‘King Kong’, de ‘Tootsie’ o de ‘Frances’ empezó a hacer fotos, que en realidad era la profesión de Paco Grande, y sus fotos sobre México la han traído de nuevo a Asturias, al Centro Niemeyer de Avilés. Paco Grande también fue operador de cámara y actualmente vive en Cuzco, donde ha realizado muchos retratos. Lo más curioso es que, en realidad, Paco Grande (nacido en Colunga en 1943) es prácticamente ciego e integra la selecta nómina de fotógrafos ciegos. Esta foto y esta historia me la ha inspirado / recordado Vicente Almazán...

WILLIAM KLEIN O LA HISTORIA DE UN BESO EN LYON

Esta noche, tras la presentación y entrevista con David Vann en Los Portadores de Sueño, me llamó Félix Romeo. Me dijo: “¿Ya te vas para casa? Párate un instante en mi puerta”. Hace algunos días me había anunciado una sorpresa: me había traído un regalo de Lyon donde expone su compañera, la pintora Lina Vila, a la que llama “La Rubia”. El amor siempre admite nomenclaturas. Paré ante su puerta en Conde de Aranda y apareció él con una pequeña bolsa y una camiseta blanca: dentro había un libro pequeño y precioso de uno de esos fotógrafos que he seguido mucho: William Klein, un neoyorkino nacido en 1928 que se ha dedicado al reportaje, a la fotografía documental de ciudades (especialmente París y Nueva York) y a la foto de moda, a través de la revista ‘Vogue’. Félix le preguntó a mi hijo Diego por su viaje a Logroño y le felicitó por el triunfo ante el San Juan de Mozarrifar. Abrí el libro-catálogo, bonito y coqueto, cuidadísimo y vi la dedicatoria: por intercesión de Félix y 'La Rubia' el octogenario Klein me había firmado el libro. Félix me contó algo muy gracioso: Lina le pidió la dedicatoria y Klein le reclamó, a cambio, un beso. Lina se acercó a besarle en la mejilla pero he aquí que el artista quería algo más especial y le dijo: “In my mouth”. Un beso en la boca. Ese fue el esfuerzo y el obsequio que le hizo Lina al maestro y a mí. Así que ahora tengo en casa, rubricado, el catálogo que costó un beso.

El pasacalles de la compañía Cirteani recorrerá mañana, desde las 18.00, las calles del Casco Histórico para invitar a la participación en las actividades del festival

Los reconocidos fotógrafos Cristóbal Hara y José Manuel Navia pronunciarán sendas conferencias los días 29 y 30, a las 19.00, en el Centro de Historias

Las veladas estarán dedicadas a las proyecciones de jóvenes fotógrafos, a cargo de los colectivos Fotoaplauso, El Cíclope Mecánico e Instant Coffees

El festival se cierra el día 1 de octubre, con la jornada ’Book in progress’, en la que participarán profesionales de la edición de libros de fotografía

Zaragoza, 27 de septiembre

El Festival Zaragoza Photo 2011 entra en su recta final, con una semana intensa llena de propuestas en torno a la fotografía contemporánea. Conferencias, talleres, proyecciones y un pasacalles que durante la tarde de mañana recorrerá las calles del Casco Histórico de la ciudad son las actividades que se desarrollarán desde mañana, 28 de septiembre, hasta el sábado 1 de octubre, completando la oferta de exposiciones de esta edición.

Las conferencias de los reconocidos fotógrafos Cristóbal Hara y José Manuel Navia (días 29 y 30, a las 19.00), las presentaciones de la revista Piel de Foto (día 30, a las 18.00) y la jornada sobre libros de fotografía ’Book in Progress’, el día 1 de octubre, serán las actividades del festival dedicadas a la reflexión en torno a la fotografía contemporánea, sus lenguajes y sus vías de difusión. Todas las conferencias y presentaciones se celebrarán en el Centro de Historias, con entrada libre.

Las veladas estarán dedicadas a las proyecciones de los colectivos fotográficos Fotoaplauso (jueves 29, a las 22.00, en la plaza San Felipe), El Cíclope Mecánico e Instant Coffees (viernes 30 y sábado 1 de octubre, a las 22.00 en el Albergue Juvenil de la calle Predicadores).

Paralelamente, el fotógrafo David Jiménez desarrollará los días 29, 30 de septiembre y 1 de octubre un taller dedicado al proceso creativo en la fotografía y titulado ’Dime cómo, porqué, para quién’. El seminario, cuya inscripción sigue abierta, está dirigido a fotógrafos y personas interesadas en la creación artística.

Pasacalles

Para difundir estas actividades, el pasacalles de clown de la compañía Cirteani recorrerá mañana las calles del Casco Histórico. Los payasos partirán a las 18.00, de la plaza de San Felipe, por la calle de Alfonso I, la plaza del Pilar, Don Jaime I y San Jorge, para terminar su recorrido en la plaza San Pedro Nolasco, junto al espacio-galería del colectivo Zphoto (Hermanos Argensola).

Exposiciones

El Festival Zaragoza Photo 2011 organiza las exposiciones de los fotógrafos Ricardo Cases, Pablo Casino, Diego Ibarra y Jorge Fuembuena, inauguradas a lo largo del mes de septiembre y que pueden disfrutarse, con entrada gratuita, en diferentes espacios como la sala Cai Luzán, el espacio-galería del colectivo Zphoto, la Universidad San Jorge y el Estonoesunsolar del Coso bajo.

Zaragoza Photo 2011 está organizado por el colectivo Zphoto con el apoyo de la Universidad San Jorge, CAI Obra Social y el Plan Integral del Casco Histórico del Ayuntamiento de Zaragoza. Toda la información del festival está recogida en http://zaragozaphoto.es

*La foto es de José Manuel Navia. La información pertenece a ZPhoto.

MANUEL ARRIBAS: PREMIO A UNA ‘PREMONICIÓN’

Me escribe Manuel Arribas, fotógrafo y diseñador y un caballero afectuoso, que ha sido distinguido en el Premio Joaquín Gil Marraco. Veo su obra y leo este comentario en su blog: “Me han comunicado que esta serie de tres fotografías que presenté al XXVIII concurso de fotografía Joaquín Gil Marraco ha sido galardonada por el jurado con el 2º premio. De vez en cuando se recibe una buena noticia. El trabajo está hecho. Es un trabajo de estudio. Su título es ‘Premonición’. La interpretación os la dejo en la libertad de cada uno”.

HENGKI KOENTJORO: EL POETA DEL CLAROSCURO

Emilio Mateo me puso tras la huella de Hengki Koentjoro, uno de esos artistas que entienden la fotografía como un arte mayor, capaz de cautivar, de mostrar la complejidad y el enigma del mundo. Si el fotógrafo es un creador desde la luz, Koentjoro más aún si cabe: sus fotos dialogan con la claridad y la sombra, con los matices más exacerbados y hermosos, con la caligrafía inefable del blanco y negro.

Sostienen muchos que la fotografía digital aún no posee la perfección, la variedad de registros cromáticos y esa vibración indecible de la fotografía analógica. No estoy seguro de que piense así este espectacular fotógrafo indonesio, pero su obra –tan matizada, tan hilvanada línea a línea, gama a gama, atmósfera a atmósfera- parece una ratificación. Tiene calor, ternura, presencia; envuelve, conmueve, se sedimenta en el alma. Hengki Koentjoro ha estudiado en Indonesia su oficio y también en Estados Unidos, en del Brooks Institute de la ciudad da Santa Barbara, y digo también porque se ve que es un estudioso de la fotografía y de algunos clásicos: los japoneses especialmente, tan delicados, tan sutiles, y un maestro del paisaje como Ansel Adams, que logró fotos extraordinarias de los espacios abiertos al infinito, y quizá haya seguido los pasos de Edward Weston.

Haengki Koentjoro es un fotógrafo con embrujo. Alguien que sabe mirar y que extirpa el alma de la naturaleza, del agua, de esos lugares exóticos (bosques, lagos, valles, montañas) que parecen nacidos del sueño. Sus fotos de paisaje destacan, de entrada, por el refinamiento, por la expresividad, por la capacidad de evocación, que nace de la composición, de la poética del claroscuro y de una idea un tanto imprecisa de intemporalidad. Las fotos de Koentjoro parecen hechas para siempre o parece que hubieran estado ahí desde siempre. Tienen música.

La palabra magia ya suena gastada para aplicársela, pero sí tienen magia, misterio, sorpresa: las ves y no puedes dejar de mirarlas; las ves y te transportan a ese lugar; las contemplas y elogias su serenidad, el abanico de tránsitos desde el blanco purísimo al negro más intenso, las contemplas y percibes de inmediato el talento del creador, su comunión con el paisaje y su libertad de trabajo. Koentjoro es un fotógrafo en libertad capaz de convertir cualquier detalle en una obra de arte: ya sea una llama, una zambullida en el agua, un cuerpo que bucea, la arboleda nevada en la ribera, un paseo a orillas del mar o un detalle perdido, casi anodino, en el centro del océano. Koentjoro es un formidable fotógrafo de inspiración submarina o acuática.

Hengki Koentjoro es un poeta del claroscuro, alguien que posee la capacidad de crear paraísos. Y otra cosa muy curiosa: la fotografía también es voluntad artística de esculpir con la luz. Eso Koentjoro lo hace magistralmente: construye volúmenes y texturas, envolturas de luz, araña el paisaje y le extirpa sus mejores brillos. El paisaje es una construcción mental a menudo: él sabe mirar y otorgarle un fogonazo de trascendencia, de pureza y de hermosura. [Este texto aparece en el segundo número de revista 'Mirror magazine']

Autorretrato de Marianne Breslauer. 1930.

Una selección de fotos del Festival de Cannes de Los Traverso, que puede verse en la FNAC: Liz Taylor, Monica Vitti, Brigitte Bardot, Sofía Loren, el equipo de ’Easy Rider’, Liz Taylor entre marineros...

Bajo el título CANNES CINEMA. HISTORIA VISUAL DEL FESTIVAL, Fnac Plaza España expone, del 1 de septiembre al 3 de noviembre, una muestra de 28 fotografías que rinde homenaje a la historia del mítico festival de cine a través de los ojos de la familia Traverso, cuatro generaciones de consumados fotógrafos que han tenido acceso exclusivo a los bastidores de los mejores directores y estrellas de todos los tiempos.

Desde el comienzo del festival en 1939 hasta la actualidad, los Traverso se han ido forjando una reputación sin igual en Cannes. Las primeras imágenes que realizaron captan la intimidad de una manera especial, mostrando a los famosos en sus habitaciones de hotel, relajándose en la playa o posando en yates privados. Henri Traverso degustó cócteles en la habitación de Grace Kelly, mientras que Gilles Traverso es uno de los ocho fotógrafos que goza en la actualidad de acceso a la alfombra roja y perpetúa así el crecimiento del amplio archivo familiar, que ya cuenta con más de 170.000 negativos.

Ordenadas cronológicamente, las bellas imágenes de Cannes Cinema narran la historia del desarrollo del festival: desde el ambiente local e informal que predominaba a finales de los 40, pasando por su eclosión en los 50 (cuando comenzó a atraer a estrellas del ámbito internacional), hasta sus últimos y más consolidados años. Elizabeth Taylor, Orson Welles, Brigitte Bardot, Alfred Hitchcock, Robert De Niro, Sharon Stone y Almodóvar, entre otros, quedan inmortalizados en esta exposición a través de las fotografías de la familia Traverso.

I ENCONTRO DE ARTISTAS NOVOS

El aragonés Jorge Fuembuena ha recibido una de las becas para participar como ponente en el  I Encontro de Artistas Novos que se celebra entre los días 4 y 9 de septiembre en Santiago de Compostela, donde se reunirán artistas de la talla de Daniel Canogar o Pierre Gonnnord.

La Cidade da Cultura abre sus puertas a jóvenes creadores nacionales e internacionales para que entablen un diálogo constructivo en torno al arte contemporáneo. Este complejo cultural se convierte así en escenario de intercambio donde reflexionar sobre aspectos esenciales de la creación artística y aspectos más concretos relacionados con la construcción de una obra y su proyección en el mundo real.

Los objetivos establecidos son:

1. La convivencia entre artistas jóvenes gallegos y procedentes de otros lugares.
2. Recorrer y debatir sobre la situación actual del Arte Contemporáneo.
3. Proporcionar un espacio de encuentro e intercambio de conocimientos e ideas.
4. Proporcionar a sus participantes un lugar de acceso directo a artistas y obras consolidadas.
5. Dar a conocer a los participantes las principales infraestructuras del territorio gallego dedicadas al arte contemporáneo.
6.  

En aras de fomentar la convivencia entre los distintos participantes,  la Fundación Cidade da Cultura ayuda a los jóvenes artistas a abrir nuevas vías de difusión para sus obras y ofrecerles un espacio de conocimiento, de reflexión y de intercambio de ideas. Además, dentro del programa se establece el “Foro Abierto”, donde le damos a 30 jóvenes creadores la oportunidad de exponer públicamente sus propios proyectos artísticos.

Cada jornada se celebran también conferencias con reconocidos actores del Arte Contemporáneo para el enriquecimiento de los nuevos creadores.

En esta primera edición participan destacados agentes culturales como son el prestigioso historiador del Arte Rafael Doctor Roncero e Ignacio Santos Cidrás, director de Acción Cultural de la Cidade da Cultura; Miguel von Hafe, director del Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC); David Barro, comisario independiente y director de la editorial Dardo-ds; e Iñaki Martínez Antelo, director del Museo de Arte Contemporáneo de Vigo (MARCO).

Diálogo constructivo sobre  arte contemporáneo

4 - 9 sep
Dirigen: Rafael Doctor Roncero

Ignacio Santos Cidrás

*Esta es la información oficial. las fotos son de Jorge Fuembuena.

Leyenda de amor y guerra de un fotógrafo

Mikel Begoña e Iñaket publican ‘Tristísima ceniza. Un tebeo de Robert Capa en Bilbao’ que recrea, también, la apasionada historia del fotorreportero con Gerda Taro, aplastada por una tanqueta en Brunete

Robert Capa (Hungría, 1913-Indochina, 1954) es el fotógrafo más famoso de todos los tiempos. Fue un aventurero comprometido y vitalista que estuvo en algunos de los lugares donde se jugaba el partido de la libertad: en la Guerra Civil española, en la Segunda Guerra Mundial, especialmente en el Desembarco de Normandía, y en otros muchos lugares donde hervían los conflictos, hasta tal punto que fue víctima de una mina antipersonal en Indochina. Siempre fue un hombre especial: carismático, seductor e inagotable que fundaría la agencia Magnum en 1947 con Henri Cartier-Bresson, George Rodgers y David Seymour ‘Chim’, entre otros.

A Ernest Endré Friedmann lo transformó en “el famoso fotógrafo norteamericano Robert Capa” una mujer, Gerda Taro, el amor de su vida, a la que perdería en Brunete, en 1937, aplastada por una tanqueta. Acababan de separarse en sus misiones: ella partió a Barcelona y acabó en Madrid; él se trasladó a Bilbao, luego estaría en Belchite y más tarde, en aquel invierno inolvidable de nevadas inmemoriales, captaría la batalla de Teruel. Como detalles que redondean su mito, Capa antes de ser Capa trabajó con Eva Besnyo, con André Kertész, conoció a Kati Horna, con la que coincidió en la guerra española, y tuvo una historia de amor con Ingrid Bergman que duró casi tres años. Y otra, más fugaz, con Hedy Lamarr.

Cuando Mikel Begoña empezó a fijarse en él para escribir el guión del cómic ‘Tristísima ceniza. Un tebeo de Robert Capa en Bilbao’ (Norma, 2011), recuerda, con ironía y gracia, que “se nos puso un poco terco (…) por los muchos compromisos y compromisos que últimamente le avasallaban. Que si más memorias, que si una película, que si algún romantiquísimo best-seller, más alguna acusación de falsificación de fotografías. Los compromisos sociales persiguen a Capa a perpetuidad”. Pese a ello, Mikel Begoña se atrevió a investigar la vida del fotógrafo durante su estancia en Bilbao durante la batalla de Sollube en mayo de 1937.

El azar y los datos acudieron en la ayuda de Mikel Begoña y del dibujante Iñaket porque descubrieron otros personajes claves. Además de Capa, por supuesto Gerda Taro, cuya ausencia había sumido al fotógrafo en una crisis o cuando menos en un estado de melancolía. Las diversas biografías de Capa y Gerda revelan que ambos tenían otros escarceos amorosos, sobre todo Gerda que quería ser una mujer libre y rechazó en varias ocasiones la propuesta de matrimonio. Pero también se encontraron con la ya citada fotógrafa Kati Horna, que se casó con el dibujante español José Horna y que captó la desolada plaza del Torico tomada por tanquetas tras una secuencia de la batalla; se encontraron con Esther Zibelberg, que trabajó de enfermera en el Batallón Perezagua, fue herida y luego colaboró con la revista ‘Mujeres’ con el seudónimo Juanita Lefévre.

Se encontraron con el combatiente Francisco Artasánchez que, tras la derrota del bando republicano en Sollube, huyó a Gibraltar y luego a Uruguay. Y también descubrieron la figura de Luis Lezama, que pertenecía a la burguesía antifascista vasca: combatió, perdió, fue atrapado, condenado a muerte y finalmente logró huir por el monte.

Estos serían los personajes del drama, así como otros soldados anónimos de los dos bandos. Con todo ello, y con las distintas crónicas de los hechos (el ejército republicano estuvo aquí muy desasistido y dio por perdido el combate antes de tiempo: sería cruelmente vapuleado), Mikel Begoña e Iñaket componen una nueva mirada sobre la Guerra Civil, poco después del bombardeo de Guernica, y sobre un personaje como Robert Capa, que tenía mucho cariño a España: aquí alcanzó renombre, captó todas las trifulcas –Bilbao, Barcelona, Belchite, Teruel, Frente de Aragón y batalla del Ebro…-, aquí perdió a su gran amor (hecho del que derivó un cierto complejo de culpa), aquí coincidió con Ernest Hemingway, que también aparece contando historias e historias sin parar (entre ellas, una en la que ataca a José Robles Pazos, el traductor de John dos Passos, que protagonizó el recomendable libro ‘Enterrar a los muertos’ (Seix Barral, 2005) de Ignacio Martínez de Pisón).

‘Tristísima ceniza’ es, sobre todo, una historia coral de desgarros y enfrentamientos, resuelta en tonos blancos y azules, una historia con muchos matices –temáticos, de estructura narrativa y visual, de aventuras casi imposibles por tierra, por mar y por aire, temporales y de personajes- que ofrece otra mirada sobre los ecos del golpe de Estado de 1936, que aún sigue alimentando corrientes de tinta, de debate y de confrontación. El libro contiene varios apéndices, uno con los personajes y otro dedicado a las tres misteriosas cajas de bombones con los negativos perdidos del Capa.

[El fotógrafo y periodista zaragozano Diego Ibarra me ha escrito esta mañana con nuevas noticias. Es un trabajador incansable que denuncia la injusticia por doquier. Dice: “Acabo de regresar de Afganistán. Mucho curro. No he parado de trabajar. Poco a poco voy a subir unas historias al blog. De momento he subida esta sobre las mujeres:
http://diegoibarrasanchez.blogspot.com/”.
Aquí la cuelgo. No puedo poner todas las fotos, pero sí algunas. En su blog, todo se entiende mejor... Diego también ha hecho otros trabajos, entre ellos uno sobre prisiones mentales.]

CONTRA LAS CUERDAS

Texto y fotos: Diego Ibarra

El sonido de unos puñetazos impactando en unos sacos de boxeo parece despertar del pequeño letargo a los pacientes kabulíes que esperan el final del ayuno del Ramadán. Una ráfaga de sonidos se entremezcla entre el gimnasio destartalado que albergan las antiguas gradas del Estadio Ghazi, testigo sin voz de las ejecuciones por lapidación durante el oscuro legado de la era talibán. Por unos instantes la rabia acumulada de la pérdida se torna en esperanza. Cada golpe se trasforma en un revés contra el horror, cada gota de sudor derramada reescribe las páginas de una historia reinventada.

Shabnam, de 18 años, lleva cuatro años enfundándose unos guantes de boxeo. Es una de las veinticinco chicas que acuden tres veces por semana al Estadio. El objetivo, convertirse en una boxeadora profesional en un país marcado por más de treinta años de guerra y el legado conservacionista y patriarcal que los talibans inocularon en la sociedad diez años atrás. La mirada de Shabnam refleja  la llama de cambio que Afganistán necesita para despertar del letargo. Es una de las cuatro candidatas, junto con sus hermanas, Fátima, Sadaf y Shudufa, a participar en los Juegos Olímpicos de Londres 2012 representando a Afganistán. 

“Con la ayuda de Dios traeré una medalla”, aspira la joven boxeadora mientras critica la situación que tiene que vivir como mujer a diario. “Todavía las niñas se ven presionadas a abandonar la escuela y las obligan a casarse muy jóvenes. La práctica del deporte todavía sigue siendo un “privilegio” reservado a unos pocos.

Una hilera de jóvenes mujeres se yerguen pacientes a la espera de las instrucciones del entrenador.  El pitido del silbato rompe de facto la disciplina “castrense” que se respira en el gimnasio. El ruido de las zapatillas trotando  por el lúgubre espacio deportivo se refleja en la luna de los espejos. Las más tímidas se echan las manos al velo. El continuo movimiento ha puesto al descubierto sus cabellos. 

Los golpes se repiten una y otra vez. Los guantes azules impactan sin descanso cortando la respiración del “punch”. “Uno, dos, tres, respira, cúbrete y lanza un izquierdazo directo al ángulo vacío que se destapa” grita Mohammad Sabir Sharifi, ex boxeador profesional que entrena a las chicas. A pesar de las amenazas recibidas, Sabir tiene la misión de prepararlas para la cita olímpica. 

“Tengo miedo de las represalias. Me han amenazado en un par de ocasiones, unos tipos que me reconocieron en la calle”, advierte el entrenador que denuncia “las escasas medidas de seguridad en el club” en un momento en el que el país vive una nueva oleada de violencia. “Sólo las familias de clase social alta apoyan y alientan a sus hijas a que hagan deporte. El resto, está en contra”, concluye Sabir.

Shahayla, de 14 años, es la más joven del grupo y gracias al apoyo de su familia puede venir al Estadio para entrenarse. El pañuelo blanco que cubre su rostro y los guantes no son suficientes para ocultar su tierna inocencia. “Aunque cuento con el apoyo de mis padres, jamás se me permitiría abandonar el país para ir a competir a los juegos olímpicos”, explica con resignación la joven.

Han pasado 15 años desde que el régimen del Mulá Omar extendiese su legado draconiano prohibiendo hacer deporte a la mujer y privándola del trabajo y de la vida pública amparándose en la ley islámica (ley Sharia). 

No obstante, la situación  de la mujer en Afganistán todavía sigue siendo la asignatura pendiente del gobierno pro occidental de Hamid Karzai, que ve como la sociedad afgana continua reinventado los fantasmas no tan olvidados del oscurantismo talibán que continua encerrando en jaulas de azul turquesa,  de árida tierra y miradas perdidas  las esperanzas de la mujer en Afganistán.

[Desde hace algún tiempo he recuperado la correspondencia con Pablo J. Rico, escritor, comisario de proyectos artísticos, soñador del arte, que reside desde hace unos años en México. Pablo trabaja con muchos artistas: publica catálogos, colabora en carpetas de arte y bibliografía, coordina y dirige exposiciones, y como casi siempre busca historias, poemas, imágenes. Me envía este texto sobre uno de los retratos más conocidos del fotógrafo Antonio Turok: “Con Antonio Turok llevo algo entre manos. Antonio es uno de los fotógrafos más ‘decisivos’ de la fotografía mexicana contemporánea. Presenté su última exposición en el Centro Nacional de la Imagen aquí en México”].

EL RETRATO DE MARÍA CARTONES:

VISIONES Y VIDENCIAS EN UN ROSTRO ENLODADO…

Por Pablo J. RICO

En su magnífico libro monográfico Chiapas. El fin del silencio (1998), Antonio Turok presentaba una cuidada selección de sus fotografías de entre las miles realizadas aquellos años en Chiapas (1973-1995). Confieso que una en especial me cautivó nada más verla por primera vez: el retrato de María Cartones… Antonio Turok escribía allí sobre la dramática historia de esta mujer:

“María era una mujer indígena de San Juan Chamula que ostentaba un alto cargo religioso en su comunidad: era la esposa del pasión del carnaval, una épica celebración que conmemora la creación del mundo. El marido murió antes de cumplir su encargo y, por costumbre y tradición, María Cartones fue nombrada Martoma Sacramento, “guardián del santo”, el más alto cargo religioso que se concede a una mujer. Significaba que tenía que cumplir con las obligaciones rituales que dejó incompletas su difunto marido. Para que pudiera cumplir con este cometido, la comunidad le otorgó el permiso de viajar a San Cristóbal a vender algunos productos en el mercado y de esa forma pagar sus deudas. En el camino María fue violada por un grupo de jóvenes coletos y resultó embarazada. Cuando nació la creatura, le fue arrebatada de los brazos por un grupo de religiosas. María se hundió en la locura. Se paseaba por las calles con el rostro untado de lodo, gritando en su pobre español y en su tzotzil entrecortado:

            ––¡Por eso uso mi máscara! Me embarro de mugre el rostro para ahuyentar a los hombres que me ofendieron cuando vendía naranjas, piñas y calabazas”…

La máscara de María Cartones no es un simulacro ni un disfraz tras el que se esconde esa mujer. No oculta sino manifiesta, es su identidad; como lo es también su mirada mística (que no mira ni ve este mundo ni de lejos ni de cerca), esa ceguera de su locura. La cara enlodada de María Cartones la identifica e individualiza… Rostro más que máscara, transfigurado, transubstanciado, espejo en negativo de su trágica biografía, de la misma materia de sus paisajes atormentados. Todo está fundido, es indesollable, en su rostro…“Un sujeto no elige rostros; son los rostros los que eligen sus sujetos” (…) “Más que poseer un rostro, nos introducimos en él”… ––afirmaba Gilles Deleuze en Mil Mesetas, donde dedica todo un capítulo al rostro y la “rostridad”, la producción social, política y cultural de rostros e identidades…

No me interesa la genealogía del “pecado” de locura de María Cartones ni los mares de lágrimas ni los estratos de violencia que moldearon su rostro embarrado. Me conmueve sobre todo su verdad original e inocente, el triunfo de lo orgánico y natural en su rostro. Parece como si Michel Foucault hubiera presentido a María Cartones y escrito para ella estas palabras: “Ahora toda locura y el todo de la locura deberá tener su equivalente externo o, para decirlo mejor, la esencia misma de la locura será objetivar al hombre, empujarlo al exterior de sí mismo, desplegarlo finalmente a nivel de la pura y simple naturaleza” (…) “El hombre no se convierte en naturaleza por sí mismo, sino en la medida en que es capaz de locura”… La locura retratada de María Cartones es natural, se mimetiza con la naturaleza, forma parte de ella y la representa en su retrato; es la punta del iceberg de un mundo a la deriva ensimismado en su propia catástrofe.

El problema de la locura atraviesa toda la obra de Foucault. Su magna obra Historia de la Locura en la época clásica no fue sino uno de sus remedios homeopáticos. Foucault hizo de su locura un arte de vivir. “Sólo podemos evitar la muerte y la locura si hacemos de la existencia un “modo”, un arte” ––escribe Deleuze refiriéndose a Foucault… Por supuesto que la locura de María Cartones no es la locura del filósofo; su oficio no fue pensar sino sobrevivir tras su máscara de barro. Su rostro era una cuestión de vida o muerte… Así lo supo ver Antonio Turok que sin querer o aun queriendo dio vida a María Cartones más allá de su locura en la cordura de su retrato. ––cordura, soga visual trenzada que nos liga felizmente voluntarios a un rostro, una mirada perdida, su ceguera de este mundo…

El retrato de María Cartones es mucho más que su imagen exacta, especular; ha sido fijado y está impreso en su misma materia. Es una fotografía esencial… Como afirma Bergson en el primer capítulo de Materia y Memoria, “la fotografía, cuando la hay, está ya hecha, tomada en el propio interior de las cosas y en todos los puntos del espacio”… Deleuze reivindica esta revolucionaria concepción bergsoniana de la fotografía: “El ojo está ya en las cosas, forma parte de la imagen, es su visibilidad. Bergson lo muestra: la imagen es luminosa o visible en sí misma, solamente necesita una “pantalla oscura” que la impida moverse en todos los sentidos con las demás imágenes, que impida que la luz se propague y se difunda en todas direcciones, que refleje y refracte la luz” (…) ”El ojo no es la cámara sino la pantalla. La cámara, con todas sus funciones preposicionales, es más bien un tercer ojo, un ojo mental”.

