Antón Castro

Hace unos días, el ilustrador Josema Carrasco me envió este dibujo de Pilar Bayona (Zaragoza, 1897-1979), la gran pianista zaragozana que falleció en diciembre de 1979, arrollada por un autobús, a la que le dedicó un artículo reciente en el blog. Apenas un mes atrás había ofrecido un intenso concierto en la CAI, en Independencia 10. Algunos pianistas han repetido el programa del recital a modo de homenaje, entre ellos, Adela Martín, quien, además, compuso una pieza en homenaje a la mujer que enamoró al joven Luis Buñuel.

Josema Carrasco ya ha terminado una nueva entrega de ‘Ciclocirco’, que se presentará en breve en Zaragoza, y es el autor del cartel del Festival de Jazz que se realiza en la sala Multiusos.

 Se cumplen 30 años de la muerte, por accidente, de la gran intérprete Pilar Bayona (1897-1979), que frecuentó la Residencia de Estudiantes y enamoró a un joven Luis Buñuel

Pilar Bayona (Zaragoza, 1897-1979) poseía una “insaciable curiosidad musical”, tal como escribió Federico Torralba, una absoluta pasión por la música y una memoria prodigiosa, que la llevaba a realizar conciertos incomparables, llenos de riesgo, de sutileza y de energía interpretativa. Perteneció a la Generación del 27, y tocó en la Residencia de Estudiantes, con Gerardo Diego y con Federico García Lorca; este, fascinado con su talento, le dedicó el ‘Llanto por Ignacio Sánchez Mejías’ con sumo afecto. Desarrolló, con tanto fervor como intensidad, una espléndida carrera sin renunciar nunca a residir en Zaragoza y a participar en la vida cultural de la ciudad a través de sus numerosos conciertos y de su vinculación con la Sociedad Filarmónica, el grupo ‘Sansueña’ y Radio Zaragoza, donde solía tocar con mucha frecuencia.

Pilar Bayona fue la pianista de Zaragoza por excelencia: cabe decir que optó por quedarse en su ciudad, por impartir clases en ella y en el Conservatorio de Pamplona. Visitaba, casi todos los días el Pilar, como un rito íntimo, con su hermana Carmen. Fue una mujer menuda y hermosa, de cabello rizado y rubio, que despertó diversas pasiones: desde Luis Buñuel, que estuvo enamorado de ella un año o dos, hasta José Camón Aznar, Luis García-Abrines o el periodista Manuel Casanova, director de HERALDO. Tenía la facultad, casi inconcebible, de atrapar la música al vuelo: la atrapaba, la retenía y luego la interpretaba con frescura y viveza como si hubiera estudiado horas y horas aquella literatura. Joaquín Turina la calificó como “maestra del decir, de sonoridades exquisitas”.

Se ha dicho una y mil veces que con Luis Galve y Eduardo del Pueyo formó esa trilogía de magníficos intérpretes de piano que ha dado el siglo XX en Aragón. Los tres eran muy distintos y grandes amigos: Del Pueyo fue un reconocido profesor desde Bruselas y un sólido pianista de Beethoven, entre otros; Luis Galve realizó una importante carrera profesional que le llevó a desplegar tres mil conciertos a lo largo de más de 60 países. Y Pilar lo hacía casi todo: deslumbraba con sus repertorios, igual tocaba con primor a Guridi, Granados, Esplá o Albéniz, a quienes grabó, que a Debussy, Cesar Frank o a Maurice Ravel, al que conoció y trató en Zaragoza.

El vuelo libre de la música

Nacida en Zaragoza en 1897, Pilar Bayona demostró muy pronto un talento especial hacia la música. Asistió a las clases de los hermanos José y Ángeles Sirvent y actuó, con cinco años, en un festival benéfico patrocinado por el monarca Alfonso XIII. Hizo su presentación a los diez años en el Teatro Principal con el cuarteto Ballo. Y a partir de ahí, con doce años, inició su carrera de concertista. Apostó por la música española contemporánea, muy especialmente, y realizó giras por distintas ciudades, sola o en compañía del violinista Manén. En la segunda década del siglo XX creció, perfeccionó su técnica y estableció numerosos vínculos con los compositores nacionales: desde Usandizaga a los Halffter, Mompou o Esplá, aunque tocaba a los rusos, a los impresionistas y a Mozart.

Algunos le dedicaron sus partituras y soñaron con que ella tocase sus obras. Actuó en Stuttgart y Berlín en 1924 y en 1928 estrenó el ‘Concierto valenciano’ de López Chávarri e incorporó a su repertorio al maestro Mingote. Poco a poco, iría cobrando fama y sería requerida por doquier: por fotógrafos, por los poetas del 27, entre ellos su paisano Tomás Seral Casal, por artistas (Sanz Lafita, Honorio García Condoy, Javier Ciria, Bayo Marín; después Guillermo o Paco Rallo), y estaría presente en la foto legendaria del grupo del 27 que rindió homenaje a Hernando Viñes.

Tras la Guerra Civil, continuará su quehacer: tocará en toda España, en distintos lugares de Francia, Portugal y Marruecos. Entrará en contacto con con el poeta y crítico de arte Juan Eduardo Cirlot, entonces músico y soldado en Zaragoza, que le dedicará dos composiciones y su libro ‘Pájaros tristes’, y con Julián Gállego, Alfonso Buñuel o Eduardo Fauquié, entre otros. Grabaría ‘Iberia’ de Albéniz, siete de las doce piezas, y dejaría en todos los foros una impresión de mujer de talento apabullante. Pilar Bayona fue una pianista apasionada, personalísima e incansable. Fue agasajada una y otra vez por su ciudad, con una calle, con el título de Hija Predilecta e incluso con el premio San Jorge.

En noviembre de 1979 dio su último concierto en el salón de actos de la CAI. Fue un recital vibrante, ya padecía escoliosis y andaba levemente encorvada. ¡Nadie lo habría dicho! Muy pocas semanas más tarde, al cruzar la calle, un coche se la llevó por delante y murió pocos días después. En 1981 Plácido Serrano recuperó algunas de sus grabaciones en un disco y en 2004 las Cortes de Aragón, en colaboración con el Archivo Pilar Bayona –que dirigen su sobrino Antonio Bayona y Julián Gómez-, organizó la muestra ‘Pilar Bayona. La pasión de la música’. El Auditorio de Zaragoza le rinde un homenaje con un ciclo que lleva su nombre y con un concierto internacional específico, cada trece de diciembre, que coincide con la fecha de su muerte. Este año se cumplen 30 años de su fatal accidente. 

*Esta foto de Pilar Bayona es de Dücker y pertenece al Archivo Pilar Bayona, que dirigen y sostienen Antonio Bayona y Julián Gómez.

Los Músicos de su Alteza graban en Francia, en Alpha,

un álbum monográfico de Joseph Ruiz Samaniego

‘La vida es sueño…’ es un ejercicio de riesgo artístico basado en las composiciones del maestro de capilla en Tarazona y el Pilar en el siglo XVII

La formación barroca Los Músicos de su Alteza acaba de publicar, con gran éxito de crítica en Francia, el álbum monográfico ‘La vida es sueño…’ (Alpha), dedicado a las composiciones del misterioso Joseph Ruiz Samaniego. Luis Antonio González Marín, investigador, clavicémbalo y director del grupo, dice: “De Ruiz Samaniego sabemos que trabajó como maestro de capilla en Tarazona, entre 1654 y 1660, y en El Pilar de Zaragoza, entre 1661 y 1670, el año de su muerte. Las obras que hemos grabado fueron compuestas e interpretadas en su tiempo en Zaragoza, en la antigua iglesia del Pilar. Son obras religiosas pero con textos en castellano, lo que se denominaba ‘villancicos’, y se dedican a diversas fiestas como la Navidad, el Corpus, la Expectación o el Pilar”.

Recuerda González Marín que tres de los villancicos grabados están dedicados a la Virgen del Pilar y tienen textos que hablan del Ebro (“Alados cantores // cisnes celestiales // que del Ebro los cristales // blandamente enfrentáis”, se dice en una pieza “nocturna y lunar”), de las grandezas de Zaragoza, en los que se mezclan elementos de poesía culta con “toques de gracia popular”. Las piezas, por lo regular, pertenecen a Vicente Sánchez, “un beneficiado del Pilar”, contemporáneo de Ruiz Samaniego. Añade González Marín: “Algunos textos son serios, más o menos inspirados, marcados por la retórica del siglo XVII y con imágenes poéticas propias del barroco. Otros están escritos con un sentido del humor que hoy no se contemplaría en ceremonias religiosas, como sucede en la jácara ‘Oigan en breve ensalada’, cuyo texto, compuesto en el estilo del habla de los matones, chulos y jaques de la época, cuenta la historia del nacimiento de Cristo de modo chusco, con dobles sentidos por todos los lados y, encima, construyendo el texto a base de enlazar títulos de comedias famosas del momento. De ahí el título del CD, ‘La vida es sueño’, que es el último que se cita en la jácara”.

La música de Ruiz Samaniego pertenece a ese rico y casi inagotable patrimonio musical de la Música Antigua y el Barroco Español. “Se atiene a las reglas del juego musical a mediados del siglo XVII: espectacularidad (la mayor parte de las obras son de gran aparato, a varios coros vocales e instrumentales), sorpresa, emoción y viveza. Ruiz Samaniego es un maestro en el uso de los recursos retóricos de la música, y así consigue que en el siglo XXI sus composiciones nos sigan conmoviendo”. Afina aún más en su retrato del compositor: “Joseph Ruiz Samaniego es un compositor con gran oficio, y además es inspirado: no sólo conoce y aplica (y viola a veces) a la perfección las reglas y las costumbres de la composición de aquel tiempo, sino que lo hace con sabiduría, talento y gracia. Tiene talento melódico, armonías audaces, y sabe conducir una composición hacia un clímax”. González Marín declara que tenía con Ruiz Samaniego una “especie de deuda sentimental porque fue el primer compositor antiguo del que transcribí música en el Archivo de Música de las Catedrales de Zaragoza. Comprobé que se trataba de música de gran nivel en todos los sentidos”.

Son varios los discos grabados por esta formación de Zaragoza, fundada en 1992. Sin ir más lejos, en 2006 grabaron un espléndido ‘Miserere’ de José de Nebra (1702-1768). Ahora acaban de dar un paso de gigante y han cosechado grandes elogios en Francia. “Este disco es importante para nosotros y para mí por varias razones. Primero: había llegado la hora de dedicar íntegramente un CD a Ruiz Samaniego, que se merecía un monográfico. Segundo: se trata de nuestro primer trabajo para Alpha, un sello muy prestigioso dentro del panorama discográfico actual, sobre todo en lo que atañe a la ‘música antigua’: grabar para el mismo sello en que graba, por ejemplo, Gustav Leonhardt es un privilegio y una responsabilidad. El que este trabajo haya sido avalado por Alpha es, en cierto modo, un reconocimiento a nuestro trabajo y al valor de la música de Joseph Ruiz Samaniego, lo cual me enorgullece doblemente”. ‘La vida es sueño’ es también el principio de una prometedora amistad: el próximo mes de noviembre el grupo de Zaragoza grabará en Alpha la ópera ‘Amor aumenta el valor’ del bilbilitano José de Nebra, que también será el protagonista de la grabación de 2010 con este sello francés que celebra ahora su primera década.

Esta formación de Los Músicos de su Alteza está integrada por dos coros de ocho miembros, entre tiples, altos y tenores, y por un conjunto instrumental de dieciséis músicos. El  CD incorpora un libreto con los textos en inglés, francés y castellano.

Me entero de la muerte de Mercedes Sosa, una maravillosa e intensa voz. El pasado viernes recordaba cuánto me impresionó y me emocionó su interpretación de ‘Alfonsina y el mar’, que es una de mis canciones favoritas. La vi varias veces, pero recuerdo una actuación en La Romareda, envuelta en un poncho, guarecida en su poncho indígena mientras evocaba el espíritu de Atahualpa Yupanqui y el magisterio de Violeta Parra. Tomo esta necrológica de una periodista sensacional de ‘El País’: Soledad Gallego. Estoy escribiendo un artículo sobre espías: pongo sus canciones en el spotify.

Soledad GALLEGO / El País

La Negra, la cantante folklorista de América Latina por excelencia, Mercedes Sosa, ha fallecido hoy domingo en una clínica de Buenos Aires, a los 74 años, víctima de una enfermedad hepática. Miles de seguidores en América Latina y en España (donde estuvo exiliada cuatro años durante la dictadura militar argentina) cantaron con ella su extraordinaria interpretación de Alfonsina y el mar, y otras zambas, chacareras, milongas y tonadas que popularizaron en los años 70 y 80 el folklore latinoamericano en todo el mundo y la convirtieron en una de las mejores y más famosas intérpretes del continente.

Su muerte ha sido acogida con dolor también en los medios rockeros y de música pop de América Latina, a los que siempre prestó su generoso apoyo y colaboración. Su relación con los músicos jóvenes argentinos fue constante: era ella la que les buscaba para ofrecerles incorporar algunas de sus canciones en los álbumes de música folklórica que iba produciendo (más de 40 a lo largo de su carrera). En su último álbum doble, Cantora, ya enferma, fueron muchos de esos músicos quienes se ofrecieron a cantar duetos con ella: Shakira, Fito Paéz, Charly García, Caetano, Soledad (la actriz de La promesa de sus ojos), Julieta Venegas, Drexter o los españoles Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina colaboraron para lanzar un disco que ahora está nominado como mejor álbum del año para los Grammys Latinos 2009. "La Negra era la mejor cantante de Argentina y la voz de América Latina", ha asegurado Fito Páez. Ella, sin embargo, rehusó siempre el apelativo de "la voz de América Latina", que le parecía excesivo.

Michelle Bachelet, presidenta de Chile, que se encontraba el viernes visitando precisamente el pueblo natal de la folclorista chilena Violeta Parra, expresó su cariño y su admiración por Mercedes Sosa y recordó la amistad que mantuvieron ambas cantantes. La Negra Sosa cantó insuperablemente algunos de los temas más famosos de Parra, entre ellos su Gracias a la vida. "Ella era, quizás, la voz más vigorosa de América Latina", lamentó Bachelet.

"Mercedes fue un ser bondadoso, sin ningún tipo de maldad y su presencia era una necesidad para todos los que actuamos o grabamos con ella", ha resumido el letrista Antonio Tarragó Ros, en nombre de los músicos argentinos.

Mercedes Sosa fue siempre una cantante comprometida con causas políticas y sociales. Formó parte de la bohemia que acompañó el folklore argentino en los años 70-80, el llamado Movimiento del Nuevo Cancionero, y participó en cuanta marcha, manifestación o encuentro hubo en esa época a favor de las comunidades indígenas, luchas sindicales o encuentros políticos sobre los derechos humanos. Durante un concierto celebrado al inicio de la dictadura militar fue detenida, junto con buena parte de su público. Al recobrar la libertad, marchó al exilio (España y Francia), de donde no regresaría definitivamente hasta la llegada del presidente Raúl Alfonsín y la democracia. En una reciente entrevista comentó aquellos momentos de intensa lucha política: "Antes, los sueños eran más radicales; perfectos. Ahora, se hace lo que se puede".

Viuda, con un hijo y dos nietas, Mercedes Sosa se distinguió por su magnífica voz, con registros de soprano y de una belleza muy singular, y su conexión con todas las grandes figuras del folklore latinoamericano, desde Atahualpa Yupanqui a Violeta Parra. Sus interpretaciones de la Cantata Suramericana o la Misa Criolla recibieron premios internacionales. Sin embargo ella siempre se consideró una "negra petisa (una mujer pobre, morena y pequeña), sin glamour, tal y como se refiere a mí la oligarquía de mi país". "Este es un país de negros", decía con ironía, "en el que todos son rubios".

En los últimos tiempos, cansada y enferma, aseguraba encontrarse feliz, rodeada de afecto. "Tengo suerte", decía, "...pero me ha costado mucho". La Negra Sosa luchó hasta el final por cumplir los objetivos del Manifiesto del Nuevo Cancionero que firmó en Mendoza, en 1964, cuando sólo tenía 28 años, y en el que se proponía renovar la canción argentina popular para conseguir que "se integre en la vida de todo el pueblo, expresando sus sueños, sus alegrías, sus luchas y sus esperanzas".

*Esta foto de Mercedes Sosa la realizó Wald Fulgenzi en su camerino.

Aloma Rodríguez y Eva Puyó –una morena y una rubia- han colgado esta foto de Amaral en su blog. Me habría encantado ir a uno de sus conciertos en el Teatro Principal, pero no compré a tiempo las entradas. Es un grupo que me encanta desde su primer álbum: Eva me pasó una de sus primeras maquetas cuando yo vivía en La Iglesuela del Cid y me acompañaban muchas noches en dirección a la villa del Maestrazgo. Recuerdo cuánto me impactaron temas como ‘Rosita’ o ‘Dile a la rabia’. He escuchado completo su disco ‘La barrera del sonido’, y algunas canciones suenan realmente maravillosas. La versión acústica de ‘Cómo hablar’ es una de las joyas. Y para mí también, en otra dirección, lo es la versión de ‘Concorde’. La he redescubierto aquí.

La historia musical de Montserrat Caballé empieza con su abuela, abandonada en un hospicio. Allí, las monjas le enseñaron francés, música y a tocar el piano. Ella enseñaría a su hija a tocar ese instrumento. Y ésta, a su vez, a partir de los ocho años, le enseñaría piano y solfeo a su hija Montserrat. “Me hizo entrar en el Conservatorio del Liceo de Barcelona –evoca-. Con doce años, el profesor de solfeo le dijo a mi madre: ‘Esta chica tiene que estudiar voz”. Montserrat Caballé se inclinaba por el piano y el violín. De cuando en cuando escuchaba cantar a las voces más jóvenes y se emocionaba. A los quince o dieciséis años ya le gustaba la ópera y albergaba un sueño inicial: pensó que podía hacer del canto una profesión para “ayudar a la familia porque éramos muy pobres”.

¿Recuerda el día que fue a ver y a oír a al Liceo a Kirsten Flagstad?

¡Cómo no! Los jóvenes que estudiábamos en el Conservatorio del Liceo teníamos la posibilidad de unos “pases de favor” para acceder al quinto piso y poder escuchar los cantantes que había en el teatro. Yo recuerdo que Kirsten Flagstad cantó en el Liceo. A mí me impresionó porque es la voz más grande que he escuchado a lo largo de toda mi carrera. Era una columna de voz de abajo arriba: era impresionante, una voz muy bonita, muy wagneriana.

-¿Quién más le iluminó el camino del canto?

-En el conservatorio tuve una profesora, Eugenia Kemeny, que era húngara y se había casado con un español. Me enseñó la técnica de la respiración y del canto. Aparte de ser atleta y de haber ganado medallas de carreras de fondo en su país por la gran respiración que poseía, era una cantante wagneriana; había cantado “La Valquiria”, “Tristán e Isolde”, etc.

-¿Le debe a ella la atracción que siempre ha tenido por Wagner?

        Me enseñó a amar a Wagner, es cierto, tal vez porque ella lo amaba mucho. Aunque yo no lo he cantado excesivamente, sí lo he cantado en todas partes del mundo. Al principio de mi carrera fui una mozartiana y una cantante de lieder, porque también tuve de profesora a una cantante de Cataluña, Conchita Badía, alumna de Granados y Falla,  que era espléndida para el líeder español y conocía los secretos de estos maestros que habían sido los suyos. Lógicamente, me enseñó mucho el lieder. Ella amaba también a Richard Strauss y Mozart. Bajo el influjo de las dos, Kemeny y Badía, me dirigí más hacia un repertorio germano. Empecé Fue años más tarde cuando empecé a cantar Puccini, Verdi, Bellini.

-O sea que tardó en optar por el bel canto…

Empecé como principiante en la Ópera de Basilea con ‘Salomé’, hace cincuenta y tres años, y después ya empecé a cantar otros compositores, pero el bel canto, por lo que dicen que soy famosa, no lo empecé hasta el año 64 o 65.  Pensaba que no sabría hacerlo. Las cantantes de bel canto a mí me parecían inalcanzables en aquella época. Estaban, justo cuando empezaba, las grandes lumbreras: María Callas, Renata Tebaldi, Renata Scotto, Marilyn Horne... Entonces también empezaba Mirella Freni, y me decía: “Tienes que cantar bel canto. Posees la voz adecuada”. Yo le decía: “Mirella, esto no lo sé hacer”. Ella añadía: “Si es lo mismo: es cantar bien”. Primero me especialicé en todo el repertorio alemán y más tarde entré en el verismo y en el romántico, que cuentan con compositores (Puccini, Verdi, Bellini, Donizetti…) que enamoran a la gente cuando los cantantes funcionan.

Se cumplen ahora 50 años de su debú en la Ópera de Viena.

       Es cierto Hace cincuenta años que debuté en la ópera de Viena con el ‘Don Giovanni’ de Mozart, la temporada 59-60. Después canté ‘Salomé’, canté ‘La Traviatta’, cnté ‘Pagliacci’ en la Ópera de  Viena…

Luego cantó una ópera como ‘Madame Butterfly’, vinculada al amor y a la leyenda de un beso. ¿Qué pasó?

        Esa sí que es una obra romántica. Además, en ella conocí a Bernabé Martí, mi esposo. Coincidimos primero en La Coruña y después en Barcelona, el ocho de diciembre de 1963. Me enamoré perdidamente de él; él dice que también de mí y yo creo que menos, pero, bueno, como dicen vulgarmente lo cacé. Me parecía un hombre tímido y lo comenté en el teatro, con el peluquero y con otros, y se ve que se lo dijeron. En la siguiente función me dio un beso al final del primer acto, un beso de verdad, y me dijo tonta. Esto fue el ocho de diciembre, nos separamos –en enero y febrero nos vimos muy poco- y el 24 de febrero vino a verme a Marsella, donde yo cantaba, desde París, donde cantaba él, y me pidió en matrimonio.

¿No fue todo deprisa deprisa?

El 28 de febrero nos prometimos, con el anillo que me pudo ofrecer en aquel momento, que lo he llevado siempre desde entonces, y nos casamos el 14 de agosto. Fue bastante rápido. Yo creo que nuestro matrimonio, que ya lleva 45 años, está muy consolidado por dos cosas: primero porque nos queremos mucho y después porque me ha dado toda la felicidad que un hombre puede dar a una mujer, creo, como esposa, como madre, como compañera... Ha sido mi columna y yo he procurado ser la suya. Tuvimos la inmensa suerte de tener dos hijos. Primero un chico y después una chica. A mí me habían diagnosticado imposibilidad de tener hijos porque decían que tenía matriz infantil y, como dice mi marido, “mira, tu matriz es infantil pero funciona muy bien, mira los niños qué guapos han salido”. Después ya no pude tener más. Hay que reconocer que el primero lo perdí en Buenos Aires. Quedé embarazada y fui a Buenos Aires.  Estábamos juntos, hacíamos la Manon Lescaut y en plena función en el Colón de Buenos Aires, sufrí unos dolores y el médico me hizo interrumpir la obra. Luego hice una doble sesión y me fui primero al hospital y después al hotel. Perdí el bebé que esperaba, estaba de dos meses y pico. Los médicos dijeron que ya nunca más…

Veo que no les hizo caso.

Me dijeron que esto había sido un aviso. La naturaleza tiene una fuerza increíble para algunos momentos y esto es lo que nos pasó. Verdaderamente, se lo aseguro, yo no cambiaría ni un minuto de mi vida con Bernabé Martí.

 Si tuviera que hacer un balance de estos 50 años.  ¿Cómo ve su carrera? Ha sido algo así como la heroína de las heroínas de la de la ópera con más de ochenta personajes.

