[Hace unos días, Vicente Almazán se cruzó con el fotógrafo Patricio Julve, o con su sombra, y le dedicó un texto y una foto en su blog. Patricio Julve apareció por vez primera en un libro de Antón Castro, ‘El testamento de amor de Patricio Julve’ (Destino, 1995 y 2000), reapareció en varios de sus libros posteriores, y hace poco volvía a asomarse, con bastante protagonista, a otro libro: ‘Fotografías veladas’ (Xordica, 2008). Patricio Julve, en connivencia con el citado Antón Castro, también ha escrito una extensa carta-viaje por el Maestrazgo  a Kim Castells, cuando este trabajaba en un libro que se tituló ‘El Maestrazgo. La invención de un paisaje sobrenatural’ (libro que cuenta dos ediciones y varias reimpresiones, en Ibercaja y en Juventud).]

Cada día es más difícil encontrar película negativa de blanco y negro en formato 120. Esto lo saben muy bien todos los fotógrafos. También es cada día más difícil, en los ambientes profesionales, encontrar una persona que no conozca a Patricio Julve. Buscando lo primero en una encantadora isla del Atlántico, y después de preguntar a la mitad de sus afortunados paisanos, acabé en un lugar que, más que tienda, era una cátedra de fotografía, en la que unos contertulios estaban especulando el motivo que llevó a aquellos parajes al insigne fotógrafo. Entre las diferentes hipótesis, me quedo con la más romántica: "Patricio realizaba un reportaje sobre la Ofrenda de Flores a la Virgen del Pilar, en Zaragoza. Ya había realizado unos cuantos iguales y no estaba especialmente motivado. Encuadraba mecánicamente y tan sólo se preocupaba de que estuviesen representados los oferentes de cada una de las diferentes comunidades autónomas. La también rutinaria operación de laboratorio no despertaba a nuestro hombre hasta que la ampliación de unos ojos negros produjo en él el efecto de siete cafés. Aquí comenzó una labor policiaca que culminó con un nombre y un lugar: Yurena. Santa Cruz."

Tengo que comentárselo a Antón Castro. Seguro que él sabe algo.

*Esta foto es de Vicente Almazán. O Patricio Julve. Ahora sí que no estoy seguro. Tengo que preguntárselo a Vicente Almazán.

Fernando González Seral reside en Leciñena y es fotógrafo. Fotógrafo de los Monegros y del ritmo cambiante de las estaciones. Hoy ha publicado una estupenda foto de portada de ‘Artes & Letras’. No nos conocemos, pero ya nos hemos carteado varias veces. El otro día escribí mal su nombre; le he pedido una nueva foto para enmendar aquel Francisco por el Fernando de hoy. Por el Fernando, que es. Ha tenido la gentileza de cedernos hace unos días varias fotos monegrinas para ‘Borradores’.

Aquí está otro de sus raptos de inspiración. El atletismo creo que es mi deporte favorito. Más que el fútbol incluso…

Hacía mucho tiempo, muchísimo, que no sabía nada de Emilio Jio, uno de los dinamizadores incansables de Zaragozame. Hoy ha entrado en este blog y nos recuerda que en su página ha colgado una serie de fotos de Jorge Fuembuena, distinguido en varias ocasiones, becado estos días en Albarracín y fundador del colectivo Zphoto.

La serie portraits  puede verse en

http://zaragozame.com/jorgefuembuena/portraits/

Jorge, que ganó el premio Isabel de Portugal de fotografía para artistas menores de 30 años, ha escrito este texto donde explica su línea de trabajo, su estética:

Por Jorge FUEMBUENA

Esta serie plantea un discurso en torno  al concepto de individualismo contemporáneo, y se articula a través de 20 fotografías.

Partiendo de lo que hay, de la experiencia sensible, de lo existente, de la observación inmediata, cuestiono este mundo cambiante, una situación convulsiva, producida por el cambio profundo de las condiciones culturales que se han ido desarrollando, característico de la condición humana. Rasgos diferenciadores como el desasosiego son mostrados aquí. En un mundo cambiante, el problema de la propia identidad se convierte en una cuestión obsesiva. La fotografía sirve  como instrumento para reflexionar sobre la naturaleza del ser social y del ser individual. Con ella construimos una visión sobre quiénes somos. ¿Somos como nos vemos? ¿Nos vemos como somos? Las fotografías   presentadas  reflexionan sobre la contemporaneidad, proponiendo una mirada consciente sobre estas personas.

Existen precedentes de este trabajo documental. Este trabajo no pretende celebrar la diversidad ni convertirse en un himno a la unidad como hizo Edward Steichen en 1955 en “The Family of man”. Tampoco se trata de  ningún compendio de personas al estilo del trabajo de documentación del pueblo alemán  que llevó a cabo August Sander. En este trabajo se aborda a los sujetos desde una perspectiva sumamente personal, con un proceso cuidado de selección de personas en su espacio cotidiano. Mi intención es dotarlos de toda su humanidad. En esta serie, el hombre se convierte en metáfora de la mezcla de deseo, compasión, avaricia y miedo que nos hace  humanos.

La selección  de los sujetos constituye una declaración en sí misma.  Se enmarca en la fotografía de calle. En mis fotos busco cierta calma y serenidad. Me gusta que todo quede reducido a la esencia. Me interesa la obra de Diane Arbus y August Sander, y de otros contemporáneos como Anton Corbijn o Rineke Dijkstra. Los retratos me han interesado desde mis comienzos, todos mis referentes procedían de la pintura.

Al final la foto es un momento singular lleno de preguntas que amplía tu pensamiento.

*No he podido vincular la página. Esta mañana no me deja el sistema. Uno de los retratos de Jorge Fuembuena.

Desde Zphoto queremos comunicaros que a uno de nuestros miembros, Jorge Fuembuena, le han concedido la beca de la Fundación Santa María de Albarracín, siendo el primero por orden de selección y unanimidad  entre más de 240 fotógrafos venidos de toda España,  con un jurado de excepción entre los que se encontraba Joan Fontcuberta, Oscar Molina o Rafael Doctor. 
 
 El año que viene expondrá junto con los premios nacionales de fotografía Chema Madoz, Alberto García-Alix, Cristina García-Rodero, Isabel Muñoz, Juan Manuel Castro Prieto,etc y convivirá con  ellos en las estancias de la fundación como becario.

 
Te mando una de las fotografías de la última serie "Portraits" que ha sido la premiada en el IX Seminario de fotografía de Albarracín, un referente nacional entre  fotógrafos.

Jorge Fuembuena Loscertales ( Zaragoza, 1979)

Miembro fundador del colectivo Zphoto, en el que organiza y coordina diversas actividades tales como la creación de un  festival  internacional de fotografía: Zaragoza Photo. Imparte talleres y seminarios sobre la práctica creativa de la fotografía.

 Trabaja desde el año 2004 en festivales de cine como fotógrafo oficial y como foto fija en grabaciones. Ha publicado sus trabajos en diferentes medios nacionales e internacionales como Ouest France, El Mundo, Heraldo de Aragón, Cahiers du Cinema, Contraluz, Aulafoto, Photorevista, Mondosonoro..

Ha recibido la beca de Jóvenes creadores del Gobierno de Aragón o la beca de arte Multicaja y ha expuesto sus trabajos en Gdansk (Polonia), Espace Cosmopolis de Francia, Contemporary Art Museum de Reykyavik , Expociencia Internacional de Kuwait, IFEMA en Madrid, Centro de Arte y Naturaleza de Huesca, Sonimagfoto Barcelona, Valencia, Centro de Historia de Zaragoza, Galería Art-nueve de Murcia..

  Ha  recibido reconocimientos  tales como el premio Joven de Arte Santa Isabel de Portugal, el 1º premio de Arte Joven del Instituto Aragonés de la Juventud, el premio de Artes plásticas de la Universidad de Zaragoza, Vision Abierta, Orienta o  Andalán. Su obra se encuentra  presente en  colecciones como la del Gobierno de Aragón, la  Diputación Provincial de Zaragoza, el Instituto Aragonés de la Mujer, la Universidad de Zaragoza, la Fundación Buñuel,  la Fundación Borau, el Museo del Calzado o la Filmoteca Española.

*Una de las obras de Jorge Fuembuena.

El cielo gira y su linterna mágica se esconde tras el telón de la noche negra por el horizonte, que limita esta tierra de Monegros. El sentir  que te envuelve la oscuridad te hace apresurar el paso, para no dejarte envolver en el destierro de lo desconocido, por caminos de destinos inciertos. Pero antes hemos podido contemplar la belleza de un acto, acto final por este día, del balbuceo de la luz agonizante en su propio espectro cromático. Es el ocaso en Los Monegros. Al fondo pequeñas luces, como luciérnagas esparcidas al aire, intentan iluminar la soledad del pequeño caserío.

De Manuel Arribas. Fotógrafo de Los Monegros y de otros territorios. El texto es suyo y corresponde a su blog. http://manuelarribas.blogspot.com/.

Ha titulado la obra ‘Anochecer en Monegros’.

Recibo esta estupenda carta a propósito de las fotos de Fernando González Seral, reportero incansable de los Monegros. Es de otro excelente fotógrafo: Manuel Arribas.

Querido Antón:

Como dicen “nunca es tarde si la dicha es buena”. Me alegra que hayas descubierto al fotógrafo que mejor conoce Los Monegros. Fernando González Seral, mi buen amigo Fernando, sabe como nadie “retratar” el paisaje solitario, desértico, con algún oasis de esperanza y casi ausente de paisanaje. Él sabe cuando el cielo está maduro y el atardecer se para el instante justo en el que piensa si volverse noche, para hacer la fotografía justa. Él sabe cuando la escarcha del frío invierno es más cristalina y reaviva un paisaje austero. Antón, y con esto termino estas palabras en elogio a quien me ha descubierto Monegros, Fernando conoce estos parajes, como los tramperos el bosque, y sabe poner su cámara en el lugar correcto para capturar instantes únicos e irrepetibles a nuestros ojos.

*Pongo aquí una foto marina y copio aquí los enlaces de Francisco González Seral. Espero que ahora se pueden poner bien.

-http://fgseral.blogspot.com/ 

- http://algodelosmonegrosyunpocodelodemas.blogspot.com/

Hace unos días descubrí, gracias al blog de Olga Bernad, las fotografías de Fernando González Seral, centradas, sobre todo en los Monegros. Le he pedido una para el blog y, tras mucho pensar, me envía esta.

Sus fotos son realmente estupendas. Fotos de paisajes, fotos de fuegos en el cielo, fotos de panorámicas abiertas, transidas de magia, fotos de un instante único captadas con la parsimonia de un pintor o el arrebato de un ladrón de luces.

He aquí sus dos blogs:

 http://fgseral.blogspot.com/ , de fotografías de Los Monegros.

 http://algodelosmonegrosyunpocodelodemas.blogspot.com/, donde hay fotos de viajes y de otros temas.

ESCRIBIR

Si me quitan la palabra escribiré con el silencio.

Si me quitan la luz escribiré en tinieblas.

Si pierdo la memoria me inventaré otro olvido.

Si detienen el sol, las nubes, los planetas,

Me pondré a girar.

Si acallan la música cantaré sin voz.

Si queman el papel, si se queman las tintas,

Si estallan las pantallas de los ordenadores,

Si derriban las tapias, escribiré en mi aliento.

Si apagan el fuego que me ilumina

Escribiré en el humo.

Y cuando el humo no exista

escribiré en las miradas que nazcan sin mis ojos.

Si me quitan la vida escribiré con la muerte.

*Ángel Guinda está estos días en Nueva York. Acaba de publicar un nuevo libro: ‘Poemas para los demás’ (Olifante, Papeles de Trasmoz). En él está este poema. He encontrado esta estupenda foto de mi admirado Vicente Almazán, que sale este domingo en ‘Borradores’, y la cuelgo aquí.

Hace unos días, anunciaba un conjunto de actividades del colectivo Zphoto, así como el nombre de sus integrantes.

Jorge Fuembuena me escribe y me corrige algunos nombres. “Zphoto lo componemos Jorge Fuembuena, Eduardo Moreno, Diego Ibarra y Alvaro Calvo. Como ya sabes es un espacio abierto para la promoción y la difusión de la fotografía como medio de expresión.

Se imparten talleres y cursos, existe un programa expositivo y actividades programadas como ciclos de proyecciones, visionado de porfolios. Asimismo el primer proyecto grupal fue la creación de Zaragoza PHoto, un encuentro que contó con la participación de autores internacionales”.

Jorge Fuembuena, ganador del premio Isabel de Portugal de fotografía joven y del concurso de Arte Joven, ya ha publicado una portada en ‘Artes & Letras’. Es hermano del escritor y guionista Eduardo Fuembuena, y nieto del director de ‘Aragón Exprés’.

*La foto es de Jorge Fuembuena.

240 PARTICIPANTES EN EL IX  SEMINARIO

DE FOTOGRAFÍA Y PERIODISMO DE ALBARRACÍN

• La actividad está dirigida por Gervasio Sánchez Fernández y  tendrá lugar del 17 al 20 de octubre
• Se presentará el trabajo realizado por Joan Fontcuberta en 2008, acompañado  de una exposición
• EL seminario está organizado por la Fundación Santa María de Albarracín, con la colaboración de Ibercaja

El próximo fin de semana, Albarracín será,  por novena vez, objetivo fotográfico. 240 participantes se han inscrito en el “IX Seminario de Fotografía y Periodismo” que se impartirá del 17 a la 20 de octubre en el municipio turolense, dirigido por Gervasio Sánchez. El seminario es un referente  de la fotografía, muy valorado por especialistas y participantes, que cada año atrae a un gran número de  participantes de  todas las comunidades españolas. La organización corre a cargo de la Fundación Santa María de Albarracín, con la colaboración de la Obra Social y Cultural de Ibercaja.

El seminario ha sido presentado esta mañana en la sede principal de la Entidad de ahorros por Gervasio Sánchez, director del seminario; Antonio Jiménez, director de la Fundación Santa María de Albarracín; Ramón Miranda, director de Cultura del Gobierno de Aragón,  y  Teresa Fernández, directora de la Obra Social y Cultural de Ibercaja. En el mismo acto se ha presentado el trabajo del fotógrafo Joan Fontcuberta, titulado “Santa Inocencia”. Está publicación se ha realizado tras el segundo programa de Estancias creativas para fotógrafos realizado en el 2008.

En el curso de este año intervendrán Joan Fontcuberta, Oscar Molina, y Rafael Doctor, entre otros destacados ponentes.

Desde su inicio, el seminario está dirigido fundamentalmente a profesionales de los diferentes medios de comunicación y principalmente a los jóvenes recién licenciados o estudiantes de todas las ramas de Ciencias de la información y fotografía. Se realiza con la intención primera de favorecer la comunicación cultural entre personas de toda la geografía española, y promocionar la sensibilización artística y su uso directo en el mundo cotidiano, convirtiéndose así en la actividad cultural de mayor volumen y repercusión de cuantas programa la Fundación.

La meteórica evolución de los medios de comunicación, y muy especialmente de los medios audiovisuales, ha fomentado el interés por el mundo del fotoperiodismo, mostrándolo no sólo como una profesión de moda, sino como una necesidad. El volumen de noticias que se generan cada día, los avances tecnológicos, la digitalización y aplicación de nuevas tecnologías y la trascendencia mundial de los sucesos y acontecimientos sociales, políticos y económicos, hacen necesaria esta profesión, que se encarga de transmitir un hecho desde cualquier punto de la geografía mundial, de manera directa y objetiva.

El director del seminario, Gervasio Sánchez Fernández, es un reconocido fotógrafo siempre en el centro de los conflictos y de la noticia,  y periodista colaborador con diferentes medios de comunicación, especialmente con Heraldo de Aragón. El seminario cuenta con el apoyo de la fotógrafo catalana Sandra Balsells y, durante cuatro intensísimos días, presenta un gran abanico de profesionales a nivel internacional, seleccionados por el director, que cambian cada año y que constatan la excepcional calidad de los contenidos a desarrollar en cada sesión.

Hasta el momento, podemos citar la presencia, a modo de ejemplo, de reconocidas figuras que ya han participado en las ocho ediciones anteriores:  Federico Mayor Zaragoza, Ignacio Ramonet, Joan Fontcuberta, Jon Lee Anderson, Joseph Vicent Monzó, Rafael Roa, Juan Manuel Castro Prieto, Juan Manuel Díaz Burgos, Ricard Terré, Oriol Maspons, Carlos Pérez Siquier, Cristóbal Hara, Rafael Navarro, Chema Madoz, Gorka Lejarcegui, Luis Mompel (ya fallecido), Alberto García Alix, Ramón Esparza, Benito Bermejo, Antonio Covarsí, Ouka Leele, Francisco Ontañón, Isabel Muñoz, Tino Soriano, Ricky Dávila, Manuel Barriopedro, Luis Magán, Koldo Chamorro, César Lucas, Toni Catany, Eugeni Forcano, Miquel Dewever, Bernard Ploss, Colita, José María Mellado, Leopoldo Pomés, Paul Hanna, Pilar Pequeño y un largo etcétera. Una media de doce ponentes participan en cada edición, ofreciendo una conferencia y una proyección audiovisual de su trayectoria.

La  actividad se compone de tres partes claramente diferenciadas: Una parte teórica en la que se desarrollan conferencias y mesas redondas, que se ofrecen en distintas sesiones de mañana fundamentalmente y algunas de tarde, y en las que cada uno de los profesionales invitados aporta alguna de sus experiencias o trabajos más relevantes, dando pie siempre al debate, al intercambio de opiniones o al turno de consultas entre los asistentes.

Otra parte de sesiones prácticas, en la que se dividen a todos los participantes en pequeños grupos de trabajo o talleres, durante gran parte de las tardes (entre las 16.00 y las 20.00 horas habitualmente), dirigidos cada uno por uno de profesores-invitados asistentes al seminario. Cada taller realiza un estudio personal y en grupo de los trabajos que voluntariamente aportan los alumnos y que quieren consultar o valorar. Los trabajos pueden presentarse (no más de 20 fotos) en diferentes formatos: CD, papel o diapositiva. Las sesiones se desarrollan en las instalaciones del Palacio de Reuniones y Congresos y las salas de trabajo, cuentan en cada caso, con el equipamiento necesario para su visionado. Es un trabajo directo entre profesor y alumno, en el que se comentan los –pros- y los –contras- de cada trabajo. Una fórmula muy interesante de estudio que los alumnos valoran altamente y que motiva a la participación.

Y por último una tercera parte que se compone de proyecciones audiovisuales. Tres sesiones de audiovisuales que se ofrecen en la Iglesia-Auditorio de Santa María, en las que se proyectan (tras producción y montaje previo de estudio) interesantes trabajos a tres pantallas, del material seleccionado o realizado a lo largo de su trayectoria profesional por los ponentes-invitados. Su obra sirve de ejemplo y análisis a todos los asistentes y es comentado in situ. Estos trabajos están previamente digitalizados y a ellos se incorpora un montaje musical para ofrecer una ambientación sonora adecuada, continua y sincronizada con las fotografías que se muestran en la proyección. La temática depende directamente del autor y es muy variada en cada sesión. El horario habitual es de 20.00 a 22.00 horas.

Los resultados obtenidos hasta el momento y la creciente demanda y renovación de participantes, anima año tras año a continuar con esta actividad. A todo ello hay que sumar, desde el año 2007, el proyecto de estancias creativas para fotógrafos, una ampliación del ya iniciado por la Fundación en el 2003 con otros artistas plásticos. Así pues, estas nuevas “estancias” estarán directamente vinculadas con este Seminario, ya que los participantes son destacados profesores-invitados que ya han participado en alguna de las ediciones, que a propuesta de Gervasio Sánchez, realizarán un trabajo exclusivo para Albarracín. Hasta el momento se ha contado con la estancia de Bernard Plossu (2007), Joan Fontcuberta (2008) y de Juan Manuel Castro Prieto (2009). Tras sus estancias y trabajos, a posteriori, se publica un catálogo muy interesante de cada uno. El pasado año se presentó el trabajo de Plossu, y el próximo 17 de octubre, primer día del seminario de este año, se presentará el de Fontcuberta, junto a una pequeña exposición.

*Esta información está elaborada por el gabinete de prensa de Ibercaja. La foto es de Joan Fontcuberta.

Ayer por la mañana moría en su casa de Manhattan uno de los más grandes fotógrafos de la historia: Irving Penn, llamado por Pedro Avellaned ‘San Irving Penn’. Realizó todo tipo de fotos: de moda para ‘Vogue’, retratos de famosos y no tan famosos, series sobre Perú o los hombres primitivos  de distintos países africanos, y convirtió a su musa y esposa Lisa Fonssagrives, en un icono de los 40-50, en un modelo de elegancia. Fue un magnífico fotógrafo de estudio: sus retratos de Picasso, de Jean Cocteau, de Truman Capote, de Miles David o el más reciente de Gisele Bundchen son auténticas obras maestras. Penn confirmó algo muy frecuente: los grandes fotógrafos por lo regular tienen vidas muy largas. Cartier-Bresson murió superados los 95, Willy Ronis ya había saltado de los 92 y Irving Penn había nacido en 1917. Como Cartier-Bresson solía pintar y dibujar.

Siempre ha sido uno de mis fotógrafos favoritos. Quizá sea el más sobrio, el menos sentimental entre los grandes. Tengo un catálogo suyo que muestra una obra particular, intensa, abonada de perfección, de composición y de exquisita técnica.

Yo creo que a Alberto Sánchez le hubiera gustado saber que se despedía del mundo el mismo día que lo hacía Irving Penn. Esta foto es de 1999: ella es Gisele Bundchen.

La Fundación Mapfre abrió hace unos días en Madrid la exposición de fotografía Lisette Model, que podrá verse hasta el 10 de enero en la Sala de Azca. La muestra, realizada en colaboración con Je de Paume de París –que la acogerá en 2010–, presenta un recorrido por la vida y obra de esta fotógrafa nacida en Viena, aunque de nacionalidad estadounidense, caracterizada por una sobria mirada sobre la gente y las calles de la ciudad, una mirada de estudio del género humano sin pretensiones y que surge simplemente de observar y reconocer.