Me fascina la mirada del artista, cómo no, el hacer del fotógrafo, su ojo mental, cómo logra “presentir” el acontecimiento, suspender el tiempo y captar el instante haciéndolo eterno, recordarlo una vez más en su estudio cuando la producción definitiva de la fotografía… Al respecto Deleuze afirmaba que “no es que haya tiempos muertos antes o después del acontecimiento, sino que el tiempo muerto ––yo diría “ciego”–– está en el acontecimiento”… El retrato de María Cartones es un retrato de artista. Las imágenes indiferenciadas de los media nos convierten en miradas pasivas, a lo peor en mirones ociosos. Pero “no son los media sino el arte quien puede alcanzar el acontecimiento” (…) “el acontecimiento más común nos convierte en videntes”… Ese “acontecimiento” que el artista prevé y presiente en un instante, esa unidad de tiempos, espacios y formas que recompone en su estudio, sus videncias, son entre otros atributos diferenciados del artista, entre sus destrezas, sus principales señas de identidad…

El artista es un vidente… ––“evidentemente”. Al respecto no puedo por menos que señalar una de las últimas intuiciones de Jacques Derrida, cuando confiesa que a partir de un cierto momento se percató que el privilegio tradicional de lo visible estaba constantemente sostenido, fundado, incluso él mismo desbordado, por el privilegio del tacto… En Mémoires d’aveugle. L´autoportrait et autres ruines, Derrida reflexiona extensamente sobre todo esto. La convencional diferenciación entre ver y tocar, su especificidad sensorial, la cuestiona al referirse a un “tacto que ve”, esa exploración que suele hacer el ciego con los dedos o ese gesto tan típico de extender las manos para anticipar lo que se va a encontrar, un “prever sin ver”… El gesto del ciego es tender las manos hacia delante, explorar el vacío, anticiparse al peligro. Lo (im)previsible se busca y encuentra palpando. Es “la especulación que se aventura”, que diría Derrida…

Lo más sorprendente de esta reflexión de Derrida sobre la ceguera son sus analogías con respecto a la escritura y el dibujo ––¿por qué no también la fotografía?... La escritura va “a través de la noche, más lejos que lo visible o lo previsible.” (…) “No (más) saber, no (más) poder: la escritura se entrega más bien a la anticipación”. Una anticipación que no sólo es previsión o predicción sino que va más allá del plan, de lo previsible y predecible; corre riesgos, es pura videncia apenas con la yema de los dedos. Así entiendo el arte, sobre todo las artes visuales, a los artistas, ciegos videntes, cuyo gesto “oscila en el vacío entre la prensión, la aprehensión, la plegaria y la imploración”…

El dibujante, en la medida en que dibuja es un ciego, su lápiz es un bastón de ciego, está “interesado por los ciegos”, está “comprometido entre ellos”… Una imagen que representa un ciego ––y María Cartones lo es, tanto por su locura ciega como por el éxtasis de sus visiones–– es algo más que un retrato hecho por un artista. En cualquier retrato artístico hay “una fatalidad del autorretrato”, es decir una necesidad, una especie de obligación, algo funesto, un tropismo inevitable… Al retratar un ciego, el artista retrata al ciego que él mismo es; es pues un autorretrato. El autorretratado se mira y nos mira; se mira a los ojos en los ojos de su modelo y en sus espectadores. Vidente del vidente y no de lo visible, no ve nada.… Todo retrato-autorretrato es de imaginación, pese a los espejos, los mecanismos ópticos y sus operaciones…

La palabra castellana “óptica” procede del griego “optikós” ––vista–– y se aplica a las cosas relacionadas con la luz, la visión o los aparatos, lentes, etc., destinados a perfeccionar la visión de las cosas, “ver más y mejor”, es decir sus prótesis… Una imagen artística en realidad  no es más que lo que se ve —como la imagen en un espejo. Sin embargo de algún modo extraordinario una pintura, una fotografía, actúan de prótesis de nuestras miradas, nos hacen ver más de lo que se ve, más lejos, más profundo, hasta ver lo que no se ve, lo invisible… Resulta sorprendente la contigüidad en los diccionarios de otra palabra que nada tiene que ver semánticamente con “óptica” y sin embargo parece que prolongara su significado esotérico. Me estoy refiriendo al término “optimismo”, que en filosofía sería la atribución al universo de la máxima perfección como obra que es de un ser infinitamente perfecto; también es una propensión a ver o esperar lo mejor de las cosas. Ensambladas “óptica” y “optimismo” parece como si nos quisieran revelar que “ver y reconocer” cosas tiene que ver con el optimismo del que mira y quiere ver más allá de lo que ve. Al igual que en el espejo cada uno ve según interpreta, aunque se trata de una imagen aparentemente unívoca, fiel a su objeto original. El espectador pesimista es el que no ve nada, apenas sombras, estrategias de ocultación, extravagancias… Benditos los mirones creativos, los espectadores optimistas conmovidos por su experiencia estética, hasta cierto punto también videntes cegados por el aura de la obra de arte, que no sólo recrean una obra, como diría Duchamp sino que crean su propia obra con fragmentos y despojos de lo que miran… Qué alquimia la de esta ceguera artística. Qué milagro el de estos mirones transformados en videntes… Qué maravilla la de este retrato de María Cartones ––el autorretrato de un fotógrafo vidente, ni más ni menos…

“Un buen retrato me parece siempre la dramatización de una biografía, o, mejor dicho, el derecho natural inherente a todo hombre”… ––Baudelaire, 1859

Ciudad de México, mayo 2010

El poeta Dolan Mor, un cubano de escritura versátil y personalísima que reside en Zaragoza desde hace años, está pasando un buen momento de creación y de eco de su poesía. Uno de sus últimos volúmenes es ‘La dispersión’, que publica Amargord. Me manda dos textos que acaban de ser traducidos al italiano y al rumano.

FOTOGRAFÍA 

(Traducción al italiano por Gordiano Lupi)

Me vienen a las manos

las baladas

de Johann Bellina,

eran azules,

dos perlas,

como tu ojos,

cuando eras joven

(¿recuerdas?

rusa, de pelo corto),

actriz de un cine mudo

(parecías

una dama violeta,

como las tardes

inglesas de Eliot,

y brillaba tu rostro, era

como de un mármol fino),

subían por mis manos

las letras

de aquella música

(sol de invierno,

en tu casa)

en la foto,

ya gris,

te escuchaba,

la melodía

era el tiempo

sin voz

sobre el papel,

tus rasgos de animal

(¡tu bella sombra!)

un ciclamen del este

(florecido),

y las baladas

de Johann Bellina

que no existe,

su nombre

lo he inventado,

igual que este poema

que refleja una foto,

un perfume

que robé de los dioses.

FOTOGRAFIA 

Mi trovo tra le mani
le ballate
de Johann Bellina,
erano azzurre,
due perle,
come i tuoi occhi,
quando eri giovane
(ricordi?
russa, con i capelli corti),
attrice di un cinema muto
(sembravi
una dama violetta,
come le sere
inglesi di Eliot,
e splendeva il tuo volto, era
come di un marmo fine),
uscivano dalle mie mani
le parole
di quella musica
(sole d’inverno,
nella tua casa)
nella foto,
ormai grigia,
ti ascoltavo,
la melodia
era il tempo
senza voce
sulla carta,
i tuoi gesti d’animale
(la tua bella ombra!)

un ciclamino dell’est
(fiorito),
e le ballate
di Johann Bellina
che non esiste,
il suo nome
l’ho inventato,
come questa poesia
che riflette una foto,
un profumo
che ho rubato agli dei.

Pensando en Daedalus en un viaje a China

 (Traducción al rumano Dumitru M. Ion)

Subes una escalera de mármol

que flota sobre un lago en China

y a medida que te elevas sobre el agua

piensas en el mecanismo del poema.

Cada peldaño que ascienden tus pasos

es igual al misterio que opera

en el verso que construye tu mano.

Cada instante de duda sobre las losas

de piedra, equivale a pisar en el idioma

un artículo, un verbo, un sustantivo.

No te debes fiar de las barandas,

ni de los pasamanos, ni de los adjetivos.

Nunca debes mirar a tus zapatos

ni posar tus dos ojos como pájaros

en el punto de inicio hacia “el arriba”.

(Apréndelo de Lot o de Bataille.)

Una vez que comienzas no hay sentido

que no lleve a escribir el vano oficio.

O llegas a la meta y te deslizas

como un niño con alas sobre

un nuevo pasillo, o te dejan caer

con las palabras regadas como vísceras,

envueltas en la sangre que nadie limpiará

en tu caída, rodando en llamas

hacia las oscuras aguas de la hoja.

Cu gândul la Dedal într-o călătorie în China

Urci o scară de marmură

Care pluteşte deasupra unui lac în China

Şi pe măsură ce te ridici deasupra apei

Te gândeşti la mecanismul poemului.

Fiecare treaptă pe care o urcă paşii tăi

E la fel ca misterul care are se-ntâmplă

În versul de mâna ta construit.

Fiecare moment de indecizie pe lespezile

De piatră, e ca şi cum ar păşi în limbă

Un articol, un verb, un substantiv.

Nu trebuie să ai încredere în balustrade,

Nici în ale scărilor, nici în ale adjectivelor.

Niciodată să nu îţi priveşti încălţările

Nici să îţi îndrepţi cei doi ochi ca păsările

În punctul de plecare în ”sus”.

(Învaţ-o de la Lot sau de la Bataille.)

Odată ce începi nu există simţ

Care să nu ducă la scris, îndeletnicirea zadarnică.

Sau îţi atingi scopul şi te desprinzi,

Ca un copil cu aripi, pe

Un nou coridor, sau te lasă să cazi

Cu cuvintele umede ca viscerele,

Îmbibate în sângele pe care nimeni nu îl va curăţa

În căderea ta, rostogolindu-te-n flăcări

Spre întunecatele ape-ale filei.

*Dolan Mor recibe un premio de manos de Pilar Navarrete, entonces Directora General de Cultura del Gobierno de Aragón. Abajo, varias fotos de Wynn Richards.

He estado un día y medio fuera de casa: en Veruela, en Beceite, en tierras del Matarraña, y en Ejulve. Al llegar me encuentro con la obra de la fotógrafa Susan Burnstine, a la que venía siguiendo desde hace algún tiempo. Me ha hecho pensar en ella el taller de Gema Noguera. Susan es una fotógrafa nacida en Chicago que reside en Los Angeles y que trabaja para distintos lugares. Ha ganado muchos premios de mérito. Practica una fotografía que está en el límite del sueño, de la duermevela o el insomnio. Es una fotografía que tiene algo de cuento de hadas, inquietante y poética a la vez, borrosa, una fotografía que parece surgir de un mundo de nieblas, de un lugar donde los seres humanos son un tanto fantasmagóricos. Sus fotos, en realidad, parecen el documento de una alucinación o de un viaje a un extraño lugar donde todo está desdibujado y resulta demasiado fugaz. Las fotos a veces parece surrealistas, a veces metafísicas...

Como detalle importante, Susan construye sus propias cámaras -de plásticos, de cartón, de paple...- y no emplea para nada el photoshop.

La turbulenta belleza de Peyrotau & Sediles

El dúo de fotógrafos presenta una veintena de fotos de sus diez años de historia y una selección de sus vídeos en el Museo Camón Aznar en ‘Cómplices’, marcadas por la impacto visual y la ambigüedad

Peyrotau & Sediles son Aránzazu Peyrotau (Barcelona, 1975) y Antonio Sediles (Zaragoza, 1975) y trabajan en equipo, en busca de una imagen propia y de sus conceptos, desde hace una década. Desde 2000, proyecto a proyecto, siempre les ha interesado mucho la energía visual: la elaboración de una imagen poderosa y ambigua que puede ser observada desde distintos prismas. La fotografía de Peyrotau & Sediles es y no es narrativa, es clásica y moderna a la vez, es emocionante y turbadora, remite a la pintura y a la propia fotografía, y está vinculada a la exaltación de la sublime y a ciertas esferas de la marginalidad.

En un principio, podría decirse que han estado muy interesados en lo que se llamaría fotos de tribus urbanas, a la manera de Miguel Trillo, en cierto modo, como se ve en piezas como ‘Aura’ (2001) y ‘None’ (2001), que integran la exposición de fotos y de videoinstalaciones que ahora se expone en el MICAZ bajo el título de ‘Cómplices’. A esta serie, algo más evolucionada, podrían pertenecer ‘Zatu’ (2004) y ‘Frank T’ (2004), que parece dialogar en cierto modo con la obra del norteamericano Andrés Serrano.

Poco a poco, fueron evolucionando hacia una fotografía de sustrato barroco, vinculada al mundo del piercing, del rocanrol y del desnudo, de un retrato directo y a la vez complejo, como sucede con dos obras tan poderosas como ‘Anita’ (2007) y ‘Muriel’ (2007). La primera remite a un mundo de tatuajes y cadenas, y la segunda ofrece una compleja psicología, acaso una herida psicológica, de una mujer que es retratada con una serpiente. Y ahí, en ese universo de demoliciones y de sueños, parecen encontrarse con Alberto García-Alix.

En el camino de búsqueda de la depuración expresiva apostaron por la serie ‘Enmascarado’: esos rostros y máscaras de lucha libre esculpidos por la luz sobre un fondo negro. Peyrotau & Sediles fijaban el foco en la sombra de los ojos, casi ojos acuosos y alucinados, y en el brillo de las caretas: creaban una atmósfera de soledad y turbación, de concentración y vigilancia. Esos rostros plantean un interrogante para el espectador: le preguntan sobre el vacío, el combate, el arte de mirar. Más que preguntarle, le muestran el estupor de existir peligrosamente.

Ese desarrollo tenebrista, vinculado a Ribera y Caravaggio, y tal vez al fotógrafo francés Pierre Gonnord, alcanza su máxima expresividad y elocuencia visual en piezas como ‘Delatus’ (200), que tiene mucho de ‘vanitas’ barroca’, como ‘Obumbrata’, esa mujer embarazada con sombrero que muestra el perfil de su barriga, y con ‘Lux’ (2009), que quizá sea una de las imágenes más puras y sugerentes que ha realizado hasta ahora el dúo. ‘Lux’ es una obra de de aroma veneciano, casi carnavalesco, con dos fogonazos de luz en medio de la noche y del negro: los ojos azules y el óvalo de la frente y la cara. Y otra obra muy medida, casi una lección del equilibro de la fotografía en color, es ‘Kiss me… Kill me’ (2008), que subraya cualidades constantes de la producción de estos fotógrafos: la ambigüedad, el amor y la muerte, la delicadeza y la agresividad, la sugestión y la turbulencia.

Ahora, trabajan en una nueva serie temática: ‘La leyenda de Ausare’, de la que ofrecen tres piezas de sesgo minimalista que recrea una leyenda china extendida en Japón. La muestra se completa con varios videocreaciones que tienen un hilo conductor: el ojo que mira, el ojo que nos ve, el ojo que se abre casi sin parpadear y que muestra una especie de corazón delator dentro. El ojo del cíclope. Es el ojo de Luis Buñuel, el ojo que mira los rascacielos (alguna imagen hace pensar en Berenice Abbott), es el ojo que atemoriza y palidece. ‘Cómplices’ también deja flotando en el aire: ¿cómo serán las nuevas imágenes de Peyrotau y Sediles? ¿Qué caminos buscarán estos artistas, intensos, melancólicos en ocasiones, que conviven con el miedo, con la belleza, con la rabia, con el claroscuro y con los gritos del silencio?

Cómplices. Peyrotau & Sediles. Museo Ibercaja Camón Aznar. MICAZ. Hasta el 31 de agosto.

Adelino Lyon de Castro nació en Lisboa en 1910 y falleció en 1953, a los 43 años. Fue una figura importante en la cultura portuguesa; fundó, con su hermano Francisco, las Publicaciones Europa-América. Tras finalizar la Segunda Guerra Mundial se volcó con la fotografía, dentro de una estética claramente humanista, que retomaba el neorrealismo y la preocupación por los marginados y la justicia social. Hace poco fue objeto de una gran exposición en Lisboa, centrada en sus últimos ocho años de vida. Ha dejado un legado de más de 3.500 fotos.

Mañana jueves día 14 de julio se inaugura en la Sala Municipal de Exposiciones San Benito de Valladolid de Valladolid la exposición “MIROSLAV TICHÝ. Retrospectiva”, formada por más de un centenar de obras este gran creador fallecido en el pasado mes de abril. Las exposiciones de Miroslav Tichý han llegado a centros prestigiosos como el Georges Pompidou de París, el Museo de Arte Moderno de Frankfurt, International Center of Photography de Nueva York,  o el Kunsthaus de Zurich. La exposición se presenta con la colaboración de la fundación Tichý Ocean, cuyo presidente Roman Buxbaum, asistirá a la presentación

Tichý es un fotógrafo que ha permanecido toda su vida en el más absoluto anonimato, y no por ignorancia del mundo hacia su obra, sino porque él mismo ha ignorado al mundo. Tichý es una leyenda de otro tiempo, un hombre que ha renunciado a cualquier aspecto consumista del arte e incluso al consumismo en general. Este afán por mantenerse al margen ha llevado al artista a fabricar él mismo su material fotográfico a base de objetos reciclados de la calle y la basura. Estas cámaras – que también podrán verse en la exposición- realizadas con botellas, cajas de cartón, latas y otras piezas similares, captan imágenes imprecisas, sobreexpuestas o con falta de exposición. Un detalle definitivo que forma parte de su obra y del que podemos ver muestras en la exposición.

Nunca antes como en el  caso de Miroslav Tichy había sido tan difícil definir al hombre y al artista. Un personaje complejo, sobre todo inaccesible, que refleja en su poética la complejidad de su ser. Tichy irrumpe en los altares de la historia de la fotografía recientemente; antes había sido sólo una simple atracción local en el pequeño pueblo de Kyjov (Moravia), su pueblo natal, hasta que, en 2004, el eminente comisario Harald Szeemann decidiera exponer una selección de sus fotografías en el contexto de la Bienal de Sevilla. La recuperación de gran parte de su archivo personal se debe a Roman Buxbaum, nieto de sus vecinos de casa y amigos, que se refugió en Suiza durante el periodo de las purgas soviéticas, después de la Primavera de Praga.

El trabajo de Tichy es fruto de un ritual obsesivo y mecánico que, en los años en los que escoge la fotografía como su medio de expresión privilegiado - entre los años ‘60 y ‘80-, se repetía diariamente: el artista recorría las calles Kyjov por el mismo periodo de tiempo, disparando siempre tres rollos cada día realizando un total de 108 imágenes. Tichy no tenía un itinerario preciso: vagaba por la ciudad y sus encuentros eran totalmente imprevistos y casuales.

Mirando sus fotos se tiene la impresión de asistir a la proyección de una película muda de principios del siglo pasado. Las escenas están siempre tomadas en las calles de Kyjov e indagan en algunos espacios en particular –la piscina municipal, el parque público, las tiendas del centro– y las protagonistas indiscutidas son las mujeres, retratadas durante el desarrollo de sus tareas cotidianas o en momentos de diversión. El director es Tichy que, con sus cámaras construidas con materiales de reciclaje (cajas de zapatos, latas, elásticos de vestidos, rollos de papel higiénico y paquetes de cigarrillos), imprime sobre película momentos de cotidianidad.

Tichy fotografiaba sus sujetos sin que se dieran cuenta, disparando a la altura de la cintura, sin mirar nunca por el visor y evitando el contacto visual directo con las mujeres a las que retrataba; además a menudo aparecen en sus fotografías elementos que señalan la distancia entre el observador y el sujeto retratado (una malla de hierro, las ramas de un árbol), y por último sucedía que quien se daba cuenta que estaba realizando fotografías, le dejaba hacer porqué nunca podía imaginar que una cámara de aquel tipo pudiese funcionar de verdad!

Tichý busca la belleza más cercana mediante un cierto erotismo casi inocente y una óptica erosionada que le ofrecen sus cámaras elaboradas con desperdicios. La técnica de Tichý no es la de un retratista al uso. Sus imágenes están formadas por figuras borrosas que en ocasiones parecen salir de los delirios de un sueño, más cercanas a una pintura -su verdadera vocación que no pudo ejercer con libertad- que a la fotografía.

MIROSLAV TICHÝ

Miroslav Tichy nació en 1926 en un pequeño pueblo de Moravia (República Checa), región en la que ha vivido la mayor parte de su vida. Demostrando ya desde niño un interés por las artes y un talento visual especial, era natural que en 1945 se inscribiera en la Academia de Bellas artes de Praga. Después de que el Partido Comunista de Checoslovaquia llegara al poder, en la Academia tuvieron lugar cambios dramáticos; Tichy abandonó los estudios y realizó el servicio militar obligatorio hasta 1950. Parece que fue en este momento que comenzó a tener problemas con las autoridades debido a su carácter rebelde y desafiante.

A finales de los años 50 abandonó la pintura y desde finales de los ‘60 comenzó a realizar fotografías principalmente a mujeres locales, algunas realizadas con cámaras hechas a mano. En estos mismos años, debido a su estilo de vida, su pelo largo y su abrigo, fue acusado de ser un disidente político y se convirtió en un objetivo prioritario de la policía: fue arrestado en 1966 y después fue trasladado a una clínica.

La primera exposición de Tichy tuvo lugar en 1956 en el hospital Kyjov, pero el paso desde el espacio de su estudio semi-privado a un espacio de exhibición pública fue traumático para él. Por tanto, Tichy decidió que no quería tener nada más que ver con las exposiciones (la siguiente tuvo lugar en 2006) y que habría vivido y trabajado sólo para sí mismo. Cesó de viajar y empezó a ir a todas partes a pie; gran parte de su enorme obra fue creada a poca distancia de su casa. Tichy murió el 12 de abril de 2011 en Kyjov.

La exposición permanecerá abierta hasta el 28 de agosto. [Este texto de la promoción de prensa de la propia muestra.]

Julio José Ordovás, a quien me encontré el otro día en la presentación de Juan Villoro, me acaba de mandar la fotografía de unas bicicletas de Herbert List, uno de los grandes fotógrafos del desnudo. Sigo a lomos de la bicicleta (tras la aparición del poemario ‘El paseo en bicicleta’, Olifante, del que firmaré ejemplares en la Feria del Libro de Jaca el doce de agosto), ahora en un proyecto más narrativo. O novelesco. Los fotógrafos van a ocupar un espacio muy importante.

[Diego Ibarra, joven fotógrafo zaragozano al que entrevisté hace pocas semanas en ‘Artes & Letras’ de Heraldo de Aragón, acaba de recibir un importante premio, el segundo, de Fotografía Humanitaria Juan Bartolomé. El ganador fue Musuk Nolte Maldonado. Diego me envía esta información de agencia, de Europa Press en concreto]

Una foto de Diego Ibarra. Y arriba otra.

El fotógrafo peruano Musuk Nolte Maldonado ha obtenido el máximo galardón en el Concurso de Fotografía Humanitaria Juan Bartolomé, que este año ha vivido su primera edición, ha anunciado este miércoles la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID).

   Nolte Maldonado recibirá 2.000 euros por su serie de diez fotografías 'Shawis', etnia que habita en la selva peruana y con la que trabaja la AECID para, entre otras cosas, preservar su idioma nativo. En palabras del autor, los 'shawis', que viven "a dos días de cualquier ciudad del departamento de Loreto por vía fluvial, son el símbolo de la lucha de las comunidades indígenas por enriquecer su identidad equilibrando sus tradiciones con la modernidad".

   El zaragozano Diego Ibarra Sánchez ha obtenido el segundo premio del concurso, dotado con 1.500 euros, por su fotografía 'Thatta' de la serie 'Pakistán a la deriva: el monzón'. La imagen se tomó tras las inundaciones que en julio de 2010 afectaron a más de 20 millones de personas en este país. La AECID intervino en la catástrofe con diferentes envíos de material y de equipos médicos.

  El tercer premio, de 1.000 euros, ha ido a parar a la serie de cinco fotos 'Soñando Haití' del autor guipuzcoano Eduardo Arrillaga Sánchez, que narra el desastre que sufrió el país en enero de 2010 tras el terremoto, informa la AECID en un comunicado.

   España, a través de la AECID, desplegó uno de los mayores operativos de emergencia de su historia y la sociedad española mostró también una solidaridad sin precedentes ante la magnitud de la catástrofe, añade la agencia dependiente del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación.

   El jurado que ha fallado los premios lo componían los fotógrafos
Alfredo Cáliz Bricio, Sofía Moro Valentín-Gamazo y Susana Vera Pascual, que han valorado la calidad de las imágenes presentadas así como su capacidad narrativa y descriptiva de la realidad de las acciones de cooperación para el desarrollo presentadas al concurso.

   Las series y fotografías premiadas, así como una selección de las 713 obras presentadas al concurso por 86 participantes de todo el mundo, podrán verse en una exposición que se organizará en septiembre en torno a la Semana de la Cooperación.

   La I Edición del Premio de Fotografía Juan Bartolomé, dirigido a fotógrafos profesionales o amateurs sobre la temática de imágenes tomadas en el marco de algún proyecto que aborde y refleje el esfuerzo de la cooperación para el desarrollo, lleva el nombre del recientemente fallecido Juan Bartolomé por su dedicación al mundo de la cooperación y su amor a la fotografía.

   Juan Bartolomé, uno de los grandes exponentes de la solidaridad en España, fue durante más de 10 años, en su última etapa al servicio de la Administración Pública, jefe de Acción Humanitaria de la AECID, aunque siguió más allá de su jubilación entregado a causas y expediciones solidarias.

LA ALEGRÍA, LA POESÍA VITAL DE LARTIGUE EN LA LONJA

«Ser fotógrafo es atrapar el propio asombro». Durante toda su vida, Jacques Henri Lartigue (1894-1986) fue fiel a esa inquietud. Desde su más tierna infancia fotografió todo aquello que le conmovía, que le hacía feliz, que le parecía bello y que le servía para luchar contra el paso del tiempo y el olvido. Reconocido hoy de forma unánime como uno de los grandes nombres de la fotografía del siglo XX, su obra constituye un documento único de una época y una forma de vivir.

Un mundo flotante. Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986) es la primera gran exposición antológica del fotógrafo que se realiza en España. Ha estado en Madrid, en Barcelona y ahora llega a Zaragoza. Reúne alrededor de doscientas piezas procedentes de la Donation Jacques Henri Lartigue de París, entre copias modernas e instantáneas originales tomadas y reveladas por él mismo -algunas de ellas con la técnica estereoscópica-, así como cámaras y cuadernos. La muestra hace especial hincapié en los temas que resultaron una constante durante toda su carrera: la fotografía como instrumento de la memoria, una herramienta para capturar la fragilidad de la existencia y la brevedad de la felicidad. También refleja su particular visión de las mujeres y de un mundo que cambiaba velozmente. Todo ello permitirá descubrir al visitante el retrato de una época ya desaparecida a partir de las imágenes inconfundibles de Lartigue, un maestro que durante sus casi 90 años de trayectoria nunca dejó de considerarse un aficionado.

La exposición Un mundo flotante. Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986) ha sido comisariada por Florian Rodari y Martine d'Astier de la Vigerie, directora de la Donation Jacques Henri Lartigue, con la asistencia de Maryam Ansari. La muestra podrá verse del 30 de junio al 31 de agosto de 2011 en La Lonja de Zaragoza (Plaza del Pilar, s/n). [Este texto pertenece a la promoción de prensa de la propia Caixa]

[El fotógrafo Alberto Rodrigálvarez intentó hacer un comentario a las opiniones de Emilio Casanova en mi blog, pero no le dejó el sistema. A mí tampoco me deja. Y traigo aquí el texto. Alberto me decía lo siguiente: “No conozco de nada a Emilio, ni a Belloch, ni pertenezco a ningún partido políticio, ni soy ningún representante de la cultura, pero como veo que firma como un ciudadano, a mí también me gustaría escribir como otro ciudadano…”]

LA CAPITALIDAD CULTURAL, DONOSTIA Y EL ALCALDE BELLOCH

Por Alberto Rodrigálvarez

Creo que Belloch erró en las formas pero técnicamente tiene razón.  Cuando se es ’jurado’ no sólo hay que ser objetivo, sino además aparentarlo. Salir ante la opinión pública y hacer comentarios fuera de lo que sería estrictamente ’objetivo’ es una barbaridad. Emocionalmente uno puede pensar lo que quiera, pero su ’deber’ como jurado es ser estrictamente objetivo y no dejarte llevar emocionalmente y mucho menos en público. No he oído todos los comentarios pero estoy totalmente de acuerdo cuando Belloch dijo que en condiciones normales al ganar San Sebastián sólo habría habido un problema político, pero con las declaraciones que ha hecho como jurado ahora existe un problema jurídico.

El hecho de que me pueda parecer a mí por ejemplo sacar un video con unos niños de diferentes etnias con la palabra ’paz’ y que el jurado diga que está ’emocionado’  y se convierta ahora en el ’salvador divino’ que ayuda en el camino a la paz no sólo está totalmente trasnochado sino que además conduce a pensar que tiene un total desconocimiento de la realidad. El nacionalismo es un ’sentimiento’, pero no es ’cultura’. La cultura está más allá del nacionalismo y cuando éste la emplea, es sólo en su beneficio. Al margen de esto y lo que más imprudente me ha parecido a pesar de los errores que ha cometido Belloch, es el hecho de que Emilio aluda a la condición de Ministro que tuvo Belloch. Por eso mismo, puedo entender que una persona que si no me equivoco estuvo muchos años de ’juez’ en el País Vasco y ha asumido los ministerios de Interior y Justicia(combatiendo el terrorismo)  ahora al presentar un proyecto ’cultural’ se encuentre que el jurado hable de otras cosas que no son las estrictamente técnicas y encima sepa que al frente del proyecto, el  que es el encargado de desarrollarlo haya gente que más que representar la capitalidad europea de una ciudad de España, lo haga en beneficio propio, ya que en realidad ellos creen en su autodeterminación y en la consideración de un estado propio.

No digo que este resultado no sirva para construir, ni que un proyecto sea mejor ni peor,  lo que digo es que la ’motivación’ empleada en el discurso del jurado es un insulto y una falta de respeto  para la gente que trabajan en los proyectos porque deja de lado lo ’importante’. Creo que obligatoriamente debería haber una rectificación por parte del jurado, ya que si no demuestra su influenciabilidad por otros factores que no deben afectar a  su decisión. Puestos a hacer memoria también podríamos recordar palabras como las de Arzalluz en su día: ’Para nosotros las bombas y para los españoles la cultura’, en relación a la petición que hacían del cuadro del Guernica. Creo que las palabras fueron similares a estas.... Ni siquiera se respeta el hecho de que creo recordar que el deseo  de Picasso hubiese sido que el cuadro estuviese en El Prado. Otra manipulación más de la cultura por parte nacionalista.

Otro asunto que comenta Emilio es el relacionado con la democracia y lo demócrata que dice que es él y lo poco que deben ser otros.... Pero bueno, vamos a ver, en España debido al sistema que existe se prima la territorialidad, eso significa que a día de hoy muchos partidos nacionalistas y otros minoritarios tienen la posibilidad de estar en el parlamento. De otro modo habría sólo bipartidismo como en otros paises. Por ello, debido a este sistema hay partidos que tienen llaves de gobernabilidad y hacer valer sus opiniones cuando los partidos mayoritarios no obtienen mayoría absoluta. Esto es la democracia, hay gente que estará o no de acuerdo y que dirá se debería cambiar el sistema. Todo esto puede debatirse e incluso cambiarse, pero no se puede utilizar como piedra arrojadiza para decir que por ejemplo Belloch no sea alcalde. La soledad de Eloy ha quedado patente al no poder conseguir un sólo apoyo. La gente ha votado así. Probablemente tiene razón por haber sido la fuerza más votada, pero la realidad es que con el actual sistema democrático su situación en soledad sería de ingobernabilidad. 

Respecto al virus que dice que inocula, el peor es el de la ignorancia. Creo que en el fondo Belloch, al margen de la decepción personal y profesional que haya podido acarrear esta decisión, lo que pide es Justicia y creo que en eso todos los partidos deberían estar de acuerdo. El virus que se ha inoculado es en realidad la de la ’ANESTESIA LOCAL’ en la que estamos sumidos para no poder ver que no es de recibo la argumentación del jurado. Repito, lo que se pone en cuestión viene como consecuencia de los errores cometidos por el jurado al emitir el fallo, no la democracia, ni otras cosas. Lo que se pone en cuestión no es si ahora parecemos malos perdedores o si no somos representados por este alcalde, etc. El debate no es de tozudez, es de justicia. El otro día en la radio se volvió a hablar en alusión a un titular de un periódico de la Corona Catalana. Se excusó a un medio porque se había limitado a transcribir lo que el articulista de prensa había escrito y que no se podía echar más leña al fuego sobre el tema. NO es echar leña al fuego, es JUSTICIA. NO se trata de cuestiones a debatir sino de ser fieles a la realidad.