        Sorprendente. Sorprendente la carrera de los dos. Hemos cogido todos los trenes que teníamos que coger cuando pasaban y tampoco entrábamos en batallas. Cuando hice por primera vez la ‘Aída’, me decía todo el mundo que no la hiciera porque era muy dramática. Y no digamos cuando canté ‘Norma’. ¡Cómo si aquello fuera un escándalo! Me preguntaban que cómo me atrevía a hacer ‘Norma’ Quien me dijo que tenía que hacer esa pieza fue Joan Sutherland. Me regaló su partitura con sus notas y me dijo: “Tienes que cantar Norma. Tienes que cantar lo que Bellini ha escrito, que es como un hilo de voz y tienes la voz ideal”. Eso era el año 68. En el 69 yo hice un concierto en París y María Callas, a la que ya conocía, me dijo lo mismo. Incluso me hizo cantar, recuerdo, en su casa de París unos pasajes. Estaba Bernabé conmigo y le dijo: “Cuida a tu mujer y que cante ‘Norma’, porque después de mí ella será Norma”.  Lo decía con sinceridad, convencida.

María Callas la nombró su sucesora, ¿no?

Pues, sí, lo hizo en entrevistas, en televisión, en sus grabaciones y en su libro. Sufrió mucho. Primero con su familia, después con su carrera y después con su vida personal. Su gran pena y tristeza fue perder el hijo que esperaba porque eso para ella era la gran ilusión: ser madre. Teníamos las dos un grave problema dental e íbamos al mismo dentista en Londres, Alexander.  En una de las llamadas me dijo: “Me voy a Grecia a descansar; necesito descansar todo el mes”. Yo le dije que me habían ofrecido el Nabucco con la Deustche Gramophon y que no me sentía con fuerzas para cantarla. “No lo cantes. Ni se te ocurra. Esto no es para tu voz. Eso es para voces rotas. Tú no tienes la voz rota y no te la quieres romper ¿verdad?”. ¡Los consejos eran de una amabilidad, de un cariño, de un afecto…! Además hay una cosa muy importante: tengo muchas fotos hechas con ella en momentos privados. La admiraba y la quería mucho porque me dio muy buenos consejos.    

¿Qué relación tiene usted con Zaragoza y con este Auditorio?

La relación que tengo con Zaragoza es de muchos años. Mi marido es aragonés, de Villarroya de la Sierra y se formó aquí en un principio. Hemos venido mucho y estoy muy agradecida a Zaragoza. Considero al Auditorio de Zaragoza como uno de los mejores. Conozco los auditorios del mundo entero y puedo juzgar plenamente. Este es un Auditorio donde el sonido no rebota: el sonido fluye, fluye y redondea, y eso es algo que no se fabrica, nace o no nace. Esto es lo mejor que hay para piano, para orquesta, para instrumentos, para voces, para todo. Aquí las grabaciones tienen que salir perfectas porque no hay una estridencia en ningún ángulo. El hecho de poder hacer aquí los ‘Master Class’ y el Concurso Internacional de Canto Montserrat Caballé me da una gran satisfacción. Me encanta enseñar y aprender a la vez. Ojalá podamos hacerlo muchos años porque es un auténtico honor. Cantar aquí es muy bello. Tengo que agradecer profundamente la ayuda que nos da desde el ayuntamiento y el director Miguel Ángel Tapia. Es como un sueño convertido en realidad, ¿me permite que diga esto?

-Por supuesto. La verdad no ofende.

Yo recuerdo que el director del teatro Colón de Buenos Aires me escribió una carta preciosa diciendo que nunca había estado en un lugar como este. Lo mismo me dijo la responsable del Metropolitan de Nueva York. Yo espero que Zaragoza comprenda la importancia del Concurso Internacional de Canto que trae a esta ciudad a cientos y miles de personas de 57 países, como este año, y tiene un gran eco internacional.

Zaragoza es candidata a capital cultural europea 2016. ¿Colaboraría en el apoyo a la candidatura?

Sin duda. Estaría dispuesta para todo como hice con la Expo. La ciudad está bellísima. De repente entras y todo parece un paseo, todo parece bello, todo parece limpio; creo que sería estupendo que Zaragoza fuera capital cultural europea. Sería una gran noticia.

EL CAJÓN DE OLVIDOS Y OTRAS INTIMIDADES

En 1965, tras cantar ‘Lucrecia Borgia’ de Donizetti en Nueva York, los críticos resumieron la actuación con esta frase: "Callas + Tenaldi = Montserrat Caballé”. Su voz destaca por su pureza, por su energía y por el control. Montserrat Caballé (Barcelona, 1933) posee una técnica magistral y un espléndido y luminoso sentido del matiz. Es una mujer que siempre está en el camino: lo mismo puede encarnar a Norma, Salomé, Violeta, la Mariscala, Semiramide o Isolda, cantar con Freddy Mercury o pasarse horas y horas estudiando partituras polvorientas o perdidas, las rescata y las difunde, como sucede ahora con Bellini. “Es cierto que me gusta desempolvar obras del cajón del olvido. Eso ya me lo enseñó mi maestra Conchita Badía. Me siento recompensada de haber hecho algo por el compositor porque no hay que olvidar una cosa: por muy bien que se cante, por muy bien que se represente, por muy bien que se sepa, el protagonista de la noche es el compositor. Tú estás al servicio del compositor. Él es el creador de la obra. Tienes que transmitir su mensaje, su sentimiento, la forma en la que él hizo nacer aquello para ofrecerlo al público y el público tiene que conocer a este señor a través de ti, tal vez, pero a través de la música. Lo que no puedes es hacer exhibiciones personales”.

Siente una especial veneración por la enseñanza. Le gusta compartir lo que sabe, enseñar las técnicas de respiración y el contagio de las emociones. Es una mujer de una especial suavidad, aunque a veces tiene fama de seca o distante. “Hay mucha gente que lo dice, pero creo que es inexacto. Una cosa es hablar, dar clases, dar confianza a la gente para que no tenga reparo, para que se sienta libre, y otra cosa es que penetren en tu interior. Una cosa es poder explicar lo que siento y entrar en mis sentimientos, como acabo de hacerlo; otra cosa es cuando quieren hurgar morbosamente en cosas que a veces pueden hacer daño; por ejemplo, hurgar en enfermedades. Yo he padecido varias, algunas graves y estoy aquí de milagro. Mi madre falleció de cáncer, mi padre también. Parte de mi familia  también. Contesto lo más educadamente posible pero no me regodeo en ello. Quizá sea eso”. Está en contra del exhibicionismo personal en la ópera y en la vida.

*Esta entrevista se publicó el domingo en 'Heraldo de Aragón'. La foto la he tomado de internet de la página de 20 minutos.

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La pianista Alicia de Larrocha ha muerto en Barcelona a los 86 años, según informó un portavoz del Hospital Quirón. De Larrocha estaba ingresada en este centro desde hacía unos días y murió a raíz de un «proceso cardiorrespiratorio» agravado por su edad.

Era la pianista de mayor proyección internacional del panorama musical español al atesorar, entre otros premios, dos Grammy, además de haber sido distinguida con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1994. Virtuosa de la música desde la más tierna infancia, de Larrocha, nacida en Barcelona en mayo de 1923, dio su primer concierto público a los seis años y a los once ya participó en su primer concierto oficial, con la Orquesta Sinfónica de Madrid.

Esta niña prodigio para la música fue descubierta por Frank Marshall, discípulo de Enrique Granados, que la llevó a iniciar su carrera como concertista en 1940, con escasos 17 años. En 1947, comenzó sus giras por Europa, donde actuó en las más importantes salas de las grandes ciudades de la época, y en 1955 dio el salto a Estados Unidos para celebrar nueve conciertos en California con la orquesta de Los Ángeles.

En los años 60, su carrera se acelera y llega a programar alrededor de 120 conciertos anuales en todo el mundo, sola o acompañada de orquesta, además de realizar cada año tres giras por diferentes ciudades de Estados Unidos. Esta vertiginosa carrera está a punto de verse truncada en 1968 cuando se lesiona un dedo con la puerta de un taxi, aunque consigue recuperarse.

Entre otros premios, de Larrocha estaba en posesión del título de «Mejor Artista del Mundo» (1977), de la medalla de oro del Spanish Institute de Nueva York (1980), del Premio Nacional de Música (1985) y del Premio de la Fundación Guerrero (1999), además de obtener dos Grammy: uno en 1989 a la mejor solista instrumental de música clásica por los Cuadernos de Iberia de Albéniz, y el segundo en 1994 por su interpretación en el disco «Goyescas».

En 1988 fue también nombrada académica electa de la sección de música y académica honoraria de la Real de Bellas Artes de San Fernando y en 1990 consiguió la primera medalla de honor de la recién constituida Fundación Albéniz. Tras recibir en 1993 el Premio Ondas a la mejor solista de música clásica, un año más tarde le fue concedido el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, y en junio del 95 obtuvo el Laurel del Consejo Internacional de la Música (CIM) de la Unesco.

En 1995 interpretó en Madrid el famoso «Concierto número dos», con motivo de la inauguración del «Ciclo Beethoven» de la Orquesta Sinfónica de Madrid, luego viajó a Tokio y después ofreció cuatro conciertos con la Filarmónica de Nueva York.

Alicia de Larrocha fue la única concertista española incluida en unas grabaciones con recopilaciones de los 74 mejores pianistas del siglo XX promovidas por diversas compañías discográficas.

Casada con el también pianista Juan Torra y madre de un hijo y una hija, se mantuvo activa hasta hace relativamente poco ya que emprendió un gira en 2000 por países de Sudamérica, ofreció un recital en Miami en 2001 y participó en varias actuaciones en 2002 en lugares tan emblemáticos como el Palau de la Música de Barcelona y la sala Carnegie Hall de Nueva York.

*He tomado esta información de varias agencias y periódicos. La foto pertenece a los archivos de la agencia EFE.

Montserrat Caballé se sienta cerca del piano y empieza a desgranar su vida. Detrás se ven distintos paneles del cuerpo humano, rostros, músculos y el aparato respiratorio. Sobre el suelo del escenario de la sala Luis Galve hay colchones y encima de cada uno una pesa. Montserrat disfruta enseñando, enseña a respirar, a modular, oye a los alumnos, está como iluminada ante ellos. La heroína de las heroínas se remansa en el laboratorio de sonidos ajenos. Cada sesión es como un contagio de ciencia de la voz y de la emoción. La misma que le transmitieron a ella Eugenia Kemény y Conchita Badía, que también le alumbró otro camino: el de la curiosidad, el de la búsqueda de partituras olvidadas, el del rescate de piezas enterradas en las bibliotecas o en los archivos. La soprano es una entusiasta de las obras completas de los compositores. Quiere saberlo todo: el anecdotario de cada pieza, los fuegos de inspiración, la armonía íntima de la música. Le apasionan por igual Wagner o los italianos, Verdi, Puccini, Bellini; debutó en Viena hace ahora 50 años. Poco después sucumbió al hechizo de un importante tenor: Bernabé Martí, natural de Villarroya de la Sierra. En ‘Madame Butterfly’, en A Coruña, se intercambiaron un beso nada teatral y allí empezó todo. “Él me llamó pesada. Al principio yo estaba más enamorada que él”, dice. También evoca a Maria Callas, a la que intentaba entender en las distancias cortas y en sus tragedias: la incapacidad de ser madre, el desamor, la soledad. Incluso compartían un dentista inglés, y Callas la designó su sucesora. Y luego asoma Zaragoza: sostiene que en el Auditorio “la música no rebota, fluye, se redondea”. Montserrat Caballé dice que apoya incondicionalmente a la ciudad –“está preciosa. Parece otra”- como capital cultural europea de 2016. Se ofrece: que cuenten con su canto.

Javier Mas vive un permanente sueño de hoteles y conciertos. Lleva desde los nueve años en el mundo de la música, desde que su padre le contagiase esa pasión. A esa edad debutó “como primera bandurria en una rondalla en el Principal”. Antes de los16 años ya cantaba canciones de Bob Dylan y Leonard Cohen que le llegaron a través de las voces de Joán Báez y Joni Mitchell. Desde entonces, la música ha sido el norte de su vida: ha trabajado con la bandurria y el laúd con multitud de artistas y ha desarrollado su inspiración con Joaquín Carbonell, con José Antonio Labordeta (“que me trató como a un hijo cuando era yo un poco rebelde”, dice), con La Bullonera, con Carlos Cano o con María del Mar Bonet. Durante un cuarto de siglo bebió del blues, de los aromas mediterráneos, de eso que años después se llamarían las músicas del mundo. Él, en el fondo, era un roquero de formación que se inclinaba hacia un folclore muy elaborado, como probó en ‘Tamiz’ o en ‘Mudéjar’. Un día, Alberto Manzano, traductor y biógrafo de Leonard Cohen, lo llamó para encargarle un proyecto sobre el cantante con músicos españoles. El resultado satisfizo a Cohen. Cuando volvió a las giras, una de las primeras cosas que hizo fue llamarlo. Ahora lo lleva a su lado, le habla de política, de religión, de los graves problemas del mundo (“a Leonard Cohen lo veo como un escritor y como un intelectual que ha escrito auténticas maravillas, y dice no sentirse músico”). Javier Mas (Zaragoza, 1952) ha cumplido uno de sus sueños de juventud. Tocar, arañar las cuerdas de sus instrumentos mientras el señor del sombrero (“a Cohen lo veo como una especie de Humphrey Bogart, con esa voz de cine que enloquece a las señoras”) se arrodilla ante él y le pide que toque y toque hasta el fin de la noche en cada concierto inolvidable.

*Este artículo apareció el jueves en ‘Artes & Letras’, en la sección ‘Fuegos y mareas’. Este jueves,  tras el descanso estival, ha regresado el suplemento con ocho páginas. En la foto, Leonard Cohen se arrodilla ante Javier Mas.

LEONARD COHEN: AUTOBOMBO

Por Raúl GAY

La primera vez que escuché a Leonard Cohen fue en una película, El tiempo de la felicidad. Una de las hijas estaba obsesionada con una canción suya, Bird on the wire, y no se soltaba de uno de sus LPs, Songs of Love and Hate.

Esto fue en verano de 1997; en septiembre me compré un recopilatorio suyo. Allí estaban incluidas todas las grandes canciones de su primera etapa: Suzanne, Sisters of Mercy, So long Marianne, Who by fire?... Durante meses recorrí una y otra vez la tienda de discos Linacero para compar aquel álbum de la película. Pero allí no aparecía la canción. Encontré otros recopilatorios, más centrados en sus últimos años. Por fin, un día me compré un disco en directo. Me costó 3.000 pesetas, una barbaridad para mi economía de aquel tiempo. Es de los pocos discos de mi adolescencia que todavía me acompañan.

Con el paso del tiempo, descubrí que sus discos de 1988 y 1993 eran soberbios, a pesar de haber cambiado la guitarra por el sintetizador. Antes de tener una conexión decente a internet ya paseaba con frecuencia por Leonard Cohen files, la web más completa sobre el artista. Allí descubrí con horror que había actuado en Zaragoza años atrás, y que no tenía planes de volver a la carretera. Internet me proporcionó también la posibilidad de descargarme directos suyos en diferentes momentos de su carrera. El fondo es perfecto: sigo sin entender por qué no los han editado de forma apropiada.

En 2001 publicó un nuevo álbum. Las fotografías mostraban a un Leonard Cohen delgado y canoso; también con una mirada llena de paz. Era un hombre de vuelta de todo, en el mejor sentido de la expresión. Ten new songs es un mal disco. Apenas un par de canciones soportan varias escuchan. Eran simplemente, diez canciones nuevas.

Un nefasto 23 de abril, la página web me dio una alegría. Había un disco y una gira en el horizonte. Lo tuve claro: si actuaba en Europa, iría a uno de sus conciertos.

Dear Heather resultó ser un álbum muy sólido. La voz era más grave que nunca y los arreglos no parecían música de feria.

En cuanto a la gira, tuve la oportunidad de verlo en Benicássim. Lo conté aquí hace algo más de un año.

Ayer vino a Zaragoza. Gracias a mi trabajo y a la generosidad de mis compañeros y jefes (cambios de turno, cobertura de temas en los que no trabajo...) pude entrevistar a su guitarrista. Se llama Javier Más, y es de Zaragoza. El tipo tiene unos cincuenta años y lleva toda la vida tocando para otros: Labordeta, La Bullonera, María del Mar Bonet...

En 2006 dirigió un disco tributo a Leonard Cohen. Poco después recibía una llamada suya, invitándole a acompañarle en su gira. Desde hace 18 meses toca la bandurria en su banda.

Aunque parezca increíble, es el principal instrumento. Las introducciones a las canciones son soberbias y arrancan los aplausos del público. En Europa y Estados Unidos se le ve como un exótico que se ha colado en la banda y su nombre aparece en todas las críticas que se escriben. Al principio del concierto, Cohen se arrodilla ate él; los medios de comunicació sólopueden grabar el primer tema, así que su fotografía aparece en numerosas ocasiones.

Después de entrevistarle, llegó el esperado momento. 3 horas y cuarto de bellas canciones, arreglos precisos y creativos y una banda que suena a la perfección, sin una mala nota o una entrada a destiempo.

Pero el problema de ser tan fan (y de tener el Live in London que grabó en esta misma gira) es que conocía a la perfección el orden de canciones. La sorpresa quedaba descartada. Aun así, fue un concierto inolvidable.

Pero quizá lo mejor -y, supongo, el fin de esta historia- ha llegado esta mañana.

A las 11 de la mañana he entrado en el hotel Palafox y he tenido la siguiente conversación con la recepcionista:

-Buenos días, mi nombre es Raúl y querría hacerme una fotografía con Leonard Cohen. ¿Ha abandonado ya el hotel?

-No, saldrá en una media hora. Pero no puede esperar aquí.

-Gracias, esperaré fuera.

Treinta minutos de nervios, frío y sudores después ha aparecido Javier Más. Nos hemos saludado, he elogiado su trabajo en el concierto y me ha preguntado por la pieza que ayer grabó Aragón TV. Salió en el informativo al tiempo que él comenzaba tocar los primeros acordes.

Su cara lo decía todo. He prometido enviársela por correo electrónico. Después, le he dicho que hoy venía como fan y que me gustaría hacerme una fotografía con Leonard Cohen.

-Tengo que comprar unas cosas. Cuando vuelva lo intento.

Al poco ha salido el artista. Hablando en inglés -y controlando mis nervios a flor de piel-, le he expresado mi deseo. Se ha mostrado muy amble y complaciente. De nuevo, he elogiado su trabajo y su "golden voice"; se ha reído y me ha dado las gracias muchas veces. Tiene razón Javier Más: Cohen es una persona cálida y humilde.

El encuentro ha durado lo justo para hacernos la foto y despedirnos. Él ha subido al autobús, y yo he esperado al guitarrista, para que me diese su email. Cohen, al ver que el autobús estaba vacío, ha vuelto a bajar, se me ha acercado y ha iniciado una conversación casual. Hemos hablado de mi inglés, de mi trabajo, de su gira, de Javier Más... Repito: un hombre amable. Tiene una voz calmada y profunda, cuesta imaginarle gritando o nervioso.

Entonces ha aparecido la mánager del hotel y Cohen ha hecho lo propio con ella. Ha firmado un par de discos (el mío incluido, el directo que compré el siglo pasado) y se ha quedado con mi nombre. Cuando ha vuelto Javier Más, le ha pedido que se hiciera una foto conmigo, pero él le ha cortado.

-Ya conozo a Raúl.

La cara del guitarrista era digna de ver.

Nos hemos deseado suerte y nos hemos despedido. Él ha partido hacia otra ciudad, yo he recorrido la mía con una sonrisa que no cabía en la acera.

*Conocí a Raúl Gay en un máster de periodismo de Heraldo de Aragón. Desde entonces, su carrera ha ido creciendo día a día. Ayer, con Teresa Lázaro en la realización y Juan de operador de cámara, grabamos a Javier Mas: él tres preguntas para informativos y yo algunas más para ‘Borradores’. Raúl es un apasionado de la cultura: de la cultura, de la música, de la literatura, y esta mañana ha logrado un sueño: hacerse una foto con Leonard Cohen, que ofreció un concierto maravilloso. En el diálogo, nos acompañaron Merche Julián y Chema Fernández, de Antípodas, y un par de amables empleadas del hotel Palafox. En su espléndido blog

 - http://viajeroaitaca.blogspot.com/-

Raúl Gay cuenta esta bella historia.

Enhorabuena Raúl. Eres un crack.

LEONARD COHEN

¿A quién le canta Leonard Cohen, ese intérprete, poeta y novelista nacido en Montreal en 1934, en el seno de una familia judía?

Quizá le cante a las estrellas lejanas, a las sombras del silencio, a los pliegues de los corazones solitarios. Las baladas de Leonard Cohen son un cántico grave, un suspiro sereno, una caricia de terciopelo. Sus canciones parecen salidas de un fondo oscuro, donde conviven el amor y el odio, la hondura y el desgarro, donde se intercambian la ironía y el delirio, donde se mezclan la rabia, la soledad y los rumores de la guerra.

Es un místico que canta, es un juglar que recita sin temor a la monotonía. Es un monje que invoca los placeres del mundo. Sus canciones ya son inolvidables, la banda sonora de lo más íntimo desde hace 40 años: ahí están ‘The partisan’, ‘I’m your man’, ‘Suzanne’, ‘Sisters of Mercy’, ‘So long Marianne’ o ‘Chelsea Hotel’, que recrean fragmentos y recuerdos de su propia existencia: el compromiso, la locura, la huida, hermosas mujeres, locas mujeres como Janis Joplin, a la que amó en el legendario hotel.

Hace más de una década, Leonard Cohen había insinuado que no volvería a realizar una gira. Lo hizo en 2008 para 700.000 espectadores de todo el mundo. Y grabó un disco inolvidable en directo: ‘Live in London’. Arruinado y traicionado, ha vuelto a hacerlo este verano. 

Leonard Cohen vino a España por vez primera en 1974. Ama el flamenco, adora a Enrique Morente y a Federico García Lorca, de quien interpretó ‘Take this waltz’. Este martes, lo veremos y lo oiremos en Zaragoza, en el Pabellón Príncipe Felipe.

Leonard Cohen tiene una voz penetrante como un escalofrío. Es uno de los grandes: alguien que canta al oído hasta el fin de la noche, alguien que musita con dulzura seca hasta que se rompe el amor.

Leonard Cohen. Con el aragonés Javier Mas, como director de bandurrias y guitarras. Pabellón Príncipe Felipe de Zaragoza. Martes, 15 de Septiembre. Apertura de puertas a las 19,30 h. Concierto a las 21:00 h.

Recibo este correo de Lourdes Ibarz, que anuncia el homenaje que se le rendirá al músico José Soler Casabón el próximo día 30 en la Sala Goya de Mequinenza:

En la Sala Goya de Mequinenza el próximo día 30 de agosto a las 7 de la tarde se celebrará un acto conmemorativo del 125º aniversario del nacimiento del músico mequinenzano José Soler Casabón, contemporáneo de Gargallo, Picasso... que estamos descubriendo gracias a la colaboración de Pierrete Gargallo, hija del escultor que, de pequeña, convivió con él.

La revista aragonesa Rolde publicó el artículo de Jordi Estruga i Estruga. El pdf se halla http://www.mequinensa.com/es/municipio/celebres/joseSolerCasabon.aspx

JOSÉ SOLER CASABON

HACE 125 años, José Soler Casabón —un relevante adelan-

tado de la música de su tiempo— nació en Mequinenza. Se

trata de un compositor que, a pesar de haber efectuado significativas

aportaciones musicales, es prácticamente un desconocido en su país.

Por este motivo, nuestro ayuntamiento creyó oportuno dedicarle el

presente homenaje.

José Soler Casabón, nació, el 31 de agosto de 1884, en el numero

1 de la calle de les Pedres del Poble vell. Era hijo de un comerciante

mequinenzano y de una maestra de Samper de Calanda. De niño

se trasladó a Barcelona donde, a los 15 o 16 años, ya componía

sonatas para violín y piano así como melodías en lengua catalana.

