Hoy martes, 31 de enero, a las 18:00 horas, se presentarán en rueda  de  prensa  los XIII Premios de la Música Aragonesa, organizados por Aragón Musical, con el patrocinio del Gobierno de Aragón,  Ayuntamiento de Zaragoza, Plaza Imperial y Ámbar.

La  presentación  tendrá  lugar  en  el  Espacio Ámbar (C/ Ramón Berenger IV, 1. Zaragoza). En  la  rueda de prensa intervendrán el director general de Cultura del  Gobierno  de  Aragón,  Humberto Vadillo; el Consejero de Cultura, Medio Ambiente, Participación Ciudadana y Grandes Proyectos del Ayuntamiento de Zaragoza, Jerónimo Blasco; la gerente de Plaza Imperial, Ana León; el responsable de marca de Cervezas Ambar,  Javier Pomar y uno de los responsables de Aragón Musical y organizadores de los Premios, Sergio Falces.

Durante la rueda de prensa, se darán a conocer públicamente los candidatos a los XIII Premios de la Música Aragonesa, en sus distintas categorías, y se entregarán los diplomas de "nominados" a los distintos involucrados. Además se conocerán más detalles de la gala de entrega del martes 28 de febrero. Estos, son el resultado de los votos recibidos desde Internet, durante el mes de diciembre de 2011.

Al término de la presentación tendrá lugar la actuación en directo del grupo “Esparatrapo”, una de las sensaciones de los últimos meses en el circuito de salas zaragozano. Habrá degustación de Cerveza Ámbar y contaremos con la presencia de otros artistas del Panorama Musical Aragonés.

Acaba de morir el gran intérprete de órgano y de clavicémbalo Gustav Leonhardt, que ha grabado excepcionalmente a Bach, especialmente las ‘Variaciones Goldberg’, y que lo encarnó en una inolvidable película de Jean-Marie Straub: ‘Crónica de Anna Magdalena Bach’ (1968). Leonhardt estuvo mucho por Aragón y Zaragoza, con González Uriol, entre otros. Hace dos o tres años conversé con Eduardo López Banzo, que había estudiado con él en Amsterdam y me dijo lo siguiente: “Me interesaba la belleza. Recuerdo que un disco que me marcó muchísimo fue uno de las ‘Variaciones Göldberg’ (Deutsche Harmonia Mundi, 1978, clave) de Bach, tocadas por Gustav Leonhardt. Me siguen pareciendo una obra única, muy particular en la historia de la música, de una intensidad y una complejidad asombrosas. Me quedé tan fascinado que quizá por eso decidí tocar el clavecín. Un día fui a la tienda y tuve la suerte de comprarme esa magnífica versión de Gustav Leonhardt, es una de sus grandes grabaciones y pasará a la historia. Lo ponía como si fuera un ‘mantra’, porque de hecho, creo que es una música que te la pones y es como si fuera un ‘mantra’. Va entrando y te va comiendo el seso, te hace conectar muchas cosas entre sí. Es una música que te hace reflexionar.

El azar es bello. Estudió en el Conservatorio de Zaragoza y al final dio clases con Gustav Leonhardt. ¿Cómo fue la experiencia?

Sí. Primero estudié en Zaragoza con José Luis González Uriol. Y luego, también con su ayuda, llegué a las manos de Gustav Leonhardt. Estuve con él en Ámsterdam, donde vive, de 1984 a 1986. Él te daba las clases como si fueran clases particulares en su propia casa, aunque era profesor del conservatorio de Ámsterdam, que apenas pisaba. Es un nuevo aristócrata del siglo XX, en su porte, en su forma de ser. En todo. Su casa es muy grande y está llena de antigüedades. Hay un clavecín en cada planta. Tener una clase con él era como encontrarse con una especie de oráculo. Te sentabas y él se sentaba como a diez metros de distancia en un sillón, te dejaba tocar y luego se levantaba y se acercaba a ti para decirte un par de cosas. Luego se volvía a ir a su butaca. Era como si quisiera aislarte en tu mundo para que hicieras música. Fue un privilegio tenerlo de profesor”.

Siempre me han gustado las voces femeninas. Me han gustado especialmente: cuando llegué a Zaragoza, impresionado por María del Mar Bonet, llegué a comprar casi todos sus discos. Y a la vez, gracias a un buen amigo como Alberto Torró, que fue mi maestro de grupos y de voces, descubrí a una mujer que me encantaba con dos álbumes en concreto: ‘Lionheart’ y ‘The kick inside’. Hablo de Kate Bush, de la que han remasterizado varios de sus álbumes en 2011. Ya he oído dos o tres veces su último álbum: ’50 words for snow’ (50 palabras para la nieve), muy delicado y misterioso, evanescente, con algo de aroma de leyenda glacial. Estos días he estado repasando la obra de Patrick Lichfield, un gran fotógrafo británico: él le hizo esta estupenda foto a Kate Bush.

SEGUNDO DISCO DEL GRUPO OLGA Y LOS MINISTRILES

    Esta semana el grupo Olga y Los Ministriles ha lanzado al mercado su segundo disco, titulado MAI (madre en aragonés y título de uno de los temas con letra de Anchel Conte). El trabajo está compuesto por 12 temas (6 basados en  el folklore aragonés y otros 6 de nueva creación ) y ha contado con la colaboración de grandes interpretes de la música aragonesa, como Joaquín Pardinilla, Antonio Gil, Fran Gazol, Juan Luis Royo, Angel Orós, Jesús Acero y el gran percusionista cubano, Ricardo Fernández, que han adornado con su buen hacer las canciones grabadas por el grupo. 

    Olga y los Ministriles están muy satisfechos de este trabajo musical y esperan que el público disfrute de la variedad y de la calidad de las canciones. En el disco se puede escuchar desde un bolero al más puro estilo tradicional cubano, pasando por un fado o una "joteira" como fusión de jota y muñeira, haciendo guiños al jazz, a la música klezmer e incluso acercándose a la música andaluza o al pop-country.

El prestigioso poeta Anchel Conte es el autor de las letras de dos de los temas, escritos ambos en Aragonés,  con música del afamado folklorista aragones  Blas Coscollar en el primer caso y de Gabriel Sopeña, excelente musicador de poemas, en el segundo (MAI), canción cantada anteriormente por intérpretes tan reconocidos como J.A Labordeta o por el propio Manolo García. Con ambos artistas, Sopeña y Coscollar, el grupo va a seguir colaborando en proyectos futuros, así como con Antón Castro, autor de otra de las letras del disco.

    Este trabajo discográfico  ha sido grabado durante los meses de octubre y noviembre de este mismo año en las magníficas instalaciones del Laboratorio  Audiovisual del Ayuntamiento de Zaragoza, al que OLGA Y LOS MINISTRILES agradecen el apoyo prestado.

El diseño gráfico está muy cuidado y ha sido realizado, al igual que en el anterior trabajo del grupo,  por el oscense David Tellechea, de Tiépolo Multimedia, en base a una ilustración de "Ministriles" de las cantigas de  Santa María del rey Alfonso X el Sabio, junto con el cuadro "Fulgor" de la joven artista oscense Silvia Cored 

    Ha sido un bonito broche de oro para finalizar el año y la buena temporada que ha llevado al grupo a diversas localidades españolas donde ha  triunfando en todos los escenarios.

   OLGA Y LOS MINISTRILES comienza la gira de presentación de su nuevo CD en el Palacio de Congresos de Jaca el próximo día 4 de enero en un recital a beneficio de la Cruz Roja. Todo parece indicar que esta gira de presentación recalará en Huesca, probablemente el próximo mes de febrero, a tenor de los contactos mantenidos con ese propósito.

*Esta información la remite el propio grupo.

‘Mujer hoy’ entrevista a la cantante Eva Amaral, que acaba de publicar “Hacia lo salvaje”. La cantante zaragozana integra el dúo Amaral con el guitarrista Juan Aguirre.

 EVA AMARAL:

“La mitad de mi familia está en paro”

-“Estoy harta de chicos atormentados”

- “Desde que Juan y yo nos conocimos hubo una conexión muy especial. Fuimos pareja, pero ahora es como si fuéramos familia, tenemos más que una amistad”

Tímida en las distancias cortas. Feroz y apasionada sobre el escenario. Eva Amaral habla en una entrevista con ‘Mujer Hoy’, en la que se sincera sobre las razones de su melancolía, su verdadera relación con Juan Aguirre (compañero musical y amigo íntimo) y el peso asfixiante de una crisis de la que no se quiere (ni puede) enajenar.

Acaba de publicar su último trabajo, “Hacia lo salvaje”, con el que ella y su compañero Juan Aguirre, han decidido independizarse de las multinacionales y hacer su disco más personal. Las letras, escritas en gran parte por Eva, están llenas de acantilados, bosques y asfaltos donde se estrella el desamor... Para ‘Mujer hoy’, y de manera excepcional, Eva ha accedido a conceder una entrevista sola. Es decir, sin Juan que, según las hemerotecas, habla más que ella. Todo lo contrario de lo que sucede en el escenario, donde ella lleva la voz cantante y no se esconde jamás.

En las letras de “Hacia lo salvaje” planea la idea de irse a otra parte y escapar, y es que Eva considera que “la vida últimamente se ha vuelto bastante dura; la gente está bajo mucha presión y una sensación de injusticia flota en el ambiente.  Todo eso ha influido en la temática de las canciones que hemos escrito –xplica-. El hecho de que me vaya bien en mi trabajo no significa que no sienta lo que está pasando. Yo no me puedo abstraer del mundo que me rodea: tengo a la mitad de la familia en paro y un montón de amigos en situaciones desesperadas”.

Eva acepta su tendencia a la melancolía –“yo he sido muy de ponerme canciones tristes, pero con el tiempo he aprendido que hay que saber usar la música para no hacerte más daño cuando estás mal”—afirma. Y tampoco oculta que ha sufrido por amor: “Soy una persona muy impulsiva, muy emocional y también muy confiada, así que lo tengo todo para que me hagan sufrir. Pero estoy harta de chicos atormentados, aunque en los últimos años también he conocido a buenas personas...”

Sobre la fórmula del grupo Amaral para permanecer unido, Eva reconoce que no existe ningún misterio: “Llevamos juntos tantos años y nos llevamos tan bien que, ¿para qué nos vamos a separar? Desde que nos conocimos a mediados de los 90 hubo una conexión muy especial... Juan es la persona que mejor me conoce del mundo. Fuimos pareja, pero ahora es como si fuéramos familia, tenemos más que una amistad”.

En 2008, Eva Amaral  compartió escenario con Amy Winehouse, en el Hyde Park, para celebrar el cumpleaños de Mandela, y recuerda cosas de ella que le impactaron.  “Había un coro de niños de Soweto –explica--, y cuando Amy Winehouse entró en el baño,  empezaron a cantarle su canción en la puerta. Entonces ella salió y se puso a cantar con ellos. Me dio mucha pena saber que había muerto. Es una lástima que solo haya hecho dos discos porque tenía muchísimo talento”.

[Más información: Interprofit. Mª Eugenia Cimas/Ana Vázquez. De ‘Mujer hoy’.]

 EL ELEGANTE SONIDO DE DAB

La banda de Pedro Andreu y Luis Sancho publica su tercer álbum: ‘The best’, marcado por las colaboraciones y una música ecléctica que integra el jazz, la música electrónica o el reggae

Pedro Andreu, el batería de Héroes del Silencio, formó hace algunos años, casi una década ya un grupo muy especial con Luis Sancho: DAB (Digital Analog Band), una formación que realiza una música especial y ecléctica. Podría decirse que sus tres discos tienen mucho de exploración de un sinfín de estéticas y estilos: por lo regular son discos de carácter intimista, muy variados, píldoras de esto y de aquello, casi un arsenal de sonoridades que intentan crear sugerencias, un envoltorio de relajación y de sueños. Es una música que crea ambientes, que invita al viaje y al extravío, una música que se aparta un poco del rock pero que se afirma en el tiempo diverso y paradójico en el que nace.

Hace muy poco DAB presentaba su tercer álbum ‘The best 3’: tal vez el más elegante de todos, el más cálido, uno de esos álbumes que nacen en el estudio y que desde ahí, desde los primeros bosquejos, empieza a crecer y a consolidarse, tema a tema. Es un álbum que sugiere paz, emoción, paraísos particulares y armonía. ‘The best 3’ tiene muchas cosas: ese sonido elegante, matizado, conformado con voluntad de estilo; posee excelentes voces de Susan North, Monique Lawson, Keith Hammond, Elena Rubio, Javier Cerdán ‘Suizo’, Philippe Tarricone o Clara Téllez, la cantante de Los Peces, entre otros. El disco es rico en colores, en sonidos africanos, en aproximaciones al ‘reggae’, como sucede en ‘Ilumination song’ -que en el fondo tiene mucho de ‘reggae’ canónico-, a la música electrónica y a grupos como Camel, al glam, al chillout; se acerca al jazz, al pop y a las texturas de la guitarra española. Hay un continuo juego de fusión y de mestizaje. Y domina un clima constante de suavidad. Las voces subrayan, acarician, se inclinan hacia la evocación y hacia lo etéreo: son voces que vienen del cielo, de la montaña, del atardecer de un bosque sombrío, voces que tienen algo de centelleo, voces que hablan de amor, de los recuerdos de verano, de la espera, del origen, de los secretos.

DAB es un investigador de sonidos, de melodías y de ritmos, y de las posibilidades de la voz. Aquí Luis Sancho y Pedro Andreu vuelven a demostrar que intentan disfrutar de la música, divertirse, cimentar una poética personalísima, muy libre, y que les encanta trabajar con otros; además de los vocalistas, habría que citar a los instrumentistas Nacho Estévez, ‘Niño’, Héctor Giménez, Gox Valdivia, Ramón Sanz o Eduardo Bellosta. DAB para la promoción del álbum cuenta con un atractivo y urbano videoclip de Jorge Nebra: ‘I promise’, la canción que interpreta Monique Lawson, en el que intervienen los actores María Reyes y Tomás del Estal.

[The best. DAB. Luis Sancho y Pedro Andreu. Colaboran diversos instrumentistas y vocalistas. Blanco y Negro Music SA. Barcelona, 2011. La banda se presentó el pasado viernes en el Oasis.]

La Asociación Cultural Cabriante de Alcañiz (Teruel), junto con el Conservatorio Profesional José Peris Lacasa de esta misma localidad, organizan para los próximos días 24 y 25 de Septiembre el II Concurso Nacional Jóvenes Promesas del Violoncello “Jaime Dobato Benavente”.

El I Concurso Nacional Jóvenes promesas del violoncello se creó en 2010 y en memoria de nuestro querido Jaime Dobato Benavente, tristemente fallecido el día 2 de Agosto de 2009 a los 12 años de edad en un desgraciado accidente hípico. Jaime, a pesar de su corta edad, tenía unas cualidades excepcionales para el arte y la creación artística que fueron unánimemente reconocidas por todos sus profesores y maestros. Jaime llevaba seis años estudiando violoncello en el Conservatorio (2º curso de Enseñanzas Profesionales) destacando por la expresividad y emoción con que salpicaba sus interpretaciones. Intentando superar el inmenso dolor por tan irreparable pérdida, padres, familiares y amigos, decidimos intentar perpetuar su memoria creando un Concurso de periodicidad anual que otorgara varios premios a jóvenes violoncellistas que, como Jaime, destaquen en el mundo de la interpretación.

En septiembre de 2010 se celebró con gran éxito la primera edición del concurso con la participación de 30 jóvenes violoncellistas de distintas comunidades autónomas. Tuvimos el honor de contar con la presencia y participación en el jurado de D. José Peris Lacasa, ilustre músico, compositor y Asesor de Música del Patrimonio Nacional así como del violoncellista de renombre internacional Dimitri Furnadjiev, Profesor Titular del Conservatorio de San Lorenzo del Escorial.  Como uno de los premios, el 2 de abril de 2011 se celebró en el Teatro Munipal de Alcañiz, el Concierto de Ganadores de ambas categorías.

En esta segunda edición del concurso tenemos la satisfacción de ver incrementado el número de participantes (41) de nueve comunidades autónomas. Como componentes del jurado seguiremos contando con la participación de D. José Peris Lacasa y de Dimitri Furnadjiev así como de Suzana Stefanovic, solista violoncellista de la Orquesta de Radiotelevisión Española y Nuria Gañet Benavente, Profesora Titular de violoncello del Conservatorio de Alcañiz.

*Esta información me la envía Carmen Portolés y la propia Asociación Cabriante de Alcañiz. En la foto, el joven Jaime, fallecido a los doce años.

LA JOTA ADELANTA UN PASO

Roberto Ciria publica ‘A ritmo de jota’, un álbum de veintitrés temas donde mezcla lo tradicional y el magisterio de los antepasados con el mestizaje del género hacia el tango, el jazz, el flamenco o la música klezmer

No soy un experto en jota, aunque algo he escrito sobre la vida y la obra de José Oto, Jesús Gracia Tenas y Piedad Gil, Pascuala Perié, Alfonso Zapater y sus padres, o José Iranzo, ‘El pastor de Andorra’. He disfrutado en distintos grados con los trabajos de Carmen París, de Begoña García Gracia y José Luis Muñoz, con la serie de Beatriz Bernad y Nacho del Río para Prames, o con el ‘Caminico a casa’ de Yolanda Larpa. Y, tal como recuerda Mariano García, tampoco querría olvidar ese proyecto fresco y simpático que fue ‘Menuda jota’ de los niños Ánchel Pablo, David Aparicio y Olga Navarro, secundados por Sergio Aso. También me he emocionado con las constantes apuestas de ese trabajador de fondo, audaz y pugnaz, que es Miguel Ángel Berna. He observado el ‘revival’ de la jota con alguna estupefacción: hubo un momento en que pensé que la jota se había convertido en una epidemia y que estaba a punto de convertirse en uno de esos fenómenos que alejan al público por puro hartazgo. O que lo devuelven al lugar del tópico.

Sin embargo, en medio de este clima, que tiende a aniquilar el buen momento de otras músicas, he escuchado hasta cuatro veces el disco ‘A ritmo de jota’ de Roberto Ciria. Es algo más que un disco: es un homenaje valiente a la gente que marca una senda hacia la evolución: en estos tiempos de géneros imprecisos, donde la pureza ya es solo añoranza anacrónica o arqueología, este trabajo de veintitrés temas supone un paso adelante. Respaldado por muchos expertos en la jota y en otras músicas como Mariano García, José Luis Melero, Toño Julve, Evaristo Solsona, Alberto Turón, María Ángel Buesa y Luis Lles, entre otros, Roberto Ciria ha confeccionado un catálogo-libro que da la medida de su ambición y de su trabajo previo, tan meticuloso como preciso y anclado en otro disco más que meritorio: ‘Raíces de antepasados’ (2006). Esos textos compendian la historia de la jota en toda su vastedad (cantas, estilos, rondallas, joteros de leyenda...), y luego Roberto Ciria explica por qué ha elegido cada tema y qué ha querido hacer.

José Luis Melero exalta su generosidad y su talento; Luis Lles su valentía y su voz de tenor. El jotero, arropado por Juanjo Almarza Carrasco, canta veintitrés temas que se asientan en la tradición, en la variedad de los estilos y registros, en el encuentro con los grandes maestros –desde Cecilio Navarro a José Oto, desde Jesús Gracia e Iranzo a Nacho del Río o Beatriz Bernad-, y que le permiten explorar nuevas vías. En el primer tema conmueven el violín de María Carrasco y las castañuelas de Miguel Ángel: ya anuncian que estamos en un disco diferente.

En ‘L’Arbesa’, el cuarto corte, cantan en aragonés Ciria y Alicia Cortés. En ‘Bolhatanjo’ se ofrece otra renovación: la jota se funde con el tango con la ayuda de este espléndido trío que es Trivium Klezmer, que cierran el disco apoteósicamente con la ‘Ronda Klezmer’, uno de los cortes más luminosos del conjunto. Hay otras piezas espléndidas, familiares, nostálgicas, reivindicativas, de exaltación de San Lorenzo (‘Canto a mi gente’) y otros rincones oscenses como Guara.

Me he fijado especialmente en algunos temas más: ‘Dos tierras que se miran’, donde la jota se abraza en música y canto y en espíritu con el flamenco; en ‘Palomicazz’, que es un ejercicio de estilo a partir de ‘La palomica’ que integra el jazz con acierto (cuando más se escucha, más gusta), y el penúltimo corte: ‘Mi fiera’, donde Roberto Ciria revisita, a su modo, con intensidad y cariño, a José Oto. Para los más románticos hay una pieza más intemporal, aunque de reciente creación, que es ‘Rosa de invierno’, que cantan a dúo Toño Julve y Ciria. Si uno no se anda con alguna prevención, puede echarse a llorar.

No quería olvidar otro detalle muy gustoso: el sonido del chicotén de Salvador Cored en ‘No me mandes más, mañica’, que es una variación sobre un tema de José Oto. Vuelvo un instante con el ilustrado de jota Pepe Melero: él define a Roberto Ciria como “un aragonés de cuerpo entero que ha decidido dedicar su vida a algo tan hermoso, delicado y romántico como es el canto de la jota aragonesa”. El siempre moderno Luis Lles concluye así su texto: “Roberto Ciria demuestra con este disco que la jota, además de una letra del abecedario, es vida. Pura vida”. Roberto Ciria ya no necesita más elogios: solo la curiosidad del público.

A ritmo de jota. Roberto Ciria. Dirección musical: Juanjo Almarza. Textos: Roberto Ciria, Mariano García, José Luis Melero, Evaristo Solsona, Toñó Julve, Alberto Turrón, María Ángel Buesa y Luis Lles. Grabación, mezclas y masterización: Estudios Kikos. Colaboran DPH / DGA. Huesca, 2011. [La foto es de Javier Blasco de Heraldo de Aragón]

Del amor y del mar del deseo

María José Hernández publica un nuevo álbum, con letra, música y producción suyas: ‘Señales de humo’, que consta de diez temas sobre los vaivenes de la pasión

María José Hernández es una cantante de una voz muy personal, fiel a sí misma, parsimoniosa, que trabaja con rigor y con un inequívoco sentido plástico. Se siente afín a cantantes como Joni Mitchell o Suzanne Vega, pero también a Jorge Drexler y, aunque ya no lo diga demasiado, también a Silvio Rodríguez, como se percibe en el tema ‘Nunca aprendiste a sumar’ de su nuevo disco: ‘Señales de humo’, que ella ha producido, con la colaboración, en grabación y mezclas, de Carlos Estella y de Rafael Domínguez.

Se trata de un álbum de diez canciones cuyo tema sería el mar del deseo. El mar del deseo es, por otra parte, el título de un álbum anterior de María José. ¿Por qué el mar del deseo? ‘Señales de humo’, que toma el nombre de la primera canción, quizá la más pegadiza y la más brillante del conjunto, es un disco intimista de amor. De amor y desamor, de los estados anímicos que viven los amantes o las parejas, de los encuentros y de los encuentros, de la ceniza y la llama, y es un disco también sobre el paso del tiempo y sus agrias asechanzas: el paso del tiempo a menudo es como una demolición o un anestésico contra la pasión. Y es un disco sereno que está lleno de mares y mareas, de olas y caracolas, de naufragios o zozobras, de viajes marinos, de barcos de nuez y de barquitos de vela; dice el último tema –que a veces puede escucharse como una nana-: “Solo soy / un barquito vela, / hundido en el fondo del mar / la ficción de un tesoro escondido en tus brazos / me hizo naufragar”. El penúltimo tema, ‘Ciudad del olvido’, es una travesía por las rutas del desamor, del abandono, de la pérdida y de la esperanza, algo que también podríamos decir de otra estupenda canción: ‘Amor residual’.

En el disco, hay canciones de exaltación del amor y sus felices sinrazones como ‘Levemente’ y ‘Besos de chocolate’, que tiene algo de golosa canción de sensualidad y gastronomía, y hay también días infaustos, escasos de besos, como sucede en el tema ‘Díaz avestruz’, que es una de las sorpresas del álbum. “Hoy tengo un día avestruz / de esos que no me salvas ni tú”. En realidad, ‘Señales de humo’ está lleno de dolor, de contrariedad, de ruptura y de añoranza, y de incomunicación: “... pero no hay peor ciego que el que no quiere ver”. El mar del deseo se ha interrumpido porque los amantes se han vuelto un poco ciegos o insensibles al estímulo del otro.

Desde el punto de vista del corte de las canciones, las melodías, los arreglos y la instrumentación, se podría decir que ‘Señales de humo’ es un disco con guitarras eléctricas, sencillo, elaborado con buen gusto, sugerente, sin estridencias. Es de esos álbumes que apetece volver a oír para ir descubriéndole matices, suavidades, desgarros a esa voz envolvente y cálida de María José Hernández, que se atreve a nadar entre los vaivenes del afecto sin saber si alcanzará la orilla. Dice en otra balada de ausencias, adonde asoma el susurro: “Y si me siento sola no voy a parar / hasta que el deseo me vuelva a atrapar. / Si me siento sola no pienso escribir / cientos de canciones con sabor a ti. / Si me siento sola no hay más elección / que sacar del tiesto a este corazón”.

Señales de humo. María José Hernández. Letras, música y producción de María José Hernández. Grabación: Carlos Estella y Rafa Domínguez. Mezclas: Rafa Domínguez. Lunática Factoría Musical. Zaragoza, 2011. La foto de María José está realizada por Juan Miguel Morales.

Recibo esta nota de Antonio Bayona y de Julián Gómez, que organizan, administran y ordenan el Archivo Pilar Bayona, la gran pianista zaragozana de la Generación del 27, amiga de Buñuel, de Camón Aznar, de Ravel, de Pepín Bello y de Federico García Lorca, entre otros:

[Queridos amigos: Os notificamos que el Archivo Pilar Bayona (la documentación física) se ha trasladado a Zaragoza, y ya no está en Madrid. Quizá algunos ya sabéis lo que pasó, pero resumiendo os contaremos que en marzo se derrumbó parte del techo del local donde teníamos el archivo, que fue necesaria la intervención de bomberos y ayuntamiento, y que nos obligaron a desalojar, pues ha habido que apear y apuntalar todo. Se ha descubierto que todo el edificio -que es viejo y de estructura de madera- está bastante mal, y la obra de restauración no sabemos lo que durará (ni lo que costará), así que teniendo obligatoriamente que desalojar y ante la opción de tener que alquilar otro local o tenerlo todo “empaquetado” en un guardamuebles todo ese tiempo, hemos decidido alquilar algo en Zaragoza, donde vamos muy frecuentemente, además de ser la ciudad de Pilar Bayona. Ya está allí todo instalado, y a través de esta dirección de correo y de nuestro teléfono de siempre podemos concertar las citas o visitas que sean necesarias. Antonio y Julián]

*Las fotos de Pilar Bayona son de Aurelio Grasa y de Jalón Ángel.

Hace algunas semanas, Carmelo Pueyo Benedicto publicaba el libro ‘Música en danza’, que resume muchos años de trabajo, de pasión por la música y danza: el libro es una síntesis de la historia de la danza, con piezas y partituras, con personajes, con obras, con directores, coreógrafos, compositores y bailarines. Él siempre insiste en el carácter coral del libro: ha contado con muchos colaboradores y amigos. El volumen lleva tres aproximaciones al mundo del ballet y la música: uno de Álvaro Zaldívar, otro de Enrique Gastón y otro mío. El texto que sigue a continuación.

LOS PÁJAROS DE FUEGO DE LA CULTURA

La música ha formado parte de la vida del hombre desde los orígenes. Como el agua, el viento, las puestas del sol o las tormentas. La música ha sido una necesidad y una presencia: estaba allí, en la melodía de las estaciones, en el rumor de los bosques o en el canto de los pájaros, desde que el hombre apareció sobre la tierra. Y otro tanto podría decirse del baile o de la danza: ya en la prehistoria, en sus pinturas rupestres, el hombre se representó ejecutando pasos, ensayando movimientos artísticos, bosquejando movimientos con esa cadencia tan particular a la que llamamos ritmo. Esos trazos eran un conjuro, una crónica visual y la exaltación de un destino.

Hay cosas que no se sabe con certeza cuándo nacen, ni cómo ni en qué contexto, en la vida del cazador y del pastor; en realidad, parecen inherentes al cuerpo y al alma: nacen con el ser humano y este, poco a poco, en la lenta asimilación del medio, empezará a dominar ese atributo innato y lo convertirá en un mecanismo de diversión, en una práctica de su sensibilidad, en un arrebato lúdico y en una respuesta casi espontánea a todo y, a la par, a no se sabe bien qué. Carmelo Pueyo tiene muy claro que la danza y la música, tan inseparables, conforman una completa y compleja historia de la cultura. Y en este libro, Música en danza, lo que nos propone es un fascinante viaje que se despliega ante nuestros ojos como una auténtica clase de danza, con lo que eso significa: una clase es una lección, un abanico del mundo y sus habitaciones clandestinas, una apertura hacia el horizonte del placer, del entendimiento y del sentido crítico, es un encuentro con un arsenal de incitaciones; una clase es también un fragmento de belleza desvelada, una aproximación al misterio y a lo inefable; una clase es una apetencia de encontrar interlocutor, una vía de luz hacia el diálogo. La danza y la música están tocadas por el hilo tembloroso de la poesía: la danza es poesía corporal en movimiento, es un río de encadenados pasos, un aleteo indesmayable de armoniosidad, gracia y elegancia. Y la música son las matemáticas del alma: la escritura sonora, la ondulación y el fraseo de los sonidos que nos conmueven como pocas cosas. La música es el arte más abstracto que produce las emociones más concretas.

Carmelo Pueyo ha concebido su trabajo con verdadera estrategia de seducción. O de envolvente embrujo. Primero, como si llevase un diario de profesor que siente y que se estimula a sí mismo cada día antes de entrar al aula, redacta sus notas de clase, anota citas curiosas y reveladoras (desde Estrabón a Ramón Muntaner y sus ‘Crónicas’, desde Homero hasta Goya, entre muchos otros), busca la pieza que deba ser interpretada al piano (nunca es una pieza inocente o baladí), propone diferentes juegos de musicalidad y, finalmente, para cerrar un círculo, efectúa sus apuntes históricos: igual habla de los primeros teóricos de la danza, como Domenico de Piacenza y su manual de 1453, que evoca a diferentes coreógrafos y maestros de ballet, a compositores y a piezas compuestas para ballet, o aquellas que no fueron escritas inicialmente para danza pero que acabaron convirtiéndose en materia de ballet, como pudo suceder con una obra tan peculiar y hermosísima como las ‘Variaciones Goldberg’ de Juan Sebastián Bach. El interesado, el experto y el enamorado del ritmo también hallará muchas piezas específicas como ‘Orfeo y Eurídice’, las grandes obras de Mozart, y las que no son tan grandes, como ‘El ballet de la nuit’ o el ballet-comedia ‘El burgués gentilhombre’, por citar dos piezas que ya son de incontestable referencia.

Este es un libro especial. De descubrimientos, de fogonazos, de pura pasión por la música, la danza y el arte de enseñar. No es un tratado erudito ni una compilación que aspira a la totalidad. No tiene esa vocación: apunta, indica caminos, abraza y ensalza, página a página, pentagrama a pentagrama, nombre a nombre, el inagotable universo de la danza. Un universo que se extiende en casi todas las épocas, en todas las direcciones y en todas las disciplinas. La danza ha cautivado a los reyes y al vulgo, a los pintores y escultores, al cine, a la fotografía, al teatro y a la literatura, por supuesto. Y ese afán por perfilar el baile –y todo lo que conlleva su representación: la coreografía, el vestuario, el maquillaje, la escenografía, el vértigo y las sucesivas partituras- está aquí, en Música en danza’, como un final de viaje que incorpora todos los pasos previos, las encrucijadas, los peregrinos, los accidentes e incidentes del contexto y las melodías que hemos escuchado, las melodías que volveremos a oír una y otra vez mientras se cimbrean los cuerpos y se vuelven pájaros de fuego. En cierto modo, Carmelo Pueyo ha redactado un manual para vivir entre acordes y para danzar hasta el fin de la noche de los tiempos.

*En las fotos, la portada del libro, Nijinsky, Balanchine en un ensayo y Elia Lozano, durante la presentación de 'Música en danza', en una foto de Alberto Rodrigálvarez.

LA MALA MUJER DE TALENTO INFINITO

-ADIÓS A AMY WINEHOUSE: LA VOZ DEL NUEVO SOUL-

Buscando una foto, me encontré con un retrato de Janis Joplin, aquella cantante indomable y subversiva a quien se parecía tanto Amy Winehouse. Se parecía en la vida descontrolada, en la vida disuelta peligrosamente y, sobre todo, se parecían en su voz cautivadora. Cautivadora, sí: podía ser seda, pedernal estremecido, canto áspero o una garganta rota, de excepcional talento en su color y en su profundidad. Las dos también eran capaces de cantar soul y pop y rock con muchos bríos, tenían esa hermosa facultad de levantar cualquier tema, de darle intensidad y desgarro, de otorgarle poesía a mordiscos. Janis Joplin, que llegaba a orinar en los conciertos hacia el público, murió a los 27 años, igual que Amy, que ingresa en el Club de los 27. Allí estaban ya Jim Morrison, el líder de The Doors; Brian Jones, uno de los fundadores de Los Rolling Stones; Kurt Cobain, el alma de Nirvana, o Jimi Hendrix, aquel guitarrista impactante que tenía alma de fauno.

Amy Winehouse se ha ido demasiado pronto: con dos discos, ‘Frank’ (2003) y ‘Back to black’ (2007. Obtuvo por él cinco ‘Grammys’) y con muchas canciones por ahí, rescatadas un poco deprisa, tras el gran éxito y tras las huellas de la polémica, que la ha rodeado siempre. Unió los dos álbumes, canciones sueltas y algunas recuperaciones y versiones. Víctima de sí misma en primer lugar, superada por el alcohol, las drogas y la fama, siempre fue una joya a la deriva. La mujer que se destruye en cada minuto. La mujer de talento increíble que es mala para sí misma en cada paso, a solas o en medio de la muchedumbre. Ya sabemos que las drogas son un pozo: un pozo que empieza, se estira, se ciega y no resulta fácil andar por él sin ahogarse o sin estrellarse, pero su carácter ha sido muy complejo: caprichosa, ida en ocasiones, desafiante, alocada, perturbada...

La vida de Amy Winehouse ha sido la crónica de una demolición constante; eso sí, algunas de sus canciones son realmente maravillosas, intensas, rabiosas, desesperadas y a la vez lúcidas, son las melodías que harán inmortal a esta estrella fugaz. Escuchen ‘Rehab’, su autobiografía de la tozudez y de ‘la esclavitud’, y acaso de su propia libertad; escuchen ‘You know I’m no good’, ‘Valerie’ o ‘Back to black’, con esa voz oscura que a veces parece de jazz, de parentesco fácil con Billie Holiday. Eso, y perdonen la aparente desmesura, ya es patrimonio de la Humanidad.

*Este texto lo publiqué ayer en heraldo.es

Era demasiado joven para morir. Demasiado joven para dejar de cantar. Demasiado joven y demasiado desequilibrada: tenía solo 27 años. Ha sido encontrada sin vida en su apartamento de Londres Amy Winehouse. La mujer que conmovió con temas como ‘Back to black’, que acabo de oír, o ‘You know I’m no good’. O ‘Valerie’. Y sobre todo 'Rehab', una de las grandes canciones de los últimos años. Parece que Amy, voz rotunda, personalísima, un tanto desgajada, llena de fuerza, sabía que ella no era buena ni para ella. Parecía tener prisa por reunirse con Jim Morrison, Janis Joplin (a quien se parecía de alguna manera en algunos temas y quizá en su inclinación hacia las drogas y el alcohol), Kurt Cobain, Sid Vicious o Jimi Hendrix.

[El cineasta Emilio Casanova, un buen amigo desde hace muchos años, me envía esta nota como a otros muchos amigos. Creo que es un punto de vista bastante sensato. Zaragoza ganó una Expo Internacional, había ganado una exposición de naturaleza. Juan Alberto Belloch no ha estado demasiado acertado. Esta foto de Emilio es de Vicente Almazán.]

Estimados amigos

Os envío esta nota

Un saludo a todos

Señor Alcalde de Zaragoza:

Soy vecino de su ciudad, y me alegra todo lo que tenga que ver con el avance de la misma.

Me alegré de la Exposición del 2008. Y aprecio la evolución que en muchos aspectos de esta ciudad produjo tal evento. Sin duda por el trabajo realizado por nuestros administradores. No me refiero a los fastos, necesarios, sino a lo que todo ello dejó: el cuerpo de nuestra ciudad... y sin duda por la solidaridad mostrada por muchísimos de nuestros vecinos.

Ayer fue elegida San Sebastián –Donosti para muchos, la mayoría de sus vecinos- como capital europea para 2016. No lo fueron varias otras capitales españolas, entre otras Zaragoza. Lo siento porque, repito, soy de aquí y supongo que la capitalidad hubiese aportado energías y otras cosas a todos.

Aquí se queda el asunto. Usted no. Acaba de hacer unas declaraciones que, a mi juicio, son inexcusables. Usted, demócrata, pretende invalidar un proceso contra una decisión decidida por un organismo que es quien valora.

Lo mismo pasó en las elecciones municipales pasadas anteriormente. Nos gusten o no.

Yo, señor alcalde, soy demócrata, o lo intento ser porque, como lavarse los dientes, requiere un esfuerzo diario. Y me puede o no gustar que un partido acceda a determinados poderes. No soy nacionalista, ni vasco, ni andaluz ni aragonés siquiera. Creo en las ideas y en las personas. Y creo en el progreso y en la solidaridad entre las gentes, y en la buena vecindad frente a guerras fratricidas. Kosovo está tan lejos como tan cerca.

Señor alcalde. Sus declaraciones me producen vergüenza. No son propias de alguien que fue ministro por partida doble: de Justicia y de Interior.

Sus palabras –espero que una ducha fría le reconforte- son yesca, de ésa que enarbolan los nacionalistas, vascos serpiente o españolistas de bandera preconstitucional.

No siga por ese camino. Creo que no es el del partido al que pertenece, o por el que le votan, y menos el de un demócrata. Sí parecen las de quien no sabe perder. Que, para mí, hoy, es lo más importante y mide la altura moral de las personas. Recuerde en 1993 el papelón de don Javier Arenas y don Alberto Ruiz Gallardón, del Partido Popular, cuando perdieron unas elecciones generales que las creían ganadas: Hablaron de pucherazo. ¿A que lo recuerda?

Si no sabe ser elegante, o demócrata –quién sabe-, al menos cállese y no produzca un virus que los vecinos de Zaragoza, y la gran mayoría de los de San Sebastián, ni tienen ni desean.

Le queda un ratico para sacar la pata que ha metido. Y no es pequeña, es más grande de lo que supone.

Atentamente ciudadano de esta ciudad

Emilio Casanova

DNI 17852666C

“Esperamos la vuelta del Ballet de Zaragoza”

[Carmelo Pueyo publica el libro ‘Música en danza’ (Prames), un manual novedoso que incorpora la historia del ballet, sus protagonistas, partituras, pasos y unos espectaculares dibujos de Álvaro Ortiz. El autor dice que la desaparición de la compañía zaragozana fue “un desastre”]

¿Qué es, qué quiere ser ‘Música en danza’ (Prames)?

Una aportación al conocimiento del mundo conjunto de la música y de la danza desde una perspectiva personal. Los necesarios aspectos teórico-prácticos, en principio más áridos, son solo el medio para encontrar la esencia de las artes, que, para mí, son la expresión, la emoción, la sensibilidad, lo bello, lo ético... Por esto he querido elaborar el libro de forma amena que pueda llegar a un amplio sector de personas.

¿Qué contenidos había pensado que tuviera el libro?

En un principio, los más directamente relacionados con la aplicación musical a la danza, aquellos que afectan a la medida del tiempo y a la correcta armonización métrica entre ambas disciplinas, imprescindibles para los profesionales de la danza, alumnos y músicos. Posteriormente vi necesario incluir aspectos del ámbito histórico y cultural.

Ya que dice esto, ¿cuál es la frase, la cita o el aforismo que le parece que mejor define la danza?

Seguramente utilizaría una expresión dirigida originalmente a la música, para hacer hincapié en su origen y naturaleza común, como la que cita Boecio: “La música está ligada a nosotros de forma tan natural que no podemos liberarnos de ella, aunque lo deseemos”. O aquella de Jean Paul Sartre: “La misma música se disolverá en el movimiento; el cuerpo se convertirá en palabra, canto y música, como si Kochno y Lichine nos hubieran querido llevar gradualmente hacia ese silencio preñado de música”.

 
¿Cuál sería el gran personaje de la ópera, con qué obra se quedaría, quién es su  bailarín preferido, a quién no conocemos mucho y deberíamos conocer?

Nombraría a Monteverdi, como personaje histórico de enorme trascendencia en el devenir de la música y de la ópera en particular. Si tuviera que elegir una obra buscaría entre la producción de Bach, de algún impresionista o expresionista; quizás algún sencillo madrigal o una canción de Leonard Cohen. Entre los bailarines, por sus intensas vivencias y contexto histórico, a Nijinsky. Dentro del mundo de la danza, Diaghilev me parece un personaje muy interesante.

¿Cuál es la relación de la danza con las demás artes?

En lo esencial, es una forma de expresión artística más, quizás con menor bagaje bibliográfico y especulativo que otras artes, particularmente en su modalidad de Ballet. Las producciones coreográficas en el contexto del París de Luis XIV o del patrocinio  de Diaghilev me parecen modelos a seguir en cuanto a la interdisciplinariedad.

 ¿De dónde le viene el amor por la danza?

Sin duda de las personas maravillosas que he conocido personalmente en este campo, de aquellos a los que encuentro en mi misma sintonía: Antonio Almenara, Blanca Álvarez, Elia Lozano, Silvia Auré, Sergio Simón, Amador Castilla, Cristina Miñana…, gente de aquí, cercana y sensible, con los que he sentido el vértigo de la creación, que para mí está ligada al amplio concepto de “humanismo”. Cuando un músico conoce el placer de crear, y además lo experimenta en comunión con otros que danzan, las sensaciones se multiplican.

Háblenos un poco de los dibujantes: Álvaro Ortiz, Ramón Taulé…

Taulé, compañero en el Conservatorio de Danza con aficiones pictóricas, me pareció la persona idónea para acometer los dibujos de danza académica de los musicoreogramas, en los que la precisión de las líneas y posiciones de las bailarinas dibujadas era imprescindible. Álvaro Ortiz fue una recomendación de mi amigo Jesús Pescador, actor y director de teatro, al que pedí consejo. Envié a Ortiz mis veintiún referentes zaragozanos, con las imágenes que había concebido para ilustrar el libro; en poco tiempo me mandó sus creaciones. Son una maravilla y un ejercicio de talento y generosidad por su parte.

¿Cuál ha sido la colaboración del diseñador Víctor Montalbán?

Se involucró de manera a veces heroica, ya que el proceso de elaboración de los contenidos trastocó sus bocetos de diseño previos. Al igual que Álvaro, dio forma a mi idea de manual clásico. Un tratado de Noverre, cuya tapa vi en internet, fue el detonante de lo que quería.

 ¿Qué ha sido lo más laborioso, lo más conmovedor de esta publicación? ¿El trabajo en equipo, la paciencia, que se haya gestado en las aulas?

Dos aspectos, seguramente, me han tocado de manera más profunda. Por un lado todo el proceso de elaboración del libro, en sus aspectos de documentación, de redacción, de selección, tanto de contenidos como de profesionales y colaboradores, de edición, de gestión humana. Realmente ha sido una Universidad. Y por otro lado, humanamente, ha sido una de las más interesantes experiencias de mi vida. Frente a la desidia que he encontrado en muchos sitios, la esperanzadora respuesta de tanta gente generosa e inteligente, de tanta buena gente. Nunca he visto más claro que ambos calificativos fueran unidos de la mano de forma tan precisa.

¿De dónde proceden las partituras?

He querido que la música elegida representara una amplia gama de estilos y géneros. Muchas de las composiciones son obras clásicas, más o menos adaptadas a las necesidades rítmicas de una clase de danza; otras son variaciones de partituras; y, en mayor medida, creaciones mías, la mayoría procedentes de improvisaciones pianísticas que hice en las clases, y que han quedado finalmente plasmadas en pentagrama. Fue un estudiante de sonido, Marc Pascual, quien realizó gran parte de la edición de partituras; otro de los interesantes personajes que conocí, un “manitas”.

Hablemos del Ballet de Zaragoza: en la presentación de ‘Música en danza’, en concreto el pianista Jaime López Coscolla y luego otros compañeros de mesa, se dijo que era un instrumento imprescindible para el futuro de los jóvenes bailarines, y que su desaparición había sido “un desastre”.

Fue un desastre, previsible. Cuando no existe una verdadera conciencia cultural en las instituciones ni entre gran parte de los representantes políticos, y la ciudadanía lo permite, el desastre está a la vuelta de la esquina. Los profesionales y aficionados a la danza en Zaragoza esperan la vuelta del Ballet de Zaragoza. El Ballet de la Ópera de la ciudad francesa de Limoges, población de menos de 200.000 habitantes -de donde es director artístico otro zaragozano, Sergio Simón- organiza anualmente su temporada de ballet, al igual que de ópera.

¿Qué hay, entonces, de mito y de realidad en la frase “Zaragoza es una ciudad de danza”?

Una gran bailarina y maestra de Barcelona, heredera de la alta tradición europea de la danza, María de Ávila, llega a Zaragoza por la casualidad de que su marido es de esta ciudad. Creadas las condiciones más óptimas, María de Ávila forma a bailarines, futuros maestros, que heredan lo mejor del ballet europeo. Es una realidad, personalizada en Víctor Ullate, Ana Laguna, Carmen Roche, Antonio Almenara, Trinidad Sevillano, Arantxa Argüelles, Lola de Ávila; o en los más jóvenes Amaya Iglesias, Gonzalo García, Tapia, Simón y tantos otros, hoy dispersos por todo el mundo, que mantienen viva la escuela de Zaragoza. Desgraciadamente, la ciudad no lo está rentabilizando.

¿Para quién es el libro?

Para maestros, coreógrafos, bailarines, alumnos de danza, pianistas acompañantes, profesores de música en Conservatorios de danza, aficionados a la danza, la música y las artes. Pero también es asequible, técnicamente, como libro de referencia para colegios y público en general.

¿De dónde se lo están pidiendo?

Además de las librerías generales, lo solicitan las especializadas en música, danza y arte. Muchos directores de Conservatorios de todo el país, asociaciones, escuelas y academias de danza me lo han pedido personalmente; también alumnos que van a pasar alguna prueba; revistas y portales on-line de danza, bibliotecas, etc. Pero también está  resultando atractivo para gente no relacionada con la danza.

*Carmelo Pueyo, retratado por Alberto Rodrigálvarez.

La leyenda musical del judío errante

Trivium Klezmer, el trío aragonés de música hebrea y centroeuropea que actuará en Pirineos Sur, publica su segundo disco, ‘Klezmorim’, con piezas de la tradición popular al que incorporan aires balcánicos, gitanos y mediterráneos y sonidos de jazz y tango

Dentro de tres semanas comenzará Pirineos que alcanza su XX edición. Este festival ha abierto puertas al mundo, colabora con certámenes semejantes en Dakkar o Casablanca y proyecta la creación aragonesa en un viaje de ida y vuelta. Pensemos, por ejemplo, en Biella Nuei y Azawan. Este año Pirineos Sur -creado en 1992 por iniciativa de Eva Almunia y de Luis Calvo, que sigue ejerciendo de director entusiasta e incansables- está dedicado a las ‘Tribus ibéricas’, con algunos añadidos como Rubén Blades y Andrés Calamaro, que pertenece a ese orbe de las músicas populares del mundo que es la música latina.

Entre los grupos aragoneses, destaca la presencia el día 21 en el pantano de Lanuza de Trivium Klezmer, un trío afincado en Huesca y compuesto por Juan Luis Royo, un turolense que toca el clarinete soprano y el requinto; Manuel Franco, un oscense que es un virtuoso del acordeón y Jorge Ramón Salinas, otro altoaragonés que toca el clarinete bajo. Los tres han actuado en muchas formaciones: los dos últimos, por ejemplo, han participado en grupos como Eraje o han acompañado al cantautor Ricardo Constante. Y a Royo, lo hemos visto colaborar con el Grupo Enigma, con Miguel Ángel Remiro o con Miguel Ángel Berna, por citar algunos ejemplos, a menudo en compañía de otro talentoso músico como Joaquín Pardinilla.