En fin, esto podría ser mucho más largo, pero creo que el debate real a pesar del error de comunicación que tuvo Belloch no debe trasladarse a otras cosas y debemos ver que la realidad del asunto es consecuencia de unas declaraciones muy desafortunadas de un jurado que ha cometido un grave error SEGURO ’EN LA FORMA’  , en el ’FONDO’ sería una cuestión ya de tipo político.

Un abrazo. Alberto Rodrigálvarez. Fotógrafo. [Tomo aquí dos fotos de Alberto: una de Elia Lozano y otra de la compañía La Mov en el montaje ’El trovador’]

Esta mañana he visitado, con el fotógrafo José Miguel Marco, al poeta Rosendo Tello. Hace ahora dos años, sufrió un ictus que le ha dejado inválida la mano derecha y una leve cojera, y sobre todo le ha dejado sin la posibilidad de hablar con nitidez. Rosendo ordena bien su pensamiento, sigue pensando en imágenes, lee como siempre, a veces araña el piano con la mano izquierda, pero no es fácil entender lo que dice. Ni siquiera para su mujer Maribel. Pese a ello, está sereno, sigue escribiendo con la mano izquierda, con lentitud y mucha aplicación, y ahora trabaja en un nuevo poemario: ‘El silencio’, un libro que aborda, en clave personal, lo que le ha ocurrido: lo que él llama “estoy encerrado en el silencio de mi habitación”. En la foto, le leo a Rosendo el poema ‘Serena plenitud’, que dedica a José-Carlos Mainer. Lo más impresionante era ver cómo Rosendo recordaba cada imagen, como intentaba enfatizar donde había una idea, una imagen recurrente, y de vez en cuando sonreía. Por cierto, Rosendo Tello acaba de publicar un nuevo poemario: ‘El regreso a la fuente’ en la editorial Prames. Esta foto es de José Miguel Marco.

El fotógrafo indomable Dennis Hopper

Taschen publica un volumen de gran formato con las fotos que realizó el actor y director de ‘Easy rider’ fechadas entre 1961 y 1967, y con las fotos de su propia vida

Dennis Hopper (1936-2010) ha sido una de las personas más fascinantes del mundo del cine de Hollywood. Lo fue casi todo: actor, guionista, productor y director de una película de culto, ‘Easy rider’ (Busca tu destino, 1969), una obra personalísima que tenía el sabor de una culminación de unos años muy intensos de creación –en la pintura, en el cine y en la fotografía-, de amistad, de sueños más o menos y de una existencia peligrosa, casi al límite.

En el cine, Hopper debutó en obras como ‘Rebelde sin causa’ o ‘Gigante’, donde coincidió con el espíritu atormentado de James Dean. Gran amigo suyo, algunos biógrafos han dicho que “la muerte de Dean salvó a Hopper”, le llevó a buscar su lugar en el mundo y reflexionar acerca de su propio sino. En aquellos días, Hopper era un joven rubio y atractivo que era retratado una y otra por un fotógrafo como William Claxton, el cronista visual del jazz. Hopper siguió con pie en firme en el cine: actuó en ‘Duelo de titanes’. Poco después, inició una aventura intensa y apasionante: una labor como fotógrafo que lo llevó a realizar varias exposiciones, a ser objeto de retrospectivas y catálogos. Esa tarea, gigantesca y variada, acaba de ser publicada en un libro de gran formato de Taschen: ‘Dennis Hopper. Photographs, 1961-1967’ (Madrid, 2011. 546 páginas), que aparece en España, paradojas de la edición, inicialmente en inglés, alemán y francés.

Hopper nació en un ambiente artístico, creció rodeado de jardines, de pintores, artistas y escritores, y uno de sus primeros sueños fue el de ser pintor. También recordaría con mucho cariño sus estancias en la granja de sus abuelos cerca de Dogde City. Años más tarde, recuperaría su vocación plástica con la fotografía. Poco después de su boda, su mujer Brooke Hayward le regaló una cámara Nikkon de 35 mm. que ya no dejaría. Con ella lo captaba todo con tanto fervor como curiosidad. Con clara voluntad artística, dentro de un estilo que a veces podría clasificarse documental, otras veces bruto, otras veces próximo a la abstracción.

Hopper era un fotógrafo intuitivo: inicialmente captó el mundo de la pintura y del expresionismo abstracto: las texturas, las masas, los detalles abruptos, los cristales rotos, el volumen, el arabesco de las alambradas. Da la sensación de que sus fotos descubrían en la calle o en las paredes aquello que pintaban Jaspers John’s o Ruscha. Posteriormente, en una serie que el editor Tony Shafrazi titula ‘En el camino’, con claro parentesco con Keroauc y los ‘beats’ (Hopper retrató a Timothy O’Leary, uno deellos), lo vemos en una línea distinta: próximo a fotógrafos como Elliot Erwitt, Robert Frank o Walker Evans, o incluso a Helen Levitt, cuando se pone a retratar niños en las calles. En ese período le interesan las autopistas, las calles, las valles publicitarias, la gente que camina, los escaparates y sus tipografías, y a veces podría decirse que compone con un desaliño buscado, con una estética feísta, aunque casi a la par muestra fotografías rotundas, de gran belleza. Le interesan muchos los fondos, las pintadas, los reflejos.

Pero también estuvo en los toros en México, en Durango o Tijuana. Como era de esperar se zambulló en Hollywood, en diversas películas. Y captó a numerosos actores, entre ellos a Dean Martin o John Wayne. Esa serie se completa con otra, ‘El ojo subjetivo’, donde captó a David McCallun, a Jane Fonda, a su adorada Tuesday Weld (a la que había amado siempre, confiesa), a Paul Newman, con quien coincidiría años después en ‘La leyenda del indomable’.

Hopper vivió aquellos años con intensidad. Era un maravilloso anfitrión en una casa que parecía un museo. Estaba llena de cuadros de Warhol y de arte pop. También le interesó la moda y ese mundo tan psicodélico y rebelde, de excesos y muchas chicas bonitas, el mundo de Warhol y de David Hockney, los ‘beatniks’, los expresionistas abstractos; captó las masas, los desnudos o algunas de las manifestaciones que perturbaron el país e inflamaron el verbo reivindicativo de Martin Luther King, a quien retrató. Entonces, “Nueva York era realmente el centro del arte en el mundo”. El libro se completa con entrevistas a Hopper, un extenso catálogo final de todas las obras, son más de 400, y una fotobiografía que recorre cada una de sus películas, entre ellas, ‘Apocalipsis Now’, donde hacía de fotógrafo, ‘Terciopelo azul’ o ‘Elegía’ de Isabel Coixet, en 2008. 

El artista aragonés Rafael Navarro en la exposición Botánica. After Humboldt

La muestra reúne fotografías de seis autores contemporáneos

REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO

(Sala Guitarte, 3ª planta. Alcalá, 13 – Madrid.)

Acción Cultural Española (AC/E) se complace en coorganizar con el Centro de Arte y Naturaleza (CDAN). Fundación Beulas de Huesca y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, la exposición Botánica. After Humboldt, una muestra que ofrece un conjunto de fotografías de seis autores contemporáneos con una mirada creativa y muy novedosa sobre la ciencia de la botánica. Se busca de este modo la confluencia, en un mismo plano de arte y ciencia.

Junto a las imágenes, se mostrará una selección de grabados del siglo XVIII procedentes de los archivos y colecciones de Calcografía Nacional que contrastan con la rigurosidad de la perspectiva fotográfica.

La exposición estará abierta al público del 17 de junio al 16 de septiembre.

De martes a sábado de 10 a 14 y de 17 a 20 horas.

Domingos y festivos de 10 a 14 horas.

Lunes cerrado

Los artistas presentes en la exposición son:

Manel Armengol (Badalona 1949)

De la serie “Herbarium”, (2004) un conjunto de 188 imágenes en blanco y negro, se muestran 24 fotografías que plantean la individualidad de cada planta, de cada flor. Con un metódico análisis de la realidad vegetal, el interés del artista se centra en la belleza y diferenciación de cada una de las plantas retratadas, con absoluto respeto y fidelidad a una realidad subjetivada por el ojo de la cámara.

Alberto Baraya (Bogotá, 1968)

La reconstrucción de las históricas expediciones científicas es la forma en que el artista agrupa sus trabajos, un estudio sistemático y dentro de las más exigentes leyes de la botánica clásica, del mundo artificial de la vegetación actual. “Herbario de plantas artificiales” es la serie principal que se expone, junto con algunos trabajos de sus Expedición Nova Brasiliensis y Expedición Nueva Zelandia.

Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955)

“Herbarium” (1982-1985) es un trabajo esencial en la historia de la fotografía actual y una pieza clave en la posmodernidad. La creación de un mundo vegetal ficticio en el que se analizan y se muestran, de acuerdo con la mas estricta terminología botánica cada uno de sus elementos, marca una derivación de la fotografía tradicional, un guiño a la realidad y un homenaje a los maestros históricos de la fotografía en blanco y negro.

Juan Carlos Martínez (Campanario, Badajoz, 1978)

“Expedición Spermopsida” (2007-2008) es el nombre de la serie de ocho fotografías en color y de gran tamaño, que se reúnen en esta exposición. Todas ella forman parte de una serie de expediciones a lugares en jardines y parques en los que tienen lugar encuentros sexuales furtivos. El intento de a través del estudio de la botánica de analizar los lugares y sus vinculaciones con el deseo, la naturaleza y el cuerpo, siempre jugando con la referencia a las históricas expediciones científicas y a las asociaciones de los términos latinos para nombrar a las plantas.

Rafael Navarro (Zaragoza, 1940)

La relación vital con nuestro entorno cotidiano define la serie “Testigos” (2010), en la que la representación de las plantas se aleja de cualquier intento analítico y clasificador. Simplemente están, ahí, con sus cuerpos, es su presencia la que se nos ofrece de una forma esencial, con primeros planos que nos hablan más de  sensaciones y sentimientos que de análisis botánico. Ellas, las plantas, son testigos de nuestras experiencias y desasosiegos. Permanecen con sus formas, cercanas a la

abstracción, silenciosas presencias de nuestro mundo.

Juan Urrios (Barcelona, 1962)

“Verdes” (1997), sintetiza la esencia de las plantas en una sola palabra que nos remite a su frescor, a su apariencia, a su interior, al jugo que corre por sus cuerpos: verde. En esta ocasión son fotografías con luz, en la que el verde es aun más fuerte, más central, más protagonista. A la idea de verde no solo responden las plantas pero aquí se juega con la definición, con el cliché y nuevamente con la ironía de lo que es y de lo que parecer ser. Texturas en primer plano, superficies vegetales, artificiales que todas remiten al mundo vegetal.

*Nota de prensa del gabinete de comunicación de la muestra que se presentó hace no demasiado tiempo en el CDAN de Huesca.

LUIS RABANAQUE: ACTOR Y FOTÓGRAFO CUMPLE AÑOS

Hoy el actor, fotógrafo, pedagogo, y algunas cosas más, Luis Rabanaque, a quien seguimos en Oregón Televisión (y esperamos seguir viendo en sucesivas temporadas: una comunidad empieza a serlo cuando tiene capacidad para reírse de sí misma, de sus políticos, de su paisanaje, cuando empieza a usar la ironía como arma cotidiana de convivencia…), cumple años y me envía esta preciosa foto tomada en el Teatro Principal. Luis, que es uno de esos ciudadanos entrañables y cariñosos a quien complace tener por amigo, dice lo siguiente: “Esta es una imagen de una sesión correspondiente al ‘Cabaret de Caricia y Puntapié’, premio Max al mejor montaje musical. Son Jorge Usón y Carmen Barrantes, dos maravillosos seres humanos, y fantásticos actores/cantantes”.

El artista de las bellezas españolas

[Fernando Olmeda publica ‘Gyenes. El fotógrafo del optimismo’ (Península), la historia del maestro del claroscuro que captó el mundo del teatro y de la música, y al general Franco, entre otros muchos]

Los húngaros han tenido una relación muy especial con la fotografía. Hungría ha producido un sinfín de maestros: desde André Kertész y Martin Munkacsi a Felics Holczer, François Kollar y Josef Pecsi; desde Brassaï y Moholy-Nagy a Robert Capa. Y entre ellos, y entre otros muchos, debemos citar a Jonás Henry Gyenes, que llegaría a España con el éxodo provocado por el ascenso del nazismo y abriría estudio en Madrid en 1948. A este fotógrafo de la sociedad, de Franco y de las “bellezas españolas” dedica un libro el periodista Fernando Olmeda (Madrid, 1962), biógrafo de Gerda Taro, la novia de Capa arrollada por una tanqueta en Brunete en el verano de 1937: ‘Gyenes. El fotógrafo del optimismo’ (Península, Barcelona, 2011. 334 páginas).

Juan Gyenes era hijo de un violinista y profesor de música y pertenecía a la alta sociedad de Budapest. Antes de dar el paso definitivo hacia la fotografía trabajó de electricista, pero descubrió la cámara y una de sus máximas: “Ver con los oídos y oír con los ojos”. Pronto se incorporaría a la red de colaboradores de la revista ‘Színházi  Élet’ y se dedicaría sobre todo a la fotografía cultural y especialmente musical. Dice Olmeda, que ha estudiado minuciosamente su trayectoria en multitud fuentes, que fue uno de los grandes testigos de la edad dorada del Festival de Salzburgo: allí captó a Casals, hacia 1932, a numerosos directores e intérpretes, entre ellos a Prokofiev. También realizó tareas de reportero gráfico, aunque su especialidad eran los estrenos teatrales y musicales, las fiestas de sociedad y los banquetes. E incluso, con bastante argucia y ayudado por dos cámaras (una de ellas la ocultó en un lugar estratégico), realizó una labor de ‘paparazzi’ antes de que existieran los cazadores de fotos: captó, en 1935 durante un viaje a Budapest, a Eduardo de Inglaterra y a Wallis Simpson en una foto que probaba su relación. También realizó foto deportiva, y en 1936, en los Juegos Olímpicos de Berlín, presididos por Hitler y dominados por Jesse Owens, realizó magníficas fotos: el libro muestra una escena en la que le enseña a Jesse Owens las páginas de la revista donde sale el campeón de velocidad y salto de longitud. Aquellos juegos también fueron los de Hungría, especialmente los de la nadadora Ferenc Csik.

Más tarde, Gyenes realizó una suerte de peregrinaje como corresponsal: estuvo en Sudán, en Egipto, y finalmente recaló en España. Poco a poco se abrió camino, y pronto se convertiría en un fotógrafo de referencia como retratista profesional y como colaborador para muchas revistas como ‘Semana’ o diarios como ‘Abc’, en cuya portada publicará sus famosos retratos de actrices y aristócratas españolas, entre ellas Sara Montiel, a quien le hizo estupendas fotos, o Cayetana de Alba; Gyenes era muy amigo de su padre.

Se consolidó de inmediato y fue uno de los grandes fotógrafos de estudio de la posguerra. Se especializó en la música, en el teatro, en la burguesía y en la moda. Era un hombre refinado, de buenos modales y muy halagador con las damas. Y además tenía una prodigiosa técnica que le permitía corregir imperfecciones en el negativo y luego en la copia en papel. Decía: “Si tienes un grano, el objetivo te saca dos. Cuando alguien me dice: ‘Tengo aquí una arruga’, yo le contesto que no la veo. El retoque es necesario. Arreglamos cosas que hay que corregir”. También dijo: “Necesito crear mi propio ambiente en el estudio, para captar el alma dentro del cuerpo. Ahí está el secreto. Encontrar el ‘duende’. Hacer visible lo invisible”.

Realizó varios retratos a Franco, algunos de ellos pasaron a la filatelia, y publicó varios libros sobre ‘Don Juan’ o sobre el Teatro Real.  En este libro, Antonio Fernández-Cid dice de Gyenes: “Nadie más celoso y atento, más sensible y discreto. Hijo de músico, músico él mismo por impulsos de sangre y afición, su cámara supo registrar momentos cumbres en la historia del Teatro, con la suprema virtud del tacto, en las antípodas del profesional ruidoso y desconocedor”. La frase es todo un retrato de este maestro de la foto de estudio, cuidadosamente iluminada, y del claroscuro. El libro de Olmeda está lleno de conocimiento, de detalles y de optimismo, como reza el título. Y es un magnífico documento sobre el arte y las relaciones de poder.

Georges Dambier es un fotógrafo francés nacido en 1925, al que Robert Capa invitó a ingresar en Magnum (hecho que no produjo porque falleció el fotorreportero húngaro), que se especializó en moda, interiores, antigüedades, fotos de las estrellas: Brigitte Bardot, Suzy Parker, Capuccine, Marie-Helene Arnaud y otras. Alguien lo definió como “el retratista de las hermosas mujeres de París”. También ha realizado reportajes sobre Alain Delon y diversas compañeras, como Nathalie Delon o Mireille Darch. Me encuentro con sus fotos, bellas y glamurosas, perfectas de composición y de elegancia, de exquisita técnica, y traigo aquí algunas que tiene un aire vintage también. Ha creado revistas y ha trabajado para publicaciones como ‘Elle’ y ‘Paris Match’.

Brigitte Bardot, 1951.

Marie-Helene Arnaud.

Una de las fotos de Suzy Parker, 1953.

Mireille Darc y Alain Delon, una pareja de moda en los primeros 70.

NUEVOS PREMIOS PARA JORGE FUEMBUENA

José Sazatornil.

Asunción Balaguer, sobre la que está preparando una exposición a la vez que Javier Espada prepara un documental sobre la actriz.

Álex de la Iglesia.

Carlos Saura. Fotógrafo y director de cine.

  Jorge Fuembuena (Zaragoza, 1979) ha recibido el Premio OCEMX de fotografía, por lo que su trabajo  itinerará  por todos los Estados de la República mexicana a lo largo de este año. Ha sido escogido por personalidades de la cultura en España y en México, un comité asesor  externo  con dilatada experiencia en fotografía contemporánea. Asimismo Jorge Fuembuena participará el Festival Internacional de Artes Visuales  Photoespaña 2011 en el contexto del  programa Descubrimientos, que se celebrará los días 2, 3, y 4 de Junio en el CA2M ( Centro de Arte Dos de Mayo) que selecciona a  fotógrafos emergentes de todas las nacionalidades  para  presentar sus trabajos a  comisarios, galeristas, críticos y editores especializados. Su proyecto Kids ya fue premiado en el Festival Internacional de Artes Visuales EMERGENT con el Premio 10 X 15.  Por otro lado Jorge Fuembuena ha sido seleccionado con su serie The New Life en la publicación  EFE24 de Fotografía, unos cuadernos Internacionales ( con presencia en Alemania, Francia,..) que se presentarán en la Feria Internacional de fotografía Madrid Foto los días 5 a 8 de mayo, y que en este segundo número, tiene como tema el sujeto. En ese número participan autores de la talla de  Kimiko Yoshida,  Pieter Hugo o Trine Sondergaard.  Jorge Fuembuena está actualmente exponiendo en Francia y España, en Barcelona con el Certamen Generaciones 2011 (Espacio para el Arte Caja Madrid ), y tiene desde hace un mes una exposición individual en el Museo de Albarracín, en un programa expositivo en el que también han estado autores como Joan Fontcuberta o Bernard Plossu. En Zaragoza participa también en la exposición Visiones emocionales de una ciudad en el MICAZ ( Museo Camón Aznar).

Fuembuena ha sido recientemente seleccionado  para las  programaciones de publicaciones como Claves de Arte, New_papers o 10 X 15.

BIOGRAFÍA  

Jorge Fuembuena  Loscertales ( Zaragoza, 1979). Vive y trabaja entre Madrid y Nantes. Compagina su trabajo personal con su labor como fotógrafo cubriendo Festivales de arte, cine y música en los que cabe destacar el Festival de Cine de Nantes o ARCO. Fotógrafo de escena, ha trabajado como foto-fija en largometrajes y cortometrajes como “De tu ventana a la mía” o  “Voces” para la productora Amapola Films o Fundación First Team. Su trabajo ha sido publicado en medios como  New_Papers , Claves de Arte, Calle 20, 10 X 15, Cahiers du Cinema y Mondosonoro entre otras. Tambien ha impartido conferencias en Kuwait (V Expo Ciencia Internacional), en la República Eslovaca (Amavet Nova) o en la Universidad de Zaragoza. Su obra se encuentra  presente en colecciones privadas y públicas como la Fundación Buñuel o  el CDAN.

*Esta nota me la remite el propio Jorge Fuembuena, que encarna el fotógrafo hiperactivo e inquieto.

Nieves, modelo de Diego Rivera, 1943.

Diego Rivera duerme o sueña en la hora de la siesta, 1943. ¿Quién sabe?

Tres de las fotos más conocidas de Henle de Frida Kahlo.

Fritz Henle nació en Dortmund, Alemania, en 1909, y falleció en Virgin Islands, Estados Unidos, en 1993. Estudió en Baviera, se especializó inicialmente en reproducción de arquitectura y arte renacentista, y posteriormente realizó series y reportajes sobre China y Japón, y México y el Caribe, y distintos lugares del mundo. Se afincó en las Islas Vírgenes. Se especializó en desnudo femenino, colaboró con numerosas revistas y ensanchó su fama retratando a artistas, actores y a creadores famosos como Diego Rivera y Frida Kahlo, entre otros muchos. Cuando murió fue definido como “el último fotógrafo clásico”.  

[Mi querido y admirado Jesús Marchamalo me envía un artículo dedicado a uno de mis fotógrafos más queridos, y sé que son muchos: Josef Sudek (1896-1976). Un poeta de la imagen. Un hombre que tenía una percepción delicadísima de la realidad y que componía con belleza, con magia, con pura poesía, con un aire diáfano de luz envolvente. Y que era, además, con su cámara al hombro, un personaje espectral. Vi su exposición en el Círculo de Bellas Artes y me encantó. Me recuerda a grandes maestros como André Kertesz, creo que entre ambos hay una vinculación especial, y también con otro gran artista: Emmanuel Sougez, Pitu. Copio aquí el texto de Jesús Marchamalo, ese sabio de casi todos: de libros firmados, de bibliotecas, de pintura, de autores de aquí y del mundo, un hombre al que hace mucho que no veo y que rezuma literatura, invención, palabras de carne y de tinta y un gran sentido de la paternidad por todos los costados.]

EL FOTÓGRAFO DE PRAGA

Por Jesús MARCHAMALO

Debía resultar una figura imponente, algo irreal, fantasmagórica, con su abrigo oscuro o un capote militar, a veces, caminando por la brumosa Praga, con la cámara al hombro. Una antigua Kodak de caja de madera, cuyo trípode utilizaba como contrapeso, sujetándolo con su único brazo.

Durante la Gran Guerra, la explosión de una granada en el frente italiano, en julio de 1916, le amputó el brazo derecho. Así, cuando volvió a casa, debió dejar su trabajo como encuadernador y la fotografía, a la que se había dedicado como afición, se convirtió en su oficio.

Durante años, recorrió las calles con su cámara, captando imágenes de la ciudad, "El fotógrafo de Praga", lo llamaban.

 Pero durante la ocupación nazi, se encerró en su estudio, apenas un cobertizo de madera donde fotografiaba naturalezas muertas -flores, vasos, botellas-, o las vistas a través de la ventana de su estudio: la rama de un manzano, las fachadas de los edificios colindantes, una nevada...
El caminante se convirtió en un paseante interior, en un observador de lo cotidiano, que fotografiaba de forma obsesiva, desde distintos puntos de vista, o utilizando distintas iluminaciones.

 Cuando murió, el estudio donde trabajaba quedó abandonado, y gran parte del material -papeles, fotografías, libros- se perdieron en un incendio.
Siempre me gustó esa foto suya: un florero con rosas casi marchitas junto a una caracola, ante el cristal empañado, cruzado verticalmente por las gotas, de su estudio.

ENCUENTROS CON FOTÓGRAFOS ARAGONESES

LUNES 25 ABRIL.COLUMNA VILLARROYA

Lugar: Ámbito Cultural de El Corte Inglés. Pº Independencia, 11, 2ª Planta. Zaragoza

Hora: 19:30 h

Coordina: Julio Sánchez (Presidente de la Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza)

Columna Villarroya, fotógrafa aragonesa (nacida en Daroca), comenzó en la fotografía simultaneando la creación artística, el periodismo gráfico freelance y los reportajes socio-políticos para instituciones, medios locales y nacionales. A finales de los ochenta abrió su propio estudio fotográfico para dedicarse profesionalmente a la fotografía publicitaria, editorial, el retrato y a la reproducción de obra de arte. Desde entonces ha realizado multitud de exposiciones tanto individuales como colectivas, nacional e internacionalmente. Su obra ha ilustrado textos en suplementos y secciones de periódicos, revistas y libros; está desde sus orígenes muy vinculada a la editorial Olifante: ha retratado a muchos de los poetas que han publicado en ese sello, entre ellos Ángel Guinda, Manuel Martínez Forega, Alfredo Saldaña, etc.

*Arriba, retrato de Columna Villarroya. Abajo, Manuel Forega, dos instantáneas de Ángel Guinda y un paisaje del Moncayo, realizados por Columna.

Entre las novelas que uno tiene aparcadas, y que es probable que no escriba nunca, tengo una que se iba a titular ‘Siete noches con el tigre’: la historia de dos muchachos que cada noche se contaban historias de tigres con la extraordinaria facultad que durante el sueño se hacían realidad. Los tigres –los felinos en general- siempre me han interesado mucho. Uno de los grandes fotógrafos de felinos -eopardos y guepardos (me corrijo por la nota y por el despiste)-, y de animales en general, es Nick Brandt. Aquí traigo algunas de sus fotos que he podido encontrar en internet.

La Diputación de Huesca presenta el legado del fotógrafo, ingeniero y militar Lorenzo Almarza. La muestra consta de una selección de 150 fotografías de este polifacético personaje, muy ligado al Alto Aragón. Las fotos son fruto del trabajo de recuperación de las obras originales, en formato estereoscópico, y pertenecen al fondo documental de la Fototeca provincial. Se ha hecho una selección de entre las más de 3.000 imágenes que fueron depositadas por la familia de Almarza.

La exposición se acompaña de material técnico fotográfico y de un vídeo que permite ver parte de las imágenes en tres dimensiones. Tanto la publicación que se ha editado y la propia muestra se articulan en seis ámbitos temáticos diferenciados, con los que el comisario, Juan Naranjo, ha pretendido mostrar el particular punto de vista del fotógrafo, ingeniero y militar. En primer lugar, imágenes relacionadas con el color, con el que Almarza experimentó a través de, entre otras temáticas, los bodegones.

En segundo término se encuentra el ámbito de la geometría, ya que jugó con los picados, la fragmentación y la descontextualización para revelar nuevos aspectos que tendían hacia la abstracción. El fotorreportaje y el paisaje urbano fueron otros de sus intereses como captador de instantáneas, ya que la aceleración de la vida urbana, el desarrollo y los avances fueron algunas de las musas de Lorenzo Almarza, por lo que documentó muchos acontecimientos de la historia que le tocó vivir.

La fotografía de viajes fue otra constante en la obra del ingeniero, que viajó tanto por motivos profesionales como personales. En este ámbito, destacan sus imágenes de Francia, Italia, Suiza o España, pero también la extensa obra que llevó a cabo en los Alpes y los Pirineos, dado a su interés por la naturaleza. También destacan en la muestra los retratos que realizó de su vida doméstica, en los que huyó del pictorialismo de la época y se decantó por un acercamiento más espontáneo. Por último, la exposición recala en la labor documental de Almarza, quien demostró un gran interés por las formas de vida, las fiestas, procesiones u oficios, entre otros aspectos. Destacan sus instantáneas de los pueblos del Pirineo y de su estancia en Marruecos.

El artista

Lorenzo Almarza (1887-1972) fue un militar e ingeniero riojano muy vinculado a la provincia de Huesca gracias a su labor profesional que comenzó con su ingreso como voluntario en el Regimiento Gravelinas de Sabiñánigo. Posteriormente, entre 1915 y 1927, estuvo destinado en el protectorado español del norte de África, y ya en 1928 regresó al Alto Aragón. En concreto a Jaca, donde participó en la construcción de un importante número de obras públicas y fortificaciones. Su jubilación la pasó entre Zaragoza y Benasque.

Realizó sus primeros pinitos con la fotografía en 1910, que le llevó a crear un archivo de más de 3.000 imágenes, muchas de ellas en formato estereoscópico, lo que facilita su conservación. También formó parte del Sindicato de Iniciativas y Propaganda de Aragón, del Club de Montañeros de Aragón y de la Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza, y a publicar en Heraldo de Aragón y en la revista Aragón.

*Esta nota pertenece a la información de la muestra.

Ayer, poco antes de entrevistar a Carlos Pardo, autor de ‘Vida de Pablo’ (Periférica), para ‘Borradores’, compré una monografía con las fotos de Alice Springs en el sello Taschen. Detrás de ese nombre estaría June Browne, que se casó con Helmut Newton, y que empezó a hacer fotos en 1970: realizó moda, retratos, algunas series narrativas en blanco ynegro y en color. También estaría el propio Newton, en algunos casos, pero el seudónimo parece que atañe sobre todo a June. El libro lleva esta foto de portada, que se publicó en la revista ‘Vogue’. Fallecido el gran fotógrafo alemán, June es la directora de su activa fundación.

Esta foto de Alice Sprins -June Newton- me ha recordado mucho a esta que le tomó en 1976 a la joven Fiona Walker su novio Martin Elliot, un fotógrafo aficionado, que ganó con esta obra más de 300.000 dólares.

Fernando Sarría acaba de publicar en Olifante ‘Bbel en las manos’, el poemario que ha nacido de su estancia en La Casa del Poeta en Trasmoz. Me envía cuatro poemas que copio aquí gustosamente.

No sé si la última mirada de Helena

a la Troya humillada por la suerte

de un caballo de madera,

tiene el mismo valor que la de Penélope,

perdida en esa línea de mar océano,

esperando un barco y a un hombre.

Posiblemente tenga igual valor estadístico

que el de la mujer de cualquier marino

que no regresa a puerto,

o la del que sufre la desaparición de lo que ama.

Cada vez que todo se derrumba,

la vida te perdona una mentira,

te deja respirar por un instante

y te causa el mismo dolor,

–cruzándote como una sombra–

que a todos los héroes de la tierra

cuando su mundo se convierte en polvo o en ausencia.

………….