Porque si algo caracteriza su fotografía es la falta de pretensiones y la privacidad. A lo largo de toda su vida fue extremadamente celosa de su intimidad, y se reinventó a sí misma. Con material de sobra para ello (nacida en Viena, casada con el pintor de origen ruso Evsa Model, huida de la Europa amenazada por la oleada nazi, de rica familia burguesa pero con necesidad de trabajar toda su vida para vivir…) para Model lo importante era hacer fotografías; lo demás pasaba a un plano secundario. 

"Dispara desde el estómago"

Comenzó en la fotografía por casualidad (antes se había dedicado al canto y a la pintura), pero también por necesidad, que no desapareció hasta pocos años antes de su muerte, cuando como fotógrafa reconocida pudo olvidar las penurias económicas que le acecharon casi toda su vida.

“Dispara desde el estómago” (shoot from the gut). Ésta es una de las frases más célebres de la fotógrafa, quien además de su faceta como artista, desarrolló una gran labor como profesora, influyendo de manera radical en una generación de fotógrafos entre los que se cuentan referentes como Diane Arbus o Larry Fink.

Sus imágenes retratan una época, pero llegan mucho más lejos. Son la semblanza del ser humano como género: vulnerable, fascinante y complejo. Nunca nos parecerá suficiente lo que podemos aprender de la observación detallada de los otros, y Model congela ese objeto de estudio para nuestro placer. “Lo que me interesa es la superficie. Porque la superficie es el interior. La gente siempre dice que hay que investigar dentro. Olvídalo. Todo está por fuera”, afirmaba la artista.

Model comenzaba una fotografía mirando, viendo lo que otros no podían ver, y terminaba el proceso en el laboratorio, recortando los negativos para que éstos respondieran a la intensidad que ella había vislumbrado. Su proceso fotográfico la distingue. Sus imágenes están dotadas de una cierta ironía o compasión, son primeros planos que nos permiten entrar en el ámbito privado del fotografiado, escenas de calle que nos hablan de una privacidad de alcoba. 

Series más conocidas

En la selección realizada para esta muestra se encuentran imágenes representativas de sus series más conocidas (como pueden ser Promenade des Anglais y Sammy’s), pero también aparecen fotografías de otros trabajos de gran importancia como Pedestrians o las imágenes de Reno y Las Vegas que le encargó la revista Ladies Home Journal.

La National Gallery of Canada (sede del archivo y fondos Lisette Model), y los galeristas Baudoin Lebon, París y Keitelman Gallery Bruselas, junto con la propia Fundación Mapfre (quien ha adquirido recientemente obra de la artista) son los prestadores que han hecho posible que en Madrid se vuelvan a abrir las puertas a una muestra extensa e individual de esta fotógrafa, quien no había sido objeto de una exposición de estas características en nuestro país desde 1998.

*Este texto forma parte de la promoción de la muestra de la exposición de Lissette Model elaborado por el gabinete de comunicación de Mapfre. La foto es de 1949 y se titula 'En el bar'.

**SOS. Mil disculpas por algunos errores míos y del sistema, que me funciona mal:

1.-No me permite modificar, corregir textos o cambiar una foto.

2.-No me permite eliminar. Si lo intento se queda colgado.

3.-Me cambia los tipos de letra a su antojo. Antes siempre había utilizado Garamond 16, porque es como mejor queda; ahora con los nuevos cambios del sistema, tras un error del servidor, uso Garamond 12. Una vez sale más grande y otra más pequeña, unas veces lo hace de forma homogénea y otras no. Es un poco impredecible.

4. El sistema va mucho más lento para editar. Cuesta un par de minutos más o menos meter cualquier cosa. Nunca me había pasado

5. Intento no molestar a Blogia, sé que tiene mucho trabajo y ya no pueden atender estas menudencias. Roberto Abizanda y su equipo están colapsados de trabajo, ya me lo dijo hace un mes y medio así, pero me resisto a dejar blogia. Llevo aquí más de cinco años –Mariano Gistaín me abrió el blog en mayo de 2004 en Albarracín-, y dentro de un par de semanas como máximo superaré los dos millones de visitas. Si alguien sabe cómo corregir estos problemas le agradecería infinitamente la ayuda.

*Esta foto de la serie 'Cuentos de hadas' pertenece al fotógrafo colombiano, afincado en Nueva York, Ruven Afanador. Hoy la revista 'Yo dona' le dedica un reportaje. Publicará en breve en Rizzoli su libro 'Mil besos'. Se anuncia su aparición para el 29 de octubre.

EL CUERPO DE LEE MILLER, OBJETO ENCONTRADO

Por Manuel VICENT / Babelia

Man Ray capturó a esta salvaje y le enseñó los secretos de la fotografía. Su mito se establece cuando logra trascender toda la sofisticada frivolidad de su tiempo en París y se convierte en la testigo más arriesgada de la barbarie de su tiempo

Este es el caso de una mujer muy bella, que fue modelo, musa, fotógrafa y reportera de guerra, cuyo espléndido cuerpo no cesó de ser devorado por algunos hombres privilegiados de su tiempo mientras a su vez ella los destruía con su inocencia diabólica. Desde que a los ocho años fuera violada por un amigo de su familia, Lee Miller no logró distinguir el sexo del amor, pese a que sus padres la llevaran a un psiquiatra para que se lo explicara. De aquella violación salió con una gonorrea severa y los gritos de la niña, cuando la madre la curaba con irrigaciones dolorosas, llegaban a la calle por la ventana del cuarto de baño. Después fue una de esas adolescentes que tampoco consiguen explicarse por qué la belleza de la carne femenina se convierte a veces en un infierno en el que abrasaban los vecinos de escalera, los tenderos del barrio y los profesores en el aula, y también su propio padre, fotógrafo aficionado, que la sorbió desnuda con su cámara en todas las posiciones imaginables sin detenerse en los límites del incesto. En efecto, Lee Miller fue una gran reportera de guerra, entre todas las de su oficio la que más de cerca desafió a los hierros en el desembarco de Normandía y si lo hizo con un desparpajo suicida fue, tal vez, porque su cuerpo había sido desde niña su primer campo de batalla.

Había nacido en Poughkeepsie, Nueva York, en 1907, y con todo el esplendor juvenil de sus 18 años, después de ser expulsada del colegio y con un cuaderno de poemas en el bolsillo, esta rubia norteamericana realizó un primer viaje a París dispuesta a no perderse ninguna sensación. Desde el primer momento supo que en el futuro aquel lugar sería su verdadera patria. De vuelta a casa, primero fue modelo de la revista Vogue en Nueva York, donde la había descubierto en la calle el fotógrafo Edward Steichen, quien después de poseerla, le enseñó las primeras artes con la cámara. Pero fue en 1929 cuando Lee Miller, de regreso a París, cayó como un artefacto explosivo en medio de la dorada bohemia de Montparnasse y en esta primera descubierta fue pasando de unos brazos a otros bajo múltiples sábanas hasta que el fotógrafo norteamericano Man Ray capturó a esta salvaje y la hizo suya a cambio de enseñarle todos los últimos secretos de la fotografía. El cuerpo de Lee Miller se convirtió en un objeto de creación para la cámara de Man Ray. El artista lo desmembró en diversas partes y cada una de ellas se convirtió en un icono. Los labios de Lee Miller, un ojo, sus piernas, su espalda, sus glúteos, su cuello, su torso, su rostro, captados por separado, al sacarlos de contexto, según la teoría estética de Duchamp, se convirtieron en objetos encontrados, en ready-mades, un concepto que cambió la forma del arte de todo el siglo XX hasta nuestros días. Pero al tiempo que el cuerpo de Lee Miller se desestructuraba, su alma adquiría una esencia perversa para el galante que tratara de explorarla más adentro de la carne. Jean Cocteau, que la admiraba y no la deseaba, la convirtió en estatua. Del lecho de Man Ray pasó al de Picasso y no hubo artista que la mereciera que no la probara a cambio de ser muy pronto abandonado.

En París de entreguerras, aparte de aristócratas rusos que servían de acicalados porteros en los cabarets, siempre se paseaba por la Coupole un príncipe árabe cazador de corzas. En este caso se llamaba Aziz Eloui Bey y era egipcio, cuyas orejas eran dos fuentes inagotables de monedas de oro. Lee Miller fue una de sus capturas y ella le siguió hasta El Cairo excitada por el exotismo en boga, pero en Egipto no había más que momias. Se aburría. Atada por el matrimonio con el árabe, Lee Miller sólo tenía el desierto como escapatoria para dar pábulo a su imaginación, pero desde la infinita arena recordaba las fiestas de París, los viajes a la isla de Santa Margarita o a Antibes, donde era la reina de la tropa dorada que formaban Picabia, el coleccionista y crítico de arte Roland Penrose, el propio Picasso que la había inmortalizado en sus cuadros. Linos y franelas blancas bajo los pinos, sillones donde se extasiaban juntos los cuerpos desnudos de bailarinas, escritores, pintores, entre el alcohol y las drogas mórficas cuando la cota más alta de la fascinación consistía en saber estar ebrio en los límites de la vanguardia y no despeñarse. En uno de sus encuentros en la Costa Azul, el esteta inglés Roland Penrose y Lee Miller se hicieron amantes y se establecieron en Inglaterra, donde vivieron una larga pasión secreta. El millonario egipcio quedó en la retaguardia de esta nueva batalla.

Ahora Lee Miller mandaba sus primeros trabajos como fotógrafa a la revista Vogue, y en medio de una vida enloquecida llegó la guerra.

Lee Miller comenzó a fotografiar los bombardeos de Londres y aunque seguía siendo amante de Penrose, muy pronto compartió el lecho con el periodista David Scherman, de la revista Life, con el que se embarcó en una aventura detrás de los carros de combate de los Aliados que la llevarían de nuevo a París.

El mito de Lee Miller se establece cuando logra trascender toda la sofisticada frivolidad de su tiempo en París, no exenta de perversiones, y se convierte en la testigo más arriesgada de la barbarie de su tiempo. Mientras sus amigos escurrieron el bulto en medio del terror nazi, Lee Miller, con unos pantalones recios, una chupa de cuero duro y una cámara al hombro, en compañía del reportero David Scherman, olvidando los días de rosas en que su cuerpo era adorado, se empotra su rubia cabellera bajo un casco de acero para ser la primera en pisar los cadáveres de la playa de Omaha, en llegar al París liberado donde la recibió Picasso sin reconocerla al primer momento cubierta de barro, en fotografiar el campo de concentración de Dachau, el Berlín en llamas, las guaridas de la Gestapo, los hospitales de sangre, los cadáveres amontonados. Luego la pareja llega hasta los confines de la Europa soviética, hasta que Penrose, muerto de celos, la reclama. Lee vuelve a Londres. Se divorcia del millonario egipcio y se casa con el coleccionista y crítico inglés. La cabalgada salvaje entre la belleza y el arrojo había terminado y su vida se difumina en medio de las fiestas compartidas con las nuevas amantes de Penrose hasta que por una ironía del destino queda embarazada a los 39 años. Le nace un hijo. Se dedica a la vida familiar. Mete en un cajón miles de negativos, se olvida de su pasado, de los días de París y de los campos de exterminio. Comienza su etapa de maestra de cocina en su granja de Susex. Inventa platos. Lava las espinacas en la lavadora, delante del fogón cocina un pescado azul en honor a Miró con una tapa de retrete en la cabeza para protegerse de la grasa. Son vestigios del surrealismo que su marido Roland había importado a Inglaterra. En 1977, a los 70 años, Lee Miller murió de cáncer. Entre sus enseres olvidados, su hijo Anthony encontró una caja olvidada con miles de negativos.

El mito de Lee Miller consiste en que su cuerpo bellísimo y troceado, sus labios, su ojo, sus piernas, dispuestos por la cámara de Man Ray como la propuesta de una forma nueva de mirar el arte, junto con la rueda de bicicleta sobre un taburete, el molinillo de chocolate, el urinario-fuente, el portabotellas de Marcel Duchamp contemplados fuera de su lugar con una mirada nueva, no retiniana sino mental, pusieron la estética patas arriba y a ellos se debe, más que a Matisse y a Picasso, la revolución del siglo XX.

*Quien haya seguido con cierta asiduidad este blog encontrará fotos y textos sobre este extraordinaria mujer. Uno de mis periodistas más queridos –siempre lo digo: soy periodista gracias a su ‘Inventario de otoño’- es Manuel Vicent y hoy le dedica este extraordinario artículo a la más hermosa mujer del surrealismo. Este es un autorretrato de Lee Miller, realizado en 1932.

MESA REDONDA

Fotografía y paisaje. El paisaje como construcción cultural

Centro Joaquín Roncal. Hoy domingo, a las 11.30

‐Coordinador: Antón Castro

‐Participantes

. Rafael Navarro (fotógrafo)

. Pedro Avellaned (fotografo)

. Chus Tudelilla (critico y comisaria de Arte)

. Julio Sánchez Millan (Presidente de la R.S.F.Z)

.Alberto Sánchez Millán (fotógrafo)

*Organiza en el Centro Joaquín Roncal, a las 11.30, el Colectivo ZPHoto, dentro de un complejo y rico programa de actos que incluye exposiciones, talleres, cursos y la apertura de una nueva sala en la calle Hermanos Argensola. El Colectivo ZPHoto está integrado por Eduardo Moreno, Vicky Méndiz, Christian Losada, Álvaro Calvo y Diego Ibarra. La foto es de Ansel Adams.

Willy Ronis, adorado por todo el público, será alabado muy a menudo por su rotunda poesía, por la magia del momento que él captaba con su cámara: por las calles de París, los muelles, la ternura de los enamorados y el encanto de lo popular. No se deje usted seducir tan sólo por el hechizo del primer plano de sus fotografías, pues, por detrás, se oculta un segundo plano y luego siguen otros más. Sus grandes imágenes, en las que forma y contradicción clásica francesa, pueden leerse en diferentes planos de sensibilidad.

BERTRAND EVENO

*Me encanta esta foto de Willy Ronis. Este admirable juego de luces, la mirada del niño, la taza, el ámbito casi mágico o maravilloso, y a la vez tan cotidiano, que ha creado este poderoso señor de la luz y el contraste.

Acaba de fallecer en París, casi a los cien años, uno de los grandes fotógrafos humanistas de dos siglos: Willy Ronis (1910-2009). Heredó inicialmente la pasión por la música de su madre, que era pianista, aunque luego se sumó al oficio de su padre, que tenía un laboratorio de fotografía. Pronto entró en contacto con artistas como David Seymour o André Friedmann (Robert Capa), y la fotografía acabaría por convertirse en la materia central de su existencia. Ronis –como Brassaï, como Doisneau, como Izis y como Cartier-Bresson, en gran medida- ha sido uno de los grandes cronistas de París: le interesaba el instante cotidiano que transformaba de inmediato en una obra de arte, en un cromo de vida.

Lo captó todo. Colaboró con revistas y periódicos, con agencias como Rapho, y se movió como pez en el agua en todas las disciplinas: la moda, la publicidad, el reportaje, el retrato, la estampa urbana, el tapiz de contraste que arrojaban la ciudad del Sena y sus rincones. En su obra, marcada por la profundidad y la evocación, por la delicadeza y la beldad, siempre se percibe la felicidad y la melancolía, la fiesta y la exaltación, la glosa de las pequeñas cosas, el lirismo y una percepción humanista que le coloca siempre al lado de los desheredados del mundo.

Willy Ronis captaba con dulzura lo ínfimo y lo convertía en escenario de luz, de amor, de convivencia. La fotografía de Willy Ronis hacía mejor a quien la miraba, sustancialmente porque lo arañaba muy adentro con su sensibilidad, con su callada emoción.

*Coloco aquí una de sus fotos favoritas: este ‘Desnudo provenzal’ de su mujer, Marie-Anne, que fue su principal modelo de los desnudos. Como detalle curioso: Willy Ronis dejó definitivamente la fotografía en 2001, a los 91 años, pero antes de colgar su cámara realizó su último desnudo.

Hoy he estado en el Monasterio de Veruela viendo la estupenda exposición de Dorothea Lange, ‘Los años decisivos’, compuesta por unas 80 piezas fechadas entre 1931 y 1947, fotos que recogen los ecos desoladores de la Gran Depresión y los procesos de emigración y la vida rural y urbana de Estados Unidos. Hay piezas maravillosas de esa fotografía documental, dotada de gran fuerza expresiva y de una especial comprensión de las clases más necesitadas, de una singular empatía hacia los seres a los que ha abandono el alimento, la estabilidad laboral o una idea de porvenir.

Por allí, entre otros, andaba Jesús, que lleva 31 años en el monasterio, trabaja diez horas en verano y ha vivido allí 18 años. Tiene maravillosos recuerdos de casi todo, especialmente de una actuación de Montserrat Caballé, de Teresa Berganza (se fue la luz y actuó a la luz de una vela) y de Tete Montoliu, que tocaría el piano un par de meses antes de su muerte.

Rong Rong ya era uno de los grandes fotógrafos contemporáneos de China. En 1999 viajó a Japón y allí conoció a una fotógrafa japonesa, Inri. Entre los dos se produjo un auténtico flechazo amoroso y de pasión por la fotografía y por las historias contadas a través de la cámara. Llevan juntos más de una década: al principio, se dice que ni siquiera se entendían porque hablaban idiomas diferentes. Ahora, tienen tres hijos y siguen compartiendo proyectos y exposiciones. Elena Ochoa ha apostado por ellos para su revista ‘C Photo Magazine’ y para sus exposiciones, producidas por Ivory Press. Me ha gustado especialmente esta obra que he encontrado en los depósitos de Internet.

EL RETRATISTA Y LA CALLE DEL CRIMEN

Si una mujer se atreviera a decir las calles que ama, yo diría sólo una: la calle Alfonso. Esta que aquí ven, con sus farolas, sus tiendas de ropa, sus cafés de ahora mismo y a la vez de otro tiempo, y la Basílica imponente al fondo. Debía ser la calle que siempre he querido borrar de mi cabeza. Aquí, en una taberna, ocurrió el suceso que ha marcado mi vida. Me llamo Soledad, Soledad a secas, hace tiempo que no cuento mi edad y que he olvidado mis apellidos porque los llevaba cambiados. Nací en Quinto de Ebro. Pongamos que mi madre se llamó Salomé Guillén y que tuvo un desliz inesperado. Felizmente casada, sucumbió a un hechizo ajeno. Apenas me dijo que se quedó prendada del fotógrafo que le hizo una foto de fiestas del Pilar con un fondo de barcas pintadas y de gigantes y cabezudos.
Él se empeñó en repetir varias tomas, fue esa la manera de decirle que no le pasaba inadvertida. Que ella no era una más, con el traje regional, en el ojo del objetivo. Un día, el retratista apareció en Quinto de Ebro con motivo de un reportaje. Reapareció dos días después. Y concertaron las primeras citas. Al principio, eran los encuentros del artista y la musa; luego, los de los amantes que se ocultan y se exigen y se desviven con una pasión tan febril como pecaminosa o prohibida. No era fácil entonces pasar inadvertidos y acabaron por levantar sospechas.

El principal afectado siempre es el último en enterarse, pero se entera. Alguien se lo dice. El marido de mi madre se percató y constató el engaño. Hubo reproches, agrias discusiones, intercambio de golpes entre los cónyuges. Pero las citas continuaban con nuevo sigilo. Ahora, los amantes sabían que se habían instalado en el abismo. El peligro era constante, pero lo sorteaban, hasta que se produjo ese momento en que las palabras parecen no servir y un solo gesto ilumina el destino. Y lo precipita o lo saja de cuajo. Eso hizo su marido. Con la rabia sorda de aquel a quien han transformado en intruso, con la ira de aquel a quien han dejado sin respuestas, humillado y ofendido, buscó su oportunidad.

La encontró en un café de esta calle. En realidad, en un café de Plaza de Sas, que se ensancha en un lateral de la calle Alfonso. Vio de espaldas al fotógrafo, avanzó y no le dio tiempo a nada. Le disparó, dos o tres veces, y se fue. El que debía ser mi padre partió en dirección al calabozo y el que iba a serlo de veras, sin que nadie lo supiera aún, acabó en el cementerio. Mi vida no ha tenido demasiados consuelos: algunos recuerdos inventados, como éste tal vez, y algunos retratos de mi madre tomados por el hombre que la enamoró en unas fiestas del Pilar, aquí, en un estudio de la calle Alfonso.

*El fotógrafo y blogger José Miguel Larraz ha entrado esta mañana en el blog y se ha fijado en este relato. Se publicó aquí hace cinco y lo rescato ahora, y le corrijo dos o tres detalles. Su página es  http://larraz.wordpress.com, y esta es una de sus fotos, que evoca el mundo de Juan Rulfo.

He recibido hoy esta nota de Vicente Almazán, un fotógrafo desvelado:

ETERNELLE PIAFF

Si alguna vez han sonado en el corazón de Antón Castro las canciones de la Piaf, por algo será. Pensando la forma de felicitarle su 50 cumpleaños, he visto en la calle San Pablo este estarcido y lo he fotografiado.

Su página web, linkada aquí ya, es realmente bonita. De las más bonitas que he visto en mucho tiempo. Sus fotos son realmente espectaculares.

Esta es: http://my.opera.com/Adarmes/blog

Recibo esta foto de felicitación de José Antonio Duce, con este pie:

La foto, mitad día mitad noche, puede ser una alusión a tu mitad de la vida. 

Del británico Don McCullin (Londres, 1935), alguien dijo que “capta la mirada del otro para enviar un mensaje”. Y él suele considerar que sus fotos, generalmente impactantes, con un gran dolor detrás, son “fotos de paz”. Ahora Reporteros Sin Fronteras publica una monografía suya de un centenar de fotos en un contrastado y hermoso blanco y negro: fotos de más de casi medio siglo de trabajo, de guerra en guerra, de convulsión en convulsión. El destino de Don McCullin se fraguó a los catorce años, tras la muerte de su padre; quiso alistarse y se interesó por la aviación y, sobre todo, por la fotografía aérea. Poco más tarde, descubría al reportero que hay en él: sus tomas iniciales eran de algunos desórdenes de Irlanda e Inglaterra, aunque también mostró sensibilidad para capturar la vida cotidiana. Desde entonces, Don McCullin ha estado en casi todos los conflictos: en Vietnam, Congo,  Biafra, Rodhesia, Sudán, Chipre, también realizó estupendas tomas del muro de Berlín. McCullin encierra en su cámara todo el dolor del mundo, toda la ternura del que sufre, el estupor del exiliado a la fuerza, la fragilidad de los que se mueren poco a poco en medio de la codicia ajena, del desamparo, de la falta de escrúpulos. El libro es una mezcla, como toda la estética del fotógrafo, de documento social, de reportaje y de narración visual. Además de inventariar el dolor, el éxodo y las ruinas, y a esos ciudadanos primitivos o tribales que se han convertido en espectros, también realizó reportajes de Los Beatles o algunos retratos inquietantes de Francis Bacon. Su foto de taller es tan desapacible como su pintura, como el personaje turbulento mismo.