Además de compositor fue pianista y guitarrista pero, sobre todo, un

excelente violinista.

Marchó a Paris cuando contaba unos veinte años y allí participó activamente

en los movimientos vanguardistas galos. Amigo desde la infancia

del relevante escultor, Pablo Gargallo (autor de la escultura de

este programa), mantuvo en Francia estrechas relaciones con insignes

figuras del arte y de las letras: Picasso, Apollinaire, Reverdy, Gris,

Miró, Manolo, Llorens Artigas, Ruidobro, Princet, etc.

Su música figuró en importantes eventos culturales y artísticos así como

en distintos largometrajes. Fue en el año 1917 cuando el insigne poeta

Apollinaire, entusiasmado tras haber escuchado una composición

musical de nuestro músico —Soliloque—, interpretada en un evento en

el que el poeta participaba como conferenciante, le propuso escribir

la música para un ballet que había creado sobre uno de sus poemas:

Le musicien de Saint Merry, publicado en la obra titulada: Calligrammes.

Además de Soler Casabón, Apollinaire había previsto poder

contar, como colaboradores de la obra, con Picasso y Diaghiliev.

Dificultades del ballet de Diaghiliev a causa de la revolución rusa

de1917, la muerte de Apollinaire (1918), las repercusiones de las

tres contiendas bélicas (la española y las dos europeas) así como

sucesivos e inesperados cambios en la dirección de los grandes teatros

parisinos (años cuarenta y cincuenta del pasado siglo), fueron

obstáculos que impidieron su representación.

Hoy, por primera vez en España, se estrena en Mequinenza una pequeña

muestra de la música que formaba parte de este ballet. Aunque

limitado, no deja de ser un primer paso en la consecución del deseo

expresado por el reconocido musicólogo francés, Damien Top, en el

sentido de que, el ballet de Apollinaire con música de Soler Casabón:

“sigue ocupando un lugar en la lista de obras míticas

que hay que intentar resucitar”

Jordi Estruga

FA 125 anys, José Soler Casabón —un rellevant avançat de la música

del seu temps— va nàixer a Mequinensa. Es tracta d’un compositor

que, malgrat haver realitzat signifi catives aportacions musicals, és pràcticament

un desconegut al seu país. Per aquest motiu, el nostre ajuntament

va creure adient dedicar-li el present homenatge.

José Soler Casabón, va nàixer el 31 d’agost de 1884, al número 1 del

carrer de les Pedres, al Poble vell. Era fi ll d’un comerciant mequinensà i

d’una mestra de Samper de Calanda. D’infant es traslladà a Barcelona

on, als 15 o 16 anys, ja componia sonates per a violí i piano així com

melodies en llengua catalana. A més de compositor, fou pianista i guitarrista

i, molt especialment, un excel·lent violinista.

Viatjà a Paris als voltants dels 20 anys on va participar molt activament

en els moviments de l’avantguarda francesa. Amic d’infantesa del rellevant

escultor, Pablo Gargallo (autor de l’escultura d’aquest programa) va

mantenir a França estretes relacions amb insignes fi gures de l’art i de les

lletres: Picasso, Apollinaire, Reverdy, Gris, Miró, Manolo, Llorens Artigas,

Ruidobro, Princet, etc.

La seva musica fi gurà en importants esdeveniments culturals i artístics

així com en diferents fi lms francesos. Fou l’any 1917 quan, el reconegut

poeta Apollinaire, engrescat desprès d’haver escoltat una composició del

nostre músic —Solliloque—, interpretada en un acte cultural en el que el

poeta hi participava com a conferenciant, li va proposar d’escriure la

música per a un ballet que havia creat basant-se en un dels seus poemes:

Le musicien de Saint Merry, publicat a la seva obra: Calligrammes. A

més de Soler Casabón, Apollinaire havia previst que hi col·laboressin en

el ballet, Picasso i Diaghiliev.

Difi cultats del ballet de Diaghiliev, a l’haver esclatat la revolució russa del

1917, la mort d’Apollinaire (1918), les repercussions de les tres conteses

bèl·liques (l’espanyola i les dues europees), així com els successius i

inopinats canvis en la direcció dels grans teatres de Paris (anys quaranta

i cinquanta del passat segle), foren uns obstacles que impediren la seva

representació.

Avui, per primera vegada a Espanya, s’estrena a Mequinensa una petita

mostra de la musica d’aquest ballet. Encara que limitat, no deixa de ser

un primer pas vers a l’acompliment del desig expressat pel reconegut

musicòleg francès, Damien Top, en el sentit de que, el ballet d’Apollinaire

amb música de Soler Casabón:

“segueix ocupant un lloc en el llistat d’obres mítiques

que s’ha d’intentar ressuscitar”

Jordi Estruga

Nueva York (DPA) - El rockero estadounidense Willy DeVille murió de cáncer a los 55 años, informó hoy su mujer, Nina, a dpa en Nueva York.

El músico, conocido por sus baladas entre dulces y duras, falleció en un hospital de la ciudad en la noche del jueves. "Se fue en paz. Yo estaba a su lado", añadió su esposa. En junio la familia había anunciado que los médicos habían descubierto que el artista sufría cáncer de páncreas cuando iban a tratarlo de hepatitis C.

"Está bien. No tiene dolores y pasa el tiempo en casa con películas, música, tocando la guitarra y leyendo", señalaba entonces la página web del cantante, cuyo nombre real era William Borsay.

Su música era una mezcla de rock, ritmos latinos, blues, doo-wop, cajún, créole, mariachi y country, mientras que sus letras están llenas de romanticismo. En 1974 fundó en San Francisco la banda Mink DeVille, que le dio fama mundial. Su álbum debut, Cabretta, fue muy bien recibido por la escena musical en 1977.

La revista de rock Rolling Stone eligió el disco mejor álbum del año. DeVille convenció a los miembros de la banda para que se mudaran a Nueva York y se convirtieran en el grupo estable del club punk CBGB. En 1977 se hicieron famosos con su hit Spanish Stroll y hasta mediados de los 80 editaron una serie de álbumes de éxito.

Nacido el 25 de agosto de 1950 en Stamford, en el estado de Nueva York, entre sus hits más conocidos figuran Hey Joe, cantada también por Jimi Hendrix, Save The Last Dance For Me y Cadillac Walk.

"La música es mi vida. Es lo único que sé hacer", dijo alguna vez. Luego Willy se hizo solista y se trasladó a Nueva Orleans. Ha tocado entre otros con Van Morrison, Bruce Springsteen, Southside Johnny, Brenda Lee, Tom Waits y Los Lobos.

Su vida privada no fue fácil: dos de sus parejas murieron, y luchó durante años contra su adicción a la heroína y el alcohol.

Más tarde se pasó a la música rythm and blues, el soul y la salsa, dos estilos muy presentes en sus últimos trabajos discográficos, Crow Jane Alley (2004) y Pistola (2008).

DeVille siempre se declaró un gran amante de Francia, donde conoció a Edith Piaf y grabó parte de su disco El Gato Azul en 1980.

*La redacción de la noticia corresponde a la agencia internacional DPA.

Ayer por la mañana, tras hablar con Ainhoa Camino, me fui a Formigal. Tenía una comida y una entrevista con el director de Pirineos Sur, Luis Calvo. Me gusta mucho salir hacia el corazón de las montañas con tranquilidad, con tiempo: habíamos quedado a las tres y salí de Zaragoza hacia las doce y cuarto. En el coche, además de la voz de David Marqueta y de Mónica Farré, llevaba ‘La piel de Sara’ de Javier Ruibal y el último disco de Marianne Faifhfull, entre otros. Ruibal me dedicó ese álbum poco después del nacimiento de mi hija Sara. Me dijo: “La canción que da título al disco cuenta la historia de una prostituta pero es una historia tierna”. Narra la vida de un mujer, con ojos de color candela y esas cinturas que hacen enloquecer a su paso (como suele ocurrir con las mujeres de las canciones de Ruibal: pienso en ‘La reina de África’), que recibe a los maduros y a los escolares, y tiene una historia de amor con el joven hijo del comisario. Eso sonaba aquí y allá, camino de Almudévar, y de nuevo al pasar por el Monrepós, donde sucedió eso que nunca deseas: un camión de muchas toneladas te sigue los pasos y parece que de un momento a otro se te va a empotrar en los descensos vertiginosos o incluso en el túnel donde te piden ir a 40 y eres incapaz con esa sombra detrás. Sospecho que recibiré alguna multa y habré perdido algún punto.

Cuando dejas atrás Sabiñánigo y tomas la dirección de Biescas ya se impone, por completo, la grandiosidad pirenaica: ese país de montañas y de celajes. Me encanta Formigal: creo que nunca lo había visto así, como ahora, despojado de nieve. Los montes parecían praderas tamizadas de luz, praderas peinadas por una suave brisa de cumbres, abismos y roquedales que pugnan en un arduo tránsito entre el llano y el cielo. Por allí andaba José Luis Cortés, que esperaba a Omara Portuondo, la gran y menuda dama cubana, esa mujer de cristal y rabia a la que oí cantar en el Teatro Nacional de La Habana en el verano de 1997: dedicaba sus temas a los amigos de Matanzas, de Trinidad, de Camagüey, de Cienfuegos, de Santiago o de Cumanayagua, un lugar con castillo y perpetua luna que certifica la existencia del realismo mágico. Entonó ‘La Era está pariendo un corazón’, y el mundo pareció desplomarse en el corazón del teatro. Qué garganta de luz y de bambú. José Luis estaba muy contento, y me dijo algo bonito: “Luis Calvo siempre cuenta con nosotros para trabajar. Es de los pocos que cuenta con los managers de la tierra, y eso hay que agradecérselo”.

Por Formigal, en esa mar de músicos de distintos lugares del mundo (vi a un senegalés que aún llevaba el ritmo en el cuerpo tras la parranda de la noche anterior), estaba Gonzalo de la Figuera, que elogió el proyecto de Biella Nuey y un grupo de músicos de Casablanca, “para mí ha sido la gran apuesta del festival, algo maravilloso, que ha funcionado espléndidamente, y tengo la sensación de que lo han valorado más fuera que dentro”. Gonzalo es un asiduo de Pirineos: vive allí su pasión por los sones de la tierra, por la convivencia de músicas y de músicos. Gonzalo es letrista, músico y crítico musical de 'Heraldo de Aragón'. Conoce como nadie las mágicas noches de Sallent de Gállego y las del pantano de Lanuza, que es un lugar realmente espectacular. Uno de los músicos calificó ese escenario como el mejor al aire libre de la tierra. En la comida, se habló de todo. Estuvimos Luis Calvo, el director del festival, el viajero incansable, el buscador de músicas, líneas de investigación y de compromisos con otros certámenes; Ainhoa Camino, una donostiarra que ha convertido a Jaca en su casa, desde la que imparte lecciones de cariño y de periodismo en compañía de Juan Gavasa; Montse, la compañera de Luis, traductora, free lance del universo de la música y del cine (está muy vinculada al Festival de Huesca desde hace años), y lectora apasionada de Jesús Moncada, que es su escritor favorito y del que dice que posee un hermoso y complejo y fascinante catalán, Gonzalo y yo. Hablamos de todo: de los grandes conciertos, de Aragón, de música, radio y televisión, de política, de numerosos intérpretes, de amigos como Isidro Ferrer, Pepe Escriche y Alberto Sánchez, e incluso de fútbol. O de los lugares del mundo donde Luis y Montse habían visto, en el canal satélite, programas como ‘El reservado’ o ‘Borradores’, entre otros.

Fue una estupenda tertulia. Luego hicimos la entrevista, muy cerca del periodista musical que es Rubén Caravaca, el hombre que lo  sabe casi todo del festival y de la música. Y bajamos a hacer fotos, que tomaría Marta Marco, en Sallent de Gállego, en el puente, y luego en el escenario de Lanuza. Me encantó el escenario y el montaje de Sallent, los puestos del mercadillo, los restaurantes de casi todos los lugares, la alegría de la gente, la camaradería, el clima de convivencia y de trasvase de emociones, la solidaridad y la atmósfera multirracial. Me gustó ese ámbito: la proximidad de las colinas, las casas, me gustó mucho estar en la tierra de Fermín Arrudi, uno de mis personajes más queridos del Aragón del siglo XX.

Mientras esperaba las fotos de Marta Marco, me encontré con la fotógrafa Pilar Hurtado, el crítico musical y escritor Javier Losilla, y su nena Alba, rubia y preciosa, completamente empadrada. Javier está muy bien, cariñoso como siempre, es un estupendo amigo desde hace casi veinticinco años: coincidimos en ‘El día’ y ‘El Periódico de Aragón’; es un asiduo de Pirineos Sur y uno de los habituales de sus espléndidos catálogos, cuyo motivo diseñó Isidro Ferrer y luego él y otros artistas han ido realizado variaciones a lo largo de las 18 ediciones.

Amenazaba tormenta de verano. El tiempo no ha favorecido las actuaciones. Hablamos de Compay Segundo, de Manu Dibango, de Youssou N’Dour, de Ismael Lema, de formaciones de mil y un lugares, de Marianne Faithfull, que ofreció un espléndido concierto, de la ilustradora Sonia Pulido, que hizo el cartel del Festival de Cine de Huesca de 2009. Poco antes de la despedida, volvieron a asomar a la conversación escritores catalanes y aragoneses: Jesús Moncada de nuevo, y sus traducciones en el mundo, Mercè Rodoreda, Pere Calders, Manuel de Pedrolo, etc.

Salí a las nueve de la noche. Tuve un viaje tranquilo. Con Marianne Faithfull, con muchos otros. De repente, me enteré de que España era transformada grotescamente, hacia los insoportables tonos del humo y del negro en verano, por el fuego. Mi suegra y mis cuñados y mis sobrinos habían tenido que marchar de Ejulve, el incendio avanzaba por Majalinos y por La Zoma y por Aliaga, y obligó a desalojar las viviendas. Llegué a las doce de la noche y aquí estaban todos, en casa, cerca de la piscina, bajo el cielo constelado, contando su inesperada fuga. Mi cuñado José Antonio fue el único que tuvo tiempo de preparar su ropa interior. Él, que sueña que vuela y no aterriza nunca y que se acompaña de una máquina ruidosa de oxígeno. José Antonio Ortuño, mi concuñado de Orihuela (Alicante), como a él le gusta decir. “Tú eres mi concuñado”.

*Instantánea del concierto de Biella Nuei y Azawan, con Luis Miguel Bajén en primer término (no conozco el nombre de vocalista marroquí). La foto es de Marta Marco, fotógrafa del Festival con Pilar Hurtado.

Noche de felicidad en casa

Ha regresado Juan Perro, el alter ego de Santiago Auserón (Zaragoza, 1954), ese músico ambulante que se alimenta de las músicas de Cuba y del Caribe, de los sonidos negros de Nueva Orleans, de la samba y de la salsa. Juan Perro cuenta historias, canta a las mujeres, evoca a Compay Segundo o a los soneros arcaicos, busca el swing y juega una y otra vez con su voz de trovador, de cantante urbano que vuelve sus ojos hacia el hontanar rítmico de las primeras melodías y los sones del mundo.

 Juan Perro es un heterónimo y un empeño personal que va más allá de cualquier impostura: con este personaje, Auserón busca ensanchar al roquero de Radio Futura, busca la complejidad en la composición, en las letras y en la actuación misma. En su regreso al Teatro Principal, Juan Perro volvió con fuerza y versatilidad, más divertido y lúdico que nunca, dispuesto a entregarse a sus paisanos, “a sus hermanos del Gancho”. Se acompañó de una banda de tres músicos cubanos, muy talentosos, de esos que saben hacer gozar al público, que entienden que un recital es una fiesta y un ritual, y que tienden un bosque de complicidades sonoras con el vocalista. Juan Perro aludió a Federico Nietzsche y recordó, en su retorno a la raíz, que “todo placer quiere la eternidad”.

En esa búsqueda se lanzó a tumba abierta, espléndido de voz, capaz de varios y sorprendentes registros, muchos de ellos humorísticos, dispuesto a bailar y contagiar su felicidad, dispuesto a soltar un manojo de propuestas, conocidas e inéditas, que encendieron la noche. El público le regaló su admiración de inmediato, y la música transcurrió como un río: apacible por instantes, mágica y alegre, turbulenta a veces, fastuosa, siempre con un ritmo envolvente. Juan Perro se sentía seguro, en la voz y en la guitarra, en sus clásicos, ‘El carro’, ‘Charla del pescado’, ‘No más lágrimas’, ‘El cigarrito’, y estuvo soberbio con los nuevos temas, que ajusta en sus directos, como ‘Río negro’, 'Poco talento', o ‘Dolores’, una de las piezas más celebradas.

Juan Perro realizó uno de esos conciertos donde todo funciona a las mil maravillas: el cantante se siente inspirado y a gusto con su propia exuberancia. Mostró ese arsenal de temas, de líneas de trabajo y de vibración que caracterizan su investigación y su pasión por la música. Y se extendió ampliamente en los ‘bises’. Creo que nunca lo he visto mejor: él, sospecho, se sintió más que nunca profeta en su tierra.

Vuelve Juan Perro. Banda: Juan Perro (guitarra y vocalista), Norberto Rodríguez (guitarra), Ronald Morán (contrabajo) y Moisés Porro (percusión). Sábado, 18. Teatro Principal. Casi lleno. [La foto pertenece a http://www.lahuellasonora.com]

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Ha pasado algo más de un año desde que Zaragoza se convirtiera en una de las capitales de verano del mundo. Ver los cartílagos desventrados al sol de los pabellones agita la melancolía. Por ahora, hechas algunas salvedades, el recinto tiene algo de lugar fantasmagórico que ha perdido a sus remeros y a sus pingüinos. El Ebro sube y baja, lodoso, más acompañado que nunca: los enamorados musitan palabras de amor, palabras y besos. El Parque del Agua se despliega como una tierra de promisión, repleta de oasis, sombras y playas. Dentro de él está el Teatro Arbolé: un espacio espléndido, una caja negra de resonancias donde caben todas las disciplinas: el teatro, los títeres, la música, el vídeo. Los sueños. Uno de sus responsables, Esteban Villarrocha, dice que desde su entrada se contemplan los mejores atardeceres de Zaragoza: atardeceres de fuego, fogonazos de luz que pintan pájaros sobre los árboles. La sala, de pequeño formato, es espléndida: tiene talleres, una estupenda librería de teatro y músicas del mundo, un pequeño local de ensayo, diversas estancias y los camerinos. Al menos, doce familias viven de ese proyecto, que ha costado 1.660.000 euros, que paga la compañía de Iñaqui Juárez: Arbolé sigue por aquí y por allá con su destino de titiriteros ambulantes. Es un espacio alternativo, plural, rebosante de ideas: una de las últimas es incorporar en el amplio pasillo de acceso una pequeña sala de exposiciones en donde la artista Isabel Biscarri presenta un trabajo muy sugerente. El viernes actuaba allí Javier Ruibal, acompañado a la voz y al piano por Laura Furci Moratti; ofrecieron un recital inolvidable, ebrio de mestizaje y de hondura, toda una isla de sensualidad y de belleza caliente. Luego, salías a la medianoche: algunas luces y otras tonadas se extendían por la ribera contra los aullidos del cierzo.

*Hace unos días cambié de ordenador y desde entonces se me desajusten todos los tipos. Siempre utilizo Garamond, antes 16, ahora 12, y aún así salen como salen. Lo lamento de veras. Sinceramente no sé como reparar ese desaguisado. Mil disculpas a los que os asomáis aquí de cuando en cuando. Este artículo apareció el domingo en la sección 'Cuentos de domingo'. Aquí están Laura Furci y Javier Ruibal.

CONCIERTO DE JAVIER RUIBAL, ESTE VIERNES (17 julio)

En Arbolé, dentro del Ciclo "Música en Verano", a las 22 horas

Queridos amigos,

El Teatro Arbolé de Zaragoza ofrecerá este viernes, 17 de julio a las 22 horas,  para el público juvenil y adulto un concierto del cantautor Javier Ruibal, dentro del ciclo Música en Verano y enmarcado en los Festivales del Ebro. Precio de la entrada: 15 euros. Bonificada: 12 euros. Teléfono de reserva de entradas: 976 734466.

Javier Ruibal (El Puerto de Santa María, 1955) es cantante, guitarrista y compositor. Es un buscador de aromas, un perseguidor de la fábula y el ensueño. Retratista de perfiles, paisajista al mismo tiempo, importan el personaje y el paraje exótico que le rodea. Cantar con la voz remota que resuena en la memoria, ecos sefardíes junto a la toná y la zambra, oriente y occidente, ayer y hoy, armonía del futuro, alquimia del presente. Sus fuentes, lo familiar en su infancia; del flamenco, los cantes de ida y vuelta, tanguillos y bulerías; del rock, la vieja escuela; del jazz, el ejemplo, la actitud y la lealtad con la música. De las letras españolas, los hermosos poetas del veintisiete y la poesía con alas. De las letras americanas, los cantores del Caribe y el realismo fantástico. De lo popular, el humor; y de su tierra natal, la alegría. Su propósito, divertir y... acaso emocionar.

Gracias y un saludo.

Ana Rioja - Gabinete de Prensa 

Teatro Arbolé

Teléfono: 615 252804

www.teatroarbole.es

*Recibo esta nota de la escritora y periodista Ana Rioja, que anuncia el concierto de uno de mis músicos más queridos en Títeres Arbolé: Javier Ruibal, al que conocí hace ahora 20 años en un ciclo de conciertos que organizaba Labordeta. Luego coincidimos en varios lugares (por ejemplo en SOS), pero Javier tuvo un detalle precioso: presenté en El Puerto de Santa María mi libro ‘Los seres imposibles’ y él cantó dos canciones a capella. Fue una tarde maravillosa, rodeada de amigos, iluminada con su voz del sur. Hace poco, en Buenos Aires, distintos amigos, especialmente la escritora Mercedes Álvarez, me decía que es uno de los cantantes que más le gusta, que le encantaría que fuese a encantar allí. Javier Ruibal es el cantante de la pasiones y de las mujeres del sur. Acabo de cambiar de ordenador, se me murió el anterior, y aún no sé cómo ajustar las letras. Uso una garamond 12 ahora, pero intentaré ajustarla para que no queden tan grandes las letras. Esta foto pertenece a Ana y al gabinete de comunicación de Títeres Arbolé.

Pirineos Sur arranca mañana

con una gran fiesta-concierto por sus 18 años

El nuevo auditorio se inaugura la noche del jueves con 17 Hippies y Shantel & Bucovina Club Orkestar

El XVIII Pirineos Sur, Festival Internacional de las Culturas, arranca este jueves, 9 de julio, con una gran fiesta-concierto para celebrar su mayoría de edad. Los artistas invitados serán los alemanes, “17 Hippies” y “Shantel & Bucovina Club Orkestar”. Para que todo el mundo participe de esta gran celebración, la entrada de este primer concierto de Pirineos Sur 2009 será de 10 euros en taquilla, y 9, anticipada. La actuación servirá, además, para inaugurar el nuevo auditorio de Lanuza, en el que se han invertido, en la primera fase, unos 2 millones de euros.

Con el concierto del jueves comienza una brillante edición de Pirineos Sur que, organizado por la Diputación Provincial de Huesca, irá descubriendo, hasta el próximo 26 de julio, las músicas del “Atlántico negro”, de la mano de un amplio y excelente elenco de grandes personalidades de la música como Mariannne Faithfull, Maceo Parker, Pablo Milanés, Omara Portuondo, Cirkus featuring Neneh Cherry o Mariza. Serán en total 17 noches de conciertos y 21 propuestas paralelas, entre talleres, conciertos familiares, actividades infantiles y pasacalles, además de los Mercados del Mundo y el Espacio Intermón Oxfán.