Cuando el tiempo no era tiempo

sino solo el movimiento de las sombras,

mirar el horizonte

era alcanzar con la mano el quebrado silencio,

la unidad de todo lo percibido,

el esfuerzo sin rostro,

mientras el dolor era la costumbre,

la aceptación,

la parte derrumbada de la casa.

…………………. 

Entonces llegaron los pájaros,

se hizo el aire de la densidad blanca de la luz,

se recostó el silencio

dormido como el mármol en su tiempo de espera,

y el volumen de todas las cosas

caminó hacia mí.

…………….

Entonces Borges dormía con los ojos abiertos

y alimentaba su melancolía respirando la noche.

Era verano en el Hemisferio Sur,

él soñaba con el frío de Ginebra

o con la humedad implacable de Dakar.

Era verano en Buenos Aires

y el mundo le parecía un Atlas propio

donde podía dibujar sus viejas pasiones y sus viajes.

Sus dedos pasaban

lentamente

sobre los mapas,

se detenían en un lugar señalado en rojo,

una punzada,

un río de palabras y de imágenes,

el hombre ciego recordaba,

hurgaba en su memoria el tiempo,

deshacía una a una las páginas escritas de su vida.

*Las fotos son de Erica Simone.

“El fotógrafo de los escritores” presenta 80

retratos de escritores de todo el mundo”

Jorge Luis Borges.

Julio Cortázar.

Salman Rushdie.

Gabriel García Márquez.

DANIEL MORDZINSKI ELIGE VALLADOLID

PARA LA PRESENTACIÓN MUNDIAL DE SU EXPOSICIÓN  

“LA VUELTA AL MUNDO EN 80 RETRATOS DE ESCRITORES”

Enrique Vila-Matas: el escritor enigma en el hotel.

La Sala Municipal de Exposiciones de la iglesia de las Francesas presentará el próximo viernes día 1 de abril, por primera vez en el mundo, la exposición “DANIEL MORDZINSKI. La vuelta al mundo en 80 retratos de escritores” una exposición única, producida por la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento, en la que por primera vez se muestran juntas escritores de los cinco continentes retratados por el autor. Este un estreno mundial se convierte de esta manera en un acontecimiento cultural.

Corresponsal de guerra, fotoperiodista radicado en Francia, autor de una docena de libros de viaje, fotógrafo infatigable y lector empedernido, durante 30 años Daniel Mordzinski ha desarrollado y financiado una tarea titánica: la de fotografiar a todos los escritores y pensadores que pudiera. Sólo en 2010 Mordzinski ha expuesto en la Feria del Libro de Frankfurt, en el Hay Festival de Zacatecas, en la Feria del Libro de Santo Domingo, o en el Instituto Cervantes de Tel-Aviv, en Turín, San Juan de Puerto Rico y Cartagena de Indias.

Mordzinski piensa que “La búsqueda del paraíso es tan vieja como la propia existencia del hombre. Pero en el siglo XXI la respuesta es clara: el mejor lugar del mundo es un libro. En este están contenidos el mapa del tesoro, las llaves del cofre, las instrucciones para llegar y el más completo compendio de sueños y esperanzas. Hace más de treinta años que fotografío escritores por todo el mundo y a veces imagino que dibujo una cartografía de la escritura, un gran atlas de las palabras. Es la primera vez que presento mi "Vuelta al mundo en 80 retratos de escritores". Y que para el es un honor que esta primera vez sea en Valladolid.

Pocas personas han seguido tan de cerca la evolución de la literatura en los últimos treinta años como Daniel Mordzinski, Porque ha leído con pasión los libros que se han escrito y porque ha fotografiado a sus autores, a veces en sus países, y más a menudo en París.

De él Mario Vargas Llosa – por poner un ejemplo – ha dicho que “decir que Daniel Mordzinski ha ‘fotografiado a Los autores’ es insuficiente. Porque las imágenes de ellos que la cámara de Mordzinski ha arrebatado al río del tiempo y fijado en esas cartulinas que todos los editores, autores y lectores conocen, son en verdad una interpretación profunda y respetuosa de su personalidad tal como aparece reflejada en sus rasgos, sem­blante y expresiones. Daniel Mordzinski no se sirve de quienes posan para él a fin de exhibir su talento y gratificarse a sí mismo con desplantes llamativos como hacen tan­tos fotógrafos de moda. Él sirve a quienes retrata esforzándose en aprisionar su verdad profunda y tratando de desaparecer él mismo detrás de su cámara. Por eso Los retratos de Daniel Mordzinski tienen una autenticidad que es un ingrediente central de su belleza artística”.

Daniel Mordzinski, nació en Buenos Aire en 1960.Conocido como “el fotógrafo de los escritores”, trabaja desde hace más de treinta años en un ambicioso ''atlas humano'' de la literatura. Ha retratado a los protagonistas más destacados de las letras hispanas e internacionales. Mordzinski se ha convertido en el mejor cómplice de tres generaciones de creadores y hoy es difícil comprender la literatura sin su insinuante y razonada indagación en el universo de la palabra. 

Después de Borges, el primero en ser fotografiado -ya Mordzinski se había ido a vivir a París- fue Cortázar. El círculo, de algún modo, se cerraba. O, mejor dicho, se abría, porque comenzaba un círculo encantado de fotografías por todo el mundo, a la caza y captura de escritores, primero sorprendidos en sus casas, y luego en cuartos de hotel.

Los escritores del mundo se dividen en dos: los que han sido retratados por Mordzinski y los que van al cielo. Cada foto es una historia. Las individuales y las de grupo. Algunas son un desgarramiento. Daniel Mordzinski busca la mejor imagen. Daniel es un artista. Sus modelos buscan su cercanía. Sus libros de fotos están en las secciones de arte, y son tantos que se puede sostener una mesa normal donde los recuerdos se confunden con los anhelos.

En Valladolid presenta 80 fotografías.

*Nota de prensa de la muestra.

[He recibido muchas cartas de amigos que me anuncian que no podrán estar esta tarde-noche en el Teatro Principal; luego tomaremos una cerveza o un vino. Muchas notas e emails, llenas de cariño. Hace un rato, Antonio Ceruelo, el gran fotógrafo, me envió esta compilación de recuerdos y de confidencias mientras su padre está en el hospital. La traigo aquí: todos tenemos una historia secreta o no, emotiva, entrañable, decisiva con una bicicleta. Como se ve, seguirá continuará hacia otros libros y hacia otros textos ‘El paseo en bicicleta’ (Olifante, 2011)]

Hola Antón:

Tendríamos  5 y 6 años cuando padre nos compró una vieja bicicleta  de segunda mano. En Corona de Aragón, frente a dominicos, había un pequeño taller que cromaba, pintaba y reparaba bicicletas. Recuerdo la emoción de la visita diaria al salir del colegio para descubrir como  las piezas brillaban después de cromadas y el pequeño cuadro oxidado adquiría un nuevo lustre: verde billar con tres finas líneas que lo adornaban: rojo, naranja y blanco. También  recuerdo los neumáticos nuevos con esa luminosa banda blanda alrededor de la llanta.
El día del estreno era domingo, madre no se encontraba bien y fuimos los tres al parque grande. Padre estaba como ausente y un poco malencarado, quizás pensando en madre.
Lo intentamos José Manuel y yo pero no fue posible en toda la mañana avanzar sobre dos ruedas más de 10 ó 12 metros,  el sentido de culpa nos atenazaba.  Volvíamos los tres en un pesado silencio camino de casa cuando sin ayuda  y por puro orgullo, decidí intentarlo nuevamente. La calle Obispo Covarrubias entonces era de tierra apisonada, vivíamos en García Sánchez y quedaban unos centenares de metros antes de llegar a casa. Sentí la perfección del equilibrio, sabía en aquel momento que nunca más volvería a caerme de una bici. Un instante después, José Manuel hizo lo mismo. Cuando llegamos a casa los tres teníamos muchas cosas que contar.

Paul Huf es un fotógrafo holandés nacido en 1924 y fallecido en 2002. Realizó más de 350.000 fotos de todas las modalidades: foto publicitaria, de moda, desnudos, retratos. Hace unos días, estuve en el estudio Novo de Ana Bendicho, y vi una foto suya. Os muestro aquí una selección de su obra. Es uno de los grandes fotógrafos holandeses del siglo XX.

Las jóvenes estrellas del Ajax: Cruyff en primer término, el rubio es Piet Keizer, el extremo izquierdo y capitán. Los otro son: Klaas Nuninga y Sjaak Swart.

El caballero con barba de nieve es el gran fotógrafo Edward Steichen.

Sonia Gaskell.

Jacques Henri Lartigue llega hoy a Madrid, al Caixa Forum, con sus maravillosas y aladas fotos que proclaman la felicidad, la alegría de vivir, la sutileza. La muestra, que ya estuvo en Barcelona, se titula ‘Un mundo flotante’, consta de unas 200 fotos y es un canto constante al movimiento, a la pasión por vivir, a la pasión por la belleza, a la suavidad, casi a lo inefable que convive con las pequeñas cosas de cada día.

El colectivo Zphoto inaugura esta tarde, a las 20 horas, la exposición ARRELAT de ROGER GUAUS que tendrá lugar el jueves 3 de marzo a las 20h. en su espacio Zphoto. Aquí cuelgo algunas de las fotos del fotógrafo catalán.

Esta mañana me he encontrado con un fotógrafo veneciano muy interesante. Se llama Alessandro Calabrese, tiene dominio en flickr y es un estupendo cronista de la vida cotidiana de un puñado de mujeres. De muchas otras, pero de mujeres jóvenes y soñadoras muy especialmente. Entre ellas, como puede verse, hay varias fotos de Lourdes Hernández, la espléndida cantante de Russian Red, que ultima su nuevo disco.

El fotógrafo valenciano Antonio Bascón, Sevi, afincado desde hace años en Teruel y cámara de Aragón Televisión, ha sido el ganador, en la modalidad de fotografía, del II Concurso Internacional de Expresión Artística de Arles. El año pasado fue el fotógrafo invitado y este año ha sido el ganador del certamen. 'Sevi' me escribe y me dice "que se congregaron más de 400 personas para el evento -las jornadas taurinas que se celebraron en la Capilla Santa Ana- en el que se daba el mejor premio de escultura, pintura y fotografía. Como verás en las fotos, Teruel es muy importante en mis obras, porque sale Albarracín, Teruel, encierros de la sierra, etc." En escultura, venció Pedro Requejo Novoa, y en pintura Nathalie Sisco".

Con Antonio Bascón, 'Sevi', hicimos el pasado mes de octubre un programa especial de fotografía con Juan Manuel Castro Prieto, Cristina García Rodero, Emilio Morenati, Sandra Balsells, Mireia Sentís..., rodado íntegramente en Albarracín. La foto que cuelgo arriba, con la mancha de agua de su página web, fue portada de 'Artes & Letras'.

Sevi en el centro de la imagen: el fotógrafo salta al ruedo.

He aquí algunas de sus fotos:

Hace unos días vi que La Vanguardia anunciaba, en una galería de Barcelona (Wandergalerie), la exposición de una fotógrafa argelina, nacida en Constantina en 1958: Isa Marcelli. Ha trabajado durante años como decoradora: de azulejos, de mobiliario; colabora con arquitectos y tiene un prestigio muy particular. Ha residido muchos años en Francia. Desde algo más de tres años se dedica a realizar fotos. Ha pasado de la fotografía digital a la analógica, un camino inverso al habitual. Hace poco confesaba que su gran maestro es Richard Avedon. Decía: “Todos los suyos son retratos del alma. Sin detalles añadidos, nos muestra la humanidad de la persona retratada.Un maestro». Sus fotos tienen un misterio especial: son sutiles, misteriosas, están hechas de muchas cosas. A veces parecen las fotos de una cabeza borradora: las fotos de un sonámbulo, los restos del enigma.

Cada vez me gusta más la obra, tan conocida y tan admirada, de Alberto García-Alix, con quien hablé una vez por teléfono durante su estancia en Albarracín, en el Seminario de Periodismo y Fotografía que organiza Gervasio Sánchez. Vi su exposición en el Reina Sofía y me gustó mucho: las fotos, el vídeo, los textos que le sugerían: casi una autobiografía de fotógrafo que ha vivido con intensidad, casi peligrosamente. Hoy presenta en Madrid su libro ‘Lo más cerca que estuve del paraíso’, que recoge tres lustros de vida, amor, amistad y fotografía en Formentera. El libro lo ha editado La Fábrica y esta foto se titula ‘Pamela como un mascarón de proa’ (2001). Un hermoso y vital desnudo lleno de sosiego, de belleza y de melancolía.

Otras fotos de la serie:

Este, el de arriba, es el motivo de portada del libro.

Uno de los fotógrafos más sugerentes, cinematográficos, oníricos y narrativos de la fotografía es el madrileño Eugenio Recuenco, maestro de la puesta en escena, de la sutileza, pictorialista. Todo un talento que realiza una obra que une el pop, el cómic, el cine, la literatura fantástica y los cuentos de hadas, entre otras disciplinas y estéticas. Trabaja en moda, publicidad y diseño. He aquí una pequeña muestra de sus trabajos.

[Esta costumbre mía…] 

Esta costumbre mía de contemplar las cosas con las mismas palabras con que otros las miraron

me empuja inevitable a transformar mis ojos, confundidos y húmedos, en voces revividas desde un endecasílabo o en páginas de un libro           que duerme en mi regazo.

Yo miro con palabras, reconozco en sus sílabas ciudades y paisajes, descubro nuevamente lo que ya conocía:

1

Por Zamora y sus puentes anduve enamorado, con Blas de Otero a solas, por la puente de piedra, embebidos de noche, silenciosos los dos;

con el Duero a la espalda, su susurro de agua como un romance viejo, por callejas que guardan resonancias y ecos de traiciones ocultas, el sueño comunero de un clérigo rebelde, el agrio desengaño de las horas marchitas,

por esas calles quietas caminamos sin prisa, redoblando el instante, el sabor de un cigarro, Orio y Guetaria y ya

la galerna está lejos,

a la cita prevista, al encuentro con Claudio en un bar en penumbra, media azumbre de vino y de nuevo andariegos a la vela en Zamora:

las iglesias que encienden nuestro asombro nocturno, las plazuelas en sombra, palabras que entretejen un claro resplandor,

la llama que bendice la imagen que ahora veo, con el Duero a la espalda, otra vez deslumbrado, imagen de una imagen, esfera, espuma blanca, matriz de la ceniza, los puentes de Zamora y el don de la ebriedad.

2

Yo vi Roma a la luz de la luna de enero, desde aquella colina, mirador

de sus ojos, contemplé mi fracaso en la ciudad que duerme bajo una cripta límpida de pórfido y engaño,

Roma, peligro impío para juglares nómadas, cristal en que espejean los últimos naufragios, el dolor de estos versos, la claridad y el cielo,

Roma con Rafael y el barrio del Trastévere, camino junto al Tíber, imposible seguir tus pasos sin esbozo, imposible aprehender el vaho de la alquitara, sólo gotas de ausencia, sólo espectros del agua,

yo vi Roma en los pies desgastados de Pedro, sin barco y sin contorno, besos como mordiscos sobre la piedra en ruinas,

Roma por el orgullo de tu cabeza cana,

Roma para mi llanto,

Roma donde dormitan saetas herrumbrosas,

Roma en un espejismo que Mestre dibujara en la tumba de Keats,

así te veo, con la luna más clara, así te nombro, Roma, donde tú no estuvieras, donde yo nunca estuve, desde su voz mis ojos contemplan tus secretos, te busco y tú no estás, te busco peregrino y en Roma no te hallas,

Roma, Roma callada, te rondan las ausencias de aquellos que te amaron,

Roma, filtro de amor y prenda de todas las mentiras,

Roma, filtro de amor y prenda de todas las promesas.

3

Fue para mí La Habana un sueño adolescente, con su nombre enhebrado a mitos y delirios que aún vagan en la noche por todos sus rincones,

un sueño era La Habana, ay, Cuba, junto al mar, el mar de la bahía rozando el malecón, palabras que acarician al aire de un requiebro,

a donde yo llegué con el gordo Lezama una dulce mañana de guayaba y abril:

azul en los balcones y allá, en la ciudad vieja, el tiempo suspendido y la Prieta Mamey por la Plaza de Armas, las sierpes gongorinas, la papaya innombrable, ancianos que conjuran la muerte con palabras, azúcar y toronjas, almizcle y ron de caña.

Fue para mí La Habana recorrer El Vedado y acercarme después a la Casa de América,

con la fiel compañía de un gato enamorado, mitad cubano y vasco y mitad catalán,

un gato por sus salas, con Marcia y con Haydée, un gato perezoso entre hermosas muchachas,

cuando todo era aurora, cuando todo era mayo, cuando todo era un beso con pintura de añil.

Habana al mediodía clavada en mi memoria, a punto del derrumbe, orgullo en la camisa guajira de un poeta que fuma adormecido de espaldas a Florida,

Habana sin remedio y el hotel Inglaterra,

un café entre las manos con Nancy Morejón en la arista de un verso,

Habana por mis venas, para el pesar morfina,

ciudad donde la piel se vuelve cataclismo,

ciudad trigueña y huérfana, los muslos de azabache ciñendo mi cintura,

ciudad para el retorno,

ciudad donde es posible morir a media luz.

Esta costumbre mía de contemplar las cosas con las mismas palabras con que otros las miraron,

de vivir a la sombra de música y palabras:

Buenos Aires, Cortázar y París en otoño, un palo y una soga con Vallejo en un jueves de lluvia atormentado; Federico y Granada: Guillén y Carvajal jugándose los ases del aroma; don Antonio en Segovia, Ignacio en su taller; inocente Lisboa siempre en llamas, Torga y Pessoa: un ramo de cilantro; Salamanca y Fray Luis, los años ignorados que duermen en los claustros, Aníbal Núñez que arde en su triste mortaja… por dios, cuántas palabras bogando por mis ojos, ay, ay, cuántos silencios al borde de un poema,

yo miro con palabras, reconozco en sus sílabas ciudades y paisajes, descubro nuevamente lo que siempre he soñado, lo que ya       conocía, la herencia que me arroba, mi única riqueza, palabras y palabras, jardín y soledad, iglesia sin campanas.

 (De Morfina en el corazón, 2003)

[Adivinar el tiempo ya pasado…] 

El poeta no recuerda el pasado, lo anticipa.

Y no imagina el futuro, lo recuerda.

[Malversación de una cita de Carlos Fuentes]

Adivinar el tiempo ya pasado,

vislumbrar en palabras los recuerdos

como augurio del tiempo que vendrá.

Alba y premonición es la memoria.

El porvenir se extiende igual que un manto

bordado con agujas en pretérito.

Tejedor del futuro es el poema

remembrando palabras olvidadas.

Escribo con las voces de los muertos

y el eco de los años que he vivido.

Sobresalto y oráculo que dicta

esta crónica amarga del mañana.

Presiento lo que fui. Será ayer siempre.

De mi muerte aún tengo yo el recuerdo.

(De Como otros tienen una patria, 2007)

IV

El olor a jazmines de tu cuerpo,

cuando desnuda el alba los balcones

y la luz que amanece un nuevo día

aligera el rumor del desconsuelo,

acaricia la voz de la memoria

con el fuego sin fin de nuestros besos.

Y se inunda la luz de tu fragancia

y respiro tu olor, respiro y siento

el calor de tu cuerpo en mi costado:

de jazmín el aroma

en un ramo de mayo.

El olor a jazmín de madrugada,

tras la noche sellada por los besos,

se hace halo de amor entre mis manos

que transpira la esencia del deseo.

Se hace halo de amor, silencio y calma

—la pasión reverdece en el recuerdo—

y se expande de pronto al infinito,

a cielo y mar, a piedra y viento,

y es ya el olor de Dios,

presagio del misterio.

*Las fotos son de Laure Albin-Guillot. Nació en París en 1879 y falleció en 1962. Trabajó en moda y en desnudo femenino con una estética pictorialista. Uno de sus retratos más famosos fue el de Paul Valéry, realizado en 1940.

* El poeta, profesor (es uno de los grandes expertos en José Agustín Goytisolo) y rapsoda Ramón García Mateos, un salmantino afincado en Tarragona, publica una antología de su obra: ’Rumor de agua redonda’ (1998-2010) en la Diputación de Salamanca. Ramón y yo nos conocimos en Cuba en 1997 y realizamos una gira por Cienfuegos, Cumanayagua y La Habana, organizada por El Silbo Vulnerado. Fue un viaje inolvidable para mí. Gentilmente, me envía tres poemas de su nuevo libro.

Paul Valery, 1940.

Un joven Orson Welles.

Salvador Dalí y Man Ray, dos maestros del surrealismo.

Lena Horne.

Billie Holiday con su perro en 1949. La cantante murió diez años después a los 44 años. 

Norman Mailer.

El actor John Gielgud.

Francis Scott Fitzgerald.

Cuelgo aquí una selección de fotos del escritor y fotógrafo norteamericano Carl Van Vechten (1880-1964), un artista que retrató a escritores, actores y músicos con una mirada personal. Aunque era homosexual, se casó con la actriz Fania Marinoff, fue el albacea literario de Gertrude Stein, admiró mucho la obra poética de Langston Hughes (traducido en España por Maribel Cruzado, compañera y esposa de José María Conget y gran conocedora de la fotografía), y siempre se sintió atraído por los creadores negros, como le sucedía con el jazz y en especial con Billie Holiday, a quien retrató en varias ocasiones.

Lee Miller (Estados Unidos, 1907-1977) fue modelo, fotógrafa y fotoperiodista. Vivió tres años con Man Ray, que la retrató así, con toda su belleza. Se casó más tarde con Roland Penrose y es la madre de Antony Penrose, que escribió un hermoso libro sobre Picasso, hablando de la relación cómplice y cariñosa que tuvo de niño con el artista. Picasso y Lee Miller fueron amantes una temporada, y él le hizo un retrato cubista. Fue una de las mujeres más hermosas de su tiempo y en particular del círculo surrealista.

En esta foto, Lee Miller acaricia a su hijo Anthony Penrose.

Ella también se autorretrató así:

Charlotte Gainsbourg, hija de Serge y Jane Birkin.

El estilista y diseñador de moda Giambattista Valli.

Retrato de Vanessa Paradís.

Charlotte fuma peligrosamente.

Retrato de su madre, Jane Birkin. Y abajo, Jane Birkin y su tercera hija, la actriz Lou Doillon.

Jane Birkin y sus tres hijas: Kate, Lou y Charlotte.

*Cuelgo aquí una pequeña selección de fotos de Kate Barry, hija de Jane Birkin y de John Barry, el compositor que acaba de fallecer. Es, por tanto, la primera hija de Jane, madre de Cjharlotte y de Lou. 

José Cruces acaba de ganar el premio Goya en la modalidad de Publicidad. El año pasado, en boda, lo ganó su mujer Tamara Hevia, asturiana. Y su padre Javier Cruces, poseedor de dos Goyas, el entregó el galardón. José es un poeta de la imagen y un hombre cercano, afable, que nunca olvida sus raíces ni a sus amigos, aunque se siente muy cómodo y muy feliz en Arriondas. Eso sí, muchos fines de semana coge sus cámaras y se viene a Garrapinillos, trabaja en el estupendo estudio de su padre, colabora, hace proyectos con Tamara y retrata a los equipos del pueblo.

Vicente Casanova da la noticia en 'El pregonero de Garrapinillos' y publica esta foto emocionante: padre e hijo lloran con la emoción.

Esta es la noticia que ha salido en el diario ‘La voz de Asturias’.

J. CUEVAS / Oviedo. LA VOZ DE ASTURIAS

Faltan dos semanas para que se celebre la fiesta del cine español y Asturias ya tiene dos premios Goya. Son los Goya de la fotografía, galardones homónimos y de más antigüedad que los cinematográficos, que ayer se entregaron en Zaragoza. El fotógrafo gijonés Jesús Miguel Muel y el aragonés afincado desde hace seis años en Arriondas, José Cruces, lograron, respectivamente, estatuillas en las categorías de Retrato y Publicidad.

“Hoy no contaba con él y me lo llevo para casa”, reconoció Muel tras la gala en la que se adjudicó el premio que no había logrado en diez participaciones en el certamen de fotografía. El trabajo con el que lo logró es un retrato “directo y muy crudo” de un amigo australiano residente en Gijón. Tomando algo con él se dio cuenta de que sus rasgos lo hacían merecedor de una instantánea.

Aunque Cruces nació en Zaragoza, hasta la Asociación de fotógrafos de Zaragoza, que organiza los premios, lo considera asturiano. “En la tarjeta que leyeron ponía Aragón-Asturias”, explicó. Su imagen es la de un bidón de gasolina entre sombras y luces que dividen la fotografía en varios triángulos. Además, “el golpe de luz tiene forma de embudo”, lo que recuerda también al carburante que protagoniza la fotografía.

Para José Cruces era la primera nominación a los Goya de fotografía, a los que ya había presentado trabajos en otra ocasión. Su casa de Arriondas tiene premio, porque el año pasado fue su mujer, Tamara Hevia, también fotógrafa, la que logró el triunfo en la categoría de Boda. Cruces llegó también a la final de fotografías de Libre creación, aunque esta vez no logró el premio.

Tampoco tuvieron suerte los otros dos asturianos que se encontraban nominados al certamen, José Ramón Navarro y Ramón Fernández. Como Cruces, ambos competían en Libre Creación.

NOTICIA DE 'EL PREGONERO DE GARRAPINILLOS'

Por Vicente CASANOVA

En la gala celebrada el pasado 30 de Enero, el fotógrafo garrapinillense José Cruces Aparicio fue galardonado con el Premio Goya 2010 en la especialidad Industrial Publicitario.

Estos prestigiosos galardones vienen organizándose por la AFPA (Asoc. Fotógrafos de Aragón) desde 1985. La convocatoria tiene ámbito nacional y sólo se celebra los años impares. No es la primera vez que llega al barrio porque Javier Cruces ya lo ha recibido en dos ocasiones (2003 y 2009). José reside habitualmente en el Principado de Asturias junto a su mujer Tamara Hevia (también fotógrafa, galardonada en este certamen en 2009). Ilustramos la noticia con el momento en el que José recibe el premio de parte de su padre Javier Cruces, ambos emocionados.

Desde estas líneas damos nuestra mayor felicitación a José:  !!  ENHORABUENA !!

Acaba de fallecer el gran fotógrafo norteamericano Milton Rogovin, 1909-2010, a los 101 años. Era conocido como el fotógrafo de los olvidados, el fotógrafo de los suburbios. Estas fotos contienen una clara explicación de ese título. También captó a españoles olvidados. La Biblioteca del Congreso de Estados Unidos compró una buena parte de su interesante archivo que ordenó, en buena parte, su esposa Anne.

Mi hija Aloma es una gran seguidora de la fotógrafa Sophie Calle, a la que Enrique Vila-Matas le dedica un hermoso texto en ‘Exploradores del abismo’ (Anagrama), uno de sus mejores libros de relatos. Me manda esta foto con esta misteriosa nota: ‘Sophie Calle en Zaragoza’. Me dice que el busto que se adivina arriba es el de la fotógrafa, que interactúa constantemente con el espacio, con las personas…

La foto a la que alude la instantánea de Aloma sería esta...

Emilio Mateo es un estupendo fotógrafo que recorre África, Vietnam, un fotógrafo solidario y comprometido, partidario de la cultura, de la civilización, de la convivencia pacífica, un observador de las diferentes culturas del planeta. He aquí una pequeña selección de algunas de sus fotos, siempre llenas de intensidad, de belleza y de humanidad.

Así se autorretrata Emilio Mateo:

“Mi relación con la fotografía comienza tarde, tras un viaje a Marrakech en 2008 decido que debo plasmar en imágenes aquellos lugares que voy visitando. Comienzo mi formación de forma autodidacta a través de foros de Internet y bibliografía especializada. Más tarde realizo alguna exposición en Zaragoza y en noviembre de 2010 realizo una exposición en Forum Altaïr Barcelona para recaudar fondos para la ONG Desarrollo 2000 en África. He publicado trabajos sobre mis viajes en revistas especializadas y en la actualidad colaboro con Suak Editorial. Poseo una Canon 40d con un Tamrom 17-50, un Tokina 11-16 y un Canon 50 1.4. Sigo compaginando mi trabajo como educador social con mi pasión por los viajes y la fotografía”.

Giorgia Fiorio es una fotógrafa turinesa, que antes fue cantante y actriz, nacida en 1967. Ha realizado numerosos reportajes: sobre los hombres del mar, sobre el universo de los derviches, sobre la relación del hombre con la religión y la espiritualidad. Es una mujer curiosa y atrevida, que realiza una fotografía poderosa de retrato y reportaje. Uno de sus libros más famosos es ’Hombres’ (2003) y otro, anterior, es ’Ser torero’ (1997).

Giorgia Fiorio retratada por Gaetano Gianzi.

El pasado miércoles, en una suite del Gran Hotel, el equipo de Borradores entrevistó a Joan Manuel Serrat con dos cámaras para un programa especial que se emitirá el martes 15, en el que intervendrán, entre otros, Paco Simón, Agustín Sánchez Vidal, José Luis García Sánchez, Ana Marquesán, El Silbo Vulnerado, etc. Fueron varios los fotógrafos los que le tomaron fotos: Esther Casas para ‘Heraldo’ y Pedro Hernández, uno de los integrantes del Colectivo Anguila, y Pedro Etura, otro estupendo fotógrafo A Photo Agency que aparece en mi libro ‘Fotografías veladas’. Esta mañana, Pedro Hernández, siempre cariñoso, me ha enviado este retrato de Joan Manuel Serrat. El Colectivo Anguila solo dispuso de trece segundos para sus fotos, y he aquí el resultado. Una foto maravillosa, tomada en el pasillo de la tercera planta del Gran Hotel.

* La foto de Serrat es de Pedro Hernández y de Pedro Etura. Serrat vino a Zaragoza a presentar en el Paraninfo el proyecto 'Hijo de la luz y de la sombra. Imágenes de un poeta', en el que han colaborado Ana Marquesán, Agustín Sánchez Vidal, José Luis García Sánchez y Paco Simón, entre otros.

El estupendo fotógrafo Alberto Rodrigálvarez me envía esta “foto de costa”.

Alberto está especializado en fotografía de danza, aunque su mundo, su abanico de temas, es muy amplio.

Esta mañana he recibido un mensaje sobre la pintora Remedios Varo, cuya obra vi hace años en Madrid y en Zaragoza y Teruel. Durante un tiempo la compañera de Benjamin Péret, que combatió en la batalla de Teruel. Es una pintora surrealista muy especial, de figuras inquietantes que moran en lugares extraños. Mágicos. Soñados. Ella me llevó a la pintora húngara Kati Horna (1912-2000), que se exilió en México y que captó fotos impresionantes de la Guerra Civil, especialmente de la soledad de la plaza del Torico turolense, cubierta de escombros, y ella me ha llevado, a su vez, a esta foto de Robert Capa, de joven. Ella retrató así a su paisano André Friedmann y él la captó así a ella.