Juan Luis, Jorge y Manuel aman la música de una manera especial, con una energía indesmayable. Suben al escenario y la contagian: poseen calidad de sonido, entusiasmo, pasión y disfrutan tocando. Disfrutan tanto que llevan unas gotas de humor al escenario y también a sus discos. Trivium Klezmer, como sugiere su nombre, ha apostado por la música hebrea, por la música popular judía enriquecida con otras músicas centroeuropeas, como la música balcánica, la música gitana, pero también incorporan otros sonidos: el jazz, los aire latinos, el tango y algunos ecos de música judía procedente de Latinoamérica y de África. Con todo eso, y su gusto por la investigación y la experimentación, Trivium Klezmer acaba de publicar su segundo álbum: ‘Klezmorim’ (Luna Nueva, 2011), que quiere decir músico ambulante, músico que va de aquí para allá con sus instrumentos para encender una orgía de baile y felicidad en cualquier plaza, para entonar un son de añoranzas o una elegía.

‘Klezmorim’ consta de doce temas y por lo general son temas luminosos, festivos, optimistas. Danzas (o ‘freilachs’) dedicadas a familias, temas populares y de compositores de lo que tampoco se sabe demasiado entre nosotros (Burstyn, Pansera, Katz…), alguna pieza más conocida como ‘If I were a Richman’ (Si yo fuera rico) e incluso un tema que han elaborado Pedro Navarrete y Eduardo Paz, como ‘Secretos’, que canta el vocalista y compositor de Alcorisa. Paz es otro enamorado de la música judía, y la ha abordado en sus dos direcciones más nítidas: el universo sefardí y el ashkenazí. La presencia del tango se percibe en ‘Clarinetango’ y el jazz se escurre en muchos temas, pero especialmente en ‘Freyjazz’.

‘Klezmorim’ es un disco vibrante, lleno de creatividad y de talento, uno de esos discos impregnados de belleza y de hondura, en los que se percibe el diálogo de los instrumentos entre sí: son actores con réplica y contrarréplica sonora. Es un disco para disfrutar. Resume una música que ignora las fronteras, que mezcla la luz mediterránea con los fríos rusos y los bosques exuberantes de Europa, una música que contiene centelleo, energía, libertad de vuelo, ritmos frenéticos, remansos de melancolía, una música que posee latido y memoria de la tierra y “secretos de mi vida”, como canta Paz. Secretos de nuestras vidas y de las de nuestros antepasados.

‘Klezmorim’. Trivium Klezmer. Diseño e ilustración: David Ramón. Sello: Luna Nueva, 2011. Intérpretes: Juan Luis Royo, Jorge Ramón Salinas y Manuel Salinas. Actuará en Pirineos Sur con Kroke & La Musgaña en el Pantano de Lanuza, el 21 de julio.

Homenaje a Pepe Gastón 

Teatro Principal de Zaragoza

 
Domingo 26 de junio de 2011 a las 19 horas

Pepe Gastón y Ricardo Constante.

Pepe Gastón, fundador del grupo Monte solo junto al poeta José Antonio Rey del Corral, nos dejó a principio de este año.

El próximo domingo, 26 de junio a las 19 h, en el Teatro Principal de Zaragoza, sus amigos le recordaremos en un sencillo acto en el que esperamos contar con tu compañía

Entrada libre, hasta completar el aforo PREVIO PASO POR TAQUILLA A RECOGER INVITACIÓN

Programa:

1- Presentación: Eduardo González-Yolanda Bujedo (texto de Javier Aguirre)

2- Primera parte:
Arturo Hortas y Raquel Agudo
Quique Artiach
María Confussion
Curro Fatás con Jorge Berges
Elena Rubio
Yolanda Bujedo con Javier Lizalde
María José Hernández
Montse Castellá
Agustín Alegre

3- Segunda parte: Montesolo

*Antes de entrar en el Teatro, hay que pasar a recoger las invitaciones. Las fotos las he tomado de internet: la primera de diarioaragones.com y la segunda de la página de Antonio Pérez Morte.

Bunbury: el artista, el aprendiz, el curioso, el cantor errante

[Javier Alvero le dedica un documental al cantante: ‘Porque las cosas cambian’, que analiza su trayectoria desde Héroes del Silencio hasta su último álbum, ’Las consecuencias’]

Esta foto es de Anna Moshi y la tomo del blog de Marisa Lanca.

Enrique Bunbury (Zaragoza, 1967) tomó su apellido musical, que se ha convertido ya en Bunbury a secas, de una joven amiga norteamericana. Ya desde pequeño, Enrique era especial: “nunca me gustó el fútbol”, dice, y con ocho o nueve años escribía canciones para cantar el colegio. En los 80, tras haber sido expulsado de varios centros escolares, tuvo infinidad de bandas: siempre fue un aprendiz, un incomodado, alguien que está una y otra dispuesto a empezar de cero, a cargar las maletas y el corazón con sonidos, con ritmos, con poemas, con sensaciones, con amigos.

Javier Alvero es el autor de un documental sobre el músico: ‘Bunbury. Porque las cosas cambian’. De vez en cuando, casi como un elemento que le da unidad al conjunto, Bunbury le habla a la cámara y da pequeños apuntes de sí mismo, apuntes, recuerdos, anécdotas o reflexiones que apuntalan su autobiografía. Dice, por ejemplo, en su primera aparición: “Todos los discos acaban hablando de las cosas que realmente te tocan”. Y, ya inmerso en ese viaje en el tiempo que es el documental, en ese viaje hacia el futuro, evoca sus inicios y asegura: “Yo fui un niño prodigio sin tener ningún tipo de prodigio”. Paso a paso, sin acritud alguna, con la presencia amable y lúcida de Pedro Andreu y Joaquín Cardiel, se reconstruye la historia de ese fenómeno llamado Héroes del Silencio, ese grupo que desplegó un sonido espectacular, como se volverá a ver y a oír con motivo de la gira de reencuentro de 2007.

A lo largo del documental, músicos, compañeros de viaje, técnicos de producción y sonido, amigos cercanos y distintos colaboradores nos acercan el personaje, mientras suenan las canciones, vemos las giras y una evocadora iconografía. Calamaro dice que “Bunbury escucha con los ojos abiertos”, y Phil Manzanera, de los primeros deslumbrados por la fuerza avasalladora de Héroes, dice que Burbury “es como una fuerza de la naturaleza y sigue siéndolo”. El artista. Se realiza un recorrido por los discos y las giras del grupo, con la ayuda del fino análisis de Pito, el manager que los catapultó desde Madrid, se habla de ‘El mar que no cesa’, ‘El espíritu del vino’, de ‘Senderos de traición’ y de ‘Avalancha’, y es el propio Bunbury quien resume ese período así: “La música nos unió y la música nos separó. Era lo que teníamos en común”.

A partir de ahí, Bunbury empezará a hacer algo que, en realidad, luego hará sistemáticamente en cada disco: se reinventa. Ariel Rot indica su espíritu de solista: dice que posee mucha personalidad y que siempre le ha gustado ir por libre. Y a la par, testimonio a testimonio, vamos viendo el complejo perfil del músico: posee una inmensa capacidad de trabajo, es muy receptivo y curioso, es un buscador de estilos diferentes y siempre está abierto a la experimentación y a la colaboración. Cada disco es la aventura de un viajero y de un explorador de los sonidos al que le gusta la playa en invierno, cocinar arroces e indagar en un sinfín de músicas: la música árabe o balcánica, la música italiana y francesa, el eco de Aerosmith o Gun and Roses, pero también se interesa por la música popular latinoamericana y la antropología; cuenta Lila Downs como Bunbury no hacía más que preguntarle cosas y cosas a su madre con auténtico embeleso.

Esa atracción por lo nuevo ya se ve en ‘Radical sonora’, que opta por la música electrónica e intenta escaparse de Bowie y U2, que también flirteaban con esa estética. Y se seguirá viendo, con otros matices, en sus nuevos discos: ‘Pequeño’, -“un disco que se salvó por América” y por el cual debía responder a la cuestión: ¿dónde está Bunbury, el cantante eléctrico?-, ‘Flamingo’s’, de exquisita factura, donde rinde homenaje a su pasión por el boxeo como metáfora de la vida y a Perico Fernández, ‘El viaje a ninguna parte’, ‘Freak Show’. Y luego vendrían otras experiencias, no siempre fáciles ni lineales, y nuevos discos como el que hizo con Nacho Vegas, ‘El tiempo de las cerezas’, la gira con Héroes de 2007, nuevos álbumes como ‘Helville de luxe’ y ‘Las consecuencias’. Dice Bunbury que se ha pasado horas y horas a la búsqueda de diferentes formas de sonar y confiesa que “tengo una pasión por el sonido. Mis discos dicen mucho de mí por cómo suenan”. Loquillo recuerda que un artista debe crearse un personaje y trabajarlo y consolidarlo. Y eso es lo que ha hecho Bunbury, disco a disco, que sale muy bien parado de este “carrusel emocional” que le dedica Javier Alvero. Y sale bien parado porque es un investigador, un explorador, un seguidor de Errol Flynn, un enamorado del trabajo de los otros (y los otros son sus colaboradores, Copi o Ramón Gacías, por ejemplo, pero también son las músicas del mundo y los intérpretes anónimos), alguien dice que “las maquetas y los discos ajenos son su gasolina”, y es un artista que sube a cantar y tiemblan las tablas, sucede algo que no sucede todos los días, como señalan Quique González y Loquillo.

‘Bunbury. Porque las cosas cambian’ es, con su talento, con su voz y con sus melodías, Bunbury en estado puro. Bunbury entre amigos. Bunbury en el camino: como el zaragozano errante e incansable.

*Me había anunciado Javier Alvero que el documental iba a salir con la revista 'Rolling Stone': esta mañana la he visto en el quiosco a tres euros.

Octavio Gómez Milián es el hombre de la música y de la poesía. Eso que se llama un pope de curiosidades. Un joven pope, inquieto e incansable. Entre el sinfín de colaboraciones y de proyectos (trabaja con Alberto Guardiola y Miguel Mena, dirige colecciones con Comuniter, como Resurrección, está muy cerca de David Giménez en sus proyectos de Cartonerita, se implica en los recitales de la Asociación de Escritores, alienta y estimula la relación de la poesía y la música…) que alimenta, hay otro que es realmente interesante y goloso para cualquiera que le interese el mundo de la música: el blog http://aloestenosencontraras.blogspot.com/, donde confecciona un Diccionario de grupos aragoneses, redacta crónicas, desempolva entrevistas, hace recuento de conciertos, rescata personajes, todo con ese estilo suyo tan particular y caudaloso: el de alguien al que le atrae todo. O casi todo. Y vive para disfrutarlo y para contarlo. Copio aquí una de sus últimas crónicas.

Crónica de Alguerofilias en Jai Alai de Huesca (10 de Junio de 2011)

Por Octavio GÓMEZ MILIÁN

El pasado viernes 10 de Junio se realizó un merecido homenaje al desaparecido compositor español Augusto Algueró dentro de la programación del Festival Internacional de Cine de Huesca. Un supercombo de músicos oscenses capitaneados por Javier Aquilué (Kiev cuando nieva) revisó el cancionero de uno de los músicos más influyentes del pop español de los últimos cuarenta años. Hubo tiempo para todo, bandas sonoras de películas oscuras, yeyé de manual o material escrito para las mejores gargantas de los crooners patrios: el comienzo, un arrebato de lounge bailable, Ballet para un árbitro malo, un trepidante instrumental que sirvió para engrasar los instrumentos de Alguerofilia, a continuación, dos temas mágicos, de esos que solo las chicas con falda a juego con las luces son capaces de interpretar con salvajismo contenido de nouvelle vague: Muy cerca de ti (que aparecía como tema principal en Zambo y yo, la película que consagró a Ana Belén como niña prodigio), pero que se llevó al terreno más garajero de los Pegamoides, Celia Vázquez, sobrada de voz, precisa en la apertura para dejar paso frente al micrófono a Laura Muro (cantante de Lucca)que emulando a una Marisol postmoderna, más cerca de Deborah Harry que de Russian Red, se lanzó a cantar Me conformo (un tema que Gelu y TNT habían llevado a lo eléctrico después de que apareciera en “La Moderna cenicienta”).

Era el momento para la primera intervención de Anxon Corcuera, de Kiev cuando nieva, para que la banda se lanzara hacia el camino americano más bucólico y Oh Toni!, de “Marisol rumbo a Río”, siguió aumentando el ritmo del concierto. Todos tenemos alguna amiga a la que sus padres (progres, como Dios manda) bautizaron Penélope por el tema de Serrat, con música de Algueró, claro. La voz pánica de Chema Barrio, de Domador, ralentizó una historia cotidiana de contemplación y sugerencia. El concierto se ponía sabroso, pleno de groove, era el momento para el dandy del ritmo, como siempre, impecable en imagen e interpretación, Raúl Usieto aka Pecker, subió al escenario para hacer suya Bossa Nova (uno de esos temas que se te quedan en la cabeza, de estribillo adhesivo, que aparecía también en el largometraje “Marisol rumbo a Río) y en el que las texturas surgidas de los habilidosos dedos de Antonio Romeo (de Domador), sirvieron como especia perfecta. Llega uno de los instantes más esperados, la primera incursión en el cancionero de Nino Bravo: un hit atemporal, Noelia, para el que un grande, Juanjo Javierre (de Mestizos y Soul Mondo), acordeón en mano, demostrara que el eclecticismo que siempre ha caracterizado al compositor oscense iba a cobrarse una nueva muesca.

Y de crooner a crooner, esta vez un tema de Jaime Morey con el que respresentó a España en el festival de Eurovisión del año 1972 (sí, el mismo en el que se publicó el Ziggy Stardust de Bowie, entonces sí que se hacían buenas canciones), Amanece, era el turno para que Javier Almazán escapara por un momento de las influencias anglosajonas de Copiloto para convertirse durante unos minutos en un elegante intérprete a la orilla del Mediterráneo. Y con ellos empezó todo, Los 3 Carinos, historia del pop aragonés, fueron recordados por las voces conjuntas de Javier Aquilué y Antxon Corcuera tal y como habían sido revisitados unos meses antes en la presentación de Los chicos de provincias somos así (el documental de Orencio Boix sobre el pop oscense). Augusto Algueró, omnipresente en aquella época, había sido arreglista de los 3 Carino. Un tema muy coreado, sobre todo por la vuelta de Antxon al escenario, convertido en una especie de mito erótico indie para las jóvenes de la s primeras filas. Pero lo que el público quería era más yeyé, más temperatura e incendio y para eso nada mejor que devolver al escenario a Laura Muro y que la vocalista de Lucca hiciera una incursión en Amor bajo cero para dejar paso al segundo valiente de la noche, Fher de Plasma, que se transmutó en el Nino Bravo de Te quiero, te quiero, jaleando al respetable y escapando de lo hierático en una interpretación sobresaliente. Coreada en todas las fiestas, imprescindible en cualquier guateque que se precie, no podía faltar en el repertorio La Chica Yeyé, así que Celia Vázquez agarró el micrófono y dio una lección de cómo hay que cantar un clásico para éxtasis de carrozas, modernas y demás fauna (a esas alturas de concierto, completamente entrega, por supuesto). El cierre, como no podía ser de otra manera, para Tómbola, con todos los vocalistas sobre el escenario, en una improvisada jam que sirvió para presentar a los miembros de Alguerofilia: en la sección rítmica, Carlos Aquilué (Kiev cuando nieva y Will Spector and The Fatus), preciso e imaginativo tras los parches y Alejandro “El Chino” Villacampa (SCR y Lucca), mostrándonos sus dedos manchados de negro funk tras pulsar con maestría sus cinco cuerdas de la guitarra baja. En el teclado, Sergio Marqueta, pulcro y resolutivo en el acompañamiento, una sección de metales fundamental en los arreglos de un repertorio magnífico, Sergio Laita en trompeta, Roberto Laita en trombón y liderando al trío, el mago Justo Bagüeste, curtido en mil batallas (del ruidismo a la experimentación pasando por la opereta) y claro, en las guitarras, dos generaciones unidas por el amor a la música pop: Javier Aquilué Sr y Javier Aquilué jr, electricidad, mandolina y banjo. Un trabajo magnífico el de Alguerofilias, perfectamente punteado desde las proyecciones de Héctor de la Puente que aportaron un sustento visual fundamental (¡Valerio Lazarov que estás en los cielos, vuelve!).

A continuación, una estrella, deslumbrando con el reflejo de sus vinilos: Paco Clavel dj, micrófono en ristre, gusto consumado, entre retro y petardo, pero sobre todo, divertido.

A ver con qué nos sorprenden el año que viene...

*Todas las fotos son de la gran fotógrafa alemana Andrea Hubner.

El Combinado

Encuentro de músicas, que se está celebrando en Zaragoza desde ayer. Hoy continúan las sesiones en la sala Morrisey, a partir de las 22.00 horas.

Zaragoza, 10 y 11 de junio de 2011

Contacto

Nico Cassinelli

nicocasinelli@gmail.com

Resumen

Nueva música de autor en Zaragoza.

El viernes 12 y el sábado 11 en la Sala Morrisey se presentará “El Combinado”, un encuentro de músicos de distintas procedencias que comparten escenario por primera vez. Nico Cassinelli, Claudio H, Andrés Sudón, Jass, Chabi Benedé y Hernán Fillippini son artistas, compositores, cantantes, que escapando un poco a la especie del cantautor, cada uno a su manera reinterpreta la herencia de la canción de autor junto con la de los sonidos folclóricos, modernos y hasta electrónicos para ofrecer una visión refrescante de la tradicional imagen del poeta y su guitarra.

Combinando música, poesía, humor, ritmo y influencias de todo el mundo “El combinado” es una oportunidad muy especial para disfrutar de un menú desgustación de las mejores canciones de este plantel, además de versiones, improvisaciones e invitados especiales.

El encuentro se realizará en dos noches, en cada una de las cuales los participantes se presentarán en solitario o compartiendo escenario unos con otros, versionando, recreando y compartiendo este nuevo cancionero. Las dos noches serán distintas, y en cada noche, cada participante dará algo ditinto, ya sea en solitario o en colaboración.

La cita es a las 22hs ambos días, entrada 5€, en Sala Morrisey – Gran Vía 33, de Zaragoza.

Los participantes

Nico Cassinelli

Nico Cassinelli es un músico argentino radicado en Zaragoza desde 2007. Luego de casi 20 años de actividad artística y profesional relacionada con la música y el teatro, en 2009 edita su primer disco solista en España, en modalidad de autoedición a través de SGAE. La música y en general la estética de Nico Cassinelli surgen de entre la canción de autor, la poesía rock y la fusión y han sido definidas por críticos y artistas como una música personal y de búsqueda, además de rica en orquestación, matices y detalles. En su set en solitario, Nico basa su interpretación en la combinación de la guitarra y la voz con ordenadores, samplers e instrumentos informales.

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www.nicocassinelli.com

www.facebook.com/nicocassinelli

Contacto

nicocassinelli@gmail.com

 Andrés Sudón  

Andrés Sudón nació en la primavera del 78, en Salamanca. Estudió violonchelo y solfeo en el Conservatorio Profesional de su ciudad, y guitarra clásica en la escuela de música “Santa Cecilia”, aunque su primer acercamiento a la canción de autor fue a los ocho años, cuando aprendió a tocar canciones de Sabina en las clases extra escolares de guitarra que impartían en su colegio. Su música es fuertemente poética e instrospectiva, y ha evolucionado a una propuesta personal y madura.

Desde su debut Andrés Sudón ha hecho más de 500 conciertos, y ha grabado varios discos. Hoy reside entre Madrid y Salamanca y es habitual de Libertad 8 y todo el circuito de música de autor de la península.

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http://andressudonvive.blogspot.com/

http://andresudon.galeon.com/aficiones1289651.html

Claudio H

Claudio H. nació en Buenos Aires, Argentina y desde muy temprana edad muestra inquietud por el arte. En Madrid desde 1989, es en España donde desarrolla la mayor parte de su actividad profesional.  Músico y compositor, guitarrista, contrabajista y cantante, posee una larga experiencia en proyectos propios o compartiendo escenario con otros artistas. Desde hace ya mucho tiempo, su principal ocupación consiste en componer canciones y dar conciertos, con grupo o en formato “guitarra y voz”, en Salas, Auditorios, Casas de Cultura y Teatros de España y Argentina. Ha participado asiduamente en eventos y festivales organizados por ONGs y asociaciones de diversa índole.  También presenta su trabajo en giras periódicas por Argentina y Uruguay. Autor, productor, arreglista e intérprete de su último disco; "Placer de volar" editado en 2009 y distribuido por la Compañía Galileo - MC. Dirige y toca (guitarra y voz) en su propio grupo "Claudio H. y La Banda"; con el que presenta su trabajo de manera periódica.

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http://www.wix.com/claudioh_musicas/c

Proyecto Jass 

Juan Antonio Sánchez Salas (JASS) es nacido en Lorca, con residencia en Murcia y que recorre toda España con los tres discos de su Proyecto Jass, el espectáculo en solitario que combina música y humor que gestó el 2003 luego de una carrera de agrupaciones y participaciones en grabaciones ajenas.  Las canciones de Jass muestran un personal mezcla de estilos, Todo ello aderezado con una buena dosis de guitarras enérgicas y estribillos pegadizos de los que no hay manera de quitarse de la cabeza una vez que los oyes.

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http://www.proyectojass.com/

 Chabi Benedé

Guitarrista y cantante zaragozano nacido en 1984. Comienza sus estudios de guitarra en el Conservatorio Profesional de Música de Zaragoza, para más tarde empezar a cantar en varias formaciones como Básico 5, Última hora, entre otras. Sus maestros, el Niño del Lunar Don José Barrés y Alonso Martínez.Realiza sus primeros conciertos en el año 2000. A principios de 2005 conoce  a Hernán Filippini y juntos forman una banda que al disolverse dará lugar a “Los Lássaro”. Años más tarde, forma parte de “Los Impecables” y actúa con diferentes formaciones realizando colaboraciones en diversos bares y teatros como por ejemplo, Ariel Prat, Pato y Hernán… Actualmente forma parte de la banda de Nico Cassinelli llamada Vanguardia Zero, Hernán Filippini llamada Los Soñadores del Barrio, Sara Gale y por supuesto, su proyecto en solitario, que denomina “Vellicht”.

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http://www.chabibenede.com/

Hernán Filippini 

Guitarrista y cantante argentino, desde hace varios años recorre Aragón y toda España con el dúo “Pato y Hernán”, con Patricia Badián, con el que acaban de editar su primer trabajo discográfico, “Vías Cruzadas”. Con una voz y una guitarra delicadas, Hernán se especializa en el repertorio tradicional de la música popular argentina y latinoamericana, de donde también abreva su estilo como compositor. Su grupo, “Los soñadores del barrio”, combina versiones con composiciones en una registro entre lo tradicional y lo moderno.

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http://www.myspace.com/hernanfilippini

Hoy, a las 10.40, ‘Tierra de cierzo’ de Jorge Nebra. Después, ‘Borradores’

“Tierra de cierzo”, de Jorge Nebra, recorre la historia de la música aragonesa

[El documental se estrena a las 10:40 horas y descubre los orígenes de grupos y artistas aragoneses tan populares internacionalmente como Héroes del Silencio, Amaral, Violadores del Verso o Carmen París, a través de sus propias palabras y una gran cantidad de material inédito]

Este sábado a las 10:40 horas Aragón TV estrena el documental “Tierra de cierzo”, un trabajo dirigido por Jorge Nebra que cuenta la historia de la música pop, rock y otras tendencias como el rap en Aragón y en España desde finales de los años setenta hasta nuestros días. Con el cierzo como hilo conductor, más de treinta entrevistas a músicos, productores, promotores, periodistas y personas vinculadas históricamente al mundo de la música en Aragón, en España y en el mundo guían al espectador en este documental a lo largo de más de tres décadas de historia musical.

El espectador podrá descubrir y conocer la historia de los orígenes de grupos españoles tan populares a nivel internacional como son Héroes del Silencio (el grupo de rock español más popular de la historia del país), Amaral, Violadores del Verso, Carmen París, Telephunken, Labordeta, Especialistas, Más Birras, El Niño Gusano, Los Niños del Brasil… y tantos otros, a través de sus propias palabras y de gran cantidad de material inédito cedido por los propios artistas, como fotografías, vídeos y portadas. Un contenido de gran interés para los amantes de la música.

“Tierra de cierzo” habla de la unión del pasado, el presente y el futuro, no dejando nunca de lado pequeños homenajes a personas que ya no están terrenalmente entre nosotros y que siempre lo estarán con su arte y su legado cultural como Mauricio Aznar, Sergio Algora, Germán Larone o Guille Martín (maño de adopción). Además, “Tierra de cierzo” compara la escena musical aragonesa con las movidas musicales y culturales de todo el país como las de Madrid, Vigo, Gijón, Barcelona... y su relación directa o indirecta con estas últimas.

“Tierra de cierzo” se emite hoy sábado 11 de junio a las 10:40 horas. [Esta nota es María José Mozota y el gabinete de prensa de CARTV.]

DESPUÉS, SE EMITE ‘BORRADORES’

Invitados al plató: ALBERTO SERRANO DOLADER Y MARISA LANCA

Reportajes: JAVIER VÁZQUEZ, autor de teatro; SANTIAGO CAPUZ, cineasta, y DIEGO MORENO, NATALIO BAYO Y PACO URIZ hablan de ‘La leyenda de Fatumeh’

Actuación musical: Cihi Goyenetche, líder de EL BRINDADOR.

El periodista y escritor Alberto Serrano Dolader acude a Borradores para hablar de su libro ‘Moncayo, el laberinto legendario’ (IFC), que resume casi dos décadas de estudios e investigación alrededor de ese espacio mítico y mágico: Serrano habla de bandidos, de leyendas, de brujería, de símbolos, de gigantes como Pablo Pasamar y de la fascinación de ese espacio que cautivó a los hermanos Bécquer, entre otros muchos. La poeta Marisa Lanca comenta su libro de poesía y arte ‘Acerca de mis amantes’, publicado por Cartonerita Niñabonita, el sello de Remolinos.

Además, el actor, escritor y locutor de Aragón Radio Javier Vázquez habla de la pieza teatral ‘Un señor de traje gris’ (Bubok), que acaba de publicar y que está a punto de estrenarse: cuenta la historia de un hombre más o menos anodino al que ha dejado su novia. El joven cineasta Santiago Capuz habla de los éxitos de su corto ‘Lupus’, presentado en varios festivales; Capuz había rodado también el cuento ‘Cuánta tierra necesita un hombre’ con Jorge Roig. Y Diego Moreno (editor), Paco Uriz (poeta y traductor) y Natalio Bayo (pintor e ilustrador) abordan, desde la librería Cálamo, un libro muy especial: ‘La leyenda de Fatumeh’ del poeta sueco Günnar Ekeloff, publicado por Nórdica. Se trata de un poemario ilustrado, una historia de la luz y de la sombra, de la plenitud del amor y de su desmoronamiento, que transcurre en un ámbito oriental.

La actuación musical corre a cargo de Eric Cihigoyenetche, un músico francés que se ha instalado en Zaragoza y que hace una música muy versátil que igual evoca el blues, el country, el pop de los sesenta que a Neil Young o Jeff Buckley. Eric es el líder de la banda El Brindador.

[Andaba yo esta mañana por Sevilla, escuchaba a Sergi Doria, algo más tarde a Sergio Vila-Sanjuán, cuando recibí una llamada de la pianista Adela Martín. Me contaba un extraño caso de acoso laboral que ha sufrido durante mucho tiempo, como se ve en la segunda parte del texto. Por pudor y discreción, Adela nunca me había dicho nada: estuvo en ’Borradores’, le entrevisté en varias ocasiones con motivo de sus discos, la invité a participar en el homenaje a Pilar Bayona en las Cortes. Cuando llego a casa, veo el reportaje que ha publicado Nerea Alejos en el ‘Diario de Navarra’ con esta foto de Calleja. El enlace me lo ha mandado la propia Adela, que vivió muchos años en Zaragoza, que estudió aquí, que tocaba su piano en la calle Contamina, etc. Ha realizado giras por medio mundo, ha grabado varios discos, casi siempre llevan un prólogo de Montxo Armendáriz, y además es compositora. Un abrazo solidario para Adela Martín y otro para Nerea Alejos.]

[La pianista Adela Martín rinde homenaje a uno de sus grandes referentes, Isaac Albéniz, en su sexto disco, "El soplo del recuerdo". Dentro de dos semanas lo presentará en Caracas (Venezuela), donde impartirá clases magistrales.]

Abre y cierra su disco con Isaac Albéniz, le dedica una composición... ¿Le admira tanto como a Chopin?

Sí, para mí es un referente. Albéniz es uno de los mejores creadores de música española. En la grabación decidí incluir el Primer cuaderno de Iberia, que es su obra más emblemática y brillante, de una gran dificultad técnica y una riqueza rítmica impresionante.

A la hora de componer El soplo del recuerdo, ¿qué le sugería la figura de Albéniz?

Una persona valiente, luchadora, coherente, que siguió adelante con sus ideales y fue imparable en su creación.

Y si él le escuchara tocar sus piezas, ¿cree que le sonarían diferentes a como él las ideó?

Recuerdo una vez que hablé con el compositor catalán Josep Solé y me dijo que cuando escucha a alguien interpretando una de sus obras, descubre cosas nuevas que él no había visto. Eso me ayudó, porque yo no me quiero limitar a tocar las notas, sino a sentir como mías las obras de los compositores.

¿Es difícil mantener el equilibrio entre ser riguroso con la partitura y transmitir emoción?

Es como un milagro. Yo me transformo, mi estado interior es diferente con cada compositor. Somos como los actores, que tienen que meterse en el personaje.

Entre las piezas del disco se ha colado el Tiento para Rodrigo de Delfín Colomé, fallecido en 2008. ¿Qué recuerdo guarda de él?

Tuve la suerte de conocerle y su calidad humana era impresionante. Él me dedicó esa composición, Tiento para Rodrigo, cuando grabé el disco en homenaje a Joaquín Rodrigo. Justo cuando iba a ir a tocar a Corea, invitada por él, porque era embajador de ese país, tuvo una enfermedad repentina y falleció. Por eso decidí incluir esta obra como homenaje.

Y formará parte de su próximo recital en Caracas, el 12 de junio.

Sí, dentro de unfestival de música que organiza la Embajada española junto con la Fundación Promusica. También le voy a dedicar una obra a José Antonio Labordeta, será un estreno absoluto y lo he titulado La vida. Cuando yo tenía 17 años, estaba en un grupo de teatro de Zaragoza muy creativo y rompedor. Todo el mundo de la vida cultural de Zaragoza se reunía en nuestra sala de ensayo. Venía Labordeta con su guitarra y todos cantábamos. Hace años, cuando ya estaba enfermo, mi disco La nota azul,sobre los Nocturnos de Chopin, le sirvió de ins piración para crear un poema que termina así: "La vida es lo más bello que tienen nuestras vidas".

En Caracas también dará clases magistrales. ¿Qué le aportan?

Me hace muchísima ilusión, porque me siento como una embajadora de la música española. Hace cinco años viajé a Yakarta (Indonesia) y me quedé impresionada porque el nivel de los alumnos era extraordinario y tocaban música española.

¿Y lo hacían mejor que los alumnos españoles?

Sí. Desgraciadamente, el nivel de España tiene mucho que mejorar. También me quedé impresionada en Aleppo (Siria). Las instalaciones del conservatorio eran muy deficientes, pero sentías la alegría de los alumnos y profesores. Fue una experiencia muy rica. Para mí el trabajo completo es salir a tocar y además enseñar.

[DESPIECE: LA DENUNCIA DE ADELA MARTÍN]

"Algunos compañeros han querido desprestigiar mi trabajo "

¿Le resulta más gratificante enseñar fuera de Pamplona?

Aquí también disfruto con mis alumnos, pero durante siete años he vivido una situación muy dura y desagradable con algunos compañeros del Departamento de Piano del Conservatorio Superior. Han intentado desprestigiar mi trabajo, poniéndome todo tipo de trabas desde que entré. La última que he vivido fue durante las oposiciones al Conservatorio, el verano pasado. Yo pedí la excedencia en la Escuela de Música Joaquín Maya para trasladarme al Conservatorio. Mis propios compañeros me calificaron las pruebas de manera absurda para que no lograra mi plaza. Por ejemplo, en la prueba de interpretación de piano me pusieron un 3,5. Yo lo achaco a los celos profesionales. Ha sido el batacazo más duro de mi vida, porque sé que mi sitio está en el Conservatorio Superior. Mi vocación es dar lo mejor de mí con la música.

A nivel personal, ¿cómo le ha afectado esta situación?

Las secuelas son graves, porque he sufrido cuatro meses de baja laboral por depresión y ansiedad. Ni siquiera he sido capaz de tocar el piano de lo mal que estaba, cuando yo he dado conciertos con mi padre muriéndose en el hospital. Durante estos siete años, me he estado tragando muchas cosas.

¿A qué se refiere?

Comentarios vejatorios, injurias hacia mi profesionalidad... Desde el momento en que se convocaron las oposiciones, empezaron a decir que yo no tenía nivel para estar en el Conservatorio. ¿Cómo pueden decir eso, cuando uno de mis alumnos ha ganado el premio al mejor alumno del Conservatorio o cuando he formado durante cinco años a un alumno invidente de gran talento?

¿Se ha llegado a plantear el marcharse fuera de Pamplona?

No, porque mis raíces están aquí. Llevo 25 años viviendo en Pamplona y mi refugio está en Zia, un pueblo al que considero mi "Obaba" particular.

¿Cómo se siente ahora?

Estoy dando lo mejor de mí a los alumnos de la Escuela de Música Joaquín Maya y disfrutando de esas instalaciones tan fantásticas. El año que viene me gustaría grabar otro disco, quizá con composiciones propias.

Esta información puede verse aquí:

ttp://www.diariodenavarra.es/noticias/transformo_con_cada

_compositor.html

Pepe Melero, o también José Luis Melero Rivas, visto por Vicente Almazán.

El trío norteamericano que ocupó el primer lugar de las listas con su tercer álbum a principios de los 60. Regresarían en los 80 y se fueron en 2009.

LA VOZ DEL TRÍO PACO, PEPE Y JUAN

-Evocación de una banda de versiones en los primeros 70-

El pasado miércoles no fue un buen día para Pepe Melero ni para ningún zaragocista. Pepe no quería que encendiera la radio mientras volvíamos de Andorra (eso sí, entramos en un bar, vio el gol de falta de Gabi y se puso muy feliz: empezaba a soñar), pero a las diez, cuando creía que el partido de San Sebastián ya habría finalizado, me pidió que la pusiera. En ese instante recibió un mensaje en el móvil: “Somos muy desgraciados”. Le cambió la cara y el ánimo. Se había consumado la derrota por 2-1, y los blanquillos –el equipo de su corazón, de su memoria, de su respiración- se situaban en el umbral del abismo.

Antes, al pasar por El Ventorrillo, Pepe me contó una bonita historia personal: él era el cantante de un trío, Paco, Pepe y Juan, que era un remedo del famoso grupo Peter, Paul and Mary. Ese trío zaragozano dio bastantes conciertos en distintos lugares, todos de versiones de otros cantantes y compositores como Atahualpa Yupanqui, Daniel Viglietti, Jorge Cafrune, pero también Donovan, Pete Seeger, Los Beatles, Joan Báez, Bob Dylan y otros. “Cerrábamos todos los conciertos con ‘Let it be’ de Los Beatles”, dijo y cantó la canción casi por completo, con su voz fina y bien templada. Y me recordó que también cantaban al primer Labordeta, incluso algunas canciones que él solía entonar en sus recitales, pero que no pasaron luego a disco, como ‘Mientras yo canto’, que estaba en el poemario ‘Cantar y callar’. Tema que Pepe entonó casi por completo y cuyo estribillo era:

Para qué sirve mi canto

para qué vuestro escuchar

si se mata y se persigue

sin que nadie haga nada

para poderlo evitar.

Pepe me dijo algo muy bonito: iban a los conciertos con un aparato reproductor, grababan la canción y luego la sacaban con sus guitarras y su voz. Y eso exactamente ocurrió con este tema. Fernando Trueba y Carlos Boyero hacían lo mismo en los cines del extrarradio de Madrid.

Paco y Juan tocaban las guitarras, y Pepe era la voz. Solían ensayar en un chalé de la calle Luis Ram de Viu que les dejaban: “Era como una especie de club social donde nos reuníamos amigos del colegio”, me decía Pepe. Llegaron a tener un amplio repertorio de versiones, y el trío Paco, Pepe y Juan duró entre dos y tres años, cuando aquellos adolescentes inquietos y un poco contestatarios tenían entre 15 y 17 o 18 años. No existen grabaciones de sus temas, pero Pepe, que es un coleccionista de recuerdos, conserva algunos de los programas de mano.

Pepe recordó muchas de esas cosas porque en ‘El paseo en bicicleta’ hay un poema, ‘Romanticismo’, dedicado a él y a Yolanda Polo, que recuerda algunas de estas anécdotas y que leí en la presentación del volumen en la Biblioteca de Andorra, acompañado de José Ángel Aznar y Víctor Villanueva. Siempre me preguntaba yo por qué Pepe cantaba tan bien. La jota, cualquier canción, un romance de Joaquín Díaz, que también entonó camino de Lécera, o la versión de ‘Let it be’: aquí están algunas de esas razones. También cantan con gusto Luis Alegre, sabido por todos, e Ignacio Martínez de Pisón, un experto en copla. Pepe era la voz (“yo era la chica”, decía con humor y risas, pensando en Mary) de aquel trío que se llevó el cierzo. Eso sí, algunas de sus melodías, aún seguían sonando al pasar por Belchite.

Olga Román presenta su tercer trabajo ‘Seguir caminando’ esta noche del sábado 14 de mayo en el Teatro del Mercado, a partir de las 21.00 horas.  El pop, el jazz y los ritmos latinos se dan la mano para transmitir las canciones con las que Olga Román se explica y se hace entender. Después de haber sido madre, y dejada atrás su etapa con Joaquín Sabina, la cantante y compositora presenta su tercer disco en solitario ’Seguir caminando’. Ha sido grabado íntegramente en Madrid, producido por Luis Fernández y Olga Román, y para esta ocasión ha contado con dos colaboraciones de lujo: Joaquín Sabina y Pablo Milanés.

Además de haber sido durante muchos años la segunda voz de Joaquín Sabina y de haber cantado con Luis Eduardo Aute, Olga Román ha acompañado a Jorge Drexler y Pedro Guerra, y ha participado en las grabaciones de artistas tan variados como Fito y Fitipaldis, Extremoduro, Ismael Serrano o Pablo Guerrero. Hace ya casi 10 años, Olga decide dar el salto y descubrirnos su faceta como compositora además de la de intérprete: debuta en 2001con ‘Vueltas y Vueltas’, su ópera prima.  Por ese trabajo fue nominada a los Goya 2002 como Mejor canción original con el tema ‘Again’, que Miguel Albaladejo eligió para su película ‘El Cielo Abierto’. En su segundo disco, Olga Román 2, contó con las colaboraciones de Jorge Drexler y Carmen París en dos de sus canciones. Y ahora, de nuevo, ensancha su fuerza, su poder de evocación, su sentido poético y musical, y un aroma envolvente a canciones de siempre. Olga Román intervino esta mañana en el programa 'A vivir Aragón' de Miguel Mena: conversó con Luis Alegre, que hizo un retrato cercano de ella, y recordó que había integrado, en los años 80, el grupo folk Nuestro Pequeño Mundo. También vivió ocho años en Estados Unidos; su amor al jazz deriva de que su padre le regaló un disco de Ella Fitzgerald y otro, creo recordar, de Dizzie Gillespie. Los escuchaba en un casette que ponía bajo la almohada para no despertar a su hermana con la compartía habitación y posiblemente cama. Fue una conversación muy bonita: Olga, que posee una espléndida (el disco es muy sugerente), es muy simpática. Cantó un tema con Sabina (que le dedicó un soneto) y otro con Pablo Milanés.

Olga Román. Teatro del Mercado. Sábado 14 de mayo. A las 21.00. Presentará su tercer álbum: ‘Seguir caminando’.

Comienza los conciertos del Mayo Musical, que organizan Fernando Rivera y Pilar Fuertes, del sello Arsis y otros, en colaboración con distintas instituciones. Este es el primer concierto, al que seguirá el próximo sábado Marta Almajano. Tendrá lugar en la Colegiata de Bolea (Huesca). Colegiata de Santa María La Mayor de Bolea -Huesca-, que es un magnífico ejemplo de iglesia de planta de salón del siglo XVI con Retablo mayor policromado de traza gótico-flamenca de 1503. Es monumento histórico-artístico de carácter nacional desde 1983.

Sábado, 7 de Mayo

La Tempestad

Mozart infrecuente

Grande Sestetto Concertante

(según la Sinfonía Concertante KV. 364/ arreglo de 1808)

Allegro - Andante - Finale. Presto

Sinfonía nº 41 en Do mayor "Júpiter"

(arreglo de La Tempestad al estilo de las versiones de cámara que J. P. Salomon realizó de

las Sinfonías de Londres de J. Haydn/ arreglo del año 2006)

Allegro vivace - Andante Cantabile - Menuetto. Allegretto - Molto Allegro

“expresividad y fascinación...” ...son los atributos con que la crítica se ha referido a La Tempestad, que desde su creación en 1999 se ha presentado al público en festivales de música antigua como el de Aranjuez, Daroca, Cádiz, Sevilla, Marbella, Santillana del Mar, II Ciclo de Música Sacra de Almería, VII Festival Internacional de Interpretación Musical de Jaca, Ciclo de Música Antigua en la Real Capilla de Santa Isabel (Zaragoza), Festival Musika-Música del Palacio Euskalduna en Bilbao, Ciclo de Cantatas del Ayuntamiento de Madrid, Mayo Musical, etc. Destaca su reciente participación en el VII Festival Internacional de Música Renacentista y Barroca “Misiones de Chiquitos” en Bolivia y en el Encuentro Euro-boliviano de La Paz.

Sus miembros, formados en importantes conservatorios europeos (Toulouse, Musikhochschule de Viena, Sweelinck Conservatorium de Amsterdam, Koninklijk Conservatorium de La Haya) con los grandes especialistas de la música antigua, cuentan con diversas grabaciones y premios en concursos nacionales e internacionales, y todos ellos trabajan con prestigiosos conjuntos dedicados a este repertorio, como Al Ayre Español, La Real Cámara, El Concierto Español, Amsterdam Baroque Orchestra, The Orchestra of the 18 century, European Union Baroque Orchestra, La Stravaganza, Orquesta Barroca de Sevilla, etc., con quienes han actuado tanto por la geografía española como por toda Europa, Israel, América, China...

Debido a la diversidad de programas que abarca, el grupo oscila entre el pequeño y mediano formato y, aunque a menudo colaboran con cantantes invitados, su enfoque instrumental se refleja en sus programas más habituales, que comprenden repertorio como los Quintetos de L. Boccherini, La Ofrenda Musical de J. S. Bach, las Piezas en Concierto de J. Ph. Rameau, los Tríos de C. P. E. Bach o las Sinfonías de Londres de J. Haydn, sin olvidar obras de autores españoles como A. Soler, J. Oliver y Astorga o M. Cavasza. En los últimos tiempos La Tempestad se ha centrado en la música de cámara de la segunda mitad del XVIII, aunque su repertorio se extiende desde el siglo XVII hasta incursiones en el XX. La discografía de La Tempestad incluye los Tríos para flauta, viola y clave de C. Ph.E.Bach (Arsis); “Caro Dardo” (MMA 2007), dedicado a las luchas entre los castrati y sopranos de la época de Farinelli; y recientemente, la primera parte de la integral de las Sinfonías de Londres de J. Haydn en el arreglo de J. P. Salomon (MMA 2009), proyecto coproducido por la Consejería de Cultura de la Región de Murcia y el Festival de Música Antigua de Aranjuez.

Entre las últimas apariciones figuran la presentación de esta grabación en la XVI Edición de Música Antigua Aranjuez, Teatro Real de Madrid, Ciclo de Cámara del Auditorio de Murcia, XXV Festival Internacional Iberoamericano de Música de Cádiz y en el XXIX Festival Internacional de Música Pau Casals de El Vendrell. En el 2010 La Tempestad ha sido invitada a participar en el VIII Festival Internacional de Música Barroca Misiones de Chiquitos (Bolivia) y en el VIII Festival Internacional de Música Antigua “Estaban Salas” de La Habana (Cuba). La Tempestad ha recibido ayuda del INAEM (Ministerio de Cultura). En una época en la que el arte se basa en los extremos y en la dualidad tensión/calma, La Tempestad intenta extender al máximo la paleta sonora y expresiva, de tal modo que el público disfrute de una música que, lejos de quedarse en la partitura, atrape, despierte, incite, mueva y conmueva, reflejo éste de una de las principales funciones de la música del barroco.

*Esta nota pertenece al dossier que envían Fernando Rivera y Pilar Fuertes.

Orquesta de Cámara del Conservatorio Superior de Música de Aragón

La “Camerata Aragón” se convierte en la primera joven

orquesta española en tocar en la sala de Filarmónica de Berlín

  La Orquesta de Cámara “Camerata Aragón”, del Conservatorio Superior de Música de Aragón (CSMA), será la primera Joven Orquesta de nuestro país, representativa  además de un centro educativo español, en actuar en la sala de la Filarmónica de Berlín, una de las más prestigiosas del mundo. Los 35 integrantes de la “Camerata Aragón” actuarán el próximo sábado 7 de mayo a las 20 horas y compartirán escenario con cuatro solistas de la propia Filarmónica, declarada este año como la orquesta número uno a nivel mundial. Dada la importancia que  se le ha dado al acontecimiento, en la jornada previa, y con motivo de este concierto, la Embajada Española en Alemania ofrecerá una recepción a los miembros del CSMA que se desplazarán a Berlín, a la que también asistirán importantes invitados de la comunidad española y alemana en Berlín, entre los que se encuentran los propios solistas.

La Orquesta de Cámara del CSMA ofrecerá un programa con obras de Tartini, Telemann, Mozart, Bloch, Britten y  Prokofiev, actuando como solistas Gabor Tarkövi  (trompeta), Wenzel Fuchs (clarinete), Sarah Willis (trompa) Hervé Joulain (trompa), y Rolando Prusak (violín), los cuatro primeros reputados solistas de la Filarmónica (y profesores del CSMA) y el último el propio Director de la Camerana, que además ejerce   la función de concertino. El hecho de que el Director haga a la vez de concertino proporciona a esta Joven Orquesta una característica especial y diferenciadora. “Al ser dirigida desde el atril exige un mayor nivel de concentración a sus componentes, proporcionándoles una gran autonomia y, por tanto, una gran versatilidad en sus interpretaciones”, apunta Prusak. “El resultado musical de las obras interpretadas es realmente distinto, cualitativamente diferente. Esto es más evidente aún, cuando como en este caso, las obras se interpretan junto a grandes solistas”, concluye el director de “Camerata Aragón”.

Los componentes de la Orquesta de Cámara del CSMA, que tendrán el placer y la oportunidad de actuar junto a estos grandes maestros de la extraordinaria Orquesta alemana, ya han compartido anteriormente programación con las mejores orquestas del mundo, como la London Simphony Orchestra, la Royal Concertgewouw o la Mahler Chamber Orchestra  o la propia Filarmónica de Berlin, al figurar desde hace 6  años  en la temporada de conciertos del Auditorio de Zaragoza, habiendo sido incluída también  en la programación de los más importantes auditorios y espacios nacionales, como, el Auditori de Barcelona y el Auditorio Nacional de Madrid.

“Se trata de un hito único en el mundo de la música clásica de nuestro país ya que, hasta la fecha, ninguna joven orquesta española había conseguido ofrecer un concierto en uno de los templos de la música”, señala Pedro Purroy, director del CSMA. Este acontecimiento es resultado directo del trabajo y evolución del CSMA en los últimos años, tanto en el ámbito académico como artístico, nacional e internacionalmente; y responde al acuerdo de colaboración que el CSMA estableció este año con la Filarmónica de Berlín.

Si bien, la buena relación entre la orquesta alemana y el CSMA tiene sus antecedentes en la activa participación de un elevado número de solistas de la Filarmónica entre el profesorado del Conservatorio. Entre otros: Wenzel Fuchs (clarinete solista),  Gabor Tarkövi (trompeta solista), Wieland Welzel (timbal solista), Sarah Willis (trompa) o Hervé Joulain (trompa). La plantilla de profesores del CSMA está formada por profesionales de extraordinario prestigio, solistas y primeros atriles de las mejores orquestas europeas,  entre  ellas, Orquesta de la Radio Baviera, London Simphony Orchestra, Royal Concertgewouw o la ya citada Filarmónica de Berlín.