“17 Hippies” comenzaron a tocar en 1995, destacándose desde el primer momento por ofrecer un cóctel musical mundial; un viaje alrededor de Europa, Asia y América, destilando muchos géneros musicales. Las influencias de sus músicos van desde el pop-rock hasta la música clásica, pasando por el jazz. Esta diversidad se refleja en la variedad de instrumentos que tocan: acordeón, trombón, trompeta, violines, violonchelo, flautas, mandolina, ukelele… “17 Hippies” sabe transmitir lo insólito de manera ligera y alegre. Captan el ritmo y el sonido de su ciudad, Berlín, para ir creando a partir de ahí canciones constantemente nuevas.

Su noveno trabajo, “El Dorado”, es el tercer álbum grabado en estudio. Con ánimo festivo y recolector, se fueron metiendo en el bolsillo la música gipsy y el klezmer del Este, el café parisino e incluso el baile cajún de Luisiana. Después de 15 años y 1.500 conciertos en 20 países, el elenco invariado de 13 músicos que componen los “17 Hippies” ha establecido su estilo inconfundible: una fiesta constante ideal para comenzar el XVIII Pirineos Sur.

“Shantel & Bucovina Club Orkestar” está encabezado por Stefan Hantel, conocido como Shantel. Es un productor y músico alemán de raíces rumanas que ha exportado a todo el mundo el balkan beat. En su estilo mezcla la música popular de los Balcanes con la electrónica más actual, la tradición del Este europeo con los sonidos contemporáneos del Oeste, consiguiendo un sonido único lleno de alegría que empuja al baile y a la fiesta. Su primer disco solista, “Disko Partizani” (2007), recibió varios premios incluyendo el “BBC World Music Award”; es el sonido de la nueva Europa, centrado en el corazón del viejo continente e incorporando vibrantes influencias de los Balcanes, Oriente Próximo, Grecia, Turquía y más allá.

Shantel se acompaña en el escenario por la “Bucovina Club Orkestar”, una auténtica fiesta, un jolgorio de excelentes músicos de origen gitano que tocan instrumentos tradicionales como trompetas, acordeón o violín, mezclados con ritmos electrónicos. Un soplo de aire fresco en el panorama electrónico europeo y una excelente invitación  a participar en la fiesta de 18 cumpleaños de Pirineos Sur.

Nuevo auditorio

Con el concierto de mañana se inaugura el nuevo auditorio de Lanuza, un espacio creado a 500 metros del anterior que amplía el espacio, la comodidad y seguridad que hasta la fecha existía en el auditorio de Lanuza. Construido al estilo de los anfiteatros romanos, cuenta con un aforo máximo de 4.500 personas, pudiéndose sentar en un graderío fijo 2.800. El coste de esta primera fase es de unos 2 millones de euros, sufragados en un 75% por la Diputación Provincial de Huesca y el 25% restante, por el Ayuntamiento de Sallent de Gállego.

Entre las mejoras que ofrece el nuevo auditorio cabe destacar una mejora del acceso al recito. Se han construido dos entradas diferenciadas, una para peatones y otra para vehículos y personal autorizado. Además, se ha ampliado y asfaltado la zona de aparcamiento y se ha habilitado un acceso especial para personas discapacitadas. También se ha ampliado la superficie destinada a carpas, manteniendo un servicio de restaurante de barra en la zona superior y dos de menores dimensiones para bebidas. Igualmente se ha creado un espacio para la prensa y otro reservado a Vips.

*Esta información pertenece al gabinete de prensa del Festival que dirige Luis Calvo. En la foto promocional, Mariza, la nueva reina del fado.

Copi se sentó al piano, acarició un instante las teclas y respiró profundamente. Y, sin mediar nada, como en un cuento de Julio Cortázar, se arrojó al vacío de la noche, que aún paladeaba el sabor de una música de bandoneón. Cantó con hondura y desgarro el tango ‘Garganta con arena’ de Cacho Castaña como si no hubiera hecho otra cosa en toda la vida. Buenos Aires de noche huele a París, a melodía de arrabal, a furioso amor, a sorpresa. El cantante y compositor de Borja, con esa única pieza, arrancó suspiros e hizo olvidar los instantes convulsos de un país “acaso ingobernable”: la derrota de Kirchner, la dimisión de la ministra de Salud, los muertos de la gripe que se multiplican. Al día siguiente, en el Centro Cultural de España en Buenos Aires desgranó, en una entrevista improvisada, su trayectoria. Copi es uno de los ocho hijos de un tabernero de Borja, un hombre apacible que padece la enfermedad del sueño. Desde muy pronto, se vino a Zaragoza e ingresó en los Infanticos del Pilar. Volvía a su pueblo dos semanas al año, y un día lo señalaron como el hermano de Copi, aquel zagal al que le habían regalado una bicicleta. Su hermano se fue del pueblo y él se quedó con su nombre: Copi, como Fausto Coppi, el ciclista italiano que se coronó en el Tour, en el Giro y en el amor de ‘la dama blanca’. De ahí, pasaría al rock y a la música popular, y acompañaría a los Héroes del Silencio y a Enrique Bunbury durante una década. Se curtió en viajes, conciertos y experiencias, y fue creciendo hasta crear su propio estilo, su propia banda. Una mujer de La Plata, Natalia, le robó el corazón y él allá se ha ido, con la música en el cuerpo, con la emoción en el alma, dispuesto a cantarse a sí mismo y a cantar a Aníbal Troilo o a Discépolo, con esa vocación de felicidad que se expande, hacia el mundo y hacia Borja, desde Buenos Aires.

*Este artículo apareció ayer en 'Heraldo', en la sección 'Cuentos de domingo'. Esta foto fue publicada por el propio diario.

*Juan Fernando Moreno Gistaín interpreta a Albéniz y Debussy en los Festivales Internacionales de Granada y Peralada

El pianista aragonés Juan Fernando Moreno Gistaín, nacido en Barbastro, ha sido invitado por varios festivales y programaciones de conciertos para presentar su programa compuesto por obras de Isaac Albéniz y Claude Debussy. El estreno del programa se realizó en el Teatro de Perpignan (Francia) a principios de Junio. Este fin de semana, concretamente el domingo día 5 de julio, el FEX de la 58 edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada acoge este programa dentro de su proyecto "Una Iberia para Albéniz".

En el mes de Agosto Juan Fernando ha sido invitado para ofrecer el único concierto de piano solista del XXII Festival Internacional Castell de Peralada. En Aragón se podrá escuchar este programa en el Festival del Foro Romano de Zaragoza el 7 de Agosto.

Esta misma semana Juan Fernando ha grabado parte de este programa para televisión, invitado por Canal Sur.

Al mismo tiempo, continúa la actividad junto a su hermano José Enrique como dúo de piano. Tras presentar en Madrid su programa Grand Duo y el concierto que ofrecieron en la Sala Sinfónica del Auditorio de Zaragoza, actualmente preparan una serie de conciertos fuera de España con el programa Inspiración Española, después de haberlo presentado en más de treinta ciclos de conciertos. La gira está patrocinada por el Gobierno de Aragón, y con la colaboración en la organización  de Juventudes Musicales de España, la Fundación Eutherpe y la Asociación DICE de Viena.

BIOGRAFÍA BREVE DEL PIANISTA

Juan Fernando Moreno Gistaín nace en Barbastro. Realiza sus estudios en los Conservatorios de Zaragoza y Barcelona y en el Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares, siendo galardonado con diversos premios académicos, así como en concursos nacionales. Ha recibido valiosos consejos de músicos de prestigio internacional, y mantiene una constante actividad como concertista en su faceta de solista y como dúo de piano a cuatro manos y dos pianos junto a su hermano José Enrique, invitado por numerosas instituciones y festivales. Ha grabado para el sello discográfico Albert Moraleda y para Radio Catalunya Musica, Aragón Televisión, Canal Sur, Radio Clásica de Radio Nacional de España y La 2 de Televisión Española.

*Esta foto pertenece al archivo www.acondearanda.com

Esta mañana en Buenos Aires ocurrio algo muy hermoso. Impartia un taller sobre la realización de un programa de televisión inspirado en nuestro trabajo en Borradores, de Aragon Television. En la primera sesión, en la que participaron mas de una veintena de alumnos –periodistas, escritores, profesores como Ana da Costa que ha editado una entrevista con Hector Tizon, editores, profesionales de la tele…- hablamos de las claves de nuestro programa, de cómo se produce, del concepto general, mostramos varios videos, uno de Lila Downs, otro de Fernando Trueba, otro de un programa general con actuaciones, etc. Esta mañana, pasamos el viaje al taller de Isidro Ferrer, que digirió Yolanda Liesa, pasamos el reportaje sobre Maria Pilar Martinez Barca y algunas otras cosas. Y luego realizamos un programa en directo. Una alumna, Margarita, trajo su cámara, y contamos con un invitado especial, Copi. Realizamos una entrevista, recorrimos su trayectoria –sus años en Infanticos del Pilar, la relación con sus padres y el descubrimiento de la música, el paso al rock, su colaboración con Heroes del Silencio, la década de trabajo y viajes y experiencias con Enrique Bunbury…-, y los alumnos disfrutaron de manera increíble. Fue un acto verdaderamente mágico. Copi recordó al equipo de Borradores, especialmente elogio el trabajo de realización de Teresa Lazaro, el clima de cariño y complicidad y respeto de todo el conjunto, y estuvo sembrado. Fue cercano, apasionado, sincero, incluso se comprometió en asuntos sociales, como su visión de la política o de algunos temas polemicos como la religión.

Algunos alumnos le hicieron varias preguntas. Copi cerro la entrevista, mas de una hora, bellamente grabada y muy bien recogida por micrófonos de ambiente por el equipo de sonido del Centro Cultural de Espana en Buenos Aires, con una sorpresa. Canto a pelo, con esa pasión y hondura que le caracterizan, un tango de Discepolo. Los compañeros no se lo creían. Fue un momento extraordinario, pleno de emoción, de sensibilidad, de fuerza y de integracion de un artista español con Argentina. Pasamos una parte de la entrevista y la canción, y volvimos a vivir ese regalo del azar y del talento. Cambiamos un poco el programa, pero el instante había valido la pena.

Copi es asi. Buenos Aires es asi y huele, tras la tormenta, a Paris. Copi, por cierto, tenia esta tarde una reunión porque va a hacer un programa quincenal de música de una hora y media, y esta rabiosamente feliz.

Mil gracias muy de veras a toda la gente tan acogedora de Buenos Aires, con Ricardo Ramon a la cabeza, con Mercedes Alvarez, con Jose Gomez, el bibliotecario, con Nara, con Guillermo Piro, con Sebas el conductor que oye opera… La lista se haría interminable. Uno de los detalles mas curiosos sucedió ayer en la charla de por la tarde sobre la literatura del mar. Maite, una profesora de La Plata, tomo el autobús y vino porque había leído un articulo mio sobre Manuel Vicent que se había publicado en un cuadernillo del ciclo Invitacion a la Lectura, que dirige Ramon Acin, y acaba de publicar una monografía completa sobre la obra del escritor y periodista valenciano. Le correspondi con una revelación que ella no tenia porque saber. Me dedico al periodismo fascinado por un libro de Vicent, aquella seria de Inventario de otoño que apareció en El Pais.

Acabo de llegar a Lima, desde donde partimos mañana hacia Espana. Y aquí también hemos sido muy bien acogidos por May Rivas, por Miguel Angel, por los taxistas, por el Hotel Antigua, por los alumnos del taller. Al llegar al hotel, teníamos varias regalos del Miguel Angel, jefe de prensa y periodista de radio y televisión durante anos, y también excelente fotógrafo. Me ha dejado un libro sobre un cementerio, con estupendas fotos, pero de eso hablaremos mas tarde, mañana.

-En este ordenador se descontrolan los acentos. Los que aparecen los inserta automáticamente el ordenador, porque yo no se como colocarlos. Javier Corellano, Copi, se llama asi porque uno de sus siete hermanos, eran ocho en total, recibio de regalo una bicicleta y en Borja lo llamaban Copi, como el campeon italiano Fausto Coppi, que nacio en 1919 y murio, en misteriosas circunstancias, en 1960, tras haber ganado dos Tour y cinco Giros. El nombre del hermano acabo siendo el apodo y el nombre artistico de Javier Corellano.

Anoche, tras la conferencia-entrevista ‘Los escritores del mar. Estelas y nuevas miradas’, que condujo el poeta, traductor y narrador Guillermo Piro, nos fuimos a cenar a la librería-restaurante Clásica y Moderna, donde actuaba un excelente grupo de tango femenino, al que acudió a oír el famoso presentador Víctor Hugo. Estábamos Guillermo Piro, su compañera Giselle, la escritora y coordinadora de actividades del CCEBA Mercedes Álvarez (va a publicar un libro de relatos en Baile de Sol), Ricardo Ramón, Copi (el cantante y compositor y pianista de Borja que reside en La Plata y es padre de dos niños), Carmen Gascón, mi mujer, y yo. Pasamos una noche estupenda, de tertulia, de literatura, con un fondo de tango.

Cuando nos íbamos, Copi quiso dedicarnos una canción. Es curioso porque hoy mismo toca ahí. Y decidió sentarse al piano y cantar "Garganta con arena" de Cacho Castaña, un tema maravilloso e intenso que evoca al gran Troilo. Copi, con su voz desgajada e intensa, con esa energía que el cielo de Aragón le ha dado, realizó una interpretación memorable y espontánea, que fue muy celebrada por un público sorprendido. Poco después, salimos a la calle. Tomamos un taxi y vinimos, Ricardo, Carmen y yo, al hotel Bel Air.

El oscense y director del CCEBA se quedó en su casa, a escasas cuadras, y nosotros seguimos. No sé cómo empezamos a hablar del tango y de ese tema. El taxista nos puso la versión que canta Cacho Castaña, la versión original, y el conductor, además, quiso que oyésemos ‘Septiembre de 1988’, un tango que es casi un documento y una radiografía del país. Nos lo puso completo, y nos decía: “Cacho Castaña, al final, se despide llorando. Llora”. Fue un instante mágico a medianoche, muy cerca del parque Vicente López.

Carmen, al bajar del coche, emocionada dijo: “Ha estado todo muy bien. Es increíble. Parece un cuento. Pero me ha gustado mucho más la interpretación de Copi”.

En Clásica y Moderna, dos mujeres nos habían dicho: “Qué bien canta ese tango el español. Qué intensidad. ¿De dónde es?”

*La foto está tomada en el Teatro Principal de Zaragoza y pertenece al blogbunbury.

“De Tripas Corazón”

Martes de junio y julio 21:30 hs

Clásica y Moderna. Callao 892

Reservas 011-4812-8707

Copi Corellano (whisky voz)

Ruben Mederson (saxos)

Adrián Mastrocola (piano)

Gerardo De Mónaco (contrabajo)

Germán Boco (batería)

“El cuarteto es para mí, un blend de cuatro músicos sensibles que, en lugar de conversar en un café, lo hacen a través de la música, en vez de jugar a algo juntos, hacemos jugar a los sonidos que fluyen de nosotros, sencilla y profundamente.
Como en una buena conversación (de esas que te dejan sabor a algo), tratamos de escucharnos, esperarnos, sentir la textura del sonido del otro, responder desde ahí, y como quinteto, siento que sucede igual, con un amigo más sentado a la mesa del café. Un amigo llamado Copi, que a estos cuatro cafés, cada uno con su sabor personal, le aporta el necesario toque aguardentoso del whisky... Así es como se logra que la charla empiece a volar y delirar, mixturando poetas locos, pintura, historias de los pueblos, y sobre la mesa empiezan a danzar Gaudí, Pessoa, los judíos de España y sus hermanos árabes, el tango, el rock...y nosotros vagando en el vodevil de la noche, haciendo de tripas corazón.”Ruben Mederson

Se agradece su difusión!

Contacto: Natalia Zanetto

0221 4247972/

022115 6174717

www.copicorellano.com

www.myspace.com/copicop

Crítica Diario La Nación

Un fructífero y sorprendente encuentro

Domingo 21 de junio de 2009

Calificación LA NACION:

De tripas corazón - Copi + Mederson. Con Copi Corellano en voz, Rubén Mederson en saxos, Adrián Mastrocola en piano, Gerardo De Mónaco en contrabajo y Germán Boco en batería. En Clásica y Moderna. Nueva función, pasado mañana y el martes 30, a las 21.30.
Nuestra opinión: muy bueno

En el comienzo, es sólo el saxo y la batería, para proponer, con un aire de quebrada y luego con una intervenida versión de "Alfonsina y el mar", que el camino quede despejado para un encuentro inesperado. Es que el cuarteto del saxofonista Rubén Mederson (uno de los integrantes de Dancing Mood) se cruza en estos shows con la voz y la propuesta casi teatral de Copi Corellano, un español que fue tecladista de Enrique Bunbury y que, buscando buenos sueños o huyendo de los malos, se ha venido a vivir aquí.

Su figura poco encaja en principio con el bar-librería de la calle Callao, con sus uñas pintadas de negro y su burla a las convenciones. Pero lo cierto es que cuando se suma al ya de por sí interesante cuarteto logra que los demás se enciendan aún más. Será entonces el recitado de un largo poema de Mario Benedetti o el de un asistente que al parecer le ha acercado su libro sobre la música que lo sobrevuela y lo posee. O su versión casi tan rasposa como la original de "Invitation to the Blues", un viejo tema de Tom Waits; el apasionado "Isolation" de John Lennon (en el que Copi le pide prestado el piano a Adrián Mastrocola) o el apropiado "Garganta con arena" de Cacho Castaña. Hasta, audaces, intentarán renovar, con una cantante mexicana invitada, "Summertime", standard entre los standards. Copi canta, pero sobre todo escucha lo que tocan estos cuatro compañeros de viaje y se deja poseer por la música. En esa pasión compartida y en la aceptación de lo imprevisto está el encanto de este encuentro.

Adriana Franco

Natalia Zanetto

0221-424-7972

0221-15-617-4717

(from outside Argentina)00 54-221-4247972

(from outside Argentina)00 54-9-221-6174717

Site Oficial

www.myspace.com/copicop

www.fotolog.com/copicorellano

Fan Site Argentina

www.copicorellano.com.ar

Fan Site Perú

copicorellano.blogspot.com/

Anoche llegamos al hotel Bel Air, después de cruzar en taxi una gran parte de Buenos Aires (qué increíble, qué fastuosa ciudad: sonaban los mítines en cualquier plaza) con el taxista Jorge al volante, encendimos la tele y vimos: “Murió Michael Jackson”. Al principio parecía una sospecha: se buscaba confirmación, datos que ratificasen el adiós, y pronto todos los canales empezaron a anunciaron su misteriosa muerte a los 50 años, en víspera de una gran gira que debía ser la última. Ayer y hoy han estado pasando imágenes de su trayectoria: sus años en Jackson Five, con aquel encanto arrollador que poseía, su salto increíble cuando publicó en 1982 ‘Thriller’, el álbum que revolucionó la música popular, el baile, el movimiento y la estética del videoclip, luego se hablaba algo de ‘Bad’, ‘History’ y del rosario interminable de rarezas y excentricidades. En 1996, en su estancia en Zaragoza, en el hotel Boston, cometió alguna.

La canción que más me gustó de él fue ‘Billie Jean’. Recuerdo que cuando trabajaba en el bingo grabé varias y mientras se repartían los cartones, de vez en cuando, sonaba ‘Billie Jean’. Billie Jean is  not my lover. Tenía 50 años y un mundo enigmático detrás.

Poco después, se anunciaba, con otro ritmo y otra trascendencia, la muerte por cáncer de la actriz Farrah Fawcett-Majors. Ryan O’Neal, con quien se quiso y se desquiso con furia de amor y de odio, le dedicó algunas palabras bonitas.

El grupo B Vocal –formado por Augusto, Fermín, Carlos, Juan Luis y Alberto- acaba de publicar su cuarto disco: “Vocalitessen”. Este esperado trabajo discográfico contiene, por primera vez, una significativa muestra de temas propios en la historia del quinteto. Los cinco nuevos temas exploran estilos como el pop, el funky, la música étnica, la balada o el rap, aportando un sonido inédito en el panorama musical de nuestro país.

En plena madurez de su dilatada trayectoria artística, estos cinco músicos aragoneses han querido plasmar en este trabajo un carácter muy personal que complementa a sus ya características versiones a capella de grandes éxitos y temas clásicos.

El público podrá disfrutar de “Vocalitessen” en el Teatro Principal de Zaragoza el sábado 20 de junio, a las 21.00 horas, y el domingo 21 a las 19.00 horas. El grupo deleitará a los asistentes con una actuación creada exclusivamente para esta presentación y que ha contado con la colaboración de la reconocida coreógrafa aragonesa Ana Continente. Se trata de un regalo para los buenos paladares musicales.

Posteriormente, los seguidores de b vocal podrán disfrutar de conciertos-presentación en Barcelona y Madrid los próximos 26 y 28 de junio, respectivamente.

Otra novedad importante es que el sello discográfico Galileo Music Communication se ha interesado por este nuevo trabajo discográfico y han firmado un contrato de distribución con el que esperan abrir mercado también en Europa, donde este sello tiene una importante presencia.

Vocalitessen. Versiones y cinco temas inéditos. B Vocal. Actuaciones en el Teatro Principal este viernes y este sábado, a las 21 y 19 horas, respectivamente. Formación: Fermín, Augusto, Alberto, Carlos y Juan Luis. El próximo cinco de julio, en el programa Borradores, ofrecen dos temas y dos de sus integrantes, Alberto y Augusto, comentan la trayectoria del grupo, con su habitual sentido del humor, y en especial este nuevo álbum: ‘Vocalitessen’. En la foto, por este orden, Juan Luis, Augusto, Fermín (con barba), Carlos y Alberto.

Éxito clamoroso en Bilbao con la ópera Giulio Cesare de Handel

Sin duda alguna la mejor parte del concierto fue la presencia de Eduardo López Banzo y su orquesta al Ayre Español. López Banzo es uno de los directores españoles más destacados en la interpretación de la música barroca como lo ha demostrado ya en el pasado. En esta ocasión nos ofreció otra vez una magnífica lectura llena de lirismo y, cuando era necesario, de gran intensidad. Su calidad de interpretación fue avanzando de manera ascendente y aumentando claramente en los actos II y III. (…) La orquesta estuvo magnífica: una de las mejores de este tipo de repertorio en la actualidad con un sonido verdaderamente bello y de gran musicalidad. (…) En los saludos finales la ovación mayor fue para López Banzo y Al Ayre Español.

José M. Irurzun. “Seen and heard international opera” 22/01/2009

El arranque de 2009 no pudo ser más exitoso para Al Ayre Español y Eduardo López Banzo: por segundo año consecutivo en el Palacio Euskalduna de Bilbao, López Banzo y su formación volvieron a cosechar una sonada ovación del público y la crítica sin precedentes en las cuatro representaciones de la ópera de Handel los días 17, 19, 21 y 23 de Enero.

La próxima temporada 2010 López Banzo y Al Ayre Español regresarán al Palacio Euskalduna para interpretar la ópera Le Nozze di Figaro de Mozart.

Gira de conciertos con patrimonio musical aragonés: León, Nápoles y El Escorial.

El día 8 de febrero comenzó en Nápoles el primero de los dos conciertos de la gira organizada por el INAEM y el Ministerio de Cultura, que finalizó con el concierto realizado en el auditorio de León el día 13 de febrero. Eduardo López Banzo y Al Ayre Español, en su formación camerística, interpretaron junto a la soprano Raquel Andueza las Cantadas al Santísimo del compositor aragonés José de Nebra y dos obras para teclado atribuidas al también compositor aragonés Diego Xaraba y Bruna.

El día 9 de abril y acompañados en esta ocasión por la soprano María Hinojosa, Eduardo López Banzo y Al Ayre Español volvieron a interpretar este mismo programa en el Teatro Auditorio de San Lorenzo del Escorial. La labor de recuperación de este repertorio ha situado a Eduardo López Banzo como el mayor especialista en el repertorio de José de Nebra.