100 Photographs.  Don McCullin. Reporteros sin Fronteras. En inglés y francés. París, 2009. 144 páginas. (Unafoto de McCulllin: John Lennon y Paul McCartney de Los Beatles).

El enólogo, poeta y viajero Ciríaco Yáñez me envía estos pensamientos, frases y aforismos.

"El maquillaje que embellece más es una sonrisa sincera".

Stanley E Daugherty

"Aprender es descubrir lo que ya sabes, hacer es demostrar lo que sabes. Enseñar es  recordar a otros, que saben tanto como tú. Todos somos aprendices, hacedores, maestros".
Richard Bach

"Estar preparado es importante, saber esperar lo es aún más, pero aprovechar el momento adecuado es la clave de la vida".

Arthur Snitzler

"Quien quiera enseñarnos la verdad que no nos la diga. Que nos sitúe de tal modo que la podamos descubrir nosotros mismos".

José Ortega y Gasset

"La integridad es hacer lo correcto aunque nadie nos esté mirando".

Jim Stovall

"El sentido de la vida es la única fortuna digna de ser buscada; y no se encuentra en tierras extrañas sino en el propio corazón"

R.L. Stevenson

 "Vive cada día como si fuera el único de que dispones para ser feliz, para gozar y para aprovechar el tiempo".

Noel Clarasó

*Esta foto, sobre los misterios y paradojas del existir, corresponde a la gran Cristina García Rodero.

Me escribe José Antonio Melendo, el fotógrafo incansable, y me advierte que ha creado un dominio más profesional: http://www.melendofotografia.es/blog. Josean Melendo es un apasionado de su oficio: allí donde hay algo importante está él. Hace muy poco estuvo en el Restaurante Molino de San Lázaro, que es un maravilloso lugar a orillas del Ebro, y desde allí o desde muy cerca tomó esta espléndida estampa de fuego del río, del Pilar, del celaje, del crespúsculo que se avecinaba sobre Zaragoza, la novia del viento.

EL MONASTERIO NUEVO DE SAN JUAN DE LA PEÑA ACOGE LA VISIÓN

DE JOSÉ MANUEL BALLESTER DE LA ARQUITECTURA CHINA ACTUAL

La muestra, “La Gran Ciudad en la China Actual”, recoge 33 fotografías inéditas de la arquitectura urbana del país, que este año celebra el 60 Aniversario de la fundación de la República Popular

 Las fotografías ponen especial atención en los nuevos edificios construidos en los últimos años, con motivo de los Juegos Olímpicos de 2008

Comisariada por la zaragozana Dolores Durán, la exposición está organizada por la Consejería de Industria, Comercio y Turismo del Gobierno de Aragón

Permanecerá abierta desde el lunes, 3 de agosto, hasta mediados de octubre

El claustro del Monasterio Nuevo de San Juan de la Peña (Huesca) alberga desde el lunes, 3 de agosto, y hasta mediados de octubre, la exposición de fotografías de José Manuel Ballester “La Gran Ciudad en la China Actual”, centrada en la arquitectura urbana del país.

La muestra reúne 33 instantáneas inéditas, tanto de edificios en construcción como de ya terminados, en su visión diurna y también desde la perspectiva que ofrecen por la noche.

Como testigo del rápido crecimiento de la economía de mercado en China, y coincidiendo con el año en que se cumple el 60 Aniversario de la creación de la República Popular China, “el artista madrileño muestra a través de la luz y la sombra, la levedad de la arquitectura; una visión casi romántica de las ciudades, reflejo de una nueva realidad social, que va aceptando los valores de la modernización y el capitalismo”, según indica la comisaria de la muestra, Dolores Durán.

La exposición se detiene especialmente en los edificios recién construidos con motivo de los Juegos Olímpicos de Beijin 2008, entre los que destaca la Piscina Olímpica; Digital Beijing (edificio de la prensa internacional); el Estadio Olímpico (popularmente conocido como “el nido”); o las oficinas centrales de la CCTV (televisión central China).

De igual forma, la muestra recoge una serie de grandes edificios, como el Teatro Nacional, el New CAFA (Museum of Central Academy of Fine Arts) o el MOMA (complejo residencial compuesto por 8 torres interconectadas entre sí). En todos ellos se refleja el trabajo de los grandes arquitectos europeos del momento (Herzog & Meuron, Rem Koolhass o Paul Andreu) así como el de destacados arquitectos chinos y japoneses.

Para José Manuel Ballester “China es un gran laboratorio arquitectónico internacional”. Las obras de estos grandes arquitectos simbolizan para él el “sueño chino” y suponen un puente entre oriente y occidente, un trasvase cultural de gran belleza y creatividad.

La exposición, que cuenta con catálogo trilingüe (en castellano, inglés y chino), supone para el consejero de Industria, Comercio y Turismo del Gobierno de Aragón, Arturo Aliaga, el acercamiento de dos culturas y sus filosofías, la china y la aragonesa “como culturas de acogida a viajeros y peregrinos”.

Por su parte, el embajador de China en España, Zhu Bangzao, destaca en relación a la muestra su alegría “por tener esta oportunidad que me ha dado el Sr. Ballester de apreciar y redescubrir desde el punto de vista de un occidental las ciudades y culturas ya muy conocidas por mí”.

El prestigioso crítico chino Zuojin señala que “todos estos grupos de arquitectura urbana, como de otro planeta, ofrecen en la obra de Ballester una falta de realización y una sensación de levedad fuera de lo común. Estos grandes ejemplos arquitectónicos –explica– ofrecen sin duda una muestra compleja de la expansión y arrogancia de un país desarrollándose a toda velocidad”. “Sus fotografías de arquitectura son diferentes interpretaciones de la realidad, incluso diferentes experiencias”, matiza.

José Manuel Ballester

José Manuel Ballester (Madrid, 1960) realizó sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de Madrid y sus primeros trabajos se centraron en la pintura, que en sus distintas etapas destaca por una técnica refinada, que bebe de la gran pintura clásica.

Desde finales de los años 80, centra su trabajo en la fotografía en la que, tal como describe Dolores Durán “la realidad es atrapada por su cámara y posteriormente, iluminada, manipulada y transformada, reflejando la poética de los espacios y los paisajes”.

Actualmente canaliza su capacidad creativa tanto en la fotografía como en la pintura, la escultura o el vídeo.

*Esta información pertenece al equipo de prensa de Producciones Capitel y Ducam, y me la ha remitido la siempre amable Estefanía Led. La foto es una toma de Hong Kong.

Cazadores de Sombras

Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba, La Habana. Edificio de Arte Universal.

Comisaria: Rosa Olivares (Comisaria de exposiciones y directora de la revista ‘Exit’ y autora de libros y monografías artísticas.

Artistas: Mario de Ayguavives, Sergio Belinchón, Tomy Ceballos, Javier Codesal, Manel Esclusa, Pere Formiguera, Amparo Garrido, Germán Gómez, Dionisio González, Anna Malagrida, Alicia Martín, Begoña Montalbán, Rafael Navarro, Concha Pérez, Xavier Ribas y Juan Urrios. (Tres de estos artistas son aragoneses: Mario de Ayguavives, Javier Codesal y Rafael Navarro).

Organizan: Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba.

Colaboran: Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, Ministerio de Cultura y Embajada de España en Cuba.

Del 7 de agosto al 11 de octubre 2009

Cazadores de sombras se inaugura el próximo 7 de agosto, en el Edificio de Arte Universal, que forma parte del Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba, en la ciudad de La Habana. Con motivo de la muestra tendrá lugar una mesa redonda con la comisaria, Rosa Olivares, y  dos de los fotógrafos incluidos en la misma: Manel Esclusa y Rafael Navarro. La itinerancia de la muestra comenzó en el 2007 en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), coincidiendo con el II Encuentro Internacional de Fotografía: Fotográfica Bogotá y desde entonces se ha podido ver en los museos de São Paulo (MASP), Lima (Centro Cultural San Marcos), San José (MADC), Santiago de Chile (Museo de Bellas Artes), Panamá (MAC) y Córdoba (Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Caraffa). La exposición organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba y que cuenta con la colaboración del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, el Ministerio de Cultura, y la Embajada de España en Cuba, podrá visitarse hasta el  próximo mes de octubre.  

La muestra, que engloba trabajos fotográficos y vídeos de 16 artistas españoles, es un proyecto comisariado por Rosa Olivares en torno a la sombra como símbolo de la ambigüedad, lo indefinible, lo misterioso. Una sombra que vuela sobre todas las cosas, desde nuestra propia identidad a la percepción que tenemos de los demás. Las obras seleccionadas para la exposición responden a la idea del artista como cazador de sombras y de incertidumbres en un mundo cuyos límites, cuyas fronteras, no están perfectamente limpias y claras. Un mundo tan real, tan cercano a nosotros como simbólico. Cada uno de los artistas plantea su visión particular de los detalles que pasan a simple vista desapercibidos, las presencias y las ausencias: imágenes cargadas de misterio.

CAZADORES DE SOMBRAS
7 agosto - 11 octubre

Museo Nacional de Bellas Artes
Edificio de Arte Universal
Calle Trocadero e/ Zulueta y Monserrate
CP 10200 La Habana
Cuba

Tel: +53 7  639042
Fax: +53 7 8629626

www.museonacional.cult.cu.

*Esta es la información oficial de la muestra. En la foto, una obra de la serie 'La otra ciudad' de Mario de Ayguavives.

*Est

Por Carlos BARBOZA

Los archivos fotográficos guardan la memoria de los pueblos desde hace mas de 150 años en que se inventó el daguerrotipo, y esto es lo que nos viene a demostrar el trabajo de investigación realizado por el historiador turolense Alberto Bayod Camarero, en su libro titulado La fotografía y su reflejo social, Belmonte 1860-1940, editado por la Asociación Cultural Amigos del Mezquín, con 540 páginas de texto e imágenes perfectamente ensambladas para comprender la historia de su gente y de su tierra. Además el libro se acompaña de un CD en el que nos demuestra la importancia del ambiente cultural de Belmonte en esta época de principios de siglo, en la que había reporteros de gran categoría técnica y artística que recogían los testimonios de la vida ciudadana, fiestas, sucesos, romerías,… Los fotógrafos eran Francisco Velázquez Martín, Carlos Estevan Membrado, Manuel Jarque Urquizu, Cándido Angosto Bayod, ….y milagrosamente, las familias han conservado las delicadas placas de cristal de estos artistas gráficos.

La relación de Aurelio Grasa con Belmonte es muy curiosa e importante para el estudio de este gran fotógrafo zaragozano, ya que ilustró gráficamente un acontecimiento sucedido en Zaragoza y que tuvo repercusión en la prensa nacional. El Blanco y Negro, Nº 845 del día 13 de julio de 1907, dio la noticia con el título Zaragoza, los niños martirizados, donde figura el Sr. Elío, padre de los niños, que se refugió en la Iglesia de San Felipe en su huída por las calles de Zaragoza, la madrastra, Dª Rosa Membrado, los niños, y el denunciador del secuestro el Sr. García, figurando como fotógrafos del acontecimiento, Escolá y Grasa.

Esta publicación de la foto de Aurelio Grasa es de sumo interés, ya que es la primera foto conocida publicada en prensa de un niño de 14 años, todo un superdotado en esta época, junto con el gran Lucas Escolá con una foto de estudio de la familia aludida. Sin embargo, Aurelio niño, se subió al balcón más alto del edificio para notificar el inesperado acontecimiento y dar un mejor sentido al reportaje, del cual conservamos tres placas de cristal 9 x 12 cm. y los contactos en papel, con un escrito autógrafo en su reverso, con el tema tratado. Curiosamente, esto lo está haciendo un niño de 14 años en Zaragoza en 1907, años antes que el famoso reportero Cartier- Bresson en 1944, como nos explica el profesor Pedro Rújula de la Universidad de Zaragoza, para sus fotos en la Magnum, página 19; es decir 33 años antes, Aurelio Grasa documentaba con textos sus fotos en Zaragoza, adelantándose a lo que va a ser el fotógrafo reportero de los años cuarenta.

La otra coincidencia, y ésta, con la bella villa de Belmonte de Mezquín, es que los protagonistas de la noticia proceden de aquí, y cuando Alberto Bayod estaba preparando el libro nos llamó para ver si teníamos documentación gráfica para ilustrar su texto sobre este acontecimiento sucedido en la plaza de San Felipe, y es así como las fotos de Aurelio Grasa se incluyen en esta magnífica publicación.

De vuelta de San Carlos de la Rápita, cruzando Morella, antes de llegar a Alcañiz, hay un desvío de unos 12 Km. con una carretera bien asfaltada, desde la que se accede a Belmonte. Allí se puede disfrutar de la amabilidad de sus gentes, de la fuentes y sus casas rurales, las pequeñas ermitas y la bella ubicación de la ermita de San José, entre pinos centenarios y cipreses, desde la que se divisa un amplio panorama del Bajo Aragón y de la tierras de Belmonte surcadas de campos de olivos y almendros que forman un espectáculo para disfrutar de una estancia inolvidable.

Carlos BARBOZA GRASA

*El pintor, fotógrafo y grabador Carlos Barboza se hace eco del estupendo libro de Alberto Bayod sobre Belmonte de San José, que prologa Pedro Rújula y que se presenta el día once de agosto, y glosa la fotografía y los viajes a Belmonte de su suegro, el gran médico y fotógrafo Aurelio Grasa. Carlos y Teresina Grasa Jordán han realizado muchas fotos de Belmonte, como se puede apreciar en su página. Carlos me ha mandado este texto y lo traigo aquí con sumo gusto. He repasado el libro de Bayod y me ha parecido realmente espléndido. Es solo la primera entrega de un proyecto muy ambicioso y extenso. El blog es: http://barbozagrasa.blogspot.com/

En la nota anterior, se me olvidó poner el nombre de Mario Bellatin y el del fotógrafo que se refleja en el espejo: Vasco Szinetar, claro. Magda Díaz Morales, de México, nos recuerda la obra de este espléndido escritor mexicano, que ha impartido numerosos talleres literarios y que en España, especialmente, ha publicado sus libros en Anagrama.

*Mil gracias, Magda. Ahora, acompaño esta nota de otra foto de Vasco, con la agente literaria y escritora Isabel Fonseca, de origen uruguayo, la esposa de Martin Amis.

NOTA DE MAGDA DÍAZ MORALES:

Bellatin ha publicado alguno de sus libros en Anagrama, tienes razón. También en Sudamericana y en Aguilar/Alfaguara. Y en Lima, en la Editorial Lluvia y en Jaime Campodónico Editor, en México en varias, por ejemplo con Tusquets Editores y en Almadía.
Te recomiendo su libro "Las dos Fridas", editado en México por R. H. Mondadori y Conaculta.
Recientemente está su novela "Biografía ilustrada de Mishima" (Entropía, 2009).

Qué buenas fotografías las de este señor Vasco. Es guapa la esposa de Amis.

*El sistema no me deja realizar ahora correcciones. En el texto anterior le había cambiado el nombre a Magda (me ha avisado gentilmente Víctor Juan Borroy), y lo corrijo aquí copiando de nuevo el texto en un nuevo documento. De ahí que introduzca aquí el comentario de Magda Díaz Morales que, por amabilidad, no me corrigió mi error. He cambiado de ordenador y aunque manejo los mismos tipos, ahora garamond doce, siempre cambia los textos el blog y no sé cómo arreglarlo.

*Recibo este artículo sobre el fotógrafo Vasco Szinetar, publicado en el diario Clarín, en la revista cultural Eñe, que tanto me gustó, y lo cuelgo aquí sobre todo porque este autor venezolano es un gran maestro del retrato de escritores. Por lo regular suele integrarse él en la pieza. El texto lo firma Horacio Bilbao.

VASCO SZINETAR: EL FOTÓGRAFO QUE ENVEJECE ANTE EL ESPEJO

 Por Horacio BILBAO / Clarín. Revista Eñe

"¡Abajo el espejo! Al no tener fondo ni límites, éste nos revela lo que de más íntimo y lejano hay en nosotros: nuestros temibles secretos, nuestras ocultas demencias". El mensaje, versos finales de una carta escrita por Emil Cioran en París, en 1982, tenía un destinatario: el fotógrafo venezolano Vasco Szinetar (Caracas, 1948). Y estaba motivado por una foto que Szinetar había sacado de él mismo y de Cioran frente a un espejo, como las que sigue obturando en los espejos del mundo.

De más está decir que el mensaje de Cioran no acobardó al fotógrafo. Su serie "Frente al espejo" ya lleva varias exposiciones a cuesta y será un libro en los próximos días. " La edición incluye 300 imágenes. Estoy en el tiempo de selección, depuración y armado de un trabajo al que le dedico mi vida", le dijo Szinetar a Ñ en Bogotá, Colombia, donde presentó dos muestras en Festival Malpensante.

Por Bogotá anduvo Szinetar haciendo lo que le gusta, persiguiendo a escritores, artistas y periodistas para invitarlos a un baño cualquiera a tomarse unas fotos, los dos frente al espejo. Se nutre en ferias y festivales, pero anda con la cámara a cuestas y si ve un personaje, ya sabe donde encontrar espejos. Eso le ha permitido armar un banco de imágenes extraordinario, que alimenta desde hace treinta años.

"Como todas las historias, la idea tuvo un comienzo azaroso, impensado", dice el fotógrafo. La idea nació en Nueva York con una amiga, que era más que una amiga, allá por 1980. "En esa necesidad de tener y compartir una imagen del objeto amado, le hice unas fotos en el espejo. Y descubrí que allí había algo", contó. Luego probó con el retrato de un escritor y su serie tomó forma. Los primeros escritores aparecieron en los años 80. Enseguida tuvo a Emil Cioran y a Jorge Luis Borges. "Después que hice la foto de Borges entendí que era un proyecto de vida. Era como tener a Dios", dijo Szinetar, que ya no pudo parar.

Es cierto, ya se han visto fotografías de escritores en los baños, como las del argentino Daniel Mordinzki, que agarró de espaldas en los mingitorios a Santiago Gamboa, Luis Sepúlveda, Anne Marie Métailié, Hernán Rivera Letelier, Antonio Sarabia y Mario Delgado Aparaín, todo juntos mirando a cámara. Tienen otra belleza las fotos de Mordinzki, las de Szinetar son casi autorreferenciales.

Es así, su leitmotiv es establecer una línea en el que el espectador pueda ver el deterioro de una persona, que básicamente es él, el fotógrafo. "Vemos como un fotógrafo joven, vigoroso y alegre, va envejeciendo, se va complicando y hasta cambiando de humor, hasta que finalmente muera", se anticipa Szinetar.

No sabe el número exacto pero se arriesga a decir que ya cuenta con más de 2 mil retratos, cuyo valor "lo da la naturaleza del retratado". Szinetar cuenta que sólo tuvo una negativa para sus fotos, la del poeta ruso Yevtuchenko. Y alguna que otra dificultad para llevar frente al espejo al Lobo Antunes. "Antunes tiene una personalidad de difícil acceso. Me llevó un año y medio y varios encuentros agarrarlo hasta que en Guadalajara un gran amigo me lo puso en bandeja", contó.

Es un perseguidor Szinetar. De escritores y de su propia imagen, cascoteada por el tiempo. Pero no envejece solo, claro. A Fernando Savater lo sigue desde 1980, y se le notan las décadas. "Cada vez que nos vemos, nos hacemos una foto", cuenta. Y sufre por no haber podido fotografiar a Susan Sontag. "Fue una de las grandes intelectuales, que abordó el tema de la fotografía de una manera lúcida e inteligente". Ya no hay tiempo.

Envejece, madura y se lamenta por el tiempo perdido. "Tengo un enorme vacío en el alma por haberme perdido a Samuel Beckett y a Henri Micheaux", admite. Resulta que Szinetar estaba en París, fotografiando a Cioran y él se ofreció a llevarlo con Micheaux y Beckett. "Mi juventud y mi falta de responsabilidad me llevaron a rechazar la cita, y a dejar París por causa de una mujer". Nunca más tuvo la oportunidad. Tampoco el espejo lo volverá a mostrar joven.

Ayer recibí una cariñosa nota de Fernando Valls, el profesor y editor que se ha especializado en narrativa española, especialmente en el cuento. Es un gran apasionado a las fotos, y me invitó a que visitase su blog para contemplar unas espléndidas instantáneas de Natalia Vodionova, a la que retrató tiempo atrás la gran Annie Leibovitz. Copio aquí una de las fotos de Fernando, un gran enamorado de la belleza femenina, un gran enamorado de la belleza sin más.

Durante mi estancia en Lima, la poeta May Rivas y el calígrafo Miguel Ángel Bazán me regalaron una antología muy interesante de Eduardo Chirinos, ‘Rosa Polipétala. Artefactos modernos en la poesía española de vanguardia (1918-1931)’, donde hay extraordinarios poemas sobre automóviles, trenes y tranvías, aeroplanos, el teléfono, el cine o la música, y por supuesto los deportes. De natación, ideal para esta estación, podría ser este de Concha Méndez, que fue durante algunos años la novia de Luis Buñuel, y luego se casaría con Manuel Altolaguirre.

BAÑISTAS

Horizonte. Espumas.

Azules fríos.

Salteando olas

torsos radiantes

en líricas danzas

y acrobacias.

Aquella danzarina

del bañador verde…

aquel gimnasta…

Las olas íntegras

son el mejor columpio.

Concha Méndez (Surtidor. Poesías, 1928)

*La ilustración de este texto corresponde al gran fotógrafo Martin Munkacsi, al que siempre le apasionaron los deportes. Fue uno de los grandes fotógrafos de su tiempo. Nació en Hungría en 1896 y falleció en Nueva York, Estados Unidos, sufrió un infarto viendo un partido de fútbol en 1963.