En lo relativo a lo académico, el Conservatorio aragonés es considerado como uno de los centros de estudios superiores de música de referencia en España, y de mayor proyección internacional. En los últimos tres años, el CSMA se ha convertido en uno de los centros más demandados para cursar estudios de Grado y Posgrado, tanto nacional como internacionalmente. Prueba de esto último es el notable incremento de estudiantes de gran talento procedentes, sobre todo, de Latianoamérica: Cuba, Venezuela, Méjico, Costa Rica, Argentina, Chile, Honduras, Brasil o Colombia. “La afluencia de alumnos de otros países demuestra la alta valoración y proyección internacional del centro”, afirma el director del CSMA. “Como consecuencia del alto nivel académico de sus estudiantes, la gran calidad de las formaciones orquestales representativas del Conservatorio está más que asegurada”, añade Pedro Purroy.

PROGRAMA DE CONCIERTO

                          PRIMERA PARTE

* Concierto para trompeta en Re ……….. …................. G. TARTINI

 Gábor Tarkövi, trompeta

* Suite para dos trompas en Fa………… …..………….. G. Ph. TELEMANN

Sarah Willis y Hervé Joulain, trompas

 * Concierto para clarinete en La, KV 622 ………………W. A. MOZART

  Wenzel Fuchs, clarinete

                          SEGUNDA PARTE

* “Nigun” de la suite “Baal Shem”, para violín ……. ……E. BLOCH

 Rolando Prusak, violín

* Sinfonía simple, Op. 4 B. BRITTEN

* Sinfonía n.º 1 en Re, Op. 25 “Clásica” …… …………. S. PROKOFIEV

[Esta nota la remite Pedro Purroy, director del CSMA. Mil gracias y enhorabuena.]

El grupo aragonés Atland presentará en FNAC hoy viernes día 29 de abril, a las 19:30 horas, su último trabajo ‘Marboré’. La banda, que ha creado una gran expectación con la grabación en 3D de uno de sus videoclips -es la primera banda de música heavy que posee un clip en este formato-, ofrecerá un concierto acústico en FNAC previo a la presentación oficial de su último disco en la Sala Oasis de Zaragoza el próximo 7 de mayo. En FNAC Atland presentará además, como adelanto, los videoclips de dos de los temas que forman parte de su tercer trabajo: ‘Marboré’, grabado en el Pirineo aragonés, una balada que expresa la búsqueda del amor en un mundo imaginario; y Fausto, en 3D, un potente y original tema, adaptación moderna del Fausto de Goethe para el que Atland ha contado con la colaboración del Coro Amici Musicae del Auditorio de Zaragoza.

Los asistentes a la presentación de ‘Marboré’ podrán experimentar un concierto diferente, ya que los músicos brindarán a su público un tema en tres dimensiones, algo que nunca se ha producido antes en ninguna sala de conciertos. Ambos clips han sido realizados bajo la dirección del joven realizador de cine aragonés Pablo Aragüés. [Pablo Aragüés fue entrevistado este martes en ‘Borradores’ de Aragón Televisión: la entrevista se redifunde este sábado a partir de las doce de la mañana.] El próximo siete de mayo, Atland actúa en la sala Oasis.

INTERVENDRÁN: Lucas Toledo, productor del nuevo disco de Atland; Pablo Aragüés, el director de cine que ha dirigido los dos videoclips, y Chusé Joven, cantante de la banda. La nota de prensa, con pequeños cambios, pertenece al grupo.

Este próximo domingo, uno de mayo, a las 22 horas, en La Campana de los Perdidos que alienta y dirige José Ángel Rodicio, Rodo, se celebrará el tradicional homenaje a Georges Brassens. Me escribe Iñaqui Fernández y me recuerda que “todo el concierto estará conducido por Coco Balasch al contrabajo y Ernesto Cossío a la guitarra acústica. Hay otra guitarra para invitados entre los que me encuentro, por cierto, pero hay otros músicos que ofrecen mayor interés. A veces viene gente de Francia, y acude toda la francofilia local”.

Imagino que Iñaqui, entre otros, piensa en Joaquín Carbonell, que ha dedicado varios discos al cantautor francés, en Carlos Malicia, en Alicia Fernández, etc. Aquí queda: el domingo, a las 22 horas, usted tiene una cita con Georges Brassens. Y con Coco Balasch, Ernesto Cossío, Iñaqui Fernández… [En la foto, Brassens, el cantante ácrata que amaba a los gatos, que fumaba en pipa, que cantaba para René Clair, el cantante que marcó a José Antonio Labordeta y Paco Ibáñez, y que estaba enamorado de a una señora que estaba al otro lado de la calle. Como Vinicius de Moraes y sus amantes, como en los buenos tiempos de Woody Allen y Mia Farrow, vivían en casas separadas…]

Anuncio del concierto con el dibujo de José Luis Cano.

Ayer por la tarde estuve en el concierto ‘Labordeta clásico’, un proyecto encabezado por Javier Ares donde se vestía, por decirlo así como lo dice el propio Ares, a José Antonio Labordeta de esmoquin. Una decena de compositores contemporáneos –ya citados aquí, en una entrada anterior- realizaron una serie de arreglos a partir de algunas canciones de Labordeta. Fueron trece temas en total, con la broma final de Javier Ares que mezcló ‘Somos’ con los sonidos del ‘Bolero’ de Ravel. El tono general de las piezas es estupenda: hubo de todo, llamó la atención especialmente la pieza ‘Aragón’ de Chabier Pérez Sen, no era fácil reconocer la obra original, pero sí llamó mucho la atención la apuesta por una música con ecos de Stravinski e intensas percusiones, muy contemporánea y experimental, para Chabier Pérez Sen Labordeta era un arranque, un pretexto y un clímax. Sonaron muy bien ‘Ya ves’ de Fernando Martínez Ballarín, ‘Regresaré a la casa’ de Luis Pedro Bráviz, pero en realidad todas las opciones tienen matices de mucho interés y de calidad. Y dentro de ese tono emocionante, medido, bellamente resuelto por la orquesta, los dos coros, los cantantes y el director de orquesta, se produjo un hecho muy especial (más especial si reparábamos que era el 23 de abril): la interpretación del ‘Canto a la libertad’, que se repitió en dos ocasiones, sonó prodigiosamente. En alguna ocasión he pensado que no era la mejor canción de Labordeta por su escritura, por su propuesta, incluso por su sentido de utopía política ya conquistada (esa libertad a la que alude), pero tras oírla ayer, con los arreglos elegantes de José Manuel Montañés, no me cabe ninguna duda: el ‘Canto a la libertad’, tan melódica, tan emocionante, sonó como un himno espléndido. Un himno para todos. El himno de la constatación y del sueño. El himno que todos nos sabemos y que a todos nos emociona.

[Quien eligió a los redactores del himno oficial no eligió mal: Rosendo Tello, Ildefonso-Manuel Gil, Ángel Guinda y Manuel Vilas son de los grandes poetas aragoneses del siglo XX y XXI. Eso es incuestionable. Tampoco voy a cuestionar aquí la calidad de García Abril. Su himno por distintas razones no ha llegado a cuajar. Sin embargo, me gusta pensar que también a ellos les habría gustado la versión de ayer: sonó hermosa, elegante, con gran fuerza y con ese abrazo de emoción y complicidad que se esparce en el aire cada vez que suena. Fue una de las grandes lecciones del concierto de ayer, que también se está repitiendo hoy. Esta mañana, por pura casualidad, me encontré con Mateo Andrés, alcalde de Molinos (abandona ya), y estaba conmovido. Y ayer le pasó igual a Eloy Fernández, a José Cano, a mucha gente. Labordeta, que militó en el PSA, en IU o en la Chunta, está más allá de cualquier ideología o adscripción política: quiso ser el hombre libre que cantó para todos y con todos.]

Labordeta sinfónico visto por Cano.

[Esta tarde y mañana, a las 20.15 horas, en la Sala Mozart del Auditorio se ofrecen dos conciertos muy especiales: ‘Labordeta clásico’, un proyecto que dirige Javier Ares, que cuenta con la colaboración de la Orquesta y el Coro Infantil del Maestrazgo, del Coro Enchiaridis, de los cantantes María Eugenia Boix y Mariano Valdezate, del director invitador Miquel Ortega. En esta extensa entrevista Javier Ares explica el proyecto. Al final se ofrece el programa completo de canciones.]

¿Qué es ‘Labordeta clásico’?

“Labordeta Clásico” es un concierto que muestra revisiones sinfónico vocales de las canciones más significativas de José Antonio. Digamos que hemos vestido a Labordeta de smoking.

¿Qué quiere ser el espectáculo: un homenaje, una demostración, un intento de ofrecer a Labordeta en otros ámbitos más complejos? ¿Qué se le había perdido a Javier Ares aquí, en esta idea, que soñabas hacer?

Es una apuesta que presenta las melodías y textos de nuestro querido cantautor en una dimensión musical sinfónica, haciéndolas trascender de un tiempo y espacio concretos, para convertirlas en clásicas y eternas. Un Labordeta para siempre.

De entrada, parece un poco extraño, sin ánimo de ofender, casi un poco marciano… ¿No?

¿Por qué? En el último concierto del Festival de Música y Palabra, que organizo cada año en Molinos, tuvimos un magnífico concierto con la interpretación de la Suite Iberia. Una simple jota murciana revestida por las armonías y los ritmos de Albéniz crean algo incomparable, apreciado y accesible para todos. Con Labordeta Clásico partimos de melodías que todos llevamos, de una manera u otra, en el corazón y el tratamiento vocal, contrapuntístico, tímbrico, armónico, no hacen sino embellecerlas y potenciarlas.

¿Cómo surgió la idea y cómo se fue gestando?

En los días en que fallece José Antonio me encontraba de travesía por el Pirineo navarro y cuando iba llegando a los albergues y reconocían, por mi acento mi procedencia aragonesa, recibía distintas muestras de condolencia. Me llamó la atención el impacto que había ejercido  en los montañeses, generalmente tan adustos, la triste noticia. Inmediatamente pensé en lo singular de la figura de José Antonio tan simpática y cercana a todos, entendí que había sido nuestro mejor embajador y que, de alguna manera, nos dejaba huérfanos. Él siempre quiso que se oyera nuestra voz, potenciar nuestro talento y acabar con nuestros complejos. Pensé que su imagen y ejemplo debía servirnos para el futuro y que, ya que ocupaba un lugar tan destacado en nuestro afecto, merecía reconocimiento y agradecimiento especiales. Así se gestó el homenaje, que sólo se me ocurría impulsar desde mi oficio de músico clásico, para reconocer una forma de ser, la de José Antonio, que todos deberíamos practicar, algo así como “todos queremos ser como Labordeta”. José Luis Cano lo muestra en la ilustración que presenta el evento en la que todos los instrumentistas son Labordeta.

¿Qué han hecho exactamente los compositores, cuál ha sido su trabajo real? ¿Le han añadido complejidad, matices instrumentales, hasta qué punto se han implicado?

Se han implicado totalmente porque se les pidió a cada uno que eligieran la canción que más les motivara y que la hicieran suya. Las canciones de José Antonio son, musicalmente, muy sencillas y eso nos daba, como compositores, infinitas posibilidades. Cada músico o compositor ha pretendido mostrar su propia sensibilidad y todos sus recursos técnicos para hacer su versión o revisión.

Estilísticamente, ¿cómo definiríamos los arreglos? ¿En qué ámbitos están? ¿El de la música contemporánea, el romanticismo, qué soluciones adoptan los compositores?

Son tan diversas y variadas como las personalidades y oficio de cada autor, aunque el tratamiento lírico de la voz y el uso del mismo orgánico instrumental, sección de cuerdas con quinteto de viento y un amplio set de percusión, le dan la necesaria unidad. Hay arreglos próximos al lenguaje del jazz, las canciones más himnódicas adoptan ropajes más decimonónicos, otros presentan estéticas neoclásicas con tratamientos armónicos que recuerdan las sonoridades de Arvo Pärt, otros al lenguaje nacionalista del Manuel de Falla del Retablo de Maese Pedro y hay, incluso, bromas con un remake del Bolero de Ravel con la melodía del Somos. Aunque también hay algunos tratamientos más contemporáneos, puedo asegurar que son tratamientos muy afortunados y que sirven para enfatizar la fuerza de la palabra.

¿Por qué estos compositores y no otros?

Convoqué a todos los compañeros de trabajo próximos a mi generación. Están prácticamente todos los profesores aragoneses que imparten las asignaturas de Fundamentos de Composición en los centros de estudios musicales aragoneses (Maximiano Martínez, José Manuel Montañés, José Luis Peña, Chabier Pérez Sen y Antonio Salanova), otros instrumentistas o directores aragoneses que cuentan también con obra propia (el organista Luis Pedro Bráviz o el director Antonio Viñuales), también llamé a otros aragoneses que trabajan fuera de nuestra Comunidad (Fernando Martínez Ballarín, profesor en Astorga o su hermano Manuel Martínez Ballarín, que dirige una Banda de jazz en Barcelona). También están otros compositores, recientemente premiados por sus trabajos musicales para el teatro, como Víctor Rebullida o Miguel Ángel Remiro. Incluso, yo mismo, me animé a hacer mi particular aportación. La lista podría haberse incrementado pero teníamos que ajustarnos a un tiempo razonable para un espectáculo de estas características. No obstante, aprovecho la ocasión que me brindas para pedir disculpas a cualquier músico o compositor que hubiera querido participar en el proyecto y, desde aquí, le invito a hacer revisiones de otras canciones con la promesa de incluirlas en futuros conciertos de la Orquesta de Cámara del Maestrazgo.

Háblanos de algunos detalles de algún compositor. ¿Cómo fue la relación con ellos, qué te preguntaban, qué querían saber?

Todos se emocionaron con el proyecto y se pusieron a trabajar inmediatamente con la sensación de que tenían algo especial entre las manos. Me parece curioso como hemos coincidido en identificar la figura del “abuelo” con el fagot, relación evidente desde que la usara Prokofiev en Pedro y el Lobo. Al final de la Albada el fagot presenta un motivo entrecortado que se va extinguiendo hasta desaparecer en un final sobrecogedor y, por ejemplo, en Somos, el fagot presenta la idea secundaria del Bolero mezclada con citas de otras canciones de Labordeta en una curiosa broma musical. Insisto en que los compositores tuvieron plena libertad para abordar las distintas canciones y tan sólo en una ocasión me atreví a sugerir a un compañero que me costaba imaginarme a una soprano lírica entonando “Arremójate la tripa” a lo que me contestó, y no le falta razón, que la historia de la música también se ha ocupado de textos menos líricos con gran acierto, lo que ha quedado sobradamente demostrado con el arreglo que preparó en sólo dos días pues me confesó que desde el momento en que le hablé de la iniciativa ya la estaba oyendo en su cabeza.

No querría ser reiterativo, pero para que al espectador le quede claro. ¿Cómo es el concierto, se van a reconocer las canciones de Labordeta, tendrán el mismo encanto, la misma fuerza?

Las canciones de José Antonio tienen la fuerza de lo sencillo, de lo directo e inmediato. Los medios vocales e instrumentales que hemos puesto en nuestras versiones sólo pueden multiplicar su efecto. Estoy seguro de que José Antonio estaría muy satisfecho de oír sus canciones en este formato con cantantes líricos, coros y orquesta, máxime sabiendo que todos somos gentes de aquí; estaría muy orgulloso de saber que sus canciones han impulsado una muestra del extraordinario talento, a veces desaprovechado, que hay en esta tierra

¿Tienes la sensación de que hay como un recelo, de que la gente no acaba de verlo claro y por eso no se anima a adquirir billetes? ¿Qué tipo de concierto podremos oír?

La gente siempre es imprevisible en estos menesteres y quizá más en las fechas festivas en las que nos encontramos. No obstante, tengo la impresión de que, en el último momento, la gente reaccionará y querrá participar en un momento tan emotivo, singular y, seguramente, irrepetible. Puedo asegurar que el espectáculo no va a dejar a nadie indiferente y estoy convencido que José Antonio hace días que habría comprado su entrada, porque hay que apoyar y defender lo nuestro.

Creo que proyectos semejantes se habían hecho algunos: con Serrat, con Lluís Llach. ¿Qué diferencia hay con esos, que afinidad de matices?

Principalmente en esos ejemplos los cantautores estaban presentes y no dejaban de ser sus mismas interpretaciones con un fondo orquestal. Mª Eugenia Boix y Mariano Valdezate, son cantantes profesionales que se han imbuido del espíritu de José Antonio y tienen unas voces infinitamente más bellas que todos ellos, lo digo con todo mi cariño y respeto.

¿Qué es, cómo es, la Orquesta del Maestrazgo, por quién está constituida, cuál es su nivel real?

La Orquesta del Maestrazgo está formada por profesores aragoneses y otros músicos afincados en Aragón y surge al calor de las iniciativas que vienen gestándose en la Comarca del Maestrazgo desde hace una década. El Festival de Música y Palabra de Molinos, Tribuna de Compositores Aragoneses, Cursos de Formación Musical, Tribuna Permanente de Jóvenes Intérpretes, Encuentros “in chelo-cello in” Internacionales, hablan de una actividad constante en favor de la música de calidad. La Orquesta de Cámara del Maestrazgo surge con la vocación de llevar la música de escena por la geografía aragonesa y se presenta en 2008 con la representación de La serva padrona de Pergolesi. Es una Orquesta de encuentros por proyectos singulares y ambiciosos; así, para 2012, estamos trabajando en una ópera basada en el mundo del circo –Troupe- con música original de Víctor Rebullida y libreto de Miguel Ángel Ortiz Albero. En cuanto al nivel real de la Orquesta, me parece que la mejor referencia es su escucha en directo el próximo sábado 23 y domingo 24 en la Sala Mozart del Auditorio, en donde mostrará sin duda un crecimiento notable por la participación del director invitado, Miquel Ortega, especializado en la música de escena y que ocupa habitualmente los fosos de teatros como el Liceu, La Zarzuela o el Teatro Real.

¿Por qué se ha elegido a María Eugenia Boix y a Mariano Valdezate? ¿Qué has visto en ellos?

Desde que Mª Eugenia Boix se presentó en el Teatro Real interpretando a Rossini, nos demostró que es el presente e imparable futuro de la lírica aragonesa, con posibilidades más que notables de destacar a nivel nacional e, incluso, internacional. El tenor Mariano Valdezate ha cantado conmigo en Antigua Capilla Hispana desde hace más de quince años y puedo decir que es un profesional intachable, con una gran capacidad de conmover con su voz y su modo de cantar. Además,  en ambos casos, tienen una característica común que aprecio sobremanera, son personas excelentes.

Explícanos cuál es la aportación del grupo Enchiaridis?

En este encuentro de talentos aragoneses no podía faltar el Grupo vocal femenino Enchiriadis, flamante premio nacional de canto coral. En cuanto el compositor José Manuel Montañés, doctor por la Universidad de Montreal, me pidió que quería contar con un coro para su arreglo del Canto a la Libertad, le sugerí de inmediato que se ciñera a un coro de voces blancas, para que pudiera participar el que es, según mi modesta opinión, el mejor coro aragonés.

¿Y el Coro Infantil del Maestrazgo?

Lo he creado para este proyecto entre mis alumnos de coro del Conservatorio de Zaragoza. Aunque no es un coro consolidado estoy muy satisfecho del trabajo que han realizado. Me interesa que las nuevas generaciones de músicos aragoneses participen en proyectos de este calado y conozcan las canciones de Labordeta.

¿Quién ha colaborado con este proyecto y cómo lo ha hecho?

He tenido una ayuda del Departamento de Cultura del Gobierno de Aragón, que estoy convencido de que hubiera querido ser más cuantiosa pero la dura crisis lo ha hecho imposible. Es el mismo caso de la Comarca del Maestrazgo que hace un esfuerzo tremendo para que no se paren todas las iniciativas musicales que allí se desarrollan. La dedicación de los músicos con su trabajo ha sido ingente y generosa, así como la de los amigos de José Antonio que, de una manera u otra, han ayudado a difundir y pergeñar este evento. Aragoneses ilustres y queridos como José Luis Borau, José Luis Cano, Eloy Fernández Clemente, Mª José Moreno… y otros muchos que desde los medios de comunicación han querido impulsar esta iniciativa.

¿Cuál ha sido el punto de vista de la familia, qué te han dicho Juana y sus hijas?

Juana me ha facilitado aquellas informaciones, datos, recuerdos o fotografías que necesitábamos y, sobre todo, me comentaba su preocupación porque la gente acudiera a los conciertos ya que sabía que una producción tan ambiciosa requería muchas ayudas que no llegaban. A mí no me quedaba otra que ser optimista y pensar en el lema del bicentenario de los sitios “ahora, hoy y siempre a Labordeta lo defiende su gente”

¿Cómo han sido estos diez años, o casi, en las Grutas de Cristal, en Molinos?

Una experiencia extraordinaria: la música se ha fundido con la poesía, el cine, el teatro, el circo; hemos oído música clásica de todas las épocas y con todo tipo de formaciones, pero también jazz, música celta, sefardí, flamenco, canción de autor, estrenamos una ópera de bolsillo de Tomás Marco, cantó Paco Ibáñez, hemos tenido todo un Premio Max, han venido músicos de Jordania, Brasil, Armenia o Japón.

Si tuvieras que definir a Labordeta, ¿cómo lo entiendes tú, qué es lo que te emociona de él?

José Antonio fue un hombre, sin más, que sin complejos hizo canciones sin ser músico y versos sin ser poeta, lo hizo con tal franqueza y honestidad que nos conmovió y quisimos reconocernos en él. Labordeta, voz, imagen, referente… para siempre.

María Eugenia Boix, una soprano internacional nacida en Monzón.

PROGRAMA

LABORDETA CLÁSICO

ORQUESTA de CÁMARA del MAESTRAZGO

CORO INFANTIL del MAESTRAZGO

ENCHIRIADIS, Grupo vocal femenino

Mª EUGENIA BOIX, soprano

MARIANO VALDEZATE, tenor

JAVIER ARES, director de coro

MIQUEL ORTEGA, director invitado

Banderas Rotas………………….…………. Labordeta / Maximiano Mtnez. Caño

Trilce, 1989

Albada…………………………...…………….…….. Labordeta / Antonio Viñuales

Cantata para un país, 1979

Regresaré a la casa ………………………..……… Labordeta / Luis Pedro Bráviz

Labordeta en directo, 1977

Canción de Cuna sobre la Tierra Estéril………….. Labordeta / Víctor Rebullida

Tiempo de espera, 1975

Aragón……………………….…………………….. Labordeta / Chabier Pérez Sen

Cantar i callar, 1971

Meditaciones de Severino el Sordo. …………...… Labordeta / Antonio Salanova

Tiempo de espera, 1975

Me estoy quedando sin ti…………………………….. Labordeta / José Luis Peña

Canciones de amor, 1993

Devuélveme……………………..……………………. Labordeta / Víctor Rebullida

Canciones de amor, 1993

Ya ves………………………………………. Labordeta / Fernando Mtnez Ballarín

Tiempo de espera, 1975

La vieja…………………………………...……. Labordeta / Manuel Mtnez Ballarín

Cantar i callar, 1971

Me dicen que no quieres………………..……. Labordeta / Miguel Ángel Remiro

Tú y yo y los demás, 1986

Canto a la Libertad………………………… Labordeta / José Manuel Montañés

Tiempo de espera, 1975

Somos……………………………………..………. Labordeta / Ravel / Javier Ares

Qué queda de ti, qué queda de mí, 1984

LA RECOMENDACIÓN. 1

[Desde hace algo más de una semana, todos los días y gracias a la invitación de Esperanza Pamplona, en Heraldo.es, publico una recomendación que permanece 24 horas colgada: un libro, una exposición, un tebeo, un disco, un espectáculo, un acto, un autor, etc. Han aparecido ya más de media docena. Ayer aparecía este texto sobre ‘Nota de paso’, el último disco de O’Carolan. Hoy, por si alguien quiere asomarse, aparece ‘La mujer-precipicio’ de Princesa Inca (Cristina Martín). Pongo aquí el texto sobre O’Carolan].

‘Nota de paso’: un disco para siempre

[O’Carolan vuelve los ojos hacia el folclore aragonés, lo depura, lo lleva a su territorio y logra un álbum tan evocador como unitario]

O’Carolan lleva ya unos cuantos años creando y unos cuantos discos a sus espaldas. Es una formación que rinde culto al músico irlandés Turlough O’Carolan (1670-1738). Podríamos decir que tiene un sonido muy personal: vinculado al arpa céltica, a la música de Alan Stivell y, si pensamos en formaciones nacionales, a Emilio Cao, a Carlos Núñez, en su obra más tradicional, y a Milladoiro. A la música de raíz con un toque de sofisticación y embeleso. El suyo es un trabajo lleno de referencias, de belleza, de esas etéreas vaguedades que igual hacen pensar en el corazón del bosque, en las hadas de las noches de plenilunio o en el murmullo de un mar suavísimo de resaca.

Con su último álbum, ‘Nota de paso’, O’Carolan ofrece uno de sus mejores discos, probablemente el mejor. Se zambulle en el folclore aragonés, lo rescata, lo tamiza, lo depura con sus instrumentos y con la atmósfera céltica, y lo ofrece de nuevo, pleno de elegancia, de exuberancia sonora, de melancolía. Y también de un aire medieval. Es difícil hallar algo tan sutil en mucho tiempo entre los álbumes publicados entre nosotros.

‘Nota de paso’ es una música penetrante, dolorosa a veces incluso, como un fado, porque lloran las notas, los rasgueos, las cuerdas, porque los sonidos encienden y habitan la memoria, porque las melodías tienen color, lumbre y heridas. Y eso ya sucede con el primer tema, esa marcha fúnebre de Huesca del siglo XVI: ¿cuántas cosas le vienen a uno a la cabeza, cuántas imágenes, cuántos paisajes, que inextricables añoranzas? Es imposible saberlo. Y otro tanto cabe decir de las variaciones de los dances de Aragüés del Puerto, de la Muela o Castejón de Monegros. O de esa pieza titulada ‘La taberna del holandés’, inspirada en una entrada de gaiteros de Torralba y en un composición del maestro irlandés O’Carolan, ‘Lady Gethin’.

Pilar Gonzalvo, al arpa, y Susana Arregui, al violín.

‘Nota de paso’ es un disco de madurez. Redondo: las canciones dialogan entre sí, tiene un hermoso aire de familia. ‘Nota de paso’ es un disco que propone emociones y sensaciones. Un disco donde todo ha sido medido y bien elaborado, y donde nada ha sido dejado al azar. Podría decirse –aunque sabemos que esas cosas ya no suceden así- que parece concebido como en trance: como si los músicos estuvieran guiados por una luz interior, por un fogonazo de estrellas o por los mejores versos de un romance eterno. Los cinco componentes de O’Carolan son Susana Arregui, violín; Pilar Gonzalvo, arpa y acordeón; José María Arcarazo, guitarra; Julian Ansuategui, bodhran, pandero, y Miguel Ángel Fraile, ese multinstrumentista de gaitas y alrededores, que ha compuesto el ‘Vals del azafrán’. Al quinteto lo acompaña en esta ocasión el lujoso cuarteto de cuerdas ‘Concuerdas’: Noelia Gracia, violín; Cecilia Grilló, viola; Jorge Marco, violonchelo, y Antonio Uriel, contrabajo.

O’Carolan amplía su poética y funde, de nuevo, el universo sonoro de Aragón con las melodías de los países célticos y el acerbo occidental, desde un perfume evocador de lo intemporal.

*Las fotos del grupo las he tomado de flickr y de gozazaragoza.

[Mañana domingo, 17, a partir de las 11 de la mañana, más o menos, acudiré a firmar mi último libro a la caseta de Olifante: ‘El paseo en bicicleta’, un libro que ha constituido una de las experiencias creativas más bellas de mi vida. Más bellas, más luminosas y más apasionadas: salía cada mañana, en solitario o acompañado, a conquistar la naturaleza y el agreste aroma de las higueras. El libro nació a principios de verano de 2010 y se cerró a principios de enero de 2011. El volumen, en verso y prosa, contiene 26 poemas. Todo el mundo tiene sus preferidos: desde ‘La torre del Abejar’ a ‘El ciclista del mar’, desde el texto de la luna de miel de los Curie hasta el poema de amor a Zaragoza, con el que se cierra el volumen. A mí hay uno que me gusta especialmente: este, dedicado a la música, a las mujeres que cantan, a las mujeres que he amado a través de las canciones. Aquí están algunas de ellas: desde Kate Bush y a Patti Smith a Eva Amaral, desde Marianne Faithfull a María del Mar Bonet, que fue una melodía imprescindible de mis primeros cuatro o cinco años en Zaragoza.

Estaré por la mañana hasta las dos en Olifante, con David y Reyes (y creo que con ángel Guinda) y por la tarde, a partir de las 19.30; mañana juega el Garrapinillos con el Montecarlo, a las cinco. Y será un partido complicado: ellos son los segundo por arriba,  pugnan por ascender, nosotros los cuartos por la cola. Pero este es un equipo de gestos entrañables: Jorge Blasco, uno de los capitanes, que está en Tarragona, tomará mañana el AVE con Mariví, su mujer, a la que le acaban de trasplantar un riñón, y viene a jugar. Me encantaría que les pudiésemos dedicar la victoria a los dos. Mientras sueño con la victoria, dejo aquí este poema de ‘El paseo en bicicleta’.]

LA CANTANTE

Tu voz es un tesoro inagotable.

Lo sé desde que era un adolescente,

desde hace siglos, desde antes de conocerte.

Tengo anotados en mi cabeza

todos los detalles, todas las anécdotas,

todas las puestas de sol: cómo te conocí,

qué pájaros cruzaban el cielo, el suspiro

de los árboles al verte pasar por la plaza,

tu timidez casi infinita y aquella mochila

llena de discos, de melodías, de dibujos

y de piezas que modelabas en arcilla

con la pureza glacial de un desnudo o un beso.

Iba siempre a esperarte, cuando salías del aula,

cuando volvías de las clases de batería

o cuando cerraba el pub donde servías copas

y ponías la mejor música de Janis Joplin, de Kate Bush,

o de aquella K. D. Lang indómita que tanto te gustaba

porque veía, desde el aire, la tierra, la noche y el mar. 

Recorríamos la ciudad a pie o en bus, recorríamos

sus porches y sus parques, sus calles ancestrales

donde los gatos asomaban a los balcones

y el viento esculpía la bohemia en cada rincón.

Nos íbamos al río y en la ribera, bajo los sauces,

soñábamos poemas, gritos y melodías inconfesables.

Cuánta vida teníamos entre los dedos y los labios.

Cuánta sed de belleza y de ritmos. Qué locura de amor.

Ahora todo ha cambiado, pero quizá no tanto.

Vivimos en otra ciudad, en pisos separados

por un parque con lago, terrazas y cisnes.

Todo ha cambiado, pero son idénticas las emociones,

el deseo de verte: aún me muero por oírte.

Tras el yoga y el taichí de las diez salgo hacia el estudio.

Imagíname: salgo a buscarte, con mis cascos

y la bicicleta de paseo. Casi como entonces: temblando.

Tu voz es un tesoro inagotable. El canto y el cántico,

el surtidor de la luz, el rumor imprescindible de mis días.

Salgo a buscarte y te encuentro como anhelo:

ante el pentagrama, abrazada a la guitarra

y la armónica, y dispuesta a seguir cantando

una melodía abrasadora y perfecta, una tras otra.

Estás en el centro de la tormenta y eres la tormenta,

la lluvia, el cierzo y el temblor de los manantiales.

Saco mi guitarra acústica, la afino y te acompaño:

es cierto, lo reconozco, desfallezco cuando cantas

y resucito minuto a minuto mientras te amo.

Las cantantes que salen aquí son Marianne Faithfull, Kate Bush, Patti Smith, K. D. Lang y Maria del Mar Bonet. Abajo, Eva Amaral. Esta forma de dialogar con el objeto del poema, con el sujeto, aparece varias veces en el libro, casi a modo de monólogo dramático.

¿Dónde naciste, trovador de las nieblas y de las espigas?
¿Fue al sur de los castaños invadidos por la lluvia,
fue en la umbría de los pinares, en la olmeda
de oro y sombra que peina el lecho de los ríos?
¿Dónde arrancaste esa melancolía esencial, penetrante
como el llanto seco de los madroños y el grito del bosque?
¿Y esa voz: lentísima, acariciante, que paladea las sílabas,
esa voz que es canto de rapsoda y de campesino,
dónde la encontraste, en qué surco del atardecer?
¿Dónde naciste, juglar de estrellas, erizado de sierpes?
¿En qué monasterio, en qué ermita, en qué claustro
de rosales te encontró la infancia con un cantar en los labios?
Amancio, ¿quién te puso ese nombre de perro sin dueño
o de emigrante que lleva en la maleta la hoja del avellano,
el último musgo del estío, la luz de los vencejos?
Cuando cantas habla la piedra y sus naufragios.
Cuando cantas se estremecen los siglos
y un ruiseñor grave de verdad entra en la noche.

[Amancio Prada –el hombre que ha musicado a Jorge Manrique, Lorca, Rosalía de Castro, Álvaro Cunqueiro, los trovadores, San Juan de la Cruz- interviene esta tarde en el ciclo ‘Conversaciones en la Aljafería’, con Plácido Serrano y Gabriel Sopeña. Será a las ocho.]

Juan Villalba Sebastián es profesor y escritor e investigador en varias direcciones. Ha escrito de Clemente Pamplona, de Andrés Marín o de Juan García, entre otros muchos. Ha creado un blog, http://literaturavillalba.blogspot.com, donde habla de los temas que más le apasionan: la literatura, la ficción y, por supuesto, de sus trabajos de Juan García. Cuelgo aquí este texto en torno a ‘Morucha’, que se puede ver en su blog.

MORUCHA (1932)

Por Juan VILLALBA SEBASTIÁN

Morucha fue la canción del año 1932 y se gestó así: Juan García se presentó en la casa de su amigo el compositor Juan Quintero con una cancioncilla bajo el brazo para musicar: “He hecho esa letra para una canción. A ver que te parece”. El maestro Quintero lee:

“No sé qué tienen tus ojos,

que al mirarlos me dan frío,

miedo me causan tus ojos

y en tus ojos yo confío.

Negros son como la noche

 y más negros que mi pena,

sólo mirándome en ellos

quisiera morirme, nena.

   ESTRIBILLO

    Morucha,

Morucha divina,

Clavel tempranero.

   Quisiera,

Quisiera en tu boca

Besarte el primero.

   Cantarte,

Cantarte muy quedo,

Decirte me muero,

Bocucha de rosa,

Clavel tempranero.

**************

   En la luz de tu mirada

He quedado prisionero,

No quiero que me rediman,

Pues no es cárcel, es un cielo.

   Y si muero desterrado,

Y si al fin debo dejarte,

al morir, Dios me conceda

tus ojos poder mirarte.

            Al día siguiente, Juan Quintero se pone manos a la obra, se le ha ocurrido una melodía. Se acerca al piano y toca los compases que en su mente, de pronto, por  no se sabe qué misterioso impulso, han surgido. Le gusta y llama a su amigo. En Madrid es primavera y pronto en toda España se verá florecer los árboles al ritmo de “Morucha”, que se constituyó en un éxito sin precedentes.

La estrenó el propio Juan García, el 26 de marzo -sábado de Gloria-, en el cine Rialto, de Madrid, como fin de fiesta tras el estreno de la película  El Danubio Azul, el delirio fue tal, que se vio obligado a repetirla tres veces, acompañándolo el público al cantar el estribillo. En este local permaneció con sesiones diarias hasta el 2 de abril. Después actuaría hasta el día 18 del mismo mes en el cine Royalty.

            Comenzó así un éxito que había de durar años. No había tenor, cantante u orquesta que no llevase la canción en su repertorio (entre otros muchos, la han cantado y grabado Alfredo Kraus y  Carreras). Las ediciones se multiplicaron, hasta el punto de que Juan Quintero llegó a componer una versión en tango que cantó la misma Imperio Argentina.

Atland ha grabado este sábado en la Sala Mozart un videoclip en 3D donde ha participado el Coro Amici Musicae. Bajo la dirección del realizador aragonés Pablo Aragüés, el coro ha fusionado sus voces con el heavy del grupo aragonés para grabar Fausto, uno de los temas de ‘Marboré’, que verá la luz a finales del mes de abril.

El grupo aragonés Atland ha grabado este sábado en la Sala Mozart del Auditorio de Zaragoza un videoclip en tecnología 3D. En este nuevo clip las voces del Coro Amici Musicae se han fusionado de forma magistral con el sonido heavy del sexteto. Bajo la dirección del realizador aragonés Pablo Aragüés, el coro ha prestado sus voces para hacer de “Fausto”, uno de los temas que formarán parte de “Marboré”, una pieza especial que estará incluida en el próximo trabajo de la banda. El videoclip podrá verse muy pronto en los cines en 3D de todo el territorio nacional.

 Chusé Joven, uno de los integrantes del grupo, ha señalado que la grabación del tema “es una adaptación moderna del Fausto de Goethe, donde se relata la historia de un Fausto actual, personalizado en la figura de un broker que vende su alma al diablo para conseguir riqueza y poder”.

 Asimismo, el director del videoclip, el aragonés Pablo Aragüés, ha indicado que “el futuro de la música está en el 3D y que trabajar con un grupo aragonés, como Atland, es un placer ya que está en la sintonía de nuestra productora”. Además, ha manifestado que “la música es sentimiento, y qué mejor manera de acercarla con el formato tridimensional”.

 Atland se convierte así en el primer grupo de heavy metal español en rodar un videoclip en 3D, y de los pocos grupos musicales en general que disponen de una producción en este formato. El nuevo trabajo será presentado en concierto en la Sala Oasis de Zaragoza el próximo 7 de mayo.

*Arriba el grupo Atland y abajo, Pablo Aragüés. Esta información está suministraday redactada por el propio grupo.

Me escribe Marcos Callau:

Hola Antón. Te escribo porque esta mañana a las once y media saldré en el "Hoy poy hoy" de la cadena SER hablando de Sinatra y el Rat Pack. Los de la SER contactaron por Facebook conmigo pues parece que les gustó el blog que le dedico a Frank Sinatra (http://francescoalbertosinatra.blogspot.com ). Mañana dedican una sección del programa al Rat Pack y yo estaré ahí. Me hace mucha ilusión pero estoy algo nervioso. Aprovecho para enviarte un poema que dediqué a estos héroes del pasado (Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr...).

De héroes pasados

Si bien es cierto que ser contemporáneo
no es otra cosa que “estar”,
ser a nuestro tiempo simultáneos,
¿cómo consiguieron permanecer
todos aquellos personajes del pasado?
¿qué milagro o pacto diabólico
lograron realizar?

Si una voz registrada en el año 39
puede conmoverme aún hoy en día
si en la década de los cincuenta
me encuentro cada día, al amanecer,
cuando enciendo mi radiocassette
¿qué demonios hago yo
clavado en el tercer milenio?

Películas en blanco y negro
los primeros años del rock
peleando con un swing
rabioso y frenético
cajas de música con luces
que resonaban en las carreteras,
en el interior de un bar,
Allí es donde yo quisiera estar

Sin embargo estoy en este siglo
Tuve un principio lejos de mi tiempo
y tendré un final
seguro e insalvable
un poquito más lejos aún

Entonces, ¿cuál es el secreto
de prevalecer?
¿Qué han conseguido todos esos héroes
que me acompañan día a día?
Quizá tan sólo existieron
para que hoy y siempre
desde aquí los podamos recordar.

Tako pone el broche de oro a su gira de presentación de nuevo disco en Zaragoza

La banda aragonesa actuará este sábado en la sala Oasis

para presentar su último trabajo “El Taller de los caprichos”

La banda ejeana Tako vuelve a Zaragoza para presentar su último trabajo “El Taller de los caprichos” del que llevan vendidas más de tres mil copias. De esta forma, quiere poner el broche de oro a la gira de presentación que le ha llevado durante los tres últimos meses por toda España con su público más fiel. La cita será este sábado, 12 de marzo, en la sala Oasis a las 22 horas. Temas como “Ruedas de ratón”, “Bastos y espadas” o “Buenas intenciones” así como el resto de repertorio resonarán en el mítico club teatro zaragozano.

         Zaragoza va a cerrar la gira española de presentación de “El Taller de los caprichos” que, durante dos meses, les ha llevado por todos los rincones de la geografía nacional como Madrid, Barcelona, Valencia, Murcia, Logroño, Guadalajara, Lérida, entre otras ciudades. Por eso, han escogido un lugar emblemático como es la sala Oasis para que este sábado, 12 de marzo, todos los amantes del rock and roll puedan disfrutar del espectacular directo que ofrecen los ejeanos.

         Además, Tako sigue con los preparativos para cerrar una apretada agenda de conciertos durante este año 2011 que, gracias a la gran acogida de su último trabajo, les va a llevar por muchas localidades aragonesas, españolas e incluso europeas. Para empezar, ha confirmado ya su participación en varios festivales nacionales como el Leyendas del Rock en tierras murcianas con grupos tan reconocidos como Obús, Barón Rojo o  Warcry. También han cerrado el festival Aupa Lumbreiras en la localidad albaceteña de Tobarra en el que compartirán cartel con las bandas más destacadas del panorama nacional junto a muchos más conciertos que llevarán a la banda ejeana por todos los rincones de nuestro país.

Primera gira europea

Tako también iniciará aventura musical con su primera gira por Europa tras tres periplos por Sudamérica. Por ello, durante la segunda quincena de mayo, van a ofrecer varios conciertos en países como Polonia,  como cabecera de cartel en uno de los festivales mas importantes del pais, "Juwenalia 2011" en la ciudad de Cracovia el próximo 17 de mayo. Además, visitarán Varsovia  -dia 19-, para seguir sus actuaciones en la ciudad checa de Brno - día 20- y, posiblemente, Alemania en la ciudad de Dresden -día 21-. De nuevo, volverían a Polonia para otra actuación en Wroclaw.

         Por último, les recordamos que la banda ejeana está incluida dentro de la Red Aragonesa de Espacios Escénicos (RAEE) del gobierno de Aragón para poder actuar en las principales localidades de nuestra Comunidad Autónoma con un nuevo y exclusivo formato que ofrecen por primera vez: Un acústico. En ella, pretenden acercar al público un nuevo estilo fresco, diferente y, sobre todo, sorprendente para disfrute de los presentes.

 Les recordamos la cita:

Presentación de “El Taller de los caprichos”

Fecha: Sábado, 12 de marzo.

Hora: 22 horas.

Lugar: Sala Oasis de Zaragoza.

*Pablo Arrufat me envía esta nota.

Los hermanos Juan Fernando y José Enrique Moreno Gistaín, de Barbastro, finalizaron 2010 con una gira por EEUU y Reino Unido. Fue un año intenso para ellos, ya que también fueron invitados a Bruselas dentro de las actividades de la Presidencia Española de la UE, inauguraron el Festival New Talents de Sofía (Bulgaria) y en España presentaron en gira diversos programas como dúo, como solistas y con orquesta. En 2011 han reanudado su actividad internacional con un concierto en Ginebra, y estos días viajan por Estonia para actuar en Tallín, Capital Europea de la Cultura 2011.

¿Cuál es vuestro balance general de la gira internacional 2010?

Juan Fernando. - El sentimiento fundamental es agradecimiento, y además en muchas direcciones; a las instituciones que apoyan nuestra actividad internacional (principalmente el Gobierno de Aragón, Juventudes Musicales de España, Fundación Eutherpe y Asociación DICE), a los festivales, asociaciones y fundaciones que han acogido nuestros conciertos y a los diferentes públicos de los que hemos disfrutado. La medida del interés de las cosas que haces siempre te la dan los demás, así que la confianza es lo más valioso. Por otra parte, la posibilidad de presentarte a públicos muy diversos supone un aprendizaje insustituible.

¿Qué se aprende en una experiencia como esta?

José Enrique. - Aprendes muchas cosas de tus propias respuestas a cada situación, nunca hay dos conciertos iguales, y de esas diferencias entre unos días y otros es de donde sacas muchos estímulos. Por otra parte, es muy interesante ver cómo se organiza la vida en cada país (especialmente la vida musical), cómo vive cada público los conciertos y lo mejor de todo es el vínculo que creas con la gente que encuentras en tu camino.

¿En qué lugares habéis estado exactamente?

JE - Estuvimos en Bruselas, ofreciendo un concierto con motivo de la Presidencia Española de la UE, en el festival Young Musical Talents de Sofía, después estuvimos en la Bahía de San Francisco donde ofrecimos varios conciertos en la zona de Sillicon Valley y de allí viajamos al norte de Inglaterra donde tocamos para varias sociedades de conciertos.

¿Cómo es el público norteamericano?

JF- Lo más estimulante del público norteamericano es su diversidad. Un ingeniero filipino que estudió en Londres escucha en San Francisco un concierto de  unos pianistas españoles que tocan música de compositores rusos, franceses, británicos y españoles en un festival promovido por una fundación japonesa. ¿No es maravilloso?

¿Cuál es la magia o el secreto de este trabajo a cuatro manos?

JF - La magia está ya en la música. Como intérpretes intentamos transmitirla. Más específicamente como dúo, tratamos de aprovechar muchas posibilidades del piano que son inabarcables cuando uno toca sólo. Si hay un secreto en la interpretación musical, hay que buscarlo desde la alegría, la pasión, la curiosidad, y el estudio constante. Con la preparación sucede como con la libertad o el amor, uno siente que nunca es suficiente.

¿Cuáles son vuestros próximos proyectos para este 2011?

JE - Acabamos de regresar de Ginebra y lo siguiente es una gira de conciertos en Estonia, donde tocaremos en Tallín, que este año es Capital de la Cultura Europea. La siguiente parte del año la dedicaremos a proyectos a solo, donde tendrá especial relevancia los conciertos con las Variaciones Diabelli de Beethoven que interpretará Juan Fernando en varios auditorios como el de Barcelona y que tendrá difusión mediante Euroradio. Esta obra es una de las cumbres de la literatura para piano y estos conciertos serán muy especiales. Después volveremos a tocar juntos en varios conciertos en España, destacando la Schubertiada de Vilabertrán, que también se grabará para la radio, o la Fundación March en Madrid y otros proyectos en los que estamos trabajando para República Checa, Suiza, Alemania y Centroamérica.

¿Dirías que esta es una experiencia que cambia la vida, que os puede cambiar la vida?

JE - De alguna manera cada experiencia que tienes te cambia y te enriquece, resulta más difícil medir hacia dónde, cómo o cuánto. Lo que es seguro es que para dar cada paso, por pequeño o grande que sea, necesitas a mucha gente que te ayude a darlo, y cada una de esas personas (sea tu familia, tu pareja, tus amigos o tus compañeros de aventura) está cambiando tu vida.

*En las dos fotos: Juan Fernando y José Enrique Moreno Gistaín, grandes seres humanos, cariñosos y vitalistas, y estupendos pianistas de Barbastro y del mundo. Una versión algo más reducida de la entrevista apareció en 'Heraldo'. 

Discuto a menudo, muy teatralmente, claro, con mi hija Aloma por Russian Red, Anni B. Sweet, Aroah y otras muchas cantantes jóvenes, entre ellas también Mabü. Casi todas ellas me fascinan. Ella es más seguidora de La bien querida: la he llevado mucho en el coche y ahora la pongo en casa. Me gusta muchísimo. Me encuentro con esta foto, la cuelgo y os recomiendo su música: suave, de amor, casi un susurro, misteriosa.

Una de las secciones más seguidas del suplemento ‘Artes & Letras’ de Heraldo de Aragón de los jueves son los artículos de José Luis Melero. Recibe siempre muchas felicitaciones y llamadas, muchas atenciones y cariño por doquier. De esas columnas, ‘Fábulas con libro’, ha nacido el volumen ‘La vida de los libros’ (Xordica). Publico aquí el último artículo, este recordatorio del cantante de jota José Oto.