La Pasión según San Mateo de Bach triunfa en los auditorios de Castellón y Valencia

… (Eduardo López Banzo y Al Ayre Español) dieron, como cabía esperar, una versión rigurosa, con instrumentos originales y búsqueda de un sonido y una articulación propiamente barrocas. Todo esto, muy frecuente en otros países, no es tan habitual entre las formaciones españolas, y López Banzo ha sido todo un pionero en este sentido.

Rosa Solà. "Versión rigurosa". El País 07/04/2009

Al Ayre Español desplegó su formación más grande, dos orquestas y dos coros, para una de las obras insignes del compositor alemán en los conciertos ofrecidos en los auditorios de Castellón, el 4 de abril, y  Valencia, el 5 de abril. En esta ocasión López Banzo ofreció una magistral visión “mediterránea” de la partitura, plena de la energía y la viveza que caracterizó al Barroco y con la que Al Ayre Español ya obtuvo en 2008 un gran éxito de crítica y público en Madrid y Bruselas.

El estreno de la ópera Orlando de Handel llena el Teatro de la Maestranza de Sevilla y el Auditorio de Zaragoza

Eduardo Torrico, "Teatro de la Maestranza. Orlando de G. F. Händel" CD Compact Nº 232, junio 2009

El Teatro de la Maestranza de Sevilla celebró el pasado día 15 de abril el 250 aniversario de la muerte de Handel y lo hizo con el encargo a López Banzo y Al Ayre Español de la versión en concierto de una de las óperas más insignes del compositor alemán. Tras un éxito clamoroso de público y de crítica en Sevilla, el día 20 de abril Al Ayre Español volvió a llenar el Auditorio de Zaragoza donde recogió el aplauso del público zaragozano. La crítica especializada ha destacado de la versión de ambos conciertos la frescura, el ímpetu de la orquesta, así como el sonido personal, enérgico y compacto con el que López Banzo controló a la perfección la acústica de las salas de ambos auditorios. Por ello Eduardo López Banzo ha sido reconocido por unanimidad de toda la crítica como el máximo especialista español en la ópera handeliana

Charles Avison y Handel en Huesca

Rodrigo de Handel ya está en el mercado discográfico

NOCHES DE JUGLARES 09

En el Parque Delicias de Zaragoza.

Día 4 de junio, 22 horas

TomaTeatro666 presenta a Gabriel Caballero en La Tabaquería, sobre poemas de Fernando Pessoa.

Franco Deterioro y Jaime Lapeña, con las canciones de su espectáculo Lo cortés no quita lo indecente.

Essauira, danzas orientales.

Día 11 de junio, 22 horas

Luis Felipe Alegre recuerda a José Agustín Goytisolo

Iñaqui Fernández: Mi versión de tu canción

Día 18 de junio, 22 horas

Antón Castro: Poemas y Relatos

Daniel Rabanaque, Don Nadie y Zombra: Poesía-Música-Imagen

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El ciclo Noches de Juglares está organizado por la Junta Municipal Delicias, el CC Terminillo.

Coordinación artística y presentación: El Silbo Vulnerado.

*Sarah Bernhard, retratada por Félix Nadar.

(Prólogo)

Sigue a Antonio Vega y sabrás

qué ha encontrado en sus canciones

A Antonio Vega se le perdió algo y tuvo que hacerse compositor para ir a buscarlo dentro de sus canciones. Sus discos cuentan la historia de esa búsqueda, y aunque todo el mundo sabe que escribir es mentir, él escribe tan bien que cuando los escuchas tienes la impresión de que te cuentan la verdad, que es exactamente lo que ocurre con todos los poetas en quienes merece la pena confiar. Verdad y poeta son palabras tal vez demasiado solemnes, de manera que quizá sería mejor matizarlas: donde decía verdad podemos poner su verdad, y poeta lo podemos cambiar por poesía, porque Antonio Vega no escribe poemas, sino canciones, pero sus canciones están llenas de versos memorables y, sobre todo, tienen el ambiente de la buena poesía, están hechas de palabras esenciales y no están construidas para flotar en la superficie de las cosas sino para descender hasta su fondo. Son canciones que existen porque tienen algo que decir. Lo cual puede ser obvio, pero no es tan habitual, y no hay más que poner la radio para darse cuenta.

Antonio Vega es compositor y cantante, y a la mano del primero le viene muy bien la voz del segundo, ese brillo oscuro que tiene su tono y que él multiplica con su manera de interpretar las canciones, gracias a esa especie de emoción hacia dentro que las hace a menudo estremecedoras. De entre todos sus discos, el que prefiero es 3000 noches con Marga, porque es el que más dolor me ha hecho sentir, y el arte consiste en eso, en transformar a quien lee, escucha o mira en quien escribió, compuso o pintó, o al menos en repetir en él sus emociones.

El sentimiento que Antonio Vega suele dejar más a menudo en nosotros es el de la desolación, o como mínimo el de una de sus hermanas gemelas, la melancolía. A algunos, ser melancólicos los vuelve cobardes, a otros, como Antonio Vega, los vuelve unos aventureros capaces de abrir las famosas puertas de la percepción, de llegar hasta donde sea necesario para darse alcance: hay cosas que no se pueden descifrar si antes no se derriban, viene a decir en uno de sus temas más antiguos, y creo que esa idea explicaba ya en qué iba a consistir esa búsqueda vital y artística de la que hablamos y que podría definirse como un descenso hacia la luz más intensa, que es la luz del conocimiento.

Me arriesgaría a decir que todas las canciones que ha escrito Antonio Vega debieron de empezar con una pregunta, nunca con una respuesta: ¿por qué ocurren las cosas, para qué sirven?

Escribir es enfrentarse al tiempo, y él ha descrito esa lucha de una manera brillante:

«camino sin ver el final,

y el paso que aún no he dado ya está atrás».

Las mejores canciones de Antonio Vega tienen algo de himno, por mucho que él no parezca tener alma de abanderado. Más bien, parece un hombre tímido, al que le gusta esconderse en público; pero en eso no ha tenido mucho éxito, porque por más que uno lo intente, no puede esconderse en su talento. Al contrario, el talento no es un escondite sino una lupa.

Leyendo ahora las canciones de este libro, el tamaño de Antonio Vega como letrista aumenta, y para el lector habitual de poesía es sencillo ver el trabajo minu-

cioso que hay detrás de muchos de sus textos; su batalla por la palabra justa o la asociación inesperada, por desordenar las cosas que se oyen, agrupar los silencios y ver cada cosa a su escala real, como él dice; su capacidad para construir metáforas como el químico que elabora un perfume, logrando como por arte de magia que lo más grande quepa en lo más pequeño y la historia de muchos se pueda resumir en una línea; o, finalmente, su empeño en encontrarle otro lenguaje a las canciones, más allá de los caminos conocidos, los ecos fáciles y las rimas cómodas. La inspiración es el último recurso de los malos escritores, los buenos le ganan sus versos al diccionario, combatiéndolo página a página. Dicho eso, ya se puede decir todo lo contrario y que las dos cosas sean verdad: cuánta inspiración parece haber en sus temas más brillantes, qué momento de gracia parecen haber captado a veces sus discos.

Siempre me ha gustado Antonio Vega porque siempre he visto honestidad y brillantez en su trabajo. Ahora, al comprobar que quitarle el sonido a sus canciones no es quitarles su música, me doy la razón al recordarme hace casi treinta años oyendo en la radio una canción suya por primera vez y pensando: ese tipo tiene algo que no tienen los demás, y lo que escribe es especial, está lleno de poesía. Porque necesitaba oír esa poesía, no he dejado de comprar ninguno de sus discos y aunque algunos han ido cambiando de cáscara, del elepé al compacto y de ahí al mp3, su sabor es el mismo. He seguido a Antonio Vega con curiosidad, para saber qué iba a encontrar en las canciones que escribía como si cavara en él mismo. Un buen poema es siempre el mapa de un tesoro, la crónica de la aventura que sirvió para descubrirlo. Este libro es una buena noticia para los lectores de poesía, y eso no es algo que se pueda decir de demasiada gente.

Benjamín Prado

Madrid, marzo 2009

la chica de ayer

Un día cualquiera,

no sabes qué hora es,

te acuestas a mi lado sin saber por qué.

Las calles mojadas te han visto crecer

y tú en tu corazón estás llorando otra vez.

Me asomo a la ventana,

eres la chica de ayer

jugando con las flores en mi jardín,

demasiado tarde para comprender,

chica, vete a tu casa, no podemos jugar.

La luz de la mañana entra en la habitación,

tus cabellos dorados parecen el sol.

Luego por la noche al Penta a escuchar

canciones que consiguen que te pueda amar.

Me asomo a la ventana,

eres la chica de ayer

jugando con las flores en mi jardín,

demasiado tarde para comprender,

mi cabeza da vueltas persiguiéndote.

lucha de gigantes

Lucha de gigantes convierte el aire en gas natural.

Un duelo salvaje advierte lo cerca que ando de entrar

en un mundo descomunal.

Siento mi fragilidad.

Vaya pesadilla corriendo con una bestia detrás.

Dime que es mentira todo, un sueño tonto y no más.

Me da miedo la enormidad

donde nadie oye mi voz.

Deja de engañar,

no quieras ocultar

que has pasado sin tropezar.

Monstruo de papel,

no sé contra quién voy,

¿o es que acaso hay alguien más aquí?

Creo en los fantasmas terribles de algún extraño lugar,

y en mis tonterías para hacer tu risa estallar.

En un mundo descomunal,

siento tu fragilidad.

Deja de engañar,

no quieras ocultar

que has pasado sin tropezar.

Monstruo de papel,

no sé contra quién voy,

¿o es que acaso hay alguien más aquí?

Deja que pasemos sin miedo…

el sitio de mi recreo

Donde nos llevó la imaginación,

donde con los ojos cerrados

se divisan infinitos campos.

Donde se creó la primera luz,

germinó la semilla del cielo azul.

Volveré a ese lugar donde nací.

De sol, espiga y deseo son sus manos en mi pelo.

De nieve, huracán y abismos el sitio de mi recreo.

Viento que en su murmullo parece hablar,

mueve el mundo y con gracia le ves bailar,

y con él el escenario de mi hogar.

Mar bandeja de plata, mar infernal,

es un temperamento natural,

poco o nada cuesta ser uno más.

De sol, espiga y deseo son sus manos en mi pelo.

De nieve huracán y abismos el sitio de mi recreo.

Silencio, brisa y cordura dan aliento a mi locura.

Hay nieve, hay fuego, hay deseos, allí donde me recreo.

pueblos blancos

Pueblos blancos, calles empedradas,

en el cielo una explosión dorada,

a esta hora.

Aparentemente inofensivo

es el árbol que cuida su nido,

a esta hora.

A la hora de las sombras largas,

cuando nacen los hechizos,

en el campo de batalla

poco a poco se quedó dormido.

Negro es el perfil de la montaña,

la última gaviota surca el cielo,

a esta hora.

A la hora de las sombras largas,

cuando nacen los hechizos,

se confunden vencedores y vencidos.

Pueblos blancos, calles escarpadas,

acuarela, luz aguada,

a esta hora.

Pueblos blancos, calles empedradas,

en tu pelo una explosión dorada.

*La editorial de David Villanueva, Demipage, acaba de publicas las canciones y poemas de Antonio Vega, con prólogo del narrador y poeta Benjamín Prado. Publico aquí estas líneas por gentileza de la editorial. Tomo la foto de aquí: http://guillermoamoros.files.wordpress.com/2009/05/42.jpg. La foto es de Jorge Ontalba.

Me he levantado esta mañana hacia las siete. He abierto el ordenador y he puesto los discos que hay en el Spotify de Antonio Vega. Había comprado álbumes suyos en los últimos tiempos: los llevaba en el coche y me encantaba esa voz rota, desgajada, de una fragilidad conmovedora, de cristal quebrado. Al margen de sus canciones, ‘La chica de ayer’, ‘Pasa el otoño’, ‘Que yo no lo sabía’, ‘Ángel de Orión’, me gustaron especialmente sus versiones de ‘Cómo hablar’ con Amaral y de ‘Romance de curro el palmo’ de Serrat.

Encuentro esta preciosa foto de Antonio Vega, muerto ayer, de Thomas Canet, y aquí la cuelgo a modo de homenaje y recuerdo. Me encantaba su voz, su estilo, su sensibilidad.

En este momentos, con el resuello de las guitarras de fondo, Antonio dice: “Caminos infinitos, caminos infinitos…”

La música del guitarrista y compositor José Antonio Chic, director de la orquesta Ensemble XXI y Profesor del Conservatorio de Monzón,  formará parte del plan de estudios de uno de los Centros Musicales más importantes del mundo, The Juilliard School de Nueva York.

Concretamente, los alumnos de esta prestigiosa institución trabajarán, durante el Curso 2009-10, el cuarteto de guitarras El lenguaje de las estrellas, que Chic escribió por encargo del Cuarteto Terpsicore y que este ha presentado con un destacado éxito de público en diversos Festivales y en giras por Alemania, Corea del Sur y Rusia.

La Juilliard incluye en sus programas de manera muy puntual obras de nuevos compositores.

Fundada en 1905 y con sede en el Lincoln Center de Nueva York, The Juilliard School está considerada una de las instituciones más prestigiosas del mundo de enseñanza artística. Posee una de las más importantes bibliotecas musicales, con manuscritos y borradores de obras de  Mozart, Bach, Ravel, Chopin. Schubert, Listz, Strawinsky...incluido el manuscrito de la Novena Sinfonia de Beethoven.
Está catalogada como la  escuela con el  proceso de selección más restrictivo de Estados Unidos, con una tasa de aceptación de alumnos inferior al 7 por ciento.

Entre sus ilustres graduados se encuentran los actores Robin Williams, Kevin Spacey, Christopher Reeve y los músicos Yo Yo Ma, Nigel Kenedy Chick Korea, Miles Davis y el compositor de bandas sonoras John Williams, entre otros. La obra El lenguaje de las estrellas será presentada en un concierto en el Lincoln Center, sede de la Juilliard School el  24 de abril de 2010.

*Esta noticia la ha remitido el propio José Antonio Chic.

Carmen París visita hoy “El reservado”

La cantante habla de sus padres, cuenta sus años de verbenas, bares y baloncesto y reflexiona sobre el éxito y la popularidad

Hoy lunes 27 de abril, la cantante y compositora aragonesa Carmen París será la invitada de “El reservado” el programa de entrevistas que presenta y dirige Luis Alegre en Aragón TV.

Carmen París, aunque nació en Tarragona en 1966, creció en Utebo (Zaragoza) y estudió Filosofía y Letras en Zaragoza. Curtida en verbenas, bodas, bautizos y comuniones –sobre todo con la Orquesta Jamaica–, su carrera dio un vuelco espectacular con el disco Pa mi genio (2002). Luego ha publicado Jotera lo serás tú eIncubando, y se ha consolidado como una de las artistas más estimulantes y personales de la canción española.

A lo largo de la charla con Luis Alegre, Carmen París cuenta lo afortunada que se sintió desde niña por “tener unos padres que se querían” y habla de la importancia de tener unos padres cariñosos para la vida de cualquiera. La cantante se extiende sobre la personalidad de sus padres, que eran bohemios, y recuerda que de niña le gustaba mucho ir a misa para cantar en el coro. Fue precisamente cantando durante una boda cuando fue descubierta por los miembros de la Orquesta Jamaica, con la que recorrió muchos lugares, sobre todo de Aragón. Carmen cuenta algunas vivencias insólitas de aquellos años: en Calamocha actuó únicamente para un abuelo y su nieto; en el hotel Papa Luna de Peñíscola, además de actuar durante varios veranos impartió clases de animación y gimnasia para niños y mujeres, y en Seo de Urgell sufrió un acoso.

Muy divertida, cuenta anécdotas cuando era camarera en el bar de sus padres en Utebo, muy frecuentado por el personal de la Base Americana. La cantante recuerda sus tiempos en la Universidad de Zaragoza y reconoce que su afición por el atletismo, y después por el baloncesto, “perjudicó” su carrera académica. La cantante también recuerda su amor platónico de juventud, aunque ahora agradece que no le hiciera mucho caso. Carmen París confiesa preferir el prestigio a la popularidad y habla del precio de la fama que ella ha visto pagar a compañeros suyos como Enrique Bunbury o Eva Amaral. La artista concluye la entrevista entonando maravillosamente una versión de La Albada, la popular canción de José Antonio Labordeta.

“El reservado”, con Luis Alegre, se emite el lunes a las 23:30 horas. Hoy: Carmen París. (La información corresponde a Prensa de Aragón Televisión y a la productora de ‘El reservado’.)

Laurie Anderson & Lou Reed

The Yellow Pony and Other Songs and Stories

La artista multidisciplinar, Laurie Anderson, y el músico, Lou Reed, una de las parejas más emblemáticas de la vanguardia musical y dos de los rebeldes más creativos del Nueva York mítico de los setenta, se han unido para presentar en directo un nuevo proyecto conjunto, “The Yellow Pony”, que incluye repertorio de ambos artistas, con sus temas clásicos y composiciones más recientes, en un concierto que mezclará música, historias, canciones y poemas.

Lou Reed y Laurie Anderson, pareja que, justo este mes cumple su primer aniversario de boda tras 14 años de relación, han elegido España para abrir la gira mundial en la que estrenarán el espectáculo “The yellow pony and other songs and stories”. El estreno será el 10 de julio en el Festival Porta Ferrada en Sant Feliu de Guíxols (Girona), y luego actuarán el 12 de julio en la Plaza del Obradoiro de Santiago de Compostela y el 14, en Madrid, dentro de los Veranos de la Villa.

En “The Yellow Pony” harán un repaso a su amplio y variado repertorio, abarcando temas clásicos del rock de Lou Reed, piezas instrumentales con dosis de improvisación, obras de spoken word de sus trabajos para teatro y duetos sobre el amor y sus diferentes variantes.

Desde los años noventa la pareja ha colaborado profesionalmente en diferentes ocasiones: en el álbum The Raven, de Lou Reed, se puede escuchar el violín de Laurie Anderson y en los discos Bright red y Life on a String de la artista, se puede escuchar la guitarra de Reed.

Como en todos los proyectos de Laurie Anderson y Lou Reed, “The Yellow Pony”, tendrá una cuidada puesta en escena con especial énfasis en el diseño de iluminación.

*Esta información corresponde a Pilar González.

Ana Gil remite la siguiente nota:

Les envío información sobre la exposición que inauguramos el 16 de abril y que durará hasta el 4 de Mayo, en horarios de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:30, de lunes a viernes.

La Exposición titulada “Aragoneses”, es una colección de retratos en blanco y negro protagonizada por personajes de referencia en diferentes áreas de la sociedad y la cultura aragonesa, son más de treinta fotografías realizadas conjuntamente por los fotógrafos Pilar Irala, Carmelo Esteban y Jesús Royo, miembros todos de GUSTAFF ROOM, y que se realiza a beneficio de la Fundación Daño Cerebral Sobrevenido ATECEA, nacida en 2005 a partir de la iniciativa de la Asociación de Traumatismo Encéfalo Craneal y Daño Cerebral Sobrevenido de Aragón. “Una vida salvada merece ser vivida” es el lema de la fundación en torno al que gira el concepto y estilo de la muestra.

Gustaff Room es un estudio fotográfico de origen británico que se establece en Zaragoza a mediados del 2008 después de un par de años en Barcelona. Como consecuencia de los trabajos del fotógrafo internacional Gustaff Choos. Actualmente cuenta con 5 fotógrafos: Pilar Irala, Javier Ordax, Carmelo Esteban, Chris Hassel y el propio Gustaff Choos.

Gustaff Room -Photographic Projects- desarrolla proyectos fotográficos dentro de diferentes áreas: publicidad, editorial, moda, magacines especializados, prensa, etc. Su departamento de diseño dirigido por Marta Rubio y el estudio Thiswayup, es uno de los  más creativos y originales del panorama nacional.

Además de sus trabajos nacionales Gustaff Room desarrolla encargos en países como Reino Unido, Alemania, Noruega, Italia, Francia y Estados Unidos. Consiguiendo de esta forma una fusión de conceptos original y única. Gustaff Room es un estudio independiente y autofinanciado involucrado en proyectos culturales y sociales de todo tipo.

*Un retrato de Carmen París, realizado por el estudio.

por Xoán ABELEIRA

Dicen que la poesía no puede transformar el mundo. Pero el mundo está compuesto de millones de almas abiertas a la poesía, dispuestas a trabajar por su propia transformación. La belleza, como el amor, como la solidaridad, tiene un poder curativo, y, al atravesarnos de parte a parte, actúa sobre nosotros provocando un efecto dominó. Fíjense, si no, en el compositor Eduardo Soutullo. Un día leyó estos versos de Oliver Wendell Holmes, médico y escritor estadounidense que en el siglo XIX alcanzó notoriedad pero que hoy, por desgracia, ha caído en el olvido: ““All the echoes listen,/ But in vain.../They hear no answering strain” (“Todos los ecos escuchan,/Aunque en vano…/Pues no oyen ningún sonido en respuesta.”) Y a partir de ellos, movido y conmovido por ellos, escribió un tríptico sinfónico, empleando esos versos como títulos de cada una de sus piezas. La que ayer estrenó en Vigo y hoy reinterpreta en A Coruña la Orquesta Sinfónica de Galicia es la última del conjunto. Así, con su misterio habitual, la poesía pasó de la superrealidad a Wendell, y de Wendell a Soutullo. Y ahora éste nos la transmite a nosotros transformada en compases.

         No es fácil ubicar a este gallego de indudable talento dentro del panorama actual, máxime cuando él mismo rehúye cualquier clasificación: “Aparte de haber desechado la recreación mimética de los modelos o formas del pasado (clasicismo, romanticismo, etc.), también he descartado siempre cualquier técnica de composición basada en la serialización, el cálculo, la combinatoria o cualquier otro proceso que coarte mi intuición y mi libertad como compositor.” Algunos críticos lo han incluido dentro del espectralismo francés, una corriente generada en la década de los sesenta por los integrantes del Ensemble L’Itinéraire y que, en efecto, influyó decisivamente en Soutullo (sobre todo Gérard Grisey). Pero él se siente “más próximo a la estética del post-espectralismo y del neo-modal”, y reconoce su deuda con “los trabajos de Olivier Messiaen, Toru Takemitsu, Magnus Lindberg, Marc-André Dalbavie o, en España, César Camarero y David del Puerto.” Nos estamos refiriendo aquí a un tipo de música “muy envolvente, de atmósfera, pero más intuitiva y tradicional”, ya que uno de los objetivos de este conjurador es “crear una vía de encuentro con el público”.

         Basta con escuchar apenas un fragmento de su arriesgada tentativa para darse cuenta de que lo ha conseguido. Tal vez por eso Soutullo no ha parado de cosechar premios en este último lustro tan fructífero para él. Por ejemplo: All the echoes listen, la primera parte del tríptico que acaba de concluir, obtuvo el Primer Premio en el Concurso Internacional de Composición Ciutat de Tarragona 2005 (el único certamen español miembro de la Federación Mundial de Concursos Internacionales de Música), y el compositor Tomás Marco Aragón, Premio Nacional de Música y miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, la definió en su día como "una de las más relevantes partituras orquestales producidas hasta ahora por el siglo XXI español".

         En esta parte final, They hear no answering strain, Soutullo ha echado mano “de una plantilla orquestal más numerosa que las de las dos obras anteriores, incluyendo al completo las secciones de cuerda y de viento de la OSG, además de emplear timbales, tres percusionistas, arpa y celesta. Al igual que en las otras dos obras del tríptico, el interés por la tímbrica y los colores orquestales (que incluye el uso de diversos tipos de sordinas en los metales o el uso de arcos de contrabajo en vibráfono y crótalos), no excluye una utilización explícita del tematismo. Los motivos y temas expuestos en las dos primeras obras del tríptico reaparecen desarrollados en ésta junto a otros nuevos, articulando el conjunto como un todo.”