Para ambos, empezaba la vida y sus tumultos.

Cuando iba a editar la página encuentro esta foto de Remedios Varo realizada por Kati Horna, en 1963.

También le tomó fotos a otra artista y escritora surrealista: Leonora Carrington, la mujer que enamoró a Max Ernst y que estuvo ingresada en un hospital de Santander.

Y he aquí una foto de Kati Horna tomada en las callejas de Teruel a los milicianos.

Kike Calvo, el fotógrafo zaragozano que da la vuelta al mundo por tierra, mar y aire, publica en facebook esta curiosa foto de turismo cosmético, realizada en Colombia. Autor de varios libros, apasionado por la naturaleza, Kike Calvo es un fotógrafo de colores especiales. Un fotógrafo del color y de los arabescos constantes de la vida.

Jorge Fuembuena (1979),  aragonés nacido en Zaragoza recibe el premio “Generaciones 2011” de Caja Madrid dotado con 15.000 euros.

El jurado, compuesto por Agustín Pérez Rubio (Director del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León), Lynne Catherine Cooke (Subdirectora de Conservación, Investigación y Difusión del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) Miguel von Hafe Pérez (Director del Centro Galego de Arte Contemporáneo) ha decidido premiar al aragonés  por su serie  fotográfica “Holidays”, en las que el artista retrata las muchedumbres en  los escenarios del turismo cuestionando el control de las infraestructuras y planes de urbanismo que reglan el concepto moderno de vacaciones.

  Han sido  más de 1.000 artistas los  que han participado en esta convocatoria, premiando la trayectoria del artista a  lo largo del año 2010.

  El programa "Generaciones", que nació en 2000 con el objetivo de servir de plataforma de lanzamiento para jóvenes talentos en el mundo del arte contemporáneo, es hoy considerado uno de los premios de referencia dentro del panorama artístico español y europeo.

  La reconocida coleccionista Lola Garrido ha escrito el texto de introducción  de trabajo de Jorge Fuembuena indicando que “nos encontramos con reflexiones más profundas que, por un lado, nos llevan a la pintura y a las estrategias de representación y, por otro, a lo complejo de la construcción de la “realidad”.

Para celebrar estos diez años de andadura, hemos organizado un programa extraordinario. Además de la divulgación del trabajo a través de las exposiciones en, al menos, cuatro ciudades españolas y la edición de los respectivos catálogos ( la reconocida coleccionista Lola Garrido ha escrito el texto de introducción  de trabajo de Jorge Fuembuena), ha sido fundamental en la repercusión del programa, reconocido por críticos, comisarios y galeristas que a menudo han recurrido a él para descubrir a jóvenes creadores. 

El 27 de enero se inaugura en el Centro de Arte La Casa Encendida de Madrid la muestra. Están convocados todos los medios de prensa nacionales  y un gran número de internacionales de 10.30h a 13 h, en el que intervendrán José Guirao, Jefe de Cultura de Obra Social Caja Madrid y Oliva María Rubio, comisaria del proyecto.

Diseñado como un programa anual a largo plazo, Generaciones concreta la vocación y el compromiso adquiridos por Caja Madrid en un proyecto cuyo objetivo es promover el arte, apoyar el trabajo de los artistas más prometedores y facilitar la difusión de la producción artística actual en España.

Con una sólida trayectoria, Generaciones viene realizando en los últimos diez años un importante papel en la proyección de artistas y en la promoción de la creación actual ya que estamos convencidos de que al apoyar las creaciones de las jóvenes generaciones impulsamos el arte del futuro.

Generaciones es un proyecto que evoluciona con cada edición, adecuando su propuesta a las demandas de la creación contemporánea y actualizando su oferta, por lo que se ha convertido en un referente entre la comunidad artística de nuestro país.

*Me envía este correo Jorge Fuembuena y Caja Madrid. La primera foto es del proyecto ganador. En el medio hay un retrato de Jorge Fuembuena y más abajo un retrato que le hizo a Asunción Balaguer.

Tres retratos de la fotógrafa Ruth Orkin, norteamericana, compañera del fotógrafo, director y productor Morris Engel. Ahora se expone la obra de ambos en Valladolid. No sé si son autorretratos o fotos que le tomó Morris Engel. Ella también colaboró en la dirección de sus películas.

Fotos realizadas por Ruth Orkin.

Ruth Orkin tomó esta foto en Nueva York hacia 1964 y la tituló: ’Cultura de niños’. Recuerda un poco el mundo de infancias de Helen Levitt.

Otras dos fotos que insisten en el mundo de los niños.

La serie sobre la estudiante de arte norteamericana Jinx Allen, hacia 1951 y 1952, que viaja por Italia.

Esta es su foto más famosa: la Jinx en Florencia en 1951.

A los 17 años, Ruth Orkin realizó un viaje en bicicleta por todo el país.

Una secuencia de una película que hizo con su marido Morris Engel: ’El pequeño fugitivo’.

Ruth Orkin nació en 1921 y falleció en 1985.

Esta foto es de una maravillosa fotógrafa: Eva Mariana Besnyo.

Esta podría ser una pequeña nota biográfica:

Eva Mariana Besnyö nació en Budapest en 1910 y murió en Laren, Holanda 2003. Creció con sus dos hermanas en una familia liberal judía y se educó en la publicidad y en la fotografía con Josef Pécsi.  En Berlín conoció al cineasta John Fernhout, hijo de la pintora Charley Toorop. John y Eva se casaron en 1933 en Holanda y se separaron en 1939. Durante la Segunda Guerra Mundial  siguió haciendo fotos, más o menos oculta, trabajó desde la resistencia, en la clandestinidad. En 1945 se casó con el diseñador gráfico Wim Brusse con el que tuvo dos hijos; se divorciaron en 1968. En los años 70 fotografió las acciones del grupo feminista Dolle Mina, y rechazó algunos premios oficiales. Estaba considerada como la gran dama de la fotografía de Holanda. En 1999 fue objeto de una gran exposición en el Centro Portugués de Fotografía de Porto.

Estoy escribiendo sobre Joaquín Costa sin demasiada inspiración.

Jeanloup Sieff con una compañera, Lisa. 

Busco un libro sobre él, sin suerte, y encuentro otro que me gusta mucho: un catálogo de Jeanloup Sieff (Taschen, París, 2010), uno de los grandes fotógrafos del siglo XX. Abro el volumen, de Taschen, por una de mis fotos favoritas y por otra que también empieza a serlo.

En una dice así:

“París, 1959. Paseando por los muelles me encontré por casualidad a esta pareja, que nunca se enteró de que les había robado un instante de su pasión. Él parecía a punto de estrangularla y ella, de arrancarle la oreja. ¿Dónde estarán ahora?”

Y en la otra, dice:

“Michelle Girardon. París, 1956. Ella debutaba en el cine, yo, en la fotografía, y el futuro era nuestro. Desgraciadamente, falleció hace unos años”.

Un autorretrato de la fotógrafa Marianne Breslauer en los años 30.

En esta foto, Pamplona 1933.

Marianne Breslauer ha sido la gran retratista de la escritora, fotógrafa, antropóloga y viajera Annemarie Schwarzenbach, que ha publicado sus libros en Minúscula y ha sido objeto de una novela, ’Ella, tan amada’ de Melania G. Mazzucco (Anagrama).

Otra foto de de 1934.

Juliette Greco y Erskine Caldwell, 1948. Una estupenda foto de la holandesa Emmy Andriesse (1914-1953), de vida breve.

Dos niños de Walcheren, hacia 1951.

Desnudo en la playa, hacia 1941.

Emmy Andriesse, la fotógrafa holandesa, documentó los rastros de la II Guerra Mundial en su país.

Retrato de Germaine Richier.

Retrato de la escritora Elsa Morante, autora de libros como 'Araceli' o 'La isla de Arturo', entre otros. Fue esposa de Alberto Moravia.

Pierre Matisse, un gran artista fascinado por el color, los viajes y los juguetes. Y las hermosas modelos.

Jean Dubuffet, uno de los representantes del 'arte bruto'.

Otro gran artista: Georges Braque. Siempre con su bata de trabajo...

Otro foto de Giacomo Manzú.

Giuseppe Santomaso se asoma al canal de Venecia.

Renato Birolli.

El marinero Anthony Bennet besa a su mujer.

Retrato de Francoise Brion.

Telefonica exhibe en su sede de Madrid casi 400 fotos del gran reportero Josep Brangulí, que empezó a trabajar muy pronto y realizó espectaculares fotos de la Guerra Civil. Brangulí es uno de los grandes reporteros de Barcelona. Falleció en 1945. He aquí una selección de algunas de sus obras.

Un retrato encantador de la joven Marisol, realizado por Juan Gyenes. Lo he encontrado por puro azar y me parece estimulante y espléndido.

Y poco después me encuentro con estas fotos de Keith Barraclough de una misteriosa modelo, de origen japonés y de origen irlandés, Mayumi. No tiene nada que ver con Marisolo, pero son dos bellezas con fuerza, enigmáticas y a la par diáfanas.

Nueva exposición del fotógrafo Rafael López sobre su amada India. Desde su última exposición en enero de 2009: "India. El río de la vida", que expuso en la Sala Pro40 de Fotoprix en Zaragoza, Rafael no había vuelto a mostrar sus obras, pero este año expondrá en la Sala Gil Marraco una serie de 20 obras, realizadas en papel baritado. Serán fotografías tomadas en Rajastán, el mayor de los estados del noroeste de la India, donde sus habitantes serán los protagonistas.

LUGAR:  Sala Gil Marraco de la Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza. C/ Luis del Valle nº 2-4-6. Zaragoza 50005

HORARIO: Lunes a viernes de 18.00 a 21.00 h

INAUGURACIÓN: 3 de enero, a las 19.00

FECHAS: Del 3 al 23 de Enero de 2011. 

TÍTULO EXPOSICIÓN: "INDIA: Rājastān, torrente de vida”

AUTOR: Rafael López 

Feliz 2011 a todos con besos de Robert Doisneau.

Recibo esta carta con este precioso regalo de Javier Burbano.

¡Hola Antón! ¿Cómo va todo?

 
Estas Navidades he recuperado unas fotos que hizo mi abuelo por Santa Fe de Huerva y otros lugares a principios del siglo XX. Ha sido un poco complicado porque eran láminas de cristal bastante deterioradas con una foto para cada ojo, así se podían ver en tres dimensiones con un estereoscopio. Ya sé que viene tarde, pero te mando ésta de una bici delante del arco de Santa Fe.

 
¡Feliz 2011! Abrazos

 
Javier

*Esta mañana de adioses y de bienvenidas -ayer se fue mi madre a Galicia, hoy cumple mi mujer Carmen 52 años-, mientras lleno el blog de pequeñas cosas y de afectos, escucho a Carole King, a la que escuché y amé mucho hace algunos años, más de veinte tal vez. La foto de Javier Burbano bien podría integrar mi poemario 'El paseo en bicicleta' / 'Poeta en bicicleta' que aparecerá hacia febrero o marzo.

Publio López Mondéjar, el gran historiador de la fotografía española, acaba de rescatar a un gran reportero, Martín Santos Yubero (1903-1994), que destacó en los años 30 y en los primeros años del franquismo; luego, próximo a los círculos del poder y un tanto ubicuo, desarrolló una importante labor al frente de ‘Ya’. Santos Yubero fue un niño de barrio cuyo padre desapareció muy pronto de casa. Se educó en la calle, quiso ser actor y realizó varias tentativas, y durante una convalecencia en un balneario descubrió el amor y la fotografía. Empezó, casi incidentalmente, como torero taurino y luego ingresó en ‘La Nación’ desde estuvo durante tres años y se fogueó en la profesión. Siempre admiró a Alfonso Sánchez y a su hijo Alfonsito (como recuerda López Mondéjar), y lo captó todo: la escena, los toros, la política, la vida cotidiana, el deporte (fue testigo del pesaje y de uno de los combates de Marcel Thil y el aragonés Ignacio Ara por el título del mundo en 1932, retrató al púgil de Sigüés en 1933), las manifestaciones sociales y populares. Realizó varios reportajes con Corpus Barga. Captó luego, ya en plena contienda bélica, imágenes espectaculares de los combates, del éxodo. Más tarde, sería un cronista de la larga noche de piedra del franquismo. Personaje contradictorio, elogiado por unos, vituperado por otros, realizó espléndidas fotos de un país paradójico: convulso siempre, ilusionado con la libertad y la II República, abierto en canal a partir de julio de 1936, malherido y también terrible, de cartón piedra y rencor.

Santos Yubero 1025-1975. Crónica fotográfica de medio siglo de vida española. Publio López Mondéjar. Lunwerg. Madrid, 2010. 242 páginas.

Jesús Juncosa, a través del fotógrafo José Antonio Duce, me hace llegar esta ‘bicicleta nevada’. Jesús explica todas las circunstancias de la instantánea. Mi próximo libro se titulará ‘El paseo en bicicleta’. Félix Romeo se enteró de su existencia y me dice que lo titule ‘Poeta en bicicleta’. Con rima interna y todo.

José Antonio:

Me harías el favor de reenviar esta foto a Antón Castro, ya que no encuentro en su blog un enlace email para enviársela. La de la nieve es de mi hijo Pablo que vive en La Haya, es del sábado. 

Muchas gracias de antemano. Jesús Juncosa

El 29 de diciembre, a las 19:30 horas, en la Sala de Ámbito Cultural, el fotógrafo Carlos Manzano presentará un audiovisual con imágenes de Etiopía llamado: Etiopía, un recorrido visual. Presentará el acto Víctor Puga, fotógrafo del Colectivo Artymagen.
El recorrido visual mostrará  desde los lagos y tierras altas del norte, la Etiopía histórica, plagada de antiguos monasterios y magníficos palacios, hasta el profundo sur, haciendo especial énfasis en el excitante y maravilloso valle del Omo, donde conviven más de una docena de grupos étnicos diferentes, los cuales todavía conservan buena parte de sus tradiciones y ritos ancestrales. [La foto es de Carlos Manzano, fotógrafo y escritor].

*Al día siguiente, en el mismo espacio, la editorial Nuevos Rumbos, de los hermanos Pérez Collados, presenta el segundo título de la colección: ‘Suegras’, un libro colectivo de relatos ilustrados sobre el tema de la suegra, a la que subtitulan en portada “el gran enemigo”. Escriben, entre otros, y cito de memoria sin el libro delante, Santiago Gastón, José Joaquín Beeme, Adolfo Ayuso, Pepe Gastón, Olga Bernad, los hermanos María y Luis Arturo Pérez Collados, etc. Y yo también escribo un texto inspirado en mi suegra Isabel Brumós, que ha ilustrado Jose Herrera.

50 años de la gran riada del Ebro

Por Marisancho MENJÓN 

Han pasado cincuenta años pero jamás lo olvidaremos. Aquella noche de fin de año de 1960, cuando el Ebro se desbordó como nadie lo recordaba, marcó un hito en la vida de dos pueblos. En esas horas de angustia en las que peligraron vidas, casas y haciendas, Tauste y Pradilla se encontraron más unidos que nunca. La fuerza del agua, desatada, anegó los campos e inundó las viviendas, pero las vidas se salvaron. Por encima de la corriente del río fluyó otra de solidaridad, aún más fuerte, que convirtió a dos pueblos vecinos en dos pueblos hermanos.

Nadie borrará de los corazones de nuestros mayores aquellas dramáticas horas, ni los días en que los vecinos de Pradilla de Ebro convivieron con los de Tauste mientras el Ebro iba, poco a poco, calmando su furia. El tiempo no conseguirá desatar aquel lazo que unió a tantas familias en aquellos días, y aquí están estas fotos para comprobarlo: cincuenta años después, esta exposición conmemora un suceso que sigue estando vivo en nuestra memoria y lo traslada a la retina de los más jóvenes.

Esta ocasión quiere ser también un homenaje a la figura de Antonio Larraz, aquel entrañable fotógrafo que captó con su cámara sin descanso, durante aquellos días, las imágenes que dan fe de lo que se vivió y sufrió como consecuencia de aquel desbordamiento extraordinario.

Antonio Larraz Mayandía nació en Gallur en 1918. Agricultor, trabajó también en la Azucarera en su juventud. A través de su relación con los hermanos Cotoré, fotógrafos de esa villa, descubrió el mundo de la fotografía. Se dedicó a ella con ilusión y, establecido ya profesionalmente, aquella afición acabó siendo para él también un medio de vida.

A mediados de los años 50 abrió un estudio y un pequeño laboratorio en Tauste, donde se convirtió en un personaje insustituible: documentó todas las celebraciones familiares y públicas que tuvieron lugar en la época, pero también todos los sucesos y eventos destacables en aquellos años.

Produjo no solo miles de negativos, sino también varias películas de 8 mm que mandaba a revelar a París.

A mediados de los años 60 traslada su residencia a Ejea de los Caballeros, donde se dedicaría ya exclusivamente a la agricultura, abandonando su actividad como fotógrafo. En esta villa falleció el 23 de diciembre del 2009, exactamente un año antes de la inauguración de esta exposición que dedicamos a su memoria.

A comienzos de los años 90, tres amigos, Eva Soro, Joaquín Rayado y Manuel Sánchez, compraron su archivo fotográfico, en riesgo de perderse. De él se han seleccionado las imágenes que integran esta exposición, que dan fe de cómo Larraz vivió intensamente aquellos días, también para él inolvidables.

La exposición estará abierta en Tauste, en la Casa de la Cámara,
del 23 de diciembre al 9 de enero; seguidamente se trasladará
a Pradilla de Ebro, donde continuará hasta el 23 de enero.

*Recibo una carta de Marisancho Menjón donde me habla de este fotógrafo, de sus fotos y de esta exposición. En Tauste. Allí le ha tocado su nueva plaza a Carmen, mi mujer. He aquí el texto de Marisancho.

José Antonio Melendo sigue captando instantáneas de mujeres. Aquí asoma la hermosura y el atrevimiento entre hojas de amapola.

José Antonio Melendo, que es así de especial, me felicita las navidades con una de sus últimas fotos. Me dice que trabaja más que nunca pero que lo hace con sumo placer. La belleza siempre es el mejor estimulante.

He aquí una selección de los poemas visuales de Chema Madoz, esa fotografía que contiene, con su apariencia fría, calidez, delicadeza, misterio y la nitidez de una belleza sedimentada. Sus fotos son poesía visual como eran fotografía e ingenio Y humor los poemas visuales de Joan Brossa. Estos días,La Fábrica publica un libro de Chema Madoz, tan surrealista en el fondo, en edición de lujo.

Me dice la poeta Marta Navarro: “Este mes me han publicado varios poemas en la revista literaria digital ‘Espacio Luke’ que dirige Kepa Murua”. He aquí los poemas. 

Geometría de una tarde inhóspita

Rosas y lagartijas pasean su orgullo por mis venas.
El sol tendido sobre tu espalda nos mira y sonríe.
Sabe que en este juego de pistoleros sepulcrales
las palabras disparan contra los mensajeros.
Abro mi estómago y decido limpiar su calendario.
Hay demasiados nervios escondidos en la guarida.
Demasiadas mariposas atrapadas en líquidos
poco románticos, nada semánticos.
En el hospital con nombre de culebra,
los cirujanos afilan sus espadas
para sacar de mis venas cientos de rosas y lagartijas.
Y yo aún no sé si quiero vivir con ellas o sin ellas.
Demasiadas dudas para una tarde inhóspita.

El miedo

El miedo nos arrastra al vacío,
como una pantera arrastra
un animal herido.

Luz oscura

Cruzo la frontera entre el invierno y mis demonios.
Un cartel me avisa: Cuidado. Se enciende la oscuridad.

Paraísos bastardos

Lo que queda de mí huye lejos,
al otro lado de la frontera.
Hoy abandono este paraíso
rasgado por la cordura,
estéril vida de los que nunca sueñan,
bastardos años mecidos por la nada.
Lo que queda de nosotros
es un espacio paralelo
y con escamas de neón,
una sucesión de horas baratas
que saben a nieve y alcohol herido.

Lo que queda de ti está muy lejos.
Lo que queda de mí no soy yo.

Ítaca

¿Existirá Ítaca?
¿Viajar al corazón de la nieve
aliviará las quemaduras de mi voz?
¿Encontraré allí a nuestros dioses
o serán refugiados
de algún cielo extranjero
en espera de papeles para entrar al paraíso?
De dioses a parias.
De parias a dioses hay apenas
un leve paso fronterizo y sin escamas.

¿Existirá una nueva Ítaca?

Geometría imprecisa

La realidad está hecha de datos imprecisos.
La realidad ignora el relieve de las sombras.
La realidad tiene el pelo manchado de tormenta.

*Todas las fotos son de Ruth Bernhard.

Jorge Fuembuena Loscertales es un joven y activo fotógrafo, que trabaja mucho, que es reconocido y premiado, que emprende una y otra vez la aventura de crear. Al llegar a casa, tras ver y oír ‘Berna se escribe con jota’, veo esta foto. Se titula Marta. ‘Marta’ de Jorge Fuembuena. Aquí está para todos.

Cuelgo aquí una selección de retratos del fotógrafo guatemalteco Luis González Palma, nacido en 1957. Reside en Córdoba, Argentina, y acaba de ser publicado por La Fábrica.

El ojo de los artesanos

Antonio Ceruelo es el fotógrafo del sombrero: como un comisario McCloud que va de aquí para allá, con sus cámaras y su paciencia, para captar paisajes inolvidables, el cuadro pintado de las piedras arcaicas (ya sea en Compostela, en Albarracín o en el mudéjar turolense con su catedral) y la vida de los artesanos. Ceruelo ha recorrido Aragón de punta a punta para encontrarse con esa gente sigilosa que trabaja con tenacidad y lentitud, en un espacio fuera del tiempo. Cuando llega, dispone sus máquinas y charla con estos amanuenses de lo soñado y de lo necesario: ceramistas, tejedores, joyeros, orfebres, ebanistas, escultores, forjadores, esmaltadores, virtuosos del cuero… Percibe la calidez de los talleres con su música de fondo: los artesanos conviven con el silencio y con la radio. Lo mira todo. Antes de realizar sus retratos y de aislar en un bodegón las piezas, se adentra en las historias, conoce sus formas de trabajar, la producción de fondo, esas vidas minúsculas, casi invisibles y hechizadas. Luego, con confianza, cuando ya es el dueño de la luz y de algunos secretos del corazón, Antonio Ceruelo dispara. Dispara y encierra la magia, la intensidad y la exaltación de otras formas de existencia en una instantánea. Sus fotos son a veces como cuadros: como interiores de Velázquez, estancias artesanales de Vermeer, penumbras trabajadas en sombra y oro viejo como Rembrandt. Antonio –que ya viaja con otro Ceruelo, Héctor- documenta y fija la historia de estos resistentes, partidarios de la pieza única, partidarios de una relación casi alquímica con los materiales y de la belleza. Estos días, los artesanos, con su pujanza indómita, vuelven al Auditorio. Son los últimos mohicanos de las manufacturas. Casi todos han posado para Antonio Ceruelo. Esa es otra forma de aspirar a la inmortalidad.

Una foto de Antonio Ceruelo.

Fotografía del artista rumano Daniel Ilinca.

Nelli Palomaki nació en Forssa, Finlandia, en 1981. Suele realizar retratos en blanco y negro que muestran una especial complicidad y cercanía con los personajes que capta. Sus retratos poseen personalidad, hondura, calidez. Ha hecho también muchos retratos de niños, con esta contundencia.

LA FOTÓGRAFA

Eres como una aparición.

O un ángel rubio. O una mirada limpia

Que se asoma a la ventana

Con su cámara y la curiosidad de la luz.

Si quieres, puedes mirarme:

Estoy en el andén, solo, perdido,

Como si esperase a que me hicieras

Un retrato.

(De Dietario de olvidos. Manuel Martín Mormeneo. No he podido saber de quién es la foto.)

Hace unos días me encontré a Pilar Irala -que forma el proyecto artístico y musical Animamusicae con su compañero Gonzalo Arruego- en la Universidad San Jorge, donde es una de las jefas de estudio; otra es María Angulo. Gonzalo y Pilar sufrieron hace algún tiempo un terrible accidente de automóvil: fueron arrollados y se desplomaron por un barranco. Pilar ya está recuperada y sigue trabajando y haciendo fotos. Ahí dejo algunas:

Gonzalo y Pilar Arruego en una exposición suya.

El pasado jueves, en la sala Barbasán, Gloria García inauguraba una exposición fotográfica. Este es el texto del díptico que redacta Carlos Cánovas. La foto pertenece a la serie 'Formas sin tiempo'.

EL ARTE DE GLORIA GARCÍA

Por Carlos CÁNOVAS

Hace muchos años que Giorgio de Chirico dejó escrito que “la sombra de un hombre que camina al sol encierra más misterio que todas las religiones del planeta”. La sombra que nos persigue es acaso un castigo impuesto por alguna divinidad para que nuestro caminar en pos de la luz sea más arduo y penoso.

A Gloria le gustaba jugar con las sombras cuando era una niña. Al descubrir que podían escaparse de su dueño, le pareció que la existencia de las sombras no era tan oscura, ni tan siniestra, ni tan misteriosa. Simplemente esa existencia estaba en otro plano, en el plano de la huella, con la que convive a menudo, en el plano de la emanación del cuerpo, impregnando espacios y lugares que, en su vagar, podían resultarle queridos.

Hay sombras y huellas que flotan en algún éter amable, perfiles que caminan por muros ancestrales, con su soledad a cuestas, desde la época de las cavernas, hay sombras-transparencia que se desdoblan en abandonadas medianeras, las hay que leen al amor de alguna lumbre hogareña a altas horas de la madrugada, las que rumian su penosa existencia bidimensional y las que ríen en un rincón inopinado de cualquier lugar-casa.

Reconocerlas es uno de esos placeres que, en nuestra estúpida existencia, hemos dejado atrás. Me pareció, desde el primer momento, que las figuras de Gloria tenían mucho de familiar, incluso de entrañable. Quizás me resultaron queridas también porque reconocí en ellas la propia naturaleza de la fotografía, un poder que, al fin y al cabo, permite el registro en un plano de lo efímero, la fijación de sombras y huellas que, de otro modo, siempre en búsqueda de una identidad capaz de materializarlas, estarían condenadas a errar eternamente con su ingravidez y su misterio.

Ayer vi, con mi hijo Daniel, el final épico del partido de Nadal ante Andy Murray. Parecía que iba a ganar el escocés, que sacaba mejor, restaba mejor y parecía haberle tomado la medida al campeón español, que no encontraba el modo de cerrar los puntos. Finalmente, Nadal venció a Murray como él suele hacerlo en los grandes momentos: de manera épica. Su fuerza mental venció la fragilidad de Murray. Luego, vimos un rato al Real Zaragoza, que languidecía de nuevo ante el juego ordenado y preciosista del Villareal, muy superior, sin duda. El Real Zaragoza atraviesa por un momento crítico, no tanto por su ubicación en la cola, sino por la falta de ideas, de juego, por el bajo nivel de algunos de sus jugadores y por la baja forma, ya irreversible, de otros como Jorge López o Braulio, y los constantes regalos en forma de malos modos de Contini. El Real Zaragoza tiene a un chaval maravilloso en sus filas, en el banquillo: Kevin Lacruz. No va  a ser la salvación de nada, tiene apenas 18 años, pero al menos que le ayuden a ser grande, a mostrarse como es. He estado viendo jugadas suyas con la selección española y es fantástico: necesita protección, confianza, minutos para ir madurando. Es distinto. Ahora mismo no hay nadie tan prometedor como él, ni Ander Herrera, que ya tiene los dos pies y no sé si la cabeza fuera del club.

Luego nos fuimos a ver la exposición de Ángel Pascual Rodrigo en la galería A del Arte, con Montse y Mariano. La exposición de Ángel está bien: lírica, de un soñador, de un paisajista que defiende la belleza en el arte y a veces se atreve a cruzar la noche, a mirar entre los espectros; también es un artista de atmósferas y de faros entrevistos en medio de la tormenta o en día serenos. Y allí vi la última entrega de la revista Exit, tan cuidada siempre. Mariano me la prestó porque tiene un monográfico sobre fotografías de niños, algunas excepcionales, entre ellas Lewis Hine, Sally Mann, la fotógrafo que ha retratado desnudos a sus propios hijos, o el gran maestro sueco Christer Sröhmholm, nacido en 1918 y fallecido en 2002. Ha sido uno de los más grandes fotógrafos suecos del siglo XX, residió muchos años en París, donde realizó numerosas fotos en blanco y negro, y luego viajó por India, Japón, Estados Unidos o diversos lugares de África. Traigo aquí una selección de sus fotos, casi nunca nada complacientes.

Esta foto es de 1959 y está tomada en Barcelona.

El próximo día 26 de noviembre, será inaugurada en Valladolid la exposición “LA ALEGRIA DE VIVIR FOTOGRAFÍAS DE JOSÉ MIGUEL DE MIGUEL” en la Sala Municipal de Exposiciones San Benito de Valladolid formada por más de medio centenar de uno de los grandes maestros desconocidos de la fotografía española del siglo XX, como es JOSÉ MIGUEL DE MIGUEL, autor imprescindible a la hora de entender la fotografía española de la segunda mitad del siglo XX.

 José Miguel de Miguel es el prototipo de fotógrafo aficionado de posguerra: buen conocedor de la técnica. Con esta trayectoria se podría esperar de él una obra plagada de tópicos o una obsesión por realizar aquellas fotos preciosistas que ganaban los concursos. Y aunque es innegable que se volcó en este ámbito y obtuvo los mejores reconocimientos de la época, tuvo una virtud personal y creativa que imprime un carácter extraordinario a toda su obra: un innato sentido del humor.

Un humor ingenuo y vitalista que recorre toda su obra: es el caso de sus magistrales puestas en escenas casi cinematográficas (Iniciación, 1959), que está a menudo en el filo de lo exagerado sin atreverse a sobrepasarlo (Retrato de una boda, 1967). Sus tomas desprenden una perfección exagerada fruto de la construcción de las composiciones: su hijo, mujer y amigos colaboraron para recrear unas tomas redondas que añaden un punto de modernidad y distancia a una obra que, de otro modo, rozaría el cliché. Convive con ese humor cándido una mirada socarrona que se resume magistralmente en los títulos de fotografías como Últimos refugios 1968, Perrerías 1954 o Tribuna preferente 1958, en los que da cuenta de una elocuencia que va mucho más allá de meros pies de foto.