JOSÉ OTO

Por José Luis Melero Rivas. De ’Fábulas con libro’ / Heraldo de Aragón

El próximo mes de abril se cumple el cincuentenario de la muerte de José Oto. Oto despierta interés por muchas cosas. En primer lugar, y sobre todo, porque ha sido el más grande cantador de jotas de la historia. Nadie cantó con su delicadeza, con su gusto extraordinario, con su fuerza y su bravura, que no eran nunca un valor en sí mismas, sino que él las ponía solo al servicio de las tonadas más valientes, de las más arriesgadas y comprometidas, de las que precisan ser cantadas de ese modo para llegar al corazón de todos. Por eso su interpretación de la fiera antigua, de la fiera zaragozana, no ha sido superada por nadie. Pero es que, además de haber sido el mejor, Oto es todo un personaje literario, un personaje de leyenda: murió a los 54 años, pobre, alcoholizado, en la Casa de Socorro, a donde lo había trasladado el doctor Ricardo Malumbres, que lo encontró casi agonizante en una humilde pensión de la calle San Blas. En realidad, bebió y se dejó morir por amor. Desde que su novia, la gran cantadora Felisa Galé, murió en 1948, Oto parece que fuera buscando la muerte. Ya no quería vivir y Oliván Bayle, que lo conoció casi desde niño, desde que Oto iba a aprender bandurria a la academia de música de don José Calabia, en la desaparecida calle de Escuelas Pías, escribió “que se dejó morir, que se quiso morir”. Lo amortajaron con traje aragonés y le pusieron “un pañuelo por la cara”, en recuerdo de la copla que tantas veces cantó. Su entierro ha sido tal vez el más multitudinario de los que se recuerdan en Zaragoza. Dicen que más de cien mil personas acompañaron el féretro hasta Torrero y en la Plaza de España, en medio de un silencio estremecedor, se escucharon tres de sus estilos más característicos, entre ellos, desde luego, su fiera incomparable. Yo tengo una preciosa foto suya en el mejor rincón de mi casa y lo saludo con afecto todos los días. 

*Arriba un retrato de Felisa Galé y José Oto, el más conocido, reproducido aquí y allá (lo he tomado de la página de Rafael Castillejo), y un retrato de José Oto que tomo del blog de José Luis Cortés que reproduce, muy gentilmente, un extenso artículo que le dediqué en Heraldo a Oto y a su amada.

El blog es: http://madalenazaragoza.blogspot.com/2008/05/jos-oto.html 

Invitado por Fernando Sarría, este sábado, a las 22 horas, participaré en un recital poético en La Campana de los Perdidos con la poeta y narradora Olga Bernad, que acaba de publicar su segundo poemario, ‘Nostalgia armada’ (Vela de Gavia. La isla de Siltolá, Sevilla, 2011), y por el guitarrista Jorge Berges. Yo leeré algunos poemas de ‘Vivir del aire’ (Olifante, 2010) y de mi nuevo libro, que sale estos días: ‘El paseo del ciclista’ (Olifante, 2011), un volumen en verso y prosa, de 26 poemas, que lleva prólogo de Miguel Mena y solapa de Manuel Pereira.

El acto se desarrollará en dos partes. Cada poeta lee durante quince minutos, toca Jorge Berges, vuelven a leer los poetas por el mismo espacio de tiempo, y concluye la noche el intérprete flamenco. Estáis todos invitados.

Uno de mis poemas favoritos del libro es este dedicado a la cantante, actriz y modelo Nico.

Lo cuelgo aquí con algunas fotos de ella.

VIDA, MÚSICA Y MUERTE DE NICO

 A Juanjo Blasco Panamá

Todo en ti, hermosa Christa, fue un constante enigma,

un subterfugio del dolor, de la luz y de la sombra.

Casi nadie sabe con certeza dónde naciste.

¿Fue en Colonia o en Budapest? ¿Fue en 1938 o en 1943?

Qué importa. La vida pronto te mostró sus escalofríos:

tu padre, el hombre que te contaba historias del tren

que cruzaba el bosque rumoroso de los cuentos de hadas,

falleció en un campo de exterminio. Ya vivías en Berlín.

En un viaje a Ibiza, años después, uno de tus amantes

decidió cambiarte el nombre: para él, y para todos,

serías siempre Nico. Nico, en homenaje a un fotógrafo:

el apasionado amor que tu amante había perdido.

Ya serías para siempre la bella Nico. La maldita.

La moderna que hacía pensar en Twiggy, en Jane Birkin

o incluso en Marianne Faithfull, mujeres de ardor

y arrojo que desordenan la furia del deseo.

Pronto te convertiste en una musa, como Edie Sedgwick.

Cantabas con una fría y metálica voz, acaso andrógina,

desfilabas como nadie con una elegancia antigua,

paseabas con misterio y asombro en La Dolce Vita

de Federico Fellini. En tu derredor se multiplicaban

las leyendas: le habías arrebatado el marido a Anouk Aimée,

habías vuelto loco a John Cale, a Gainsbourgh y a Andy Warhol,

y tu corazón se inflamaba de todas las drogas de la tierra.

A solas, cuando te abrazabas a tu querido armónium,

leías a Hölderlin, a Baudelaire, a Blake y a Coleridge:

tu música era como un canto medieval sacrílego

y tu alma se vaciaba en soledad y desamparo a cada hora

con aquellos versos tan tristes como tus venas.

Vivías en el arte, en la música, en el teatro, en la pasión.

En Nueva York tomaste clases con Lee Strasberg

y hechizaste a Bob Dylan, a Lou Reed y a tantos otros

 que escribieron para ti, como los chicos de la Velvet.

Cada uno de tus discos era más inquietante y sombrío:

te empeñabas en seguir todos los caminos de la derrota.

Las notas se encadenaban con un sarpullido de oscuridad.

Jugabas a ser una diosa imposible, una sacerdotisa lejana,

y a la vez, junto a Philippe Garrel, una poseída: dicen

que tomabais imágenes desde la cubierta de la Ópera Garnier.

Decían que capturabais los lamentos de la luna sobre París.

Luego, te marchaste a Ibiza, con tu hijo y casi en secreto.

Dijiste que Christian Aaron era hijo de Alain Delon

y de un pasado amor que dejó cicatrices en la sangre.

Tu último disco, ‘Camera Obscura’, tenía algo de responso

y de canto mortuorio de quien se despide del mundo.

¿Habías querido anticipar tu epitafio de exiliada en la tierra?

Y a la vez, con su perfecta tristeza, era una obra maestra.

Un día, mientras paseabas por la ciudad en bicicleta,

ocurrió aquello: se te paró el corazón y te desplomaste.

Tu cabeza se golpeó terriblemente contra el suelo.

Alguien te llevó al hospital: no acertaron con el diagnóstico,

ni era insolación ni el rescoldo de una noche de excesos.

Y al día siguiente fallecías de un derrame cerebral,

tú, Christa Päffgen, inolvidable Nico que jamás

quisiste renunciar a las sucesivas formas del luto.

Recuerdo cuando llegó la noticia a mi periódico,

El día de Aragón. Fue hacia las seis de la tarde.

El redactor musical dijo: “Nico, el animal más bello de la música,

el ángel terrible, la mujer fatal y provocadora, ha cantado

su última melodía”. Cogió el retrato tuyo que mandó

la agencia y lo rompió en dos mitades. Así saliste:

con el rostro y los ojos partidos, y el cabello muy rubio.

“Una caída de bicicleta pone fin al enigma de Nico”,

decía el titular. En letras más pequeñas se añadía:

“La cantante, modelo y actriz alemana murió en Ibiza

donde se había recluido con sus fantasmas”.

De ’El paseo en bicicleta’. Poemario de Antón Castro. Febrero de 2011. Olifante.

LA FIESTA ANUAL DE LA MÚSICA ARAGONESA, ESTE MARTES 8

Fiesta de presentación de los XII Premios con Louisiana, entre otros.

 Gala de entrega de los XII Premios de la Música Aragonesa, en el Teatro Principal de Zaragoza, martes ocho, a las 20.00 horas.

Es la cita anual de los músicos aragoneses, en la Gala de los Premios de la Música Aragonesa, una convocatoria anual única en el territorio español y que este año cumple su XII edición. 

Ya está todo a punto para que el próximo martes 8 de febrero, a las 20 horas, dé comienzo la gala de entrega de los XII Premios de la Música Aragonesa desde el Teatro Principal de Zaragoza. 

El inolvidable Labordeta será objeto de un homenaje.

La gala de entrega de los premios, estará presentada por Virginia Martínez (presentadora de televisión del programa ‘Aftersún’ y antes del ya desaparecido y exitoso ‘Clic’, candidato a uno de los premios) y contará con las actuaciones de Almas Mudas, Dadá y Volador. El humor lo tendremos de la mano de Pepín Banzo y el premio homenaje 2010, será para José Antonio Labordeta (1935-2010), premio póstumo que recogerá su familia. 

El grupo Volador actuará en el Principal.

La gala se podrá ver por primera vez en directo y en streaming desde aragonmusical.com y premiosdelamusicaragonesa.com gracias al acuerdo con Ikuna Web TV Solutions. 

El resto de sorpresas las dejaremos el día 8. Eso sí, la fiesta al término de la gala, será en El Ángel Azul (calle Blancas). 

Estos premios intentan apoyar a los distintos implicados en el panorama musical aragonés reconociendo su labor. Este reconocimiento no entiende de estilos musicales o grados de consolidación.

El colectivo Aragón Musical es la plataforma desde la cual se organiza este importante evento anual, entre otros muchos. 

Toda la información: www.premiosdelamusicaragonesa.com 

*Esta información está suministrada por Aragón Musical, por Sergio Falces y su equipo.

Enrique Bunbury es uno de los gran favoritos de la noche. Bunbury está en un momento maravilloso: es un creador incansable, que se renueva disco a disco. ha vuelto a hacerlo con 'Las consecuencias', donde tienen algún tema precioso y una estupenda versión. Yo soy muy fan, por ejemplo, de su versión de 'Frente a frente', que canta con Miren Iza.

Hace un instante, el escritor, traductor y guionista Daniel Gascón ha sido entrevistado por Miguel Mena en 'A vivir Aragón' en la Cadena Ser con motivo de la aparición de su libro, de catorce relatos, 'La vida cotidiana' (Alfabia).

Y ha dicho que los discos que más había oído han sido los de Regina Spektor. He aquí la canción 'Fidelity'

http://www.youtube.com/watch?v=wigqKfLWjvM

Os pongo aquí algunas fotos suyas:

Así ha visto Víctor Lax a Enrique Bunbury esta noche.

Paco Ibáñez nos ha marcado la vida a casi todos los que éramos jóvenes en los últimos años del franquismo y en los primeros años de la democracia. Y a los que no eran tan jóvenes y, tal vez, a muchos que no eran tan viejos. Paco Ibáñez, siempre de negro y sobrio, encendía la emoción con su canto: como su amigo José Antonio Labordeta, fue un creador de himnos: ‘Palabras para Julia’, ‘A galopar’, y algunos más. Bastantes más. Gracias a José Antonio Labordeta conocí a Paco Ibáñez en Zaragoza en un festival de cantautores que se organizó en la Universidad hacia 1988. Fue para mí una experiencia maravillosa: mitómano como soy, acababa de leer el perfil de Nativel Preciado de Paco para la revista ‘Tiempo’. Del encuentro que dio lugar al perfil nació una historia de amor entre ambos, creo recordar. Oí a Paco Ibáñez fascinado: me preguntaba de dónde le salía la voz, aquella austeridad de la tierra y de la raíz, aquel hontanar de emociones. Paco decía el verso como nadie, le gustaba decirlo, era capaz de encontrar musicalidad, latido, ritmo, melodía, conmoción y mensaje en cualquier poema de Quevedo, Neruda, Jorge Manrique, José Agustín Goytisolo, Antonio Machado, Lorca, Alberti o León Felipe. Influenciado por Atahualpa Yupanqui y por Georges Brassens (al que versionó magistralmente) y por los rapsodas y versolaris vascos, ha sido el cantante de la poesía y de los poetas. Se atrevió con todo. Cantante de los poetas, con otro lujo orquestal, lo sería luego, o lo estaba siendo casi a la vez, Amancio Prada.

Después del concierto, escribí unas notas para ‘El día’. Y a la mañana siguiente, quedé con Paco en un hotel de Gran Vía, creo recordar, y conversamos durante dos o tres horas. Qué maravilla: hablamos de sus años en Valencia, pocos, de la Guerra Civil, del regreso de Francia a San Sebastián y a los caseríos, de la partida a Francia de nuevo, donde se haría ebanista (me gustó mucho cómo describía el clima del taller y el magisterio paterno) y violinista episódico, y luego guitarrista. Paco había conocido a medio mundo: entonces me parecía hondo y elegante, de una intensidad telúrica, un apóstol de la libertad desde su militancia de izquierdas. Con él empecé una serie, a doble página, que se titulaba: ‘El trovador ante el espejo’. Saldrían luego, entre otros, Imanol (cada vez que recuerdo aquella entrevista aún lloro: me pareció un hombre entrañable y frágil, condensaba en su vida el País Vasco con sus cien contradicciones y su riqueza), Javier Krahe, Javier Ruibal, Pablo Guerrero, Luis Pastor, Hilario Camacho… Y algunos más. Creo que la entrevista apareció un domingo. Y unos días después, Paco Ibáñez llamó a casa, vivíamos entonces en Bretón 44, y habló con mi mujer. Carmen no se creía que quien estuviese al otro lado del hilo fuese Paco Ibáñez. Le dijo que era un amigo que le tomaba el pelo. Que “¿cómo iba a ser Paco Ibáñez si se había educado con él, si era una de las bandas sonoras sustanciales de su vida?” Paco le dijo: “Dígale a Antón que me ha hecho un buen retrato”. “¿Cómo un buen retrato? Mi marido no es fotógrafo”. Paco añadió: “Dígale eso, que él lo entenderá”.

Marina Rossell, José Antonio Labordeta, Luis Pastor y Paco Ibáñez.

Nos veíamos siempre que volvía a Zaragoza. Recuerdo otros conciertos, uno en el Rincón de Goya. Hablamos un rato, me trajo uno de sus discos dedicados: ‘Por una canción’, que es uno de mis favoritos. Tiene temas inolvidables, de esos que casi te hacen llorar. “Noche de miedo en Granada…”, aún le oigo decir… Siempre me acuerdo de que un día le hice un retrato apasionado en forma de entrevista. Un retrato que conservo en una carpeta, llena de cosas suyas, que dice: Paco Ibáñez. La voz de los poetas. El poeta de la voz de la tierra y el misterio.

Paco Ibáñez actúa esta noche en el Teatro Principal en el festival A Cántaros, que organiza Toño Berzal. El concierto es a las 21 horas.

XLSemanal adelanta el contenido de la salvaje autobiografía del músico

Keith Richards: “la gente cree que soy yonqui, ¡y dejé las drogas hace 30 años!”

• "Mi abuelo Gus me enseñó a tocar la guitarra. Si puedes tocar Malagueña, puedes con todo, me decía"

• "Le quité la novia a Brian en un viaje entre Barcelona y Valencia”

• “Tal vez Mick y yo no seamos amigos, pero somos como hermanos”

• “Durante muchos años he dormido sólo unas dos veces por semana, lo que significa que me he mantenido consciente a lo largo de unas tres vidas”.

Madrid, 4 de noviembre

Keith Richards tiene un pie en la tumba desde los años 70, cuando se hacían apuestas sobre lo que duraría vivo. Pero superó su adicción a todo tipo de estupefacientes y ahora, a los 66 años, casado y padre de cinco hijos, publica 'Vida' (Global RhythmPress/Ediciones Península), una autobiografía salvaje y políticamente incorrecta. Con un sentido del humor vitriólico, el guitarrista de los Rolling Stones repasa sus problemas con las mujeres, las drogas y la justicia. Y no deja títere con cabeza, empezando por Mick Jagger, «el picha floja». XLSemanal adelanta algunos de sus contenidos más jugosos. 

 “Mi abuelo Gus me enseñó a tocar la guitarra. Era una guitarra española clásica. Gus me decía: «Si consigues tocar Malagueña, puedes con cualquier cosa». A los 11 años, me metí en el coro del colegio. A los 13, me cambió la voz y me echaron. Además, me hicieron repetir curso. Estaba tan furioso que el deseo de venganza me quemaba por dentro. Si quieres forjar un rebelde, ésa es la manera”.

Mick Jagger y yo nos conocimos porque vivíamos muy cerca e íbamos a la misma escuela.. En 1961 coincidí con Mick en la estación de Dartford. Si te metes en un vagón de tren con un tío que lleva bajo el brazo discos de Chuck Berry y Muddy Waters, es amor a primera vista.

Para llegar a ser guitarrista, tienes que empezar con la acústica y luego pasar a la eléctrica. Mi primer amplificador fue una radio: desmonté el trasto. Me pasaba el día soldando y recableando detrás del amplificador. Me electrocuté un montón de veces porque siempre se me olvidaba desenchufarlo antes”.

“Me había pasado la vida esperando hacer el servicio militar. Y de repente, justo antes de cumplir los 17, en 1960, anunciaron que se había acabado. Así que fui a la escuela de arte. Fue mi último intento de incorporarme a la sociedad. En realidad, lo que necesitaba era una excusa para que me empujaran hacia la música”.

“Formamos un grupo y nos dieron nuestro primer bolo. Brian Jones telefoneó a una revista y le preguntaron cómo nos llamábamos… Nos quedamos mirándonos los unos a los otros. Y la llamada costaba pasta. La primera canción de The best of Muddy Waters es Rollin' Stone; la funda del disco estaba por el suelo. A la desesperada, Brian, Mick y yo nos tiramos a la piscina: Los Rolling Stones. Gracias a no pensárnoslo, nos ahorramos seis peniques”.

“Durante las primeras giras por EE.UU. los bares de carretera eran una aventura. Nos llamaban 'nenas' porque llevábamos el pelo largo. El pelo, una de esas menudencias en las que nadie piensa, pero que cambian culturas enteras”.

“Y llegaron los arrestos. Yo solía creer en la ley y el orden, pensaba que Scotland Yard era incorruptible: ¡me tragué el cuento!  Me encontraron unas colillas de porro en un cenicero, el juez me llamó «escoria» y «cerdo». Fui condenado a 12 meses. Con los Beatles ya no se podían meter porque los habían condecorado, así que nos tocó a nosotros la crucifixión. Pero sólo pasé un día en la cárcel”.

“Nos lo pasábamos muy bien. En cierta ocasión, Brian, su novia Anita Pallenberg y yo cruzamos la frontera española en un Bentley azul y cuando llegamos a Barcelona nos fuimos a un tablao flamenco en las Ramblas. Al día siguiente salimos hacia Valencia, solos Anita y yo. Nunca en mi vida he dado el primer paso para enrollarme con una mujer. Me quedo sin palabras. Así que Anita movió ficha. Yo no podía entrarle a la chica de mi amigo. Pero en el asiento trasero de aquel Bentley, en algún lugar entre Barcelona y Valencia, Anita y yo nos miramos: la presión era tan bestial. Era febrero y en España ya había llegado la primavera. Recuerdo el olor de los naranjos”.

“Anita y yo nos convertimos en pareja y, con el tiempo, empezamos a consumir heroína. ¿Por qué me drogaba? Creo que tiene que ver con subirse a un escenario: los niveles de adrenalina son tan altos que requieren un antídoto. La mayoría de los yonquis acaban idiotas. Fue eso lo que me hizo dar la vuelta. Nadie se convierte en un héroe por el hecho de meterse droga, más bien si consigues dejarla”.

“Estaba de gira en París cuando me dieron la noticia de la muerte de mi hijo Tara con sólo dos meses, lo habían encontrado muerto en la cuna. Es como si te pegaran un tiro. No cancelé el concierto. Habría sido peor. Marcharme de gira cuando todavía era un recién nacido es algo que nunca me perdonaré. Es como si hubiera desertado”.

“Del asunto entre Mick y Anita tardé en enterarme, pero me lo olía. Aquello abrió una brecha entre Mick y yo. Era una pelea de machos alfa. Todavía lo es… En cualquier caso, ella no se lo pasó demasiado bien con el pequeño picha floja. A Mick no le gusta que hable con sus mujeres, siempre acaban llorando en mi hombro porque se han enterado de que él anda por ahí de conquista otra vez. ¡La de lágrimas que han vertido sobre este hombro Jerry Hall, Bianca, Marianne Faithful, Chrissie Shrimpton! Me han arruinado un montón de camisas”.

“En 1973 sacaron una lista de las diez estrellas del rock que era más probable que murieran pronto, y me colocaron en el número uno. ¡Fui número uno en esa lista durante diez años!. La gente cree que sigo siendo un yonqui. ¡Y hace 30 años que dejé las drogas!”

La gran traición de Mick fue que anunciara en 1987 que saldría de gira con su segundo álbum en solitario. Había dado carpetazo a 25 años de Rolling Stones. Salió de gira con otra banda a cantar canciones de los Stones. Aquello fue una bofetada. Arremetí contra él en la prensa. Hasta mediados de los 70, Mick y yo éramos inseparables. Tal vez Mick y yo no seamos amigos, pero somos como hermanos. Los hermanos se pelean. Yo puedo decir estas cosas, me salen del corazón, pero nadie puede decir algo malo de Mick en mi presencia. Nuestra relación todavía funciona. ¿Cómo si no, al cabo de casi 50 años, podríamos plantearnos aún volver a salir juntos a la carretera? La diferencia entre Mick y yo es que a él no le gusta confiar en nadie. No puede dejar de ser Mick Jagger ni un minuto”.

“Llevo una vida de auténtico caballero: escucho a Mozart y leo mucho. Me encantan las novelas de Patrick O'Brian. Cuando estoy en casa, suelo hacerme yo la comida, por lo general salchichas con puré de patatas. Creo que ya he provocado revuelo más que suficiente en esta vida. Pero me retiraré cuando estire la pata”.

“Con el arte se debe

 ser radical

y extremista”

Eduardo Paz, tras pasar por La Bullonera y por la ópera y el recital de canto clásico, se inclina por la música occidental de inspiración judía y reconstruye su carrera

Paz, visto por José Miguel Marco.

Eduardo Paz (Alcorisa, Teruel, 1952) se ha reinventado varias veces. Ha sido cantautor, militante comunista, cantante de ópera, y ahora es profesor de música, lector apasionado y cantante de músicas de tradición occidental que disfruta con los clásicos, con el soul, con escritores como Saul Bellow, Goethe, Thomas Benrhard o Isaac Bashives Singer, un personaje que ha sido determinante para completar el envoltorio de su último disco: ‘Askhenazi’. Eduardo Paz siempre anda y desanda la madeja de sí mismo con cierta imposibilidad de abarcarse del todo: le cuesta llegar al centro de su propio volcán.

¿Qué relación tuvo con su padre, el músico Santos Paz?

Mi padre tocaba el violín, el saxofón, el clarinete, el contrabajo, la viola, el laúd, la guitarra y la bandurria, y tenía un oído absoluto. Yo soy un hijo tardano. La nuestra fue la escasa relación de dos chulos, como ha escrito Félix de Azúa en su espléndida ‘Autobiografía’. Tras su muerte, la figura de mi padre se ha ido engrandeciendo muchísimo en mi ánimo y en mi cabeza. Era un escéptico, bastante descreído, le interesaban las heterodoxias.

¿Cómo cuáles?

Cosas muy raras: la posibilidad de que Cristo naciera en Cachemira, la historia de las enfermedades venéreas en el mundo. Yo tengo una hermana mayor, Lidia, pero antes había muerto un hermano mío. Para todos los Santos yo iba al cementerio a rezar y a llorar delante de una tumba que ponía: “Aquí yace Eduardo Paz”. Volviendo a mi padre, sí creo que influyó mucho en mí porque lo recuerdo mucho tocando el violín, a Monti, a Mozart; además, cuando yo era pequeñico, él oía a Fleta. Lo oía en un pick-up que le había regalado a mi hermana Lidia un novio de Albacete. Oía a Fleta y me quedaba extasiado, con esa voz, tan poderosa, que seguramente influyó bastante en que me gustase la música soul.

¿La música soul?

Sí, no sé, por la fuerza y el temblor de la voz. Fleta me fascinaba. Mi padre me influía por contagio, por su propia pasión. Organizaba sesiones líricas en el salón parroquial de mi pueblo, yo cantaba ‘Granada’ o rancheras, y las recuerdo como una tortura inconmensurable, pero cuando acababa me sentía muy feliz. Y eso me ha seguido pasando siempre.

¿Ya sentía el miedo escénico?

Miedo escénico exactamente no, porque eso es insuperable, pero sí un punto de histeria con esa historia. Luego, estuve interno en Molina de Aragón durante cuatro años. Era un colegio interno para niños difíciles. Y yo no tengo conciencia de haber sido un niño difícil: trasto sí, inquieto.

¿Qué paso en esos cuatro años?

La adolescencia es una etapa compleja y fascinante. Sufrí bastante, pero entré en contacto con algunas personas decisivas, empecé a leer a Miguel Hernández. En una sesión de ejercicios espirituales, vino un cura de Fabara, y nos dio unas charlas que me sonaron heterodoxas y me conmocionaron muchísimo. Ese hombre me inoculó un sentido social de las cosas, le dio una dimensión diferente a mi catolicismo exacerbado.

De allí, se deduce, salió muy cambiado.

Salí con un sentido social especial. Salí tocado por la compasión, por la piedad. Tenía una necesidad perentoria física de hacer algo por los débiles. Y me encontré el Partido Comunista cuando marché a Zaragoza a estudiar Filosofía y Letras.

¿Cuándo apareció la música en su vida?

Siempre ha estado siempre presente. En Molina también cantaba: en la tuna, en algunos festivales que se organizaban en el pueblo. Cantábamos a Víctor Manuel, a Atahualpa Yupanqui, allí conocí a los Beatles, a mí me gustaba Wilson Pickett.

¿Cómo entró en contacto con Javier Maestre?

Nos habíamos conocido antes de la mili, en 1971. Javier Maestre vino a buscar un cantante al Teatro Estable de Zaragoza que dirigía Mariano Cariñena. Hice un castin con un solo candidato que era yo. Canté una canción de Paco Ibáñez, “Poderoso caballero es don Dinero”, basada en el poema de Quevedo. Entré, y con Javier, con Chusa Murría y otros empezamos a ensayar ‘Vientos del pueblo’, que fue la primera canción que yo canté con La Bullonera, un poema precioso, con una música fantástica de Javier.

Ahí empezaba todo.

Debutamos con ‘Vientos del pueblo’, que también fue nuestro primer nombre. El primer concierto que íbamos a dar como Vientos del Pueblo, en el Centro Pignatelli, lo prohibió el gobernador civil por ese nombre. Cambiamos a La Bullonera, porque pensamos en ese orificio de las cubas de vino o del fondo de los pantanos por donde sale el vino o el agua, a presión, de forma incontenible.

¿Qué tipo de grupo querían ser?

Las referencias eran la música folk. Nuestro Pequeño Mundo, Peete Seeger, pero, si le soy sincero, yo no tenía ninguna referencia. Tenía la idea de cantar a tumba abierta lo que para mí eran unas verdades en torno a la demolición del franquismo: yo soñaba con construir la sociedad comunista. Me sangraba la pobreza, el desheredado, el débil, que en cierto sentido es un sentimiento muy cristiano. Los partidos comunistas donde han dado lo mejor de sí ha sido en la clandestinidad.

Joaquín Carbonell, Eduardo Paz y José Antonio Labordeta.

La Bullonera tuvo mucho éxito…

Lo que realmente nos ayudó fue la visión proverbial que tuvo Javier Maestre de incorporar melodías tradicionales de Aragón con unas letras de protesta. Javier es, en el sentido anímico del grupo, el líder, el ideólogo, el alma del grupo. Yo era la voz. Antes de irme a la mili, hicimos dos conciertos en el Centro Pignatelli con un lleno absoluto. Yo era un autista en aquel tiempo. Yo era militante en el Partido Comunista, un militante clandestino de célula, miembro del comité universitario, hacía pancartas, tiraba octavillas, aconsejaba a los militantes ante un supuesto caso de tortura. Y, para mí, La Bullonera era un instrumento más.

¿Cuándo conoció a Labordeta?

En el año 1969 o 1970 un amigo mío me invitó a ir a Teruel. En una sinfonola de aquellas estaba el disco de ‘Las arcillas’. Lo oí y me quedé acojonado. No me lo podía creer. ¿Qué es esto? Y ya no volví a pensar en él hasta el Primer Encuentro de la Canción Popular en el Teatro Principal en 1973. Allí lo conocí personalmente. También cantaba con la voz a tumba abierta. De hecho quiero hacer una versión de ‘Las arcillas’.

Con La Bullonera hizo cuatro discos, y luego, ya en solitario, ‘Homenaje a Arnaudas’.

La separación con Javier fue traumática. Javier tiraba muy fuerte hacia el cantautor y yo hacia el roquero. Por otra parte, yo había contactado con el mundo del canto clásico, quería educar la voz porque hubo un momento que no sabía qué hacer con ella. No la controlaba. El ‘Homenaje a Arnaudas’ lo hice en un tiempo en que empecé a escuchar mucha música clásica y al mejor grupo folk, francés, de la historia europea en el siglo XX: Malicorne.

¿Qué le llevó a solicitar una beca de canto?

Tenía una malísima relación con mi voz y no podía soportarme. Subía al escenario y no sabía qué podía pasar conmigo. Trabajé ocho o nueve años con la profesora de canto Pilar Andrés, hice la carrera, fueron años durísimos. Así como los tres primeros años fueron un prodigio de descubrir nuevas cosas, etc., a partir de entonces fueron terribles. Me estanqué.

¿Sufrió?

Muchísimo. Tuve depresiones profundísimas, lo quiero olvidar. Pilar Andrés era una mujer con una gran sabiduría, sabía escuchar muy bien, pero tenía como un temor a que te fueras de su lado. Yo creo que mi problema con el canto clásico estriba sobre todo en una cosa: mi unilateralidad con el repertorio. Aprendí muchas óperas, pero me gustaban mucho las canciones folclóricas armonizadas por Britten, los folk song de Berio, me gustaban mucho otras cosas, y el canto clásico es tan exigente que es casi un sacerdocio. Y no tenía la aptitud. Tenía la voluntad, pero la aptitud profunda no la tenía.

Tardó en abandonar el sueño de cantar ópera, ¿no?

Acabé la carrera en Barcelona en el Conservatorio Superior de Barcelona, hice algunos cursos al final en Italia, Suiza y en Edimburgo, que fueron interesantes, pero me quedé perplejo, preguntándome: “¿Qué hago con todas estas óperas, que además no las canto tan bien?”. Empecé a buscar cosas y tuve bastante relación con Alberto Iglesias.

¿El músico de Pedro Almodóvar?

Sí. Grabé con él un tema de un disco muy bonito que se llama ‘Cautiva’, algo de lo que me siento bastante satisfecho. Hice más cosas con él, con mi cuñado Javier Navarrete, publicidad. Publiqué ‘Nomadeo’ en 1996. Siempre buscaba un agujero, no un agujero profesional sino personal, que me faltaba, un acomodo conmigo mismo que no lo encontraba. Antes hice una oposición para entrar en la Escuela Profesional de Música y Danza para llenar la nevera, que no la tenía llena y eso crea una gran insatisfacción.

¿Cómo desembocó en la música judía?

No lo sé. Recuerdo a Joaquín Díaz, que me gustaba de joven, pero esta especie de arrebato que he tenido en los últimos seis, siete u ocho años no la entiendo. En ‘Nomadeo’ ya había dos temas sefardíes y dos askhenazíes, que son los que más me gustan del disco. Y el fado de Coimbra, que me gusta mucho.

¿Cómo se ve, cómo se plantea el porvenir?

Yo no me planteo nada. Lo único que me tiene un poco quemado es la imposibilidad de llegar al fondo de las cosas. Como dicen ahora los jóvenes, estoy rallado. Cuando no es por una cosa, es por otra.

¿No será por qué usted es muy exigente?

No. Yo creo que no. Cuando uno se plantea un proyecto artístico, ahí que se puede ser radical y extremista. Soñador. En el terreno del arte se debe ser radical y extremista, en el terreno de la construcción de los sueños debemos espabilar. Ahí no le haces nada a nadie. Cuando me aparece una idea musical me gusta llevarla al extremo. Nunca lo he conseguido, seguramente porque soy incapaz. A lo mejor porque soy un vago o inconstante.

¿Qué reflexión hace sobre su último disco, entonces?

El repertorio es cojonudo, todo tiene su punto, pero habría tenido su punto y final si hubiésemos hincado el diente en el hueso. Queda bien porque Joaquín Pardinilla es un guitarrista magnífico y un músico de muchísimo talento, y Jesús Trasobares igual, y yo cumplo, con cierta solvencia, pero me falta ese golpe de más que hay que dar a las cosas para que brillen, para que resalten, para que produzcan un orgasmo. Eso no lo acabo de conseguir.

El amigo poeta, el mito vivo, el juglar inolvidable

Eduardo Paz, Labordeta y Joaquín Carbonell. (Efeeme)

Eduardo Paz había grabado en 2009 el disco ‘¡Vayatrés!’ con Joaquín Carbonell y con José Antonio Labordeta, cuya desaparición le ha agitado intensos sentimientos. “Cuando recibí el mensaje de Toño Berzal, lo que más me llamó la atención fue lo mucho que lo sentí. Fíjese que una semana antes había muerto mi madre, que había llenado mi infancia de un sinfín de cuentos. Tenía 92 años, estaba muy enferma, llevaba meses inmovilizada, y lo sentí mucho, claro, fue una amputación poderosa. Con la muerte de Labordeta me vinieron las lágrimas a los ojos. Subí corriendo a decírselo a Pilar Navarrete, mi mujer, que estaba en la ducha, con un inmenso dolor”.

Eduardo dice que Labordeta era más amigo de Carbonell, de Eloy Fernández, que él no pertenecía a su círculo más íntimo, pero que “el contacto cotidiano y estrecho de los últimos cuatro años, cuando actuamos y grabamos el disco, me había acercado mucho a él. Una semana o dos antes de su muerte, lo fuimos a ver. En un aparte Juana nos dijo lo grave que era la situación y que no sufría. Labordeta no tenía un rictus de dolor”.

Asegura el autor de ‘Askhenazí’ que no le ha sorprendido el eco social que ha tenido la muerte de Labordeta. “Sabía que era querido, admirado, que era un mito en vida. Lo más sobresaliente de su personalidad es como ese estado de inconsciencia de su importancia para la gente. Él no tenía una conciencia íntima de su importancia.  Hacíamos las pruebas de sonido y yo le decía: ‘Pero, tú, tío, ¿te das cuenta de lo famoso que eres?’. Recuerdo que en el atrio de una ermita en Cantavieja yo le decía: ‘Tú, José Antonio, no tenías que haberte hecho de la Chunta, ahora serías como la Virgen del Pilar, estarías libre del barro del mundo, eres un poeta que no te has desarrollado como poeta’. Se me quedaba mirando y me dijo: “Eduardo, que yo siempre he sido viejo”.

Eduardo toma aire y añade: “Lo más impresionante de él es el poder magnético que tenía en el escenario. Hasta el último momento, en que le fallaba el fiato, me conmocionaba. Lo veía de forma lateral, como en escorzo, cantando ‘Regresaré a la casa de mi padre’… Inolvidable”.

"LA ORQUESTA SINFÓNICA LLEGARÁ POR SU PROPIO PESO"

ENTREVISTA CON PEDRO PURROY, DIRECTOR

DEL CONSERVATORIO SUPERIOR DE MÚSICA DE ARAGÓN (CSMA)

Pedro Purroy (Jaca, 1953), con sus cabellos ondulados, largos y canos, podría ser un contemporáneo de Juan Sebastián Bach. Ama la música de una manera distinta: la disfruta en su melodía y en su duende, y analiza sus resortes interiores, cómo está construida, el lenguaje de la simetría en que discurre, su estructura inefable. Nació accidentalmente en Jaca, donde vivió hasta los ocho años porque allí se trasladó su padre, con domicilio en Huesca, a construir unas obras. Cuando tenía nueve años, su madre falleció de cáncer, y la familia se trasladó a Zaragoza: Pedro estudió en los jesuitas, descubrió el pop y rock a través de los sonidos de la guitarra y del eco de Los Beatles, y fundó con varios compañeros el grupo Árbol, que ofreció varios conciertos. Al joven estudiante de ingeniería se le cruzó la música con una fuerza tremenda, que lo llevó al Conservatorio del Liceo y a la Escuela Municipal de Barcelona, donde tuvo de profesores a Carlos Guinovart y Josep Soler, Premio Nacional de Música de 2009. Guinovart fue determinante en su vida y en su carrera: “Me abrió las puertas a una literatura musical que no me había planteado. Me habló de un autor, Heinrich Schielke, que proponía una manera diferente de entender la música desde el campo del Análisis”. También estudió Composición, se graduó en guitarra y realizó seis cursos de piano. Es el director del Conservatorio Superior de Música de Aragón.

Es fácil perderse en su trayectoria. Creo que también estudió Dirección Musical, ¿no?

Sí, yo lo que quería era entender aquello lo más profundamente posible y lo pasaba mal porque no acababa de avanzar. No me sentía cómodo haciendo dirección y necesité profundizar más en los secretos de la música. Me presenté a una oposición en Madrid. En 1985 entré aquí...

¿Desde cuándo es director del Conservatorio Superior de Música de Aragón (CSMA)?

Desde el 2002, antes lo era José Luis González. El primer año que estuve dentro del equipo directivo fue como Jefe de Estudios, fue el año en que, en teoría, se refundaba el centro. Éramos conscientes de que aquello no podía ser: era un centro sin prestigio, al que nadie quería venir. No resultaba atractivo, la gente de Zaragoza prefería irse fuera. Había que dar un golpe de timón. Se implicó al Gobierno de Aragón, Eva Almunia estaba de Consejera de Educación y tuvo la sensibilidad de percibir la necesidad de un cambio. Se hizo un acto que se describió como refundación del centro. Nombraron a José Luis González Uriol como director, estaba también Alvaro Zaldívar en la directiva, y a mí me propusieron la jefatura de estudios.

¿Le dieron un susto o una alegría?

Más bien un susto. Yo no quería porque soy muy introvertido, tímido, y aquel mundo se me hacía demasiado grande. Pero bueno, me convencieron y al final aquí estoy. José Luis se marchó al año siguiente, a él no le iba nada la gestión y entró con esa condición, que iba a ser un poco la figura que representase el cambio por su categoría personal, por su prestigio, pero él ya había decidido que lo que le interesaba era seguir tocando.

¿Qué pasó a partir de entonces?

El día de la refundación escuché una frase que se me quedó grabada: “A partir de ahora vamos a tratar de que el Conservatorio sea una referencia en Europa”. Me sonó enormemente grande, pero me lo creí porque era un deseo. Y de hecho casi lo hemos conseguido. Lo hemos conseguido. Ha habido que trabajar mucho pero esa frase ya es real. Me acuerdo de que aquel verano de 2002 me quedé aquí y antes de final de curso coincidió que unos estudiantes vinieron a pedirme un cambio de profesor. Ese incidente me sirvió como punto de partida: entendí que lo que había que hacer era remodelar toda la plantilla de profesores. Y empecé a ver dónde estaban las debilidades. Había que renovarla.

¿Renovar hacia dónde?

Renovarla hacia la búsqueda y el hallazgo de un profesorado que atrajera al alumnado. Si nosotros queríamos conseguir que esto fuese una primera opción, o una segunda, para que los estudiantes de nivel quisieran venir, había que esforzarse mucho.

¿Cómo lo logró?

La fórmula es fácil: traer profesores que atraigan alumnos. Pero hay que hacerlo muy poco a poco. Aparte de las debilidades que teníamos, también había especialidades que tenían fuerza, de hecho hay profesores que todavía están aquí con nosotros, sobre todo los profesores de viento.

¿Y alguno de composición, no? Dicen en su página web que tienen el mejor departamento de España.

Por supuesto. Entonces ya estaba Agustín Charles, que también era partidario de la idea de hacer algo diferente… Los alumnos vienen por los profesores pero también por el centro. El centro tiene que tener un atractivo en sí mismo, y nosotros ahora tenemos un edificio que ha sido decisivo: con ese hall, ocupado constantemente por todos, que anima a la convivencia y a la discusión musical, con las 50 aulas de todos los tamaños, con las 35 cabinas insonorizadas. Hemos creado un centro con atmósfera de trabajo y de creación. Veo que estamos empezando a lograr algo especial: los alumnos se sienten orgullosos del centro, y eso es una señal de que aquello funciona. En este momento somos el mejor departamento de composición de España, lo decimos en la web y es verdad.

Da la sensación de que su manera de proceder es como la de un equipo de fútbol…

¿Se refiere a que soy personalista?

No, no, por los grandes fichajes.

Me han dicho las dos cosas. Soy personalista porque soy yo quien toma las decisiones porque soy quien las tiene que tomar, va con la responsabilidad de mi puesto y estoy consultando continuamente. Si este centro es diferente lo es porque todos los profesores tienen un perfil, tienen que comprometerse. Es decir, cuando empecé a llamar a los profesores en aquel verano yo les proponía que participaran en un proyecto que se iniciaba entonces, los hacía partícipes… Cuando nosotros vamos a la Filarmónica de Berlín a reunirnos con los responsables lo que les proponemos es una participación de este tipo. Los profesores a quienes llamamos no vienen y se van, como se hace habitualmente, sino que hacemos que se sientan partícipes de un proyecto en cuya construcción colaboran. Y responden fantásticamente –y yo no lo sabía hasta que no lo he comprobado-: para ellos es algo muy atractivo. Todos los profesores que hay aquí colaboran y, además, mis reuniones con ellos son continuas, porque yo puedo tener ideas, pero la experiencia de ellos es impresionante.  Y te abre un mundo absolutamente nuevo.

Entre esas figuras, y aquí hay muchas, van a traer al viola solista de la Filarmónica de Berlín que se jubila.

Ya ha venido. Porque todo esto que le cuento no es así de golpe. Lo hacemos paso a paso, con mucho cuidado, necesitamos saber hasta qué punto están dispuestos a ese compromiso o no. Es decir, primero tomamos un contacto, que a mí me interesa que sea atractivo por ambas partes, que haya un ‘feeling’, si no no funciona. Wilfried Strehle, que es el viola de la Filarmónica de Berlín, estuvo en octubre ya. Con el primer músico de la Filarmónica que tuvimos una relación seria y estrecha fue con Wenzel Fuchs, que es el clarinete solista de la Filarmónica de Berlín, uno de los mejores. Ellos tampoco se la juegan por cualquier sitio, se la juegan por algo en lo que han visto que tiene un sentido.

¿Cómo los convencen?

Una de las maneras de establecer esos contactos es a través de sus actuaciones con nuestros propios estudiantes. Ahí no tienes que hablar de lo que somos, ahí demuestras lo que sabes hacer. Siempre nos hemos movido por hechos consumados, nunca hemos vendido humo. Mostramos nuestro trabajo de manera desnuda.

¿Qué hace un alumno en el CSMA?

Tenemos 360  alumnos de todo el país y ahora empiezan a venir muchos de fuera, tenemos bastantes de Hispanoamérica. Viven absolutamente para la música. Clases, ensayos y estudio personal. Incluidos sábados y domingos, que también estamos abiertos. Tienen mucha tipología de clases: la clase individual de instrumento, las formaciones de cámara, específicas formaciones de cámara. Ahora hay algo peculiar, tocamos el día 9 en la sala Mozart, pero lo peculiar es que es un concierto que se ha descrito como inaugural de los actos del quinientos aniversario de Miguel Servet. Hay una obra, ‘Servetis anima’, creada específicamente por estudiantes nuestros, seleccionados, para este concierto.

Hablemos de sus formaciones...

Nosotros contamos con tres formaciones: la Orquesta Sinfónica, la Orquesta de Cámara ‘Camerata Aragón’, y luego la Banda Sinfónica. La Orquesta Sinfónica la dirige Juan Luis Martínez y fue uno de los instrumentos que nosotros pensamos que podía reflejar el trabajo que hacíamos en el centro. Nosotros tenemos la posibilidad y también el riesgo de mostrar siempre nuestro trabajo públicamente, gracias a la colaboración y la confianza del director gerente del Auditorio, Miguel Ángel Tapia, que les permite actuar a los alumnos en grandes ciclos, con grandes músicos y ante un público enterado. Ellos se la juegan en cada momento y a la vez se impregnan de todo lo que les rodea: la cercanía de los grandes maestros y todo y eso: la forma de hablar, las palabras, las miradas.

¿Cuáles son las claves de la Orquesta de Cámara?

La dirige, desde el atril, el violinista y profesor Rolando Prusak, lo que da una autonomía extraordinaria a los chicos. La orquesta de cámara ultima un concierto para ir a tocar a la Filarmónica de Berlín, pero aún no está cerrado. Lo que tratamos es que ese proyecto de colaboración sea una formación combinada, estudiantes nuestros y de la Karajan, la academia de la Filarmónica de Berlín, y solistas de la Filarmónica.

¿La Banda Sinfónica?

Es una formación muy interesante también, que realiza una música específica. Los instrumentos fundamentales son los vientos y se ha apostado por una música contemporánea, muy accesible al público.

Dicen que ingresar en el CSMA es muy difícil.

Es cierto. Es un como un Centro de Alto Rendimiento. Pero el baremo alto los ponen los propios estudiantes. Esa dificultad, que es real, viene impuesta por la calidad de los alumnos.

¿Cómo ve el futuro?

Lo veo abierto y enorme. Aquí cualquier objetivo es susceptible de ser logrado. Podemos llegar adonde sea. Desde el punto institucional nos sentimos valorados y tampoco le pedimos a la Consejería cosas imposibles de dar. Hemos abierto el auditorio Eduardo del Pueyo a los espectadores. Yo creo que con estos mimbres, la Orquesta Sinfónica se caerá por su propio peso: surgirá de aquí, de la calidad de nuestros músicos que son el manantial, no a golpe de talonario.

Encuentros en la vieja Europa

El Conservatorio Superior de Música de Aragón se proyecta hacia el exterior constantemente con un prestigio creciente. El pasado 29 de septiembre, el centro recibía la visita del rector Rudiger Nolte de la Hochschule Für Musik Freiburg (Alemania), “de cuyas aulas han salido y siguen saliendo un gran número de los músicos y solistas que forman parte de las orquestas más reconocidas del panorama internacional”. Nolte se reunió con Felipe Faci, Director del Instituto Aragonés de Enseñanzas Artísticas, y con Pedro Purroy. El gobierno de la comunidad alemana a la que pertenece Freiburg había promovido la conveniencia de “establecer una relación directa y de manera exclusiva, con un Centro Superior de la vieja Europa”. Tras analizar distintos centros y sus filosofías, el elegido fue el CSMA y se ha firmado un acuerdo global y abierto de intercambio de actividades: profesores, orquestas, grupos de cámaras, solistas. El acuerdo contempla dos conciertos iniciales: la Orquesta Sinfónica de la Hochschule de Freiburg actuará en el Auditorio de Zaragoza en 2011 y la Orquesta Sinfónica del CSMA lo hará en Freiburg. “A mí me parece una muy interesante forma de reconocimiento de Aragón en Europa. El CSMA y la música son dos embajadores culturales de este territorio”.

*Esta entrevista con Pedro Purroy apareció el domingo en ’Heraldo de Aragón’. No tengo foto del director. Esta noche actúan en Borradores dos estupendos músicos del CSMA: Enrique Bagaría, al piano, y Nora María Lastres, al violín.

AGENCIA EFE

El dúo Amaral ha sido galardonado con el Premio Nacional de la Música. El jurado ha destacado la capacidad del dúo para "trasladar al público los sentimientos de las jóvenes generaciones", "por su alta calidad artística", así como por su último disco 'Gato negro-Dragón Rojo'.

El dúo zaragozano Amaral ha obtenido hoy el Premio Nacional de Músicas Actuales, un galardón que concede desde el pasado año el Ministerio de Cultura y que está dotado con 30.000 euros, por su "aportación a la renovación del panorama musical actual".

El Premio Nacional de las Músicas Actuales, que en su pasada edición fue para Joan Manuel Serrat, recompensa la "meritoria labor del galardonado en el ámbito de estos géneros musicales" y, en este caso, el jurado ha destacado la capacidad del dúo para "trasladar al público los sentimientos de las jóvenes generaciones", "por su alta calidad artística", así como por su último disco 'Gato negro-Dragón Rojo'.

El jurado, presidido por el director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Félix Palomero, estaba formado por Dania Dévora, Rosa León, Diego Alfredo Manrique, Luis Mendo, Beatriz Pécker, Joan Manuel Serrat y ejercía como vicepresidente el Subdirector General de Música y Danza del (INAEM), Antonio Garde.