         Wendell Holmes escribió: “El ruido de un beso no retumba tanto como el de un cañón pero su eco perdura mucho más.” Y también: “Lo que está delante y detrás nuestra apenas tiene importancia comparado con lo que reside dentro de nosotros.” Y esos son, precisamente, los ecos que aúllan o musitan en vano tanto en su poema como en el tríptico de Soutullo: los de la vida, los de la naturaleza, es decir, los nuestros. Los ecos en soledad que nos buscan sin hallarnos. Los ecos que nos llaman sin obtener respuesta. Los ecos, ay, de nuestro castillo interior cada vez más vacío, cada vez más ruinoso.

*Este artículo de Xoán Abeleira ha aparecido en la edición gallega de ‘El País’, dentro de la serie ‘O creador no seu obradoiro’. Esta foto de Soutullo fue realizada por Roser Sans.

Escribe Rafael Castillejo la siguiente nota sobre el guitarrista Luis Verdú, recién fallecido.

Estimados amigos:

 
Ha fallecido mi amigo, el guitarrista Luis Verdú.  El funeral será mañana lunes, 23 de marzo, a las 11 de la mañana, en la capilla núm. 1 del Cementerio de Torrero.

 Nos conocimos en el año 2000 y, desde entonces, fueron muchas las veces que tuve el placer de compartir escenario con él cuando presenté actos dedicados a la copla o a poesía andaluza y extremeña.  No sólo fueron actos culturales, no puedo olvidar aquellas noches de viernes en la desaparecida Sala Artistas, espectáculos benéficos, etc., casi siempre acompañando al recitador Fernando González y a las cantaoras: Rosario Halcón, Emilia Muñoz y Gracia Márquez.

 
Nunca ocultó haberse sentido influenciado por el gran maestro, Manuel Serrapí (Niño Ricardo) y me habló muchas veces de la sana rivalidad en su tiempo entre Ricardo y Montoya.  Como profesional, fue guitarrista oficial en Radio Córdoba en unos años en que la canción española y el flamenco reinaban sin discusión.  De esa manera, tuvo la suerte de poder acompañar a grandes artistas como: Manolo Caracol, Pepe Marchena, Juanito Valderrama o Antonio Molina.  Se casó con una zaragozana a la que había conocido en 1975 en Barcelona, estando los dos ingresados en la Clínica Barraquer.  La boda fue el 5 de marzo de 1977 en el Barrio de Casablanca, pero no fijarían su residencia en Zaragoza, hasta su retirada en el año 1994.  A los seis meses, Rosa Mari, su esposa, falleció.  Desde entonces, pasó su vida entre dar clase de guitarra española y colaborar en actos como los que antes mencionaba.  Por lo que a mí respecta, puedo decir que nunca se negó a participar en lo que le propuse, por eso, la foto de esta semana en mi página web, va dedicada a él en un día muy especial como fue el del homenaje que le rindió la Asociación de Amigos de la Música de Zaragoza y que tuve el placer de presentar.  Desde esa foto, haciendo clic donde figura su nombre en letra blanca subrayada, accederéis a su Web donde podréis escucharle tocar.

 
Descanse en paz.

 
www.rafaelcastillejo.com

Gonzalo Alonso es uno de los grandes músicos de Zaragoza. Un artista en el sentido más amplio del término. En los últimos años, se ha inclinado por el flamenco y ha fundado, con un amplio elenco de amigos, el grupo La Querencia. Recibo esta nota de la gira del grupo por París. Suerte. La foto la he tomado de envozalta. 

El flamenco fusión de La Querencia, a la conquista de París

Pasión y arte se conjugan con maestría y el público se embruja con la puesta en escena de La Querencia, grupo aragonés de flamenco fusión que, tras el éxito logrado recientemente en Toulouse, carga las maletas de ilusión renovada para su próxima actuación. Será en París este fin de semana, donde ofrecerán su espectáculo que combina el flamenco con otras disciplinas. El resultado: magia sobre un escenario.

Zaragoza, 3 de marzo de 2009

Toulouse les recibió con aplausos y éxito de público y ahora París se prepara para absorber su arte sobre un escenario. La Querencia, proyecto musical aragonés de nuevo flamenco, viajará este viernes y sábado a la capital del Sena para que los franceses disfruten, degusten y sueñen con su espectáculo de fusión. En él se mezcla baile y música y ofrecen composiciones propias a medio camino entre el flamenco clásico y la música de cámara. Interpretan tarantas, tangos, tanguillos, bulerías y rumbas con una instrumentación singular (dos guitarras españolas, piano, viola, flauta travesera, percusión, bajo eléctrico y dos cantaores), consiguiendo así unos ambientes sonoros elegantes y un personal estilo musical. París es su próximo destino y, por el momento, la expectación es máxima. “Tenemos concretadas entrevistas en medios locales parisinos y han salido noticias previas a la actuación”, subraya el ex cantante del grupo Días de vino y rosas, Gonzalo Alonso.

Este triunfo ha sido refrendado recientemente en su actuación de Toulouse. “Además de porque los franceses son muy sensibles a la música flamenca, fue un gran éxito porque el espectáculo ofrece una mezcla de ambientes más melódicos, con momentos de mucha fuerza combinados con el baile. Ha sido una experiencia muy enriquecedora”, añade el artista.

Una bailaora aporta la sensualidad y la fuerza del genuino baile flamenco. Se trata de un espectáculo apto para todos los públicos, detallista y enérgico y que no deja indiferente, puesto que la música de La Querencia tiene personalidad propia dentro del rico mundo del flamenco fusión.

Este proyecto se ha consolidado como una de las apuestas más sólidas del nuevo flamenco en Aragón. El hecho de contar con músicos que provienen de diferentes lugares geográficos y estilos favorece la creación de La Querencia. “Lo mágico es el aporte de cada uno, el encuentro. Nuestra música no es parecida a casi nada, es una música viva, no tiene rasgos de otras músicas”, señala el guitarrista Paquito de la Serrana.

Asimismo, tal y como indica Gonzalo Alonso, “el flamenco es una música tan rica que acepta muchas posibilidades de fusión, con música brasileña, con el jazz, con clásica… pero sin perder el respecto al flamenco cabal. Creo que es saludable que el flamenco se fusione con otras músicas para luego nutrirse de ellas”, añade.

EL DISCO

Inmersos en las actuaciones en directo, La Querencia dispone actualmente de poco tiempo para dedicar a la grabación de su disco. Pero es un proyecto en marcha y que pretenden presentar a finales de este año. “Queremos grabar el espectáculo que tenemos montado, es difícil porque siempre tenemos directos…”, se lamenta Gonzalo.

No obstante, la idea es que el propio directo enriquezca el disco y, por eso, la idea es grabarlo en directo, “si no en estricto directo, sí gran parte. Hay una magia que se pierde en el estudio, porque nuestra música es muy visceral y pasional. La música en directo nos suena muy espontánea, depende de cómo está el cantaor, te hace un giro melódico que te hace tocar de otra manera”, resalta Alonso.

LOS COMPONENTES

La Querencia se nutre de la maestría de diferentes músicos. “No hay una música que sea un patrón en la que se apoyen los demás, sino que cada uno aporta lo suyo y tiene su momento”, resume el guitarrista Paquito de la Serrana. Esta formación se compone de varios artistas que incorporan su raza y su carisma en cada interpretación: Gonzalo Alonso y Paquito de la Serrana comparten arte con la bailaora Nuria Cazorla; José de Pasaia (cantaor y compositor); Toñín Gabarre (al cante); Miguel Zarazaga (viola); David Jiménez (percusión); Simón Fernández (flauta travesera) y Guillermo Mata (bajo eléctrico).

ENTREVISTAS: DIEGO EL CIGALA Y UNAI ELORRIAGA

REPORTAJES: JANE BIRKIN Y ‘EL PAPEL DE LA DIFERENCIA’: REVISTAS CULTURALES ESPAÑOLAS

PLATÓ: ANA AÍNSA Y PABLO MURILLO, AUTORES DE ‘CORRIENTES DE VIDA’ Y FRANCISCO ABADÍA

ACTUACIÓN: LA CHAMINERA: ÁNGEL VERGARA Y MARÍA JOSÉ MENAL

El programa Borradores recibe esta noche en el plató a la escritora y periodista Ana Aínsa y al fotógrafo Pablo Murillo, autores del volumen ‘Corrientes de vida. Cuaderno de viaje de los ríos de Aragón’ (Gobierno de Aragón), donde recorren la casi veintena de caudales que surcan el territorio, desde el Aragón, río de la montaña, hasta los ríos Matarraña y Guadalope, pasando por el Ebro, el Gállego, el Huerva, el Guadalaviar e incluso el Canal Imperial de Aragón. Pablo Murillo ha intentado captar la fuerza del paisaje bajo la cambiante luz de las estaciones y Ana Aínsa inventa una voz para cada río, de tal modo que el lector asiste a una especie de confesión o monólogo de cada caudal. Se ofrece una selección de las más de 600 imágenes del volumen.

José Francisco Abadía Álvarez, profesor e historiador, explica las claves de su trabajo ‘Ejea de los Caballeros en la Guerra de la Independencia’, en el que aborda, con todo lujo de detalles, las claves de este periodo en la población de las Cinco Villas, que contaba con unos 2.500 habitantes y un 3.5 % de ciudadanos vinculados con el clero. Abadía glosa la importancia de Palafox, algunos casos de picardía y deserción, la capitulación y los sucesivos estadios de Ejea como núcleo josefino, napoleónico, constitucionalista, etc. Abadía también habla de un importante proyecto cultural que es la revista ‘Ágora’, un auténtico foco de creación y de iniciativas culturales de Ejea.

El grupo La Chaminera, compuesto por Ángel Vergara y María José Menal, hablan de su último proyecto literario y musical: ‘La Chaminera entre líneas’ (Rolde), e interpretan dos temas del folclore popular: ‘El piojo y la pulga’ y ‘La gaiteta de Vilella’, una canción para títeres. Ellos abren y cierran Borradores.

Además, se ofrecen un reportaje sobre la cantante, actriz y directora de cine Jane Birkin, que presenta el miércoles 4, en el Auditorio de Zaragoza, su último disco: ‘Enfants d’Hiver’; el programa sorteará tres entradas entre sus espectadores. Ana Catalá conversa con Diego ‘El Cigala’, que ha participado en el Festival de Flamenco de Zaragoza, en la que el gran cantaor habla de sus inicios, de su trabajo con Fernando Trueba y de Bebo Valdés, de su atracción hacia la pintura de Picasso y de los secretos del cante. En vísperas de elecciones, el escritor vasco Unai Elorriaga nos acerca su mundo literario y defiende su libertad de creador por encima de todo. Y, por último, también se ofrece un reportaje sobre la exposición de revistas literarias que se exhibe estos días en la Biblioteca de Aragón: ‘El papel de la diferencia’, un recorrido por más de un centenar de cabeceras actuales y un repaso a las revistas de la II República, el exilio, del franquismo y la Transición.  

Borradores. Realización: Teresa Lázaro. Ayudante de realización: Yolanda Liesa. Producción: Mamen Delpón. Producción delegada: Patricia Bertol. Redacción: Ana Catalá Roca. Aragón Televisión.0.15, de jueves a viernes. Redifusión en la madrugada de los viernes. Canal Satélite Digital, 97. La foto está tomada de 'El País'.

(Plaza Salamero de Zaragoza

HOTEL en directo presentando los temas de  su EP "La Suite de Marc Star".

Si te gustan T-Rex, Bowie, Dylan, Led Zeppelin, Burning o los Stones, no te pierdas la puesta de largo de  una de las bandas de rock más en forma del panorama aragonés.

Rock and roll vintage.

www.myspace.com/hotelrockzaragoza

www.hotelmusica.com 

AUTORRETRATO DE HOTEL

El rock no ha muerto y estos cuatro zaragozanos lo saben y están dispuestos a demostrarlo a guitarrazo limpio. Unidos por la convicción de que se puede hacer música en castellano sin alejarse de los postulados de los Stones y compañía, Hotel nos trae su decidida apuesta por el rock&roll vintage que no dejará indiferentes a quienes aman el guitarreo y los sonidos retro. Hotel es el glam-rock de T-Rex, los riffs adhesivos de Led Zeppelin, Keith Richards pedo, las gafas oscuras de Pepe Risi, las melodías que surgen en amaneceres con ojos líquidos, cuatro hombres de barra que no saben ni quieren bailar… Su primer trabajo en estudio se llama “La suite de Marc Star” y ha sido producido por el holandés Alan Roy Schenk - A.K.A. “Chino Loco” – quien ha sabido captar a la perfección la fuerza y la sonoridad natural del directo de la banda. Un directo que ya se ha podido disfrutar en citas y escenarios tan importantes como la carpa de Interpeñas de Zaragoza, el festival Anciles Directo, La Casa del Loco, la sala Bass Space o la Plaza de Toros de Zaragoza. (Hotel toca el jueves próximo en Borradores dos temas). La foto, creo, es de Javier Clos.

Escriben Luis Miguel Bajén y los amigos de Biella Nuei

Hola,

Queremos informarte de que el tema ’Las Tarantainas de la Casa Sin Pared’ del disco de Biella Nuei ‘Sol d’ibierno’ aparecerá en el recopilatorio European Playground del sello de Nueva York PUTUMAYO.  El disco saldrá a la venta el 19 de mayo. Putumayo World Music se fundó en 1993 con el objetivo de familiarizar a la gente con la riqueza y diversidad de la música internacional. Hasta la fecha ha vendido más de 10 millones de discos y se distribuye en más de 60 países.

De vez en cuando me escribe ese enamorado de Zaragoza y de su pasado reciente, especialmente los 50, 60 y 60, que es Rafael Castillejo: cantante, presentador, curioso y amigo de sus amigos. Es una criatura particular en el paisaje sentimental de Zaragoza. Me envía esta foto y dice: “De izquierda a derecha: Charlie Barnett, Tommy Dorsey, Benny Goodman, Louis Armstrong y Lionel Hampton .¿Cómo puede caber tanta música en una sola fotografía?”. Añade que la foto pertenece a la Colección de Jerry Murbach.

O poeta e traductor Xoán Abeleira publica hoxe en La Opinión de A Coruña unha traducción ao galego dun poema de Patti Smith. Envíamo, e aquí está para todos vós. Di Abeleira:

Realizo esta versión libre dun poema homónimo de Patti Smith xusto a carón de Artium, o fabuloso museo de Vitoria/Gasteiz onde veño de fitar Written Portrait. Unha exposición que, de poderen, non deberían perderse, pois, alén de ser a primeira que se organiza na Península Ibérica, contén o muin (o celme ou a esencia, en éuscaro) desta indefinible multicreadora estadounidense: poesía, pintura, fotografía e, xaora, música. Para colmo, Laura Fernández Orgaz, a comisaria do evento, encargoulle ó poeta Benjamín Prado a tradución dunha boa mostra do seu labor lírico, a cal poderán mercar, en edición trilingüe, canda o magnífico catálogo distes rubís hindús.

UN LUME DE ORIXE DESCOÑECIDA

De Patti SMITH. Versión galega de Xoán ABELEIRA

Estás desgustada encabuxada
Desencantada de todo
De todo o que unha vez
Ámbolos dous cremos

Exacta
Mente
Coma min

Sen dúbida eu debería
Ter deixado de venerarte ter parado
De tentar mesmo de ser
Ti

Un lume de orixe descoñecida
Arrebatoume o meu amor
Un lume de orixe descoñecida
Levou lonxe o meu amor

Varreuno a feito fóra
Da miña lonxitude de onda
Devorouno coma o océano
Nun fogo denso e gris

A morte vén varrendo
Todo o corredor
Coma o vestido dunha dama
A morte vén fungando
Pola autoestrada abaixo
Co seu traxe de domingo

A morte vén conducindo
A morte vén reptando
A morte vén arreo
E eu non podo facer ren

A morte vai
E vén e secasí

Debería haber algo
Cando menos haber algo
Que ficase para sempre

A morte enfermoume e toleoume
Pois ise lume estraño
Levou lonxe o meu amor

Ben lonxe

Ela deixoume todo deixoume
Tódalas súas cousas

O seu vestido de noiva
Badaleando no armario

*Patti Smith retratada magistralmente por Annie Leibovitz.

O amigo Manuel Pereira recoméndame o blog de Juan L. Blanco Valdés Fragmentos da galaxia. Repaso o arquivo e gústame moito esta nota sobre a música británica e en particular sobre Jethro Tull, unha banda que coñecín en Zaragoza no ano 1978. Gustoume moito o seu álbum Minstrel in the gallery.

ANDERSON+BARRE

Por Juan L. BLANCO VALDÉS

Ninguén discute hoxe o liderado que o rock británico ten exercido internacionalmente. Nos corenta anos que median entre os Beatles e Coldplay houbo de todo: desenvolvementos e propostas para todos os gustos, unhas máis convencionais outras máis rompedoras e outras que a duras penas encaixan nos intentos clasificatorios: pop, mod, rock duro, metálico, heavy, folkrock, jazzrock, rock progresivo, new wave, gothic... A miña melomanía -en calquera caso voraz, indiscriminada e que non sabe de límites- talvez por xeración pero supoño que tamén por inclinación persoal, ten unha débeda especial co rock sinfónico.
Non son poeta de abondo para gabar a excelsitude de producións como o Hamburger Concerto, de Focus, sen dúbida un dos cumios máis sublimes do xénero, Trilogy de EL&P ou Fragile de Yes. Coa perspectiva do tempo, teño para min que, con diferenzas claro entre elas, a maior parte das propostas xurdidas daqueles músicos, virtuosos e clasicistas, cultos e extravagantes, sabiamente rompedores, teñen resistido admirablemente o paso do tempo. The Great Deceiver de King Crimson, The Endless Enigma de EL&P ou algún dos números do álbum dobre de Camel, por poñer un par de tres exemplos, seguen mantendo intacto o fascinante engado que exerceron na miña sensibilidade de adolescente cando os escoitei por vez primeira. Pero a poucas formacións británicas da época atribúo con todo merecemento un adxectivo que, cando aplicado ás obras da arte, resulta moi arriscado, pois pode destilar a máis exquisita sublimidade ou ser explicación do fiasco: desconcertante. Esa formación desconcertante é Jethro Tull, o grupo, liderado polo inclasificable Ian Anderson, que ía nos seus inicios (This Was, 1968, xoia que posúo en vinilo orixinal) para banda de blues. Ningún grupo do que eu teña noticia efectuou un labor de síntese musical comparable (folk, blues, jazz, rock experimental...) destilándoo nun novo produto orixinalísimo e elaborado ata o puntillismo. Na flauta e voz do hiperactivo xoglar Anderson e nas máxicas guitarras de Martin Barre están entrelazadas as melodías das campiñas e bosques, o rechouchío dos paxaros no amencer do cazador, os berros de riña das tabernas medievais, a resoancia das catedrais, os alaridos ingratos do vagamundo e o tépedo veludo da voz do amante.
Cando, con doce ou trece anos, escoitei por vez primeira Aqualung, mentres me deixaba engaiolar polo soprendente deseño externo do álbum e escudriñaba a insondable expresión de maldade do clochard da cuberta, tiven a sensación de que, como dixeron a Bogart, aquilo ía ser o comezo dunha gran amizade. Estaba no certo.

El próximo sábado 7 de Enero

Teruel. Cine Maravillas (20.00 h.)

Estreno mundial del documental (63 minutos)

Patrocinado por Fundación Amantes

José Antonio Labordeta

Con la voz a cuestas

Dirigido por José Miguel Iranzo y Joaquín Carbonell

Un retrato íntimo y personal contado a cámara por el abuelo de los cantautores españoles. A lo largo de 63 minutos se repasa toda una vida repleta de diversas actividades, que van de la música a la literatura, de la televisión a la política. Labordeta relata de manera directa y espontánea, lo más significativo de su carrera: su infancia cerca del Mercado, su relación con Miguel, su hermano, su entrañable etapa en Teruel, su dilatada pasión por la música...

El documental incorpora, además, varios documentos inéditos, la filmación de su boda con Juana o unas escenas informales de su hermano Miguel, con otros poetas de la generación Niké.

Varios amigos y personajes apostillan con anécdotas y vivencias algunas de estas etapas. Mari Carmen Magallón, Emilio Gastón, Eloy F. Clemente, Joaquín Carbonell, Eduardo Paz, Gonzalo Tena, José Luis Trasobares y Carmen Gallego, ponen el contrapunto a las palabras de Labordeta.

El pasado verano conocí al grupo China Chana, de Villamayor, en el festival de Ejulve, Teruel. Hubo grupos excelentes, pero quizá ninguno tan fresco como éste. Cuando volvió Borradores tras su primer descanso de verano, el primer grupo que actuó fue China Chana en acústico. Ahora, el Colectivo Anguila, ese dúo insaciable que nunca se cansa de mirar y de atrapar los mínimos gestos de la música y de sus intérpretes, ha retratado a la joven banda así, con este aire de época, con este acento tan teatral, de barbería o taberna del sur.

[*Reproduzco aquí la carta de Leonardo Lunetta, que busca la música italiana que ha aparecido en España en la televisión. He buscado por aquí y por allá un poco, pero no soy la persona más adecuada. Nos hemos carteado en varias ocasiones. Si alguien puede echarle una mano, puede escribir aquí o enviarle a él un correo electrónico: elledue@alice.it.]

Mi nombre es Leonardo Lunetta, yo soy de Roma, Italia.

Soy apasionado de la música de los años 60 y 70. Tengo muchos programas de la TV italiana y alguno de la Tv espanola.

Por favor estoy buscando actuaciones de los '60s y los años 70 en Espana y Suramerica televisiones de los cantantes italianos PATTY PRAVO - MIA MARTINI - MINA - GABRIELLA FERRI - HERBERT PAGANI

Tengo los títulos de algunos programas que esté buscando.

Pero estoy interesado a cualquier otro programa de la TV de países de Surámerica y España y otros países  con Patty Pravo, Mia Martini, Mina, Gabriella Ferri y Herbert Pagani

SENORAS Y SENORES! 1974 - con Patty Pravo

ESTELAR 1973 - con Patty Pravo
RAPHAEL SHOW 1974 - con Patty Pravo

CONCHITA VELASCO SHOW - con Patty Pravo

MUSICAL DE MALLORCA 1975 - 17-18-19 Abril 1975 con Mia Martini

GALAS DEL SABADO 1969 - con Mina

TELERITMO 1966 - con Mina

TELERITMO 1968 - con Mina

FESTIVAL DE VINA DEL MAR 1971 - con Herbert Pagani

FESTIVAL DE VINA DEL MAR 1978 - con Patty Pravo

Estaría muy contento de compartir nuestras rarezas. Estaría dispuesto a comprar una copia de los programas en DVD-R.

La prestigiosa revista musical Efe Eme, ha elaborado la lista de los 20 mejores discos del año 2008. Una vez más ha incluido a Joaquín Carbonell y su álbum “Clásica y Moderna” (Voces-Factoría Autor). Dos aragoneses más aparecen en la lista, Amaral y Santiago Auserón.
Carbonell se presenta el domingo 18 (19.00 horas) en la sala Luz de Gas de Barcelona, seleccionado para el XIV festival Barnasants de Música de Autor. 

[Ilustro esta nota sobre el estupendo disco de Joaquín  Carbonell, que acabo de recibir, con una preciosa foto de Eugenio Recuenco que he encontrado en internet.]

El mejor plan para la noche del viernes, 19 de diciembre:

Actuación del punktedrático

Túa Blesa

que se transformará junto al grupo GASCOIGNE

en

DOCTOR TÚA Y LOS GRADUADOS

¡Contra todo!