Inicio aquí una serie de estampas veraniegas, de imágenes de playa y de mar: cuerpos, atmósferas, poemas, sueños. Esta tarde he estado un instante en Antígona y cayó en mis manos un libro, con su propia voz, de Gonzalo Rojas (1917), editado por la Residencia de Estudiantes. No estoy seguro de si estaba este poema, pero me ha gustado, se adapta bien a la serie de lecturas y sugerencias que voy a ir colocando día tras días.

RETRATO DE MUJER

Siempre estará la noche, mujer, para mirarte cara a cara,
sola en tu espejo, libre de marido, desnuda
con la exacta y terrible realidad del gran vértigo
que te destruye. Siempre vas a tener tu noche y tu cuchillo,
y el frívolo teléfono para escuchar mi adiós de un solo tajo.

Te juré no escribirte; por eso estoy llamándote en el aire
para decirte nada, como dice  el vacío: nada, nada,
sino lo mismo y siempre lo mismo de lo mismo
que nunca me oyes, eso que nunca me entiendes nunca,
aunque las venas te arden de eso que estoy diciendo.

Ponte el vestido rojo que le viene a tu boca y a tu sangre,
y quémame en el último cigarrillo del miedo
al gran amor, y vete descalza por el aire que viniste
con la herida visible de tu belleza. Lástima
de la que llora y llora en la tormenta.

No te me mueras. Voy a pintarte tu rostro en un relámpago
tal como eres: dos ojos para ver lo visible y lo invisible,
una nariz de arcángel y una boca de animal, y una sonrisa
que me perdona, y algo sagrado y sin edad que vuela en tu frente,
mujer, y me estremece, porque tu rostro es rostro del Espíritu.

Vienes y vas, y adoras al mar que te arrebata con su espuma,
y te quedas como inmóvil, oyendo que te llamo en el abismo
de la noche, y me besas lo mismo que una ola.
Enigma fuiste. Enigma serás. No volarás
conmigo. Aquí mujer, te dejo tu figura.

*La foto, de 1929, es de George Hoyningen-Huene.

“El velo es una señal con la que la mujer

delimita la vida privada de la pública”

 - La historiadora Manuela Marín analiza “Las mujeres en Al-Andalus” en la primera jornada de los “Discursos en torno al cuerpo en la Edad Media y el Renacimiento”, organizados por la Fundación Tarazona Monumental y la Universidad de Zaragoza

- Este curso de verano, con 66 alumnos, el de mayor participación de este año de la Universidad de Zaragoza

Por Helga MARTÍNEZ 

Desde hoy y hasta el viernes, 11 profesionales y 66 alumnos estudiarán la historia del Cuerpo Humano en la Edad Media y el Renacimiento y analizarán el concepto de belleza de la época. El encuentro tiene lugar en el curso de verano “Discursos en torno al cuerpo en la Edad Media y el Renacimiento”, organizado por la Fundación Tarazona Monumental y la Universidad de Zaragoza.

 Como indica María del Carmen García, codirectora junto a Jesús Criado, “se trata de un encuentro interdisciplinar, ya que se va a profundizar en el tema principal desde el arte, la literatura, la ciencia, la medicina o el derecho, tanto desde el punto de vista cristiano como desde el islámico”. De hecho, la cita ha unido a estudiantes de Historia con alumnos de Enfermería y Medicina.

En la jornada inaugural se han tratado temas como “Conocer sin ver: el cuerpo humano en la medicina medieval” o “Las mujeres de Al-Andalus, adornar el cuerpo, ocultar el adorno”. En esta conferencia, la historiadora Manuela Marín (arabista del CSIC) ha explicado “cómo se gobierna el cuerpo de la mujer islámica medieval, cómo se adorna y después se cubre para restringir el acceso a él”. Marín ha apuntado que “en la actualidad, se ve extraño, pero se trata de una tradición no solo religiosa sino también social. Las cristianas antiguamente también se velaban, aunque con el tiempo se han descubierto”.

Manuela Marín ha querido restar importancia al “conflicto social actual” al explicar que “el velo es una señal con la que la mujer delimita la vida privada de la pública; constituye un símbolo que existe desde hace siglos, aunque los conflictos en algunos países lo han hecho visible ahora”. La investigadora del CSIC ha afirmado que “en la época medieval la mujer islámica se cuidaba mucho, se adornaba, pero sólo lo mostraba a su marido y a su familia”. La historiadora ha confirmado que “llevar velo en la Edad Media era general también en las mujeres cristianas, aunque la tradición se ha adaptado con el paso del tiempo”.

Una visión actualizada de "Las tres Gracias"

Coincidiendo con este curso sobre los “Discursos en torno al cuerpo en la Edad Media y el Renacimiento”, el festival Tarazona-Foto inaugura este miércoles la muestra “Cuerpo a cuerpo”, fruto de la colaboración entre ambas entidades. Según explica el director del certamen, José Latova, “la idea surgió con los directores del curso, los profesores de Historia María del Carmen García y Jesús Criado: planteamos que sería atractivo que fotógrafos contemporáneos reinterpretaran cuadros clásicos”.

 Así, se propuso a nueve fotógrafos nacionales (cinco independientes y un grupo de cuatro) reinterpretar doce obras, entre las que figuran “La Anunciación ” de Fray Angélico, “Las tres gracias” de Rubens o “Adán y Eva expulsados del Paraíso” de Masaccio, y ellos dieron su visión actualizada del cuerpo humano.  La exposición, que permanecerá abierta en la sede de Tarazona-Foto hasta el 2 de agosto, reúne las obras clásicas con las imágenes, “de técnica libre y con visiones modernas y diferentes de la pintura seleccionada”, matiza Latova.

 Finalmente, la muestra está compuesta por once imágenes de Ciuco Gutiérrez,  Luis Malibrán,  Rafael Liaño, María Luján, Beatriz Martínez y el grupo “Tú la llevas”  (formado por Arantxa Boyero,  Lourdes Carcedo,  Lucía Morate y  María Platero). Para José Latova, “el resultado es muy interesante ya que todos los artistas se mueven en el clasicismo de mirar el cuerpo humano como lo hacían los pintores de la época, con la intención de analizarlo desde la línea de misterios eternos de la vida, la maternidad o la muerte”. Además, con esta exposición se celebra el 20 aniversario de Tarazona-Foto.

FICHA TÉCNICA “CUERPO A CUERPO”

Lugar: Sala de Exposiciones TARAZONA FOTO (C/ Virgen del Río, s/n, Tarazona)

Fechas: 8 de julio - 2 de agosto

Horario: Martes-sábado de 18 a 20 horas.  Domingos y festivos de 12 a 14 horas. Lunes cerrado.

AUTORES:

Ciuco Gutiérrez

Luis Malibrán

Rafael Liaño

María Luján

Beatriz Martínez

Grupo TÚ LA LLEVAS  (formado por Arantxa Boyero, Lourdes Carcedo, Lucía Morate, María Platero)

Toda la información sobre los cursos puede ser consultada en www.tarazonamonumental.es. Esta foto es de Ciuco Gutiérrez.

Patricia Jacquet, que asistió a los talleres de Buenos Aires, me envía esta foto preciosa del barrio de La Boca, con un mural del gran pintor Quinquela Martín, el gran artista del mar, del puerto y del barrio de la Boca.

Me escribe, desde Lima, William Palomino, que asistió a los dos talleres de escritura en el Centro Cultural de España en Lima y a la conferencia que impartí en compañía de José Güich. Dice:  

“Sabiendo tu interés fotográfico, te remito los datos de otro gran fotógrafo peruano, el huancavelicano Baldomero Alejos (1902-1976), quien además retocaba sus imágenes con métodos sencillos. El fotógrafo José Falcón se encargó de la curación en el año 1996 para la muestra ‘Retoques’ en la Universidad de Harvard y en la Casa de América Latina de París. Este fotógrafo descubierto realizó 20 placas y 40 mil fotos tamaño carnet. Sus inicios desde 1924, con un estilo a lo Eugéne Courret, ha sido comparado con Martín Chambi.

Otro, como te mencioné en tu última presentación, fotógrafo y poeta, José María Eguren, presenta fotografías en miniatura hechas con una camarita que construyó él mismo”.

*Una obra de Baldomero Alejos.

Víctor Andrés Urquiaga me habló ayer de un fotógrafo que me sonaba vagamente: Eugene Courret, que tenía su estudio en el centro de Lima. Vimos su casa. Nació en Angouleme en 1841 y realizó fantásticas fotos de los paisanos, de la ciudad, de puesta en escena. Esta es una de sus fotos más delicadas. Falleció en torno a 1900 y a mediados de los años 60 contó con la colaboración de su hermano Aquiles.

PRESENTACION DEL PROYECTO EL OTRO REINO

Por Cecilia DE VAL

Descripción teórica:

En este proyecto abordo la confrontación entre la Naturaleza Animal y la Naturaleza Humana.

A través de la imagen busco respuestas a la eterna cuestión que nos acecha desde siempre: ¿hay una diferencia esencial que nos separa o somos exclusivamente animales? ¿Cuánto de bestia hay en nosotros?

Deberíamos preguntarnos al visitar un zoológico si acaso lo que hay en entre los barrotes son animales o si no se les ha robado, al enjaularlos, su lado animal.

Este proyecto es una evolución del anterior: «Nunca te prometí un jardín de rosas», que habla de la identidad utilizando el tema del doble y la multiplicidad como recurso para cuestionarla.

En mi obra existe una influencia directa de la literatura. El fotógrafo opera siempre como una permutación de su manera personal de ver el mundo por otra que la cámara le impone insidiosa[1], dice Cortázar. Mi cámara me impone imágenes simbólicas que hablan de miedo, incertidumbre, soledad y muerte.

En este proyecto introduzco la figura animal para cuestionar la identidad y mostrar la dualidad hombre-animal y utilizo el misterio para crear imágenes y recrear ámbitos que interpelen a quien los mira.

Esta tarde, en la galería Spectrum Sotos, Cecilia de Val inaugura su exposición ‘El otro reino’; este texto ha sido redactado por ella. A las 20 horas. Esta es una de las piezas que va a presentar. Se titula ‘The dreamer’: el soñador. Cecilia es una gran soñadora: se mueve entre lo telúrico, lo fantástico, la puesta en escena, y los ecos de autores como Borges, Poe y Lewis Carroll, entre otros.

Encuentros PHE traerá en los próximos días 4, 5 y 6 de junio Debates en torno a la fotografía y su relación con la literatura en el Auditorio del Ministerio de Cultura

Dirigidos por Antonio Ansón y Ferdinando Scianna, se celebrarán en el Auditorio del Ministerio de Cultura.

En esta edición el programa de conferencias analizará cómo las imágenes y los textos interaccionan desde un punto de vista creativo, incidiendo sobre el papel decisivo de la fotografía en la formación de las voces de la literatura moderna

Participarán en el simposio expertos internacionales como Claude Ambroise, Roberto Andò, Federico Campbell, Paul Edwards, Alberto García-Alix, Marianne Hirsch, Gérard Macé, Philippe Ortel, Jane M. Rabb y Silvana Turzio. (Me ha encantado esta foto de Ferdinando Scianna).

Esta refrescante foto de Károly Escher, un fotógrafo húngaro nacido en 1890 y fallecido en 1966, se llama ‘El baño del director de banco’. La encontré buscando otra cosa y me ha parecido simpática y apropiada para estos tiempos de crisis.

Joakim Eskildsen es una fotógrafo danés, nacido en 1971, que se ha dedicado a documentar, junto a la escritora Cia Rinne, la vida de los gitanos a lo largo del mundo: ’The Roma Journeys’. He aquí una de sus espectaculares fotos.

Xiqi Yuwang, Nuevo Talento Fnac de Fotografía 2009

Xiqi Yuwang ha sido nombrado Nuevo Talento Fnac de Fotografía 2009 por su trabajo “Ye Tianan, la historia de un monje shaolin”.

El jurado, compuesto por Antonio Ansón, Gervasio Sánchez, Antón Castro, Julio Álvarez y Luisa Monleón, ha destacado la obra del ganador por ser “un trabajo moderno, narrativo, que documenta una historia. Cada foto plantea un interrogante, quieres saber mucho más”.

“Es una fotografía llena de sentido del humor y de ironía. Es un tema muy bien tratado”. El trabajo de Xiqi Yuwang ha sido seleccionado  de entre los 235  presentados en las 19 tiendas Fnac de España.

Xiqi Yuwang, fotógrafo valenciano de origen chino, ha resultado ganador del Premio Nuevo Talento Fnac de Fotografía 2009 en su octava edición gracias al trabajo “Ye Tianan, la historia de un monje shaolin”, que presentó en Fnac San Agustín, sede valenciana de la distribuidora de ocio y cultura.

Este proyecto cuenta la historia de Ye Tianan, un ex monje guerrero del templo Shaolin, que practica las artes marciales. La trama de esta historia personal es una mezcla entre realidad y ficción, un relato acerca de una especie de justiciero oriental camuflado en medio de una ciudad extranjera, su dificultad de integrarse en el territorio y el fuerte choque cultural que le ahoga, sintiendo la necesidad clamorosa de gritar a pleno pulmón su existencia adoptando con dignidad personalidades distintas según la situación.

La edición de este año, a la que se han presentado un total de 235 trabajos cuenta también con una Mención de Honor al trabajo presentado por Cristina de Middel, un reportaje documental de África que se aleja de los tópicos titulado “Kulungele!”, del que el jurado ha destacado “su visión de la cotidianeidad muy africanista. Se acerca a la gente con respeto y presenta una visión distinta a la que estamos acostumbrados a ver. Parece una autora africana”.

Esta iniciativa, que se organiza como plataforma para dar a conocer a nuevos artistas, ha recibido 193 trabajos en las 19 tiendas que Fnac tiene en España. El portfolio de Xiqi Yuwang se expondrá en todas las tiendas de la cadena en España durante un año, formando parte del calendario de exposiciones que permanentemente se exhiben. También se dará un tratamiento especial al trabajo en el site cultural de Fnac, www.clubcultura.com

La fotógrafa Leila Méndez inauguró el Nuevo Talento Fnac Fotografía en el año 2002 con la exposición "Mondo cane". En 2003 la distinguida fue Margarita García Buñuel con la muestra "A este lado del paraíso", en 2004 el valenciano Carlos Luján obtuvo el premio con su reportaje fotográfico "Asiatown in Paris" y en la edición 2005 el también valenciano Albert Corbí obtuvo el Nuevo Talento Foto con el trabajo “Red Night”. Los últimos trabajos que consiguieron la consideración de Nuevo Talento Fnac de Fotografía fueron los de Mikel Aristregi en 2006, Ricardo Cases en 2007 y Luisa Monleón en 2008.

Nuevo Talento Fnac de Fotografía

Desde sus orígenes en 1956, Fnac ha tenido en la fotografía una de sus señas de identidad cultural más reconocibles y posee hoy una de las colecciones más renombradas, en la que coexisten grandes maestros —Brasaï, Cartier-Bresson, Man Ray, Tina Modotti, Inge Morath—, indiscutibles autores contemporáneos —William Klein, Raymond Depardon, Max Pam— y Nuevos Talentos —Claude Nori, Yann Mingard y Alban Kakulya—. Fnac España ha organizado también exposiciones de Pedro Almodóvar, Jordi Socías, Ricky Dávila, Tom Sharpe, David Airob, Bigas Luna, Oriol Maspons, Kim Manresa o Virxilio Vieitez entre otros. También se eligen periódicamente Nuevos Talentos Fnac de otras disciplinas como Música, Literatura y Cortometraje.

El jurado de esta octava edición del Nuevo Talento Fnac de Fotografía lo han compuesto:

Antón Castro
Es redactor de Heraldo de Aragón, coordinador del suplemento ‘Artes & Letras’, director del programa cultural "Borradores" de Aragón Televisión, escritor y experto en fotografía.

Julio Álvarez
Director de la Galería Spectrum Sotos de Zaragoza.

Antonio Ansón

Autor de ensayos sobre fotografía, ha comisariado exposiciones y coordinado cursos sobre el medio para la Universidad Internacional Menéndez Pelayo. Actualmente es director de la colección Cuarto Oscuro que publica libros de fotografía de autor, y dirige, junto a Ferdinando Scianna, los Encuentros para la edición 2009 de PhotoEspaña sobre fotografía y literatura.

Gervasio Sánchez

Periodista independiente especializado en conflictos bélicos, Gervasio Sánchez ha desarrollado a lo largo de su carrera varias facetas dirigidas al mundo de la actualidad la literatura y la fotografía. Desde 1984 hasta 1992 cubrió la mayor parte de los conflictos armados habidos en América Latina. Desde 1988 mantiene una estrecha relación con “Heraldo de Aragón”.  Ha trabajado como enviado especial de este diario aragonés tanto en la guerra del Golfo como en los distintos conflictos armados en la antigua Yugoslavia, África, Asia y América Latina. 

Luisa Monleón

Recibió el “Nuevo Talento de Fotografía Fnac” por su trabajo autobiográfico “A vueltas quietas”, dándole la oportunidad de exponer en numerosas salas a nivel nacional. En 2009 recibe el Premio de Foto-Reportaje ARCO.

*Esta información pertenece al gabinete de prensa de la FNAC. La reunion del jurado tuvo lugar en Zaragoza ayer por la mañana.

La Fábrica publica ‘Ligeramente desenfocado’, las memorias de Robert Capa

El libro está compuesto por las memorias escritas por Robert Capa durante la Segunda Guerra Mundial, inéditas en castellano, y 130 fotografías realizadas por el fotógrafo entre 1941 y 1945

Este texto es el testimonio de cuatro años de lucha que documenta la guerra desde las perspectiva de hombres y mujeres de las Fuerzas Aliadas

El prólogo escrito por el hermano menor del fotógrafo, Cornell Capa, y un texto de Richard Whelan, perfecto conocedor y autor de varios libros sobre Capa, completan el libro 

El periodista Alfonso Armada y el fotógrafo y periodista de Heraldo de Aragón Gervasio Sánchez, presentarán el libro el miércoles 17 de junio, a las 20:00 horas, en La Librería de La Fábrica (c/ Verónica, 13. Madrid)

Traducción de Miguel Marqués. 288 páginas. 26 euros.

Aspiraba a ser periodista, escritor, pero no fotógrafo, donde aterrizó por azar. Robert Capa llegó a Europa en 1941 con un proyecto fotoperiodístico bajo el brazo encargado por el periódico norteamericano Colliers. Debía cubrir los acontecimientos bélicos y, aprovechando la coyuntura de la guerra, comenzó a redactar un cuaderno donde recogería aquellos sucesos con los que se encontraría desde su salida desde un muelle de Nueva York en adelante. Robert Capa siempre sintió una predilección especial por el cine, por esa razón, y aprovechando la coyuntura de su trabajo, escribió con la ilusión de presentarle a William Goetz, director de International Pictures, estos textos, que servirían como base para un guión que pudiese entretener y no como el documento histórico que en realidad son. Posteriormente, serían publicados por el editor norteamericano Henry Holt en 1947, lo que provocarían que sea hoy en día un clásico de la fotografía.

Durante cuatro años viajó a lo largo y ancho de un continente en lucha, documentando la guerra desde la perspectiva de hombres y mujeres de las Fuerzas Aliadas con quienes trabó amistad, personas que le cautivaron y divirtieron. A través de su trabajo puede vislumbrarse la aventura a través de Europa, el norte de África, Italia, Alemania, las playas de Normandía la madrugada del 6 de junio de 1944 y, finalmente, un París liberado. Sus fotografías muestran la cercanía y el aprecio que sintió al tomarlas y hacen que las personas que en ellas aparecen adquieran un especial protagonismo retiniano.

En Ligeramente desenfocado se encuentra a un creador que primero quiso ser escritor y que describe los sucesos acaecidos a través de encuentros con personajes fortuitos y reales, tanto o más que las guerras que fotografió. Los textos que Robert Capa escribió sobre la Segunda Guerra Mundial, están acompañados por más de 130 imágenes tomadas por el autor entre 1941 y 1945, entre las que se encuentran aquellas obtenidas durante el histórico desembarco de Normandía.
El libro se completa con los textos de Richard Whelan, autor de Robert Capa: A Biography (hay edición española) y de varios libros sobre el trabajo del fotógrafo, y de Cornell Capa, hermano menor del fotógrafo, distinguido periodista gráfico y fundador del International Center of Photography de Nueva York.

Ligeramente desenfocado es un clásico: las memorias sobre la Segunda Guerra Mundial de uno de los más talentosos fotógrafos. Sus instantáneas, conseguidas gracias a su cámara “atrapa emociones”, son tesoros y sus textos resultan tremendamente divertidos o profundamente conmovedores.

Algunos datos biográficos

Ernest Andrei Friedmann - conocido como Robert Capa - (Budapest, Hungría, 1913 -Thai Binh, Vietnam, 1954). Proveniente de una familia judía, en 1929 se vio obligado a emigrar de su país dada la delicada situación política que empeoró con la llegada al poder de Hitler y la imposición de un gobierno fascista en Hungría. Durante los inicios de los años 30 vivió en Alemania y Francia, trasladándose a España al inicio de la Guerra Civil para estar presente en los principales frentes de combate. Con tan solo veintidós años comenzó a fotografiar la guerra, pasando posteriormente por Italia, China, Londres y el norte de África y comenzando así a labrarse una gran reputación que le llevaría a ser considerado uno de los mejores periodistas gráficos de guerra de la Historia. En 1947 creo la agencia Magnum junto con Henri Cartier-Bresson, William Vandivert, George Rodger, y David Seymour, donde realizó un gran trabajo fotográfico tanto en fotografía bélica como artística.

El 25 de mayo de 1954, Capa se convertiría en el primer periodista estadounidense que murió en un conflicto bélico, la Guerra de Vietnam.

*Recibo todo este dossier del sello La Fábrica.

*Este artigo da serie ‘O creador no seu obradoiro’ aparece hoxe na edición galega de ‘El País’. Pertence a unha estupenda serie que ven facendo Xoán Abeleira con absoluta paixón. Neste caso está dedicada a Sol Rivas. Faime un pouco de gracia o comenzo: hai apenas un par de meses, Xoán Abeleira non sabía nada de Francesca Woodman, agora, como xa o era denantes Sol Rivas, é un tolo da súa fotografía que acaba de expoñerse en Murcia.