[Creo que fue en el otoño de 2006 cuando les hice esta entrevista a Eva Amaral y Juan Aguirre. Hace algunos años,  me hablaron del talento de Eva, camarera en el Azul, y le hice una entrevista de dos páginas para El Periódico de Aragón en una sección cuyo título me regaló Mariano Gistaín, como tantas otras cosas: Sangre fresca. Creo que era la primera página que le dedicaba nadie. Juan me dio algunos consejos para la entrevista, hice de cicerone para que fuera muy cuidadoso con aquella chica sensible, tímida, de una extraordinaria voz. Recuerdo que Eva me dejó una cinta con sus canciones y me acompañó una y otra vez durante algunas semanas en mis viajes La Iglesuela del Cid-Zaragoza, y viceversa. Siempre he sido un entusiasta de este dúo, pero eso no es ninguna novedad: tienen miles de  seguidores, empezando por mi hija Sara que sabe sus canciones y espera que hoy le compre el disco. Cuelgo aquí la entrevista por si a alguien le apetece conocer mejor a estos chicos espléndidos y talentosos que jamás renuncian de sus raíces. Están en el mundo, desde luego, pero están en Zaragoza, en Aragón, muy cerca de los creadores, de los músicos. No hay más que ver la lista final. Uno de mis sueños es que vengan a tocar un par de temas a Borradores alguna vez, algún día… Juan, por cierto, ha hecho la música del documental ‘Un dios que ya no ampara’ de Gaizka Urresti, inspirado en textos y experiencias de Miguel Mena y otros padres.]

-¿Cómo se lleva eso de, en menos de una década, pasar del anonimato a oír, como dijo Iñaki Gabilondo, que sois fundamentales, casi los salvadores del panorama musical en España?
-Eva: Escuchar eso en  boca de Iñaki nos puso “coloraos”. Yo pensaba "por favor, por favor, que lo esté oyendo mi madre". Por otra parte pienso que la escena musical de éste país y en particular la de Zaragoza es buena. Lo único que hace falta son espacios donde la gente se entere de que existen bandas de todos los estilos haciendo cosas interesantes.
-Juan: Nosotros solo hacemos canciones y el tiempo dirá lo que somos para la música española. Al final es el tiempo el que pone todo en su sitio.

  
 -¿Qué es más doloroso la impresión de que no llegas, de que eres invisible, o el vértigo de hacer un nuevo disco para seguir ahí, para mantenerte?
Eva: cuando la música es toda tu vida ocupas todo tu tiempo y tu energía en sacar adelante un proyecto con tus canciones y con tu visión personal de las cosas. Es doloroso ver que mientras tanto la gente que te rodea te pregunta como te va con " el grupillo" y te mira como si estuvieras loca por no buscarte un  trabajo “como dios manda”. 
Lo del vértigo de enfrentarse a un nuevo disco todavía no lo hemos sentido. Siempre tenemos muchas ideas que se convierten en canciones y entramos al estudio de grabación con ilusión y con muchas cosas que contar. Juan: los dos tuvimos momentos de frustración. Teníamos una necesidad casi física de hacer música y nos dábamos contra un muro lleno de dificultades. De todas formas no somos el único grupo que ha tenido alguna vez esa sensación, si no que se lo pregunten al montón de grupos de la ciudad.

 -Recordadnos cómo fueron aquellos momentos, los  pasos previos, aquella incertidumbre del dúo.

 Eva: antes te hablaba de los momentos duros pero también recuerdo muchísima gente que nos apoyaba, que creía en nosotros y que fue creando una especie de cadena humana formada boca a boca. Era muy emocionante cada día que pasaba, cada nuevo concierto y cada nueva oportunidad de que la gente escuchara nuestra música o se enterara de que había un chico y una chica de Zaragoza tocando de acá para allá que se llamaban Amaral.

Juan: nuestro primer concierto fue en Teruel, luego en Zaragoza en el casco viejo y cuando se acabaron los lugares donde tocar en la ciudad empezamos a tocar en otras ciudades con una acústica de 12 cuerdas y un distorsionador. El primer día que tocamos en Madrid nadie nos conocía, había cuatro gatos, lo recuerdo como si fuera ayer, además no ha pasado tanto tiempo. La verdad es que lo pasamos bien, había mucha ilusión y mucha inconsciencia, mucho atrevimiento. Sentí también que estaba tocando con la mejor cantante de este país, aunque en realidad eso ya lo sabía.

-¿Soñasteis en algún momento con tanto éxito?

Eva, Juan: ni remotamente, nunca lo esperamos, nos bastaba con escribir canciones y tocar. Ese era el verdadero éxito para nosotros y lo sigue siendo.

 
 -¿Cómo vivías la ciudad entonces, cómo percibías el panorama musical, qué os gustaba, qué os parecía muy prometedor?
Juan: sinceramente lo que mas me gustaba eran grupos anteriores a nosotros: Distrito, Más Birras y sobre todo Los Mestizos de Huesca. Fueron uno de los mejores grupos de rock&roll que ha habido nunca en España y aún lo sigo pensando. Lo tenían todo para triunfar: canciones, actitud y además eran de Huesca, una ciudad que siempre estuvo muy activa en cuanto a propuestas musicales. Aún hoy Juanjo Javierre me parece una verdadera “rock star”. Hace poco tuve el honor de tocar la guitarra en un disco suyo. En él hay una canción titulada Niño grande. Probablemente la mejor canción escrita en España en los últimos años.Eva: además de los grupos que ha mencionado Juan, recuerdo a “El Niño Gusano”, “Club Eléctrico” e “INK”, como algunos de mis favoritos.

 -Aparece el primer disco, y fue una leve conmoción. Siempre me ha parecido un disco espléndido  con temas  como “Dile a la rabia”, “Rosita”… ¿Tuvo el eco que esperabais, tenías la sensación de que ya era un gran disco o en realidad esa impresión no se tiene nunca?

Juan: siempre he creído que nuestro mejor disco está por llegar sin embargo en ese disco había canciones que me siguen pareciendo vigentes, sobre todo Un día mas,  1997: el año en que Allen Ginsberg murió, Rosita, Tardes, Voy a acabar contigo y sobre todo Habla.
 
  
 
 -Siento mucha curiosidad: ¿cómo surgen las canciones, los textos, la línea melódica, los arreglos, la voz? ¿Cómo es la trastienda en la que Amaral hace un disco? 

Juan: no hay una regla ni un sistema pero para que la canción se quede nos tiene que gustar a los dos.

Eva: hacemos de todo: componemos juntos, por separado, uno hace una letra y el otro le pone música o al revés, tenemos una secuencia de acordes y uno de los dos hace una melodía que tiene dentro una letra, comenzamos a partir de una línea de guitarra o de bajo o de cualquier otro instrumento… todas las combinaciones que te puedas imaginar.
 
 “Estrella de mar”, “Una pequeña parte del mundo”, fueron no sólo discos rotundos, se los aprendieron los niños y las niñas de la escuela. Y los adolescentes. Todo el mundo. Pasasteis a formar parte del imaginario de mucha gente. ¿Cuál creéis que es el secreto: la belleza de las canciones, la fuerza de la voz de Eva?

Juan: la verdad es que no lo se. Imagino que en un primer momento está la voz de Eva y las canciones y en segundo lugar una especie de sonido que corre paralelo a la voz y que la mayoría de las veces lo hacemos con guitarras, a veces con cuerdas. 

 
 Zaragoza os ha recibido con absoluto entusiasmo, en el Principal, en el paseo de Independencia, en los medios. ¿El triunfo que mejor sabe, en el fondo, tras haber triunfado por aquí y por allá, es el de casa?
Juan: siempre que tocamos en Zaragoza es especial. Hay más nervios, nos exigimos mas, la noche anterior no duermes…….en fin…….. esas cosillas. Queremos dar lo mejor porque es nuestra casa.Lo contrario es tocar muy lejos de casa y que entre el público haya personas de aquí. En Buenos Aires estaba entre el público el escritor Felix Romeo. La otra noche me hizo una crónica del concierto llena de entusiasmo. No te puedes imaginar como se agradece eso. En otros lugares de España como Barcelona se escuchan gritos de Oe maños oe. Nos gusta que la gente sepa de donde venimos… jejeje.

Eva: creo que todos los maños somos conscientes de que a veces somos más exigentes con la gente de la propia tierra. Así que agradecemos doblemente ese recibimiento tan cálido y entregado cuando jugamos en  casa.

 
 -¿Qué imágenes conserváis de esos dos conciertos?

Juan: yo recuerdo tocando Revolución en Independencia vacío por la tarde, nada mas llegar a Zaragoza, en la prueba de sonido. Veía las marquesinas de los autobuses y recordaba tantas veces helado de frío volviendo a casa de madrugada, esperando el bus. Luego por la noche el público fue increíble. Muchísimas gracias por el recibimiento. Habíamos pensado tocar en la campana de los perdidos la noche anterior al concierto de Independencia, al final no pudo ser por falta de vuelos entre Málaga y Zaragoza.

 
 -¿Qué se siente cuando todo el mundo corea las canciones? ¿Cómo es esa emoción, podíais ponerle palabras? 

Juan: imagino que esa es la base de la comunicación. A veces se escucha tanto la enorme voz del público que es difícil escucharte a ti mismo. Esto nos ha llevado a poner nuestros amplificadores a un volumen atronador.

Eva: es increíble callar por un momento y escuchar a todas esas miles de personas cantar al unísono una de nuestras canciones. No puedo ponerle palabras, lo siento.

 -Sé que lo habéis contado otras veces, pero qué fue lo que más os conmovió de vuestros conciertos con Bob Dylan.

Eva: el primero de los conciertos con Dylan fue en Benidorm y recuerdo cuando lo vi subir al escenario para probar sonido. Se agarró a una guitarra eléctrica y comenzaron a tocar una introducción absolutamente apocalíptica de "All along the watchtower". Se me erizaron todos los pelos del cuerpo. Toda la gira fue intensa y muy emocionante. Empezando por el hecho de tocar delante de Dylan, pero también por el excelente trato que recibimos por parte de todo su equipo y su banda.

Juan: Fue realmente emocionante charlar con él en Córdoba y escuchar en la prueba de sonido “Forever Young”.Para mi fue descorazonador no poder tocar porque tenía una lesión que me impedía agarrar la guitarra. Tuvimos que cancelar el primer concierto junto a Dylan en Barcelona. Se publicó en la prensa e inmediatamente muchos amigos se ofrecieron a ayudarnos. Ramón Arroyo, gran amigo de ambos y guitarrista de Los Secretos, se puso a sacar mis partes de guitarra para echar un cable a Eva.
Eva no quería tocar si yo no tocaba pero al final entre Jesús Ordovás y yo la convencimos de que ella sola con su acústica lo podía hacer. Yo tocaría en un par de canciones la armónica. Para mi fue importante ver que teníamos amigos músicos dispuestos a ayudarnos. También llegaron mensajes de apoyo a nuestra web de todas partes. Estamos muy agradecidos a todos por ello.  
 
 -Cuando se está tan arriba, ¿se sigue siendo mitómano?

Eva: es que cuando se tiene delante a Dylan no se está ni arriba, ni abajo, ni "na". Él es de otro planeta.

Juan: sinceramente no quiero pensar que estamos “tan arriba” prefiero pensar que nos queda mucho por aprender y no se si soy mitómano. En el caso de Dylan lo sigo desde que tenía 13 o 14 años, creo que mas que mitomanía es apasionamiento por la música en general.

 
 -¿Hacéis algo para caer bien a todo el mundo? ¿Cuál es el secreto de tanta unanimidad?

Juan: es imposible caer bien a todo el mundo. Incluso me parece normal que haya quien desconfié de nosotros por vender discos y todo eso. Lo entiendo pero no podemos hacer nada, lo mejor es reírnos un poco de todo empezando por nosotros mismos. Los muñecos de la portada tienen que ver con eso.
Eva: no se puede caer bien a todo el mundo. No podemos estar pendientes de eso o dejaríamos de ser nosotros mismos. Eso es algo que le dejamos a los políticos.

 
 -¿Cómo veis Aragón, como percibís Zaragoza en este momento? 
Juan: pues a mi Zaragoza me parece……..mas llena de coches que nunca, jejejeje.A ver cuando ponen un carril bici que funcione de verdad.
Eva: eso! Que el otro día iba pedaleando por el tramo de Vía Hispanidad y había coches aparcados encima del carril bici. Bueno, tampoco es que quiera convertir ésta entrevista en “Estudio de Guardia” (¡enhorabuena Miguel! ¡Ese pedazo de hijo predilecto! Je, je). Volviendo al tema del carril bici sería estupendo que cruzara la ciudad, que la gente pudiera ir al curro o a clase en bicicleta. En ciudades como San Sebastián puedes hacerlo y se agradece mucho.
 
 -¿Os gustaría participar de alguna manera en la Expo? ¿Qué debiera suponer la Expo para la música?

Juan: Recuerdo que cuando Zaragoza salió elegida estábamos en Londres grabando y lo celebramos todos, hasta los ingleses que decían “expou”.Sabíamos que en Zaragoza la gente estaba haciendo un “fiestón”.Imagino que en un primer momento todos nos dejamos llevar por el entusiasmo. Pero si nos paramos a pensar…..nos gustaría que los logros de la Expo se dejen sentir en la ciudad y que los disfrute la gente de la calle. De momento no veo que los barrios vayan a cambiar mucho por la expo. También me gustaría que no se aprovechen los especuladores y los listillos de siempre. Aunque no se si estos deseos son una utopía…..En fin……nosotros solo hacemos música…… ya se verá……… [El himno de la Expo, La tormenta llegará es suyo.]

 -¿Tenéis tiempo y ganas para seguir a los colegas de Aragón?
Juan: seguro que nos perdemos muchas cosas pero a mi me gustan los Violadores del Verso, Bronski, Estige, Atland, Mallacán y Alejandro Montserrat.

Eva: de los clásicos El galgo (los iremos a ver en el Pilar), Distrito 14, Gonso Alonso, La costa brava, Tachenko y Carmen París.
Eva & Juan: sabemos que se están haciendo cosas, como un disco de homenaje a Ixo rai o el disco recopilatorio que sacó el portal Aragón musical. Ahí escuchamos a Gen que es un grupo que nos mola.
Eva: hay sellos nuevos que se han atrevido a editar a Cuti y a Connie Corleone.
Juan: si se llama……discoslocos. A mi me suele llegar información de lo que hacen a través de internet.

Eva & Juan: la verdad es que todas estas iniciativas se merecen mucho mas apoyo de los medios y de las instituciones. Nos gusta mucho la música de Joaquin Pardinilla, grandísimo guitarrista que hizo un disco bestial llamado Mascún.

Juan: como rock destacaría Staff, el grupo de David Colás, un excelente guitarrista; igual que José Luis Arrazola.
Eva: En nuestra tierra hay mucho talento. Deberíamos ser los propios aragoneses los que empezásemos a creer en él.

OLGA Y LOS MINISTRILES EN ZARAGOZA

El grupo oscense presentó su disco ‘Zimbrea’ en el Centro Cívico Estación del Norte de Zaragoza.

El grupo oscense OLGA y los MINISTRILES actuó el pasado viernes en el Sala de Conciertos del Centro Cívico Estación del Norte de Zaragoza. El grupo interpretó las canciones de su disco ‘Zimbrea’ ante una sala completa de público que aplaudió efusivamente sus canciones. Ante la insistencia del público, Olga y los Ministriles volvió a escena e interpretó varias canciones de lo que será su segundo disco.  El momento más emotivo del concierto fue cuando se interpretó la ‘Albada’ del recientemente fallecido José Antonio Labordeta, que el grupo quiso interpretar en homenaje a su figura y con la que el público se emocionó dando una gran ovación.  Fue un concierto memorable, como los que ha ido ofreciendo este grupo desde su fundación, hace poco más de un año.

*Esta información es del grupo oscense, que también presentó su disco en 'Borradores'.

Las canciones de Bunbury y Héroes del Silencio cantadas por artistas de los dos lados del Atlántico.
Andrés Calamaro, Aterciopelados, Zoé, Phil Manzanera, Pereza, Bebe, Macaco, Jaime Urrutia, Shinoflow, Catupecu Machu, Quique González, Danza Invisible, Adanowsky, Sober, Ariel Rot, Ximena Sariñana, Iván Ferreiro, Saúl Hernández, San Pascualito Rey, Depedro, Raphael, Loquillo, son algunos de los más de 20 artistas que están en el homenaje.
Grandes artistas rinden tributo a Bunbury y a Héroes del Silencio recreando sus canciones en Hechizo, un disco espectacular.

Tanto Héroes del Silencio como Bunbury (o Bunbury y Héroes del Silencio, como prefieran) se lo merecían. Después de haber marcado pautas fundamentales del rock en castellano desde 1988 con canciones y discos que han superado la barrera del tiempo, era hora de que los mejores artistas latinos rindiesen su particular tributo a quienes, por méritos propios, han escrito su nombre en la historia de la música. Este homenaje se refleja en Hechizo, un álbum en el que más de 20 grandísimos artistas de seis países hacen su propia versión, su particular lectura de otras tantas canciones de Bunbury y Héroes del Silencio.

Hechizo no es un disco de dúos. En el álbum, los artistas hacen sus particulares versiones de estos temas, los recrean y los hacen suyos. Entre estos más de 20 artistas que han grabado Hechizo están Adanowski, Andrés Calamaro, Ariel Rot, Aterciopelados, Bebe, Jaime Urrutia, Quique González, Loquillo, Pereza, Zoe, etc.

Es el homenaje de grandes artistas del rock y el pop Bunbury y a Héroes del Silencio a través de sus canciones, con la creación imaginativa como premisa. Un álbum único que, por sus características y los artistas que participan, se convierte en un acontecimiento único, en uno de los discos que marcarán 2010.

*Nota de Zona de Compras / Zona de Obras.

Ciclo de Conferencias "Ópera y Poder".

La Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta, con la colaboración de Ibercaja, y dentro de sus actividades de fomento de la actividad lírica en Aragón, ha organizado un ciclo de conferencias sobre el tema "Ópera y Poder". Las conferencias tendrán lugar en el Museo Ibercaja Camón Aznar los próximos 20 y 29 de octubre y 5 y 10 de noviembre, siempre a las 19:00 horas.

El programa detallado es el siguiente:

- 20 de octubre:
Verdi y el poder político: el caso de Simon Boccanegra.
Alejandro Martínez (Universidad de Zaragoza)

- 29 de octubre:
El rol del gobernante en la ópera alemana, de Mozart a Korngold.
Javier García-Lomas (Universidad de Sevilla)

- 5 de noviembre:
Poder y religión en la ópera francesa.
José María Miranda (Universidad de Santiago)

- 10 de noviembre:
La ópera de Shostakovich en el contexto del estalinismo.
Juan Manuel Aragüés (Universidad de Zaragoza)

La Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta es una organización sin ánimo de lucro que cuenta, aparte de las aportaciones de los socios, con una subvención del Gobierno de Aragón. Su objetivo es el fomento de la actividad lírica en Aragón.

Ciclo A Cántaros en su 1ª edición 2010

Por Toño BERZAL

Quique González, uno de mis cantautores favoritos de ahora.

Estamos trabajando en el que será el Primer Festival de Canción de Autor “A CÁNTAROS”, hoy por hoy el único dedicado íntegramente a este tipo de música en nuestra Comunidad.

El Festival comenzará con la actuación de QUIQUE GONZÁLEZ en el Teatro Principal de Zaragoza el día 09 de noviembre. Presenta su nuevo trabajo titulado DAIQUIRI BLUES.

Paco Ibáñez, el sobrio cantante de los poetas.

Para clausurar el Festival, está prevista la actuación en el mismo recinto el día 30 de Noviembre, del legendario PACO IBÁÑEZ, considerado por muchos, el primer cantautor español.

Entre esas dos fechas, estamos elaborando un programa (consultar Agenda en permanente actualización) para desarrollar en otras salas, teatros, centros cívicos, pequeños bares de actuaciones, etc., no sólo de Zaragoza Capital, sino también del resto de Aragón.

La idea es aunar bajo un mismo programa, todo lo que tenga que ver con la Canción de Autor en Aragón durante el mes de Noviembre.

Arturo Hortas, un joven cantautor solidario de Aragón.

-Se puede ver y seguir el desarrollo del programa en

http://www.acantaros.com

Recibo una carta, más allá de la medianoche, de Edu Barbero, donde nos anuncia lo siguiente:

Andamos haciendo un homenaje con poesía visual a Labordeta aquí:

http://boek861.blog.com.es/2010/09/21/a-jose-antonio-labordeta-uno-de-los-nuestros-9430477/

Pueden mandar trabajos todos aquellos que lo deseen a equipovisual@gmail.com

Larga vida a Labordeta

UN ABRAZO

*Esta obra es de Eduardo Ugarte. Hay muchas más obras, canciones y poemas. Es muy sugerente. Un hermoso detalle, sin duda.

Por amor y cariño y admiración a José Antonio Labordeta, Manolo García canta una versión de 'Mai', la canción de Ánchel Conte, compuesta por Gabriel Sopeña, que interpretó Labordeta y que el pasado sábado, en el Especial de Labordeta que emitió Borradores, cantó Gabriel Sopeña con su magnífica guitarra.

Me manda el enlace el poeta y profesor Emilio Pedro Gómez.

http://www.youtube.com/watch?v=QRTxWTl93-M

http://www.youtube.com/watch?v=YyYdI7tfDJs

ÁLVARO SEBASTIÁN: EL MÚSICO DE LA LUNA ÁRABE

La música ha perdido, tras el golpe homicida del destino, a tres personalidades muy diferentes de la música: a José Antonio Labordeta, que ya es el cantor inmortal de vuelo libre; a la productora Lola Olalla, que había sido su representante y había encontrado el último solaz en el yoga, y al compositor y pianista Álvaro Sebastián (Bello, Teruel, 1922-Zaragoza, 2010), que fallecía hace algo más de una semana casi de puntillas.

Álvaro Sebastián deja un legado impresionante: más de 400 temas grabados, repartidos en un centenar de discos, sobre todo singles, el más famoso es ‘Esa será mi casa’, con letra de Fons-Carnicer, que popularizaron Franciska y sobre todo Nino Bravo. Además dirigió casi una docena de orquestas y grupos, vivió en Oriente durante casi catorce años, cuatro de ellos en Teherán, en una aventura que hace pensar en Los 3 Carino, que contó en ‘Artes & Letras’ el escritor y periodista Miguel Mena.

Su mujer Pilar López dice, desde el ruidoso dormitorio familiar que da al paseo Fernando el Católico, que “el amor a la música fue constante, hasta sus últimos días” y lo define como un hombre metódico que se inclinaba hacia la música moderna sin perder de vista la clásica.
En 1986 había confesado a Santiago Velasco, de ‘Heraldo de Aragón’, que su compositor favorito era Richard Wagner.

Álvaro Sebastián nació en la localidad de Bello en 1922. Su padre era el maestro de la banda local. A los dos años, se trasladó a Atea. Álvaro solía recordar que aprendió música antes de aprender a leer: recordaba que su padre, que fue su “primer maestro”, dominaba casi todos los instrumentos y que le contagió esa pasión. Subrayaba que “se defendía regularmente” con las otras asignaturas, pero tenía una facilidad innata hacia las melodías.

Con ocho años ingresó en los Infanticos del Pilar, que fue una magnífica escuela para él. Le contaba al periodista Santiago Velasco que “yo era allí enteramente feliz. Recuerdo que algunas veces, cuando no venía el maestro José Borobia, el organista, yo era el encargado de tocar el órgano del Pilar con diez y once años”.

Zaragoza, Pineta, el mundo

Permaneció allí cuatro años, le gustaba mucho vivir cerca de la Basílica del Pilar, y salió para vivir otra aventura extraordinaria. Su viuda Pilar López recuerda que “cayó enfermo del pulmón y lo enviaron a una especie de colonia infantil en el valle de Pineta para que se curase. De repente estalló la Guerra Civil y él se quedó aislado, en la zona republicana, de su familia que estaba en Zaragoza”. Poco después, a algunos niños los trasladaron a Rusia y a él a Barbastro, y luego a Salas Altas. Estuvo alrededor de tres años viviendo con una familia en el campo. Álvaro Sebastián decía que había sido un tiempo perdido y a la vez un tanto bucólico. Logró volver a casa y acabó la carrera de música en el Conservatorio en tres. Hizo los “ocho cursos completos” en tres años.

Mientras decidía su futuro, su padre lo empleó en Abastos, donde él trabajaba, y hubo un momento en que no sabía muy bien qué hacer. Así lo explica su esposa: “Primero trabajó aquí, luego se fue a Barcelona y estuvo allí dos años. Luego regresaría a Zaragoza”. Asegura su viuda que estudió canto y piano con Madame Pierrick, la mujer que descubrió a Miguel Fleta, y con Pilarín Pascual.

Álvaro Sebastián decía que tenía que decidirse por Zaragoza o Barcelona y por la música clásica o la moderna. Optó por esta última y con dieciocho años debutó como director musical de la sala Elíseos de Zaragoza, cargo que ocupó durante siete años; le pagaban por noche entre 40 y 50 pesetas, menos de medio euro. “Allí lo conocí yo. A veces dirigía hasta dos orquestas”. El programa de mano decía: “Álvaro Sebastián y su famosísima orquesta Elíseos con su cantante José Cano y el célebre conjunto de solistas”.

Al año de noviazgo se casaron y decidieron pasar la luna de miel enrolados en una compañía teatral, donde Alvaro ejercía como “maestro concertador”. Estuvieron en Pamplona, en Madrid, luego se trasladaron a Gibraltar y, finalmente, Álvaro Sebastián trabajó en el Novedades y El Buena Sombra de Barcelona. Parecía que todo iba a ser correr y cantar: el pianista José Rovira lo reclamó para inaugurar con un pequeño grupo El Elefant Noire de Beirut. Y de allí pasaron al Casino de Oriente, en Damasco, donde iba a nacer su primera hija, Marimar.

El azar extendía su mano de buena suerte: “Estando en Beirut, casualmente, caminando por la calle, me encontré con mi amigo Mario Barceló”, que era el director del Price de Madrid. Le ofreció trabajar con él de pianista y se marchó a Teherán, una ciudad que será determinante en su existencia. Entre unas cosas y otras residió allí cuatro años y formó varias orquestas: primero la orquesta ‘Antonio Vargas’ y luego el quinteto de ‘Los Maños’. Sebastián decía siempre que con él cosecharon bastantes éxitos. Declaraba a HERALDO: “Aquella es una ciudad extraordinariamente interesante. Llegué a tener la residencia allí. Conseguí bastante fama. Todo empezó un poco por casualidad. Un chico armenio, que me había visto tocar, me ofreció hacerle los arreglos a un sobrino suyo, cantante. Se los hice y tuvo un éxito tremendo, hasta el punto de que se hizo multimillonario. Eso me dio a conocer con arreglador de música moderna en temas orientales. Hice unos cien discos y arreglé la música para una diez películas árabes”.

Con la orquesta de Radio Irán

En ese mismo periodo, Álvaro Sebastián fue nombrado director de orquesta de Radio Irán, que iniciaba sus programas con una jota aragonesa. Allí, en Teherán, nacería su segunda hija Aída. Álvaro Sebastián ha contado en entrevistas de época que luego el quinteto se fue a Chipre, El Cairo, Beirut, trabajó en Micheleta, donde fueron reclamados para hacer la gira de su vida: seis meses por Japón. Durante un tiempo estuvo en una especie de incertidumbre: entre Barcelona, Zaragoza y el mundo. No sabía bien a qué carta quedarse: echaba de menos a las niñas, internas primero en Montpellier y luego en Zaragoza. Y un día decidió quedarse para siempre en la ciudad del cierzo. Abandonaría la orquesta y formaría un cuarteto, ‘Los Toreros’. Una de sus últimas formaciones volvió a ser una orquesta, en este caso se llamaba como el cantante: la Orquesta Sergio Ros, donde permaneció otros dos años. Álvaro Sebastián abrió y cerró Cancela y vio pasar por allí a personajes como Josephine Baker, Estrellita Castro, Jaime Morey, Olga Guillot y Lolita Sevilla, entre otros.

“Álvaro Sebastián tocaba con el alma. Era un hombre con alma y sensibilidad. Para él la música era su vida. Solo he tenido celos de la música; mi única rival ha sido la música. Todos los proyectos eran sus hijos”, recuerda Pilar López, y parece asentir su hija Aída. Ella conserva los papeles y las fotos y los programas de mano de su padre. Miguel Ángel Tapia, pianista y director-gerente del Auditorio, dice que “Álvaro Sebastián era uno de esos músicos capaces de hacerlo todo: eran versátiles, sabían arreglar una pieza y parecían llegar a todo. Su trayectoria es muy valiosa. Ya no existen profesionales así”. Después lo contrataron para trabajar en el Club Escuela de Gimnasia Rítmica de Zaragoza, donde hacía de todo: componía, arreglaba, acompañaba cualquier detalle. Su calidad no ofrecía dudas: lo quiso contratar la Federación española, pero ya no tenías ganas de salir de aquí.

Se sentía esencialmente compositor. E intérprete. Volvió a tocar en El Marqués en un dúo con violín y en una orquesta. Nunca quiso dejar del todo las salas.

*El pasado jueves, ‘Artes & Letras’ recordaba a este músico turolense, nacido en Bello y criado en Zaragoza. Próximamente colgaré otro texto complementario sobre sus músicas para cine y para autores tan diferentes como Nino Bravo, Lolita Sevilla, Franciska, Ino Blasco, Pat Boone (que grabó 'Paz en la tierra', los hermanos Anoz, sus colaboraciones con Labordeta o sus bandas sonoras para películas árabes. O aquel 'Himno a la Hispanidad' que se grabó con letra de José María Ferrer, 'Gustavo Adolfo'. En la foto, con el quinteto 'Los maños'. Agradecería cualquier nuevo dato sobre Álvaro Sebastián.

Chorche Romance, periodista y amigo, despidió así, en aragonés, José Antonio Labordeta en su blog.

Dica siempre, Labordeta

(http://www.purnas.com/2010/09/19/dica-siempre-labordeta/)

Por Chorche ROMANCE

Se mos va parti de l’alma d’iste pais. Se mos va lo cantor que mos facio recuperar l’autoestima. Se mos va la voz d’Aragon. Tantas vegadas, tantas y tantas vegadas. Dende o suyo esmo libertario y d’asti t’alla, Labordeta mos ha feito sentir aragoneses. Mos ha feito cantar a la libertat. Mos ha feito sentir, vivir y creyer. A suya idiosincrasia yera tan especial que a totz de vegadas mos ha puesto en contra, pero sobre tot, a totz mos ha metiu a favor mas vegadas encara.

Si yo pienso como pienso y soi como soi tamien ye por ti, Labordeta. De sentir as tuyas cantas, de pasar una y atra vegada as viellas cintas y LP prencipie a aimar iste pais nuestro. A voz tuya ye a voz nuestra, y ixo mos dixas. Mos dixas Aragon, Somos, Ya ves, La vieja, o Canto a la Libertat que ye l’imno d’iste chicot pais nuestro que tanto aimes. Se me borran as parolas mientres las escribo. I abra glarimas agora que mueres. I abra bellas glarimas de cocodrilo tamien, pero no m’alticaman. Te debemos una, abuelo, te debemos continar luitando por a libertat, por o pais, por as chentz que abion de marchar y por os que en tornemos, tamien por os que siempre estioron.

Dica siempre, Labordeta. Dica agora. Te’n vas pero lo tuyo esprito remane bien fundo en a tierra, con os de tantos atros que han feito d’Aragon lo que ye.

Huei sentirez muitas cantas d’el, pero sentindo ista, siento o suyo testamento vital. Que a tierra te siga leu, companyer. Entalto Aragon.

Ya ves
que vamos avanzando
cumpliendo este camino
no lo sé
ya ves.
ya ves
que vamos recordando
creciendo hacia el ocaso
no lo sé
ya ves.

Ya ves
qué pálidas palabras
se pierden en la noche
sin hallar solución.

Ya ves
que hemos ido surgiendo
de inciertas duras voces
de desesperación.

Recuérdame
como un árbol batido
como un pájaro herido
como un hombre sin más;
recuérdame
como un verano ido
como un lobo cansino
como un hombre sin más.

Ya ves
que fuimos agrietando
los muros mantenidos
no lo sé
ya ves.

Ya ves
que estamos añorando
unos niños perdidos
no lo sé,
ya ves.

Ya ves
que voces diferentes
se cruzan en el alba
buscando la verdad

Ya ves
que fuimos puente herido
de abrazos detenidos
por ver la libertad.

Víctor Ibáñez:

Hemos creado un grupo dentro de Facebook para que el Parque Primo de Rivera de Zaragoza pase a llamarse Parque José Antonio Labordeta. El grupo se llama Parque José Antonio Labordeta. Esperamos vuestras adhesiones, cuantos más seamos más fuerza tendremos para conseguir este homenaje ciudadano a nuestro paisano. Es éste:

 http://www.facebook.com/?sk=2361831622#!/group.php?gid=149132051792188

Tomo esta foto del blog de Mariano Gistaín, que ha escrito:

"Labordeta ha fallecido: tus amigos somos infinitamene huérfanos. Siempre estarás con nosotros".

Luis Grañena me envía esta espléndida caricatura de Mauricio Aznar (Zaragoza, 1964-2000), el gran cantante de rockabilly, de rock and roll y de música popular al que Almagato le rinde homenaje el sábado 25 en el Centro Cívico Universidad a las siete de la tarde.

Recibo esta carta de Jaime González:

El sábado 25 de septiembre de 2010, a las 19.00, en el Centro Cívico Universidad, los Almagato daremos un concierto en recuerdo a nuestro amigo Mauricio Aznar, que nos dejó hace diez años. Lo haremos con sus canciones, las que él compuso en el estilo del folklore argentino que decidió seguir tras separarse de Mas Birras. La entrada: 10€

 Os esperamos

 Más información: www.losalmagato.com

El grupo Almagato actúa este próximo martes en Borradores. Tocan dos temas de Mauricio, letra y música, ‘Anda velando’ y ‘Pa que no bailes solita’, y Jaime González y Alicia Fernández recuerdan la trayectoria de Mauricio Aznar y su interés por el folclore argentino y la trayectoria de cantantes como Atahualpa Yupanqui. [Los Almagato son Jaime Lapeña, Patricia Badian, Alberto Moreno, Maribel Lardiés, Jaime González y Alicia Fernández]. Unos días después, Almagato repetirá el concierto en La Campana de los Perdidos.

Álvaro Sebastián dejó de tocar para siempre el miércoles. Director de orquesta, compositor y pianista, había nacido en Bello (Teruel) en 1922 y había sido infantico del Pilar. Durante la Guerra Civil estuvo en las colonias de Barbastro. Estudió en el Conservatorio de Zaragoza. En Barcelona, hacia 1953, realizó una gira de casi un año con Antonio Machín, y pronto fue reclamado por diversos países de Oriente. Casado con Pilar López, vivió y actuó durante catorce años en un montón de países, desde Irán a Japón; iba al frente de la Orquesta Los Maños y también dirigió la orquesta de Radio Irán. Su hija Mari Mar nació en Damasco; su hija Aída, en Teherán. Allí combinaba los lentos sonidos de esos países con las músicas occidentales en boga: el chachachá y el rock. En 1968, le decía a Alfonso Zapater que “todas las orquestas solicitaban mis arreglos”. Regresó a Zaragoza e inauguró varias salas de fiestas como Micheleta o Cancela, donde coincidió con Josephine Baker. También tocó en El Marqués; a veces lo hacía en un dúo de piano y violín. Álvaro Sebastián amaba la música con locura: tenía una gran facilidad para componer e improvisar, y se movía como un pez en el agua en el ámbito de los ritmos populares: el bolero, el tango, el rock, la balada. Una de las facetas más importantes de su carrera ha sido su condición de compositor: escribió ‘Esa será mi casa’ para Nino Bravo, compuso para Luciana Wolf, Franciska, Lolita Sevilla, Nito Pinilla, Corita Viamonte o, más recientemente, para María Alegría e Ino Blasco. En los años 60 y 70 había encontrado en José María Ferrer, locutor y poeta conocido por ‘Gustavo Adolfo’, a un amigo y a un letrista ideal. Se ha ido en silencio a los 88 años, pero deja temblando aquí y en las noches de Irán la música de sus dedos, su pasión por la melodía.

*Este texto apareció ayer en ‘Cuentos del domingo’, mi sección dominical en Heraldo de Aragón. Esta espléndida foto es del grupo de Álvaro Sebastián; él está a la derecha al piano. La foto la he tomado de la página visitadísima de Rafael Castillejo y pertenece a la colección de Antonio Lahoz.

El próximo dos de octubre se cumplen diez años de la muerte de Mauricio Aznar, el músico que participó en Más Birras y en Almagato, entre otras formaciones. Almagato le rendirá un homenaje. El músico y diseñador Jaime González le hizo este dibujo. Almagato graba el lunes en Borradores para anunciar el concierto y recordar al rockero y payador nacido en 1963 y fallecido en 2000.

Hace un par de días, Heraldo de Aragón publicaba un amplio reportaje sobre la muerte del jotero Mariano Arregui. El corpus central del artículo, muy emotivo, lo firmaba Ana Usieto, coordinadora de ‘Muévete’, el suplemento de ocio y tendencias que sale los viernes. Había una copla de Miguel Ángel Yusta y un texto, valorativo y erudito, de la persona que probablemente más sepa de jota en Aragón: José Luis Melero Rivas. Pepe está de vacaciones en Salou con su familia, mañana parte hacia Francia para ver el país y la tumba de Antonio Machado en Collioure y la de Paul Valery en Sete. Antes me ha mandado el texto. Aquí está.

En la muerte de Mariano Arregui

Por José Luis MELERO RIVAS

Hoy los millares de aragoneses de toda condición que amamos la jota nos sentimos más solos y desvalidos. Ha muerto el gran Mariano Arregui Canela, el cantador de Ricla, el hombre que entregó lo mejor de su vida para preservar, difundir y enaltecer la jota aragonesa. Fue Mariano Arregui uno de los más extraordinarios cantadores y artistas que eligieron la jota como modo y vehículo para expresarse. No podía ser de otra manera en quien sentía a Aragón tan adentro.

Arregui fue cinco veces Premio Extraordinario del Certamen Oficial de Jota. Sólo él, Vicente Olivares y Nacho del Río han logrado ganar en cinco ocasiones el más prestigioso Certamen de Jota del mundo, el campeonato del mundo de jota aragonesa. Formó con ellos, en estos últimos cuarenta años, el gran triunvirato de generales que ha comandado el canto de la jota. Con José Oto fallecido, con Jesús Gracia, el inolvidable maestro de los tres, retirado de los concursos, y con un José Iranzo que apenas se saltaba su costumbre de no acudir al Teatro Principal en octubre para luchar por ese Premio Extraordinario, Mariano Arregui decidió tomar el testigo de todos ellos y los aficionados comprendimos en seguida que él iba a ser el más grande durante años, el hombre que se echara al hombro el sagrado legado de la jota y mantuviera vivas, vibrantes y relucientes las viejas tonadas que cantaron nuestros abuelos, los estilos tradicionales que inmortalizaron Miguel Asso, Juanito Pardo o Cecilio Navarro.

Mariano Arregui fue un cantador valiente como pocos, de esos que arriesgan la vida en el escenario. Siempre se atrevió con los estilos más bravíos, con los más comprometidos, con esos que pueden dejarte en evidencia si no los cantas con la pasión y el arrojo que se ponen en las cosas de verdad importantes. Cantó como sólo pueden hacerlo unos pocos elegidos las femateras, los estilos de la fiera y de la fiera antigua, el “de la del albañil” o el Baldomero, y fue un rondador excepcional.

En 1974 José Iranzo, “El Pastor de Andorra”, acudió a competir al Premio Extraordinario del Certamen Oficial de Jota. De no ocurrir una desgracia, todos sabíamos que un mito viviente de la jota como él iba a ganar el concurso. Así fue, en efecto, e Iranzo logró con todo merecimiento su único Premio Extraordinario. Aquel día de fiestas del Pilar su rival directo fue Mariano Arregui, que de no tener en frente a una figura estratosférica como la de Iranzo hubiera ganado otro Extraordinario más. Cuando le tocó rondar, Arregui sacó pecho, introdujo sus pulgares en la faja, miró al público desafiante y comenzó a entonar “En la burra mando yo”, una de las cantas que más le gustaban. Pocas veces se habrá oído en el Principal una rondadera con tanta emoción. Era mi primer Certamen. Nunca lo he olvidado. Iranzo y Arregui me ganaron para la jota y siempre estaré en deuda con ellos. Ahora Mariano nos ha dejado, pero todos debemos comprometernos a no olvidar que gracias a hombres como él Aragón sigue siendo un territorio vivo, que cuida de su folclore y sus tradiciones y que quiere legar a sus hijos más jóvenes la herencia que recibió de sus mayores. Y la jota es una parte sustancial de ese legado.

Mäbu, María Blanco, y su banda. Acaban de grabar su primer single, en realidad son cinco canciones, tres temas originales y dos versiones muy personales, canciones llenas de fuerza, de encanto y de belleza. Y de frescura. El disco se titula ’Hallo’.

También he oído varias veces el disco de La Bien Querida, melancólico, suave, tiene un aroma a Suzanne Vega, con un corte especial en las canciones y un punto de languidez. Me la descubrió mi hija Aloma y su álbum me ha acompañado mucho en el coche.

Retrato de otra joven estrella, Anni B. Sweet, que ha realizado el Colectivo Anguila: Pedro Hernández e Iván Moreno. Abajo, otro cuidado retrato de esta cantante tan personal.

Otra cantante, solista, con mucho talento: Alondra Bentley.

Otra musa del pop que canta en inglés con un aire particular, con inspiración y embeleso: Russian Red. La oí en el Teatro Principal y me pareció estupendo, con esa melancolía especial, con su voz arrastrada y dulce...

La madrileña Merche Corisco publicó en 2009 su tercer disco, 'Oasis'; antes había hecho otros dos, uno en 1996 y otro en 2000. Incluso ha cantado, gracias a la tecnología, una versión de una canción de Cecilia con ella.

MÚSICA PARA PIANO EN ZARAGOZA

RUBÉN LORENZO EN EL FORO ROMANO

Por Beatriz GIMENO ARLANZÓN

Con el título “Música para piano en Zaragoza”, el pianista zaragozano Rubén Lorenzo nos reúne en torno a esta cita con el pianismo aragonés: ‘en Zaragoza’ porque de los autores –músicos y músicas– de las obras unos son locales y otros no, unos se formaron aquí, otros se instalaron en la ciudad y algo les ‘atrapó’, otros enseñaron en ella, y otros viven hoy en ella y de vez en cuando se marchan. De cualquier manera, se trata de música que o bien se escuchó en los teatros y escenarios locales, o vio la luz en la prensa musical zaragozana, o bien va a ser éste el momento de conocer la obra de algunos compositores de la actualidad aragonesa.

Una intención clara de presentar parte de nuestro patrimonio musical desconocido está presente en este programa y ha sido el motor, además, que puso en marcha la selección de las obras a interpretar: esta inquietud por lo desconocido caracteriza desde hace algún tiempo el trabajo interpretativo de Rubén Lorenzo –a quien agradezco la información recibida–, trabajo al que acompaña siempre su interés por la investigación de todo lo que rodea a los autores que interpreta y sus obras, y más recientemente por lo que concierne al piano y su enseñanza en la Zaragoza de finales del siglo XIX, o por lo que aconteció en el pasado musical de su ciudad natal.

Por un lado, las obras de Domingo Olleta, Ramón Roig, Ruperto Ruiz de Velasco y Vicente Zurrón proceden de la investigación realizada para mi tesis doctoral, en la que se recupera una porción considerable de la producción musical que vio la luz en la prensa especializada zaragozana durante la Restauración, llegando a reunir más de setenta obras. Y, en esto, Rubén Lorenzo es el artífice de su difusión.

Pero también es el intérprete de un programa tan sorprendente como el de hoy, que nos brinda la oportunidad de conocer más música de Joaquín Broto –a quien el pianista le debía el estreno de sus Arrullos–; música dedicada por sus creadores a la gran Pilar Bayona: una obra de su maestra Ángeles Sirvent como ejemplo de piano de Salón –género que ocupa gran parte de investigaciones musicológicas recientes en el ámbito nacional–, otra de Ángel Mingote, del arquitecto y músico Manuel Martínez Chumillas y un Nocturno de estética impresionista de Carmen Ledesma, discípula de Ángeles Sirvent. Las obras recogidas bajo el epígrafe ‘El entorno de Pilar Bayona’ y dedicadas a ella proceden del Archivo que lleva su nombre, y que con tanto celo siguen construyendo su sobrino, Antonio Bayona, y Julián Gómez.

También la compleja composición de Víctor Rebullida supone una primicia, junto con la de Fernando Félix Pérez Ferrer –a quien muchos conocemos desde nuestros años de formación musical–, y nos podremos adentrar en el piano flamenco con la jota del joven pero ya prolífico Miguel Ángel Remiro.

Todo este material compositivo –y el de próximos conciertos de este tipo– podría constituir parte de los fondos del tan deseado Archivo de Música para nuestra ciudad –indepe ndientemente del de las Catedrales–, un centro cuya creación se hace cada vez más necesaria, una institución que acogiera Archivos personales y familiares y con un Centro de Documentación integrado en el que poder no sólo reunir y conservar ese patrimonio cultural, sino los legados presentes hoy dispersos y las futuras donaciones: un espacio como punto de encuentro de compositores, intérpretes, investigadores y oyentes.

Sin duda, el programa que se presenta en el Foro romano es de lo más atractivo, inusual e interesante para el público zaragozano y para quien quiera acudir a la cita: además de los tres estrenos absolutos, la gran mayoría de las obras

seleccionadas suponen primeras audiciones, en la ciudad y, cuando menos, en muchas décadas. Un concierto para disfrutar.

Rubén Lorenzo. Música para piano en Zaragoza. Del siglo XX a nuestros días. Foro Romano. Próximo 20 de agosto de 2010. A las 21 horas.

Labordeta, visto por José Luis Cano.

La de ayer fue una tarde especialmente emocionante. Empezó con la lectura de algunos poemas de José Antonio Labordeta –participaron, entre otros, Guinda, Calero, Romeo, Daniel Gascón, Miguel Ángel Yusta, Miguel Mena, Helena Santolaya, Emilio Lacambra, Manuel Forega, personas del público, etc.- y continuó luego en la iglesia de Santa María de Veruela –diría Eva Amaral: “Me encanta estar aquí, es un orgullo, Labordeta es un referente cultural (…) parece que estemos en la misa de gallo”- con el concierto de muchos artistas aragoneses y nacionales, desde el grupo de jazz de Tarazona y alrededores hasta la despedida de  Paco Ibáñez, que cantó ‘Corazón’, una canción vasca en euskera, y ‘Piedra pequeña’ de León Felipe, y una canción italiana al alimón con Marina Rossell, que había estado estupenda de voz, de intención y de dulzura.

Labordeta con sus dos nietas. Foto de Heraldo.

Por citar algunas piezas y algunos momentos: Daniel Zueras cantó ‘Somos’ acompañado de Nacho Abril a la guitarra, un tema al que le dio su sello personal, el cantante ultima disco para noviembre; Elena Rubio cantó ‘a capella’ con brillo y temblor uno de los temas más populares de Labordeta, ‘La albada’; María José Hernández le rindió homenaje con una extraordinaria versión de ‘Mar de amor’, las dos estuvieron acompañadas a la guitarra por Joaquín Pardinilla; Moncho Otero hizo una versión de ‘Regresaré a la casa’, y acompañó a Pablo Guerrero en su emocionante versión de ‘Ya ves’ (Guerrero habló con José Antonio poco antes del concierto y estaba emocionado: la vida tampoco ha sido nada fácil para él) y el público se lo agradeció porque se encontró con un artista intenso y frágil, entregado, que intenta mantener el rescoldo de su voz y de su hondura; Javier Ruibal cantó dos de sus temas que mezclan el amor, el deseo, la sensualidad, dentro de esa música mestizaje en la que se cruzan y se amasan el flamenco, la música árabe, los sonidos mediterráneos. Y Amaral, Eva y Juan, bordaron su actuación con ‘Noche de cuchillos’, una versión muy medida y hermosa de ‘Banderas rotas’ y un adelanto de su nuevo disco, ‘Algo salvaje’, marchoso y muy personal. Hubo maravillosas interpretaciones, que fue presentado la actriz María José Moreno, que despeinó su pelo rojo y su emotividad cuando anunció a Pablo Guerrero y a Paco Ibáñez.

En las fotos, Amaral, María José Hernández y Paco Ibáñez.