A las 22,30 h. en el Centro Cívico Delicias

Actuarán también DON NADIE, DANIEL RABANAQUE Y ZOMBRA con "Vendería mi billete interestelar"

DJ BARBARELLA

Entrada destinada íntegramente

al Proyecto "ZARAGOZA REBELDE", 10 €

Hace más de treinta años, en la Universidad  de A Coruña, oí por primera vez las canciones de Labordeta. Las ponían a cualquier hora dos alumnos de Huesca: Rafael Oliva Ballarín y Lucas Mallada. Estremecía aquella forma de cantar con garganta de trueno y vendaval. Un domingo de hace ahora 20 años, entrevisté por vez primera a Labordeta. Presentaba ‘Que vamos a hacer’, un disco que tenía un sencillo que sonaba mucho: ‘Joven Paloma’. Desde entonces seguí su trayectoria en toda su amplitud: los años de Teruel y ‘Andalán’, su obra poética y narrativa, sus incursiones en los viajes y en los libros de memorias, los nuevos discos que insistían en ese mar de amor que es la tierra y sus raíces, los mil y un proyectos que apadrinaba sin desordenar el bigote, su transformación en laborioso político de éxito.

Mis primeras referencias de Aragón fueron ‘Los magníficos’, Perico Fernández, La Romareda y el Ebro, pero quien empezó a darle consistencia y mito fue Labordeta: con él accedí a un mundo rural maravilloso y duro, a ese inmenso laberinto de historia. Luego, descubríamos a Goya, a Cajal, a Sender, a Pilar Bayona, fuimos descubriendo el paisaje y sus batallas de antaño, la vinculación con el cine, el menú inagotable de raros y visionarios de este solanar (desde Miguel de Molinos hasta Orensanz), y ahí, siempre, como un adalid del desierto, como una voz de pregonero que salta los montes de plomo, estaba Labordeta. Ahí estaba y está: es el hombre inmortal que pone clamor y coro a sus paisanos. El miércoles, en el Principal, Labordeta volverá a encender la llama de la emoción. Con pudor y sin lágrimas, cantará y llorará con todos.

*José Antonio Labordeta, en su casa, retratado por Pedro Hernández, uno de los estupendos fotógrafos del colectivo Anguila.

Esta primera incursión de Juanma Bajo Ulloa en el género documental es un caso, único en España, de confluencia entre obra cinematográfica y musical, que alguien ha dado en definir como “Documental romántico de rock”.

Es una obra basada en la historia de Distrito 14, grupo de rock español que durante 25 años ha permanecido casi en la “clandestinidad comercial”, creando a su alrededor una aureola de culto que ha sido trasladado, la mayor de las veces, fuera de nuestras fronteras, con aventuras musicales en Alemania, Cuba y EE.UU.

A través de una visión personal sobre la historia y el legado musical de esta banda extraordinaria, Bajo Ulloa, quiere hacer un particular homenaje a todos los grupos de rock que luchan día a día por abrirse camino en el difícil mundo de la música.

Esta obra habla de ilusiones, de sueños, de constancia. Valores que parecen estar en peligro de extinción y que, como nadie, reflejan los componentes de este singular grupo. No es un documental musical, sino la visión de la lucha diaria de sus protagonistas  por conseguir un objetivo y cumplir un sueño, en la franca ilusión de mover mentes y corazones a través de notas y palabras. Porque sigue habiendo muchas cosas que decir, muchas cosas que cantar.. y alguien debe hacerlo.

En palabras de Juanma Bajo Ulloa:

“Esta es una gran historia humana. Además de un manipulador de las emociones,  me gustaría aspirar a ser un narrador de historias, por ello es lógico que me interese por las vidas y los comportamientos dramáticamente interesantes, y estos lo son.”

“Me siento identificado con estos músicos porque ellos hacen lo que desean y luchan por lo que creen, y esa ha sido mi (poco rentable económicamente) máxima  hasta hoy”.

“No soy capaz de explicarlo con palabras. Por eso lo he rodado”

“Fragmentos extraídos como adelanto de entrevista

para Heraldo de Aragón. Por Matías Uribe”

*Este texto procede de Mariano Casanova, líder de Distrito 14, y de su equipo de colaboradores. Mariano está muy entusiasmado con este proyecto.

Coco Fernández, compositor e intérprete hispanouruguayo nacido en Montevideo, de intensa y reconocida trayectoria en nuestro medio (destacándose su trabajo con Carmen París; Especialistas; Gabriel Sopeña; Willy Jiménez&Chanela; Gladston Galliza, entre otros), nos presenta en esta oportunidad su reciente cd titulado La Cabeza Sonando.

Producido por el propio artista y grabado entre ambas orillas del Atlántico, cuenta con la participación de 40 de los más destacados músicos de España y Uruguay.

Éste trabajo recoge las canciones más importantes de su cosecha de los últimos 7 años donde combina sus raíces uruguayas (el candombe y la murga), con el lenguaje más actual y variado de la música popular del planeta.

Apoyado por una formidable banda de 7 músicos provenientes de diversos países, Coco Fernández actuará los días 26 y 27 de noviembre en el Centro Cívico Universidad de Zaragoza (c/Violante de Hungría 4) a las 21:00 horas.

Las entradas estarán disponibles en dicho centro el mismo día del concierto a partir de las 19:00hs y para celebrar el estreno incluyen el cd La Cabeza Sonando de regalo.

Contacto para prensa : cocomusic@ya.com     tel: 630058296

[Amaia, del gabinete de prensa de Syntorama, anuncia que Mariza arrasa allá por donde va, que vende todas las entradas, y traza esta trayectoria de la gran cantante de fados: una mujer, de espléndida voz, de una inusitada fuerza y dulzura en escena, que sigue el camino trazado por Amalia Rodrigues, Misia o tantas otras. La nota corresponde a Syntorama. Mariza actúa el jueves 20 en Zaragoza, el mismo día en que presentan libros Miguel Mena (FNAC), Ángel Guinda (Olifante), José Damián Dieste y Ángel Delgado (Ámbito Cultural).]

Mariza, una de las artistas portuguesas más emblemáticas de la actualidad y con mayor proyección internacional, ha comenzado su gira por nuestro país. Tras actuar en Andorra, donde se agotaron las localidades, actuó al día siguiente en Girona, donde el cartel de SOLD OUT llevaba colgado varias semanas. A estos dos conciertos les seguirán el Palau de la música de Barcelona (19 de noviembre), que está próximo a agotar, Zaragoza (20 de noviembre) y Baena en Córdoba (22 de noviembre) dentro de su impresionante gira mundial, en la que presentará su nuevo álbum Terra, poducido por Javier Limón.

La gira internacional de Mariza comenzó el 14 de agosto en Castelo Rodrigo (Portugal) y tras recorrer Rumanía, Francia, Bélgica, Suecia, Finlandia, Holanda, Luxemburgo, Bulgaria, Holanda, Suiza, Alemania, Reino Unido, Austria, Noruega, Andorra, España y Serbia, finalizará en Budapest (Hungría) el 12 de diciembre de 2008 tras 45 conciertos. Después, el 13 de febrero de 2009 comenzará su gira americana en Toronto (Canadá), que finalizará el 2 de mayo en San Francisco (Estados Unidos), después de 48 conciertos. En total, 93 conciertos en nueve meses marcan una de las giras más largas e importantes de un artista durante este periodo.

Producido por Javier Limón, en Terra a la guitarra portuguesa típica del fado se unen el guitarrista británico Dominic Miller (uno de los músicos de Sting durante los últimos 20 años), tres pianistas (el brasileño Ivan Lins y los cubanos Chucho Valdés e Ivan “Melon” Lewis), Javier Limón (que también toca la guitarra flamenca) y el percusionista español Piraña (el favorito de Paco de Lucía). La voz de Mariza se mezcla perfectamente con la de Tito Paris (de Cabo Verde) y con la de Concha Buika. Juntos, arropando la voz de Mariza, tejen una cosmopolita mezcla de flamenco y morna de Cabo Verde, de jazz y folk, siempre con el espíritu y el sonido portugués bien presente. Su puede llamar fado o, simplemente, Mariza.

Mariza, que ha vuelto a ser nominada este año una vez más por su nuevo disco TERRA al “MEJOR ÁLBUM DE FOLK” por la Academia de Grammy Latinos, lo resume todo con una palabra: “Verdad”. Y añade: “Durante siete años de giras internacionales tuve la oportunidad de descubrir otras gentes y otras culturas. Ví, escuché y aprendí. Éste es mi momento. Ésta es mi verdad. Siempre he sido honesta conmigo y con mis fans. Y quería que este álbum mostrase mi progreso como cantante y como ser humano. Mis dos discos anteriores, Transparente y Concerto Em Lisboa fueron para mí como el final de un ciclo. Decidí llamar Terra al nuevo álbum, quizá porque siempre he tenido los pies firmes en la tierra y porque la grabación fue como un viaje musical”.

Nacida en la antigua colonia portuguesa de Mozambique en 1973, Mariza se ha convertido desde entonces es una estrella internacional, con actuaciones en el Royal Albert Hall de Londres, en Carnegie Hall de Nueva York y en el Disney Concert Hall de Los Angeles, entre otros grandes auditorios. Renovadora del fado, Mariza ha publicado álbumes fundamentales como Fado em Mim (2001), Fado Curvo (2003), Transparente (2005) y Concerto Em Lisboa (2006), además del DVD Live In London (2004). A ellos se une ahora Terra, que presenta en concierto en Girona, Barcelona, Zaragoza y Baena.

Meu fado

Trago um fado no meu canto
Canto a noite até ser dia
Do meu povo trago pranto
No meu canto a Mouraria

Tenho saudades de mim
Do meu amor, mais amado
Eu canto um país sem fim
O mar, a terra, o meu fado
Meu fado, meu fado, meu fado, meu fado

De mim só me falto eu
Senhora da minha vida
Do sonho, digo que é meu
E dou por mim já nascida

Trago um fado no meu canto
Na minh'alma vem guardado
Vem por dentro do meu espanto
A procura do meu fado
Meu fado, meu fado, meu fado, meu fado

[Esta noche, a las 20.00 horas, en el Festival de Jazz, en la sala Multiusos, actúa Lizz Wright, la joven y gran cantante norteamericana negra a la que comparan con Ella Fitzgerald y Billie Holliday. A ambas les ha rendido homenaje. Hace poco publicaba su álbum The orchard (La huerta). Miguel Ángel Tapia Jr., gran forofo del Manchester United y seguidor acérrimo del jazz, me ha recomendado esta entrevista de Chema García Martínez, publicada hace poco, en concreto el pasado mes de marzo, en El País, para conocer mejor a esta maravillosa cantante educada en el espiritual, en el gospel y en el blues.]

LIZZ WRIGHT, DEFINITIVAMENTE LA VOZ

Chema GARCÍA MARTÍNEZ / El País

Tiene el día tonto. El que más temen las estrellas. Lizz Wright -lo último en cantautoras casi jazzísticas- recibe a los medios para hablar de su tercer disco: The orchard. La estadounidense afronta un maratón de entrevistas y desplazamientos promocionales. Ayer, Oslo; hoy, Madrid; mañana, Berlín.

Ha aprovechado el poco tiempo libre para pasearse por el madrileño barrio de Las Letras, donde está alojada. “Antes estaba siempre preparada para hablar de lo que fuera, pero ya no tengo esa energía”, confiesa. “Eso de estar en permanente alerta a ver qué me van a preguntar para contestar algo que no haya dicho antes me deja exhausta”. Y es que Liz Wright ha vivido en 28 años lo que otros en toda una vida. Y lo que le queda. “Por eso he hecho este disco, para recordar lo que soy y lo que fui. Algunas veces estoy en un lugar y siento algo muy dentro que me dice: aquí es donde empieza mi música. Y eso fue lo que sentí justamente mientras estaba apoyada en la cerca contemplando los campos de la casa de mi abuela en Hahira (Georgia). Fue como si el tiempo se detuviera, y pude sentir la tristeza de mis antepasados que trabajaron aquella huerta; ésa es la tierra de donde vengo y ahí es donde empieza todo para mí?”

The orchard (La huerta) es la banda sonora de la infancia de Wright en una pequeña comunidad rural del sur de Estados Unidos: "La foto de la portada está tomada a sólo 10 millas de donde nací", explica la cantante. “Ésa soy yo y ése es mi lugar, aunque ahora viva en Nueva York. Me he pasado la vida cantando en aquellas pequeñas iglesitas del sur adonde la gente acude buscando una cura para sus males o algo de calor humano? cantar para ellos es como cocinar, se trata de mezclar los ingredientes y esperar a que el potaje alcance la temperatura adecuada; y a un tiempo, se supone que uno trata también de comunicarse con Dios. Por eso, mis canciones son para mí como un plato de comida y como una oración. La única diferencia es que ahora tengo un micrófono delante, lo que a veces resulta un verdadero incordio”.

Cinco años después de su primera aparición sobre un escenario, cantando a Billie Holiday en un homenaje a la diva del jazz, sigue siendo la misma larguirucha tímida y encantadoramente torpe sobre las tablas. Una dama en apuros con la voz más condenadamente hermosa que pueda imaginarse. “El otro día leí una reseña sobre mí en una revista en la que decía algo así como que mi voz es el no va más, pero como compositora dejo que desear. Estuve pensando un rato y me dije: vengo del lugar donde nació el blues. Lo que hago forma parte de esa tradición en la que lo único que importa es el sentimiento y lo demás sobra. Ésa es su grandeza y su miseria: si tienes demasiadas palabras que decir y sobre las que pensar, o si has de sugerir una idea demasiado compleja, la emoción se pierde. Ésa es la razón por la que me gustan las letras sencillas. Dicho esto, me gustaría encontrarme con el tipo que escribió eso e intercambiar con él unas palabras”.

Si una parte de la crí­tica ha puesto algún reparo a sus habilidades componiendo, la industria lo tiene claro: Lizz Wright un valor en alza. Incluso en una época como la actual, su sello no ha dudado en tirar la casa por la ventana para vestir su tercer disco. El mejor productor -Craig Street (Cassandra Wilson, K. D. Lang, Me Shell NdegéOcello)- y los mejores músicos de sesión, incluyendo al guitarrista Oren Bloedow -un tótem de la escena de vanguardia neoyorquina- o a Joey Burns y John Convertino, de Calexico. “Antes de empezar a grabar, Craig me preguntó por la música que escucho y le hablé de Calexico. Cuando vi aparecer a Joey y a John no me lo podía creer. Estaba deslumbrada”.

Por el mismo precio, en The orchard pueden encontrarse algunas versiones memorables de Ike & Tina Turner (I idolize you), Patsy Cline (Strange), Sweet Honey in the Rock (Hey mann) y Led Zeppelin (Thank you): “Un amigo me cantó la canción sin decirme de quién era, me gustó y decidí que entraba. Así de simple”. Lo más sorprendente: My heart, una sugerente invitación al baile con la joven dama de la canción sureña convertida en el reverso tenebroso de Jennifer López. “Todo empezó como una broma entre mi amigo Toshi (Reagon) y yo, que si no soy capaz de cantar algo tan rápido y tan simple? nos pusimos con ello, él tocando la guitarra y yo cantando, y cuando me quise dar cuenta ya estaba metida hasta el cuello. Lo que empezó como una broma terminó siendo una canción; el tipo de canción en el que el cuerpo va antes que la voz. Bailas un poco, cantas un poco, sigues bailando, cantas otro poquito”.

Aceptémoslo: Lizz Wright es atípica en todo. Una estrella sin vis escénica, ni una imagen definida, ni una vida privada que vender a la prensa rosa; una cantautora que interpreta versiones de otros autores y una cantante de jazz que no canta jazz, aunque comenzó haciéndolo. Volvió a hacerlo en abril del pasado año, con ocasión del multitudinario homenaje que se le tributó a la gran Ella Fitzgerald en la Universidad del Sur de California. “Yo me veía en medio de todo aquel pandemonio, rodeada de tantos iconos de la música americana, aquí Quincy Jones y un poco más allá Stevie Wonder, y no me lo creía. Pero, a un tiempo, estaba inusualmente tranquila. Era como si hubiera recibido una invitación de la propia Ella para unirme a la fiesta. Llevaba un tiempo empapándome de su música y ya formaba parte de mí. Y luego estaban todas las demás, como Natalie Cole o Patti Austin, que se portaron tan fenomenalmente conmigo. Me bastaba con estar por ahí dando vueltas en torno a ellas para sentirme la más guapa del baile”. Un baile al que sólo faltó Abbey Lincoln, la cantante y activista en pro de los derechos de los afroamericanos por la que Lizz Wright siente veneración. “Gracias a personas como ella puedo sentirme orgullosa de ser una afroamericana en este momento, pese a todo y pese a todos”. En cuanto al futuro, Wright se declara una “posible votante” de Barack Obama: “Ya era hora de que alguien en Estados Unidos hablase de juntar nuestras energías, de que es necesario cambiar, que ya está bien de vivir permanentemente aterrorizados”.

 [Ignacio Casado y Noelia Oliván, desde la SGAE, remiten esta nota sobre la fiesta de presentación del libro-CD de José Antonio Labordeta, el día 26, en el Teatro Principal, al que acudirán cantautores como Miguel Ríos, Luis Pastor, Paco Ibáñez, Marina Rosell y un sinfín de amigos y compañeros de viaje del cantante, escritor, político, profesor y viajero José Antonio Labordeta.]

La Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) y la asociación cultural Rolde de Estudios Aragoneses (REA), con la colaboración del Gobierno de Aragón y el Ayuntamiento de Zaragoza, organizan el próximo miércoles 26 de noviembre una fiesta-presentación del libro-disco ‘Creación, compromiso, memoria’, dedicado a José Antonio Labordeta. Se trata de un trabajo colectivo, en el que han participado escritores, artistas plásticos y amigos personales de José Antonio, y que tiene como complemento musical la reedición de su primer trabajo discográfico, ‘Cantar i callar’.  El coordinador del volumen es el infatigable profesor y traductor Javier Aguirre, un aragonés de la diáspora. Reside y da clases en San Sebastián.

SGAE y REA han concebido este libro porque comparten valores, experiencias e inquietudes con José Antonio Labordeta. La primera, como entidad que pone en valor la creatividad, vela por los derechos de los autores y promociona una sociedad del conocimiento más equilibrada y sostenible. La segunda, por su apuesta, desde 1977, por la cultura aragonesa como algo abierto y plural; así lo muestra un amplio abanico de exposiciones, ayudas a la investigación, cursos, jornadas, seminarios y un catálogo de publicaciones que supera de largo el centenar. Precisamente Labordeta, que ha colaborado con la asociación en diversas iniciativas, es uno de los miembros del Comité de Honor de Rolde de Estudios Aragoneses, recientemente constituido.

El libro será presentado en el Teatro Principal de Zaragoza, el día 26 de noviembre a las 20,00 horas, en un evento que se pretende festivo y participativo y en el que contaremos con la presencia de numerosos artistas, amigos y políticos llegados de toda España. En breve se convocará una rueda de prensa para ampliar detalles e información sobre el evento.

*Esta fotografía de José Antonio Labordeta Subías corresponde al archivo del diario El País.

 Antes del espléndido concierto de anoche, en la sala Multiusos, estuve con Hiromi, la pianista japonesa formada en Berklee y en la Escuela Musical Yamaha. Estuve con mi hijo Daniel, que hizo de traductor, y con Susi, una operadora de cámara de Aragón Televisión, de la productora Chip. Dentro de unos días, la pianista aparecerá en Borradores. Hiromi nos contó que se había inclinado hacia el piano porque su madre había querido ser pianista, y que ha convivido con la música desde muy pronto. Nos habló de su estancia en la Escuela Yamaha, del encuentro con Chick Corea y de su mezcla de estilos: el jazz clásico, la música clásica (dijo que le interesaba mucho porque le permitía abarcar y recorrer la complejidad de la literatura de piano), el rock, la música electrónica, nos habló de su colaboración con Corea en un disco que saldrá en breve, “Duets”, y también nos habló de su pasión por España.

Le gustan la alegría, las calles, el sol, la música, la comida. Hiromi tiene un blog donde publica fotografías de comida y de cosas que le llaman la atención. Le gusta mucho el “Concierto de Aranjuez” y la pieza “Spain”, y la ha tocado varias veces con su amigo y maestro Chick Corea. Da gusto ver cómo se miran: hablan con los ojos, hablan con un levísimo gesto y los pianos murmuran, sollozan, se encuentran en la armonía, en la belleza que se atreve a desmoronarse.

Cuando toca, dijo, encuentra el placer, la alegría, la felicidad. Escala la más alta colina de la intensidad y de la rapidez. Le apasiona la danza, el movimiento, la velocidad y por eso, nos dijo, le interesan mucho figuras como Bruce Lee, Jackie Chan o Carl Lewis, que son mitos para ella. Mitos cotidianos, como lo es Frank Zappa: le gustaría que resucitase para tocar con él. Entró en el camerino y expresó su admiración inmediata ante Mauricio Pollini o Krystian Zimmerman. Más tarde, también rendiría tributo de admiración hacia Oscar Peterson.

En su concierto, con dos guitarristas extraordinarios, uno norteamericano y otro inglés, y un batería brasileño, Hiromi impresionó al público de la sala Multiusos. Demostró que es una virtuosa absoluta, que siente la música y su electricidad, que se vuelve enérgica y energética. Cuando tocó una pieza de Gershwin, el espacio estuvo a punto de venirse abajo. Fue la ratificación de talento, de su sensibilidad, de pasión por el instrumento, de su comunión inefable con los sonidos.

Hiromi tiene algo de duende femenino y adolescente de la música, tan pícaro como sutil e incontrolable. Es una investigadora de la forma. Si se lo propone, sobre un escenario llega adonde se le antoja.

*Esta es la foto de promoción de Hiromi Uehara.

 No he tenido mucho tiempo de escribir estos días en el blog. Ni tampoco ahora: estoy cerrando un prólogo de un libro de Rolando Mix Toro, que ya urge para su publicación, pero no quería dejar sin comentario dos o tres experiencias muy bellas que he tenido esta semana, que hemos tenido algunos integrantes de Borradores: los cámaras Diego y Jorge, la realizadora Teresa Lázaro, la redactora Ana Catalá Roca y yo.

El martes habíamos concertado una entrevista con Fernando Arrabal en Huesca, una vez que éste hubiera atendido a los medios que tenían que hacer la información ese día. Llovía, había un tráfico inmenso, y Arrabal, nos dijeron, había llegado cansado, sin muchas ganas de hablar. Óscar Senar, el joven periodista de Heraldo de Aragón en Huesca, me dijo que le había dicho: “Me cae usted muy simpático, pero no tengo respuestas para sus preguntas”. Le preguntó por la irreverencia, entre otras cosas, algo para lo que sí Arrabal tiene respuestas, sin duda. Finalmente, tras la presentación del estupendo libro La cocina caníbal de Roland Topor (Tropo Editores), tras saludar a algunos amigos (José Domingo Dueñas, Isidro Ferrer, Luis Lles, Juanjo Javierre, Carlos Grassa Toro, Raúl Herrero, Esther Fernández Echeverría…), pudimos hablar con Fernando Arrabal, merced sobre todo a la delicadeza, el poder de convicción y el cariño de Teresa Sas. Lo entrevistamos en una sala rosa, donde colgaba la muestra de cómic que coordina Bernardo Vergara. Arrabal, sin ser tan simpático como lo fue luego en su conferencia-confesión improvisada, estuvo estupendo: habló del Diccionario pánico, de su padre y de la ley de la memoria histórica, de su amistad y contactos con artistas como Picasso, Magritte, Dali o Marcel Duchamp (con quien jugaba al ajedrez), habló de sus compañeros del teatro pánico, habló de patafísica y recordó al poeta Antonio Fernández Molina, a quien definió como uno de los mejores poetas no solo de España, sino del siglo XX en toda Europa.