Otro de sus grandes focos de atención fue el reportaje a la manera del instante decisivo que practicó con una mirada bienintencionada, pero a la vez crítica, hacia la realidad de su época. Curiosamente, el posicionamiento desde su mentalidad burguesa nos transmite una mirada a los cincuenta y sesenta complementaria a la de sus fotógrafos contemporáneos, mucho más críticos y conscientes de los movimientos de renovación fotográfica. En esta línea tiene imágenes contundentes como La alegría de vivir, 1966, que da título a esta exposición, junto a infinidad de fotografías de niños (a los que dedicó siempre una atención especial) o los recurrentes contrastes entre los pequeños y los adultos (Imitación, 1970).

JOSÉ MIGUEL DE MIGUEl

José Miguel de Miguel (1916, Cartagena – Valencia 1988) trabajó como escribiente en la notaría de su padre. En el año 1958 se trasladó a Valencia donde ingresó en el Foto Club de la ciudad, allí formó en 1962 el grupo El Forat junto a José Segura Gavilá, Francisco Sanchís y Francisco Soler Montalar. También se integró en la Agrupación Fotográfica, mientras profesionalmente trabajó como representante de Nikon en Valencia. Participó en numerosos concursos, en los que consiguió infinidad de premios nacionales e internacionales. En 1967 fue nombrado arista FIAP, galardón otorgado por la Federación Internacional de Arte Fotográfico. En la década de los setenta expuso en diversas salas de Valencia, Tarragona y Lérida, pero fue en los ochenta cuando fue más reconocido, exponiendo en fotogalerías y en 1986 el IVAM, Centre d’Art Julio Gonzalez, una colección de 169 fotografías originales. Murió en Valencia en 1988.

De Miguel podría considerarse el clásico representante de fotógrafo amateur que, en los años 60, buscó en las agrupaciones un lugar de encuentro, difusión y debate para sus fotografías. Tratando los temas habituales de aquella época, sin embargo De Miguel destaca por una puesta en escena personal y por el sentido del humor que se transmite en toda su obra. Fotografías como Iniciación, además de un sarcasmo sin límites en los pies de foto, pueden condensar, con tres personajes situados en escena, la iniciación al tabaco de una generación.

Todas las obras de esta exposición pertenecen  a la colección de la Fundación Foto Colectania, una entidad que cuenta con un fondo de más de 2500 obras de fotógrafos españoles y portugueses, desde 1950 a la actualidad.  La totalidad de las copias fueron realizadas por el propio fotógrafo, un virtuoso del positivado, con exquisitos papeles de la época. 

*Esta nota es la de la promoción de la exposición en Valladolid.

BORRADORES OFRECE UN MONOGRÁFICO DE FOTOGRAFÍA CON ALGUNOS DE LOS MEJORES FOTÓGRAFOS ESPAÑOLES: CRISTINA GARCÍA RODERO, EMILIO MORENATTI, JUAN MANUEL CASTRO PRIETO, MIREIA SENTÍS Y SANDRA BALSELLS. LA VIDA Y LA OBRA DEL PIONERO MIGUEL PARÍS (1921-2004). LA ACTUACIÓN MUSICAL ES DE DANI FLACO

El programa Borradores dedica esta medianoche, a las 0.45, en Aragón Televisión, un monográfico a la fotografía, aragonesa y española, con motivo de la reciente celebración del X Seminario de Fotografía y Periodismo en Albarracín, que dirige Gervasio Sánchez.

Acude al plató el operador de cámara y reportero Miguel Ángel París para hablar de la figura de su padre Miguel París (1921-1004), fotógrafo y operador de cámara que se incorporó a TVE en 1958 y permaneció hasta su jubilación en 1986. Estos días es el protagonista de una muestra en la CAI y objeto de la recuperación de muchas de sus imágenes históricas a través de Aragón Televisión.

Borradores, desde Albarracín, ofrece reportajes y entrevistas con grandes cinco fotógrafos: Cristina García Rodero, Premio Nacional de Fotografía y fotógrafa de Magnum, explica su trayectoria, desde series como ‘La España oculta’ hasta sus reportajes de Haití, Georgia o ‘María Lionça’, esa deidad pagana del agua. Emilio Morenatti, fotorreportero nacido en Zaragoza y afincado en Andalucía (Premio World Press 2009 y mejor Fotoperiodista de 2010), recorre su carrera y explica sus impresionantes fotos sobre catástrofes y violencia de género, realizadas en Afganistán o Pakistán, entre otros lugares. Conmueve especialmente esa serie que hizo sobre mujeres a las que les han arrojado ácidos a la cara. Sandra Balsells, que es la coordinadora del Seminario, habla de sus viajes a los Balcanes, de una película sobre ese conflicto y sobre un proyecto como ‘Latidos de un mundo convulso’, que agrupó a diez periodistas. Y, como casi todos, aborda el embrujo de Albarracín.

Juan Manuel Castro Prieto ha realizado un libro y una exposición sobre Albarracín. Castro Prieto, fascinado con la obra del artista peruano Martín Chambi, ha seguido sus pasos en ‘Viaje al sol’ y ahora ha vuelto a hacerlo en una nueva serie. Pero además ha preparado el trabajo ‘Extraños’, y ha culminado un trabajo sobre la memoria en Albarracín, que se expone en el museo de la localidad. Y Mireia Sentís, que estaría en el campo de la fotografía conceptual o menos realista, analiza sus fotos, sus temas, sus exposiciones, sus publicaciones y su condición de periodista y presentadora de televisión. Dice, con gran sentido del humor: “En la tele, he ido de fracaso en fracaso”.

La actuación musical corre a cargo de Dani Flaco, cantautor catalán que interviene este próximo viernes en el Festival A Cántaros de Zaragoza, que tocará dos temas de su último álbum: ‘Secretos de sumario’, entre ellas la canción que da título al conjunto, y ‘No seamos enemigos’.

Por este orden, las fotos son de Cristina García Rodero, Juan Manuel Castro Prieto, Emilio Morenatti, Sandra Balsells y Mireia Sentís, un autorretrato.

Enrique Flores, ese gran dibujante, ese gran viajero con mochila repleta de lápices de colores, de curiosidad y de imaginación, vio esta bicicleta en Lavapiés y se acordó de que por aquí, entre Zaragoza y Garrapinillos del Canal, tiene un admirador suyo y de los paisajes del ciclista. Y me ha mandado esto.

Por Paula FIGOLS / Heraldo de Aragón

Diego Zapatero, fotógrafo zaragozano de 28 años, está viviendo a 22 kilómetros del volcán indonesio en erupción. Se encontraba en Indonesia con una beca de formación y está siendo testigo de los devastadores efectos del Merapi.

 “El paisaje en torno al Merapi es devastador. Parece más Afganistán que Indonesia. El volcán ha arrasado casas, árboles, caminos… No queda nada”, afirma Diego Zapatero, testigo de primera mano en la falda del volcán.

Este zaragozano de 28 años lleva varios meses viviendo en Indonesia y desde que el volcán hizo erupción, hace tres semanas, se ha instalado en la zona. Es fotógrafo y llegó al país con una beca de formación. Ahora está tomando fotografías del volcán y de los pueblos devastados.

“Han desalojado todas las viviendas a 20 kilómetros del volcán. Yo he conseguido acercarme a 3 kilómetros, junto con periodistas locales. Han muerto oficialmente más de 200 personas, pero aquí se cuentan muchas más”, cuenta desde Kaliurang, a 22 kilómetros del Merapi.

El poeta y profesor Emilio Pedro Gómez me manda este nuevo poema suyo como regalo de sábado otoñal.

Celia Gámez, por Martín Santos Yubero.

Tras el crepúsculo amanezco

a un ángel que pretende ser mi yo.

Empeñado en cobrar la plenitud

que el día en sus albores prometía

hurga en su brasas con inecuaciones

que implacable me invita a resolver:

¿Sospechas de ti mismo?

¿Huyes del radar solidario?

¿Qué ión del universo

has dejado de amar

cuál cosecha de luz sin recoger?

¿Has cumplido tus gramos de utopía

de erotismo, de canto, de creación...?

No me deja olvidar

¡cómo se lo agradezco!

que al fondo de uno mismo se parte a ese lugar

donde se funden las fronteras

en conciencia común.

Fuerte nevada. Una foto de Martín Santos Yubero. 

Vicente Almazán, el fotógrafo desvelado que mira los secretos de la luz, me envía esta foto en homenaje a Luis García Berlanga. Entre otras razones, de entrada, me la manda porque “hay una bicicleta. La bicicleta con la que lo imagino cubriendo las etapas París-Tombuctú-La Perla”.

Si todo va bien, antes de la primavera Olifante publicará un libro titulado ‘El paseo en bicicleta’. Para entonces, la sombra de Berlanga ya estará en todas partes.

Hace cinco años tuvo dijo algo que me impactó: "Me estoy quedando sin memoria y esa es una terrible forma de censura".

El fotógrafo Turolense Emilio Mateo (Fuentes Claras, 1979) expone una selección de sus obras en Forum Altaïr Barcelona, Gran Vía 616. Se trata de retratos tomados en el poblado de Bolondo, Guinea Ecuatorial, lugar al que el autor se desplazó acompañando a una ONG en marzo del 2009.

Las fotografías fueron tomadas mientras el autor acompañaba a un grupo de enfermeras durante sus desplazamientos por los núcleos habitados del interior de la selva en la región de río Mbini. 

Emilio Mateo desarrolla su carrera profesional como Educador Social, pero es su amor a los viajes lo que le lleva a iniciarse en el mundo de la fotografía. Ha expuesto en diversos locales de Zaragoza y recientemente ha recibido dos accesit en el concurso Fotosolidaria 2010 de la Fundación Castellano-Manchega de Cooperación. En la actualidad trabaja en la realización de un reportaje junto al periodista Juan Gavasa.

Altaïr es el lugar de referencia para ampliar  conocimientos de los distintos pueblos, culturas y regiones de la tierra y, actualmente, es la mayor librería europea especializada en viajes. Altaïr nació en Barcelona en 1.979 y desde hace unos años también se puede encontrar en Madrid.

La recaudación de la venta de las obras será donada a la ONG "Desarrollo 2000 en Africa" que promueve el desarrollo en el África Subsahariana donde las carencias sociales y económicas se manifiestan más intensamente Los ámbitos de actuación abarcan principalmente las áreas de salud, nutrición, medio ambiente  la educación, así como todo aquello que tiene relación con el desarrollo de sectores económicos. Desarrollo2000 tiene proyectos realizados en: Mozambique, Camerún y en Guinea Ecuatorial.

La foto que se ha utilizado para la portada del estupendo catálogo.

Peligrosamente. Una de sus fotos más conocidas y más sugerentes: así de peligrosamente viven algunos artistas callejeros.

Hace alrededor de una veintena de años, el Palacio de Sástago de Zaragoza realizó una exposición de John Gutmann, un artista y fotógrafo polaco que había hecho toda su carrera en Estados Unidos. Era claramente un fotógrafo de vanguardia y a la vez un reportero y un observador de la vida cotidiana de Estados Unidos: atrapaba el deporte, las calles, el arte. Me gustó muchísimo su obra, su poética, su intensidad y la libertad con que realizaba sus fotos. Desde el pasado día seis de octubre, la Fundación Mapfre muestra en Madrid una retrospectiva de este artista personalísimo, que sabía mirar, que componía extraordinariamente bien y que arriesgaba en cada una de sus tomas. El texto que viene a continuación es el de promoción del gabinete de prensa de Mapfre.

LA MARAVILLOSA EXTRAVAGANCIA DE LA VIDA

John Gutmann (1905-1998) nace en Breslau (localidad alemana en su día, actual Wroclaw, Polonia). A principios de los años 30, Gutmann ya gozaba de una buena reputación en Alemania como pintor joven, alumno avanzado de Otto Müller (importante artista perteneciente al grupo Die Brücke). Perteneciente a una familia judía, tan pronto como los nazis llegaron al poder en 1933, emigra a los Estados Unidos. Justo antes consigue un contrato con la agencia berlinesa Press-Photo para distribuir en Europa las fotografías que iba a realizar en Estados Unidos. Esta será la primera vez que Gutmann coge una cámara fotográfica pensando que este podía ser su medio de subsistencia, pero finalmente fue el camino a través del cual conseguiría reinventarse a sí mismo.

Su llegada a San Francisco a finales de 1933 supondrá el encuentro con una cultura distinta y el inicio de su formación como artista moderno. Su instantánea fascinación por lo americano le llevó a salir a la calle con el objetivo de captar todo aquello que él consideraba “maravilloso”. A diferencia de los fotógrafos preciosistas, Gutmann prefería reflejar la crónica de una sociedad en constante estado de cambio.

Para él la fotografía suponía otra manera de ver el mundo, la mirada del extranjero en un país donde todo era posible. Gutmann tomaba imágenes de todo lo que para él resultaba nuevo: los automóviles, las estructuras publicitarias, los personajes marginales, el caos social o la diversidad étnica. En todas sus obras queda reflejado su instinto infalible para captar el momento más expresivo desde el ángulo menos habitual, reproduciendo lo extraordinario de la vida cotidiana.

En Estados Unidos Gutmann consiguió reanudar su carrera como profesor, que había abandonado en Alemania, de modo que la necesidad de viajar como fotógrafo quedó en segundo plano. Más tarde, debido al auge imprevisto del mercado de la fotografía en los años 70 y el repentino interés por los redescubrimientos, Gutmann decide llevar a cabo un proceso de re-edición de su obra. Es así como comienza a revisar sus negativos y realiza copias de las fotografías que él consideraba más interesantes (dándoles a veces nuevos títulos) creando un relato aprovechable de su trabajo y su vida. “No me interesa tratar desesperadamente de hacer Arte; me interesa relacionarlo con la maravillosa extravagancia que es la vida”, declaró Gutmann en 1979. La mayoría de las fotografías que forman parte de la exposición pertenecen a estas copias posteriores que nuestro artista reeditó entre 1973 y 1995, aunque también podremos ver algunos de sus vintages de época.

A su muerte en 1998, Gutmann ya estaba considerado como uno de los fotógrafos más distinguidos. Sus obras son recordadas como una síntesis inusual de las sensibilidades de Europa y los Estados Unidos en el periodo de entreguerras. Podemos encontrar referencias a Walker Evans o a Helen Levitt en los motivos que representa, pero la fotografía de Gutmann resulta sorprendente por su falta buscada de refinamiento. Este es el valor especial de su obra, que se sitúa entre lo periodístico y lo expresivo, creando escenas inquietantes y nada convencionales. Gutmann siempre quiso estar entre los “incalificables”, pero su sensibilidad vanguardista consigue que sus obras sean únicas, ocupando un lugar muy importante en la historia de la fotografía.

Autorretrato de John Gutmann.

Ayer escribía el fotógrafo Vicente Almazán en su blog:

SUNDAY, 17. OCTOBER 2010, 15:33:27

Por Vicente ALMAZÁN

A pocas horas de la traca final, doy un paseo por la calle Alfonso de Ailanthus Zity, la vía que, perpendicular al Ebro, conduce directamente al templo del Pilar, en dirección Sur-Norte. Tengo previsto pararme en todos los escaparates que tengan una imagen de la Virgen y fotografiarla. También dispararé a quien se ponga en el punto de mira.
Novia. Óptica. Menaje. Textil. Souvenir. Pavimento. Bisutería. Aire. Oro. Punto. Madera. Más madera. Suerte. Café. Foto. Cosmética. Violín. Retrato fiel. Limón y fresa. Reloj. Plato. Lobo. Danza. Plato. Alfiler. Visón. Promoción. Farmacia. Señora. Real. Pilar. Con todas estas fotos, voy a confeccionar un Álbum y lo voy a "colgar" en Mis cromos, en "Fotos", con este título: Pilar es y punto o en este enlace:

http://my.opera.com/Miscromos/albums/slideshow/?album=4958402

Boda en Taquile. Perú. Castro Prieto.

Obra de Cristina García Rodero.

Obra de Ouka Leele, fotógrafa y poeta.

Eugeni Forcano. Años 60.

Una obra, muy conocida, de Ramón Masats.

Cristóbal Hara.

EUROPA PRESS. Crónica desde Zaragoza

El X Seminario de Fotografía y Periodismo de Albarracín, que se celebra desde hoy hasta el lunes 19 de octubre en esta localidad turolense, congrega a 300 participantes de 31 provincias españolas. El Seminario está organizado por la Fundación Santa María de Albarracín, en colaboración con Ibercaja y Telefónica.

A la presentación del Seminario que tuvo lugar el pasado jueves en Zaragoza, en la sede de la entidad de ahorro, asistieron el director del mismo, Gervasio Sánchez, que recibió el año pasado el Premio Nacional de Fotografía; el director de Cultura del Gobierno de Aragón, Ramón Miranda; la directora de la Obra Social de Ibercaja, Teresa Fernández, y el director de la Fundación Santa María de Albarracín, Antonio Jiménez.

Además del Seminario, se ha presentado el libro del fotógrafo Juan Manuel Castro Prieto, 'Cuando vuelva a tu lado', que estará acompañado de una exposición que se exhibirá en el Museo de Albarracín y que se abrirá este sábado.

Teresa Fernández ha puesto de manifiesto la "autoexigencia" por "buscar la excelencia" en todas las actividades que realiza Ibercaja y su satisfacción por convertir a Albarracín en un "referente nacional e internacional", ya que este Seminario se ha convertido en el "alma" de la localidad turolense.

Por su parte, Ramón Miranda ha explicado que en "estos tiempos de crisis", hay que "agudizar el ingenio" y realizar "apuestas coherentes y sostenibles", para "fomentar la creatividad en el ámbito rural" como "elemento fundamental de desarrollo y producción de recursos" y una forma de crear "nuevos nichos de trabajo".

El director de Cultura ha hecho mención a una cita de Víctor Hugo de que "si la cultura es cara, más cara es para una sociedad la ignorancia", y ha resaltado la "diversidad integrada" del territorio aragonés, que ha calificado como "muy fructífero en la producción de creatividad".

300 INSCRITOS

El director de la Fundación Santa María, Antonio Jiménez, ha destacado la celeridad con que se han inscrito los participantes, ya que en 20 días han realizado su solicitud casi 300 personas, colapsando el correo electrónico. Lo que, desde su punto de vista, ha supuesto un "éxito rotundo".

Con respecto al libro de Juan Manuel Castro Prieto, Jiménez ha indicado que supone la tercera "visión personal" de un fotógrafo tras su 'Estancia creativa' en Albarracín, que publica la Fundación, supone la "memoria de un testimonio" de muchos lugares y espacios "a punto de desaparecer".

En las 'Estancias creativas' de Albarracín han participado ya Bernard Plossu (2007), Joan Fontcuberta (2008) y Juan Manuel Castro Prieto (2009), que han dejado su material en la Fundación Santa María. En unos años, y con la participación de otros fotógrafos, Jiménez espera poder organizar una exposición que pueda "moverse" por toda la geografía española.

Gervasio Sánchez ha subrayado que el Seminario está dirigido a "cualquiera que tenga algo que decir en fotografía" y que lo importante "es hacer buenos proyectos", ya que "casi cualquiera puede hacer fotografías decentes" con los actuales avances en fotografía digital.

Entre los ponentes que participarán en el curso de este año, destacan Juan Manuel Castro Prieto, Publio López Mondéjar, Ramón Masats, Cristina García Rodero, Cristóbal Hara, Emilio Morenatti, Ouka Leele, Enrique Meneses, Eugeni Forcano y Jon Lee Anderson, entre otros.

Las actividades previstas en el Seminario incluyen clases teóricas, por la mañana, y talleres por la tarde, en los que los participantes pueden "mostrar sus obras", "aprender de sus compañeros" e "intercambiar ideas", así como proyecciones de audiovisuales por la noche, ha explicado Sánchez.

Estudiantes y profesionales

Entre los participantes del Seminario de Fotografía y Periodismo de Albarracín "hay muchos estudiantes", pero también hay fotógrafos profesionales "que vienen como alumnos", además de "comerciales, funcionarios, bomberos e incluso un sepulturero que ha participado en las diez ediciones", ha resaltado Gervasio Sánchez.

Sánchez ha hecho referencia a la "conversión total" que ha experimentado el Seminario debido al avance tecnológico de la fotografía digital, y ha recordado que "ya nadie hace diapositivas", porque "la mayoría trae su trabajo en formato digital"

Los participantes, que este año suman 300, tendrán la posibilidad de optar con sus trabajos a las 'Becas Albarracín', que premian todos los años a cinco artistas noveles y a un profesional de la fotografía.

ALGUNAS OBRAS DE GERVASIO SÁNCHEZ

Paco, el vendedor de periódicos, retratado por Vicente Almazán.

José Antonio Duce es un hombre pegado a un objetivo. Un cazador de luces y un observador incesante. Le gusta contar la vida a través de la cámara: ya sea la cámara cinematográfica, como hizo en  numerosos documentales o en ‘Culpable para un delito’, donde lo fue casi todo, ya sea con la cámara fotográfica, que, en el fondo, es su instrumento preferido: su lector de sombras, el desvelador la materia. José Antonio Duce ha hecho fotografía documental, reportaje, retratos, desnudos, series muy elaboradas, ha captado las iglesias del Serrablo, el paisaje en que se inscriben y la caligrafía de la piedra vuelta musgo y memoria, y ha sido y es, muy especialmente, un fotógrafo enamorado de Zaragoza. La ciudad –sus rincones, sus celajes, sus edificios, sus santuarios paganos como el Oasis, en particular- es un objeto permanente de sus trabajos: el archivo de Duce revela la mutación de ‘la novia del viento’. En los últimos tiempos, realizó grandes monografías de esta incesante Zaragoza, del Pilar, de La Seo. Estos días presentaba un nuevo proyecto, editado por Tercal: una mirada apasionada al palacio de la Aljafería, la casa de la alegría, el hontanar de las épocas y de las emociones. Con la compañía de José Luis Cintora, que ya es como su ‘alter ego’ y un cómplice y un amigo generoso, Duce lo ha captado todo: la atmósfera, el colorido, la mansedumbre de la piedra, los jardines, el arabesco inagotable del mudéjar, la energía visual del artesonado. Duce y Cintora desvisten el edificio, juegan con la luz y sus oros, lo interpretan y lo fijan, y nos lo devuelven con la pátina especial de la fotografía. La Aljafería es un espacio que nos abarca y nos resume a todos: contiene nuestro llanto (adiós, juglar Labordeta, adiós) y nuestra historia. Resume lo que fuimos, lo que somos y lo que soñamos ser.   

    IMÁGENES  CAUTIVAS

  La idea de caminar, observar, sentir y captar aquello que despierta nuestro interés, no es nueva; es tan antigua como el ser humano. Si al principio se trataba de conservar recuerdos, la fotografía nos permitió plasmarlos por medio de imágenes.

      Esta idea me ocupaba cuando decidí preparar “IMÁGENES CAUTIVAS”: mostrar aquello que me había interesado retener durante mis paseos. Fotografías que no precisaban unidad, como huellas sobre el tiempo y el espacio. Paisajes urbanos y exteriores, abstracciones, manifestaciones etnológicas...Todo podía incluirse en el proyecto. Y he aquí: esta es la primera entrega.

      Aunque procedentes en su mayoría de los tres años últimos, he incluido una fotografía de 1985 y otra de 1992, para dejar constancia de que los paseos no son exclusivamente espaciales, puesto que el tiempo también influye en ellos y en las imágenes, cautivas de la técnica y libres en el intelecto.

                                                      JOSÉ  VERÓN  GORMAZ

*José Verón expone ‘Imágenes cautivas’ en Puerta Cinegia, en un proyecto que coordina Eugenio Mateo. Esta pieza se titula ‘Independencia’.

Tras la victoria agónica, y más bien afortunada, del Garrapinillos sobre el Atlético Ranillas salió el Arco Iris e irrumpió una levísima llovizna. Aloma captó así el estado del cielo y la sombra del paraguas sobre la hierba.

Ayer estuve en la Semana del Libro de Ejea. No firmé mucho, todo lo contrario que me sucedió en Tauste (ahora mi mujer Carmen irá destinada a esa villa como médica de Atención Primaria), quizá una docena de ejemplares, pero lo pasé estupendamente. Siempre me gusta ir a Ejea. Reyes y David, Panda de Tolos, y Trinidad fueron amables como siempre en la caseta. Saludé a muchos amigos y aproveché para hacer algunas fotos: a David Aceituno, el poeta que acaba de abordar el mundo íntimo de Sylvia Plath y Ted Hughes, a Miguel Ángel Ortiz Albero, que acaba de escribir sobre el circo y Hopper, a Miguel Ángel Longás, a Fernando Jiménez Ocaña, a Dolan Mor, a Ignacio Escuín, a Almudena Vidorreta, a Chusé Inazio Nabarro, al restaurador y coleccionista José María Palacín, a su hija y a su mujer, etc. Se me resistió Mario de los Santos, por timidez y por trabajo y porque me quedé sin batería. Hubo un momento en que me sentí Patricio Julve, que está a punto de resucitar, a los dos años de la aparición de ‘Fotografías veladas’, como dice mi hija Aloma, quizá mi libro más autobiográfico.

Fue una experiencia muy bonita; cuando caía la noche, tras conversar brevemente con la estupenda editora Irene Antón (esa mujer dulce y enamorada, rabiosamente enamorada, bien se ve, acaba de publicar una guía de la novela negra) estuve con Chusé Raúl Usón, que estrena un libro espléndido de Sherman Alexie, traducido por Daniel Gascón y portada, precioso, de Calpurnio Pisón, con Féliz González, librero de Los Portadores, con Pepito Fernández, de Antígona, y con Julián Rodríguez Marcos, editor de Periférica y autor de dos bellos libros cortos que ha rescatado y pulido de las aguas del pasado y de las gavetas de los inéditos. También conversé con Rosa Tabernero, que sigue estudiando la literatura infantil, con Chus Juste y con Ana Cristina Herreros, que está trabajando en un sinfín de libros y de criaturas mágicas y que ha encargado un libro de Bandoleros españoles a José Antono Adell y Celedonio García. Volví a casa escuchando a David Angulo, su disco ‘Habitación 404’, que me gusta mucho por su juego de voces, la disparidad de estéticas y arreglos, y porque tiene bonitos temas, entre ellos una canción que me conmueve especialmente, ‘Doce rosas’.

Llegué a casa y no sé la razón me encontré con una negra carpeta donde guardo uno de mis retratos favoritos de Leopoldo Pomés, ese fotógrafo estupendo que un día, merced a la embajada de Luis Alegre, me regaló una retrato suyo. Me acuerdo a menudo de Pomés, con quien tanto quiero. No lo conozco, hemos intentado hablar alguna vez, fue imposible porque los móvieles a veces se ponen imposibles, pero quiero rendirle un homenaje leve de domingo –hoy han ganado Jorge y Diego; Jorge con los juveniles en Villanueva de Gállego, Diego en casa ante el Atlético Ranillas- a Pomés, ese señor sofisticado y elegante, de mirar preciso, que adora a las mujeres, los zapatos y las múltiples suertes de la belleza.

Chillida contempla a Antonio Saura.

Joan Brossa.

Nico haciendo el anuncio de Terry.

La foto que me envió Leopoldo Pomés. Maravillosa.

Saludos, Antón. 

Después de un tiempo sin renovar mi página web, he decidido cambiarla por completo. 

Tiene una nueva imagen y sobretodo nuevas fotografías.

El apartado de fotografía de arquitectura y el de proyectos se complementan, el uno influye en el otro, el otro no existiría sin el primero.

http://www.enricduch.com

El fotógrafo norteamericano Ray Bidegain realiza series de todo tipo: retratos, paisajes, desnudos, flores. Suele virar sus fotos al platino.

Una pequeña colección de fotos de Ron Skei, donde se mezcla la belleza del desnudo y del retrato con la belleza del bosque y de la naturaleza. En la novela 'La mirada del bosque' hay una mujer, Brid, que es la mujer del bosque, la bruja, la druidesa.

Ese estupendo fotógrafo y buen amigo que es Jacques Valat, que decidió dirigirse a Huesca en vez de regresar a París, me envía esta foto de bicicletas tomada en el Valle de Aspe.

Recibo esta nota y este regalo de Luis Rabanaque:

Buenas noches, Antón

Te paso referencia de Diego Zapatero, fotógrafo y buen amigo, que va a pasar un año por Indonesia y está preparando un material magnífico. Este es el enlace a su galería en Flickr y te adjunto además un par de imágenes.

http://www.flickr.com/photos/diegozapatero/

El fotógrafo croata Stanko Abadzic siempre se ha interesado por las bicicletas. Traigo aquí estas fotos suyas donde siempre hay una bicicleta.

Es un fotógrafo excepcional. He aquí algunos ejemplos más.

Stephan Vanfleteren nació en Bélgica en 1969. Es un fotógrafo de una poderosa mirada y de pensamientos propios.

El pasado jueves, mientras Gema Rupérez inauguraba su exposición en el Cuarto Espacio, entrevisté para Borradores a Ricky Dávila. Con la realizadora Teresa Lázaro y con mi paisana Susy, la gallega. Ricky Dávila me pareció un personaje fascinante. Ha realizado series espléndidas: un sinfín de reportajes que tiene un momento importante en Chernobyl, colecciones como ‘Manila’, ‘Ibérica’, 'Nubes de un cielo que no cambia', donde contó con la colaboración del poeta callejero Dufay Bustamante, etc. Ahora está trabajando en una nueva dirección. Y esta foto sería un pequeño avance de su nuevo camino.

Ricky Dávila es un poeta visual. Es un hombre reflexivo y apasionado a la vez. Busca imágenes definitivas, pero no el instante decisivo: busca almas y rostros, historias, busca emociones y escalofríos.

Esta madrugada, poco después de la victoria de Nadal sobre Verdasco, compruebo que José Antonio Melendo me ha enviado una serie de fotos con modelos.

Insiste en que está encantado, viviendo una de las mejores etapas de su vida, “con la sensación de que me supero día a día”.

Aquí cuelgo esta de un joven modelo a la que ha retratado mucho estos días.

Leo Simoes nació en Iurreta en 1968. A los veinte años adquirió su primera cámara y desde entonces ha convertido la fotografía en el centro de su vida. Ha realizado numerosas series, algunas tan curiosas como ‘Aventura con el otro’ o ‘Días de lluvia y sol’, que nace de sus múltiples viajes por Marruecos y de haber recorrido alrededor de 8.000 kilómetros con la mochila a la espalda. Esa serie se expone en la sala de Zphoto, calle Argensola, y en el ella Leo Simoes se acerca a la fotografía humanista francesa –la de Jean Dieuzaide, Emmanuel Sougez, Robert Doisneau o Willi Ronis, entre otros-: para él todo es susceptible de ser fotografiado, en cada imagen hay una sugerencia, una revelación de la vida.