Hubo más actuaciones: Franco Deterioro, con su humor habitual y su sentido del show, el músico además acompañó a Elvira Lozano, que leyó uno de sus poemas; Ludmila Mercerón, que tocó dos temas; Alime Hume y Luigi Máraez, que tocaron tres temas, en uno de ellos Luigi versionó con profundidad y sentimiento un poema de Labordeta en homenaje a su padre, etc. También se presentó ‘Mar de amor. Canciones’ de Olifante / DPZ, Rogelio Blanco (Director General del Libro, de Archivos y Bibliotecas) fue la única autoridad, aragonesa y nacional, que se trasladó al homenaje del Medalla Alfonso X el Sabio y Doctor Honoris Causas por la Universidad de Zaragoza. Eso sí, Labordeta no pudo estar pero estuvieron sus hijas Ana y Ángela, y sus nietas Marta y Carmela. Ingrid Magrinyá presentó una coreografía; Helena Santolaya, que esperaba a ser abuela, Ricardo Calero y Javier Lapuente exhibieron distintas instalaciones, y un sinfín de escritores, artistas y público arroparon el homenaje.

Un espectáculo así siempre puede ser mejorado, pero Trinidad Ruiz y Marcelo Reyes por Olifante, y todo su equipo, así como Bruno Galindo, y todo su equipo por la DPZ, desplegaron un intenso trabajo. La pena fue que mucha gente se quedó fuera porque el límite de aforo era de 1.500 personas. Imagino que para otra vez se establecerá una reserva de localidades.

Olifante publica el libro Mar de amor. Canciones de José Antonio Labordeta, una selección de unas cuarenta canciones del compositor e intérprete. No son la totalidad porque ese es un empeño mayor en el que andan metidos desde hace años Luis Ballabriga y Antonio Pérez Lasheras. El escritor, traductor y guionista Daniel Gascón ha redactado la solapa del volumen, todo de color azul. La foto es de Heraldo: José Antonio firma un ejemplar de sus memorias ’Regular, gracias a Dios’ (Ediciones B).

 RETRATO DE LABORDETA

Por Daniel GASCÓN

José Antonio Labordeta no sonríe mucho en las fotos. Sin embargo, yo lo he visto sonreír muchas veces, y en esos momentos tiene la expresión de un niño que acaba de romper un escaparate.

            Cantante, poeta, narrador, político y profesor, Labordeta es el aragonés más importante de las últimas décadas. Encarna como pocos los valores de una izquierda democrática, del amor hacia la cultura, Aragón y la libertad, de la memoria de Zaragoza y el mundo rural, de la atención a lo local y a lo universal, de la pasión por la poesía y la belleza y por las pequeñas cosas y la gente pequeña. Es un ilustrado y el  hombre con el que todos querrían tomar una caña. Pero además ha conservado siempre una rabiosa independencia, una gran curiosidad por el mundo y los jóvenes, y un sentido del humor salvaje. Esas virtudes también están en sus canciones. Tienen una ironía brassensiana, frases inolvidables, imágenes cinematográficas y una autenticidad excepcional: Labordeta es el único artista que conozco que no parece un impostor cuando emplea la primera persona del plural. Algunas de sus canciones más hermosas hablan de amor, y revelan otra característica esencial: una ternura pudorosa y emocionante. Otras canciones de Labordeta tienen un paisaje de perdedores: pueblos sin gente, banderas rotas y santos que se quedan sin cabeza. Pero –por usar sin impostura la primera persona del plural- sus palabras, su humanidad y su talento han hecho que ganemos todos.

Hoy gran homenaje a José Antonio Labordeta en el monasterio de Veruela.

He aquí, de nuevo el programa:

31 de julio, Monasterio de Veruela

• Todo el día: Book Crossing en el Monasterio 

11.00 h :: Museo  del Vino

• Intervención del Sr. Presidente del Consejo Regulador de la D. O. Campo de Borja, D. Gregorio García Chueca.
• Lectura de los poetas: Almudena Vidorreta, Carlos Vitale, Elena Medel, Moshen Emadi, Nacho Escuín, Nuria Ruiz de Viñaspre y Yuri Talvet. Presenta María José Moreno.
• Actuación del grupo Ensemble Cordiale.

 16.00 h :: Claustro. Sala Capitular

• Lectura de los poetas: Almudena Vidorreta, Carlos Vitale, Elena Medel, Moshen Emadi, Nacho Escuín, Nuria Ruiz de Viñaspre y Yuri Talvet.
• Intervenciones y lectura de poemas de José Antonio Labordeta a cargo de Emilio Gastón, Pepe Melero, Félix Romeo, Emilio Lacambra, Antón Castro, Teresa Agustín, Ángel Guinda, Miguel Mena, Chesús Yuste, Túa Blesa, Elena Pallarés, Fernando Ferreró, Marta Navarro, Mariví Nicolás, José Luis Rodríguez, Alfredo Saldaña, Manuel M. Forega, Miguel Ángel Yusta y Antonio Pérez Lasheras.
• Presentación de Mar de amor. Canciones de José Antonio Labordeta, editada en Olifante por Antón Castro y patrocinada por la Diputación Provincial de Zaragoza. 
• Speakers: Mª José Moreno, Carmen Ruiz Fleta y Alfonso Desentre.

 19.00 h :: Iglesia

• Actuación musical de: Amaral, Elena Rubio, Franco Deterioro, Gold Night Jazz, Javier Ruibal, Joaquín Pardinilla, Louisiana, Ludmila Mercerón, Luigi Maráez & Âlime Hüma, María José Hernández, Marina Rossell, Mr. Pendejo, Moncho Otero, Angi Ruiz, Daniel Zueras, Pablo Guerrero y Paco Ibáñez
• Danza: Ingrid Magriñá
• Acción de Ricardo Calero: Habrá un día en que todos...
• Colaboración artística: Helena Santolaya, Mariángeles Cuartero y Javier Lapuente
• Poesía en la calle: Victoria Puig
• BookCrossing en el Monasterio

El Trío Salduie –compuesto por José Luis Gallego (violín), Nuria Gañet (violoncello) y Consuelo Roy (piano)- acaba de grabar el disco ‘Integral de obra de cámara con piano’ del compositor y violinista aragonés Simón Tapia-Colman (Aguarón, Zaragoza, 1906-México D. F. 1993), exiliado en México a los 33 años. Consuelo Roy asume la voz de sus compañeros y se acerca, en esta entrevista, a este proyecto: al músico, a su forma de trabajar, a su estética y parentesco con la música española y a la grabación del álbum.

Empecemos por la figura de Simón Tapia-Colman. ¿Cómo lo podríamos definir?

Como ser humano, un hombre de gran integridad moral y excelente sentido del humor. Siempre con la mirada puesta en el futuro, con una gran capacidad para perdonar y para vivir sin rencor. Su carácter baturro, del que nunca dejó de enorgullecerse, le hizo sobreponerse a todos los retos a los que la vida le enfrentó. Fue un hombre agradecido a la vida. Como músico, y a pesar de ser tan injustamente desconocido, uno de los compositores aragoneses más importantes de todos los tiempos.

Él aglutinó dos tareas o labores: fue violinista y compositor. ¿Qué valoración podemos hacer de ambas actividades?

Su vocación musical se manifestó siendo un niño. Verdadero niño prodigio del violín, a los 11 años ofreció un primer concierto en Zaragoza, en el que ya se incluían obras de Paganini y Sarasate. Se trasladó a Madrid, donde con tan sólo 16 años fue uno de los últimos concertinos del Teatro Apolo; y luego a París, donde fue discípulo de Vincent d'Indy. A mediados de los años 20 regresó a España y creó el Cuarteto Colman, con el que actuó en Europa, África, Oriente Medio e India. Y será de nuevo el violín el que le integre en la vida musical en Méjico, al ingresar como violinista en la Sinfónica Nacional de México cuando se exilia al término de la guerra civil.

Pero la vocación de compositor también se manifestó de manera temprana, ya que en sus años vividos en España había iniciado su carrera como compositor. Y utilizó sus conocimientos del violín para adquirir el oficio de componer no sólo en las clases del Conservatorio de Zaragoza sino también, de manera vivencial, en la práctica de su profesión de músico de atril.  Realmente hay que decir que en ambas tareas fue un fecundo creador.

Se marchó al exilio mexicano en el barco “Ipanema”. ¿Qué significó el exilio para él, cómo marcó su música?

Quizás al principio su música estuvo marcada por la amarga nostalgia de la patria dejada atrás. Pero en México, Simón Tapia-Colman recorre un largo camino como creador. Su lenguaje evoluciona en forma radical, ya que llega a perder su primitivo acento españolista y logra expresarse en un idioma atonal de origen centroeuropeo. La llegada a México supuso un reinicio de su vida en todos los sentidos. Los aragoneses que llegaban a este país eran magníficamente recibidos por el presidente Lázaro Cárdenas, que les prestó un marco institucional muy favorable para que pudieran organizarse y trabajar en sus profesiones. Así que allí desarrolló casi toda su fecunda carrera como compositor. Como prácticamente toda su producción anterior a la guerra quedó extraviada, la que consideramos como su carrera compositiva es principalmente la de su etapa mexicana.

¿Cómo vivió el exilio, cómo reconstruyó su vida?

Respecto al exilio, él nunca se sintió exiliado, sino “transterrado”. En México fue acogido con los brazos abiertos y rápidamente se integró en la vida musical mexicana. Fundó una amplia familia de 8 hijos e ingresó como violinista en la Sinfónica Nacional de México; mantuvo durante años un programa en la radio mexicana titulado “Música de España”; dirigió infinidad de producciones de zarzuela; fue director del Ballet Español de Ana María; director y fundador del Coro México durante muchos años; fue catedrático de Historia de la Música y Organología en el Conservatorio Nacional de Música de México, llegando a ser su director; fue nombrado investigador titular en el Instituto Nacional de Bellas Artes; fue catedrático de Estética de la Universidad Iberoamericana…

¿Cómo podríamos definir la música que hacía? Decía que le gustaba mucho Wagner, al principio, luego Beethoven y Bach, pero parece que él es un músico más bien contemporáneo, amigo de Halffter o Pittaluga, entre otros.

Creo que la mejor definición que podemos dar de su música es la que hace de ella su amigo y también compositor Rodolfo Halffter: "Es un compositor nato. Lo prueba la fluidez natural y espontánea de su inventiva melódica, así como la textura limpia y transparente de sus obras. Estudiadas éstas con cuidado, se advierte enseguida la mano de un maestro".

Aunque al principio su lenguaje compositivo fue tonal, con un nacionalismo hermanado con Falla, evoluciona hasta adquirir una voz propia. Desde mediados de los años 60, y al igual que sucederá con sus compañeros de exilio Rodolfo Halffter y María Teresa Prieto, Simón Tapia-Colman se sumerge de lleno en la música atonal. Pero lo más característico en él es que, necesitado de una célula generadora de la forma musical, sustituye el concepto de “tema” por el de “núcleo”, a partir del cual el compositor construirá sus últimas obras. El núcleo es para él el germen que se autodesarrolla y genera el discurso y la forma musicales. “Núcleos” es una forma de organización similar a la que impera en la naturaleza, donde el núcleo es la unidad alrededor de la cual se constituyen otros núcleos para formar un organismo.

Defínanos el espíritu del Trío Salduie…

El Trío Salduie lo formamos Juan Luis Gallego, violinista, Nuria Gañet, violonchelista, y yo como pianista. Como intérpretes, vistos desde la óptica de solistas, creo que, aunque bastante diferentes (y esto es bueno), somos totalmente compatibles. Procuramos enriquecernos aportando ideas personales en nuestros ensayos y lo mejor es que creemos firmemente en el proyecto de investigación en el que estamos inmersos. Como grupo estamos especialmente interesados en la difusión de la música española, abarcando en nuestros programas los dos últimos siglos de su repertorio. Realizamos un intenso trabajo de búsqueda, recuperación, estudio y divulgación del patrimonio musical español. Hemos dado a conocer al público las obras para trío de compositores como Valentín de Zubiaurre, Aureliano Valle, Mariano Perelló, Pablo Sorozábal, Evaristo Fernández Blanco, o Simón Tapia-Colman, entre otros. También realizamos conciertos que fusionan la música con otros ámbitos artísticos, como la poesía o la danza.

-¿Cómo trabajan?

Aunque soy quien generalmente me encargo del trabajo de búsqueda y recuperación de las partituras de archivos y bibliotecas, una vez que los manuscritos llegan a nuestras manos,  el “equipo” actúa formando una unidad. Juntos hacemos un exhaustivo análisis de las partituras, valoramos su importancia musical y comenzamos su estudio profundo, primero de manera individual y luego conjunta, con la finalidad de presentarlo ante público con la mayor calidad posible. También tenemos una vocación común que es la enseñanza, ya que los tres ejercemos como profesores en conservatorios de nuestra comunidad.

¿Qué les atrajo de la obra de Simón Tapia-Colman?

En principio nos atrajo su persona al completo. En 2007 se presentaba en Zaragoza un libro-disco con el título “Simón Tapia-Colman. Obra Sinfónica completa. Memoria, exilio, música” grabado bajo la batuta de José Luis Temes y editado por PRAMES. Enterada por la prensa local de esa presentación, y ante la vergüenza de no saber quién era ese paisano nuestro, me puse a investigar sobre su figura. Tras una serie de gestiones a partir de datos que extraje del artículo, me enteré que una de las hijas del compositor, Claudia, se encontraba esos días en Zaragoza, ya que había venido a la presentación del disco. Y la conocí personalmente. Encantadora, jovial y emocionada porque se empezaba a hacer justicia con la figura de su padre en la tierra que le vio nacer. Fue el detonante para que nos interesáramos por la obra de su padre y tratáramos de aportar nuestro granito de arena para hacer un acto de justicia con este aragonés universal. Y luego nos sedujo su música. Fundamentalmente su originalidad y el eclecticismo de su estilo. La música de cámara de Tapia-Colman es más progresista que la sinfónica. Posee un gran lirismo, una armonía de profundo colorido y ritmo vigoroso, y está llena de vitalidad y dinamismo. Además de excelente violinista, era un gran conocedor de la técnica del piano y del violonchelo, demostrando en sus obras camerísticas un virtuosismo siempre inteligente.

¿Cómo caracterizarías las piezas del disco?

Son cuatro obras bien distintas entre sí. Tres de ellas originales para las formaciones para las que fueron escritas y la otra una transcripción realizada por el propio compositor. El Trío Prehispánico fue un encargó del Trío México, quien solicitó al compositor una obra en la que predominasen los temas más característicos de cantos y danzas prehispánicas de la música mexicana anterior a la llegada de los españoles. La Sonata para violín y piano “El afilador” es una obra autobiográfica. Utiliza la figura y el trabajo del afilador para hablar de sus sentimientos: antes del exilio, donde goza con su trabajo; cuando anda errante, habiendo perdido sus “trastos”;  y de la renovación de su ánimo cuando vuelven a darle otra oportunidad en la nueva patria de dedicarse a sus labores y recobrar el tiempo perdido. La Sonata para violoncello y piano mezcla sonoridades que ya anuncian su descubrimiento de los “núcleos”. Sin abandonar definitivamente la tonalidad, permite ya la entrada de algunos recursos que le son extraños. Y, finalmente, los Cuatro cantos sin palabras es una obra escrita originariamente para soprano y orquesta de cuerdas y que fue transcrita para violín y piano por el propio compositor. La obra original está basada en cuatro poemas de la escritora mexicana Margarita López Portillo, todos ellos de contenido místico. Simón Tapia-Colman consigue recrear magistralmente el texto a través de la música.

Parece un compositor difícil tocar…

Las cuatro son obras de muy difícil ejecución, ya que somete a los tres instrumentos a exigencias técnicas y sonoras muy complicadas.

CORTE TAPIA-COLMAN

La huella aragonesa. Dice Consuelo Roy: “Esa huella está presente en gran parte de su obra. Los que le trataron en vida no recordaban en él ni un solo gesto de amargura cuando recordaba su peripecia. Ni una palabra contra la España del Movimiento ni contra su infortunio personal. Por eso,  en su música siempre estuvo presente Aragón y España. No hay más que echar un vistazo a los títulos de algunas de sus obras: Leyenda gitana (compuesta inicialmente para un largometraje sobre La gitanilla, novela de Cervantes), Suite Española (cuya última parte se titula precisamente Jota Aragonesa), Momento andaluz, Rapsodia aragonesa, Rapsodia Asturiana, Estampas de Iberia (compuesta muy poco después de llegar a México y en las que volcó, según su propio testimonio, su amarga nostalgia de la patria dejada atrás)…”

Vanguardia y experimentación. “Al igual que ellos, él también experimentó hasta encontrar un estilo propio que marcara la evolución de su propia música. Y Tapia-Colman lo consiguió a través de los “núcleos”. El Cantar del Yaqui es una obra que pertenece al Trío Prehispánico. La tonalidad en la que está escrita y los intervalos que utiliza a lo largo de toda la obra, le dan ese carácter emotivo y dramático. En este Trío supo captar la esencia de las escenas de tipo litúrgico, los rituales y las ceremonias de los indios mayas, yaquis y seris. Y el resultado musical es sorprendente”.

Así fue la grabación. “Contábamos con la autorización y el beneplácito total de los hijos del compositor –declara Consuelo Roy-. El primer paso fue la localización y recuperación de todas las partituras objeto de ser grabadas. Después de más de un año de búsqueda y gracias a la propia familia y a la ayuda inestimable de José Luis Temes, en noviembre de 2008 ya estaban en nuestras manos todas las partituras antes mencionadas. Conseguido este primer y necesario objetivo, pasamos al trabajo de revisión, análisis, comparación de las partituras con los manuscritos originales obtenidos y estudio de cada una de las obras de manera individual. Posteriormente llevamos a cabo los ensayos de los tres instrumentistas de acuerdo a la formación instrumental de cada una de las obras que iban a ser grabadas. La grabación tuvo lugar los días 7, 8 y 9 de octubre de 2009 en el Auditorio “Eduardo del Pueyo”. La fase de edición y mezclas se realizó inmediatamente después. Simultáneamente, se iniciaron los trabajos de recopilación de textos y fotografías para la confección del  folleto del CD, trabajos que se prolongaron durante varios meses, ya que muchos documentos provenían de México y se estaban escribiendo expresamente para la ocasión. A pesar del enorme trabajo que nos ha supuesto, en todo momento nos ha resultado gratificante por la ayuda inestimable que hemos tenido de todas las personas a quienes hemos solicitado su colaboración. Y hemos aprendido muchísimo.

Cómo debemos oír el disco. “Desde la visión de una música enmarcada dentro de la modernidad, plagada de originalidad y plenamente sugerente. Hay que dejarse seducir y cautivar por cada una de las piezas. Y no tener ningún estereotipo prefijado de una a otra, ya que nada tienen que ver entre ellas. Son cuatro piezas bien distintas entre sí. Y hay que disfrutarlas una a una”.

Detalles. “El disco está prologado por José Luis Temes, director de orquesta y Premio Nacional de música cuya ayuda, además, ha sido inestimable para poder reunir todas las obras grabadas en el disco. También cuenta con un interesantísimo artículo de Eva Alcázar, sobrina carnal del compositor, eminente pianista y conocedora en primera persona de la persona y la obra de Simón Tapia-Colman. Y, como “guinda del pastel”, las cartas escritas expresamente para el folleto de este disco, de cuatro de sus hijos. Maravillosos relatos llenos de cariño y admiración que engrandecen, si cabe todavía más, la serena figura de un hombre que hizo de la honestidad una forma de vida. Todos estos textos dan un valor inmenso al disco, ya que glosan desde la admiración y el cariño vivido junto a él la figura, tanto humana como musical, del gran compositor aragonés. El disco ha sido grabado por Francisco Aguarod (Coda Estudios) y el diseño del folleto lo han realizado Fernando Lasheras y Jesús Cisneros”.

Comienza el festival Luna Lunera

Imelda May y Eli Paperboy Reed abren las actuaciones en Sos del Rey Católico

El sábado es el turno de Bigott y Elvis Costello

Tras el prólogo que supuso la actuación de Ben Harper and Relentless7 presentarán en el zaragozano anfiteatro de Ranillas, el festival vuelve a la Lonja medieval de Sos del Rey Católico, con dos interesantes conciertos, que comenzarán a las diez y media de la noche.

El viernes es el turno de Imelda May, una irlandesa que se ha convertido en una de las mejores vocalistas de la escena musical del Reino Unido, gracias a su fusión única de rockabilly, blues y jazz, su extenso repertorio, sus actuaciones descaradas o su distintiva interpretación de los clásicos. El invierno 2007 vio el lanzamiento de su primer álbum en solitario Love Tatoo, «una colección atemporal y veraz de mezcla de Jazz-A-Billy. Inspirada por grandes del jazz como Billy Holiday, Dinah Washington, y la reina indiscutible del rockabilly, Wanda Jackson, Imelda está forjándose un sonido contemporáneo por su cuenta. [www.imeldamay.com].

Por su parte, Eli Paperboy Reed, desde su estreno con Come and Get It, demuestra ser algo así como la vida y el alma de una sudorosa alegre fiesta bailonga en la que todo el mundo se ve atraído hacia la pista de baile. Como intérprete, aborda cada canción con nada menos que convicción absoluta; resulta tan auténticamente valiente como insinuantemente sexy. Reed incorpora el toque del R&B, blues y soul clásicos en una docena de canciones escritas de su propia pluma y producidas con Mike Elizondo, el bajista convertido en productor.

Sus admiradores han vinculado a Reed con algunos de los grandes como Otis Redding y Wilson Pickett. No obstante, él no trata simplemente de recrear un sonido; Reed canaliza sus influencias e inspiraciones para hacer algo propio. «Para mí —declara Reed —se trata de escribir canciones pop. La música soul fue la mejor música pop del siglo XX y su influencia tiene mucho alcance. Cuando cojo una guitarra para escribir una canción, la influencia de la música que más me gusta sale a relucir invariablemente. Personalmente, esa música la he interiorizado completamente. No trato de poner nada; esto es lo que sale, esto es lo que pasa, no puedo cantar ni componer de otra manera». [www.elipaperboyreed.com]

Llega el gran  Elvis Costello

Elvis Costello es el nombre artístico del compositor autodidacta Declan MacManus. La primera vez que actuó ante el público fue en 1969, iniciando su carrera discográfica en 1977 con la grabación del álbum My Aim Is True. Desde entonces ha publicado más de una docena de discos, tanto en solitario como junto al grupo The Attractions. Sus lanzamientos incluyen títulos como This Year’s Model, Armed Forces, Get Happy, Imperial Bedroom, King of America, Blood & Chocolate, Spike, Mighty Like A Rose, Brutal Youth, Kojak Variety, All this Useless Beauty y su nuevo y esperado trabajo, When I Was Cruel.

Una buena parte de las más de 300 canciones compuestas por Costello han sido interpretadas también por otros artistas. La enorme lista de nombres conocidos en el mundo de la música nos da idea del interés que el trabajo de Elvis Costello ha despertado desde siempre en el mundo artístico. Entre ellos, destacan Chet Baker, Johnny Cash, June Tabor, Roy Orbison, Dusty Springfield, Charles Brown y George Jones. Además, Costello ha compuesto no sólo junto a su ex esposa, Cat O’ Riordan, sino también junto a Paul McCartney, Bill Frisell y Richard Harvey. Como productor discográfico, ha trabajado con grupos como The Specials, Squeeze y The Pogues. A lo largo de su carrera, Costello ha recibido muchos premios importantes, entre ellos dos premios concedidos por la revista Q, dos premios Ivor Novello, el Nordoff-Robbins Silver Clef Award y un Grammy por su colaboración con Burt Bacharach en 1998. [www.elviscostello.com]

Previamente, será el turno de Bigott, que esconde el proyecto del no menos misterioso Borja Laudo, músico zaragozano de generosos mostachos que debutó oficialmente con That Sentimental Sandwich, un álbum sorprendente que sin apenas promoción se coló en los resúmenes con lo mejor de aquel año. La continuación llegó con What A Lovely Day Today, ambicioso y extenso que, aún perdiendo parte del factor sorpresa, superaba a su predecesor. Fin (Grabaciones en el Mar, 09) marcó el apogeo de una carrera incorruptible, cerrando una trilogía que en realidad nunca fue planificada como tal.

Fiel a su actual idea de grabar un elepé cada año, Bigott regresa con This Is The Begining Of A Beautiful Friendship, de gran riqueza, diversidad y calidad. Grabado en los estudios de un Paco Loco, que también vuelve a ejercer como productor y, mostrando una continuada evolución, resulta la obra definitiva de Borja Laudo y compañía. Respetando la total identidad del autor, la música de Bigott puede remitir por igual al folk marciano, la americana de, o la sobriedad de, todo ribeteado con cierta actitud hilarante y teatral inherente al personaje. 

Para dar forma a sus composiciones, Bigott se acompaña de su musa Clara Carnicer, el mencionado Paco Loco, Muni Camón (Ex Maddening Flames) y Esteban Perles (Leda Tres, Josh Rouse) a la batería, a los que también suele reclutar para el directo. [www.myspace.com/myspacebigott]

El V Carrasca Rock será el 23 y 24 de julio

El Carrasca rock se celebrará por quinto año consecutivo en el municipio de Ejulve coincidiendo con una fecha muy especial; el 22 de julio de 2009 un tremendo incendio sacudió los montes de Ejulve y pueblos aledaños, dejando 8.000 hectáreas arrasadas. El festival tuvo que aplazarse el año pasado por ese motivo y finalmente se celebró a finales de agosto. Este año, el V festival Carrasca Rock tendrá lugar el 23 y 24 de julio con el recuerdo de la catástrofe sufrida el año pasado en la mente de todos. La organización del festival ha considerado oportuno programar en horario de tarde varias actividades y conferencias vinculadas a los incendios forestales entre el 22 y el 25 de julio, enriqueciendo de esta manera la programación del festival con un tema muy importante para la población local.

En relación con las actuaciones musicales, el viernes 23 de julio actuarán los grupos Rarezas (Andorra), El Enchufado del Carcelero (Híjar), Manolo Kabezabolo (Zaragoza), Huellas de Barro (Zaragoza) y Apelo (Tarragona). El sábado 24 de julio tendremos las actuaciones de A Compañía de Chesus (Zaragoza), Ixuquera (Alcorisa), Lilith (Barcelona), Azero (La Codoñera) y Los Draps (Matarraña).

El principal objetivo del festival es promocionar a los grupos jóvenes aragoneses, con especial interés por los del medio rural más cercano. También es un evento que reivindica el derecho a vivir en nuestros pueblos dignamente, creando actividades culturales y festivas en el medio rural para hacerlo más atractivo y dinámico.

El festival se celebrará durante dos noches en el polideportivo municipal, un espacio público al que se podrá acceder libremente. En ambas noches habrá una actuación a las 20:30h, después tendrá lugar una cena colectiva a las 22:00h pensada para que grupos y público estrechen lazos y tras la cena actuarán a partir de las 23:30h el resto de los grupos. Quien quiera participar en la cena, que tendrá un precio de 7 euros, tiene que hacer reserva en el correo electrónico del festival carrascarock@hotmail.com.

La organización ofrecerá a los espectadores una zona de acampada, servicio de duchas y baños en el polideportivo, servicio de barra y bocadillos y una zona para ubicar tenderetes de los grupos musicales y otros colectivos o artesanos que quieran instalarse.

Carrasca Rock 2010 es posible gracias a la organización de la Asociación Cultural Carrasca Rock de Ejulve, y a la colaboración de Ayuntamiento de Ejulve, Comarca Andorra-Sierra de Arcos, Asociación para el Desarrollo Integral del Bajo Martín-Andorra Sierra de Arcos (ADIBAMA), Diputación de Teruel, Gobierno de Aragón, Eurocatering, Rock Bar Rafe, Pub Odisea, Distribuciones Reyes, Construcciones Altogra, Talleres Alcomotor, Caja Rural de Teruel e Ibercaja.

Jornadas sobre los incendios forestales

Coincidiendo con las fechas del Carrasca Rock y gracias a la colaboración de ADIBAMA, se ha organizado un ciclo de charlas bajo el título Reflexión y acción tras los incendios forestales.

La Asociación Cultural Carrasca Rock pretende desarrollar unas jornadas culturales de carácter ambiental con el objetivo de dinamizar social y culturalmente la población de Ejulve, iones tras los incendios forestalesrando el aniversario de la caterra ,coincidiendo con el aniversario de los incendios forestales ocurridos el pasado verano de 2009 en el municipio de Ejulve y colindantes, ofreciendo una programación cultural en horario de tarde para el disfrute de la población de Ejulve en particular y de los municipios afectados por los incendios en general, recordando de esta manera la catástrofe ambiental a través de la programación de diferentes actividades. La Asociación Cultural Carrasca Rock es una de las promotoras de la Plataforma Ciudadana “Nuestros montes no se olvidan”, creada en enero de 2010 por organizaciones sociales y particulares vinculados en su mayoría a la Comarca de Andorra – Sierra de Arcos.

El jueves 22 de julio, se hará la presentación oficial de las jornadas a partir de las 16:30h. en el Ayuntamiento de Ejulve y se impartirán dos charlas sobre la gestión forestal y los incendios a cargo del Departamento de Geografía y Ordenación del Territorio de la Universidad de Zaragoza y la fundación Centro de Estudios Ambientales del Mediterráneo de Valencia.

El viernes 23 de julio en el Ayuntamiento, a las 16:30, se inaugurará una exposición sobre el incendio del Maestrazgo de 1994 vinculada al municipio de Bordón, junto a fotografías actuales del incendio del año 2009.

El sábado 24 de julio disfrutaremos a las 18:00h. en el Ayuntamiento de la actuación de “La Europa del Aborigen”, un grupo formado por tres bajoaragoneses que combinan la música, la imagen y la poesía.

Por último, el domingo 25 se convocará a las asociaciones y particulares vinculados a la Plataforma Ciudadana “Nuestros montes no se olvidan” a las 12 de la mañana en el puerto de Majalinos, para tener una reunión de trabajo y una comida de alforja. Ya por la tarde, a las 16:30h. en el Ayuntamiento se organizarán dos mesas redondas, una de experiencias personales frente a los grandes incendios y otra de ejemplos de organización civil para combatir el fuego. Para finalizar las jornadas, contaremos con la actuación de la Ronda Astí Queda Ixo! por las calles de Ejulve.

La A.C. Carrasca Rock

La Asociación Cultural Carrasca Rock nace ante la inquietud de los jóvenes de Ejulve por organizar actividades de carácter recreativo y cultural, especialmente en los meses de verano. Desde el año 2006, se desarrolla en el municipio un encuentro de grupos musicales aragoneses donde se pretende combinar la promoción del pueblo hacia el exterior junto a una fiesta en torno a la música aragonesa con grupos que desarrollan su faceta artística especialmente en el medio rural más cercano, las comarcas del Bajo Aragón Histórico. Ello no es óbice para que participen grupos del resto de Aragón, así como invitados que puedan llegar de otros lugares de la geografía española.

La A.C. Carrasca Rock es una organización sin ánimo de lucro, abierta a cualquier persona que desee apuntarse para colaborar con las actividades. Este año, todo el que se haga socio pagando la cuota anual de 10 euros recibirá una camiseta conmemorativa del V Festival Carrasca Rock.

Por otra parte, para apoyar el festival, se sorteará cada noche una cesta con alimentos de Ejulve entre los que no faltará jamón, queso, embutido y conserva gracias a la implicación de empresas locales como Jamones Artemio, Cárnicas Ortín, Quesos Los Santanales, Jamones Blanca, tienda de Nuria Orta, tienda de Tere Carceller, Farmacia, Bar La Carretera y Fonda El Portal. Cada boleto costará 3 euros.

Más información:

http://ejulvecarrascarock.wordpress.com

(el blog contiene información sobre los grupos, video promocional, horarios de actuación, información ampliada sobre las jornadas de incendios forestales, etc.)

Contacto: José Manuel Salvador

carrascarock@hotmail.com

Miguel Ángel Remiro es uno de los grandes compositores e intérpretes de Aragón en este momento. Es un músico imaginativo que mezcla los sonidos del jazz, del tango y del flamenco con la música popular, aragonesa y española, y además tiene una importante vertiente que lo vincula con la música culta, clásica y contemporánea, rica en sonoridades, en percusiones y en extravíos cromáticos, tan bellos como sorprendentes. La pasada semana presentaba su último disco en Borradores (Aragón Televisión). Esta noche, en el Teatro Principal, acompañado por magníficos músicos (Carmen París subirá a cantar también: canta un tema, ‘Un día por verte’, el que cierra el álbum de doce piezas), ofrecerá un único concierto. Hoy, en varios periódicos, entre ellos Heraldo digital, aparece esta crónica cultural de la agencia EFE. La foto es de Toni Galán.

EFE / Zaragoza

El compositor aragonés Miguel Ángel Remiro y su ’Flamenco Contemporáneo Ensemble’ presentan en Zaragoza su nuevo disco, que tiene como título al nombre del grupo y que es una mezcla de música clásica con baile y percusión flamencos.

Son doce piezas, desde bulerías a tangos flamencos, soleás y jotas aragonesas, todas compuestas por Miguel Angel Remiro, que esta noche se interpretarán por primera vez sobre el escenario del Teatro Principal, en un único concierto.

Es "una mezcla de todo lo que soy, de mi trayectoria", ha enfatizado en una rueda de prensa Remiro, en referencia a la variada formación profesional que ha recibido a lo largo de su vida. El grupo, formado por un contrabajo, piano, clarinete, violín, bandurrias, percusionista flamenco y palmas, siete excepcionales artistas que ha encontrado, ha remarcado, sin "salir de Aragón".

La idea del disco surge tras el buen resultado que tuvo con el anterior, "Cinco piezas flamencas para piano", lo cual, según ha afirmado Remiro, les llevó a pensar en la idea de "grabar lo que tan buena acogida estaba teniendo en Europa". "Siempre supe que esta idea iba a funcionar en Europa, porque la formación clásica es mayor, pero el éxito de la presentación en Munich nos sorprendió incluso a nosotros", ha declarado el compositor.

El disco, a cuya presentación acudirá Carmen París, no ha podido ser definido ni por el propio Remiro, quien ha afirmado que "para entenderlo hay que escucharlo", y que la intención ha sido "crear una música española del siglo XXI y unir dos tradiciones totalmente separadas en España: la culta y la popular".

Miguel Ángel Remiro en concierto con su banda. Teatro Principal. Hoy martes, 20, a las 21 horas.

*Le he pedido a Miguel Ángel Remiro una nota sobre su disco. Y me ha mandado este texto espléndido que define muy bien su trabajo.

“FLAMENCO CONTEMPORÁNEO ENSEMBLE”

Por Miguel Ángel REMIRO

En 2003 la editorial “Flamenco-live” me encargó que escribiese un cuaderno de piezas flamencas para piano ante la inexistencia comercial de un repertorio de ese tipo. Así nació “cinco piezas flamencas para piano” que en ese momento fúe el único álbum de piezas flamencas para piano (con repertorio actual, en el s. XIX hubo muchas colecciones de este tipo). A partir de ahí y dado el interés surgido en todo el mundo por la publicación, me planteé la posibilidad de cumplir un sueño musical y muy personal; formar un “Ensemble” con la idea de unir dos tradiciones musicales nunca totalmente separadas en España; la culta y la popular. Mi vida musical ha transcurrido entre el jazz, el flamenco, el tango argentino y la música popular en general por un lado y la música clásica o sería, o como se la quiera llamar, por otro. Siempre he pensado que la música clásica representaba lo apolíneo frente a lo dionisiaco que sin duda impera en cualquier música popular, y siempre he creído en la necesidad de unir esas dos fuerzas que considero complementarias, siguiendo la máxima de Ortega, “ la vida inculta es barbarie, pero la cultura desvitalizad es bizantinismo”. La intención era la de crear una música española del s. XXI, siguiendo la estela de músicos que como Albéniz y Falla utilizaron a principios del s. XX esas dos tradiciones para crear su música. Ya en mis tiempos de estudiante de contrapunto escribí la fuga, “Fuguerías nº1-fuga por bulerías” (para sorpresa de mi entonces profesora de contrapunto) y al formar este ensemble decidí seguir esa senda que yo mismo me había marcado cuando escribí aquella fuga.

Sería pecar de desagradecido si al hablar de este proceso inspirador, no volviese una mirada agradecida a Astor Piazzolla. De Piazzolla tomé dos cosas, primero el ejemplo. Como el decía “había muchos que querían renovar en tango, pero les faltaba o estudio o talento”. Ese consejo me llevó a estudiar composición con verdadera pasión con miras a su utilización posterior en mi propia visión del flamenco. En cuanto a lo del talento es algo sobre lo que yo no puedo opinar. Otro de los aspectos en los que me serví de la obra de Piazzolla fueron sus arreglos para formaciones de cámara. Principalmente en los de su último quinteto y en especial en la organización rítmica de la polifonía, técnica que si bien no he utilizado literalmente por la lejanía evidente entre el tango y el flamenco, si que me sirvió de modelo  para posteriormente desarrollar mi propia escritura en este terreno.

Mi amor por el flamenco y la excusa de la publicación de esas piezas para piano me dieron la ocasión de materializar una idea que ya me planteé años atrás. Crear una música que en la escritura estuviese dentro de la estela de la tradición culta europea y al mismo tiempo que le devolviese la vitalidad que la bizantina “música contemporánea” le había arrebatado. Ahí es donde el flamenco tenía su papel y su fuerza.

 Con esto no pretendo sino continuar un dialogo que durante más de cinco siglos ha sido particularmente fértil y que nunca debía haberse interrumpido; el de la música popular ibérica con la música culta europea. Dialogo que ha mostrado sobradamente su fecundidad hasta la fecha.

Miguel Ángel Remiro

Ayer por la tarde, a toda pastilla en el hotel Hiberus, en poco más de doce minutos -con Ana Catalá Roca, redactora de ‘Borradores’ y Susi, la gallega, una espléndida operada de cámara-, entrevisté a Dulce Pontes. Hablamos de sus inicios, de lo que canta y cuenta el fado, de la alegría, de la complejidad de sonidos que se mezclan en Portugal (Dulce habló de la música rebétika, de la música árabe, de los sones que quiere ir incorporando a su música); habló de Fernando Pessoa, al que descubrió con trece años, “antes de que fuera obligatorio leerlo en el colegio” y ahora lleva en el repertorio ‘Un infante’, hablamos de la voz, de los maestros (sobre todo de Amalia Rodrigues) y de los temas que la inspiran.

Dulce Pontes es una mujer luminosa, entusiasta: en ella no solo habla el canto, sino que hablan sus ojos y su sonrisa. Chisporretean de encanto y alegría. Dulce canta esta noche en Zaragoza, después del partido de la selección española, en los Festivales del Ebro, donde presentará su nuevo disco, ‘Momentos’, en el que hace balance de 20 años en la música. Y donde incluye ‘Lágrima’, una pieza de su amada Amalia Rodrigues, y la inolvidable ‘Cançao de mar’. Antes de que cante ella, tocará el sexteto de jazz que ha creado Joaquín Pardinilla.

La presentación del libro-disco:

“MÚSICAS PARA INSTRUMENTOS TRADICIONALES”.

Esta misiva tiene una doble intencionalidad:

1º Invitaros al acto en sí

2º Solicitar humildemente vuestra colaboración para dar una adecuada difusión del mismo.

1.-DATOS DE LA PRESENTACIÓN: 

DÍA: 21 DE JUNIO (DÍA DE LA MÚSICA)

LUGAR: CONSERVATORIO SUPERIOR DE ARAGÓN (AUDITORIO EDUARDO DEL PUEYO)

HORA: 20:00h.

El acto lo presidirá María Victoria Broto (Consejera de Cultura del Gobierno de Aragón) y en él participarán Blas Coscollar Santaliestra (Investigador, músico y compositor), Fernando Gabarrús , Rafel Sánchez y Diago Lezaun(Dulzaineros del Bajo Aragón). 

El acto será presentado por Manuel Domínguez (Ronda de Boltaña).

2.-DATOS DEL LIBRO-DISCO

TÍTULO: “Músicas Para Instrumentos Tradicionales” consta de la transcripción de 33 piezas de Dulzaina de nueva composición y una descripción organológica del tambor y la dulzaina. También hay un capítulo específico para cada instrumento, describiendo, ritmos, patrones, efectos, rudimentos…También una reflexión sobre la música popular en Aragón. Aparece por primera vez el concepto de “música endémica”…

AUTOR: Blas Coscollar Santaliestra y Dulzaineros del Bajo Aragón

PÁGINAS: 150

COMPLEMENTOS: 1 CD con 33 piezas de composición interpretadas con dos dulzainas y tambor

1 CD con un reproductor  que posibilita seleccionar el audio de cada pieza (1ª dulzaina/ 2ª dulzaina/ Tambor) por pistas. Si de una pieza cuya partitura está en el libro quiero ensayar con Dulzaina la 2ª voz, yo deselecciono la pista de la segunda voz y puedo tocar-ensayar directamente con la música grabada por los Dulzaineros del Bajo Aragón.

DISEÑO: Blas y Jaume Coscollar y  Rafel Sánchez

ILUSTRACIÓN: Tomás Roures / José Prieto.

IMPRESIÓN: Imprenta Moltó (San Pere de Ribes)

GRABACIÓN: Estudios Kikos (Zaragoza)

TÉCNICOS DE SONIDO: JUANJO GONZÁLEZ Y RICHI MARTÍNEZ.

PROGRAMACIÓN INFORMÁTICA: Ana Delia Campo Sevil.

EDITA:DULZAINEROS DEL BAJO ARAGÓN con la ayuda del GOBIERNO DE ARAGÓN (Departamento de Educación y Cultura)

Foto de músicos de Juan Rulfo.

3.-¿Porqué es importante esta publicación?

a)   Utiliza un sistema innovador para la reproducción de audios por pistas que facilita pedagógicamente el ensayo y la práctica instrumental de Dulzaina y Tambor, tanto para las personas instruidas en música como para las que tocan de oído. Creemos que este sistema delimitará un antes y un después en los métodos de música popular.

b)   Por primera vez se describe de forma exhaustiva la rítmica, los patrones, la técnica (rudimentos, efectos, zonas de ataque….) de tambor empleados en la música popular de tradición aragonesa.

c)    En el libro se plantea una nueva visión sobre la música y la cultura popular. No nos cabe ninguna duda de que a partir de su publicación existirá un debate importante  y una “reconceptualización” de la forma de entender la música de raíz popular…

4.-¿Por qué es importante el acto de presentación?

Nos parece importante el hecho de que sea la Consejera de Cultura del gobierno de Aragón, que el lugar sea el conservatorio Superior de Aragón y que se celebre el Día de la Música. Este acto supone un reconocimiento a la música popular y a sus músicos y tiene en él un reconocimiento institucional de primera magnitud.

Entendemos que los responsables políticos y culturales de Aragón son conscientes de que esta música está íntimamente relacionada con la identidad cultura de Aragón y que los colectivos que la disfrutan no solo son meros espectadores sino que participan activamente en la vida cultura del territorio, aportando un color más al arcoíris musical de Aragón y del planeta.

Fernando Gabarrús y Blas Coscollar y otros.

EDUARDO PAZ. Cantante. El ex cantante de La Bullonera publica un nuevo álbum, ‘Ashkenazí’, de música judía e inventa una lengua de canto: el eduárdico

Según el diccionario, “askenazí es judío de la Europa central y oriental”. ¿Qué se le había perdido tan lejos de casa?

Tras el preámbulo, insisto: ¿qué se le había perdido tan lejos?

Esa pregunta me la hago yo también y no tengo una respuesta. Puedo decir que la espoleta de mi atracción por ese mundo es la música. ¡Qué tradición musical tan bella, variada, influyente! ¡Qué emocionantes melodías! Reconozco que me gusta, de lejos, más que la sefardí. Luego hay unas brisas que acariciaron mi ánimo y cuyo responsable principal es el Premio Nóbel en yidish Isaac Bashevis Singer.

¿Qué le debe?

Este autor, al que he leído mucho y con gran placer, dedicó gran parte de su obra a la descripción del mundo judío centroeuropeo, sobretodo polaco. Puede decirse que su obra tiene, además de un enorme valor literario, un gusto etnológico notabilísimo y me ha suministrado imágenes de aquel mundo que me han hecho temblar de emoción. Hay más razones sin duda, pero los impulsos para la creación son, a menudo, imprecisos y se basan, al menos en mi caso, en miríadas de pequeños pellizcos y no hay sitio, me temo.

Este disco completa y conforma una trilogía con ‘Nomadeo’ y ‘Caminí’, sobre la música judía. ¿A qué obedece esta fascinación y en cierto modo esta obsesión?

 ‘Nomadeo’ es un disco ante todo europeo. No he sucumbido a la monserga africana ni mucho menos a la islámica. Me gusta Europa y su música y quise hacer un recorrido por alguna de sus tradiciones. En este recorrido me topé con lo ashkenazí. Su descubrimiento quedó larvado, pero grabado a fuego en mí. ‘Caminí’ es música sefardí, que es una fortísima tradición europea por más que se diga de su conexión con el mundo islámico; su pálpito y sus características técnicas la hacen rabiosamente europea. Creo que mi afición por la música judía roza la obsesión, pero es que su escucha me emociona tanto o más que una jota bien cantada. Y cantarla ni te cuento.

Frente a los sefarditas, ¿cuál serían las características de los askenazís? ¿Cuál sería su riqueza?

Hay algunas cosas que unen las músicas de estas dos tradiciones musicales; una es el uso del intervalo de 2ª aumentada que, por supuesto no es privativo de esta músicas, y otra es la sorprendente tristeza que las atraviesa.

Digo tristeza pero debería decir amargura en el sentido que da Schopenhauer a este término, relacionado con eso de  “el hombre es un error” de Baruch Spinoza. Pero, dicha esta pedantería, la música sefardí ha tenido un desarrollo y una influencia  más limitada  que la ashkenazí. Esta última no sólo está en el fondo de la música de algunos de los compositores clásicos mas influyentes, también está en el jazz más audaz y, sobretodo, es Broadway y Hollywood; la celebrada música klezmer sale de su seno…. Por lo demás, las tradiciones musicales son deudoras de su paisaje físico y lingüístico.

Hablemos del espíritu musical del disco. De sus peculiaridades. ¿Cómo podríamos definir esta música, en cuanto a instrumentación y a juego de voces?

 No soy capaz, no lo he sido nunca, de definir la música en la que me embarco. Creo que eso es tarea de los críticos que son los que tienen afilados los sentidos de la escucha y poseen información. Mi primer impulso a la hora de concebir las adaptaciones es puramente musical; luego intervienen otros elementos que nacen de la información extramusical que suministra la literatura, la historia, el carácter de uno y sus limitaciones y, cosa importantísima, la música que escuchas. Un músico es un degustador de música como un escritor es un lector. Pero el motor es sonoro. Puedo decir, también , que este es un disco en el que he disfrutado cantando y esto no me pasaba desde mi Arnaudas.

¿Por qué?

Grabé las voces, todas, en dos mañanas mal contadas. Me siento más dueño que nunca de mi puta voz y soy capaz de escucharme con un punto de satisfacción. He tenido la intención, por otra parte, de usarla de casi todas las maneras de las que soy capaz: hay voz abierta, bulloneril, hay voz impostada, afalsetada, difónica, voz natural, como hablada y en esta ocasión, como nunca, canto conmigo mismo en un onanismo que me ha hecho bastante feliz. Excepto la voz gravísima de Eduardo González y las de Luis Muro, David Marco, Pardinilla y J. L. Serrablo de la Ronda de Boltaña, que hicieron los coros de los dos últimos temas, todas la voces las he grabado yo y me siento bastante satisfecho. He buscado una polifonía que subrayase el desarrollo melódico creo que en la mejor tradición europea.

¿De dónde proceden los temas y dónde se cantaban?

No soy un científico y el origen, el contexto sociopolítico, el desarrollo de los temas no me interesa. Además todos los pueblos cantan a lo mismo y en las mismas ocasiones.

 El disco está cantado en tres idiomas, si se puede decir así: el yiddish, que incluso tiene un Nobel de literatura. ¿Qué dificultades te ha supuesto, qué placeres también?

El hebreo es el idioma en que han llegado a mí los temas yemeníes. No lo he buscado, me ha salido al paso. E l yidish o idish era la lingua franca de los judíos ashkenazíes. Un alemán antiguo con aportaciones de las lenguas nacionales de los países en que estaban asentadas las comunidades judías que lo hablaban y, por supuesto, hebreo antiguo. Ahora hay que añadir el acento bajoaragonés, sin él me hubiese sido imposible acercarme a ese endiablado galimatías. Quiere esto decir que, aún resultando bastante deficiente mi yidish y mi hebreo, me ha costado un enorme esfuerzo que no me destrozase en exceso la línea de canto.