Arrabal estuvo sincero y reflexivo, justo de teatralidad, podríamos decir, y reveló una de sus aventuras de su vida: la infructuosa e inagotable búsqueda de su padre, que huyó de cárcel en cárcel hasta que desapareció. Fernando Arrabal hijo habló de Fernando Arrabal padre con emoción, con admiración y con pena. “Mi padre ahora tendría más de un siglo, y ya he dejado de buscarlo, pero su historia es especialmente conmovedora. Él declaró su lealtad a la II República el 17 de julio de 1936 y hubo de pagar por ello”.

El miércoles di la tercera clase de “Escrituras de mujer” en la Casa de la Mujer. Primero leímos las composiciones sobre la figura del padre que habían escrito las alumnas. Los textos son buenos: hubo poemas breves y misteriosos, pequeños relatos, perfiles, incluso una compañera  rescató un poema que había escrito a los 18 años, hace más de veinte ya, y leyó una pieza muy interesante: contaba la historia, o la ubicación, de una joven que se asomaba a la ventana y contemplaba el paso del padre, las horas de trabajo, la relación con los compañeras, a la vez que oía los ruidos, que escuchaba el latigazo del viento y de las máquinas, a la par que las poderosas sombras de la noche se cernían sobre ella con un acento de melancolía. Luego hablamos de Marguerite Yourcenar: leímos fragmentos de Fuegos, sus poemas elípticos de amor y dolor, fragmentos de Alexis o el tratado del inútil combate, el cuento de Cornelius Berg, que integra los Cuentos orientales, y dos o tres fragmentos más de Memorias de Adriano y de Opus Nigrum. Tuve la sensación de que Yourcenar, tan intelectual y reflexiva, tan poética como precisa, tan erudita, no caló igual que Mercè Rodoreda o Sylvia Plath. De repente, cuando nos íbamos tras dos horas de viaje alrededor de una escritora, alguien dijo que durante algunos años un buen amigo le mandaba cada cierto tiempo fragmentos y poemas en prosa de Fuegos. Fue un bello colofón. Este miércoles nos espera Patricia Highsmith.

Esa mañana, para Borradores, logramos entrevistar a Chucho y Bebo Valdés. Fue una entrevista de media hora. Tocaron para nosotros y disfrutaron de lo lindo: los dos exhiben una complicidad y un cariño que resultan conmovedores. Bebo explicó cómo era el niño Chucho: poseía un oído absoluto, se sentaba al piano y era capaz de reproducir cualquier sonido; a los 16 años ya estaba de pianista solista en su orquesta. Chucho dijo que su padre era asombroso: hacía muchas cosas, tocaba, coordinaba a los músicos, le enseñaba y, sobre todo, corregía los arreglos en la mesa de la cocina en un santiamén. Se fue de Cuba en 1960 y se reencontraron 18 años después, hasta que Fernando Trueba volvió a reunirlos para Calle 54. Les preguntamos qué había significado el piano, qué decía el piano al sonar. Y dijeron: “Llanto, llanto y llanto”. Fue una experiencia inolvidable que engrandeció ante mis ojos el concierto del jueves.

Fue un concierto feliz en el Festival de Jazz, luminoso, intenso, de una rara hermosura. Chucho Valdés es uno de los grandes pianistas del mundo: uno de los cinco mejores, sin duda, de la esfera del jazz y la música popular y de raíz. Por cierto, él admira mucho a Bill Evans, Art Tatum y Theolonius Monk. Un talento inmenso: sus dedos no tocan las teclas, vuelan sobre ellas, las acarician, son como pájaros de vértigo, auras tiñosas de la ejecución. Toca excepcionalmente: hace lo que quiere, juega, inventa, se explaya, improvisa, sueña, corretea como el aire, y hace hablar al instrumento. Le hace hablar y le extirpa emociones, suspiros, gritos, una intensidad sin adjetivos. Bebo es el artista de los largos dedos que solo se siente feliz ante el instrumento. Es un niño codicioso de más música. El concierto fue un compendio de cosas: de amor al hijo, de reconocimiento en el padre, fue un elogio desaforado de la música, un repaso y un tránsito al jazz, a la música popular afrocubana, a la música clásica. Fue todo un alarde en el que sonó una y otra vez la melodía del corazón. El público se reconoció en el recital y en lo mucho que significaba ese “Juntos para siempre”.

Bebo y Chucho Valdés tienen una aleación química con la música. Son música, son estridencia, son pálpito. En sus dedos, los dos pianos suenan como una orquesta que enarbola los sentimientos y los esparce para abarrotar el mundo.

*Esta foto de Bebo y Chucho Valdés, que realizan la gira "Juntos para la siempre", título del disco homónimo, pertenece al diario ADN.

[Ayer, cuando daba un concierto con Los Rangers en el Dublín, me llamó mi amigo Paco Cester para anunciarme que iba a ser el productor ejecutivo de la grabación de un DVD del joven intérprete y compositor Tuco Requena. Será en el Matadero de Huesca el próximo día 8. La iluminación corresponderá al gran Jorge Armengol, y los cámaras serán, entre otros, Diego Martín, Jesús Peñas, Jorge Ripa, etc. Paco Cester, felizmente recuperado de una larga enfermedad, está muy entusiasmado con este proyecto y con la idea de ir recuperándose para volver a cantar y a grabar. Por otra parte, Laura Blesa enva esta nota de prensa sobre este proyecto:]

 El próximo 8 de noviembre el músico y cantante Tuco Requena y su banda De Soniquete Van grabarán su primer DVD en directo con las canciones de su primer disco y nuevos temas inéditos que saldrán a la luz en su próximo disco de estudio.  

  El lugar elegido para la grabación es el Centro Cultural Matadero de Huesca. Sin duda un lugar especial donde su ciudad y su gente podrán disfrutar de un concierto que formará parte del próximo disco del músico oscense. El aforo será limitado a 260 plazas y las entradas costarán diez euros. Además, todos los asistentes recibirán el primer disco editado del artista gratuitamente: "Tuco Requena y De Soniquete Van". Las entradas anticipadas se podrán conseguir a través de los cajeros CAI o de la página www.cai.es, además de las taquillas del propio Matadero de Huesca.

       La grabación del concierto se quedará plasmada en un DVD que se publicará junto al segundo disco en la primavera de 2009. Tuco Requena entrará en el estudio para grabar el esperado segundo disco en enero-febrero de 2009, nada más acabar el DVD. 

       Tuco Requena (Remedio Records S.L.) pertenece a la Plataforma de Autoeditores, con sede en Barcelona, formada por 47 grupos y artistas de todo el país (Kiko Veneno, Pau Riba, Boikot, Mandalas, Sin Papeles, etc). Esta iniciativa pretende dar voz a todos aquellos autores que no han querido o no han podido entrar en la industria discográfica tradicional y han creado su propio sello discográfico para autoeditar sus trabajos.

*La foto corresponde a un concierto que grabó Tuco Requena para Aragón Radio, a cuyo archivo pertenece la fotografía.

CARLOS NUÑEZ
& Alos Quartet presentan CINEMA DO MAR
ZARAGOZA - TEATRO PRINCIPAL
VIERNES 31 DE OCTUBRE 21h00

Carlos Núñez está considerado internacionalmente como un MÚSICO extraordinario, de los más serios y brillantes del mundo... Pero además es un ARTISTA con mayúsculas. Su carisma y su espíritu pionero lo han hecho muy popular, transcendiendo con creces los límites habituales de sus instrumentos: la gaita y las flautas.

Un montón de premios y nominaciones le avalan: Grammy compartido con sus maestros los Chieftains por el disco Santiago; Premio Ondas; Preises der Deutschen Schallplattenkritik (Alemania); dos nominaciones a los Grammy Latinos.
También el éxito comercial: sus tres primeras obras han sido platino en España y sus ventas en el mundo alcanzan casi el millón de copias.

En sus discos han participado artistas de la talla de Luz Casal, Jackson Browne, Mike Scott (The Waterboys), Roger Hodgson (Supertramp), Ry Cooder, Dulce Pontes, La Vieja Trova Santiaguera, Vicente Amigo, Noa, Carmen Linares, Teresa Salgueiro (Madredeus), Carmen Linares...
Ha compartido escenario con leyendas como Bob Dylan, The Who o Sinead OConnor, Ahora Carlos Núñez nos vuelve a sorprender con un trabajo, en el que introduce un punto de provocación a través de interpretaciones valientes de temas universales, partiendo del mundo del cine.

El espectáculo CINEMA DO MAR se grabó a partir del mismo proceso creativo que el tema que Carlos creó para la película Mar Adentro y que ha continuado con nuevas bandas sonoras en las que Carlos ha participado desde entonces.

La relación de la música de Carlos Núñez con el mundo de las imágenes es evidente: buena parte de sus temas son como bandas sonoras de películas imaginarias para las que cada quién puede soñar un guión o unos paisajes a su gusto. Carlos Núñez está considerado internacionalmente como un MÚSICO extraordinario, de los más serios y brillantes del mundo...
Pero además es un ARTISTA con mayúsculas. Su carisma y su espíritu pionero lo han hecho muy popular, transcendiendo con creces los límites habituales de sus instrumentos: la gaita y las flautas.

Un montón de premios y nominaciones le avalan: Grammy compartido con sus maestros los Chieftains por el disco Santiago; Premio Ondas; Preises der Deutschen Schallplattenkritik (Alemania); dos nominaciones a los Grammy Latinos.
También el éxito comercial: sus tres primeras obras han sido platino en España y sus ventas en el mundo alcanzan casi el millón de copias.

 
En sus discos han participado artistas de la talla de Luz Casal, Jackson Browne, Mike Scott (The Waterboys), Roger Hodgson (Supertramp), Ry Cooder, Dulce Pontes, La Vieja Trova Santiaguera, Vicente Amigo, Noa, Carmen Linares, Teresa Salgueiro (Madredeus), Carmen Linares...
Ha compartido escenario con leyendas como Bob Dylan, The Who o Sinead OConnor, Ahora Carlos Núñez nos vuelve a sorprender con un trabajo, en el que introduce un punto de provocación a través de interpretaciones valientes de temas universales, partiendo del mundo del cine.

El espectáculo CINEMA DO MAR se grabó a partir del mismo proceso creativo que el tema que Carlos creó para la película Mar Adentro y que ha continuado con nuevas bandas sonoras en las que Carlos ha participado desde entonces.

La relación de la música de Carlos Núñez con el mundo de las imágenes es evidente: buena parte de sus temas son como bandas sonoras de películas imaginarias para las que cada quién puede soñar un guión o unos paisajes a su gusto.

Y en esta ocasión, Carlos cuenta con un acompañamiento incomparable: el cuarteto de cuerdas Alos Quartet, formado por 4 músicos con una amplia trayectoria artística tanto en música clásica como en la moderna. Además de trabajar con orquestas de gran prestigio como la Joven Orquesta de Euskadi, Orquesta de Euskadi, Joven Orquesta Nacional de España, etc., sus componentes son miembros de grupos de música folk (Oskorri, Benito Lertxundi).

*Esta información pertenece a Syntorama, la compañía que se preocupa por las relaciones con la prensa de Carlos Núñez.

El pasado viernes comí en Barbastro con mi amigo Alfredo, el mejor vendedor de coches de toda la comarca y un amigo cariñoso e impagable. De vuelta, al llegar a Huesca tomé una carretera de servicio y llegué hasta el cementerio. Estaba algo cansado y quise ver la tumba de Ramón Acín. Me acerqué a ella y la contemplé un instante: en ella reposan el escultor y profesor, su mujer Conchita Monrás, la hermana de ésta, Pilar Monrás, las dos hijas de Ramón y Conchita, Katia y Sol, y el marido de Katia, Federico.

Me gustó el cementerio oscense, me emocionó ver la tumba, tapada por los imponentes cipreses, y recordé bajo un espléndido sol a la familia casi al completo. También busqué la tumba de Fermín Galán, pero no supe dar con ella.

Fue una casualidad. Soy tan despistado que no me percaté de que estábamos en vísperas del Día de todos los santos.

En la radio, en La ventana de la Cadena Ser, Gemma Nierga se había trasladado a Bilbao y estaba ofreciendo un programa sobre la ciudad: hablaron Javier Rojo, Ander Landáburu, y un montón de bilbaínos. Gemma, con ese sentido del humor maravilloso que tiene y con esa risa que es una de las más bonitas de la radio, cerró en programa con Kepa Junquera y con una extraordinaria voz canaria, Olga Cerpa, que había colaborado en el disco. Fue un momento espléndido y emocionante: Olga cantó dos preciosos temas en euskera, igual que hacen otros cantantes: Miguel Ríos, Luis Eduardo Aute, Víctor Manuel, Ana Belén, Andrés Calamaro, Jaime Urrutia, etc. El proyecto me pareció espléndido como todo el programa. Hay días en que la radio te pone la piel de gallina. Ander Landáburu, con calma y conocimiento del tema, dijo algo que casi todos suscribimos: él, como muchos otros, está harto de ese denominado conflicto vasco que arranca desde la II República. Y el disco “Al caer el sol” propone un abrazo entre los pueblos a través de la música y una lengua: el vasco. Fue una bella casualidad: por la mañana, al pasar por el castillo de Montearagón, me llamó Iñaki Esteban desde Bilbao con la siguiente propuesta: querría que entrevistase en el Museo Guggenheim, del que se habló una y otra vez, el próximo mes de febrero.

 *He tomado esta foto de Kepa Junquera de la siguiente página: http://auveproducciones.com.

Hace unas semanas, en vísperas de la Expo colgué en mi blog esta foto de Sara Lezana, en la ópera Carmen, que corresponde al Ballet Flamenco de Madrid, tomada en una de las múltiples representaciones que el Ballet ha hecho fuera de España. Su director Luciano Ruiz me escribe y me dice que fue tomada, probablemente, en la Ópera de El Cairo en Egipto.

Cuando apareció en estas páginas, no aparecieron créditos de la foto. Aquí está la nota que debía llevar y mi agradecimiento al Ballet Flamenco de Madrid. Una de las normas que intento observar siempre es decir de quién son las imágenes que aparecen en ese laberinto visual infinito que es internet.

[Pilar Irala y Gonzalo Arruego integran el proyecto artístico y musical AnimAMusicae. Ambos escriben a sus amigos y cuentan que han sido invitados al FEM de Madrid. Ambos participaron en la exposición Avispero del Real Zaragoza con un doble proyecto: una selección de fotos, muy delicada, y una pieza musical.]

Queridos amigos:

animAMusicae ha sido invitado al FEM: Salón Internacional de Colectivos de Creadores Independientes y nuevos Espacios de Arte, que se celebrará del 21 al 26 de octubre en la Casa de Vacas ubicada dentro del Parque del Retiro de Madrid. Podéis ver la invitación aquí.

Esta feria internacional está organizada por la Fundación Temas de Arte en colaboración con el Ministerio de Cultura, la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid, así como con otras instituciones públicas y privadas.

Os esperamos en el stand número 6 en los siguientes horarios:
Día 21 de Octubre de 19.00 a 21.00 horas
Del 22 al 26 de Octubre de 11.00 a 21.00 horas
Pase prensa: 22 de Octubre a las 12.00 horas
Inauguración oficial: 23 de Octubre a las 19.00 horas
Lugar: Casa de Vacas.
Parque del Buen Retiro de Madrid

Madrid Tentación cerrará sus puertas el domingo 26 de Octubre a las 21.00 horas.

A partir del martes 21 de octubre estará disponible el nuevo vídeo de animAMusicae. Esta pieza fue encargada por la Exposición Internacional EXPO2008 (Tribuna del Agua) y, con motivo de la inauguración del FEM8, será colgado en nuestra página de myspace y en la de Youtube.

Del 16 al 31 de Octubre, Maria José Hernández  viajará a tierras mexicanas para hacer girar sus “Círculos Concéntricos” –título de su último disco- por varias de las ciudades más importantes de este país, donde María José Hernández ya tiene un buen número de seguidores gracias a Internet.

Serán varios los conciertos acústicos que ofrecerá en algunas de las salas más emblemáticas de México DF, como el “Café Corazón”  o “El breve espacio” así como en  Cuernavaca, León o Guadalajara.

Esta gira, para la que cuenta con el apoyo del Gobierno de Aragón a través de sus ayudas  a la música,  es la prueba de que María José Hernández es ya una artista que traspasa el ámbito aragonés.  Durante  2008 ha realizado numerosos  conciertos por todo el país, además de su presencia destacada en la Expo. Un paso más en la carrera de esta mujer que defiende su propuesta musical desde la  independencia.

*Nota de su productora. María José Hernández durante una de sus actuaciones. 

[Carlos Serrano y el servicio de prensa de Rolde de Estudios Aragoneses (REA) envía esta nota sobre un futuro proyecto de libro y CD de José Antonio Labordeta, que ha coordinado el profesor y experto en su obra Javier Aguirre. Hoy, el suplemento Babelia, en su página tres, el fotógrafo Pedro Hernández le hace una estupenda foto a José Antonio Labordeta en su casa. Julio José Ordovás redacta el reportaje literario.]

El libro José Antonio Labordeta. Creación, Compromiso, Memoria se encuentra próximo a su entrada en imprenta. El próximo viernes 3 de octubre se cerrará la campaña de participaciones para reservar ejemplares (véase información sobre el modo de participar al final de este mensaje)

La asociación cultural Rolde de Estudios Aragoneses (REA), en coedición con SGAE y con la colaboración del Gobierno de Aragón, va a editar un libro-disco dedicado a José Antonio Labordeta: esta obra aparecerá gracias a la colaboración de numerosos particulares y colectivos (de cuyos nombres quedará constancia en sus páginas).

 
No se trata simplemente un tributo hacia una persona que ha trabajado por Aragón y, en sentido más amplio, por las libertades y por los derechos cívicos, sino que es también un mosaico de amistades, un compendio de colaboraciones literarias y artísticas.
 
El libro, coordinado por Javier Aguirre (profesor de la Facultad de Filosofía de la Universidad del País Vasco y gran conocedor de su obra literaria) explora las diferentes facetas de Labordeta (la poesía, la canción, el cine y la televisión, la agitación docente-cultural, Andalán, la política...) a cargo de Francisco Acero, Gonzalo Borrás, Vicky Calavia, Joaquín Carbonell, Antón Castro, Jorge Cortés, Javier Delgado, Eloy Fernández Clemente, Emilio Gastón, José Giménez Corbatón, Mar Herrero, Javier Lacruz, José Luis Melero, Marisancho Menjón, Antonio Pérez Lasheras y Fernando Sanmartín, además de diferentes semblanzas, recuerdos y dedicatorias literarias desgranadas por Luis Alegre, Brenda Ascoz, Ignacio Escuín, Fernando Ferreró, Raúl García, Octavio Gómez, Ismael Grasa, José Ángel Hernández, Felipe Juaristi, Marta Martínez, Ignacio Martínez de Pisón, Miguel Mena, Ana Muñoz, Marta Navarro, Julio José Ordovás, Antonio Pérez Morte, Rodolfo Notivol, Eva Puyó, Félix Romeo, Chusé Antón Santamaría, Roberto Serrano, Rosendo Tello, Javier Tomeo, David Trueba, Jusep Raül Uson, Almudena Vidorreta y Manuel Vilas. El libro contendrá también una amplia cronología, un repaso a toda su producción bibliográfica y discográfica oficial, y un amplio muestrario gráfico (fotografías, dibujos, caricaturas, portadas de discos y libros...), en el que destacan colaboraciones gráficas realizadas en exclusiva para este libro por Sergio Abraín, Carlos Azagra, Natalio Bayo, Alberto Calvo, José Luis Cano, Pepe Cerdá  Joserra Elorza, Pere Fort, Ignacio Fortún, Jorge Gay, Mª Josefa Herrera, Agustín Ibarrola, José Luis Lasala, Ignacio Mayayo, Tytti Thusberg y Columna Villarroya.

400 páginas que, además, contarán como complemento musical con la reedición del disco Cantar i callar, primera grabación de Labordeta. REA ha concebido este libro porque comparte valores, experiencias e inquietudes con José Antonio Labordeta: desde 1977 REA viene desarrollando una importante labor de promoción y divulgación de temas culturales relacionados con nuestra comunidad autónoma (historia, filología, antropología, derecho, economía, creación literaria y artística, etcétera), desde una óptica abierta y plural. Así lo certifica un amplio abanico de actividades (exposiciones, ayudas a la investigación, cursos, jornadas, seminarios...) y un catálogo de publicaciones que supera de largo el centenar. Precisamente Labordeta, que ha colaborado con la asociación en varias de sus iniciativas, es uno de los miembros del Comité de Honor de la misma, constituido a finales de 2007.
 
El carácter colectivo del libro quedará reforzado cuantas más sean las personas que participen en dicha obra dentro de una suscripción popular: a partir de un míni@mo de 50 euros (que dará derecho a dos ejemplares), podrá obtener uno más por cada participación de 25 euros que decida suscribir. Dado el reconocimiento de Utilidad Pública con que cuenta REA, toda donación realizada cuenta con una desgravación fiscal del 25%. Por supuesto (a no ser que haga indicación expresa de lo contrario), su nombre aparecerá en las propias páginas del libro, como reconocimiento a todas las personas que hayan contribuido a la realización de este proyecto.

 Esa colaboración puede también ser realizada en nombre de empresas, que podrán contar con una edición personalizada a partir de 100 ejemplares. En este caso, los gastos serán deducibles para determinar la base imponible del Impuesto sobre Sociedades para la entidad colaboradora.

 
Puede hacer saber su participación remitiendo este mensaje, cumplimentados los datos que aparecen a continuación, a rolde@rolde-ceddar.net, o transmitiendo los mismos por cualquiera de estas vías:

• Telefónica o fax (de 9 a 13 horas), al 976 372 250.
• Por correo postal: Rolde de Estudios Aragoneses. Moncasi, 4 enlo. Izda. 50006 Zaragoza.

LA GUARIDA DEL CAZADOR DE LEONES

José Antonio Labordeta escribe rodeado de recuerdos sus Memorias de un beduino en el Congreso de los Diputados

JULIO JOSÉ ORDOVÁS / Babelia (El País)

José Antonio Labordeta no sufre tras su abandono de la política y su regreso a Zaragoza. Tiene demasiadas dudas y quizá demasiado carácter como para someterse indefinidamente a la disciplina de un partido. De su estancia en las Cortes dará cuenta en su próximo libro, Memorias de un beduino en el Congreso de los Diputados. Ocho años de los que en ningún momento puede olvidarse porque no hay un solo rincón de su casa en el que no aceche un pequeño león (la plaga leonina fue consecuencia del 25º aniversario del Congreso). Casi acumula tantos leones como gorras: si algo le fastidia es que la lluvia le sorprenda con la calva al descubierto. Su preferida es una gorra sueca, hecha de un material de otro planeta. Aunque a la que más cariño le guarda es a la que le acompañó bajo los soles y los nubarrones de las mil y una Españas. ¿Y la mochila? "La mochila está en el Pirineo, la pobre acabó hecha una mierda después de nueve años a mis espaldas, y eso que es de una piel cojonuda, boliviana".

La casa de Labordeta (Zaragoza, 1935) está a dos pasos de la Puerta del Carmen. Su hija Ángela vive en el quinto, y él y Juana, su mujer, en el segundo, en el que era el piso de su suegra. La biblioteca es la misma que tenía en Teruel, hace más de treinta años, compuesta sobre todo de libros de Historia, aunque con una balda reservada a sus libros y otra a los vinilos. Los vídeos y DVD de sus programas, que nunca ve, los conserva en el interior de un armario rescatado de una antigua estación ferroviaria. Desde lo alto de ese armario le observan, mientras escribe, su hermano Miguel (en una copia de la cabeza de búfalo que le forjó Pablo Serrano), su mujer, sus hijas, sus nietas y un joven Joaquín Sabina. También tiene alguna foto más colgada de las paredes. Fotos que se le van llenando de muertos.

Salvo los ordenadores, y las medicinas, "que van cambiando", todo es antiguo en este estudio superpoblado de recuerdos cariñosos y en el que permanece de pie, enfundada, su guitarra. Aunque dice que se le ha pasado la edad de hacer canciones, de vez en cua