O CREADOR NO SEU OBRADOIRO

SOL RIVAS: A AURA NA PEL

Xoán ABELEIRA

A muller que xena na foto está a atoparse a si mesma, está a ollarse amencer. Mais, igual que nas catas de Francesca Woodman (unha das súas fontes de luz recoñecidas), nesta non se aprecia nin un ápice de narcisismo. Ó contrario. Se este intre de verdade aprehendida nos parece tan efectivo é porque a súa autora deu en transcender o tema. Algo dobremente difícil tratándose dunha imaxe especular.

Pois qué é o que achamos aquí, neste autorretrato feito ex profeso para esta serie? Unha conciencia abrollando, espertando a e á súa primavera. A alba, si, dunha persoa que, asemade, é todas as albas do mundo, todas as persoas do mundo. Por iso nos convence. Por iso nos conmove tanto coa súa entrega total. Nel advertimos xa a característica esencial –nunca mellor dito- do xermolo Sol Rivas: o lirismo. Esta muller que a penas vén de entrar na vintena é poeta en todo o que fai. E fai un mundo de cousas: fotografía, cine, teatro, interpretación… e poesía. Todo nela, todo o dela deita poesía. Mesmo as palabras coas que explica a maneira na que a arte nos transforma: “Coas obras que me abraian pásame un pouco como cando leo un poema e non o entendo de todo. A beleza e a intensidade son moitas veces puras sensacións creadas polo ritmo, a sonoridade, as connotacións das palabras que quedan penduradas da mente, como se esta nese intre for un buraco negro. A partir de aí, dunha sensación, a poesía arrástranos nunha viaxe sinestésica polo interior de nós, do que coñecemos ou ignoramos, do que lembramos ou esquecemos, con todo o peso que as palabras levan para nós sobre os ombreiros. E só a partir de aí, coas sensacións que nos provocan os detalles, é cando principia a comprensión do que non enxergamos, abríndonos ó universo dese poema. Iso é o primeiro que sentimos: a aura que a poesía nos deixa na pel. A asimilación racional chega despois.”

Líricos son, daquela, os horizontes cara ós que se dirixe esta incipiente pero portentosa multicreadora, unha magnífica representante da súa xeración, a cal se define, como di a propia Rivas de si, pola súa arela de “falar de distintos xeitos dunha mesma cousa, xa que, nunha obra, a unión e o enfrontamento entre os diversos elementos son os que crean os significados, espallando e demarcando cadanseus límites.” Líricas as series fotográficas que agora mesmo está a realizar en Buenos Aires, dotadas desa aura, entre onírica e hipnótica, coa que, segundo ela, nos inviste a poesía. Líricas as tres curtametraxes que artellou e dirixiu en Barcelona, onde cursou estudos: Cómo decirte, meu amado (unha reflexión sobre o amor), Sal (sobre a soidade e a frustración) e Ó lombo (sobre a incapacidade que xera o peso do pasado e a culpa). Lírica, tamén, Xeada, a peza que escribiu e interpretou, adobiada de fariña, en cafés e teatros. E líricos, en fin, no senso alto do adxectivo, os poemas que a achan, presta a transcribilos, nos lugares máis afastados do planeta: Fez ou Iguazú.

Denantes de marchar a Arxentina, Rivas deu corpo a un libro de Lino Braxe: Baixo o sol de Mesina. A súa primeira serie impresa. “Esas fotos son unha tentativa de captar, con total sinceridade, a luz que as persoas irradian ós ollos de quen as fita”. Imaxes dun erotismo tan intensamente godardiano coma algunhas de, por exemplo, Vivir a súa vida. A referencia á onda francesa parécelle axeitada a quen recoñece “gustar moito da maneira na que os directores da Nouvelle Vague tratan os xestos. En Godard, os planos xogan coas faces, coas olladas, coa fragmentación do Corpo físico e fílmico, transmitindo grandeza a partir do pequeno. Tamén eu procuro establecer ese diálogo complicado pero impactante entre imaxe, palabra falada e intertítulos.” Un obxectivo que se resume no concepto reverdyano que ela ten do poema visual, na liña dos maiores poetas do cine. Coma Vertov, Buñuel, Vigo ou Antonioni, Rivas aspira “a fundir a linguaxe poética e a cinematográfica nunha abstracción engaiolante, unindo imaxes que non necesariamente estean vencelladas entre si e que adquiran sensos novos por medio da montaxe.” E o símbolo que mellor define ese traxecto que ela xa está a cubrir con tantísimo talento é o do tren. “Encántame porque nel recuperas a sensación de desprazamento que perdes na inconsciencia do avión, e eu creo que o espazo merece ser percorrido a e con conciencia. É como viaxar pola realidade pero ollándoa dende fóra e interactuando con ela asemade. O tren é un desoutros non-lugares nos que vivimos a cotío pero, coma as viaxes son intervalos entre as distintas estacións que, consonte coidamos, conforman a nosa existencia (o traballo, o lecer, a casa…), o tren fainos sentir noutra dimensión, algo distanciada, e moi sensible. Gustaríame que as miñas xeiras fosen así: coma os trens nos que se mesturan as palabras, os sons, as imaxes, as lembranzas, os soños, as sensacións, en fin, de todos os viaxeiros: as que deixan os que marchan e as que traen os que soben.”

*Autorretrato da artista galega Sol Rivas.

Cuando me levanto, veo un inmenso campo de amapolas. Es como una grandiosa y plana mancha de sangre. Todas las tardes, acuden los pájaros y buscan acomodo sobre los matorrales y algunos almendros del camino. No tarda en aparecer esta mujer con alas. Son las alas del sueño.

*La fotografía es de Roberto Kusterle.

Siempre me han gustado mucho los faros. En ‘Golpes de mar’ (Destino) invento un farero de Caión, Buxán, que conoce todos los secretos del mar, de los marinos y de los naufragios. Me ha encantado esta foto del artista búlgaro Nacho Kamenov.

Russell James, convertido ya en un fotógrafo de éxito y en el preferido de mujeres difíciles como Victoria Beckham, dice:

“En fotografía no hay espacio para los lamentos. Pase lo que pase, dispara y aprende. En mi caso sirve eso de ‘cuando más duro trabajo, más suerte tengo’”.

*Otra de sus sugestivas foto: Heidi Klum.

El australiano Russell James es uno de los grandes fotógrafos de la actualidad: de moda y de los famosos. Un fotógrafo de puesta en escena, retratista, que se ha especializado en el cuerpo femenino, sobre todo. Ahora publica un libro de sus mejores instantáneas. ‘El Semanal’ ofrece una selección de ellas y recoge algunas de sus frases de un tipo con una gran energía que lo pasó fatal en sus inicios, que conoció el rechazo y el hambre, y que empezó a triunfar más allá de los treinta, tras haber llevado una existencia muy nómada y haber trabajado aquí y allá en un sinfín de oficios.

Dice Russell James: “Llegué a la fotografía bastante tarde, cuando la descubrí fue como encontrar tu media naranja: simplemente sabes que es para toda la vida (…) Sacar una foto lleva dos segundos, plantear una sesión, semanas”.

Parece no haber perdido la cabeza, ni se sintió intimidado, cuando retrató a Heidi Klum (en al foto), a la que captó desnuda en varias ocasiones en una de sus series más teatrales, ni a Scarlett Johansson ni a Halle Berry ni a Gisele Bündchen, de la que logró la mirada más candorosa y melancólica con una aterciopelada luz de oro de poniente.

Josef Sudek era el poeta visual de Praga, un hombre con un brazo amputado en la I Guerra Mundial que había soñado ser impresor. Decidió captar las instantáneas desdibujadas de la hermosa ciudad de Franz Kafka. Ahora, el Círculo de Bellas Artes le dedica una exposición centrada en los años 50. Hoy, en ‘Babelia’, en su sección ‘Ida y vuelta’, Antonio Muñoz Molina le dedica un estupendo artículo, donde leo lo siguiente mientras llueve a mares en Orihuela.

“En las fotos de Sudek, Praga parece suspendida en el tiempo, desdibujada en las luces ambiguas de los atardeceres, deshabitada y silenciosa en noches húmedas de invierno, en noches con la fosforescencia de la niebla o la nieve atravesada por tranvías como submarinos con un faro encendido en la proa”.

*Esta foto de Zorka, la esposa de Josef Sudek, está datada en 1943.

Hace algunos meses, el pasado noviembre, escribí:

Las fotos de Bernard Plossu tienen una atmósfera de intemporalidad. Concentran una mirada peculiar, un detalle, un laberinto de matices, un fogonazo desdibujado de contrastes. Me ocurrió algo precioso: me hizo varias fotos, cinco o seis, casi como fotos robadas, yo hablaba y hablaba, y él buscaba. A veces, la velocidad era relativamente rápida, otras oías el clic y pensaba que esa foto saldría o movida o borrosa, como si emergiese en el papel desde una cabeza borradora. Hablamos de todo un poco: de su libro de Albarracín, realmente deslumbrante e íntimo, Plossu renuncia a toda espectacularidad, de fotógrafos a los que admira como Nacho López y Héctor García, de su colega Luis Baylón, y hablamos, sobre todo, de la gran exposición que se le va a hacer en el CDAN para abril con un libro-catálogo espectador.

Hoy he estado en Huesca en el CDAN, en la inauguración de la exposición ‘Bernard Plossu. País de paisajes’, que recoge un total de 370 fotos, distribuidas en dos formatos: 7 x 11 y 17 x 23, que resumen sus más de dos años de expediciones por la sierra de Guara en compañía de amigos como Antonio Ansón, Paco Grasa (ha escrito un bello e intenso poemario ‘Duerme la caliza’), alumnos de la Escuela de Arte de Huesca, etc. Plossu, en la multitudinaria apertura de la muestra, rindió homenaje a todo el mundo y rompió el protocolo para recordar que entre el público estaba su gran amigo, admirado y conocido en Europa, el fotógrafo Rafael Navarro. Antes, Bernard Plossu tuvo dos magníficos detalles: apareció con un caja llena de fotos de sus amigos oscenses y zaragozanos (a mí me regaló dos fotos nocturnas que me hizo el pasado noviembre en la calle Manifestación) y confesó que estaba enamorado de la sierra de Huesca. De Guara, en concreto.

Me pareció enternecedor un detalle de Plossu: casado con una española de Almería, lleva debajo de su chaqueta de pana marrón una suerte de bolsa o zurrón azul, cruzado desde el hombro a la cadera. Le dije si se la sacaba para la entrevista en ‘Borradores’ y dijo que de ninguna manera. Dijo que allí viajaban sus tesoros: usa cámaras de usar y tirar, sus documentos y las fotos de su mujer y de sus hijos. En la muestra hay un vídeo que tiene algo de grabación casera: se ve a Plossu viajando en tranvía, asoma la cabeza por la ventana una y otra vez, y saca fotos. Fotos de coches, de un paisaje de playa, de viandantes.

Plossu sigue fotografiando con su Nikkormatt de hace 30 años con un único objetivo de 50 mm. Mientras Yolanda Liesa y la operadora Cristina ajustaban los planos, le preguntaba si le tentaba la fotografía digital. Dijo: “No, en absoluto. Me gusta. Está muy bien, pero yo no pienso hacerla. Me gusta lo que hago: mi fotografía es un documento fiel a la realidad”.

El Universal

Helen Levitt, una gigante de la fotografía del siglo 20 cuyas escenas de la Ciudad Nueva York proveyeron una ventana a una era ya desaparecida, falleció. Tenía 95 años.

Levitt murió el domingo mientras dormía en su apartamento en Manhattan, dijo Thomas Roma, amigo cercano y director de fotografía en la Escuela de Artes de la Universidad de Columbia.

Levitt es mejor conocida por sus escenas callejeras con niños tomadas en las décadas de 1930 y 1940. Una de sus fotos más emblemáticas es la de tres niños con máscaras y encorvados antes de salir a buscar dulces por Halloween. Otra es la de cuatro niñas en una acera paradas mirando burbujas de jabón flotando en el aire.

Levitt documentó barrios como el Spanish Harlem y el lado este de Manhattan donde, en un tiempo antes de la televisión, la gente usaba las calles casi como si fueran parte de su sala.

Peter Galassi, jefe curador de fotografía del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, dijo que las fotos de Levitt son “lo mejor que nadie ha hecho para capturar la esencia de los niños en la calle”.

Esas fotos “se han convertido documentos históricos porque tenían un tipo de apertura y libertad y seguridad en las calles que dejó de existir desde hace mucho tiempo”, indicó Galassi.

Levitt nació el 31 de agosto de 1913, en Brooklyn. Luego de dejar la escuela superior aprendió fotografía por su cuenta mientras trabajaba con un fotógrafo comercial.

La revista Fortune fue de las primeras en publicar su trabajo, en su edición de julio de 1939. Al año siguiente su foto de Halloween fue incluida en la exhibición inaugural del departamento de fotografía del MoMA. En 1943 tuvo su primera muestra en solitario allí mismo.

Fue además una de las primeras en trabajar la fotografía a color y según Galassi fue pionera con su técnica en ese formato.

Libros de sus trabajos incluyen A Way of Seeing (Una forma de mirar) (1965), con un ensayo de James Agee; In the Street: Chalk Drawings and Messages, New York City, 1938 (En la calle: dibujos con tiza y mensajes, Ciudad de Nueva York, 1938) (1987); y Mexico City (Norton, 1997).

Roma llamó a Levitt “indudablemente una de entre los más grandes fotógrafos que han existido”.

A Levitt le sobreviven su hermano Bill Levitt, así como varios sobrinos.

*La noticia la tomo del diario 'El Universal'. Una de sus fotos más conocidas.

La pasión por las imágenes ha caracterizado a la familia Saura Atarés. Especialmente, al padre y a sus hijos Antonio y Carlos Saura. Una prueba más es el libro de fotografías ‘Saura x Saura’ (La Fábrica / Fundación Antonio Saura), de Carlos Saura, donde este realizador, escritor y fotógrafo propone un meticuloso y elaborado álbum de familia que se inicia en 1947, cuando Antonio, nacido en Huesca en 1930, está aquejado de tuberculosis y yace en la cama con un rostro melancólico, y se cierra apenas un mes antes de que el pintor y cofundador de ‘El Paso’ falleciese en julio de 1998. Fermina Atarés y Antonio Saura tuvieron cuatro hijos: los dos citados, y María Pilar y Ángeles, a la que, cuando llegaba a Madrid, su hermano Antonio le decía: “¡Saurita, hola, ya estoy aquí!”.

Ángeles escribe un pequeño texto preliminar y explica la rica y compleja relación entre el fotógrafo y el fotografiado: “Antonio y Carlos, tan inquebrantablemente iguales en lo esencial. (…) Con su misma atracción desde muy jóvenes por la fotografía. Carlos, con un gran obra realizada y una colección de cámaras extraordinaria. Antonio, haciendo él fotos y ofreciéndose en cualquier momento para posar para Carlos fascinado por las imágenes y por esas mismas cámaras, de las cuales alguna se convertirá en uno de sus más queridos fetiches, fetiches compartidos también por los dos”.  Ángeles, autora de dos novelas, hace un elogio de la fotografía: “Nunca se debería hablar de las personas solo en pasado, es horrible, es matarlas con los verbos: estuvo, visitó, viajó, fue. Es odioso. Y, desde que existe la fotografía, es además falso, las fotos siempre son presente, es su gran poder. Así que en estas, Antonio y Carlos bromean, viajan, fuman, ríen, posan y miran en presente, juntos a padres, hemanas, mujeres, hijos y amigos que, por supuesto, bromean, viajan, fuman, ríen, posan y miran igual, todos en presente”.

Ahí está definido el libro en buena medida. Carlos Saura, reconocido ya como un gran fotógrafo de reportaje social, de paisajes y de retrato, explica los matices de su relación con Antonio. Dos años menor que él, Antonio intentó “asesinarme, sin duda con esa inocencia infantil que empaña cualquier violencia”, pero de inmediato se convirtieron en compañeros de aventuras y amigos que compartían experiencias tan diferentes como “los juegos, el aeromodelismo, la fotografía, el dibujo o la lectura”. Agrega que Antonio le explicaba las claves y las técnicas de cada pintor, cada vez que iban a un museo, desde Velázquez a Goya, con el habría querido colaborar en la película ‘Goya en Burdeos’, y recuerda los amargos años de la Guerra Civil: las visiones, los gritos desesperados, el paso de los aviones, el aullido de los sirenas o la contemplación de los soldados rusos, en el Retiro, con sus “gorros de astracán”. A propósito de los bombardeos, Carlos recuerda una anécdota que dio lugar a una novela y a un guión: “¡Esa luz1”. Dice: “Ya en el refugio del piso, bajo la protección familiar, alrededor de una vela encendida, mis padres, mi hermana María Pilar, mi hermano Antonio y yo esperábamos lo peor. El grito de un miliciano que vigilaba la calle: ¡Esa luz!, ¡esa luz!, obligaba a apagar la vela porque las persianas de láminas de madera y las contraventanas habían desaparecido para poder cocinar o caldear el piso. En esa oscuridad de miedos y de explosiones que hacían temblar las paredes, crecimos…”. Carlos y Antonio heredaron una obsesión de su padre, que era un gran fabular y les contaba historia de Tarzán de los monos. “Nuestro padre fue un narrador de cuentos interminables y compilador de imágenes dispersas que pegaba en hojas para formar álbumes fantásticos en donde se mezclaba una turbina Pelton con la ballena boreal, imágenes que ampliaban nuestro mundo visual mostrándonos la complejidad de la naturaleza y los misterios del más allá”.

Carlos disfrutaba de una salud de hierro, y su hermano padecía tuberculosis; salió adelante gracias a la invención de la penicilina, que su progenitor lograba comprar de estraperlo. Un día adquirieron una casa en Cuenca, en la calle San Pedro, que iba a ser el refugio de Antonio hasta las vísperas de su adiós. Cada vez que iban bajaban por la escalera una pesada cama de madera para que reposase el joven y lánguido artista, que se pasaba el día tendido. Logró recuperarse y reapareció con un impresionante bagaje de lecturas y de meditación en su largo período de inmovilidad. Antonio cojeaba con elegancia, con un bastón y un cigarrillo en la mano. “Era muy atractivo y las chicas se volvían para verlo”, añade. Se marchó a París “para continuar el tránsito de artista de la época, fue amigo de surrealistas, de pintores y escritores, y de allí trajo amistades y a su primera mujer, Madeleine”. Carlos recuerda la importancia en la obra de su hermano de Brueghel o el Goya de los ‘Caprichos’ o las ‘pinturas negras’, y elogia algunas de sus peculiaridades: “Antonio fue, también, un pintor de los que vampirizan las obras que admiran y las vuelven a inventar dándoles una nueva encarnadura y un nuevo propósito”, poseía tesón y sentido del orden, facilidad gestual y una gran exigencia consigo mismo. “Yo creo que, tanto él como yo, asumimos nuestra condición de aragoneses y quizá de allí se desprende una cierta ética para andar por la vida con orgullosa intransigencia”. En el libro también se recuerda que su madre Fermina Atarés, que había sido pianista profesional durante dos años, les obligaba a digitalizar al piano.

Antonio y Carlos Saura Atarés vivieron vidas paralelas. Siempre estuvieron juntos, incluso cuando estaban lejos, “unidos, hermanados por un amor más allá de las palabras”. Y la fotos lo corroboran una y otra vez: es un documento sobre la complicidad y el cariño, sobre una aventura intelectual y creativa (las fotos del taller son siempre sugerentes: evocan la magia de la creación), sobre los secretos de familia e incluso sobre un puñado de amigos, entre ellos los aragoneses Alberto Portera y Luis Buñuel, que fue fotografiado en Cuenca y Chinchón, cuando vino a rodar ‘Viridiana’.

El fotógrafo Javier Pardos presenta

su obra en la Galería Spectrum Sotos

Este viernes 27 de marzo se presenta en Zaragoza, en la Galería Spectrum Sotos, el libro sobre  técnica fotográfica titulado Fotografía Digital Profesional, de Javier Pardos Abril.

Se trata de la primera publicación sobre técnica fotográfica para niveles de conocimiento avanzado realizada por un autor aragonés. El libro está destinado tanto a fotógrafos profesionales en activo, como a estudiantes de fotografía o aficionados con un buen nivel en técnica digital.

Javier Pardos es fotógrafo profesional desde 1997. Ha trabajado como fotoperiodista en El Periódico de Aragón, y en fotografía editorial en el Grupo Editorial de Heraldo de Aragón. Y mantiene un estudio dedicado a la fotografía de moda y belleza en Zaragoza, “Pardinni Imagen S.L.”. En la actualidad es profesor de fotografía digital en la Escuela de Fotografía  Spectrum Sotos donde imparte cursos avanzados para estudiantes de fotografía y profesionales en activo.

La presentación de esta obra, que reúne una excelente calidad de impresión y un lenguaje técnico comprensible para seguir su lectura y aprendizaje, correrá a cargo del escritor y periodista Antón Castro.

DÍA: viernes 27 de mayo de 2009

HORA: 20 horas

LUGAR: Galería Spectrum Sotos, Concepción Arenal, 19 (Zaragoza) 

*Una obra de Javier Pardos.

El viajero y naturalista Eduardo Viñuales, con quien he realizado un viaje inolvidable a las Hoces del Guadalope y a las Grutas de Cristal de Molinos, ese escritor de la naturaleza que tiene bellos amores en Tarazona, anuncia que tiene una selección de sus fotos en este dominio:
http://www.asafona.org/default.aspx?info=000320.

Añade: “En esta dirección de Asafona (Asociación de Fotógrafos de la Naturaleza Aragonesa) encontrarás mi galería personal de imágenes. Espero que te guste. Eduardo”. Traigo aquí una de sus fotos: su pasión por los cielos. Su pasión por la música celeste, su pasión por la luz de mar.