¿En qué consiste eso del eduárdico? ¿No habrás creado un idioma solo tuyo?

Sí, el eduárdico es una lengua de uso personal cuyo origen obedece a dos motivos: Uno, facilitar el canto. Y otro Abundar en mi propósito de eliminar cualquier mensaje que no provenga de la física del sonido. No tengo nada que decir; estoy cansado de las letras de las canciones y cuanto más sinceras más malolientes me parecen. Tengo intención de hacer algún repertorio en el que mi voz sólo emita sonidos onomatopéyicos, alejados de cualquier parecido con idioma alguno, tal como lo hacen los pigmeos de Botswana o algunos repertorios indios que usan los sonidos del estudio de los talas como texto de sus canciones.

Habida cuenta de que es muy difícil entender  y de que incluso ha prescindido de la traducción de las canciones, ¿cómo debe escucharse el álbum, con qué espíritu?

¿Cómo se escuchaba a los Beatles o a Dylan? ¿Cómo se escucha a Bach? ¿Necesitábamos entender las letras para emocionarnos? Pues lo mismo con este disco.

 ¿Para quién está pensado?

No pienso en nadie más que en mí mismo, como buen vanidoso que soy. Estas canciones están conmigo desde hace bastante tiempo, dando vueltas en mi cabeza, asqueando a mi mujer y si no las saco reviento, de modo que sí, está pensado para mi salud y la de mi matrimonio. En cualquier caso, es un disco de incómoda difusión y creo que sólo le interesará a mis pocos amigos y a los musiquetas. Aquí tengo que hablar del trabajo de Joaquín Pardinilla que ha dado a mi idea de las canciones dimensiones que yo no había visto. Nos entendimos, compartimos referencias y cervezas y dirigió el sonido hacia donde yo sólo había vislumbrado. Su solvencia como guitarrista está más que vista, pero yo no había experimentado el placer de cantar con un acompañamiento tan rico, maduro y adecuado en mi vida. Me ha conquistado tanto que el directo voy a hacerlo sólo con él y con Jesús Trasobares, otro guitarrista de mi devoción y de la de Pardi. Es un reto, pero me atrae como un pecado mortal y creo que sonaremos como nadie en el mundo.

 Recuérdanos tus acompañantes, cómo habéis trabajado, y proyectos de gira o conciertos.

Una referencia a los técnicos del estudio de grabación, LUNA NUEVA ESTUDIO, David Marco y Quique Cruz. Es un privilegio para la ciudad contar con estos profesionales tan preparados, tan laboriosos, tan generosos y tan competitivos. David no sólo dirigió técnicamente la grabación sino que tocó el teclado e hizo coros sin despeinarse y Quique masterizó con una especie de actitud quirúrgica que me dejó literalmente sin aliento.No se va a vender este disco más que en la página web de LUNA NUEVA (www.lunanuevaestudio.es) y en las librerías Cálamo y Antígona, de momento, y no pienso hacer, de momento también, presentación en Zaragoza. Quisiera tener el directo bien cosido para que estas canciones luzcan sus mejores galas. Se lo merecen por guapas.

 Pueden oírse algunas canciones en myspace (eduardopazmusicas) y fragmentos de todas ellas en www.eduardopaz.es.

¿Qué ocurrirá con las giras?

Se encargará de conseguir conciertos Stop Producciones. Los conozco, saben de qué va este tipo de producto, tienen contactos y tienen el disco, que es lo importante y, además, son mis vecinos. (La primera foto pertenece a Heraldo, y la segunda a Wikipedia).

Aloma Rodríguez –el próximo 27 de mayo, jueves, presenta en Los Portadores su libro de relatos ‘Jóvenes y guapos’ (Xordica)- anda estos días por Buenos Aires con El Silbo Vulnerado. Y allí se encontró con uno de sus músicos preferidos: Xoel López. Más admirador de él aún es su compañero Barreiros. A él le mandó esta foto.

Y a mí también y me comenta: “Gallegos en Buenos Aires”. Hace ahora casi un año anduve yo por allí y me lo pasé realmente bien. Fue una experiencia magnífica: estuve en Lima y en Buenos Aires.

            El grupo oscense OLGA Y LOS MINISTRILES es noticia en el nº 44 de la revista Interfolk, donde concede una larga entrevista de dos páginas a esta publicación, de tirada nacional, reconocida como la más prestigiosa de la música Folk en España (www.interfolk.net).

            En la citada entrevista se da un repaso a los objetivos fundamentales del grupo, a las circunstancias de su nacimiento y a su reciente disco titulado Zimbrea, que está obteniendo una buena difusión a través de los medios escritos y de las radios especializadas, cosechando buenas críticas.

            El grupo es noticia también por haber sido seleccionado para participar en la Muestra de las Artes Escénicas en Aragón, que se celebrará en Alcañiz en la última semana de Mayo, donde acuden los programadores de la Red Aragonesa de Espacios Escénicos y del Circuito de las Artes Escénicas de Aragón.  OLGA Y LOS MINISTRILES  actuará el día 25 del mes en curso.

            Pocos días antes presentarán su disco en Almudévar y en Lupiñén, los días 16 y 23, respectivamente. Asimismo participarán en uno de los festivales más importantes de música folk que se celebran en España, como es el Festival Folk Segovia en su edición del 2010.

*El grupo Olga y los ministriles publica su disco Zimbrea. Es un disco estupendo, que explora nuevos caminos del folk, posee una estupenda voz femenina y tiene un precioso tema sobre el Conde Niño. Lo he oído un par de veces y está realmente bien.

Marta Almajano canta en la Semana

de Música Religiosa de Cuenca junto a Ave Fénix

     El próximo sábado 2 de abril Marta Almajano y el grupo Ave Fénix darán un concierto dentro de la prestigiosa Semana de Música Religiosa de Cuenca. El concierto tendrá lugar en el monasterio de la Concepción Francisca a las 17h00, y será retransmitido en diferido esa misma noche por radio 2 de RNE.  Interpretarán cantadas inéditas de Antonio de Literes, procedentes del archivo de la catedral de Guatemala, siguiendo así su habitual labor de recuperación de la música española.

     Marta Almajano es la voz solista del grupo Ave Fénix, formación que surge fruto del interés y la ilusión de un grupo de músicos que desde hace tantos años se conocen y tocan juntos, por volver a reunirse para recuperar como intérpretes nuevos ejemplos de la música española y latinoamericana de los siglos de oro. Les avala una larga experiencia, habiendo tocado y cantado cada uno de ellos con numerosos grupos del más alto prestigio, y habiéndose dedicado conjuntamente durante mucho tiempo a la interpretación del barroco español

     Marta Almajano ha cantado en las más renombradas salas de conciertos y festivales de los cinco continentes y ha grabado una treintena de discos.  Cabe destacar la última gira que recientemente realizo por los Estados Unidos y que la llevó desde Nueva York hasta California interpretando música del barroco español y latinoamericano.

*Marta Almajano me envía esta nota de su presencia en Cuenca. La cantante zaragozana es una de las grandes figuras de la música antigua y barroca en España.

En Aragón, las cosas y la historia tenían nombre, trayecto y leyenda, pero de pronto apareció él con su voz de trueno y de sementera, con la garganta herida por la injusticia y el dolor, y puso acento y canto a las ancianas que se morían de soledad y de nostalgia, a las masías colgadas del atardecer y del collado, a los leñeros, al hombre sigiloso que va y viene del tajo a sus asuntos. Ese hombre lucía ya bigote y la gallardía de un viejo campesino: cantaba alto y fuerte, cantaba por todos. Ese grito era la prolongación de su condición de poeta y novelista, de memorialista, de viajero por los intersticios de la historia. En ese canto estaba su autobiografía –el eco del palacio de los Gabarda, su hermano Miguel encelado con sus poetas chinos favoritos, el río y la Zaragoza secreta de burdeles y garitos, la pasión por la juncal Juana- y su afirmación en la aldea, en el pequeño país de polvo, viento, niebla y sol. Aquel señor, capaz de aunar la cólera y la ternura y la timidez como nadie, aquel trovador del páramo se convirtió en un símbolo, en un amigo, en un ciudadano imprescindible que siguió a lo suyo: consolidó la tarea del héroe con un infinito mar de amor que nos inundó a casi todos. Este martes, el peregrino con la mochila al hombro, el político tan accidental como apasionado, el ciudadano que salió a la calle una y mil veces para estar codo a codo con los suyos será nombrado ‘Doctor Honoris Causa’ por la Universidad de Zaragoza. Por una vez, sin rubor alguno, este territorio de todas las insidias se reconoce en uno de los suyos, y le elige como se elige una perla o un diamante en medio de un tesoro. Y le devuelve su abrazo armado. Ese juglar, José Antonio Labordeta, ha cantado con todos y para todos sin temor a quedar sin voz ni a morir en el terco combate de la rebeldía.

            *Este texto apareció ayer en mi sección ‘Cuentos de domingo’ en Heraldo de Aragón.

El músico aragonés presentará el 19 de marzo en el Vaticano la obra ‘Las últimas siete palabras de Cristo’ con el cuarteto Henschel, que él ha completado en un proyecto artístico que incorpora a la soprano Suzanne Kelling. El día 24 de marzo se presentará en La Seo

La vida musical de José Peris Lacasa (Maella, Zaragoza, 1924) tiene muchas anécdotas para la leyenda. Fue discípulo dilecto de Carl Orff, estudió con Turina y Guridi, y sedujo con su rigor y la pasión por el trabajo bien hecho a Óscar Esplá, que lo reclamó a su lado, en Alicante, poco después de retornar del exilio. Su tendencia a vivir experiencias intensas va a tener un nuevo hito: el próximo día 19, a las 18.00, en la Sala Clementina del Vaticano, presentará ‘Las últimas siete palabras de Cristo’ de Joseph Haydn (1732-1809) ante el Papa Benedicto XVI, Joseph Ratzinger. El cuarteto Henschel de Munich, acompañado por la soprano italo-germana Suzanne Kelling, ofrecerá esta obra de 900 compases que dura en torno a una hora y cuarto y que nació de un encargo a Haydn de unos ilustrados españoles de Cádiz que se reunían en una cueva a celebrar de un modo especial la Semana Santa. José Peris ha completado la pieza: en vez del sermón habitual del sacerdote, ha compuesto música para una soprano.

José Peris Lacasa dice desde su casa madrileña: “No he movido ningún hilo. Soy muy malo para las relaciones. Todo ha venido rodado. El Papa es un gran enamorado de la música y se dice que toca el piano todos los días”, dice. Sin embargo, el “concierto en honor al día de la onomástica del Papa” del día 19 en Roma tiene una historia anterior. En el año 2008, Peris presentó, con un cuarteto y con la soprano Ana María Sánchez, esta obra en el Palacio Real. Y al año siguiente fue invitado al Festival de Semana Sacra de Nüremberg, que se inauguró con la composición de Haydn.

El interés papal

“Lo que ocurrió luego no lo sé con certeza. Gente de los círculos musicales debió hablarle al Papa Benedicto XVI de ‘Las últimas siete palabras de Cristo’ y él mismo dijo: ‘Quiero escuchar esa obra’. Y así comenzó todo: he recibido cartas, llamadas; se ha dirigido a mí el prefecto de la Casa Pontificia, Hannes Harvory”. Haydn concibió un desarrollo orquestal de este proyecto al principio, pero poco a poco fue derivando hacia la búsqueda de una mayor profundidad del drama y de “una intimidad más íntima”, y la adaptó para cuarteto, porque “el cuarteto con dos violines, viola y violonchelo es el que más se acerca al registro de voces humanas”. El propio Joseph Haydn -“el mejor músico religioso del mundo en su tiempo”, según José Peris- señaló: “Hace quince años que el canónigo de Cádiz [José Sáenz de Santamaría] me pidió hacer música instrumental para ‘Las últimas siete palabras de Cristo’ en la Cruz (...) Después de la introducción, subió el obispo al púlpito, pronunció una de las siete palabras y habiendo terminado bajó y se arrodilló ante el altar. Esta pausa fue completada por la música y así una y otra vez hasta la conclusión...".

El origen de la petición de esta obra está vinculado con la cofradía de la Madre Antigua que se congregaba en la Iglesia del Rosario de Cádiz, que contaba con tres lienzos de Francisco de Goya. Sus integrantes, que eran ilustrados, descubrieron por puro azar una cueva subterránea y continuaron en ella sus reuniones y sus rezos. A través del canónigo don José Don José Saénz de Santamaría, le escribieron a Haydn. “Imagínese de qué estamos hablando. Haydn se quedó asombrado cuando leyó cómo se celebraba la Semana Santa, con todas las imágenes tapadas, incluso el órgano, ese universo oscuro o morado de nuestros ritos. Él aceptó el desafío, le puso música, y yo lo que he hecho es completar algunas cosas durante los distintos sermones, cambiamos a la soprano por el cura habitual de entonces,  y añadirle algunos compases con el mismo ritmo, la armonía y el estilo de una pieza que marcó un nuevo camino. Es una música profunda y genial”.

El concierto ante el Papa de ‘Las últimas siete palabras de Cristo’ de Haydn también llegará a Zaragoza cinco días después: se estrenará el próximo 24 de marzo en La Seo, a las 20.15, en este caso con la soprano española Ana María Sánchez. “Me hace muchísima ilusión. Siento una especial vinculación con La Seo. Tanto el Cabildo como la consejera de Cultura, Educación y de Deporte María Victoria Broto se lo han tomado muy en serio y patrocinan el concierto. Les estoy muy agradecido y soy muy feliz. Fui muy amigo de Joaquín Broto, el gran organista de La Seo, y he estrenado varias obras en la catedral. En otro sentido, entiendo que ambos conciertos son también un respaldo a un proyecto de un misticismo evidente e intenso que nace en España con la ilustración”, concluye José Peris Lacasa.

DESPIECE

José Peris Lacasa es uno de los músicos aragoneses más completos. Según uno de sus mejores conocedores, “habría podido ser el Carl Orff” aragonés. Se formó en Zaragoza, París (donde estudió con Nadia Boulangier) y Munich, y estableció lazos con la generación de la República. Combina todas las facetas: compositor de obra sinfónicas, de pequeñas piezas y de música religiosa, divulgador musical, responsable de proyectos de investigación, cursos y festivales (entre ellos, el Festival Internacional de Música de Alicante, entre 1978 y 1984), y pedagogo en Alicante y en Madrid, donde fue Catedrático Numerario de Música de la Facultad de Filosofía y Letras, en la Universidad Autónoma. Ha rendidos diversos homenajes a la poesía: ha compuesto obras para Juan Ramón Jiménez, Pedro Salinas, García Lorca, Aleixandre y Alfonso X el Sabio, entre otros. Por su ‘Concierto espiritual’ recibió el Premio Nacional de Música en 1965, y nunca ha dejado de crear. La pieza ‘Música grave’ para cuarteto de cuerda es un homenaje a Severo Ochoa y ‘O Sacrum convivium’ fue redactada en memoria de las víctimas de la riada de Biesca, y se estrenó en la catedral de Huesca por el Coro de Cámara de Praga.

*(En la foto, Joseph Haydn por Hardy).

Escribe desde Granada Manuel H. Mateo,compañero de la Universidad Laboral Crucero Baleares, de la promoción 1973-1978:

“…para mí fue inolvidable aquel concierto de Emilio Cao ¿Me creerás si te digo que precisamente este fin de semana he conseguido escuchar de nuevo ese disco suyo? Yo tuve el LP pero no se volvió a reeditar en Cd y un gran amigo Juan Antonio García Cortes "Pele" lo ha pasado a formato digital y llevo todo el día escuchándolo de nuevo... Me asombro porque sin falar galego (soy de Granada) recuerdo, aún hoy en día, todas las letras del disco, un trabajo seminal en la música folk, no solo de Galiza si no del Folk en la península. No sabes cómo me ha alegrado ver tu comentario precisamente hoy que llevo todo el día tarareando a Emilio Cao”.

**Para Manuel esta foto de Emilio Cao.

El “Diccionario de cantantes líricos españoles” de Joaquín Martín de Sagarmínaga, publicado por Acento editorial en 1997, contempla una importante nómina de aragoneses: Mariano Ayneto, Antonio Aramburo, Elvira de Hidalgo, Andrés Marín, Miguel Fleta, Pilarín Andrés, Bernabé Martí o Pilar Lorengar, entre otros. Entre ellos también figura por derecho propio Juan Francisco García Martín, el tenor ligero nacido en Sarrión (Teruel) en 1896 y fallecido en Buenos Aires en 1969 tras una carrera dilatada en la ópera, en la zarzuela, en la jota e incluso en el cine, en colaboración con Edgar Neville, nada menos. El Ayuntamiento de Sarrión, con la colaboración de la Caja Rural y el Gobierno de Aragón, ha publicado un cedé que recupera una buena parte de las canciones, fragmentos de ópera o jotas de su paisano más ilustre: “El tenor Juan García. Temas de una vida”: 23 piezas, la mayoría de ellas grabadas en discos de piedra.

            El cedé contiene un libreto elaborado por el profesor y escritor Juan Villalba y la profesora Rosa Rubio. Villalba ha rastreado en periódicos y revistas una biografía esquinada, llena de datos falsos. El propio Juan García mintió en alguna ocasión a propósito de su nacimiento, dijo que había nacido en 1900, lo cual lleva a errar al Martín de Sagarmínaga en su entrada. Nació en julio de 1896, y fue hijo de Pío y Saturnina. Él era ciego, tocaba espléndidamente el órgano y dirigía la rondalla de Sarrión. “Es mi padre. El pobre viejo es ciego de nacimiento, a quien de chico y de mozo guié por el mundo. (...) Esa desgracia terrible, su desgracia, es la causa de mi gloria. Aprendí a cantar acompañado de la guitarra por él, que me escuchaba embelesado, y que sin duda me suponía como no soy. Su única ventura. En sus sueños me veía conforme deseaba”, contó García. Al parecer, su madre también había alimentado su pasión por la música y su buen gusto en el cante; en particular, lo acercó a la jota.

            La infancia de Juan García transcurrió en Sarrión, Abejuela y Valbona, donde ejercía de cura su tío Elías García. Este fue de los primeros en percatarse de sus facultades canoras y lo mandó internó a Salesianos en Barcelona, donde aprendió las materias habituales de la enseñanza, y además solfeo, guitarra y piano. Más tarde, trabajó como tipógrafo y como empleado de Fomento, y hacía sus primeros pinitos en los coros de zarzuela que actuaban en el Tívoli. Su fama, en círculos reducidos y especialmente en Sarrión y alrededores, crecía a pasos agigantados. Era un magnífico cantante de jota: “El mañico”, allá por donde iba. Vino a Teruel con el afán de ganar una beca de la Diputación turolense, se la denegaron, pero contó con dos mecenas que lo enviaron a estudiar a Milán: Francisco Piquer y su propio tío Elías. Hubo de ganarse el derecho a una oportunidad –tenía como profesor a Arnaldo Galliera- con el sudor de su frente: se empleó de vendedor de tejidos y de pintor de brocha gorda. Cuenta Juan Villalba que un día, mientras encalaba una pared, la soprano Toti del Monte lo oyó cantar. Comentó acerca de su voz: “Algo corta en los agudos, pero hermosa”, anota Juan Villalba, consciente de que esta anécdota bien podría ser un apéndice del mito. El estudioso define así el timbre de García: “Su voz, superligera y algo relamida, suena limpia y atractiva”. A partir de ese descubrimiento, Juan García fue llamado para actuar por teatros de provincias en “El barbero de Sevilla” e hizo, algunos meses más tarde, en 1924, su debut en el Teatro Comunale de San Remo en el papel del Duque de Mantua de “Rigoletto”. Ahí empezaba la espiral del éxito, que duró algo más de cinco años. Hasta principios de 1930. Villalba rescata un divertido y atinado texto de Felipe Sassone: “Juan García pasaba una mala racha e iba con un muestrario de corbatas, calcetines y chalecos de punto a buscar unas liras como viajante comisionista para pagar su pensión en la casa de un cura”, recuerda.

            En la primavera de 1925, Juan García debutó en el Tívoli de Barcelona como protagonista de “Manon Lescaut” de Massenet. Aquel concierto, con la soprano francesa Genoveva Vix, tuvo dos invitados de lujo: Alfonso XIII y la reina Victoria Eugenia. Un crítico subrayó: “Trátase de un tenor que por las notabilísimas facultades que demostró, está llamado a ocupar un puesto preeminente en su arte. Su voz es de timbre agradabilísimo, muy flexible y educada para lograr una exquisita matización”. Luego, García se marchó de gira por Egipto con la compañía de Pietro Mascagni. En diciembre de 1927 se presentó en el Teatro de la Zarzuela con “El barbero de Sevilla”, junto a la célebre y hermosa mezzosoprano Conchita Supervía. Se dice que Juan García dedicó un pequeño homenaje a la cantante que murió en Londres en 1936 tras haber grabado más de 200 discos: “Es España mi nación; // Aragón, la patria mía; // Cantar aquí, mi ilusión; // Mi musa, la Supervía”.  Ambos cantantes fueron recibidos en el Palacio Real y recibieron varios obsequios de oro y de brillantes.

La carrera de Juan García tuvo otros detalles emotivos: actuó en el Teatro Marín en Teruel en mayo de 1929 en dos conciertos benéficos, en el Teatro Principal de Zaragoza, en Sevilla, el Pueblo Español de Barcelona (posiblemente ante 16.000 personas, nada menos). Finalmente, abandonó la ópera y orientó su camino hacia la zarzuela, la jota, la composición poética de canciones (escribió “Morucha”, un éxito al que le puso música su colaborador, el pianista Juan Quintero), formó su propia orquesta y en marzo de 1936 emigró a Buenos Aires, donde se casó con la francesa Lucía Ruhliez. Ya nunca más regresaría a España, pero tenía claro que en Sarrión esperaban que volviese para quedarse.  

*Sé que había colgado aquí en el blog este texto. Lo publiqué un verano en ’Heraldo’. Uno de los grandes conocedores de su trayectoria es Juan Villalba Sebastián. Me manda algunos fotos y cuelgo aquí una. Juan Villalba está trabajando muy duro para seguir aportando datos sobre el tenor y jotero que acabó su carrera en Buenos Aires.

PREMIOS CON SORPRESAS

La gala de entrega de la undécima edición de los Premios de la Música Aragonesa estuvo marcada por el factor sorpresa. Para empezar, la aparición del presentador, Santi Rex, en el escenario se hizo con una actuación no anunciada de Niños del Brasil en formato acústico. Así que antes de presentar, Santi cantó ”Las Calles de Teruel” y justo después se levantó para unirse a Nona Rubio y empezar con las tandas de trofeos.

Otras actuaciones destacadas de la gala fueron las del oscense Pecker (premio a mejor solista) que interpretó Supernova, los zaragozanos Mister Hyde que interpretaron ”Laberintos en la tierra”  justo después de llevarse el premio al mejor EP y los veteranos Las Novias, premio a mejor grupo, que cantaron “El sol dentro de ti”. Pero si hubo una actuación emotiva y poco esperada, fue la que sirvió como homenaje a Pedro Vizcaíno. Pedro es el responsable del sello discográfico Grabaciones en el Mar. Para recoger el trofeo, Pedro salió disfrazado de mmm ¿abeja? y ofreció, vistíendose de esa guisa surrealista, un claro guiño a Sergio Algora. Justo después, subía la pantalla del Teatro Principal y aparecía la Gelmar Orchestra. Un grupo de grupos, una banda formada para la ocasión por algunos de los componentes que han formado parte de la historia de Grabaciones en el Mar. Estaba Sebas Puente (Tachenko), Miguel Yrureta (Caracols, Dream Lover’s, Tachenko y Big City), Sergio Vinadé (El Niño Gusano y Tachenko), Enrique Moreno (Pulmón, Caracols y La Costa Brava), Ricardo Vicente (Pulmón, Tachenko y La Costa Brava) y Javier Almazán (Copiloto). Fue precioso verles cantar a todos ellos el ”Pon tu mente al sol” de El Niño Gusano como regalo sorpresa para Pedro, y por extensión, para todo el público, a pesar de que, como recordó Vinadé, nunca interpretaría ese tema.

La nota de humor corrió a cargo de Charly Taylor, que durante tres veces intentó demostrar su talento con el violín para acabar contándonos sus reflexiones y sin tiempo para tocar. Lo consiguió a la tercera, y sacando una sonada ovación. Alguien disfrazado según la característica imagen  del cantante de Bigott (que no fue a recoger el premio a la mejor portada) también despertó varias sonrisas.

A lo largo de la gala se proyectó el tráiler de “Los chicos de provincias somos así“, el documental sobre la movida musical oscense que ha dirigido Orencio Boix y que recibió comentarios de lo más positivos.

Algunos de los que subieron a entregar premio fueron China Chana, Tachenko, el programa Bobinas de Aragón Televisión y Carmen París que aclaró que así como el año pasado le estiró de las orejas al Ayuntamiento de Zaragoza por el cierre de salas de conciertos, esta vez pedía un aplauso para ellos por el reciente convenio firmado con varias salas aragonesas para apoyar la música en directo. El público respondió con aplausos aunque se repetiría, aunque en mucha menor medida, algún abucheo cuando el Consejero Municipal de Cultura y Grandes Proyectos del Ayuntamiento de Zaragoza, Jerónimo Blasco, entragaba el premio a mejor solista. Blasco respondió que seguirá acudiendo a la gala intentando mejorar.

Los premios fueron muy repartidos, nadie se llevó más de una estatuílla del escultor José Azul, y las propuestas musicales galardonadas, como es habitual, fuero de calado musical muy diferente.

Otra de las sorpresas de la noche la darían Juan Aguirre y Eva Amaral (Amaral) recogiendo el premio a mejor directo y regalándonos otro de los momentos inolvidables de la noche con sus palabras donde remarcaron que seguían tocando con la misma pasión en el pabellón Príncipe Felipe que cuando lo hacían en la sala Morrisey.

Y como en años anteriores, fin de fiesta en El Plata con migas y vino.

Listado de ganadores:

Mejor web musical – www.mueveteendirecto.com
Mayor apoyo al panorama musical – Clic! de Aragón Televisión
Mejor dj – R de Rumba
Mejor video– Tierra de Cierzo de Jorge Nebra
Mejor portada de disco – Fin de Bigott
Mayor proyección – Plasma
Mejor canción en lengua minoritaria aragonesa – Canta triste d’Irina de Mallacán
Mejor EP – Fantasmas de Mister Hyde
Mejor disco autoeditado – Phoenix de Estige
Mejor directo – Amaral
Mejor canción – Ocho brazos para abrazarte de Los Peces
Mejor álbum – Un segundo luminoso de Copiloto
Mejor solista – Pecker
Mejor grupo – Las Novias
Premio especial reconocimiento a una trayectoria – Pedro Vizcaíno, de Grabaciones en el Mar

Los Premios de la Música Aragonesa están organizados por Aragón Musical con el patrocinio del Gobierno de Aragón, Ayuntamiento de Zaragoza, Zaragoza 2016 y Cervezas Ambar, y con la colaboración de Gustaff Room, Aragón Musical Radio, Aragón Suena, Banhoff, Delagua e Insertos Producciones.

*Esta información pertenece al gabinete de prensa de de Aragón Musical, así como la foto con Pedro Vizcaíno disfrazado de Abeja Maya.

Compruebo que mi amigo Rafael Salinas, pianista,profesor y biógrafo de Luis Galve (escribimos los dos el libro de su biografía en el sello Ibercaja) acaba de inaugurar un blog. http://rafael-salinas-tello.blogspot.com/. Este es uno de sus primeros textos donde anuncia sus intenciones. 

OVERTURE

Por Rafael SALINAS-TELLO

Se abre aquí y ahora un ricón del pensamiento, de discreta y austera decoración. En este espacio iré mostrando reflexiones, estudios y traducciones que día tras día rondan por mi mente y van cobrando forma, sin pedir permiso. La música, la interpretación, la educación conviven y confluyen en una especie de danza cambiante. Según el ánimo, la temática, la hora del día, el color de la luz o de su ausencia, la danza se transmuta y obliga a quienes de ella participan improvisar un minué, rodar una giga o dibujar un tamuré...

Todo es válido si tiene un valor o, por el contrario, adquiere valor cuando es aceptado como válido. Pero en este mundo omnívoro en que vivimos la realidad tiende forzosamente a hacerse comestible, sin importarnos su valor nutricional o digestivo vamos haciendo del "probar" el fundamento principal de la experiencia... Alguien me dijo una vez que la tolerancia, expresada en algunos ámbitos de la existencia, esconde en realidad una profunda falta de criterio. Que cuando cualquier forma de abordar un problema se acepta como válida es porque en realidad se desconoce su solución verdadera...

Yo no lo creo así y, además, nuestro mundo exige a voces que el criterio sea múltiple y variado, enriquecedor, desconfiado del yugo que a veces trae lo "verdadero" escondido en su bolsillo.

Bienvenidos pues a este cruce de caminos. Espero sea fonda para el que aquí se detenga y aporte su atención o su juicio, seguro y confiado, como si estuviera en casa, su casa, una casa al fin, la de todos.

*La foto es de Dmitry Chapala.

Me escribe Juan Verón:

Esta tarde presentamos "Itinerario" en Ámbito Cultural de El Corte Inglés a las 19h30m.

Será un acto breve (más o menos) y sencillo con la proyección de tres power point que he montado con fotografías de José Verón mientras escuchamos ocho de las 21 canciones del disco.

Entre medio contaremos con las intervenciones de José Juan Verón Lassa y la mía; aderezadas con muy breves retazos de Pedro Elías Domínguez Coll.

En total 55' escasos. En Calatayud hicimos un acto similar que gustó mucho.

Si estáis en Zaragoza y tenéis un hueco, os animo a que paséis un rato con nosotros.

Musicabrazos de Juan Verón

Hace unos días, publiqué en ‘Heraldo de Aragón’ una entrevista con Juan Verón con motivo de la publicación de 'Itinerario', basado en poemas de su hermano Pepe Verón, poeta, narrador y fotógrafo. Este es el texto completo en un tono más coloquial. La cuelgo aquí por si fuera del interés de algún lector. Juan Verón actuó este martes en ‘Borradores’ de Aragón Televisión, y el programa se redifunde este sábado a las 9.15 de la mañana.

-¿Cuál es el punto de partida de este álbum: las letras de tu hermano o una serie de melodías que andaban en tu cabeza?

R.- No sigo una norma concreta. Cada canción lleva un proceso diferente. ‘La senda errada’ nació durante mis vacaciones en verano de 2005. Cuando leía el poema me sugirió ciertas melodías que grabé por partes utilizando mi cámara de fotos. Mientras esos retazos daban vueltas  en mi cabeza, soñé el estribillo y me levanté disparado de la cama y lo grabé por el mismo procedimiento. Cuando volví a casa monté las partes, las aumenté y les di forma. Con algunos sobrantes de ese material -que no me gustaba para esa canción- y algunas otras ideas que tenía inicié ‘Sombra por venir’.

       A veces pienso en como creo que otros músicos trabajarían un poema concreto e intento meterme en su piel, por supuesto sin copiar nada del compositor en el que puedo inspirarme. Tal es el caso de ‘Guitarra viva’ que nació pensando en Wim Mertens, o ‘La escapada’ que nació pensando en Gabriel Sopeña, que por cierto la canta en el álbum.

-¿Alude el título de ‘Itinerario’ a algo que parece casi una travesía del rock y del pop hacia una música experimental, casi new age en ocasiones?

R.- No lo pensamos exactamente por esta cuestión, aunque encaja a la perfección. ‘Itinerario’ es una buena canción y un buen poema, es un título sugerente para englobar todo el trabajo. También hacía alusión al camino que se habría recorrido a lo largo del libro-disco que inicialmente pretendía ser, con las fotografías y los poemas de José junto a mi música… Y no pudo ser.

¿Podría decirse que hay una buscada falta de estilo y en cierto modo un ejercicio de estilo, tema a tema?

R.- Cada canción es un mundo y no hay un estilo concreto, una línea a seguir. Únicamente seleccionamos las canciones con intención de hacer un trabajo ameno, dinámico, divertido, al margen de lo comercial y de las modas.

¿Has intentado huir de lo convencional, de lo previsible, o ha sido una sensación mía?

R.- Puede dar la impresión de que huyo de ello, pero simplemente no lo busco. Los poemas de José son también parte fundamental para no acercarse al convencionalismo.

-Desde un punto de vista musical, ¿qué aporta este disco con respecto al anterior, ‘Balada del cautivo’?

R.- ‘Balada del cautivo’ es un buen trabajo, pero fue una experiencia nueva muy diferente a ‘Retorno a las ruinas circulares’ o ‘Las horas fugitivas’. Nos sirvió de aprendizaje, sin embargo ‘Itinerario’ tiene una mayor riqueza, es más sugerente y dinámico. Las labores de estudio, arreglos, colaboraciones… han sido mucho más finas, más elegantes, por supuesto sin menospreciar de ningún modo lo anterior.

¿No son demasiadas canciones, 21, aunque seis de ellas sean instrumentales?

R.- Con la calidad y la variedad de las canciones y de las colaboraciones, estoy convencido de que no se hace largo. Para mi gusto, los discos tenían que durar entre 50’ y 70’.

-Háblanos un poco de los poemas de José. ¿Qué encuentras en ellos, qué pensamientos, que emociones o qué idea del mundo ves ahí?

R.- Un buen poema siempre es reconfortante y poder utilizarlo como letra para una canción es una maravilla. José trasmite sensaciones e ideas, a veces muy claras y en otras ocasiones difíciles de comprender, pero en todos los casos, me deja un buen sabor y muchas veces me ayuda a componer una canción o a revisar alguna idea que ya tenía previamente.

 Casi por resumir: ¿cuáles serían los temas esenciales del álbum?

R.- Entre las canciones vocales: ‘La escapada’, ‘Sombra por venir’, ‘La condición varada’, ‘Guitarra viva’ y las cantadas por Francisco García Domingo: ‘El grito’, ‘El porvenir de una desilusión’ y ‘En el silencio’ me parecen imprescindibles. Además de ‘Calatayud II’, ‘Abismo’ y ‘Retrato defensivo’.

¿A veces no temes que siendo buenos para leer, emotivos, parezcan difíciles de cantar, de ajustar a una canción de rock?

R.- A veces no, ¡siempre!. Son complicados, pero me encanta trabajar con ellos. De hecho ahora también he compuesto algunas canciones con poemas de Mariano Castro.

 En esta ocasión, cantas solo un tema. ¿Hay alguna razón, desconfías de tu voz?

R.- Aquí canto ‘Parábola del agua’ porque no quiso hacerlo ningún colaborador y encajaba para mi, pero no soy cantante. No desconfío de mi voz, simplemente la conozco.

 Explícanos cómo han sido las colaboraciones, qué han aportado, cómo has trabajado…

R.- Han sido fundamentales, imprescindibles. El proceso fue costoso y largo, incluso hubo que desechar algunas colaboraciones por no ser adecuadas, pero el resultado ha merecido la pena.

       Preparo unas ‘demos’ con las canciones interpretadas por mi, con y sin los instrumentos a insertar colaboraciones. Los guitarristas (Javier Morte y Jesús Larriba) lo hicieron por su cuenta y me entregaron sus grabaciones. Los saxos (Alejandro Doñágueda) y las voces (Paco García, Santi Díaz, Pedro Lahoz, Conchi Mérida, Gabriel Sopeña, J.Manuel Bueno, Pedro Elías Domínguez, Jesús Brotons y Víctor Martín) se han ido grabando poco a poco, sobre una base que en ocasiones ha cambiado después de forma significativa.

       En mis anteriores publicaciones, las portadas habían sido fotografías de José Verón, pero en este álbum ha habido un cambio generacional y le pedí a su hija Aurora Verón Lassa que hiciera el diseño: sencillo, sobrio y con un gusto exquisito.

¿En qué lugar te coloca este disco?

R.- Eso el tiempo lo dirá ¿no?  Dentro de mi trayectoria es el mejor realizado, el más completo; es más, creo que he puesto el listón muy alto para un siguiente trabajo.

Puede dar la sensación de que Juan Verón es un músico un tanto guadianesco. ¿Cómo vives la música, cómo te relacionas con el mercado e incluso con la industria editorial?

 Tal vez sea así. Sí, creo que lo de guadianesco encaja. He pasado temporadas desaparecido, algunas por prioridades familiares (1997-2002) mientras los niños eran pequeños, pero ahora llevo 7 años de nuevo en activo y con muchísimos proyectos iniciados. Además soy un melómano empedernido y debo ser de los pocos ‘idiotas’ que todavía compramos discos. Me paso el día componiendo, oyendo, tarareando o tocando algo. El próximo 28 de enero presentaremos ‘Itinerario’ en Ámbito Cultural de El Corte Inglés, a las 19h30m. Y por último, acerca de la industria editorial, prefiero no hablar.

¿En quién te reconoces, qué músicos o estéticas te acompañan en tu ‘Itinerario’ creador?

No me veo reflejado en ningún músico o grupo. Suelo componer intentando ser yo mismo sin dejarme influir, aunque ya sé que eso es inevitable y que incluso a veces lo hago, pero en esos casos intento hacerlo adrede, a conciencia. Supongo que aunque sea de forma inconsciente me influirán los Beatles, Pink Floyd, King Crimson, Camel, algunos músicos próximos a la New Age y en definitiva todo lo que me gusté. También oigo cosas actuales; intercambio conocimientos musicales con mis hijos (me parece muy necesario).

*La fotografía de Juan Verón es de Víctor Martín.

Pilar Bayona (Zaragoza, 1897-1979) falleció hace treinta años tras ser arrollada por un coche a los 82 años de edad, poco después de ofrecer un impresionante concierto, por su ejecución y por la dificultad que entrañaba, en el salón de actos de la CAI. Julián Gómez, uno de los impulsores del Archivo Pilar Bayona junto a Antonio Bayona, sobrino de la intérprete, pensó que era el momento oportuno para rendirle un homenaje. Además, casi a la vez, encontró unos dibujos que Pilar solía hacer –“mientras realizaba crucigramas o hablaba por teléfono. Retratos de mujeres, siempre, un poco a la manera de Penagos que tanto mi hermano como yo hemos copiado muchas veces. Si los viera aquí seguramente nos habría preguntado: ‘¿Estáis tontos o qué?”, recuerda su sobrino-, y le pareció que con ellos y las caricaturas que le habían hecho se podía crear un diálogo o un hilo conductor para un libro de ‘30 miradas’ o visiones sobre la artista.

Esas miradas iban a estar redactadas por músicos, alumnos suyos, familiares, escritores, cineastas, amigos u otra gente vinculada a Pilar Bayona. “Todo el mundo dijo que sí de inmediato y el editor Raúl Herrero de Libros del Innombrable aceptó de inmediato la publicación del volumen. Es un libro que nace de la generosidad infinita y del cariño hacia la artista”, señala Julián Gómez. Tanto Julián como Antonio pensaban que el libro podía resultar algo repetitivo, pero a la medida que llegaban los artículos se quedaban casi perplejos. “Es cierto. Nos invadía la emoción. La gente ofrecía visiones muy personales, íntimas y novedosas que redondeaban su biografía. Pienso en nuestra tía Cotito de México, que hace una aproximación muy entrañable y da un dato que no conocíamos: el gran violinista Henrik Szering tocó en Zaragoza y ensayó en casa de nuestra tía”. En el libro se habla de música, del instrumento y de la interpretación, de la sociedad de la época, y al final el lector “se queda con un retrato muy completo, mucho más completo de lo que habíamos imaginado”, señala Antonio.

Agrega Julián: “Yo no la conocí, aunque llevo unos cuantos años trabajando sobre ella. El conjunto de los textos retrata a una mujer cercana y sencilla, y a la vez fuerte y genial. Con carácter y entrañable. Son varias las personas, profesionales de la música y amigos, que la consideran una pianista genial”. Entre los pianistas escriben, entre otros, Joaquín Achúcarro, Pedro Carboné, Rubén Lorenzo, Pilar Armijo, Antonio Baciero; Mariano Esquillor le dedica un poema; Federico Torralba la evoca brevemente; algunos escritores evocan distintos momentos de su trayectoria como Pilar Navarrete, Raúl Herrero, Luis García-Abrines, Julio Cristellys; María Antonio Martín Zorraquino recuerda, y recordó en la presentación del libro en El Corte Inglés, los veranos de la Universidad de verano de Jaca, marcados por la pasión y por la variedad de sus programas de música española. “Su músico favorito era Óscar Esplá”, dijo.

Siempre aparecen cosas nuevas de esta mujer que enamoró a Camón Aznar, a los jóvenes Luis Buñuel y Luis García-Abrines, al periodista Manuel Casanova, director de HERALDO, y probablemente al dibujante Manuel Bayo Marín. Inspiró espléndidas caricaturas de Ugalde, Sanz Lafita, Guillermo Pérez Baylo, Chas…

Julián Gómez y Antonio Bayona estaban especialmente felices porque Jaime Esaín, historiador del arte, les acababa de enseñar algo inesperado: un cuadro de Pilar Burges de la pianista, de espaldas, datado de 1950. La presentación del libro fue especialmente emotiva y se convirtió también en una vindicación del desaparecido concurso de piano ‘Pilar Bayona’. “Eso –se oyó decir- no solo honraba su memoria: honraba a Zaragoza, a Aragón y a la música en general”.

*Esta fotografía de Pilar Bayona, de 1936, la tomó Jalón Ángel y pertenece al Archivo Pilar Bayona que dirigen, enriquecen y coordinan Antonio Bayona y Julián Gómez. El libro 'Pilar Bayona. 30 miradas' lo acaba de publicar Libros del Innombrable, el sello de Raúl Herrero. Isabel Fernández Echeverría realizó una ilustración de contraportada.

El fotógrafo José Miguel Marco, siempre al acecho de las mejores fotos ajenas, me envía una tira de siete fotos sobre el rey Elvis Presley. A mí, aunque el tiempo no sea veraniego, me gusta especialmente esta de Ann Margret y Elvis de la película ‘Viva Las Vegas’, rodada en 1964.

La soprano zaragozana Pilar Torreblanca vuelve al escenario de la sala Mozart del Auditorio para interpretar un concierto con la Orquesta Sinfónica de la Radio Nacional de Ucrania y los Niños Cantores de Kiev, bajo la dirección de Vladimir Sheiko.

Tras el grave atropello que sufrió la cantante el pasado mes de octubre, a consecuencia del cual ha tenido diversas fracturas vertebrales y costales; gracias a los avances de la ortopedia, no ha querido perderse esta cita con el público zaragozano.

Pilar Torreblanca  es una de las grandes intérpretes del bel canto en Aragón, junto a Elvira de Hidalgo, su maestra Pilarín Andrés y Pilar Lorengar.

Realizó su debut operístico de la mano del gran divo del siglo XX Giuseppe Di Stéfano, maestro de Pilar, junto con Alfredo Kraus y Renata Scotto.

Ha interpretado el rol protagonista de grandes óperas del repertorio “Bel cantista”, Norma de Bellini, D. Giovanni o Bodas de Fígaro de Mozart, Alceste de Glück, Ana Bolena o Lucrezia Borgia de Donizetti, Semirámide o la Donna del Lago de Rossini,… entre otras.

Ha recorrido España y numerosos países (Francia, Italia, Inglaterra, Alemania, Rusia, Bielorusia, Ucrania, República Checa, Finlandia, Noruega, EE.UU., Argentina, Chile, Sudáfrica,…) en sus actuaciones; tanto operísticas, con recitales o conciertos con repertorio de oratorio.

En la actualidad comparte sus actuaciones con su labor docente. Imparte clases de técnica vocal e interpretación y realiza cursos y Master Class de “Gestión del pensamiento Emocional para cantantes líricos” en diversas Universidades y Cursos de Interpretación.

En el presente año, Pilar conmemora su 25º Aniversario como cantante, con una serie de conciertos que la van a llevar por toda la geografía española e Iberoamérica.

La cita es hoy domingo, a las 11,30 horas, en la sala Mozart del Auditorio de Zaragoza.

*Esta nota está remitida por Encarna Pelegrín de Allegro Comunicación. La foto corresponde a Michelle Magdalena.

Coincidiendo con el 30 aniversario de su muerte, un 13 de diciembre de 1979, fue arrollada por un autobús, Antonio Bayona y Julián Gómez, que cuidan el Archivo Pilar Bayona, han preparado el libro ‘Pilar Bayona. 30 miradas’, editado por Raúl Herrero en su sello Libros del Innombrable. El libro ha quedado muy bonito: escriben Joaquín Achúcarro, Antonio Bayona, Pilar Armijo, Emilio Casanova, Teresa Catalán, Julio Crystellis, Rubén Lorenzo, Pedro Carboné, Pilar Navarrete, Álvaro Zaldívar, José Peris, Maite Iranzo, Luis García-Abrines o, entre otros, el joven poeta Juan Marqués, que publica aquí su primer cuento. El volumen incorpora caricaturas, pentagramas, recuerdos, etc. Ha quedado un volumen muy cuidado. Hace años algunos, con la colaboración de Julián y Antonio, y la complicidad de las Cortes de Aragón y Fernando Sanmartín, Dolores Durán (que está a punto de ser madre de gemelos: José Manuel y Daniel) y yo organizamos la exposición ‘Pilar Bayona. La pasión por la música’. Esta ha sido mi aportación a este libro colectivo que se presentará el día 14 en Ámbito Cultural de El Corte Inglés.

LA PIANISTA Y LA LUZ DE LA MÚSICA

Cuando llegué a Zaragoza, al pasar por el Ebro, alguien me habló de Pilar Bayona. Es menuda, debió ser bella, y toca como un ángel. Toca como un ángel enloquecido a los 80 años. En aquellos días de otoño, o quizá de invierno, aún no sabía lo que era el cierzo, y hacía muchos, muchos años que no había visto la nieve. A los pocos días, vi la nieve, una bicicleta en el Portillo que se hundía en la nieve y un cartel que anunciaba un concierto de Pilar Bayona. ¿No era la pianista, ese manojo de nervios y de músculos que hacía brotar pájaros de lluvia y de fuego de las teclas? Iría a verla con mi trenka marrón y mis verdes botas de payaso errante.

Unos días después, casi como un aperitivo inesperado, vi que había un pequeño concierto en un salón más bien íntimo. Alguien me dijo: “Sube. Serás mi invitado”. Y subí. Allí, al poco tiempo, apareció una intérprete delgada y ya madura. Pilar Bayona. Es curioso: no la había visto nunca y tenía para mí el significado de un mito o de una leyenda que acababa de nacer y se extendía como el vértigo por mis venas, por mi piel y mi cerebro. Pilar Bayona. Llevaba un vestido oscuro, con algún detalle blanco y plateado, y avanzaba encorvada; repartía sonrisas. Estaba concentrada. No necesitaba partituras. Alguien dijo: “Pilar Bayona es nuestra pianista más internacional, no necesita presentación. Es como una farola o el alumbrado público: siempre brilla y nos ilumina los mejores sueños con la luz del piano”. Me sorprendió el símil, pero aún más me sorprendió la interpretación. Fue asombrosa. Jamás había oído nada igual. Mi amigo, tan reciente que ni siquiera sabía su nombre, me trajo un programa de mano y me dijo: “Acércate y te lo firmará". Ante mi zozobra, él lo hizo por mí, y le anunció: “Se llama Antonio y viene de lejos solo para verte. Está loco por tu música”.

Era la primera vez que me ruborizaba en Zaragoza. Cuando me iba, Pilar se me acercó y me dio un sobre amarillo, con una entrada. Me guiñó un ojo. Era para el concierto que iba a dar en Independencia 10. Su último concierto. Lo recuerdo muy bien. O me digo a menudo que lo recuerdo muy bien: su cuerpo encorvado, sus manos interminables, sus dedos como espadas, su movimiento eléctrico, su modo de saludar. Aquel concierto fue precioso, el más hermoso de mi vida. O, en realidad, se transformó luego en el concierto más inolvidable de mi vida. Luego, y ahora al recordarlo. Luego: cuando supe que había sido una niña prodigio, cuando supe que había estado en la Residencia de Estudiantes y que poseía una memoria prodigiosa, sentido del riesgo y un gusto insaciable por tocar. Luego, meses después, supe que había enamorado a Luis Buñuel, José Camón Aznar o al joven Luis García-Abrines. Y quizá a Juan Eduardo Cirlot. Este, embrujado por su belleza y por su virtuosismo, le dedicó palabras hermosas de poeta. Igual que intenté hacer yo, a mis 20 años, cuando escribí para ella y solo para ella: “Pilar Bayona desordena el mundo tan solo con un meneo”. Aún guardo el sobre con su entrada y con el programa de mano dedicado.