Otra de las series más personales de Leo Simoes es ‘Silencio y olvido’, un trabajo que realizó entre 2008 y 2009 en la Alpujarra granadina, en concreto en el pueblo de Lobras y su anejo Tímar: allí logró que los habitantes de esos núcleos rurales, marcados por el éxodo y la despoblación, posasen para él. Simoes, que tiene nombre de jugador del Benfica, retrató a muchas familias: a mujeres solas, a parejas, a madres e hijos. El resultado es un libro que presenta al fotógrafo como un etnógrafo, como un intérprete de alma, como un retratista minucioso con los gestos y la luz que apuesta por la frontalidad. En estas fotos es muy importante el contexto: donde están los fotografías, la fuerza del fondo, las fotos que cuelgan en la pared, el cuadro con ciervo, las flores.

Leo Simoes ha logrado uno de esos reportajes donde habla la vida, el silencio, el color, los pequeños detalles, y sobre todo donde hablan los personajes: hablan por sus ojos, por sus gestos. Todos están atentos y relajados, o eso parece, ante la posición del fotógrafo: antes esa cámara atenta que les desnuda, que les mira con ternura, que desempolva con sutileza el peso de su historia. El libro ‘Silencio y olvido’ se presenta esta mañana a las doce en el Centro de Historia de Zaragoza dentro de la programación del II Festival Zaragoza Zphoto.

Silencio y olvido. Libro de Leo Simoes. Presentación: Esta mañana a las doce, en el Centro de Historia de Zaragoza. (La primera foto es de 'Silencio y olvido' y la segunda de 'Días de lluvia y sol', realizada en Marruecos).

Hace unos días, el fotógrafo José Garrido me enviaba este bonito helicóptero desde la playa.

El fotógrafo y diseñador José Manuel Loshuertos, que suele colaborar con el pintor y escritor Eduardo Laborda, me hace este regalo:

“Te mando una bicicleta que fotografié en Amsterdam en 1976 y que junto con un posterior artículo de Mario Gaviria, creo que en «Andalán», formó mi conciencia como ciclista también urbano, algo que, aunque hoy ya no ejerzo como tal, veo con agrado que va cuajando”.

Hoy ‘El País’ publica esta rezagada necrológica de Herman Leonard, uno de los grandes fotógrafos de la música, sobre todo del jazz. Estos días puede adquirirse un espléndido libro del fotógrafo publicado por Taschen. Una maravilla.

MOKHTAR ATITAR / El País

Herman Leonard inmortalizó a las estrellas del jazz durante la segunda mitad del siglo XX. Falleció el pasado 14 de agosto, en un hospital de Los Ángeles, a los 87 años de edad.

Hijo de unos inmigrantes judíos de origen rumano, Leonard nació en Allentown, Pensilvania, en 1923. El pequeño Herman, con 12 años, queda fascinado con la fotografía cuando su hermano mayor le regala su primera cámara. Empeñado en convertirse en fotógrafo, se matricula en la Universidad de Ohio, la única que ofrece un grado en fotografía.

Durante la II Guerra Mundial es llamado a filas, pero no ejerce como fotógrafo porque en el examen de selección falla la composición de un revelador. Terminada la contienda, Leonard trabaja durante un año con uno de los mejores retratistas de su época, el canadiense Yousuf Karsh. Además de la técnica fotográfica y de trucos para manejar al retratado, el aprendiz se lleva del veterano, como único pago a todo ese año, un consejo que lleva a la práctica hasta el extremo: "Retrata la verdad, pero siempre desde la belleza".

Y belleza es lo que saca del mundo del jazz, donde entra de lleno a partir de 1948 en los locales de Nueva York. Para poder escuchar y fotografiar gratis a las estrellas intercambia sus fotos con los dueños de los locales, que las usan para anunciar actuaciones. Por el objetivo de su cámara Speed Graphic pasan Milles Davis, Charlie Parker, Ella Fitzgerald, Duke Ellington, Dizzy Gillespie o Billie Holiday.

Las fotos de Leonard transmiten la esencia de los clubes de jazz, llenos de humo, de público y de la emoción del directo. Consigue captar el ambiente trasladando las luces estroboscópicas de su estudio a los locales y colocándolas en el mismo sitio desde donde se ilumina la escena. "Solo quería sentirme cerca de esa música. No tenía idea de que me iba a convertir en parte de su historia", diría años más tarde en su libro Tras la escena: la fotografía de Herman Leonard. "La obra de Herman es música para mis ojos", decía de sus fotos el músico Quincy Jones, "consiguió escribir la Biblia de la fotografía del jazz".

El jazz le abre las puertas a otros mundos. En 1954 acompaña como fotógrafo personal a Marlon Brando en un viaje por Hawai, Bali, Filipinas y Tailandia.El sello musical Barclay Record lo contrata como fotógrafo oficial en 1956, con lo que traslada su estudio a París, sede de la empresa. Además de corresponsal en Europa de Playboy y los retratos a sus amigos del jazz en el mítico club St. Germain, Leonard trabaja para revistas como Elle o para modistas como Yves Saint Laurent, Chanel o Balenciaga.

También le llueven reportajes por todo el mundo, que le llevan a Afganistán, Etiopía o India. En 1980, cansado de la frenética vida del fotógrafo de éxito, decide retirarse a Ibiza con su familia. Siete años dura la aventura balear, hasta que agota sus ahorros y empieza a agobiarse por la presencia del turismo. Para impulsar su carrera, se ve obligado a los 65 años a financiar en Londres una exposición sobre sus retratos del jazz, un éxito de ventas y público.

Tras una breve etapa en San Francisco, el fotógrafo solo puede recalar en una ciudad: Nueva Orleans. "Nunca me he sentido tan a gusto dentro de mi propia piel como en esa ciudad", dirá de la ciudad que suena a jazz. Allí sigue fotografiando a los mejores músicos del momento. Solo el huracán Katrina en 2005 hace que el fotógrafo se despegue de la ciudad, a la que volvió como protagonista de un documental, Saving Jazz. Una vez le preguntaron a Milles Davis por él. "¿Herman? ¡El mejor!", contestó.

Las fotos de Herman Leonard son de Billie Holiday, Miles David, BillyEckstine, Dexter Gordon y Billie Holiday, de nuevo. 

No sé de quién es esta foto galante y pícara a la vez. Tiene un aire de postal italiana.

Hace unos días encontré, buscando no sé qué, esta bonita foto de una bicicleta de Alberto García-Alix. Vi su exposición del Reina Sofía: es un fotógrafo que sigue impresionando. Por lo que ve de los otros. Por lo que ve de las calles, de las estancias y de las atmósferas. Por lo que ve de sí mismo: se abre en canal y en melancolía. En el fondo de sus fotos late el pasado y la pasión de existir peligrosamente. Cada una de sus fotos, sobre todo las últimas, produce una sensación de verdad.

Las fotos del checo Michal Buddabar: mujeres fotógrafas y cineastas.

Natalie Dybisz, más conocida como Miss Aniela, es la autora de un conjunto de fotografías de publicidad de un agua. Una de ellas es esta. Sencilla y elocuente, con gran profundidad de visión y un hermoso cielo.

Vicente Almazán, ese diseñador incansable y ese fotógrafo desvelado que ve en la oscuridad, me reenvía una foto que no había podido poner en el blog de una bicicleta.

Es una bicicleta de Marrakech. Vicente siempre encuentra lo visible y lo invisible. Mirar para ver. Ver para vivir. El hombre que camina detrás de un objetivo que desmenuza la realidad y sus magias…

Antonio y Héctor Ceruelo, padre e hijo, celebran ya tres años con su nuevo estudio: Selenio. Han confeccionado un vídeo con los trabajos del último año que se cierra con este árbol de luz, este árbol de oro, este árbol que se desmigaja en las arterias de un bosque o de una selva.

La página web es www.selenio.es

El ángel niño de Josef Koudelka pasea en bicicleta entre los caballos. Se titula Carnaval em Olomouc (Checoslováquia), 1968.

El escritor y fotógrafo Jan Puerta me envía esta foto y esta nota:

 “Desde hace unos años, suelo fotografiar casi todas las bicicletas que se cruzan en mi camino. Entre otras cosas, por la historia que te pueden contar solo con observarlas. Si además se pueden ampliar datos cuando se habla con su propietario o en su ausencia, con alguien que lo conoce, solemos encontrarnos con sorpresas inimaginables en muchos casos.

Te adjunto una bicicleta… La historia de esta fotografía me traslada a Panamá. Cercana la frontera con Costa Rica. En el interior de una de las plantaciones de banana que aun existen donde un niño de ocho años tiene las mismas obligaciones que un adulto, en su dura jornada de trabajo que  cómo mínimo es de doce horas diarias.

Su maltrecha bicicleta es su más preciado tesoro. Representa su libertad”.

Me escribe el diseñador y fotógrafo Manuel Arribas y me manda esta foto que tomó él y esta nota:

“He estado unos día en países en los que la bicicleta es uno de los elementos más significativos del ‘paisanaje’ y del paisaje. Tengo fotos que dan fe, quizás, cuando las ponga en orden te mande alguna. Pero fue esta, que te mando, la que más me llamó la atención. Es uno de los juguetes que hacen los niños de los países ‘del cacao’ -waka waka-. Está realizado con alambres de colores. Se encuentra en el museo del chocolate, en Colonia (Alemania). Otros tantos juguetes realizados con chapas y materiales de desecho acompañaban a este”.

Miguel Mena, escritor y periodista, es un gran aficionado al ciclismo. Como Miguel Delibes y Javier García Sánchez, entre otros. También es fotógrafo. Hace años publicó un libro espléndido: la crónica de un viaje por Aragón con el título ‘El paisaje del ciclista’ (Mira, 1993). Recuerdo que en aquella época vivíamos en Cantavieja y Miguel nos visitó en la casa de alquiler que teníamos en la villa ‘bienamada de Cabrera’. En otro de sus libros, ‘Piedad’ (Xordica, 2008) incluyó esta estupenda foto de una foto en medio de la nevada. Amablemente me la manda mientras finaliza sus vacaciones y empieza a preparar su regreso al programa radiofónico ‘A vivir Aragón’, el sábado y el domingo en la Cadena Ser-Radio Zaragoza.

Miguel Mena dice: “La hice frente a la radio en la gran nevada de febrero de 2005”.

Unha foto que me envía Ana Bande, bibliotecaria en Vigo, desde as salinas de Aveiro. Ela está de costas.

Unha man amable tiroulle a foto.

Mariano Ibeas me manda estas bicicletas y esta nota:

China, el país de las bicicletas, mucho más que cualquier otro país, hace aquí un homenaje al payaso, en el museo de escultura de Shanghai. La foto es del pasado mes de julio.

José Antonio Duce, fotógrafo y cineasta e historiador de la fotografía, me envió ayer una de sus particulares fotos, en este caso centrada en la figura de Francisco de Goya.

Dentro de muy pocos días, Duce presentará un ambicioso y completo trabajo fotográfico sobre La Aljafería, con lo que completa un proyecto que había iniciado con sus monografías visuales de Zaragoza, La Seo y El Pilar.

Felicidades, Antón. Hoy has conquistado una vuelta más al Sol, van 51.
Esta "vélo" es para ti.

Me escribe Ángel Valero, secretario del ayuntamiento de Híjar hace años, luego de Botorrita, y un apasionado lector que ha encontrado su media naranja y un loco amor en una joven llamada Azucena. Ángel nació tal día como hoy también y cumple 51 años como yo. Es un tipo estupendo al que apenas veo; durante años se presentaba como “el presidente de tu club de fans”. Fueron unos años estupendos, de cariño, confidencias y de encuentros en un bar de Híjar, ‘El Volante’, pero él siempre me dice que los años mejores están por llegar.

Me escribe y me dice:

Felicidades Antón. Este año tenemos apellido chino: "LI". Un abrazo.

A Ángel, un admirador de la belleza, le dedico esta foto de Henri Senders.

La Fundación Santander 2016, responsable de la candidatura de Santander a Capital Europea de la Cultura, ha invitado al maestro francés de la fotografía Bernard Plossu (1945, Vietnam) a revisar su inmenso archivo de imágenes, captadas en sus viajes por todo el Viejo Continente durante las últimas cuatro décadas. El fruto de este trabajo de selección es un ambicioso libro, ‘Europa’, coeditado por Santander 2016 en colaboración con La Fábrica, que ofrece una mirada lúcida e inesperada a los rincones inadvertidos de la realidad europea a través de 248 fotografías en blanco y negro.

El libro recoge imágenes poéticas en las que el autor, un viajero incansable, nos hacen experimentar sus propias vivencias, constituyendo retales de vida que comprime el espacio, el tiempo y la memoria en forma de instantáneas. Son imágenes del día a día tomadas desde la fugacidad del autobús o el tren, deambulando por las calles de países como España, Francia, Portugal, Italia, Alemania o Bélgica, que reflejan la forma de entender el mundo de este fotógrafo Premio Nacional de Fotografía en Francia y al que el Pompidou de París y el IVAM de Valencia han dedicado grandes retrospectivas.

Si hay un fotógrafo viajero por excelencia, ese es Bernard Plossu. Su curiosidad extrema y permanente le lleva a fotografiar todos aquellos lugares por los que uno pasa y mira, pero no ve. No hay truco en las imágenes de Bernard Plossu; están hechas con una sola cámara y un objetivo de 50 milímetros, con película de sensibilidad 400 ASA, lo que le permite captar la imagen de forma similar a como lo hace el ojo humano.

*Bernard Plossu es un fotógrafo vietnamita instalado en Francia, que ha vivido en Almería, está casado en segundas nupcias con una española. Ha realizado un estupendo libro sobre ‘Albarracín’ y ha realizado una gran exposición en el CDAN, ‘País de paisajes’, que contó con un espectacular catálogo elaborado por el poeta, narrador y profesor Antonio Ansón. La información de arriba es de Santander 2016. Bernard Plossu es un hombre amable y tierno, apasionado por España y por México; conservo dos fotografías nocturnas que me hizo, y que él reveló, en la calle Manifestación, en las escaleras de la casa donde vivió José Martí.

Emilio Mateo -fotógrafo turolense, viajero y ciudadano solidario con todos los desheredados del planeta-, me envía esta foto suya, tomada en Vietnam, creo que en noviembre de 2009. Es una pieza muy bien compuesta, con un hermoso cielo barrido y con esa suave atmósfera marina. Las dos primeras, con su pequeña cesta de metal, son como la que lleva Carmen Gascón en nuestros paseos: ahí llevamos el pan, la prensa y, a veces, los botellines de agua.

Me gusta también ese pescador, sentado sobre la arena, que arroja lejos el sedal de su caña.

Leo Tena, fotógrafo y alma del proyecto Teruel Punto Photo (junto a Ángel J. Torres y otros turolenses apasionados), también me hizo llegar anoche una bonita foto de un ciclista en Teruel, en un día de niebla. Aquí está.

La foto es de Leo Tena.

Una foto de Stephan Vanfleteren. Un sueño de amor. El embrujo del mar, y un gran fotógrafo, sin duda.

LA BICICLETA DE LOS RECUERDOS

Por Jan PUERTA

Un día de estos os presentaré al simpático propietario de esta bicicleta. Pero hoy me vais a permitir que vagabundee un poco entre recuerdos que me dominan, tal vez llenados de la mano de la nostalgia.

El personaje en cuestión se dedica a vender leche de vaca recién ordeñada. Evidentemente la pongo en un cazo y la dejo hervir. Después, al primer sorbo los ojos se me cierran transportándome a una infancia casi de pueblo donde los sabores suplían con creces cualquier manjar deseado. La comisura de mis labios siempre delataba lo que había bebido.

Ese sorbo actual, me llena de añoranza sobre una etapa que ya no regresara. Incluso los propios recuerdos a veces se vuelven difusos y la memoria me juega malas pasadas.

Cuando me cruce por primera vez con la bicicleta, su propietario estaba atendiendo a una señora. La bicicleta permanecía sola en la calle. Momento que aproveché para hacerle esta fotografía. Una caja de plástico, de esas donde los agricultores ponen sus verduras o frutas almacenaba cuatro botellas llenas de leche. Primero pensé que era de alguien que simplemente las había comprado. Lo esperé para preguntarle donde la había conseguido y me dijo que el mismo la vendía. A partir de aquí, se inicio una agradable conversación que publicare cualquier día de estos.

Mientras tanto, bebo un sorbo de leche, aun caliente después de haberla hervido. Se me cierran los ojos. Lo malo, es que después de tenerlos cerrados durante unos eternos segundos, me gustaría que no se abriesen y quedarme anclado en esa infancia que tanto recuerdo.

La última vez que bebí leche recién ordeñada fue en Gósol. Un pequeño e idílico pueblecito que despierta cada día bajo la cara menos fotogénica del impresionante Pedraforca. En el parque nacional del Cadí Moixero.

*La foto es de Jan Puerta, y el texto también. Lo he tomado de su blog.

Desde hace tiempo frecuenta este blog Jan Puerta. Siempre deja comentarios amables. Él posee un bonito blog de fotografía y literatura. Llevo unos meses obsesionado por la bicicleta: encuentro esta en su página web y la traigo aquí.

Hace un instante, tras ver la película ‘Besos robados’ de Truffaut, cayó en mis manos una monografía espléndida sobre ‘Ciclistas’. He repasado algunas vidas: Geminiani, Bobet, Anquetil, Bartali, Hinault, Merckx, Ocaña, que se suicidó en 1994, antes de cumplir los 50 años, Bartali, Coppi. Y, cómo no, Induraín y Charly Gaul, ‘el ángel de la lluvia’.

El blog de Jan Puerta es http://janpuerta.blogspot.com/

Hace unos días, la periodista de ‘El País’, Tereixa Constenla publicaba este artículo de homenaje a uno de los fotógrafos que más han marcado la prensa en España, Raúl Cancio, desde su trabajo en el periódico madrileño. La foto de apertura es de la Premio Nobel Doris Lessing. Abajo está María Zambrano, y más abajo se ve un instante de rodaje de 'La colmena'

RAÚL CANCIO, ‘SIMPLEMENTE… PERIODISMO’

Por Tereixa CONSTENLA. El País.

Entre la primera portada que firmó en un diario y la última median decenas de miles de disparos, más de 45 años y algunas lecciones. La primera: retratos frontales siempre. Cuando Raúl Cancio (Madrid, 1943) entró en el diario Pueblo tenía 20 años y osadía. Le encargaron un retrato en el café Gijón. Lo hizo de perfil. "Se publicó pero mis jefes me regañaron mucho porque un retrato tiene que ser de frente". ¿Y ahora, retirado del día a día, qué piensa? "Salvo excepciones, estoy de acuerdo".

En Simplemente... periodismo, editado por la Asociación de la Prensa de Madrid, le da la razón a aquellos jefes. No hay más que ver el de la escritora Doris Lessing, limpio, sencillo. "La retrató con un clic, como yo no supe hacerlo usando no sé cuántas palabras", escribe Maruja Torres, compañera en aquella entrevista. Algo similar dirá Juan Cruz a propósito del retrato, elegante y melancólico, de la filósofa María Zambrano, boquilla en mano, a su regreso del exilio: "Vale más que las 1.510 palabras de que constó mi entrevista".

Raúl Cancio recibió a Salvador Dalí en cuclillas en el hotel Palace de Madrid para enmarcar los rasgos que hicieron Dalí a Dalí: bigote y mirada. Los retratos, de frente. Y de cuando en cuando alegorías como las piernas neoclásicas de Perico Delgado, en perfecto equilibrio sobre los pedales, a punto de despedirse del ciclismo. O el portero Iribar saltando sin balón y con el rostro desenfocado sobre un fondo de 3.500 aficionados con gesto de asombro nítidamente enfocado. Cancio ve donde otros miran (y en deportes, más). "Todo el mundo sabe mirar fotografías, pero solo unos pocos ven fotografías", sostiene.

Durante cuatro décadas, Raúl Cancio sobrellevó el estrés de decidir la foto de las primeras páginas de EL PAÍS y, antes, de Pueblo. 64 de las firmadas por él figuran en este libro. "Es difícil hacer una buena foto de prensa, disparas y sabes que nunca volverá a pasar ese momento por el objetivo de la cámara, que es irrepetible".

Irrepetible fue el desplome de Marion Jones en la calle tres en el Mundial de Atletismo de 1999: el mito tocaba tierra y, en breve, tocaría fondo. Irrepetible fue el viaje de Cancio a las celdas de Carabanchel cuando los motines y asesinatos eran moneda corriente. Y también irrepetible resultó la expulsión de Nigeria en pleno conflicto en 1969. "Si volviera a nacer", avisa, "llamaría a la misma puerta".

Yo fui un niño perdido en la soledad del maizal: allí, a recaudo de todo, soñaba, jugaba con las piedras y con las judías, construía laberintos en penumbra. Había un instante en que mi madre pronunciaba mi nombre: gritaba, refunfuñaba, maldecía: “¡Neno, nenooo!”. ¡Niño, niñooo! Jamás hubiera dado conmigo. Era la hora de volver, y al salir fuera tenía la sensación de que abandonaba el océano y su estrépito, sus grutas y sus galerías de agua, la cueva de todos los tesoros y de todos los demonios.

*Acabo de encontrar un magnífico blog de fotografías de José Luis Ríos, de Binéfar. Este es un maizal de allí. Sencillo, evocador, misterioso, como un océano. El fragmento de arriba pertenece a un libro en el que estoy trabajando ahora. También me ha gustado mucho ese futbolín captado en La Puebla de Castro.

El blog de José Luis Ríos es: http://andan-dos.blogspot.com/

Esta tarde, desde as terras da Patagonia en Chile, Beatriz Rodríguez, mestra de inglés e soñadora de poemas e imaxes, galega polo mundo, envíame esta evocadora foto da súa aboa paterna: Benita Reimúndez, tomada por Pacheco en Vigo. É un retrato estupendo, da calidade e da forza dos do libro. Podería figurar nel perfectamente…

Beatriz Rodríguez ten un estupendo blogue:

http://sureando-sureando.blogspot.com.

Hai rescate familiar, anacos de corazón, moita poesía a cotío e unha colección sempre sorprendente de pintura. Case sempre pintura figurativa, reloucante de cor e poboada polas mulleres. Beatriz é unha criatura sensible, coa memoria habitada pola palabra e a imaxe.

1925. Margarita Alonso Gil. Equipo de Hóckey Atlantida.

Equipa de ciclismo: Pacheco era un grande retratista de estudio, de homes e mulleres sós, pero tamén de grupos.

 Alfonso Daniel Rodríguez 'Castelao'.

Hoxe o grande escritor, fotógrafo e antropólogo Vítor Vaqueiro, autor de libros como ‘O soño (re)dirixido’ (Galaxia, 1992 e 2010) envíame un fermoso libro: ‘Mulleres’ con fotos do Arquivo Pacheco que dirixe, de Natalia Poncela e Amada Traba. Unha marabilla. Busco algunas fotos de Pacheco, que se asentou en Vigo (hai del unha monografía espléndida en Lunwerg) e atopo estas. É unha pequeña mostra do traballo deste grande profesional galego.

Vítor tamén me manda a nova edición do seu libro de relatos, de estirpe borgeana.

TERUEL PUNTO PHOTO 2010

SURREALISMO E IMAGINACIÓN

Foto de Rodney Smith.

Teruel y el surrealismo son como el pan y el vino, si incorporas la Fotografía le añades el queso de oveja ojinegra que le faltaba…

Este año lleno de incertidumbres y repleto de carencias, lo hemos llenado con imaginación y la fuerza que nos dan los sueños, y francamente, si no tuviéramos ese punto surrealista y loco, no habríamos conseguido lo que los números nos negaban.

Una vez que nos negamos a acatar la dictadura del dinero y a luchar por nuestro Festival, llegaron, un año más, las alegrías en forma de apoyos personales, de otras asociaciones y de la empresa privada turolense. Y ahí nos volvimos locos del todo.

Hemos tenido que reducir el número de salas pero hemos mantenido la calidad. Japón, China, Estados Unidos y Teruel, ahí queda eso.

Por el contrario hemos ampliado actividades, Concursos de Fotografía, sesiones de foto en la ciudad, rally infantil, proyecciones y música.

Todo para enseñar y aprender cómo es la Fotografía, para ver cosas y gente diferentes, para intentar acercaros ese sueño de cualquier turolense, tener una foto junto al Torico.

Aquí lo tenéis de nuevo, los locos de las fotos lo han vuelto a hacer.

La Fotografía está en la calle.

Sociedad Fotográfica Turolense

www.sfturolense.es

PROGRAMA  DE EXPOSICIONES

Hasta el 31 de agosto

1.- “The End” Rodney Smith

(Museo de Teruel)

2.- “Old Future” Ubé

(Logia, Museo Provincial)

Obra de Koichi Okuwaki.

3.- “Hana” KoichiOkuwaki

(Torreón de Ambeles)

4.- “Pieles de Papel” Curso de fotografía de desnudos 2009

(Sala de la Muralla DGA)

Pieza de Maleonn.

5.- “Retrospectiva” Maleonn

(Escuela de Artes y Oficios)

Pieza de Maleonn.

6.- “Estereoscópicas de Leonardo Buñuel”

Centro Buñuel de Calanda

(Sala de Exposiciones de la Cámara de Comercio de Teruel)

7.- “Realismo Mágico” Noelia Cabello

(Biblioteca Pública)

8.- “Espacios” Pepe Aznar

(Torre de El Salvador)

9.- “Retratos a Fonda” Miembros y amigos de la SFT

(Claustro de San Pedro)

Pieza de Maleonn.

10.- “La Luna acuchillada” José Sánchez

(Caja Rural de Teruel)

11.- Luis Sánchez Martín

(Pub La Torre)

12.- “Dentro” María Félez

(Fonda del Tozal)

“Surrealismo e imaginación” Sociedad Fotográfica Turolense.

Agüilla

Por Paco FERRER LERÍN

Los encuentros en los estancos deparan a menudo grandes satisfacciones. Hoy he ido a franquear una carta para mi hijo que vive en Cercedilla y allí estaba ella haciendo cola para comprar dos paquetes de Marlboro con un body negro resaltando ese busto que adoran los futbolistas y una sonrisa exultante que he rubricado con dos besos en las comisuras. Alguien ha entrado y al socaire del tumulto he rozado mis enfundados genitales con su muslo izquierdo caliente como piedra foguera a lo que ha respondido que me vio en no sé qué periódico y que se me veían aún buenas piernas (parece ser que esa parte la pone loca). Tenía yo prisa por llegar a casa. En efecto había manchado los bráslipes; un licor no sé si prostático o de Cowper. Primavera.

*El pasado viernes pasé una noche estupenda en Jaca, con Paco Ferrer Lerín, su mujer Concha y la bibliotecaria Raquel. Paco está en un momento espléndido: ha redactado la segunda parte de su libro ‘Níquel’, y publicará el texto que apareció en Mira y el inédito en un único volumen en Tusquets, baraja un título provisional como ‘Razón y combate’, y a la vez, pronto, muy pronto, se rescatarán sus primeros poemas, escritos a partir de los 16 años y recogidos ahora con un bello título ‘Edad del insecto’. Encuentro este texto de Ferrer Lerín en su blog y lo traigo aquí. Ese viernes leí un poema suyo de ‘Fámulo’, y el sábado, él y Toni Marí presentaron el deslumbrante volumen que ha publicado Tusquets en la colección Nuevos Textos Sagrados. Traigo aquí estas fotos de The Raw Files que seguro que le gustarán al gran aficionado a la belleza femenina, al secreto de los bosques y al misterio sexual que es Paco: poeta, narrador, ornitólogo, filólogo a su modo y un gran inventor de libros y personajes apócrifos y de monólogos dramáticos.

Uno de los grandes fotógrafos de América del Sur es Leo Matiz Espinoza, Leo Matiz, que nació en el pueblo de Gabriel García Márquez, una década antes. Ha sido caricaturista, pintor, editor, galerista y, sobre todo, fotógrafo, a pesar de que pronto perdió un ojo. Dicen de él que ha tenido una vida increíble, que se casó catorce veces, y entre sus amigos se cuentan Frida Kahlo y su marido Diego Rivera, Luis Buñuel o Pablo Neruda. Este texto lo firma Eloy Jáuregui en su blog: http://el-jauregui.blogspot.com.

LEO MATIZ: EL GUARDIÁN DE LAS SOMBRAS

POR ELOY JÁUREGUI

El fotógrafo colombiano Leo Matiz (Aracataca, 1917-Bogotá, 1998) es toda una leyenda de la fotografía del siglo XX. Nació en el olvidado pueblito de Aracataca, el mismo que alumbró a Gabriel García Márquez, y acaso marcado por ese sino recorrió una vida que se disputa con la frondosa imaginería del Premio Nobel. Caricaturista, pintor, fotógrafo de cine, actor, publicista (y de paso fundador de galerías de arte y medios propios), Matiz se ganó el reconocimiento de la crítica internacional como el “guardián de la sombra” de la fotografía latinoamericana, título que le va bien tanto por las poderosas luces y sombras que encienden sus imágenes blanquinegras como por sus dispares objetivos que pivotean entre las cumbres del poder y los laberintos del olvido.

Matiz tuvo una vida de pasiones. Llegó a México en 1941, el mismo día de la muerte de León Trotsky, queriendo ser cineasta o actor, trabajó como asistente de cámara e intimó con los muralistas mexicanos (al punto que terminó denunciando a David Siqueiros por plagio); obligado por un editor compró su primera cámara a tres dólares y vendió su primera obra a 100, montó su estudio en Nueva York, cubrió la guerra de Medio Oriente y volvió a Bogotá, donde fundó una galería de arte dedicada a los artistas olvidados. Buscador de “todos los ángulos”, ya en 1949 figuraba en la lista de los 10 mejores fotógrafos del mundo y en su vejez el gobierno francés le otorgó el pomposo título de “Caballero de las Artes y las Letras”.

Sólo en 1948 vislumbró dos veces la muerte. Fue herido en el centro de Bogotá, víctima de un levantamiento que terminaría en el asesinato del líder popular Jorge Eliécer Gaitán, a quien Matiz había entrevistado esa misma tarde. ¿Cómo? Desde la camilla del hospital, y con una cámara prestada le robó al caudillo una toma de su espalda que recorrió el mundo. Ese mismo año, de viaje por Palestina como observador de guerra de la ONU, cayó a un pozo hirviente y fue dado por muerto. Pero revivió para presenciar (y fotografiar) el atentado contra el Conde Bernardote, mediador del conflicto, imagen que reproducirían todas las agencias internacionales.