AUTORRETRATO DE EDUARDO VIÑUALES

Empecé publicando textos y fotos en revistas por un compromiso ecologista. Cuando tenía 13 años creé un grupo de defensa del medio ambiente en Aragón (la Sociedad Naturalista Medofosa), y con unos cuantos buenos amigos empezamos a salir al campo para sentir el latido de la naturaleza, realizar excusiones… y también para denunciar públicamente en la prensa de la década de los 80 numerosos atentados que se producían contra el medio ambiente. La fotografía fue un arma para esta desinteresada labor ecologista -entonces todavía peor vista que ahora-… y también fue una manera de inmortalizar momentos ya imborrables o encuentros con nuestra fauna y flora.

Siempre pienso que soy un privilegiado por haber nacido y vivido en Aragón. Me apasionan los Pirineos, pero me encantan las estepas y otras sierras o montes de Aragón. ¡Dadme un trocito de campo y seré feliz!

En estos últimos 20-25 años (¡caramba, se dice pronto!) he escrito y fotografiado mucho… pero… ¡y lo que queda! La cantera de aspectos para contar, fotografiar y mostrar lo maravillosa que es la naturaleza que nos rodea parece no tener fin. Mi mente siempre “vuela” con ideas, proyectos, viajes y futuros reportajes. En ello estoy. ¡Ah!, soy nacido en Zaragoza, 1971.

Equipo

Cuerpo Nikon D200. Un objetivo 18-70 mm. Un tele 200-400 mm. Un macro fijo de 90 mm. Trípode. A veces, un “hide”. Y, por supuesto, unas botas de montaña, una mochila, los mapas, los libros… y mucha ilusión por ver y conocer todo lo natural.

Siguiendo los pasos de dos visitantes del blog, Xunetu y Francisco Ortiz, excelentes fotógrafos que se hallan en Flickr, encuentro esta foto de Vadobuch, que me ha gustado mucho. La instantánea está datada en 1962 y los niños son, de izquierda a derecha: Miquel, Dolors y Vadó. Siempre me han encantado las motos, aunque me dan miedo, mucho miedo. Tengo dos bellas experiencias: hace años, con mi amigo Antonio Martín Martín, de Urrea de Gaén, fui con él por los montes del pueblo. Fue una experiencia inolvidable: desde arriba, casi a vista de pájaro en movimiento, veía todo el pueblo, la colmena de tejados, la aguzada torre de la iglesia de Agustín Sánz y la víbora perlada del río Martín camino de Híjar.

Y hace algunos años, casi recién llegado a Garrapinillos, José Ramón Marcuello me dejó su Vespino para que subiese y bajase la cuesta del Zorro en dirección a su casa y a la mía. Pasé algún que otro susto, pero se vive una sensación absolutamente placentera. Cada vez que paso por la tienda de motos de Ramiro Ramírez Ramírez, en Garrapinillos, siempre me quedó mirando un rato y me imagino que entro y compro una moto.

 Misterio: Ana y Sara en medio de la noche y del frío. Al final de la sombra se vislumbran algunas luces. Lejos de la escena, tiembla un avión.

Aloma Simpé se ha pasado esta tarde por casa, y cuando caía la noche, cerca de la piscina, en el jardín tomó estas fotos a Ana y a Sara. Llovía suavemente y ha dejado de sonar para siempre el rumor de los pinos.

El escritor y fotógrafo Carlos Manzano me envía la siguiente nota y una foto de Marco Antonio Sarto:

Estimado Antón:

Te escribo para informarte de que el próximo viernes 6 de marzo, a las 20:00 horas, tendrá lugar en la Fototeca “Juan Malpica Mimendi” de Veracruz (México) la inauguración de la exposición titulada “SEIS MIRADAS. Colectiva fotográfica española”, en la que, entre otros autores, tomaremos parte dos fotógrafos aragoneses: Marco Antonio Sarto y yo mismo. Marco Antonio Sarto mostrará diversas imágenes pertenecientes a su trabajo “India, de norte a sur”, y yo expondré algunas de las que configuran la serie “Mujeres”. Junto a nosotros dos, exponen también los fotógrafos Antona, Francisco Ortiz, Juan Bautista Morán y Rafa Sámano. La muestra está comisariada por Graciela Barrera en colaboración con el director de la fototeca de Veracruz, Carlos Cano.

Te adjunto imagen del cartel de exposición y una fotografía de Marco Antonio Sarto. Asimismo, al final de este texto he añadido las direcciones de los blogs y las páginas web de los fotógrafos que tomamos parte en dicha muestra.

Un abrazo.

Carlos Manzano

––

Rafa Sámano de la Serna
http://www.rafasamano.com/
 
Juan Bautista Morán
http://juanbamoran.mifotoblog.com/
http://cantodeespumas.blogspot.com/
 

Antona
http://www.antonafotografias.com//
 
Francisco Ortíz
http://francisco-ortiz-fotografia.blogspot.com/
http://novelanegraycinenegro.blogspot.com/
http://francisco-ortiz.blogspot.com/
 
Marco Antonio Sarto
http://es.geocities.com/marco_sarto/

Carlos Manzano
http://www.carlosmanzano.net/

He escrito aquí en varias ocasiones de la gran fotógrafa surrealista Francesca Woodman (1958-1981), que se suicidó a los 22 años. Ahora, en el espacio AV de Murcia, se ofrece una selección de 114 obras y seis vídeos inéditos de esta creadora enigmática y torturada que utilizó su propio cuerpo para su obra en un auténtico viaje hacia el placer, la tortura y el infierno más íntimo e inefable. Tomo el reportaje que publico hoy Roberta Bosco en ‘El País’. Esta foto lo dice casi todo. Impresiona.

ROBERTA BOSCO / Murcia

La mujer de la foto se intuye joven por la postura del cuerpo, el suéter informe y el pelo brillante que le cubre la cara. Su mano sujeta el cable del disparador, que el movimiento convierte en una varita mágica o en una espada luminosa. Autorretrato a los 13 años es la primera imagen que conocemos de Francesca Woodman (Denver, 1958-Nueva York, 1981) y la que abre la retrospectiva organizada por el Espacio AV de Murcia.

En ella se exhiben 114 obras, incluidas 20 imágenes y seis vídeos inéditos, es decir, prácticamente todas las que los padres de la artista han decidido divulgar de las 800 instantáneas que les dejó el 19 de enero de 1981, cuando -como ellos dicen- "abandonó la vida" tirándose de la ventana de su loft en el East Village neoyorquino para convertirse en una artista de culto. Ellos nunca hablan de suicidio y, aunque esa fue la versión oficial, aquella noche sigue envuelta en el misterio.

Si bien sus imágenes revelan una fascinación estética por la muerte y la decadencia, materializada en casas decrépitas, flores secas y paredes desconchadas, sus imágenes no sólo se mantienen ajenas a la desesperación que precede un suicidio, sino que rezuman vitalidad, energía, poder y ansia de experimentación. Hija de una reconocida ceramista y un fotógrafo, Woodman se formó en una de las mejores escuelas de arte de América y creció rodeada de intelectuales, entre su Colorado natal, Nueva York, Roma y la campiña toscana. "Su vida está toda en sus fotos, a pesar de que nunca son narrativas, ni siquiera cuando se estructuran como serie. Francesca se analiza, pero no se cuenta, ni se revela", afirma Marco Pierini, director de Le Papesse y comisario de la muestra junto con Isabel Tejeda, directora del Espacio AV.

Casi nunca enseña el rostro y experimenta con su cuerpo desnudo. A veces se mira con los ojos de una mujer y otras con el deseo de un hombre, pero nunca soporta estar fuera del encuadre, incluso en la célebre serie Charlie the model, considerada su obra maestra, no puede abstenerse de alcanzar el modelo delante del objetivo, dejando la cámara a una amiga.

Woodman tiene sólo 18 años, cuando pide al grueso Charlie posar de forma exhibicionista y se apropia del cuerpo masculino, poniéndose en escena desnuda, como una domadora con un oso doméstico: son sus fotos más subversivas y las que confirman su lejanía del feminismo ortodoxo y militante que se le quiso atribuir.

Sus padres tardaron años en metabolizar el dolor y sólo en 1986 organizaron la primera exposición. Los primeros años sólo exhibieron las imágenes que la propia Francesca había revelado y elegido, pero tras ver el interés que despertaban, accedieron a positivar nuevas piezas, aunque con cuentagotas. De ahí que las 20 imágenes inéditas, que se exhiben en Murcia, constituyan un evento excepcional.

Carlos Barboza, pintor, grabador y fotógrafo, inaugura el próximo lunes una doble exposición en la Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza. Por una parte, un trabajo sobre La Seo y su entorno, su arquitectura, su paisaje y sus paisanaje, y otra con un espíritu semejante centrada en la plaza de Los Sitios, que es su homenaje personal a un lugar habitado, cargado de vivencias y de ciudadanos. En ambas, de vez en cuando, junto a los seres anónimos, aparecen amigos, conocidos, como sucede en esta foto que me resulta muy sugerente: la del fotógrafo y profesor Enrique Carbó y la de su hijo Nicolás, un joven ruso adoptado por Enrique y su mujer, la también profesora y fotógrafa Virginia Espá, estudiosa de la vida y de la obra de Juan Mora Insa, al cual le ha dedicado una tesis doctoral.

Carlos Barboza, en compañía de la pintora, fotógrafa y grabadora Teresa Grasa Jordá, mantiene el archivo de Aurelio Grasa, sin duda un legado excepcional que merecería una gran monografía y una exposición totalizadora. De momento, el inagotable Barboza trabaja a su modo en fotografía y también en pintura.

Carlos Barboza. Fotografías. Series: Los Sitios / La Seo. Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza. Del 2 al 20 de marzo de 2009.

Pilar Albajar y Antonio Altarriba, zaragozanos afincados en Vitoria, y fotógrafos que alternan la toma con los guiones fotográficos y la puesta en escena, exponen estos días en Madrid, en la sala Clorofila, junto a Cecilia de Val, también zaragozana y una buena artista de la puesta en escena y de la indagación en la propia identidad, Enma Fernández y Marina Núñez. Pilar y Antonio publicaban hace algunos meses el libro ‘Vida salvaje’, en la colección Cuarto Oscuro (lo perdí durante muchos días y lo recuperé hace una semana bajo montones de papeles y libros), y curiosamente el motivo de portada es esta foto que acaba de mandarme Pilar Albajar. Se titula ‘Sueño profundo’.

Pilar Irala y Gustaff Choos (Jesús D. Royo, autor de la portada de ‘Artes & Letras’ de esta semana: una foto tomada en Londres en 2005 que reproducimos aquí), miembros ambos de Gustaff Room, participarán conjuntamente en la exposición que la Federación Italiana de Fotografía celebra con motivo de su congreso anual.

La invitación italiana a Irala&Choos se produjo a través de la Real Sociedad Fotografica de Zaragoza. La muestra reunirá cuatro fotografías de su colección Fatuos

El evento, fruto del trabajo y las relaciones que la CEF (Confederación Española de Fotografía) mantiene a nivel internacional, puede seguirse a través de la CEF(http://www.cefoto.org/menu.htm)

y en http://www.fiatp.net/

LAS DIEZ PREGUNTAS DE ‘ARTES & LETRAS’

JESÚS D. ROYO (GUSTAFF CHOOS)

¿Cuál es el principal rasgo de su carácter?

Mi pasión por la vida: Mi alegría y mi mal genio en el mismo grado. Qué le vamos a hacer si soy géminis...

¿Qué es lo que aprecia más en sus amigos?

Lo más difícil de encontrar hoy en día: Su fidelidad.

¿En qué país le gustaría vivir?

Me gustaría decir que en España, pero hasta entonces en Londres (Uk) u Oslo (Noruega). Que me busquen por allí...

¿Qué detesta por encima de todo?

La manipulación, el abuso, la hipocresía... desgraciadamente algo que parece empezar a "estar de moda"

¿Los fotógrafos de su vida?

Todos los buenos aportan algo, y hay muchos buenos, pero de los clásicos me quedo con: Richard Avedon, Cartier Bresson o Mapplethorpe. Más actuales: Terry Richardson o Nobuyoshi Araki. Muy buenos retratistas todos ellos.

¿Sus cineastas o escritores preferidos? (lo que te apetezca más)

Soy un hombre más de cine, por aquello de la imagen supongo... Don Luis Buñuel, Woody Allen, Guy Ritchie... También me gusta leer a Pablo Neruda.

¿Sus héroes de ficción?

Mis héroes no son de ficción son reales: Mi padre y mi madre.

¿Sus compositores?

Uff, me gustan tantos y tan diferentes... últimamente me tiene enganchado la música clásica, S. Bach concretamente, culpa de mi amigo Guillermo Cajal. Pero Carmen París gana minutos en mi reproductor cada día.

¿Sus artistas predilectos?

Picasso, Toulouse Lautrec y Gustav Klimt.

  ¿Cuál es su pasión secreta? (O ¿Una pasión secreta que pueda revelar aquí?)

No es un secreto,  comer bien, beber mejor (champagne o cava) y la vida nocturna en general

Leopoldo Pomés irrumpió a mediados de los cincuenta con una mirada innovadora orientada a los retratos, las escenas cotidianas y la arquitectura. Más conocido para el gran público por su faceta de publicista, es sin duda en el terreno de la fotografía donde Pomés se manifiesta como un artista singular, independiente, coherente y al mismo tiempo desconcertante.

Una Retina, una Pentax, la Canon y, por último, una Hasselblad y una Olympus digital. Todas las cámaras que han pasado por sus manos han reflejado su obsesión por la luz. De manera involuntaria mira, observa como ésta afecta a todo aquello que fotografía, cómo dibuja y marca los perfiles de sus modelos, de sus objetos fotografiados. Tan presente tenía esta obsesión que llegó a crear un sistema para iluminar sin sombras a través de fluorescentes.

El libro recoge el trabajo de este fotógrafo desde los años 50 hasta 2004, donde comienza a experimentar con fotografías arquitectónicas sin dejar aparcada la insistencia en el reflejo de la luz.
Es en las dos primeras décadas donde se da la mayor concentración de trabajos, realizando sus primeras fotografías sobre temas costumbristas enmarcados en la Barcelona de los 50. A su vez, da también paso a los retratos de artistas y personajes culturales, género que trabajará durante toda su carrera, como Joan Brossa, Chillida, Antonio Saura, Antoni Tàpies, Picasso, Julio Cortázar y otros mediáticos como el cantante Alejandro Sanz o la modelo Laura Ponte.
Como también lo fueron para Ramón Masats, las corridas de toros ocuparán parte de su producción. En ellas, el torero se convierte en un personaje anónimo cobrando importancia enfoques diferentes o sobre espectadores u objetos del ambiente taurino.

Igualmente, su último trabajo llamado Blancas, grises y negras, expuesto en la Galería Hartmann de Barcelona en 2008, queda recogido en este ejemplar, intentando explorar, una vez más, el trabajo de la luz a través de la fotografía de esta gama de tres colores. 

El libro está prologado por el escritor Eduardo Mendoza (Barcelona, 1943).

Leopoldo Pomés (Barcelona, 1931), se dio a conocer como fotógrafo en 1955 con una exposición en las Galerías Layetanas de Barcelona que llamó especialmente la atención en su momento. Colaboró en varios libros y proyectos cuyas imágenes se han conservado y expuestos en varias ocasiones.

Su faceta como publicista es la más conocida, en concreto sus anuncios televisivos para Freixenet y Gallina Blanca.  Su obra puede verse en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) y en MENAC de Barcelona.

*Esta información corresponde al gabinete de comunicación de La Fábrica y lo remite Judith Guerrero. La colección der PHotoBolsillo la dirige Chema Conesa, un excelente fotógrafo que trabaja en El Mundo, y la diseña Fernando Gutiérrez. Leopoldo Pomés es un hombre maravilloso e increíble. Soy un enamorado de su trabajo y estas navidades me ha mandado una foto de una de las mujeres hermosas que retrata: ésta, ’Elsa’, fechada en 1971. Fue un maravilloso e inesperado regalo. Lo he llamado varias veces y localizarlo por el móvil es casi imposible. Correré a comprar esta monografía de inmediato.

Desde mañana, martes 3 de febrero y hasta el 8 de marzo, la Casa de los Morlanes (plaza San Carlos, 4) de Zaragoza albergará la muestra fotográfica “La Zaragoza del Bicentenario”, que coordina el escritor, fotógrafo y director de cine José Antonio Duce. Es un homenaje a Los Sitios, en la que participarán 22  fotógrafos, de distintas edades, que pertenecen a la órbita de la Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza. Éste es el prólogo al catálogo de la muestra que me ha enviado José Antonio Duce, autor también de la foto enviada por la agencia Maszoom que aparece en este post. Duce es un estupendo amigo.

LA ZARAGOZA DEL BICENTENARIO

Por José Antonio DUCE

Eran los años setenta. Y la realidad se dibujaba en blanco y negro. Un pequeño grupo de amigos de la Sociedad Fotográfica de Zaragoza comenzaba entonces su particular peregrinaje por las calles y plazas de la vieja y moderna Zaragoza, que desfiló protagonista ante sus cámaras. Fotografías que son guardianas del pasado; testigos de un ayer, en muchas ocasiones, ya desaparecido.

De aquellos paseos matinales surgió la primera exposición  “Zaragoza calle a calle”, que tuvo su continuación en sucesivas ediciones, que se alargaron durante décadas, y que ahora en esta “Zaragoza del bicentenario” recuerda en imágenes los famosos “Sitios”. Una explosión de color para recordar su heroico pasado y el esplendente modernismo del presente, culminado por la visión diferente que aporta la nueva arquitectura de la Expo 2008. Entre unas imágenes  y otras  el río Ebro, “el más ancho y más hermoso” al que así cantaban los repatriados de las guerras coloniales. El Ebro que ahora ya no es frontera que separe a los arrabaleros con los cesaraugustanos de siempre, que hoy lo cruzan los zaragozanos de una y otra orilla por nuevos y hermosos puentes y pasarelas peatonales.

Como le ha ocurrido a la ciudad, aquel pequeño grupo inicial  ha ido cambiando y creciendo con las gentes de la hoy Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza. Fotógrafos que cultivan el Arte de la Luz mayoritariamente como afición. Diversos estilos, diversas formas de ver Zaragoza con sus luces matinales o nocturnas a lo largo de ese año emblemático que ha sido el 2008. Fotógrafos que han visto muchas lunas, veteranos en cien concursos y exposiciones, otros recién llegados pero con un indudable prestigio recién adquirido. Imposible citar a todos; pero permítanme resaltar lo que siempre ha sido una constante en el Grupo: la presencia femenina. En este caso con María Eugenia Sánchez de San Pío que ha trasplantado sus “Riflessi” a conocidas vistas zaragozanas, perfiles fluorescentes recreados por una ilimitada imaginación. También ha sido una constante la participación de algún fotógrafo foráneo, si en el pasado lo fue un americano, en este caso se ha incorporado de la vieja y querida Italia Daniele, con sus fotografías de bailarinas luces en las noches de la Expo.

No puedo dejar de citar al que ya es un valor reconocido, a pesar de su juventud, Alejandro Cortés. Con sus cuatro exposiciones individuales en poco más de un año es un autor internacionalmente reconocido. Y finalmente con sus solo quince años, Santiago Ansón. El más joven del grupo, con sus imágenes que no son sugerencia de sus veteranos compañeros y sí una obra coherente, propia de un artista en busca de un camino hacia la  belleza de lo cotidiano.

José Antonio Duce

José Antonio Melendo me manda -tras la ceremonia del Goya y la decepción de la elección de los académicos (al menos para mí: qué manera de rebajar la calidad del cine español, de volverlo unidireccional)-, está espléndida foto del palacio de la Aljafería, uno de mis edificios favoritos de Zaragoza. Así se acaba para mí la noche de hoy, con esta bella instantánea del maestro Melendo.

[Ayer se inauguraba en la sala de Caja Madrid, que coordina Sergio Sevilla, la muestra ‘El juego de la mujer’ del vanguardista ruso Alexandre Rodtchenko. Estuve viendo la exposición ayer por la tarde y es realmente deliciosa. Consta de 86 piezas que muestran el mundo de la mujer en Rusia y la audacia y la fuerza de composición de los retratos y reportajes de Rodtchenko. Éste es el texto que dedica a la muestra su comisasrio, Daniel Girardin.]

EL JUEGO DE LA MUJER

DE ALEXANDRE RODTCHENKO

Alexandre Rodtchenko es uno de los grandes artistas que más ha contribuido a hacer de la fotografía un arte mayor de la modernidad del siglo XX. Muy pronto se dio cuenta de su extraordinario potencial expresivo y por tanto sacó buen partido del espacio de búsqueda infinita que encierra la fotografía. Igualmente captó la importancia de su contenido ideológico, jugando con los múltiples sentidos y llevándolos hasta su última prolongación, el fotomontaje.

Sus preocupaciones formales están estrechamente ligadas desde el inicio de los años veinte a una búsqueda sobre la finalidad de la expresión artística en los más diversos campos, desde la pintura a la fotografía, del collage a la tipografía, del cine al teatro. Figura central y teórico del movimiento constructivista, después productivista, Rodtchenko ejerció una influencia considerable en toda la producción fotográfica de la vanguardia de Oriente y Occidente.

Desde 1924 y hasta finales de los años treinta, Rodtchenko se consagra únicamente a la fotografía. Tras sus preocupaciones sobre la forma se esconde una búsqueda de los sentidos, una auténtica estrategia de la imagen, que debió recusar desde 1931 delante de los críticos conjugados de la vanguardia y el régimen estalinista. El tránsito, en 1934, al “realismo social” en el que la creación visual no juega más que un papel secundario frente a la literatura y a los “ingenieros del alma”, pone fin a los sueños de institucionalización de una vanguardia que había puesto sus notables capacidades creativas al servicio de una utopía mortal.

El tema inédito de la mujer fue uno de los favoritos de Rodtchenko. Frente a una mera belleza plástica, la selección de estas fotografías permite aproximarse más a lo mejor de la vanguardia soviética, así como comprender mejor la evolución personal de Rotdchenko. El autor aborda la cuestión del papel—real o mítico—de las mujeres en el contexto político de la Rusia Soviética. Entre las teorías revolucionarias del amor libre y la realidad de las relaciones amorosas en la URSS de la época, se enmarca el suicidio del poeta Maïakovski, terrible y dramática metáfora del malentendido en el que la vanguardia artística se perdió.