Recorrió el mundo trabajando para las revistas Life y Selecciones del Reader’s Digest, Look, Harper’s Magazine, Norte y Así. Y entre tanto se codeó (y no sólo) con figuras de toda índole. Sólo su álbum íntimo incluye a Diego Rivera, Frida Kahlo, Luis Buñuel, Marc Chagall, María Félix, Dolores de Río, Esther Williams, Louis Armstrong y el torero español Manolete. Entre sus estampas se puede encontrar un diáfano primer plano de Pablo Neruda, una lozana Isabel Sarli, un Fidel Castro empuñando distraído rifle y habano y hasta un sonriente dactilógrafo Juan Domingo Perón.

Gitana, México (1944) Se dice que con su técnica del contrapicado –tomando a su objetivo desde abajo– capturaba el alma de sus personajes. Y con la misma fuerza expresiva que dedicó a las celebridades se entregó a los rostros anónimos de tejedoras colombianas, aguadoras de Yucatán, campesinos e indígenas del Amazonas. Matiz nunca se alejó de la calle y logró pintar la incertidumbre latinoamericana. Un imposible sueño mexicano durmiendo en el banco de una plaza, los restos de una conquista latiendo en el cuerpo sudado de un obrero, la escena de una pesca imposible, la escultura abstracta de torres eléctricas, la silueta extrañada de una obra en construcción o un impresionante sol desplegado en una red de pesca.

Primeros planos de rostros y manos de trabajadores y ancianos. Ojos y manos. La asombrosa continuidad entre una brizna vegetal y los dedos que la aprisionan y también la piel curtida de otras manos que apenas difieren del tejido que elaboran. Luces y sombras que despiertan con magníficos relieves los silencios del anonimato.

Una selección de las fotos de Karen Kuehn, una fotógrafa norteamericana, nacida en Illinois en 1969, que retrata los Estados Unidos: sus gentes, sus actores, sus artistas, sus escritores, gente que asume una actitud más o menos extravagante, al menos en apariencia. Son instantáneas llenas de fuerza y de evocación. Son fotos de gran plasticidad: elegantes, cargadas de misterio y de intensidad, sobre todo las de blanco y negro; y en las de color resallta la fuerza cromática, la alegría, la variedad de gamas. Aquí vemos, entre otros, al escritor Ethan Canin, a Sean Pean, una foto de amor (una de mis favoritas, sin duda), Robert Mitchum, una serie sobre la música y un retrato de Wendy, poderoso de colorido.

Otro de los clásicos fotógrafos de Zaragoza vinculado con la Sociedad Fotográfica es Ángel Duerto. Así lo vio y lo captó José Antonio Duce.

Hace algún tiempo colgué este poema de Carmen Magallón, estudiosa de la presencia de las mujeres en la ciencia, pacifista a carta cabal y una poeta personalísima. Cuando colgué este poema puse una foto de Francesca Woodman y dije que era de Sarah Moon. Una amiga, Patricia Damiano de Buenos Aires, me advierte del error. Esta foto es de Francesca Woodman.

El cielo sobre Berlín  

(Der Himmel uber Berlin- Wings of Desire Wim Wenders)  

Ese ángel que llena la pantalla
me mira desde el cielo 

Cuando vuelo fugaz en las pantallas
el cielo se hace carne
crezco, me acuno, vivo, muero
Cierro los ojos,
canto
al centro de la Tierra 

Viajo por una nube destronada
cruzo un volcán,
oteo el mar en las alas de un pájaro.
El azul se hace viento
bajo el rumor ajeno de las olas 

Desde su nube, un ángel me desea
desciende y se hace carne
para poder amarme 
    

III 
 
Mi deseo de mar era una nube
se disolvió
en un llanto de gaviotas
acunado
en un tiempo sin memoria. 

Huyó el misterio
opaco y verde de las olas
mientras todo mi yo s
e agitaba implacable:
el mar al cielo,
la añoranza al futuro. 

Vino la lluvia
y me deshice lenta
entre sus brazos 

Ahora aquí estoy
varada en esta playa,
fugaz y ausente
absorta en el paisaje

Vicente Almazán me ha mandado, a petición mía, una selección de sus fotos. Texturas, estados de ánimo, la ciudad casi oculta, los pequeños detalles, los ríos de sombra sobre los edificios. Vicente mira de otro modo, rescata e impulsa el otro existir con su cámara. Las cosas estaban ahí pero necesitaban un fuego, el relámpago, un soplo, la atención de alguien que las despertase…

Esta mañana, tras ver a Gema Rupérez y a Juanjo Blasco Panamá, entre un instante en La Casa del Libro. Vi a Daniel Rabanaque, el poeta y rapsoda, a Hermelo y a otras compañeras. Y me encontré con un libro del fotógrafo norteamericano Steve Schapiro, que ha retratado maravillosamente a los hermanos Kennedy y su mundo, a Barbra Streisand, a Truman Capote y Harper Lee, a Andy Warhol y su factoría, entre ellos Eddie y Nico. Pero ha habido una foto que me ha gustado especialmente: esta de Cassius Clay, tomada en Lenxington, Kentucky en 1963, montando en bici con otros niños. Clay fue uno de los hombres más fotografiados por Schapiro.

José Antonio Melendo sigue retratando bellezas. Tiene mucho trabajo en agosto y septiembre, y sostiene que es uno de los trabajos más hermosos de su vida.

José Antonio Duce retrató a muchos de sus compañeros fotógrafos. Uno de ellos fue Víctor Orcástegui, padre del periodista de Heraldo Víctor Orcástegui Rico (1926-2000). Realizó una importante obra, sobre todo en color, que merecería una exposición antológica y un catálogo general de su obra.

Pedro Avellaned es fotógrafo, especialista en collage, actor, director de cortos y de piezas teatrales y un sinfín de actividades más. Por ejemplo, es un paseante noctámbulo por los campos de Gelsa: allí capta las sombras que deja la luna, el murmullo de los maizales, los diálogos de los espectros. Allí se alimenta de inmensidad: así, luego, se le expanden los sueños.

Pedro Avellaned es, además, un viejo amigo y compañero de José Antonio Duce, que lo captó así con esta imagen casi irreconocible…

Repetía Jean Dieuzaide, el gran fotógrafo francés, que la foto es la escritura de la luz. Él siempre se sintió muy atraído por lo que sucedía en los Pirineos y al otro lado. Desde muy joven se aventuró por los caminos de España y, en particular, por las tierras de Aragón: aquí –en Albarracín, en Loarre, en Sos del Rey Católico, en Santa Cruz de la Serós, en la propia Zaragoza que levantaba torres al Pilar- halló un motivo decisivo de inspiración. Dieuzaide inició su travesía, que solo concluiría con su muerte en 2003, a principios de los años 50. Se dedicó a viajar, a hablar con los paisanos y a captar los paisajes, la mole de los castillos, el interior de las iglesias, la trama de las callejas y la vida de los pastores. Si le fascinaron España, desde Galicia y Extremadura hasta todos los confines, y creadores como Dalí y Picasso, Aragón le despertó una gran curiosidad. En el palacio de Sástago puede verse una de esas muestras conmovedoras que exaltan una tierra de contrastes y la fotografía como documento y como artesanía trascendida. Diuezaide era un maestro de la composición y del encuadre, de las perspectivas, un documentalista de la piedra milenaria y un observador de los latidos del existir. Son fotos transidas de humanidad, de sutileza y de temblor, que están llenas de detalles: la fuerza de los rostros, el idioma de las estaciones sobre las cosas y las personas, la naturaleza de secano. Dieuzaide da una lección de arte, de técnica, de paciencia y, lo que es mejor aún, atrapa lo esencial y lo mítico. Captó un territorio tan desnudo, solo y rotundo que parece desmigajado en un tiempo inconcreto fuera del tiempo. Aragón no se acaba nunca: ni para nosotros, sus moradores, ni para el caminante Dieuzaide, embrujado por la sed ancestral de los Monegros, que avanzaba con su Rolleiflex al cuello.

*La exposición 'jJean Dieuzaide. Por tierras de Aragón' permanecerá en el Palacio de Sástago hasta el 19 de septiembre. El comisario de la muestra es Julio Alvárez, al que vemos en la foto de Carlos Moncín (jefe de fotografía de Heraldo de Aragón) como Michel Dieuzaide, hijo del fotógrafo.

El extraño

Algo antiguo le habla de su historia.

Algo nuevo miraba hacia el olvido.

Se buscaba en las horas

y encontraba ceniza.

Nunca envidió el retorno,

aunque amaba el abismo

que las llamas de ayer iluminaron.

Jamás quiso volver,

ni despertarse.

Vidas imaginarias

A Marcel Schwob

Anidó en el silencio

y de su crisálida

nació un copo de nieve.

Hoy le llaman invierno,

y algunas veces,

sin motivo,

ruge.

Transparencias

Soñaba con el aire de las cumbres

y con voces que se desvanecían.

Imaginó que hablaba con los montes

bajo la soledad de las alturas,

y el duende de la ausencia y el silencio

cerró la puerta y ocupó la casa.

Callaban las paredes,

y la tarde escribía en las ventanas

nostálgicas palabras amarillas.

El óxido del oro

Desde la ira de las madrugadas,

como un temblor dorado

que se apaga y renace,

caen lentas hojas de metal herido,

cubren de esclavitud las avenidas,

vierten miseria sobre la miseria.

Pero es hermoso el sol que se derrama

sobre las claras brumas ya vencidas,

y toda lejanía semeja ser testigo

de encendidas llamadas imposibles.

Es un grito la luz;

la voz es niebla.

*Nueva foto de Pepe Verón, con cuatro poemas de ‘El exilio y el reino’.

RAFAEL NAVARRO. FOTÓGRAFO

José Antonio Duce me mandó otra sorprendente foto: esta de un irreconocible y muy joven Rafael Navarro, fotógrafo, nacido en Zaragoza en 1940. Empezó haciendo fotos de ballet y de teatro, y poco a poco fue transitando hacia el mundo que ahora le conocemos: los dípticos, los desnudos, el cuerpo convertido en el paisaje y el paisaje transformado en cuerpo. Copio aquí el texto que le dediqué a su última exposición: ‘Testigos’. Una de las más hermosas, sin duda.

‘TESTIGOS’: RAFAEL NAVARRO

Rafael Navarro presenta en el MICAZ una de sus exposiciones más rotundas: ‘Testigos’, una mirada al paisaje donde logra convertirlo en un desnudo, en una toma interior, en un diálogo de luz, en un abanico de percepciones y de sensibilidad. Casi al revés de lo que había hecho en otros trabajos donde lograba que un cuerpo desnudo adquiriese la forma de un paisaje, donde dos nalgas parecían una colina o un promontorio al atardecer. ‘Testigos’ es un trabajo que se ha prolongado durante varios años y que condensa la historia del fotógrafo embrujado por los jardines, por las plantas, por la exuberante naturaleza de Italia, Estados Unidos, Londres, etc. Luego, con su técnica perfeccionista, con su sentido del contraste y con ese desarrollo casi intuitivo ya del sistema de zonas, Rafael Navarro ha creado su propio álbum de la naturaleza desde una percepción íntima, delicada, y lo dota de un especial sentido de la composición. Navarro se ha definido como un artista de las sensaciones, un creador de estados de ánimo y de atmósferas: aquí exhibe todo el dominio de la técnica, ensalza los detalles, observa casi lo invisible (como esa hoja mordida por un tenaz insecto), crea bodegones o ‘vanitas’ en medio del vergel, y homenajea a grandes maestros, sin duda: Edward Weston, Manuel Álvarez Bravo, Imogen Cunningham o algunos fotógrafos japoneses, de modo muy evidente. ‘Testigos’ son la fronda, las plantas, la misma luz, la sombra, el mismo fotógrafo que mira, la Leica que acecha, ‘Testigos’ somos nosotros que miramos la foto y, sin quererlo, entramos en un edén que nos mira y nos perturba. Y nos sojuzga porque es evidente el intento de atrapar y fijar la belleza en su más estilizada abstracción.

Hace algunos años, a principios de los años 80, asistí a clases de fotografía en la Universidad Popular. El profesor se llamaba Pepe Casas. Había publicado un libro, o quizá lo publicase luego, que se titulaba ‘Luces y sombras’ con textos de Ángel Lahoz. Hablo de memoria: no encuentro ese libro en mi biblioteca.

Ayer, José Antonio Duce me mandó una foto suya en la que parece encarnar al joven Hamlet o al enamorado Romeo. Pepe Casas falleció demasiado joven hace algunos años.

Dentro de unos días, José Antonio Duce vendrá al programa ‘Borradores’ para hablar de su libro sobre la Aljafería. Le pedí una colección de retratos de diversas épocas. Inicio aquí la publicación de una pequeña serie suya. Me ha encantado el único retrato a color que me ha enviado, el único de una mujer, creo: este de Margarita García Buñuel. Fotógrafa.

Margarita fue Nuevo Talento FNAC.

 Lugar sin voz

Cruza el día por el páramo exhausto

como un viento de luz desesperada.

Sin alma y sin latido,

abrasada y baldía,

sola queda la tierra.

Sin huellas ni horizonte,

su voz a lo indecible se abandona.

Duerme,

pero no tiene nada que soñar.

Capital prisionera

Desde el suburbio

                             la visión herida:

la ciudad se ha cerrado

                                            y se consume.

Imagino el rumor,

                             siento los días,

quedan, acaso,

                  lejanos resplandores,

   luz cautiva

que proclama la burla de la noche,

la oscura incertidumbre de la sombra. 

Sombras en el mar

Nubes viajeras sobre el infinito.

Los rumores marinos abrazan al silencio

y siembran de presagios las distancias.

Sola queda la mar.                                                                                                                                                        No se lamenta,

mas deja que las olas se acompasen

al latido del tiempo,

que sea el horizonte

más lejano que el día.

No hay salvación.

El firmamento asoma entre las llamas

de un reflejo, que a punto de morir

tiembla en las aguas.

*Estos tres poemas de José Verón Gormaz pertenecen a su libro ‘En las orillas del cielo’. La foto corresponde al pueblo del Maestrazgo, Villarluengo, que se abre hacia el abismo y a la vez se alarga hacia el cielo con su imponente iglesia.

Otra foto de Javier Cruces, tomada en París, al autorretrato de Vincent Van Gogh.

La acompaño del poema-canción de José Antonio Labordeta, incorporado al libro Mar de amor. Canciones, que acaba de publicar Olifante para el homenaje que se le rinde al poeta y cantautor estos días.

EL POETA

De José Antonio Labordeta

                                                   A Miguel, mi hermano.

Él quiso ser

palabra sobre el río al amanecer,

y caminó

por viejas esperanzas

que nadie entendió.

Dejó después

su mano entre las manos y se nos marchó

con un suave silencio

que el viento rompió.

Su gesto fue

dolido, por el caminar

entre yermos y piedras

y un extenso erial.

Su voz se ató

al yermo del paisaje y a la sangre en flor.

Se hizo pared

allí donde los muros cayeron tras él.

Su soledad

abrió por los caminos la necesidad

que levanta a los hombres

a la libertad.

Caminos son

abiertos por su fuerte voz

lanzada contra cierzo y sol

y contra tantos siglos de dolor.

José Verón Gormaz me envió ayer una colección de fotos suyas que irán apareciendo en el blog acompañadas de una selección de sus poemas. Esta es la primera. Es una mirada sobre el río Cinca y su corriente preñada de colores y de tonos.

PARÁBOLA DEL AGUA

(Ceremonias dispersas-1990)

El agua,
cuando es sangre de río que camina,
llena está de frescura;

mas cuando detenida
                    en quieta charca posa,

cálida se torna
                    y púdrese.

¡Agua parecen ser
                       las ilusiones!

Me escribe José Antonio Melendo, muy de mañana, y me envía una serie de fotos de sus retratos de jóvenes modelos que inician su carrera. Me dice que es muy feliz con sus nuevos encargos y que hoy tendrá una nueva sesión…

El retratista de la Expo ha descubierto la belleza del cuerpo femenino a través de su cámara. Mira y mira, y de mirar nunca se cansa.

BAJO EL TÍTULO DE “THE END”, SE OFRECE UNA RETROSPECTIVA DE SUS ÚLTIMOS 20 AÑOS DE TRABAJO FOTOGRÁFICO

ESTE ESPECTACULAR INVENTARIO DE IMÁGENES FORMA PARTE DE LA PROGRAMACIÓN DE TERUEL PUNTO PHOTO 2010

El Museo de Teruel inaugura hoy viernes día 30 de julio, a las 20 horas,  la exposición “Rodney Smith. The End”. Alrededor de cuarenta fotografías procedentes de su libro “The End” permitirán al espectador descubrir una cuidada selección de la obra realizada en los últimos 20 años por este prestigioso fotógrafo norteamericano. Se trata, sin duda, de la muestra más importante que presenta el Festival Internacional de Fotografía “Teruel Punto Photo 2010” y se ha organizado en colaboración con la Sociedad Fotográfica Turolense.

Por otra parte, está previsto que Rodney Smith presente su libro “The End” en un acto que tendrá lugar en el Museo de Teruel el próximo 6 de agosto, a las 20 horas. Será la primera vez que esta importante publicación, editada el pasado año en Canadá y que constituye el más reciente de sus cuatro libros de fotografía, se dé a conocer en España. La exposición de Rodney Smith permanecerá en el Museo de Teruel hasta el 19 de septiembre de 2010.

Rodney Smith, que estudió fotografía en la Universidad de Yale en los años 70 del pasado siglo bajo la tutela del célebre Walker Evans, ha desarrollado una amplia y variada labor como fotógrafo y también como docente. En la actualidad enseña fotografía en la ciudad norteamericana de Santa Fe, Nuevo México. La original creatividad de su trabajo ha sido reconocida con numerosos premios. Está considerado internacionalmente como uno de los mejores practicantes contemporáneos de la fotografía en blanco y negro, aunque también realiza imágenes en color. La crítica ha subrayado el carácter surreal y onírico de muchas de sus fotografías

De su valía como fotógrafo profesional dan buena prueba una trayectoria en la que hay que recordar que ha hecho trabajos para empresas como American Express, BMW, Starbucks, Merril Lynch, Morgan Stanley y Visa; para entidades como la Bolsa o el ballet de Nueva York. También ha realizado fotografías para revistas como “The New York Times Magazine”, “Vanity Fair” o “Esquire” y para marcas de moda como Ralph Lauren. 

Su obra se ha expuesto en importantes galerías y museos, fundamentalmente norteamericanos. En 1975 recibió una beca de investigación de la Jerusalem Foundation. El fruto de su estancia en Israel fue su primer libro de fotografía: “In The Land of Light”, publicado en 1983. Diez años después publicó su segundo libro, “The Hat Book”; en 2005, el tercero, “The Book of Books”. Finalmente, en otoño de 2004, se editaría su cuarto volumen: “The End”.

*Rodney Smith es un fotógrafo muy querido en este blog. Tiene grandes seguidores como Marta Navarro. Este texto, que me envía Leo Tena, pertenece al dossier que adjunta desde Teruel Punto Photo 2010.

Una maravillosa foto de verano de uno de los grandes fotógrafos de todos los tiempos: Edouard Boubat (París, 1923- Montrouge, 1999). Un fotógrafo con un acentuado sentido poético de la existencia.

Otra espléndida y serena foto de un desnudo. Abajo, autorretrato del artista con su mujer en 1954.

En esta foto, su mujer y su musa Lella entre los barcos.

UN POEMA DE SOL ACÍN

Dejé mi alforja sin llenar, perdida
sobre el guijarro oscuro,
la llave del placer, la inocua danza.
Cayó sin destruirme
la inquieta soledad de los que esperan,
la dulce plenitud de los que alcanzan.
Volví hacia ti, momento de la noche,
lluvia de luz, tamiz de los cristales
la aguda sinrazón de mi delirio.
Volví a tocar, rozando suavemente
la escondida belleza conseguida.

Angelina Jolie.

Sienna Miller.

Olivia Wilde.

Eva Mendes.

Michelle Obama.

Anne Hathaway.

Keira Knightley.

Todos estos retratos son de un gran maestro noruego, joven, que se codea con un sinfín de celebridades: Marc Hom. Una auténtica maravilla. Suele publicar sus fotos en las más prestigiosas revistas de moda.

Hace muchos días que no veo a mi querido Vicente Almazán. Demasiados. Apenas veo a nadie.

Hoy me ha escrito con el cariño habitual. Rastreo como casi siempre en sus maravillosos blogs (a color y en blanco y negro) y rescato esta foto de la narradora y cuentacuentos Carmenconguantes.

En estos días, la bicicleta es especialmente importante para mí.

La acompaña esta cita:

Yo soy cuentacuentos y siempre cuento conguantes (que me hace mi madre) de todos los colores
CARMENCONGUANTES

Y esta cita de Vicente Almazán:

Carmen, sin guantes, compra verdura en La Magdalena y cabalga en bici, como una princesa de sus cuentos, dejando los colores de su bolso en las pupilas de payos y gitanos.

Javier Cruces estuvo en París, se acercó a la Torre Eiffel y decidió captarla así con un angular especial.

Peter Kemp es un fotógrafo holandés que se mueve entre el surrealismo, la foto de atmósfera retro y el cuento fotográfico.

Javier Cruces, el fotógrafo de Garrapinillos, ha vivido recientemente una espléndida aventura: se fue a Nueva York y disfrutó con su hijo José y con otros familiares de las bellezas de la ciudad, de las bellezas y del jazz. Este es una amanecer en Nueva York. Nos encontramos un día y me habló de la fascinación y del impacto que habían ejercido la ciudad en él.

Algunas de las fotos de uno de los grandes maestros de los últimos años: Michel Comte.

Javier Cruces domina todos los registros de la fotografía. Una mañana, creo que era una mañana, paseando por Madrid vio esto y así lo captó. Con humedad, con llovizna, con niebla: panorama de una ciudad acaso inquietante desde la plaza de Santa Ana.

Javier Cruces viaja mucho. Hace algún tiempo estuvo en el Louvre y allí captó esta escena.

El jurado del III Premio Internacional de Poesía “José Verón Gormaz” ha hecho público el resultado de esta convocatoria cuyo único premio ha sido para Marina Aoiz Monreal por “El pupitre asirio”, una obra dividida en dos partes y compuesta por unos 40 poemas de verso libre.

El fotógrafo y poeta bilbilitano, José Verón, destacaba que en el fallo del jurado se ha tenido especialmente en cuenta “la originalidad de la obra”. El escritor y miembro del jurado, Javier Barreiro, coincidía en este punto al asegurar que el poemario “huye de los senderos trillados” y hacía hincapié en el lenguaje utilizado, “libre, experimental, con muchos matices y una rica variedad de tonos”.

Para Barreiro la originalidad es “un valor primordial” pero también destacaba otros factores incluidos en la obra como la ironía y el humor. “La ironía es otro valor literario que a veces no se tiene en cuenta en la creación poética por su trascendentalismo y por exceso de retórica y, en este caso hay una mueca crítica que recorre todo el poemario”, aseguraba.

El jurado también ha hecho mención a otros aspectos de la obra como las referencias a otras culturas –de pueblos orientales y americanos- y a diferentes épocas de forma que el resultado es “un paseo por la historia universal de la cultura visto con un matiz irónico”, resumía Barreiro.

El profesor de la Universidad de Zaragoza, Alfredo Saldaña, también ha formado parte del jurado final del certamen y felicitaba a la ciudad de Calatayud por “mantener un premio de poesía y dotarlo económicamente en una época de austeridad”.

Por su parte, la concejal de Cultura, Julia Olivas, agradecía la implicación de la Uned y el Centro de Estudios Bilbilitanos, colaboradores en la organización, y especialmente el papel de José Verón Gormaz, “el alma de este premio de poesía”.

             Esta es la primera vez que una mujer resulta premiada en este certamen bilbilitano. Marina Aoiz (Tafalla, Navarra) es licenciada en Ciencias de la Información, poeta, narradora e investigadora y ha recibido numerosos premios de poesía y creación literaria en la última década, entre ellos dos accésit, en 2000 y 2002 en el concurso de poesía “Ciudad de Zaragoza”. El último galardón lo ha obtenido este mismo año en el certamen poético “Pilar Paz Pasamar” de Jérez de la Frontera.

La entrega del premio concedido por el Ayuntamiento bilbilitano se realizará en salón cultural de San Pedro de Los Francos el próximo 5 de septiembre.

             “El pupitre asirio” se publicará dentro de la Colección de Poesía del Centro de Estudios Bilbilitanos a la que desde 2007 se incorporan todos los títulos ganadores de este certamen de poesía internacional. Además de la edición el libro, la ganadora recibirá 6.000 euros y una parte de los ejemplares publicados.

*Información del gabinete de prensa del Ayuntamiento de Calatayud. La foto de arriba es de una bellísima Liz Taylor. Las otras son de José Verón Gormaz que presenta estos días una muestra muy cuidada en la sala A del Arte. En la última foto vemos a la poeta de Tafalla, Marina Aoiz.

Inicio aquí una serie, una nueva serie, sobre un fotógrafo: Javier Cruces (Zaragoza, 1955), padre de José Cruces y suegro de Tamara Hevia. Posee varios premios Goya, y es un maestro del retrato y del reportaje. Trabaja en Garrapinillos: es un ciudadano sensible, simpatiquísimo y locuaz, apasionado, al que todos quieren y respetan en el barrio. Me ha mandado una serie de fotos de Nueva York, de París, de Egipto, de Zaragoza. Las iré colgando poco a poco. Un día vino a la presentación de uno de mis libros, y a los pocos días me trajo un álbum inolvidable. Aparece en mi libro ‘Fotografías veladas’ (Xordica, 2008). Recupero aquí una entrevista que le hice tiempo atrás, después de ganar el premio Goya de fotografía.

-¿Cómo nació el fotógrafo Javier Cruces?

- Yo trabajaba en Garripinillos con mi padre y mis hermanos en un almacén de abonos. Durante el servicio militar, en Aviación vi revelar una foto y me dije: "¿Qué es esto?". A partir de ese momento cogí la cámara de mi padre, una Woitlander. Luego me compré una Mamiya reflex y disparaba a los bordillos, a los cigarrillos, a las cucarachas, a todo lo que vivía. Revelaba con pozales de agua hasta las cuatro de la mañana.

-¿Y luego?

-Le hice unas fotos de boda a mi hermano, gustaron y empezó a funcionar el boca a oído. "Mira, las fotos que ha hecho el chico de Tomás". Usaba focos de bombilla y hacía muchas instantáneas de domingo. Más tarde compré una Zenza Bronika de 6 x 6. Y cuando me casé mejoré mi estudio y combiné durante unos años el trabajo con los piensos y la fotografía. Aunque me gustan mucho las fotos de exterior, me decanté por las de estudio y en particular por el retrato con una atmósfera particular.

-¿Qué busca en un retrato?

-Captar a la persona tal como es, su carácter, su erotismo, su dulzura. Si capto a un niño, soy más chico que él con naturalidad. Quiero que me entregue su confianza. Y cuando ese nivel de camaradería y de confianza es el idóneo y percibo su mirada limpia, disparo. Soy un fotógrafo de disparo único o de muy pocos. Mi obsesión es lograr que la persona se vea y se reconozca. Que diga: "Soy yo desde dentro".

-No debe ser fácil: rara vez nos gustamos en las fotos...

-Es cierto. Cada foto es una aventura diferente en materia de gestos, de sonrisas, de personalidad. En el fondo, intento mostrar mi pasión por el ser humano.

-Acaba de ganar el premio Goya al mejor retrato. Uno de los elementos que llamó la atención en la pieza "Nerea" fue la técnica...

-Yo creo que eso es el resultado de muchos años de trabajo y de investigación. Ya hemos superado esa fase de aprendizaje del revelado, de la medición de luz, de la búsqueda del mejor encuadre. Ahora uso el autofocus que me permite captar los detalles con más rapidez y con mayor precisión que cualquier ojo humano, y puedes dejar volar la fantasía. La tecnología ha cambiado mucho: siempre he querido avanzar y mi experiencia en el laboratorio ha sido esencial. ¿Le puedo decir una cosa?

-Está obligado a hacerlo.

-Lo importante es que se sepa hacer fotos. Para el que no sabe mirar y ver no hay tecnología ni cámaras que valgan. La técnica, la cámara o la tecnología digital son elementos secundarios, auxiliares, importantes desde luego. Para mí, la palabra es tan importante como la única luz que uso: el retrato nace de la confidencia.

-¿Ha tenido maestros?

-No sigo a nadie, pero no lo digo por menosprecio u orgullo: trabajo a mi manera y con libertad. Ahora bien, veo lo que hace Sebastiao Salgado y siento auténtica envidia de no haber estado donde él estuvo.

-¿Es, entonces, el artista y el profesional que ha querido ser?

-En cierto modo. A mí me hubiera gustado ser reportero de guerra, viajar, pero no he podido o no me he atrevido. Me siento un retratista de la vida, de las cosas menudas y del paisaje. Y en todo eso pongo mis ojos, mis sentidos, el alma: ordeno y desordeno mis pequeñas fantasías. Estoy abierto a todos los caminos.

-Este es su segundo premio Goya. ¿Le va a cambiar en algo?

-En absoluto. Tengo clientes en Euskadi, en Valencia, en Barcelona, aquí. Estoy muy agradecido a la gente, y en particular a mi mujer, Isabel, y a mi hijo José, que me ayuda en el revelado. Dispongo de la mejor tecnología digital posible y de un espacioso estudio, que es casi un sueño. Me he propuesto tener las mejores herramientas para mis clientes y que la única limitación sea yo mismo. El premio me hace sentir orgulloso, pero no me alejará de mis raíces ni de mis amigos.

-Por lo que veo, encarna el usted el fotógrafo seductor.

-Especialmente con los niños. Soy payaso como ellos, les digo chorradicas y a veces me dicen sus padres que hasta sueñan conmigo. Vienen a verme al estudio. De repente entra mi mujer y me dice: “Javier, hay ahí un chico que quiere verte y si no sales dice que a va romper la puerta a patadas".

Una foto sobre la familia de Manuel Arribas.

Una nueva foto de José Cruces: el arte de la sutileza, de los detalles, la poética del color, de las líneas y de los reflejos.

Otra fotografía de José Cruces: un atardecer, la piedra y el pájaro. O una invitación a soñar en un ámbito que evoca un pasado de leyenda.

Una nueva entrega de José Cruces.

 El calígrafo del cariño que desarbola el mundo con su mirada.

Comienzan las fiestas de Garrapinillos. Publico una segunda pieza de José Cruces, un garrapinillense instalado en Asturias. Recientemente estuvo en Nueva York. Realiza una foto llena de evocación, de gran perfección técnica, que se inclina hacia la abstracción.