Las mujeres artistas cercanas a los constructivistas, las que comparten la intimidad de Rodtchenko- su mujer Varvara Stepanova (a la que podemos ver en la foto) y Eugenia Lemberg—y aquellas que vemos  en su papel público son los tres temas presentados bajo el titulo 
de El Juego de la Mujer

Ya sean amigas íntimas o amantes, o elegidas por su ideología o habilidad artística, o  mujeres de la vida política y oficial, este es un juego manifiesto en las fotografías de Rodtchenko y nos permite captar el complejo destino del artista ruso en el devenir soviético.

Esta exposición ha sido producida por el Musée de l’Elysée y los Archivos Rodtchenko en  Moscú.

Daniel Girardin

Conservateur du Musée de l'Elysée

Estuve hace unos días en Barcelona, con mi hija Aloma, y vimos la exposición “Mujeres y monstruos” de Carlos Saura, la muestra más íntima del fotógrafo y cineasta. Tiene fotos extraordinarias: de Lali Ramón, de Anna, de Geraldine, de su hermana Ángeles, que coincidió allí; la entrevisté hace algúnos años en su casa de Madrid para ‘Heraldo’: es una mujer dulce, misteriosa y encantadora. Pero hay una que es mi favorita por encima de todas, no es la mejor probablemente, pero me gusta mucho. Me encantaría publicar un día un libro con esta foto de portada. Es una reproducción con la cámara de Aloma, no es la original, pero conserva una buena parte de su encanto.

Este viernes, el fotógrafo y escritor, y ahora director en solitario de Narrativas (durante muchos años lo hizo con Magda Díaz Morales, que sigue alimentando de maravillas y continuas sorpresas su blog), Carlos Manzano, me envía “algunas imágenes de Japón pertenecientes al reportaje que proyectaré en el Corte Inglés, en Ámbito Cultural, el próximo viernes”. Ésta se titula ‘Tokio Roppongi’, y hace pensar en una versión nipona de la Torre del Agua.

Voy a estar casi todo el día fuera. Dejo una fotografía del veneciano Fulvio Roiter, un maestro de la ilusión, de la composición, de la belleza. Inscrito en la corriente neorrealista, su obra respira sensibilidad, curiosidad por la vida y por los seres humanos. Esta pieza se titula 'El cartero'.

José Antonio Melendo tuvo tanto éxito con su pase de fotos en el Centro Antón García Abril del Actur, que la Sociedad Fotográfica de Zaragoza le ha invitado para que haga un nuevo pase. He aquí algunas fotos inéditas de la Expo. El sábado tuvo la delicadeza de estrenar su cámara retratando a los juveniles del Salvador y del Garrapinillos.

PHE.es entrevista a Eugenio Recuenco:

"Siempre me encanta improvisar"

En la obra de Eugenio Recuenco se mezclan el pop, el comic, la publicidad, la pintura y, por supuesto, el cine. De hecho su estilo ha sido definido en algunas ocasiones como “cinematográfico”.

Como buen fotógrafo de moda, la mujer ocupa un papel fundamental en su obra y todas sus atmósferas suelen tener un punto de irrealidad.

Combina unos buenos vestuarios con cuidados escenarios teatrales, lo que hace de él un fotógrafo con un estilo muy definido. Ver sus fotos, en algunas ocasiones, es como trasladarse a un cuento o a una película, siempre con una historia detrás.

Es uno de los fotógrafos favoritos entre muchos directores de arte y creativos de agencias de publicidad. Sus fotografías han recibido numerosos premios (entre ellos el V Premio ABC de fotografía por su obra “Concepción, Parto, Juego y Educación”) y ha trabajado con algunas de las marcas de moda más prestigiosas.

PHE- ¿Cómo te iniciaste en la fotografía de moda?

Eugenio Recuenco- Terminé Bellas Artes en la especialidad de pintura pero cursé todas las asignaturas posibles de Audiovisuales, al mismo tiempo que en mis cuadros iba incorporando fotos. Esas fotos fueron tomando fuerza y espacio en el cuadro. Poco a poco, sin darme cuenta, me estaba haciendo más fotógrafo. Al terminar Bellas Artes te enfrentas a un mercado, y ya que tienes que comer, pues elegí la moda porque la veía como más creativa.

PHE- ¿Qué fotógrafos han influido en tu carrera?

ER- Muchos conocidos y muchísimos desconocidos para mí. Sobre todo me han influido imágenes, que en muchos casos eran anónimos para mí. En mis inicios, y ya que venía de Bellas Artes, un referente fue Javier Vallhonrat.

PHE-¿Cuál es el desarrollo de tu proceso creativo? ¿Lo tienes todo estudiado o dejas algo de espacio para la improvisación?
ER- Preparo y estudio al máximo el tema y la historia de mis fotos. Luego, dos días antes, empiezo a olvidad casi todo y el día de la sesión intento ir con la cabeza lo más virgen posible y lo más despejada para poder agarrarme a cualquier cosa que ocurra en la sesión. Siempre me encanta improvisar. El trabajo anterior es un poco la red para no hacerte demasiado daño en caso de que no funcionen.

PHE- ¿Cuál de tus proyectos te ha dado mayor satisfacción?

ER- Todos en los que me he visto involucrado desde el primer momento de creación del concepto. Me horroriza la publicidad por lo encorsetada que está. Todo tiene que estar previsto de antemano y cuando te dan un boceto me quiero morir. Por eso siempre esas fotos son predecibles y la improvisación y el acto creativo el día de la sesión están muertos. Sólo queda técnica y la verdad es que no me sobra.

PHE- ¿Cuál es el tipo de fotografía que más te atrae?

ER- Diferencio fotos, no tipos. En las fotos como en la música, me gusta todo, si es bueno.

PHE- Cuéntanos sobre el anuncio de Loewe "Quizás, quizás, quizás" ¿Cómo surgió esa idea?

ER- La agencia de publicidad me presentó un boceto de la gráfica que querían. A partir de ahí nos inventamos una historia con un antes y un después de ese momento de la gráfica. De ahí surgió un spot de 45 segundos, que luego, aprovechando una sesión de fotos para el resto de la línea de baño, se convirtió en un corto de casi 4 minutos. Tuvimos que inventarnos el decorado y el hotel. Fue muy divertido.

PHE- En algunas ocasiones se han comparado tus fotografías con el cine ¿Cómo ves esta relación? ¿Te interesa el mundo del cine?

ER-No sé si mis fotos tienen que ver con el cine, pero estoy trabajando en 3 historias para hacer largos. Una trilogía. Un guión va bastante avanzado, casi terminado. Sólo falta lo más difícil, que es el dinero. De hecho estoy haciendo spots publicitarios y videoclips de música para ir cogiendo oficio.

PHE- Siguiendo con las semejanzas ¿Qué relación tiene tu fotografía con la pintura clásica?

ER- Creo que la luz. En los cuadros clásicos tenían un punto de luz que iluminaba la escena. Yo suelo utilizar en muchos casos lo mismo. Un punto luminoso, dos al máximo. Casi nunca utilizo luces de contra ni tampoco relleno las sombras, que dan una sensación más fotográfica. Si a eso le añades un decorado antiguo, pues la semejanza es grande.

PHE- ¿Cómo funciona tu estudio? ¿Cuánta gente forma parte de tu equipo?

ER- En mi estudio hay tres personas fijas, dos para todas la posproducción de mis fotos y otra más para el tema de montaje de vídeo. Además tengo al lado a Eric Dover y todo su equipo con el que diseño los escenarios, la puesta en escena.

PHE- ¿Podrías recomendarnos algún fotógrafo de moda (clásico o actual)?

ER- Me gusta mucho Steven Klein y Meisel. La luz de Javier Vallhonrat y la puesta en escena de Tim Walter.

PHE- ¿En que estás trabajando ahora? ¿Cuál será tu próximo proyecto?
ER- Fotos y fotos. Y como ilusión, hacer las películas que tengo en mi cabeza. Creo que se puede hacer cine bueno y barato. Estoy terminando 2 videoclips y preparando otro más. Además en junio se estrena la ópera de Les Hugonotes en Nueva York y estoy encargado de realizar la puesta en escena. Es todo en lo que estoy trabajando. A nivel fotografía tengo en mente poder terminar la serie “Sueños” y hacer realidad los dos proyectos de fotoinstalación (Naufragio y Paraíso) El único problema: el tiempo.

*Recibo esta entrevista al gran fotógrafo Eugenio Recuenco, un maestro de la puesta en escena, de la creación de atmósferas, de la foto con anécdota y cuento, y la cuelgo en el blog. Pertenece al gabinete de comunicación de PhotoEspaña y de La Fábrica.

José Antonio Melendo es un fotógrafo que siempre busca los mejores modelos. Acaba de ponerme una pequeña nota y me dice que se ha comprado este juguete de Canon.

Buscaba una foto inconcreta de Edward Steichen, un retrato de un escritor, y no lo encontré. En ese breve paseo he encontrado esta estupenda foto de Julianne Moore, realizada por Michael Thompson, en la que recrea un famoso cuadro.

Horst P. Horst es autor de una maravillosa foto de un corsé blanco que se ha utilizado en varias ocasiones como portada de libros, entre ellos en uno de Javier Marías. En 1943, realizó esta delicada instantánea de un corsé negro, esculpido en un cuerpo hermoso dibujado de sensualidad y de luz.

Buscaba algunas fotos de Annie Leibovitz y me encontré esta pequeña perla: Pedro Almodóvar y Penélope Cruz. Él es el dueño de El Havana y ella su mejor estrella. Una buena muestra de la composición, del glamur y de la puesta en escena de al fotógrafa norteamericana.

[Ana Briongos, la viajera incansable, escribe: "Entrad en mi blog http://pasionviajera.blogspot.com/ y disfrutad de las fotos más sorprendentes. Las tomó el primer fotógrafo que hubo en Irán, el propio rey Nasser od-Din". El texto que sigue es suyo.]

Estas son algunas fotos tomadas por el rey iraní Nasser od-Din (1848/1896), de la dinastía Qajar, en su harén. Sus esposas y concubinas lucen unas faldas cortas parecidas a los tutús que vió el rey en los ballets de París. A su regreso a Irán, dicen los que han estudiado esa época, el shah introdujo la nueva moda entre las mujeres de su harén. Moda, por otra parte, que no trascendió a la población y que solo él fotografió. Cuando se abrieron los archivos fotográficos del Palacio Golestán de Teherán, apareció este tesoro de imágenes extraordinarias. Nasser od-Din Shah era un gran aficionado a la fotografía. Sus viajes a Europa le convirtieron en un admirador de los avances tecnológicos que allí se producían.

La favorita del rey, Anis al-Doleh tocaba el armonium que su esposo le había traído de Europa.

En la foto aparece ella misma en posición reclinada. Las cejas unidas eran un signo de belleza en la época Qajar. Hoy en día hay modernas muchachas iraníes que recuperan aquella estética y se muestran hermosas y cejijuntas.

PHotoBolsillo presenta un nuevo volumen de la colección 10 años, los 70 mejores fotógrafos españoles que tiene como protagonista a Gonzalo Juanes, un adelantado a su tiempo al introducir el color en plenos años 60. Setenta y cuatro imágenes configuran el monográfico.

Gonzalo Juanes apostó por el color en unos años teñidos de gris. Su técnica, revolucionaria entonces, giró alrededor de la idea que la fotografía española de los años 50 debía dejarse influenciar por los aires de renovación que venían de fuera.

Su miradas personal, la solidez en su técnica y sus influencias extranjeras en su tratamiento de la luz así como en sus temas y enfoques, fueron muy elogiados.

En sus fotografías de temática social destacan especialmente los paisajes mineros asturianos, habitantes de pequeñas localidades de la zona noreste asturiana, celebraciones, escolares, rincones de su ciudad natal y ambientes de la capital, dejando para el final instantáneas sobre su vida personal, como fotografías de sus padres, esquinas de su casa y de su estancia en el hospital.

José Manuel Navia, fotógrafo asociado a la agencia Vu y fiel conocedor del trabajo y de la trayectoria de Gonzalo Juanes, se encarga en el prólogo de presentar al fotógrafo con un breve texto de profunda admiración y respeto por todo lo que supuso para la fotografía.

Gonzalo Juanes (Gijón, 1923) fue un fotógrafo autodidacta adelantado a su época. Formó parte del Grupo Afal (Agrupación Fotográfica Almeriense) junto a otras reconocidas personalidades como Oriol Maspons, Gabriel Cualladó o Ramón Masats. La temática de su obra fue variada, centrándose en los paisajes mineros y sus habitantes asturianos, escolares, rincones de Gijón o las calles de Madrid.

PHotoBolsillo es una colección editada por La Fábrica que se publica desde 1998. Dirigida por Chema Conesa, esta biblioteca de fotógrafos españoles, se dirige tanto al fotógrafo profesional como a todos los aficionados.

[Esta información corresponde al gabinete de prensa de La Fábrica. Gonzalo Juanes expondrá próximamente en la galería de la FNAC de Zaragoza. Esta foto pertenece a la muestra itinerante El color de una vida, y se titula sencillamente ‘Gijón 1966’]

Desde el oscense Loarre al turolense Maestrazgo con un  FELIZ AÑO NUEVO.

Patricio Julve

*[No estoy seguro del todo, pero esta foto de Mirambel parece de Patricio Julve. Un historiador de la fotografía recuerda que también podría ser de José Antonio Duce, que realizó espléndidos reportajes de la zona en varias épocas, pero especialmente en 1977. En cualquier paso, en contra de lo que se decía por ahí, parece más que probable que Duce y Julve se hayan conocido y que hayan compartido alguna sesión fotográfica.]

"Bien podría ser aquella Violante de Luna,  abadesa de Trasobares, que tanto había pecado en vida."

[José Antonio Duce me envía esta foto del castillo de Loarre y entresaca de Fotografías veladas este fragmento. Gustoso coloco aquí esta foto, y os deseo a todos los visitantes del blog y amigos una bella noche y un venturoso 2009 con menos guerras, más poesía, locas pasiones, y toda la alegría y la creatividad posibles. Y si hay salud y un poco de dinero, y menos crisis, mejor.]

Tu Patricio Julve y Loarre me traen muchísimos recuerdos.  Conocí Loarre de la mano de Joaquín Gil Marraco que lo fotografió en numerosas ocasiones y publicó un fascículo con sus fotos editado en los años sesenta por CAZAR, mucho antes que Durán Gudiol.  De aquellos años son mis primeras fotos del castillo.  Años después, en 1987,  se me ocurrió proponer al Hermano Mayor de la Cofradía de la Entrada de Jesús en Jerusalén el realizar un concurso fotográfico sobre el tema  "La entrada de Jesús en ... LOARRE" .  Se contó con la colaboración del Pueblo Hebreo y de los Romanos, ambos de la semana santa zaragozana. Y dicho y hecho. Un domingo dos autobuses en ruta a Loarre.  Vestuario y preparación de la escena. Lo más difícil fue el encontrar una borrica para el seudo Jesús.  Nos la facilitó un labrador de Casetas y la trasladamos en una furgoneta DSKV hasta el castillo. Lo curioso, según nos informó el propietario, fue que la burra que se llamaba Antonia no trabajaba ni se movía si no se le daba un trago de vino en bota, lo cual comprobamos  sobre el terreno.  Más de mil fotografías y un excelente día de convivencia que culmino días después con el fallo del Concurso, que fue todo un éxito. Yo participé fuera de concurso ya que me correspondió presidir el jurado calificado. Te adjunto dos de mis fotos de aquel día.

*Una de las fotos de José Antonio Duce, que realizó en el castillo de Loarre.

Hace tres o cuatro semanas conocí a Juan Gelman en Madrid, y hace unos días me llegó Gotán y otras cuestiones. Poesía I (1956-1962), que ha publicado Jesús Visor en el año en que su editorial cumple 40 años. Hay muchos poemas que me han gustado mucho. Gelman mezcla como pocos la realidad más cotidiana con técnicas vanguardistas y un lenguaje muy personal, pero me quedo con dos especialmente, debido a que estos días ando dándole vueltas a las fotografías a raíz de mi libro Fotografías veladas. Javier  Vázquez que invitó a su programa, e intervine después de que Gonzalo de la Figuera recomendase a Josele Santiago, Albert Pla y Corcobado. Ambas piezas pertenecen al libro Velorio del solo, fechado en 1961.

FOTO

En la fotografía que tus ojos vuelven dulce

hay tu rostro de perfil, tu boca, tus cabellos,

pero cuando vibrábamos de amor

bajo el oleaje de la noche y el clamor de la ciudad

tu rostro es una tierra siempre desconocida

y esa fotografía el olvido, otra cosa.

FOTOGRAFÍAS

Mirando en viejas fotos mi rostro en que no estás,

la mejilla en que no estás como dolor, olvido,

pienso que harán en China ahora

con tanta tristeza como se me caía,

o crecerá como otro otoño humano

lleno de oros, de dulzura,

con un fuego en el medio como tu nombre, o sea

como cuando encontré la justicia en el mundo

y era como tu rostro,

mejor dicho, te amo.

[El motivo de la ilustración es del fotógrafo, ilustrador y pintor Raoul Hausmann, que nació en Viena en 1886 y murió en Limoges en 1971, y perteneció al círculo dadaísta, fue uno de los fundadores del movimiento en Berlín. Vivió durante siete con Hannah Höch, con quien realizó sus primeros montajes fotográficos, y a mediados de los años 30 se estableció en Ibiza. Posteriormente, residiría en Zurich, Praga, París, y en 1944 fijó su residencia definitiva en Limoges. Fue un creador muy completo: pintor y tipógrafo, fotomontador, creador de moda y bailarín, fotógrafo, escritor… El Palacio de Sástago ofrece una vasta selección de su obra, y entre ellas, en una sala interior, se expone esta pieza.]

Ayer hablé mucho de la fotógrafa Sarah Moon con Gonzalo de Diego. Encuentro esta estupenda foto y aquí la dejo. No sé cuándo volveré a poner fotos.

JOSÉ ANTONIO MELENDO

EL CAZADOR DE INSTANTES DEFINITIVOS

Fue Javier Torres, ese hombre que está siempre en el camino con su camión, sus teléfonos móviles y su cámara digital, quien me habló por primera vez de José Antonio Melendo. Tienes que conocer sus fotos, tienes que conocerlo a él, me dijo. Melendo, con su timidez infinita y su opulenta humanidad a cuestas, me mostró algunas piezas: parecía haber inventado, a orillas del Canal Imperial, una Zaragoza nocturna de cine negro. Poco después acudió a Albarracín a impartir clases de fotografía digital: despacioso, con su aparente lentitud, sedujo a todos los alumnos. Les enseñó a captar los lienzos pintados, las murallas, el cauce del río Guadalaviar, el imponente celaje que se vierte sobre el pueblo con sus pájaros de nubes. Pero, sobre todo, les enseñó a mirar: a tantear los ángulos, a componer, a contemplar el paisaje y los tejados como si acabasen de irrumpir como una ciudad sumergida. Poco más tarde, José Antonio Melendo se revelaba como un fotógrafo imprescindible: estaba en todas partes, iba de aquí para allá, miraba siempre entre la multitud, en una presentación, en una representación teatral, en un concierto de música. Y la novela visual de cada día se instalaba en su blog, tan necesario. Melendo tenía una doble vida: hacía fotos de bodas, y quizá de comuniones y bautizos, y hacía foto artística y de reportaje con verdadero afán. Con la obstinación de un francotirador.

El momento culminante de su trayectoria fue durante la Expo. Había probado cámaras, había probado luces naturales, se había preparado a fondo para la gran cita. Quería que nada le pasase inadvertido: quería ser un hombre de acción desde detrás del objetivo. Lo captó casi todo, antes, durante y después: se asomó al gran sueño en sus vísperas, arracimó sus resplandores y su arquitectura, compuso el poema visual que se avecinaba. Y luego, sigiloso y hombrón, con sus toneladas de pudor, lo atrapó todo: la magia del atardecer, los desfiles, las puestas en escena, la belleza inefable de los edificios durante la noche, los rostros fugitivos que él tornó inmortales, captó y capturó la noche inolvidable en que Zaragoza parecía un hechizo futurista. Se atrevió a ver de otro modo. Se atrevió a sentir la Expo, a sentir la fotografía hasta el tuétano del alma y del ojo. Y he aquí el resultado: imágenes que hablan por sí solas, imágenes rebosantes de contraste, de beldad, de fuego íntimo, imágenes y seres que van y vienen nimbados de felicidad y de asombro. Imágenes que evocan el fulgor definitivo de una aventura colectiva que a todos nos abrazó y que aún nos abraza en cada una de las instantáneas de José Antonio Melendo, el cazador de instantes definitivos. El cazador que mira como si nadie hubiese mirado antes.

[José Antonio Melendo ofrecerá el lunes, en el Centro Cultural del Actur de Ibercaja, una conferencia-proyección sobre sus fotos de la Expo.]

IBERCAJA ACTUR EXHIBE LAS FOTOGRAFÍAS  DE LA EXPOSICIÓN INTERNACIONAL  ZARAGOZA 2008

·       El próximo lunes, 15 de diciembre, tendrá lugar una conferencia- proyección impartida por el fotógrafo José Antonio Melendo

ZARAGOZA, 12 de diciembre de 2008.- El próximo lunes, 15 de diciembre, tendrá lugar un conferencia – proyección, en Ibercaja Actur (C/ Antón García Abril, 1), titulada  “Fotografías de la Exposición Internacional Zaragoza 2008”. La actividad la impartirá el fotógrafo José Antonio Melendo, comenzará a las 19.30 horas y es de entrada libre.

En esta ocasión el fotógrafo realizará una proyección comentada sobre el trabajo  que ha realizado con motivo de la Expo Zaragoza 2008.  Durante la sesión  se visionará un muestra seleccionada de imágenes de gran formato, explicará las técnicas de cómo fueron tomadas las fotos y aclarará cualquier cuestión técnica que pueda surgir. Como el propio autor indica, en su trabajo ha aprovechado las ventajas que las páginas web 2.0 proporcionan en internet para promocionar la muestra en internet a través de su trabajo fotográfico. Debido a la gran dedicación de tiempo y trabajo que ha realizado durante los meses que ha durado el evento, el fotógrafo ha logrado reunir un amplio e interesante material que ha ido mostrando a diario en internet. Su trabajo permite contemplar imágenes desde un punto de vista alejado a lo que ya conocemos. Las fotografías han sido utilizadas  en distintos lugares, entre los que destacan la web del Banco Mundial, la web oficial de ExpoZaragoza, y la web de voluntarios de la Expo.

José Antonio Melendo, es miembro de la Sociedad Fotográfica de Zaragoza. Colabora realizando fotografías para la revista “Rolde de Estudios Aragoneses. Ha sido finalista del concurso de fotografía “Ciudad de Huesca”, en su pasada edición, y ha participado en la exposición “Tierras de frontera” y “Los años magníficos”, que se realizó con motivo del 75 aniversario del Real Zaragoza. Y además ha impartido talleres de fotografía en los Encuentros Literarios de Albarracín.

LA SUBASTA DE EXPO ZARAGOZA 2008, AL ALCANCE  

DE TODOS A TRAVÉS DE INTERNET

 Desde hoy, el catálogo con los artículos puede consultarse y descargarse a través de Internet

Los días de inspección, los visitantes encontrarán un punto de demostración del funcionamiento del sistema de subasta Webcast

La inspección de los lotes se realizará en las instalaciones de la Expo, en la entrada por el acceso al Acuario Fluvial (Avda. de Ranillas)

Zaragoza. Domingo, 23 de noviembre de 2008.- Finalizada la primera etapa de inventario y organización, la subasta de parte de los activos EXPO Zaragoza 2008 abre este próximo martes, 25 de noviembre, sus puertas a los ciudadanos con el inicio de la fase de inspección de los artículos que saldrán a subasta.

Desde las 10 de la mañana y hasta las 6 de la tarde, parte de las instalaciones que albergaron Expo Zaragoza 2008, cerradas desde la clausura del evento, abrirán sus puertas ininterrumpidamente para que a lo largo de los próximos días 25, 26 y 27 de noviembre todos los ciudadanos interesados puedan entrar a examinar los artículos que saldrán a subasta los días 28, 29 y 30 del presente mes.

Los asistentes recibirán en la entrada, por el acceso al Acuario Fluvial en la Avda. de Ranillas, un plano indicativo de los espacios habilitados para la inspección. Igualmente, todos los asistentes podrán adquirir la versión en papel del catálogo que describe la totalidad de los artículos e indica el día en que serán subastados. Este catálogo, que desde hoy puede también consultarse online y descargarse a través de la web: www.ferbossa-industriactiva.com, será, dado su imprescindible uso para guiarse en una subasta de estas dimensiones, de obligada compra para los participantes presenciales.

Los días de inspección también servirán para realizar inscripciones previas para la subasta presencial, en la mesa habilitada para tal efecto en el hall del Palacio de Congresos Expo (Recinto Expo). En el mismo hall los visitantes encontrarán un punto de demostración del funcionamiento del sistema de subasta Webcast. Esta segunda vía de participación en la subasta permitirá a todos los ciudadanos que no puedan desplazarse hasta las dependencias de Expo los días 28, 29 y 30 de noviembre pujar por Internet de forma segura y en tiempo real.

El sistema de inscripción para la participación online está ya en funcionamiento en la web www.ferbossa-industriactiva.com.

Ferbossa Hilco, la empresa adjudicataria del concurso y responsable de la gestión y realización de la subasta, dispone de “Webcast”, un sistema de retrasmisión en directo y a través de Internet que posibilita la participación en la subasta de forma “online”. Este sistema permite realizar pujas de manera segura, en tiempo real, y desde cualquier punto geográfico del planeta. Gracias a la retransmisión Webcast, los participantes por Internet pueden oír en directo todo lo que el subastador dice durante la subasta, pudiendo realizar sus pujas casi como si estuvieran presentes en la sala.

Durante los tres días que dura la subasta, la participación a través de Internet estará representada en la sala de subasta por personal de la organización, que es el que comunica en todo momento al subastador las pujas online recibidas a través de la red.

Para participar por Internet en la subasta de Expo Zaragoza 2008 hay que registrarse previamente a través de la página web www.ferbossa-industriactiva.  Para conocer el funcionamiento de una subasta WebCast, tan solo hay que seguir los sencillos pasos de ayuda que aparecen en la página web, aunque también existe una línea de atención telefónica llamando al 9021212 06.

Contacto:

Ferbossa Industriactiva, S.L.

Eva Rozalén

Directora de Marketing y Comunicación

Tel. 902 12 1206

Movil: 678 77 76 86

Atención medios de comunicación 

FERBOSSA-HILCO:

DUCAM COMUNICACIÓN

Vicky Planillo

976 - 21 41 60

669 - 60 86 36

[*José Antonio Melendo, en el Centro Cultural Antón García Abril del Actur, ofrecerá el día 15 de diciembre, a las 19.30, una charla-exposición, con power point y otros elementos, sobre sus fotos de la Expo. Melendo ha sido uno de los ojos esenciales de la Expo: estuvo allí a todas horas, casi como un ser ubicuo, y ésta es una buena oportunidad de contemplar su mirada y de saborear su talento, su constancia, su pasión por la ciudad. Ésta es una de las fotos que se verán en el Actur. Esta información pertenece al gabinete de prensa de la empresa que coordina las subastas.]

Flor Garduño es una fotógrafa mexicana nacida en 1957, que recién graduada de la Academia de San Carlos tuvo la fortuna de convertirse en la asistente del maestro Manuel Álvarez Bravo, experiencia que sería determinante en el rumbo que tomaría su obra. Sus fotografías forman parte de colecciones del MOMA de Nueva York, el Museo Getty de Los Angeles y el Stiftung fur Fotographie de Zurich, su trabajo ha sido exhibido en más de 40 museos alrededor del mundo, y desde 1985 ha publicado numerosos libros. Su fotografía está siempre salpicada de la cultura mexicana, ya sea por el uso de frutas, plantas, artesanías, el misticismo de la mujer mexicana, y latinoamericana, los paisajes, el arte autóctono, e incluso objetos de uso cotidiano. Se le considera una poeta-fotógrafa, y a título personal la considero la continuadora del legado de Álvarez Bravo, un legado al que ha sabido darle su toque personal, y ha llevado, y la ha llevado a nuevas fronteras.

*El pasado viernes, en la gran fiesta de los 25 años de Cálamo, mientras Berta de Bulevar entrevistaba a José Luis Rodríguez, muy recuperado de un par de sustos, me puse a hojear el catálogo que Lunwerg ha publicado del fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo, uno de los grandes, sin duda, vinculado al surrealismo, a las raíces mexicanas y a las fotos de desnudos. La que más me gustó fue una de la mecenas María Asúnsolo, toda una institución en México, muy bien retratada por María Izquierdo –una espléndida pintora, una mujer adelantada a su tiempo, una creadora libre…-; busqué una foto de ella, sin suerte, busqué esa foto del sabio Álvarez Bravo y no la encontré. Por puro azar, durante esa búsqueda encontré este desnudo de un fotógrafa magnífica, Flor Garduño, y esta nota en el dominio http://picasaweb.google.com.

En los años cincuenta, Català-Roca viajó sin descanso por España. A lomos de su vespa descubrió un país antiguo que empezaba a desperezarse. Durante más de veinte años, su retrato social produjo una colección asombrosa de imágenes inolvidables.

En 1956, a la edad de 34 años, Català-Roca era ya un reconocido fotógrafo que había expuesto su trabajo, obtenido premios y publicado sus imágenes en tres magníficos fotolibros -La Sagrada Familia, Barcelona y Madrid- además de un volumen de una colección de guías literarias ilustradas con fotografías de la editorial Destino. En diciembre de este año se editó en Barcelona el libro Cuenca que recogía 111 fotografías suyas que retrataban escenas cotidianas de gran valor documental de la capital manchega y pueblos de la provincia como Alarcón.

Medio siglo después, Cuenca. La versión de Català-Roca aporta una nueva mirada sobre esta mítica publicación. De la mano de Horacio Fernández, y con la colaboración de los hijos del fotógrafo, este libro muestra imágenes inéditas, así como otras muy conocidas que incluyen a personajes de la época como Domingo Ortega y Luis Miguel Dominguín, el ambiente opresivo de aquellos años y el choque entre tradición y modernidad.

Cuenca. La versión de Català-Roca incluye imágenes que aparecieron en el primer libro, realizado por encargo del editor José Manuel Lara, y pensado, principalmente, como itinerario turístico donde las fiestas religiosas, las corridas de toros, arquitecturas, pinares, llanuras, pueblos, iglesias y castillos eran los auténticos reclamos.

Esta edición de La Fábrica y la Fundación Antonio Saura, con prólogo de Horacio Fernández, contó con la ayuda de los hijos de Català-Roca, Andreu y Martí. En el libro se incluyen fotos inéditas de las excursiones conquenses realizadas en sucesivas ocasiones en las que la gente es el común denominador. Imágenes poco turísticas que regalan al lector un viaje en el tiempo.

La primera parte del libro contiene las imágenes que muestran más claramente el pasado: segadores cortando cereal en la Alcarria, labradores con mulas y arados, campesinos aventando cereal en la era, patios con mujeres trabajando y niñas correteando con las gallinas, carruajes en medio de páramos, leñadores, carpinteros, sacerdotes con sotanas de mil botones...

En el segundo bloque se descubren detalles del modo de vivir de las gentes de entonces como los mercados rurales con sus objetos y alimentos dispuestos en diferentes establecimientos, las celebraciones y los contrastes sociales en la vida urbanita, grupos de niños jugando en la calle o cuadrillas de amigos vestidos de domingo.

La tercera y última parte del libro muestra la decadencia y precariedad del medio rural en convivencia con las celebraciones religiosas o los toros, contrastes reales en el día a día de la vida rural de posguerra española fotografiadas en clave de romanticismo documental.

Algunos datos biográficos

Francesc Català Roca (Valls, Tarragona 1922-1998) es el fotógrafo español más representativo de los años cincuenta. Se inició muy joven en el mundo de la fotografía en el estudio fotográfico de su padre, Pere Català Pic, representante de la vanguardia fotográfica catalana. En 1947 abrió su propio estudio fotográfico, especializado en ilustración y fotografía industrial. En vida fue galardonado con la Cruz de Sant Jordi y la medalla de oro al Mérito Artístico del Ayuntamiento de Barcelona y el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura. Tras su muerte, han realizado retrospectivas de su obra instituciones como la Fundación Joan Miró (2000) y el Museo Reina Sofía (2003).

*Esta nota corresponde al equipo de comunicación y prensa que dirige Álvaro Matías. Soy un incondicional seguir de los proyectos de La Fábrica. Cuando el bolsillo alcanza, los compro siempre, especialmente la fotografía.

La paradójica historia del reportero cuyo valioso legado se ha incorporado al Archivo Municipal de Zaragoza

Gerardo Sancho (Navarrete del Río, 1911-Valencia, 2006) fue uno de los grandes reporteros de Zaragoza durante más de medio siglo. El Ayuntamiento de Zaragoza ha adquirido para el Archivo Municipal una colección de 3.000 fotos, 1800 suyas y más de 1.000 de otros artistas y de todas las épocas de su colección personal. Ángel Pérez, periodista y experto en protocolo, le atribuyó al fotógrafo “un ojo de cíclope”. De niño apenas era un andariego madrugador, que recorría hasta ocho kilómetros antes de ir al colegio para traerle leche a su hermana Silvina, cuando se percató de que no veía nada de un ojo. Quizá por ello nunca soñó con ser fotógrafo; además, cuando realizó la primera comunión vino un fotógrafo ambulante al pueblo y retrató a casi todo el mundo. Les decía a todos que estuviesen alerta a su cajón “que iba a salir el pajarito”, y éste no salió nunca. Tras previo pago, anunció que mandaría las fotos de inmediato. No llegaron nunca. Gerardo Sancho resumía así la experiencia: “De aquel sujeto nunca supimos nada: estafó no solo a mi familia, sino a todos el pueblo de Navarrete del Río”.

Años después, Gerardo dio muestras de su curiosidad: le gustaban las letras, leía ‘Corazón’ de D’Amicis y redactaba unos diarios de todo: de los juegos de la niñez, de los partidos de fútbol, de los paseos y de los secretos de la botillería de sus padres. En 1926, un tío suyo que trabajaba en Administración en HERALDO le buscó acomodo en el periódico y le dieron un puesto de fotógrafo. Jamás le dijo a nadie que no veía nada de un ojo. Y así, con aquel secreto en el cuerpo (“un fotógrafo, en el fondo, solo necesita un ojo”, pensé) inició su tarea de reportero para todo. Captó la vida cotidiana, los toros, aquellos majos como el ‘Tío Rana’ que esperaban el porvenir en el velador del café Royalty. Sus maestros, Marín Chivite y Martínez Gascón, le contaron que ocupaba el puesto que había dejado Lucas Cepero, asesinado en la plaza de Sas por un marido despechado en un asunto de faldas, y encomendaron al ‘Chaval’ sus primeras instantáneas: fútbol, toros, vistas de la ciudad, catástrofes, personajes. Uno de ellos fue el socialista Indalecio Prieto, al que retrató en Ejea en un mitin. Y a éste le sucedieron Ril Robles, Ascaso y Durruti, y ‘La Pasionaria’.

Antes de la Guerra Civil, Gerardo Sancho siguió el misterio de ‘La Casa del Duende’, y le reclamaban fotos de Londres y de Nueva York. Fue llamado a filas, y estuvo sucesivamente en Pontoneros, en Belchite, en el frente de Huesca. Recordaba: “En Gavín vi a un oficial republicano fallecido con unas botas nuevas y decidí quitárselas. Pero cuando empecé a tirar, se me soltaba también la pierna. Su cuerpo estaba medio descompuesto. Me impresionó tanto que jamás toqué a un difunto”. En cambio, sí tomó espectaculares y dramáticas fotos de la contienda.

Ingresó en ‘Amanecer’ y posteriormente en ‘El Noticiero’, y fue nombrado delegado de la agencia Europa Press. Gerardo Sancho –como otros compañeros: Marín Chivite, Emilio Lozano, Martínez Gascón, Luis Mompel o Calvo Pedrós, luego- estaba en todas partes, con un olfato especial: poseía visión artística y documental y sentido de la noticia. Decía: “Pienso como Robert Capa: si quieres sacar buenas fotos colócate cerca y permanece atento. Y eso he hecho”. Ante su objetivo desfilaron personajes como Eva Perón, Ernest Hemingway, Luis Miguel Dominguín, Sara Montiel, Carmen Amaya, Ramón J. Sender, y fue testigo de la evolución de la ciudad y de las grandes noticias: los muertos del correo de Teruel en 1966, el accidente del pozo de San Lázaro, los éxitos de ‘Los magníficos’ o el incendio del Corona de Aragón en 1979. Nada se le escapaba, nada le parecía irrelevante, y la mejor prueba es ese legado que su viuda Dolores Lafuente, Lolita, querría que se quedase en Zaragoza, la ciudad donde se erigió como un testigo imprescindible de cuanto pasaba, como un incansable cronista gráfico a pie de calle. 

*Este artículo ha aparecido hoy en Heraldo de Aragón. En la foto, Paquirri, El Cordobés y otro diestro [Había puesto Curro Romero, pero es evidente que no lo es: al escribir el nombre pensaba en Curro Vázquez; sí parece que sea Antoñete, como sugiere el amable anónimo y como afirma Rafael Castillejo. Gracias a ambos]. Gerardo Sancho fue un magnífico fotógrato taurino. Su mejor foto, además de algunas de Manolete, fue la de la terrible cogida de Jaime Ostos en Tarazona en 1963.

Hace días que quería colgar en el blog una foto de Patrick Demarchelier (Francia, 1943), uno de los más grandes fotógrafos de moda del momento. Esta pieza, que mezcla el sol y la luna sobre el mar, me ha parecido especialmente sugerente y poética.

De donde no se vuelve es el título de la exposición que el Museo Reina Sofía dedica a Alberto García–Alix y que se presentará mañana martes 4 de noviembre, a las 12:00 horas en el salón de actos Sabatini. Además del artista al acto acudirán el director del Museo, Manuel Borja-Villel, Alberto García –Alix y el comisario de la muestra Nicolás Combarro.  

 La muestra reúne obras realizadas entre 1976 y 2008 (gran parte de ellas nunca antes mostradas) donde se mezclan imágenes de diferentes épocas y formatos, atendiendo al testimonio fotográfico del propio artista. Además, se mostrará una narración visual que con el título De donde no se vuelve recoge el testimonio del autor en primera persona en el cual el artista emprende un viaje a través de la memoria para descifrar su particular universo fotográfico.

La organización de la muestra se basa en ciclos no cronológicos que pretenden que la comprensión del universo del fotógrafo emerja de la unión de todas las imágenes y no sólo de ellas en sí mismas. Las impresiones que resultan al contemplar las obras se mezclan con el testimonio en primera persona del autor, que narra con su propia voz la pieza audiovisual que da nombre a la muestra y que constituye el eje de la misma.

El vídeo supone la exploración de su mundo personal a partir de secuencias grabadas en diversos viajes a China, donde decide perderse para contar su historia. El espectador se ve envuelto en un traslado al pasado del artista y un regreso a su presente. Las fotografías de García-Alix penetran en los aspectos menos mediáticos de la agitación cultural del Madrid de los ochenta, al tiempo que retratan su entorno más inmediato, amigos, personajes de la época, paisajes de su vida… En la actualidad, su perfeccionamiento del retrato y la composición se ha convertido en una herramienta que se vuelca hacia su interior y que manifiesta la evolución del artista hacia posturas más abstractas y poéticas.

Con ocasión de la exposición, se ha editado un catálogo y se han organizado diversas actividades educativas en torno a García-Alix. Por otro lado, el 7 de noviembre tendrá lugar un encuentro con el artista donde el fotógrafo mantendrá una conversación con el comisario Nicolás Combarro, para abordar temas relacionados con la muestra y con su trayectoria. De donde no se vuelve estará abierta hasta el 16 de febrero.

Esta es la nota de prensa del Museo Reina Sofía. En 2005, durante su estancia en Albarracín, hablé brevemente con García-Alix. Estas son las notas que redacté entonces:

Alberto García-Alix (León, 1954) dice: “Más que la ‘movida madrileña’, he fotografiado mi propia movida, mi entorno. Al principio era más lúdico y fresco, pero cada vez soy más abstracto, quitas lo superfluo, que en el fondo siempre es un poco rococó, e intentas decir más con menos”.

García-Alix, contemporáneo del primer Almodóvar, de las explosiones musicales y pictóricas, asegura que “cada vez tienes más trampas. La fotografía es una trampa de ver más y con intención. El fotógrafo siempre toma la decisión de dónde y cómo mirar. Al principio era más virgen, aunque yo intento que todo lo que hago sea yo mismo. Todas las fotos de uno son autorretratos”. Afirma que, a pesar de lo que puedan sugerir sus fotos de cierta rudeza, marginalidad y dureza, “he tenido una vida de lujo, dichosa. Tengo buen corazón. No sé definir mis fotos, pero sí mi mirada: es una mirada frontal, no es amable, pero trato con gran dignidad a mis fotografiados. Soy solidario con ellos. Nuestro oficio implica una gran comprensión, y sólo llegas a la comprensión de los demás si te comprendes a ti mismo”.

Se declara admirador de Richard Avedon, Diane Arbus o William Klein, “de todos aquellos que te sorprenden o te llevan a conocer algo nuevo. Mi trabajo es sincero y honesto, aunque cada vez educas más el ojo que mira”. Allá donde va lleva su Leica de 35 mm. y su Hasselblad de 6 x 6. Alberto García-Alix recibió en 1999 el Premio Nacional de Fotografía. 

*Autorretrato de 2005 de Alberto García-Alix.

Bernard Plossu emplea una cámara Nikkormat de paso universal, que ya tiene más de 30 años, con un objetivo de 50 mm., el que más se parece al ojo humano. Va de aquí para allá en silencio, observando. No cree en el instante decisivo ni en el poder de la anécdota, construida con paradojas o con perplejidad. Bernard Plossu es el poeta de las atmósferas: el hombre que vive la fotografía como vive la vida. Como se vive un viaje interior, como se busca el poema de la piedra con su caligrafía enigmática, como se derraman los sentimientos. Plossu es un vitalista emprendedor y a la vez tiene algo de viajero inmóvil. Captura la luz, el cielo, las murallas, los espacios abiertos, el contraluz, y todo le interesa: un pájaro diminuto, la sombra alargada, una masa vegetal, un paisaje que se construye de súbito para su objetivo. Bernard Plossu ha sido el primer artista invitado al proyecto “Estancias creativas para fotógrafos” de la Fundación Santa María de Albarracín, proyecto que coordina el fotorreportero Gervasio Sánchez, y su visita ha cristalizado en un libro en blanco y negro, Albarracín, con fotos en distintos formatos, sobre este pueblo cubista que él define como “uno de los lugares más bellos del mundo”. Las fotos de Plossu tienen una magia íntima, un silencio casi espectral, un secreto preñado de emociones inefables. Las fotos de Plossu poseen suavidad, atemporalidad y reflejan la búsqueda de lo esencial. El artista, al captar la villa encajonada entre la montaña y el río, ha apostado por la sobriedad, por la piedra rumorosa, por el silencio. Albarracín es un libro de detalles y de gestos invisibles: el alma de las cosas está ahí y a veces, como en un delirio, asoma en los ojos de Bernard Plossu.

Alberto Sánchez (Zaragoza, 1943) lo ha sido, lo es, casi todo en el cine en Aragón junto a su hermano Julio, 21 meses más joven: espectador, proyectista, animador de forum, programador, creador de ciclos, realizador, cinéfilo, fotógrafo, hombre de cineclubes, autor de varios libros. Es esencialmente un hombre de imagen. Alberto representa la parte más pública de estos gemelos imperfectos, pero Julio ha trabajado denodamemente desde Tempo como en un aparente segundo plano. Anoche, en la SCIFE, ambos recibieron un homenaje de un montón de amigos, que condujeron José Antonio Aguilar y Toni Alarcón. Julio y Alberto son dos gemelos inexactos, ya digo, pero Julio es padre de dos mellizas.

En mi pequeña intervención, quise recordar estas tres anécdotas, que me contó un día Alberto Sánchez Millán y que están recogidas en el libro Vidas de cine.