*Esta ilustración es de José Luis Cano y pertenece a su libro 'Zaragoza', que publicó el sello valenciano Media Vaca.

Inicialmente Bernabé Martí no tenía ganas de hablar. Decía que la famosa era su mujer, que a ella sí que había que entrevistarle y que llevaba con orgullo eso de ser el señor Caballé. La entrevista se realizó en compañía de su amigo José Luis Lasala, y cuando caía la noche, Bernabé Martí salió disparado para dormir en su pueblo, su refugio a voces. Antes nos dejó sus recuerdos.

            --Nací en una familia muy humilde. Mis padres eran ya muy mayores. Tenía un hermano de padre que me llevaba 31 años. Mi padre se casó dos veces y la primera mujer se le murió a los dos años, y luego fue cuando se casó con la que era mi madre. Con mi hermana mayor, Inocencia, me llevo 24 ó 25 años. Yo era el tardano. Hay una ermita que se llama la Virgen de la Sierra, de finales del siglo XV, dicen que si fue un monasterio del camino del Santiago. Era grande, con muchas habitaciones; hubo sacerdotes y santeros que vivían allí. El santero que subía tenía ganado y administrada un poco las tierras que había, pero se trasladaba más por vocación que por enriquecerse. Mis padres, en los años de la Guerra Civil, que afortunadamente apenas llegó a Villarroya, al saber que la casa se iba a cerrar sin nadie, pensaron que no podía ser que el santuario de la Virgen de la Sierra se quedase solo. Dejamos lo poco que teníamos en el pueblo y junto con un cuñado, mi hermana, que ya tenía una hija, y mis padres nos subimos allí con un rebaño de cabras y unas ovejitas. A mí me tocó ir con las cabras los dos años que estuve allí. Contaba nueve años.

            --Ha dicho que ustedes eran los santeros. O sea, los ermitaños...

            --Sí, sí. Vivíamos allí toda la familia. Mi padre y mi cuñado subían y bajaban.Teníamos tierras pobres, campitos muy pequeños. Sembrábamos un poco de cereal, sin descuidar lo poco que había en el pueblo, mi cuñado bajaba con las mulas por un camino infernal. Recuerdo que alguna vez se nos murió una oveja y que la bajamos al hombro los catorece kilómetros que hay. Teníamos dos o tres cerdos grandes y, como allí no podíamos matarlos, los bajamos a Villarroya por el sendero cubierto de peñascos y matorrales. Salimos mi hermana y yo con los cerdos antes del alba, y los dos o tres primeros kilómetros caminaban bien, pero luego empezó a salir el sol. Nos costó bajar dos días con los cerdos a Villarroya. Los animales andaban uno, dos, tres pasos y se echaban. No había forma de obligarlos a avanzar.

            --Cuando cuenta que en la Guerra Civil no ocurrió nada, ¿qué significa eso? ¿No hubo asesinatos ni paseos ni venganzas?

            --Muy pocos porque hubo unas personas que fueron muy inteligentes y supieron poner paz. Entre ellos, el cura que está enterrado en la Virgen de la Sierra, Bienvenido Moreno. Y otras personas que eran buenas y que amortiguaron todo lo que podían. Porque, como pasó en todos los pueblos, había aquellas envidias y odios de las derechas y las izquierdas, más que nada fruto de la ignorancia.

            --Pero, ¿se daba cuenta el niño de lo que ocurría?

            --Se oían los estruendos de los cañonazos que venían de cerca o de la parte de Zaragoza. Eso era casi todo.

            --Villarroya de la Sierra es tierra de músicos. No lo digo sólo por usted, sino por don Manuel Cestero que tocaba el trombón, o por el director Ángel Millán.

            --Este Manuel, Patato lo llamamos, es cuñado mío y aún vive. Tendrá 84 u 85 años. Fue el primero que quiso que yo entrase en la academia para que aprendiese mis primeras notas de solfeo. Mis padres me compraron un saxofón, y empecé a tocar en la banda, claro, hasta los 20 años, en que me fui del pueblo. No sabe lo que nos divertíamos allí porque salíamos a los pueblos de los alrededores y casi todo lo que ganábamos lo gastábamos después en meriendas. Villarroya llegó a tener 3.000 habitantes, ahora sólo quedan 600 ó 700.  En la banda estaríamos unos cuarenta miembros o así.

            --Si uno va a Villarroya y pregunta por usted, los vecinos desovillan una atractiva leyenda: que si el joven rabadán cantaba entre los rebaños, y de repente todos se quedaban deslumbrados. ¿Es verdad?

            --No tanto. Cantábamos en la misa y el cura me decía: "Tú tienes una voz, Bernabé". Yo tenía un hermano aquí en Zaragoza, en la polícia armada. Vine aquí unos días, y no sé quién me dijo que había una señora mayor que entendía mucho de voces. Se llamaba Ascensión Vitored. Me hizo vocalizar y ahí descubrí lo que era un do de pecho. Se lo expliqué a don Bienvenido. "Ya te lo decía yoooo", contestó. Era muy baturrico. "Mira, tenemos que ir a que te oiga don Juan Azagra, el maestro de capilla del Pilar". Regresé ex profeso y me acompañó el cura. Don Juan Azagra me oyó. "Ay, tiene una gran voz, pero esta carrera es muy difícil". Estuve un año aquí en Zaragoza viviendo en casa de mi hermana e iba a estudiar todos los días con los Infanticos del Pilar y con don Juan, que me daba lecciones de solfeo.

            --Aún no ha aparecido la figura de Calixto Martínez.

            --Viene más tarde. Don Juan Azagra me dijo: "En fin, ahora de solfeo conoces bastante, tendrías que irte con un profesor bueno de canto". Me fui a Madrid. Y allí estuve dos años estudiando en el Conservatorio; volví a Zaragoza, y solicité una beca de la Diputación para ir a estudiar afuera. Aquí intervienen don Calixto Martínez y don Constancio Estéve. Los dos fueron mis segundos padres. Calixto tenía varias tiendas y Constancio pertenecía a una familia de Calatayud, que tenía fábrica de harinas y de licores, y el mismo monasterio de Piedra. Ambos fueron los que ayudaron los dos años que estuve primero en Roma, en el Conservatorio de Santa Cecilia, y luego un año y medio en Milán. En Siena vencí en un concurso y me eligieron para cantar una ópera, Hécuba, del maestro Bruno Rigazzi. Le voy a contar una anécdota pero esto no tiene gracia precisamente. A  mí me vistieron de romano con aquellas falditas cortas y la que nos dirigía la escena, Marcela Bogoni, me preguntó: "¿Llevará pantalones debajo?" "Me he olvidado", le dije con malicia. "No puede salir así..." "Ahora ya no tengo tiempo de ir a ponerme nada --contesté-- Ya ataca el maestro". "Madre mía, no se le ocurra agacharse". La estaba engañando: llevaba mis slips, naturalmente.

            --Estuvo en Roma, en Siena y en Milán. Parece que Italia es el gran mundo de la ópera. ¿Qué sensaciones experimentó en aquel mundo profesionalizado y sugerente?

            --Milán era entonces la cuna del canto en Italia. Vivir en Italia te daba la oportunidad, aunque tuvieses poco dinero, de ver alguna representación, y allí vi a Corelli, Di Stefano, Del Monaco, me parecieron semidioses. Me quedé deslumbrado por los teatros, la preparación, la orquesta, aquellos escenarios.

            Atraído por la sabiduría de Alberto Herede, se trasladó a Düsseldorf donde intervino en La vida breve, El caballero de la Rosa, Salomé. Las cosas no fueron demasiado bien, pero le dieron unas cartas de recomendación para Basilea y Bremen --entonces iniciaba su carrera una joven soprano llamaba Montserrat Caballé--, y retornó a Zaragoza desesperanzado. Volvería a Villarroya de la Sierra a cumplir su sueño infantil de vivir en el campo entre los animales y los surcos. Tiempo atrás había estado enamorado de una joven del lugar que no le hacía caso. No lo hizo: lo esperaba el Liceo y La cabeza del dragón. 

            --Esto fue después, en Barcelona. Me vine a Zaragoza y le dije a mi hermano: "Dejo la carrera de canto y me voy al pueblo". De pastor yo era el hombre más feliz del mundo. No pensé nunca irme del pueblo porque me gustaba la tierra y me sigue gustando. Don Calixto me dijo que eso no podía hacerlo. Me marché a Barcelona y efectué una audición en el Liceo y me eligieron para cantar La cabeza del dragón. La noche del estreno me aplaudieron después de la romanza. Tan nervioso estaba que dije: "No me aplaudan a mí, aplaudan ustedes al maestro". Alargué la mano como si quisiera decir: "Maestro, vamos a repetir". Tuve que hacer un bis. Ya no hice ese gesto nunca más.

            --¿Por qué tenía tanto miedo?

            --Voy a decirle una cosa: muchos años más tarde, cuanto tuvimos que suspender Norma en París con Montserrat, por primera vez fui a un especialista de tráquea, pulmones, etc. Y en cuanto me vio me dijo: "¿Cómo hace usted para cantar? Usted ha debido de tener dificultades de joven: la mitad del pulmón izquierdo la tiene toda enquistada, con una pleuritis, y no le funciona. Ha debido tener un principio de tuberculosis, pero hace mucho años. Cantar le habrá costado un tremendo esfuerzo". La belleza de mi voz, si es que tenía alguna, estaba sobre todo en el registro agudo. "Afortunadamente --me dijo el médico--, usted ha nacido con una tráquea amplia, si no usted sería asmático. No se va a morir de esto, tampoco se va a curar pero se aliviará tomando unas pastillas de Bisolvón". No descansaba nada cantando. Después de que llevaba un tiempo tomándomelas, llegué a disfrutar en la función porque podía hacer lo que sentía. Vino mi mujer aquel día al médico y nos dijo: "Para su mujer cantar es fácil porque si tiene un 90 de ventilación puede dar el 90. A usted, el 90 que tenía se le queda en un 70. Sé lo que le cuesta cantar".

            --Ya ha salido su mujer. Creo que se conocieron en La Coruña.

            --Sí, sí. Cuando yo vine después de cantar La cabeza del dragón del Liceo, estaba viviendo en casa de Miguel Fleta Pierre en Barcelona. Miguel es un hombre todo corazón y espontaneidad y conmigo se portó de maravilla. Una mañana me dijo: "Bernábe, tienes que ir a cantar Madame Butterfly a La Coruña". "¿Cómo? Si no me la sé". "Sí que te la sabes, has cantado el dúo". Cantar Madame Butterfly era una locura y yo debía sustituir al prometedor Alfonso de la Morena. Compré la partitura en la Carrera de San Jerónimo y me la fui estudiando en el tren de La  Coruña hasta las nueve de la mañana. Yo había cantado ya un Rigoletto, sin apenas ensayos ni nada, en Barcelona, en el Teatro Calderón, Montserrat me oyó porque había venido de vacaciones. Le interesó mi voz y se acordó de mí para Madame Butterfly. Se ve que estaba tan preocupado que al terminar --Madame Butterfly acaba con un beso--, ni beso ni nada. O no lo di o lo di mal. A Montserrat no le gustó. Teníamos un amigo común en Barcelona. "Ha estado la Caballé". "¿Y qué?". "Dijo de ti que tenías buena voz, pero que parecías ser un poco tímido". Me enfadé o me dio un arrebato de coraje: por tonto no quería que me tomasen. Resulta que yo ya tenía el contrato firmado para cantar un concierto en el Liceo de Madame Butterfly con Montserrat. La partitura la estudié y la aprendí en seguida, tenía facilidad. Nos salió una representación espléndida, el teatro se venía abajo. Terminó el dúo, nos abrazamos y nos arreamos un beso como Dios manda. Debió ser el destino, no sé: a los 30 ó 40 días ya salíamos y ocho meses más tarde estábamos casados.

            --¿Había dejado de ser tímido?

            --Empecé a conocer a Montserrat, empecé a tratarla, empecé a ver sus cualidades, cómo era. ¿Que qué me atrajo de ella? Vi que era una persona extraordinaria, que amaba a la familia, a sus padres, a sus hermanos, y yo pensé que si era así, también podría amar a los hijos y al marido. No me equivoqué en este sentido porque los padres siempre estuvieron viviendo con nosotros. Los suyos, los míos ya habían muerto, aunque mi madre vivió hasta los 97 años y aún me oyó cantar.

            --A partir de aquí empezó usted a cantar en todas partes: en el Carneggie Hall, en el Metropolitan, La Fenice de Venecia, el Teatro de Palermo, el Principal de Zaragoza. Conoció usted a todas las grandes artistas: Renata Tebaldi, Joan Sutherland…

            --Con ella canté Norma, tres o cuatro veces...

            --¿Y María Callas?      

            --La conocimos en Nueva York porque una noche nos llamó una señor de la casa discográfica La voz de su amo, y nos invitó a cenar. María fue muy amable y simpática, mostró una gran cariño hacia Montserrat y hacia mí. Nos dio consejos extraordinarios, no sé si ella ya conocía un poco nuestra trayectoria. Nos dijo: "Continuad como estáis. Vais bien". Ella no tuvo suerte en su vida sentimental. Volvimos a verla en París. Montserrat y yo teníamos que cantar Norma, en el Teatro de los Campos Elíseos, en una función en forma de concierto. Estando en el hotel, hacia las cinco o seis de la tarde, recibimos una llamada. "Montserrat, soy María". "¿María, María?". "Soy la Callas". "¡Oh! ¡Qué tal! ¿Qué quieres?". "He pensado que por qué no os venís a cenar en mi casa esta noche". Montserrat no conocía todavía la anulación del concierto, se había cancelado por una huelga de sindicatos. Fuimos a cenar a su casa, pero entonces ya estaba muy tocada. Eran los años 70 y se le veía una cierta tristeza porque su gran ilusión, su gran amor, había sido Onassis. Se le escapó de las manos y le quedó una gran amargura.

            --Y cuando usted le dijo que era aragonés como su maestra de canto, Elvira de Hidalgo, ¿se emocionó?

            --Habló algo de ella, tampoco demasiado. Sentía un gran cariño, un gran respeto. Sabía que le debía mucho a Elvira de Hidalgo.

            --Eso de cantar con su mujer y ver cómo se convierte en una de las prima donnas de la ópera, ¿cómo lo llevó?

            --Fantásticamente bien. Canté, procuré hacerlo lo mejor posible, me entregué a ello con toda mi pasión, sé que en algunos sitios lo hice no mal del todo, y ahí dejé lo que dejé. Pero para mí, después de casarme con Montserrat Caballé y después de haber tenido un pequeño aviso del corazón, estando en San Francisco, pues probablemente hubiera sido lo mismo. Para mí lo importante era mi familia, mi mujer y mis hijos, claro. Nunca sentí nostalgia o envidia, nunca me dije: "¡Caray, la carrera que podía haber hecho yo!" Me he empeñado en hacerlo todo con instinto de perfección. El día que supe que no podía responder a cierta cosas que yo sentía dentro de mí por una dificultad física me quedé hasta más tranquilo. Aliviado. Más que tenor, soy campesino. Me gusta la naturaleza, el campo, el paisaje, mi pueblo. Me dije: "Si Dios no ha querido que yo fuese mejor, pues, alabado sea". Soy creyente, rezo todas las noches a la Virgen de la Sierra y a la Virgen del Pilar.

*Hace algunos años le hice esta entrevista a Bernabé Martí. La encuentro entre algunos archivos míos y la rescato para el blog. Me parece muy interesante. En la foto, vemos a Montserrat Caballé y Bernabé Martí, tenor de Villarroya de la Sierra (Zaragoza).

ÚLTIMOS DÍAS PARA VOTAR EN

LOS XI PREMIOS DE LA MÚSICA ARAGONESA

31 DE DICIEMBRE, ÚLTIMO DÍA

Últimos días para poder votar en los XI Premios de la Música Aragonesa. Hasta el próximo 31 de diciembre, se podrá votar desde Internet,  para elegir a los mejores de 2009 en cada una de las 14 categorías, a las que los artistas aragoneses optan, con sus trabajos musicales editados o actividades realizadas durante este año.

La elección de los cuatro candidatos en las distintas categorías, son elegidos mediante votación popular y exclusivamente desde Internet, siendo válido un solo voto por persona y categoría. Una vez elegidos por votación popular los cuatro candidatos, este año como novedad, será un jurado establecido con un amplio número de miembros involucrados directa o indirectamente con la cultura aragonesa, el que decida, el mejor en cada categoría.

Los Premios de la Música Aragonesa (PMA) son la puesta de largo anual que sirve como reconocimiento a la labor de los distintos implicados en la música aragonesa. La entrega de los mismos se realizará en una gala el próximo 2 de febrero, en el Teatro Principal de Zaragoza, donde se darán lugar distintas actuaciones relacionadas de algún modo con las propuestas musicales votadas y otras no musicales que amenizan el evento. Estos  son unos premios organizados por Aragón Musical, con el patrocinio del  Ayuntamiento de Zaragoza, Zaragoza 2016,  Diputación General de Aragón y Ambar.

LAS CATEGORÍAS:

Mejor Web. Sitio en Internet relacionado con la escena musical aragonesa.

Mejor Vídeo. Trabajo en formato audiovisual correspondiente a una canción, reportaje, documental, concierto ó videoclip de cualquier aspecto relacionado con la música en Aragón.

Mayor Apoyo. Entidad pública o privada, colectivo o persona que ha apoyado al panorama musical aragonés.

Mejor  Discjockey. Artista encargado de seleccionar y poner música, sea del estilo y formato que sea, en diferentes escenarios aragoneses.

Mejor  Directo. Concierto de grupo o solista aragonés.

Mejor Canción. Tema musical de grupo o solista aragonés.

Mejor Canción en Lengua Minoritaria de Aragón. Tema musical cuya letra esté escrita en alguna de las distintas hablas minoritarias autóctonas aragonesas.

Mejor EP. Grabación presentada en cualquier formato de audio, también desde Internet, con un mínimo de 3 y un máximo de 6 canciones.

Mejor Álbum autoeditado. Grabación autoeditada presentada en cualquier formato de audio, también desde Internet, con un número mayor de 6 canciones.

Mejor Álbum. Grabación no autoeditada, presentada en cualquier formato de audio, también desde Internet, con un número mayor de 6 canciones.

Mejor Portada. Mejor diseño gráfico correspondiente a la portada de una grabación sonora, en formato físico o digital.

Mayor Proyección. Grupo o solista aragonés con mayor posibilidad de comenzar una trayectoria profesional en el mundo de la música

Mejor Solista. Artista masculino o femenino -en singular- cuyo proyecto musical no necesite la implicación de otros miembros.

Mejor Grupo. Conjunto formado por dos o más personas que desarrollen cualquier estilo musical con una formación estable.

Premio Especial a una trayectoria musical destacada. Reconocimiento a una trayectoria relacionada con la música aragonesa de un grupo, solista, persona o entidad (premio que otorga directamente, Aragón Musical).

Web oficial:  www.premiosdelamusicaragonesa.com

*Esta información pertenece al propio portal. La foto es de Alec Soth: ellos son laura y steve.

El pasado martes se presentaba en La lata de bombillas de Zaragoza el libro de Mark Kozelek, Noches de tránsito, primera entrega del sello editorial de nueva creación Los libros del Señor James.

Una edición que incluye el Cd Find Me, Ruben Olivares, grabado durante su última gira española, entre otros locales de concierto, en la zaragozana Lata de bombillas.

Mark Kozelek, cantante y músico norteamericano, fundador de uno de los grupos míticos de los años noventa, Red House Painters, y, en la actualidad, del proyecto Sun Kil Moon, es autor de una sólida colección de canciones de acusada impronta literaria. Noches de tránsito reúne la totalidad de estas canciones en edición bilingüe inglés-español. El escritor y traductor Ezequiel Martínez Llorente, quien el año pasado tradujo las memorias de Woody Guthrie y recientemente ha publicado Unos calcetines blancos con Eclipsados, ha sido el encargado de la traducción.  (Ezequiel Martínez Llorente hablará próximamente de este proyecto en el programa ‘Borradores’ de Aragón Televisión).

¿Qué son Los Libros del Señor James?

Nacen Los Libros del Señor James con la intención de ser una colección de libros con personalidad múltiple, una biblioteca miscelánea donde quepan distintas procedencias, géneros y estilos. Sea la traducción de canciones en inglés, como las Noches en tránsito del norteamericano Mark Kozelek con quien se inaugura el sello; sean aforismos eufóricos, narrativa esquinada del siglo XX, ensayos para subrayar o autores pertenecientes a la antigüedad clásica, que son los asuntos que guardan turno de salida en la cartera del Señor James.
Los Libros del Señor James intentan abrirse a itinerarios transversales que comuniquen diferentes ámbitos de la cultura y el conocimiento, la canción y la filosofía, la novela corta y la poesía, el aforismo y el ensayo, la palabra en inglés o en francés o en griego o en alemán y la palabra en castellano, la escritura y la lectura. Poco le importa al Señor James que sus libros formen parte del pop, de la tradición moderna o la filosofía clásica, los atiende a todos por igual, los mezcla en los anaqueles de su imaginaria biblioteca como si se tratara de capítulos de una misma historia.

 
El Señor James es un personaje de ficción. Y, como todos los de su especie, tiene sus manías, sus obsesiones, sus peculiaridades. Como el Werther que imaginase Goethe, o como el Capitan Achab que persiguiese a la ballena blanca, como tantos otros, fantásticos o estrambóticos, el Señor James escribe su propia aventura. Es cierto que no va en busca de un tesoro lleno de doblones de oro, que su objetivo es otro: construir una biblioteca, su biblioteca, y compartirla. Pues su pasión son los libros hermosos, grandes y pequeños, de todas las épocas y géneros, de donde vengan, en cualquiera de las mil lenguas. Su único criterio es la belleza.

Los Libros del Señor James acaso vivan en los márgenes pero no son marginales; están hechos desde la independencia, ajenos a las dominantes de la industria, pero se vinculan estrechamente a la pasión de aquellos lectores que, atentos, como el Señor James, gustan tanto de la sorpresa como de la sabiduría.

Los libros del Señor James es un proyecto dirigido por Ignacio Escuín, Pablo Lópiz, David Mayor y León Vela. Emprenden su ruta acompañado por la Editorial Eclipsados y el taller de diseño Vaca Resing, sin cuyo talento, apoyo y soporte estructural no hubiera sido posible botar este proyecto. 

Dicen que uno escribe de la misma manera que vive. El Señor James está convencido de que los libros se editan como se vive. Su biblioteca también es una biografía.

http://loslibrosdelsr-james.blogspot.com/

http://www.nochesdetransito.blogspot.com/

*Esta nota me la remitió hace unos días el poeta David Mayor Orgillés.

Esta noche he recibido en mi blog esta sugerencia para oír a Franco Battiato:

Hola, invito a todos los admiradores de Franco Battiato a escuchar esta radio específica que gestiono desde agosto, Radio Battiatohispano:

http://www.radionomy.com/battiatohispano.aspx   http://listen.radionomy.com/battiatohispano.m3u
Es un proyecto que merece tener éxito. Apoyad esta radio dedicada a Franco Battiato y su amplio mundo. Escuchad Radio Battiatohispano. Gracias. Pilar Mulas

GARY GELD & THE DEAD MONEGROS PUBLICA SU DISCO

Gary Geld and The Dead Monegros ya ha publicado su primer disco ‘Long gone Gary’. Se presentará este jueves, a las 21.30, en el Café Hispano. Yann Leto dice muy escuetamente que la formación -que contará con miembros de Picore, Tachenko, Guisante y No truck truckers- realiza country folk.

Yann Leto, su líder, ha creado un personaje  como Gary Geld, que procede de Arizona y que trae sus canciones y sus temas personalísimos.

Está acompañado por Mary Brown (Cecilia de Val, galardonada fotógrafa, incorporada a la galería Cámara Oscura y Spectrum Sotos), Lee Boy, Matacabras Jimenez, Jon Smith y Rafa ‘Pistolero’ Domínguez.

El disco se grabó, con Rafael Domínguez, en La Cafetería Atómica y consta de diez canciones. Creo que puede ser uno de los grandes discos del 2009 y del 2010. Es una auténtica maravilla. El próximo domingo trece, Gary Geld & The Dead Monegros actúa en ‘Borradores’ y tocará dos temas: ‘Heaven’ y ‘Laundry’ (Aha!)

*Interior del disco de Gary Geld.

Reino de Goneril reedita el libro que le dedicó a la actriz y cantante turiasonense su primer marido Enrique Gómez Carrillo

Raquel Meller siempre despertó grandes pasiones. En un joven marinero belga, Peter Moeller, de quien tomaría su nombre artístico; en el pintor Joaquín Sorolla, que le realizó un espléndido retrato en 1918; en el propio Charles Chaplin. Quizá el mayor acto de amor que recibió Francisca Marqués López (Tarazona, 1888-Barcelona, 1962), de artista Raquel Meller, fue el de su primer marido Enrique Gómez Carrillo (Guatemala, 1873-París, 1927), con el cual se casó en el verano de 1919 y se separó tres años después. Aquella boda civil en Biarritz tuvo por testigos de excepción a Benito Pérez Galdós y al conde de Romanones. En ese lapso de convivencia, el bohemio, diplomático y escritor guatemalteco redactó un curioso libro titulado sencillamente ‘Raquel Meller’, para el que escribió un elaborado retrato de la mujer y la artista, y además logró que un conjunto de intelectuales españoles -desde Manuel Machado a Benavente, desde María Guerrero a Leopoldo Romeo, director de ‘La correspondencia’, desde Tórtola Valencia a Mariano Benlliure- definiesen las virtudes de la intérprete en un auténtico torrente de elogios. La reedición de este libro, fechado entre 1919 y 1922, acaba de inaugurar una nueva colección en el sello Reino de Goneril de Jesús Egido.

El volumen, ilustrado por dibujos de Carlos Vázquez (1869-1944), lleva un prólogo de José Esteban, que arranca así: “Sin temor a equivocarnos, Raquel Meller fue y sigue siendo la más internacional de nuestras artistas de todos los tiempos. Sus triunfos en Europa y América lo atestiguan y certifican”. La define como “cantante, cupletista y actriz del cine español”, y realiza una travesía por su vida. Raquel Meller residió en Tarazona, Tudela y Montpellier, donde la reclamó una tía para que ingresase en el convento, y luego se trasladó a Barcelona. Trabajó de modista. Gracias a la cantante Marta Oliver se inició en el mundo de la farándula: primero fue La Bella Raquel, y luego abrazó su nombre definitivo. Inició sus actuaciones en la sala La Gran Peña  y en 1911 debutó en el Teatro Arnau, ya por entonces cantó dos canciones del maestro Padilla, a las que debe su inmortalidad: ‘La violetera’ y ‘El relicario’. El éxito la llevaría a diversos países de Latinoamérica.

En 1917 había conocido a Enrique Gómez Carrillo, de quien la leyenda decía que había sido amante de Mata-Hari. Se casaron en 1919. La luna de miel transcurrió por París, Londres, donde se dice que coincidieron con Aldous Huxley, y por Buenos Aires. No se entendían: tenían caracteres opuestos, ella era dada a la soledad y a la  reclusión, él era mundano y seductor. Después de la separación, rodó ‘Violetas imperiales’ (1923) y ‘Carmen’ (1926), su mejor película. En ese mismo año de 1926 Raquel Meller realizó una importante gira por Estados Unidos, “con éxitos en Nueva York, Filadelfia, Chicago, Boston, Baltimore y Los Ángeles –escribe Esteban-. Hacia 1930, Raquel Meller atrajo la atención de Charles Chaplin. El gran cómico quiso incorporarla al elenco de su película ‘Luces de la ciudad’ de 1931”, pero al final no participó. En 1932 rodó la versión sonora de ‘Violetas imperiales’ y en 1936 interrumpió el rodaje de ‘Carmen de Triana’. Tras la Guerra Civil se casó con el banquero Edmond Saiac (o Demon Sayac), aunque se separaron pronto, trabajó con ‘los vieneses’ Franz Johan y Arthur Kaps, y murió en el olvido.

El cronista y viajero Gómez Carrillo elogia su “la armonía impecable de su dicción y la ciencia exenta de sus gestos”, y le aconseja que no abandone “el arte ligero”. Agrega: “Su poesía, su armonía, su malicia y su ternura están en su propio ser y resultan siempre originales, siempre admirables, a veces sublimes”. Sus elogios discurren por el desmesurado afecto y la excesiva elocuencia. Dice que encarna “todas las mujeres y toda la mujer, bella de mil bellezas, tierna de mil ternuras, picaresca de las infinitas picardías del instinto y fogosa hasta el punto de parecer, a veces, arder en una llama que la acaricia y la devora. ¡Raquel la innumerable…!” Gómez Carrillo finaliza así su breve retrato: “Todo su arte, podemos agregar, es un suspiro, una confidencia, un anhelo íntimo (…) se nota que no canta más que para sí y para su amante. (…) Siendo múltiple e inexplicable, en suma, es siempre ella misma y no es más que ella; es decir, el más armonioso, el más inquietante y el más divino de los misterios humanos”.

El nivel de los elogios se mantiene a lo largo del libro. Manuel Machado escribe este ripio: “Esta Raquel, por su ‘aquel’, // por su genio y por su sal, // ha hecho el nombre de ‘Raquel’, // una vez más, inmortal”. Para Gregorio Martínez Sierra es la “emperatriz de la emoción”. Leopoldo Romeo va algo más allá y la llama “emperatriz o sol, la única, la incomparable”. María Guerrero tampoco es ajena a este río de alabanzas: “La fuerza enorme de expresión de sus ojos interesa y atrae desde el primer momento. ¡Qué estupenda actriz se ha perdido con esa moda del cuplé en España!”. El libro, con los dibujos de Carlos Vázquez, es un objeto entrañable, muy recomendable para mitómanos.

LA FICHA

Raquel Meller. ‘Opiniones de los más ilustres escritores y artistas españoles’. Enrique Gómez Carrillo. Dibujos de Carlos Vázquez. Edición de José Esteban. Madrid, 2009. 78 páginas. (En la foto, el retrato de Raquel Meller, que le hizo Joaquín Sorolla).

Hace unos días, el ilustrador Josema Carrasco me envió este dibujo de Pilar Bayona (Zaragoza, 1897-1979), la gran pianista zaragozana que falleció en diciembre de 1979, arrollada por un autobús, a la que le dedicó un artículo reciente en el blog. Apenas un mes atrás había ofrecido un intenso concierto en la CAI, en Independencia 10. Algunos pianistas han repetido el programa del recital a modo de homenaje, entre ellos, Adela Martín, quien, además, compuso una pieza en homenaje a la mujer que enamoró al joven Luis Buñuel.

Josema Carrasco ya ha terminado una nueva entrega de ‘Ciclocirco’, que se presentará en breve en Zaragoza, y es el autor del cartel del Festival de Jazz que se realiza en la sala Multiusos.

 Se cumplen 30 años de la muerte, por accidente, de la gran intérprete Pilar Bayona (1897-1979), que frecuentó la Residencia de Estudiantes y enamoró a un joven Luis Buñuel

Pilar Bayona (Zaragoza, 1897-1979) poseía una “insaciable curiosidad musical”, tal como escribió Federico Torralba, una absoluta pasión por la música y una memoria prodigiosa, que la llevaba a realizar conciertos incomparables, llenos de riesgo, de sutileza y de energía interpretativa. Perteneció a la Generación del 27, y tocó en la Residencia de Estudiantes, con Gerardo Diego y con Federico García Lorca; este, fascinado con su talento, le dedicó el ‘Llanto por Ignacio Sánchez Mejías’ con sumo afecto. Desarrolló, con tanto fervor como intensidad, una espléndida carrera sin renunciar nunca a residir en Zaragoza y a participar en la vida cultural de la ciudad a través de sus numerosos conciertos y de su vinculación con la Sociedad Filarmónica, el grupo ‘Sansueña’ y Radio Zaragoza, donde solía tocar con mucha frecuencia.

Pilar Bayona fue la pianista de Zaragoza por excelencia: cabe decir que optó por quedarse en su ciudad, por impartir clases en ella y en el Conservatorio de Pamplona. Visitaba, casi todos los días el Pilar, como un rito íntimo, con su hermana Carmen. Fue una mujer menuda y hermosa, de cabello rizado y rubio, que despertó diversas pasiones: desde Luis Buñuel, que estuvo enamorado de ella un año o dos, hasta José Camón Aznar, Luis García-Abrines o el periodista Manuel Casanova, director de HERALDO. Tenía la facultad, casi inconcebible, de atrapar la música al vuelo: la atrapaba, la retenía y luego la interpretaba con frescura y viveza como si hubiera estudiado horas y horas aquella literatura. Joaquín Turina la calificó como “maestra del decir, de sonoridades exquisitas”.

Se ha dicho una y mil veces que con Luis Galve y Eduardo del Pueyo formó esa trilogía de magníficos intérpretes de piano que ha dado el siglo XX en Aragón. Los tres eran muy distintos y grandes amigos: Del Pueyo fue un reconocido profesor desde Bruselas y un sólido pianista de Beethoven, entre otros; Luis Galve realizó una importante carrera profesional que le llevó a desplegar tres mil conciertos a lo largo de más de 60 países. Y Pilar lo hacía casi todo: deslumbraba con sus repertorios, igual tocaba con primor a Guridi, Granados, Esplá o Albéniz, a quienes grabó, que a Debussy, Cesar Frank o a Maurice Ravel, al que conoció y trató en Zaragoza.

El vuelo libre de la música

Nacida en Zaragoza en 1897, Pilar Bayona demostró muy pronto un talento especial hacia la música. Asistió a las clases de los hermanos José y Ángeles Sirvent y actuó, con cinco años, en un festival benéfico patrocinado por el monarca Alfonso XIII. Hizo su presentación a los diez años en el Teatro Principal con el cuarteto Ballo. Y a partir de ahí, con doce años, inició su carrera de concertista. Apostó por la música española contemporánea, muy especialmente, y realizó giras por distintas ciudades, sola o en compañía del violinista Manén. En la segunda década del siglo XX creció, perfeccionó su técnica y estableció numerosos vínculos con los compositores nacionales: desde Usandizaga a los Halffter, Mompou o Esplá, aunque tocaba a los rusos, a los impresionistas y a Mozart.

Algunos le dedicaron sus partituras y soñaron con que ella tocase sus obras. Actuó en Stuttgart y Berlín en 1924 y en 1928 estrenó el ‘Concierto valenciano’ de López Chávarri e incorporó a su repertorio al maestro Mingote. Poco a poco, iría cobrando fama y sería requerida por doquier: por fotógrafos, por los poetas del 27, entre ellos su paisano Tomás Seral Casal, por artistas (Sanz Lafita, Honorio García Condoy, Javier Ciria, Bayo Marín; después Guillermo o Paco Rallo), y estaría presente en la foto legendaria del grupo del 27 que rindió homenaje a Hernando Viñes.

Tras la Guerra Civil, continuará su quehacer: tocará en toda España, en distintos lugares de Francia, Portugal y Marruecos. Entrará en contacto con con el poeta y crítico de arte Juan Eduardo Cirlot, entonces músico y soldado en Zaragoza, que le dedicará dos composiciones y su libro ‘Pájaros tristes’, y con Julián Gállego, Alfonso Buñuel o Eduardo Fauquié, entre otros. Grabaría ‘Iberia’ de Albéniz, siete de las doce piezas, y dejaría en todos los foros una impresión de mujer de talento apabullante. Pilar Bayona fue una pianista apasionada, personalísima e incansable. Fue agasajada una y otra vez por su ciudad, con una calle, con el título de Hija Predilecta e incluso con el premio San Jorge.

En noviembre de 1979 dio su último concierto en el salón de actos de la CAI. Fue un recital vibrante, ya padecía escoliosis y andaba levemente encorvada. ¡Nadie lo habría dicho! Muy pocas semanas más tarde, al cruzar la calle, un coche se la llevó por delante y murió pocos días después. En 1981 Plácido Serrano recuperó algunas de sus grabaciones en un disco y en 2004 las Cortes de Aragón, en colaboración con el Archivo Pilar Bayona –que dirigen su sobrino Antonio Bayona y Julián Gómez-, organizó la muestra ‘Pilar Bayona. La pasión de la música’. El Auditorio de Zaragoza le rinde un homenaje con un ciclo que lleva su nombre y con un concierto internacional específico, cada trece de diciembre, que coincide con la fecha de su muerte. Este año se cumplen 30 años de su fatal accidente. 

*Esta foto de Pilar Bayona es de Dücker y pertenece al Archivo Pilar Bayona, que dirigen y sostienen Antonio Bayona y Julián Gómez.

Los Músicos de su Alteza graban en Francia, en Alpha,

un álbum monográfico de Joseph Ruiz Samaniego

‘La vida es sueño…’ es un ejercicio de riesgo artístico basado en las composiciones del maestro de capilla en Tarazona y el Pilar en el siglo XVII

La formación barroca Los Músicos de su Alteza acaba de publicar, con gran éxito de crítica en Francia, el álbum monográfico ‘La vida es sueño…’ (Alpha), dedicado a las composiciones del misterioso Joseph Ruiz Samaniego. Luis Antonio González Marín, investigador, clavicémbalo y director del grupo, dice: “De Ruiz Samaniego sabemos que trabajó como maestro de capilla en Tarazona, entre 1654 y 1660, y en El Pilar de Zaragoza, entre 1661 y 1670, el año de su muerte. Las obras que hemos grabado fueron compuestas e interpretadas en su tiempo en Zaragoza, en la antigua iglesia del Pilar. Son obras religiosas pero con textos en castellano, lo que se denominaba ‘villancicos’, y se dedican a diversas fiestas como la Navidad, el Corpus, la Expectación o el Pilar”.

Recuerda González Marín que tres de los villancicos grabados están dedicados a la Virgen del Pilar y tienen textos que hablan del Ebro (“Alados cantores // cisnes celestiales // que del Ebro los cristales // blandamente enfrentáis”, se dice en una pieza “nocturna y lunar”), de las grandezas de Zaragoza, en los que se mezclan elementos de poesía culta con “toques de gracia popular”. Las piezas, por lo regular, pertenecen a Vicente Sánchez, “un beneficiado del Pilar”, contemporáneo de Ruiz Samaniego. Añade González Marín: “Algunos textos son serios, más o menos inspirados, marcados por la retórica del siglo XVII y con imágenes poéticas propias del barroco. Otros están escritos con un sentido del humor que hoy no se contemplaría en ceremonias religiosas, como sucede en la jácara ‘Oigan en breve ensalada’, cuyo texto, compuesto en el estilo del habla de los matones, chulos y jaques de la época, cuenta la historia del nacimiento de Cristo de modo chusco, con dobles sentidos por todos los lados y, encima, construyendo el texto a base de enlazar títulos de comedias famosas del momento. De ahí el título del CD, ‘La vida es sueño’, que es el último que se cita en la jácara”.

La música de Ruiz Samaniego pertenece a ese rico y casi inagotable patrimonio musical de la Música Antigua y el Barroco Español. “Se atiene a las reglas del juego musical a mediados del siglo XVII: espectacularidad (la mayor parte de las obras son de gran aparato, a varios coros vocales e instrumentales), sorpresa, emoción y viveza. Ruiz Samaniego es un maestro en el uso de los recursos retóricos de la música, y así consigue que en el siglo XXI sus composiciones nos sigan conmoviendo”. Afina aún más en su retrato del compositor: “Joseph Ruiz Samaniego es un compositor con gran oficio, y además es inspirado: no sólo conoce y aplica (y viola a veces) a la perfección las reglas y las costumbres de la composición de aquel tiempo, sino que lo hace con sabiduría, talento y gracia. Tiene talento melódico, armonías audaces, y sabe conducir una composición hacia un clímax”. González Marín declara que tenía con Ruiz Samaniego una “especie de deuda sentimental porque fue el primer compositor antiguo del que transcribí música en el Archivo de Música de las Catedrales de Zaragoza. Comprobé que se trataba de música de gran nivel en todos los sentidos”.

Son varios los discos grabados por esta formación de Zaragoza, fundada en 1992. Sin ir más lejos, en 2006 grabaron un espléndido ‘Miserere’ de José de Nebra (1702-1768). Ahora acaban de dar un paso de gigante y han cosechado grandes elogios en Francia. “Este disco es importante para nosotros y para mí por varias razones. Primero: había llegado la hora de dedicar íntegramente un CD a Ruiz Samaniego, que se merecía un monográfico. Segundo: se trata de nuestro primer trabajo para Alpha, un sello muy prestigioso dentro del panorama discográfico actual, sobre todo en lo que atañe a la ‘música antigua’: grabar para el mismo sello en que graba, por ejemplo, Gustav Leonhardt es un privilegio y una responsabilidad. El que este trabajo haya sido avalado por Alpha es, en cierto modo, un reconocimiento a nuestro trabajo y al valor de la música de Joseph Ruiz Samaniego, lo cual me enorgullece doblemente”. ‘La vida es sueño’ es también el principio de una prometedora amistad: el próximo mes de noviembre el grupo de Zaragoza grabará en Alpha la ópera ‘Amor aumenta el valor’ del bilbilitano José de Nebra, que también será el protagonista de la grabación de 2010 con este sello francés que celebra ahora su primera década.

Esta formación de Los Músicos de su Alteza está integrada por dos coros de ocho miembros, entre tiples, altos y tenores, y por un conjunto instrumental de dieciséis músicos. El  CD incorpora un libreto con los textos en inglés, francés y castellano.

Me entero de la muerte de Mercedes Sosa, una maravillosa e intensa voz. El pasado viernes recordaba cuánto me impresionó y me emocionó su interpretación de ‘Alfonsina y el mar’, que es una de mis canciones favoritas. La vi varias veces, pero recuerdo una actuación en La Romareda, envuelta en un poncho, guarecida en su poncho indígena mientras evocaba el espíritu de Atahualpa Yupanqui y el magisterio de Violeta Parra. Tomo esta necrológica de una periodista sensacional de ‘El País’: Soledad Gallego. Estoy escribiendo un artículo sobre espías: pongo sus canciones en el spotify.

Soledad GALLEGO / El País

La Negra, la cantante folklorista de América Latina por excelencia, Mercedes Sosa, ha fallecido hoy domingo en una clínica de Buenos Aires, a los 74 años, víctima de una enfermedad hepática. Miles de seguidores en América Latina y en España (donde estuvo exiliada cuatro años durante la dictadura militar argentina) cantaron con ella su extraordinaria interpretación de Alfonsina y el mar, y otras zambas, chacareras, milongas y tonadas que popularizaron en los años 70 y 80 el folklore latinoamericano en todo el mundo y la convirtieron en una de las mejores y más famosas intérpretes del continente.

Su muerte ha sido acogida con dolor también en los medios rockeros y de música pop de América Latina, a los que siempre prestó su generoso apoyo y colaboración. Su relación con los músicos jóvenes argentinos fue constante: era ella la que les buscaba para ofrecerles incorporar algunas de sus canciones en los álbumes de música folklórica que iba produciendo (más de 40 a lo largo de su carrera). En su último álbum doble, Cantora, ya enferma, fueron muchos de esos músicos quienes se ofrecieron a cantar duetos con ella: Shakira, Fito Paéz, Charly García, Caetano, Soledad (la actriz de La promesa de sus ojos), Julieta Venegas, Drexter o los españoles Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina colaboraron para lanzar un disco que ahora está nominado como mejor álbum del año para los Grammys Latinos 2009. "La Negra era la mejor cantante de Argentina y la voz de América Latina", ha asegurado Fito Páez. Ella, sin embargo, rehusó siempre el apelativo de "la voz de América Latina", que le parecía excesivo.

Michelle Bachelet, presidenta de Chile, que se encontraba el viernes visitando precisamente el pueblo natal de la folclorista chilena Violeta Parra, expresó su cariño y su admiración por Mercedes Sosa y recordó la amistad que mantuvieron ambas cantantes. La Negra Sosa cantó insuperablemente algunos de los temas más famosos de Parra, entre ellos su Gracias a la vida. "Ella era, quizás, la voz más vigorosa de América Latina", lamentó Bachelet.

"Mercedes fue un ser bondadoso, sin ningún tipo de maldad y su presencia era una necesidad para todos los que actuamos o grabamos con ella", ha resumido el letrista Antonio Tarragó Ros, en nombre de los músicos argentinos.

Mercedes Sosa fue siempre una cantante comprometida con causas políticas y sociales. Formó parte de la bohemia que acompañó el folklore argentino en los años 70-80, el llamado Movimiento del Nuevo Cancionero, y participó en cuanta marcha, manifestación o encuentro hubo en esa época a favor de las comunidades indígenas, luchas sindicales o encuentros políticos sobre los derechos humanos. Durante un concierto celebrado al inicio de la dictadura militar fue detenida, junto con buena parte de su público. Al recobrar la libertad, marchó al exilio (España y Francia), de donde no regresaría definitivamente hasta la llegada del presidente Raúl Alfonsín y la democracia. En una reciente entrevista comentó aquellos momentos de intensa lucha política: "Antes, los sueños eran más radicales; perfectos. Ahora, se hace lo que se puede".

Viuda, con un hijo y dos nietas, Mercedes Sosa se distinguió por su magnífica voz, con registros de soprano y de una belleza muy singular, y su conexión con todas las grandes figuras del folklore latinoamericano, desde Atahualpa Yupanqui a Violeta Parra. Sus interpretaciones de la Cantata Suramericana o la Misa Criolla recibieron premios internacionales. Sin embargo ella siempre se consideró una "negra petisa (una mujer pobre, morena y pequeña), sin glamour, tal y como se refiere a mí la oligarquía de mi país". "Este es un país de negros", decía con ironía, "en el que todos son rubios".

En los últimos tiempos, cansada y enferma, aseguraba encontrarse feliz, rodeada de afecto. "Tengo suerte", decía, "...pero me ha costado mucho". La Negra Sosa luchó hasta el final por cumplir los objetivos del Manifiesto del Nuevo Cancionero que firmó en Mendoza, en 1964, cuando sólo tenía 28 años, y en el que se proponía renovar la canción argentina popular para conseguir que "se integre en la vida de todo el pueblo, expresando sus sueños, sus alegrías, sus luchas y sus esperanzas".

*Esta foto de Mercedes Sosa la realizó Wald Fulgenzi en su camerino.

Aloma Rodríguez y Eva Puyó –una morena y una rubia- han colgado esta foto de Amaral en su blog. Me habría encantado ir a uno de sus conciertos en el Teatro Principal, pero no compré a tiempo las entradas. Es un grupo que me encanta desde su primer álbum: Eva me pasó una de sus primeras maquetas cuando yo vivía en La Iglesuela del Cid y me acompañaban muchas noches en dirección a la villa del Maestrazgo. Recuerdo cuánto me impactaron temas como ‘Rosita’ o ‘Dile a la rabia’. He escuchado completo su disco ‘La barrera del sonido’, y algunas canciones suenan realmente maravillosas. La versión acústica de ‘Cómo hablar’ es una de las joyas. Y para mí también, en otra dirección, lo es la versión de ‘Concorde’. La he redescubierto aquí.

La historia musical de Montserrat Caballé empieza con su abuela, abandonada en un hospicio. Allí, las monjas le enseñaron francés, música y a tocar el piano. Ella enseñaría a su hija a tocar ese instrumento. Y ésta, a su vez, a partir de los ocho años, le enseñaría piano y solfeo a su hija Montserrat. “Me hizo entrar en el Conservatorio del Liceo de Barcelona –evoca-. Con doce años, el profesor de solfeo le dijo a mi madre: ‘Esta chica tiene que estudiar voz”. Montserrat Caballé se inclinaba por el piano y el violín. De cuando en cuando escuchaba cantar a las voces más jóvenes y se emocionaba. A los quince o dieciséis años ya le gustaba la ópera y albergaba un sueño inicial: pensó que podía hacer del canto una profesión para “ayudar a la familia porque éramos muy pobres”.

¿Recuerda el día que fue a ver y a oír a al Liceo a Kirsten Flagstad?

¡Cómo no! Los jóvenes que estudiábamos en el Conservatorio del Liceo teníamos la posibilidad de unos “pases de favor” para acceder al quinto piso y poder escuchar los cantantes que había en el teatro. Yo recuerdo que Kirsten Flagstad cantó en el Liceo. A mí me impresionó porque es la voz más grande que he escuchado a lo largo de toda mi carrera. Era una columna de voz de abajo arriba: era impresionante, una voz muy bonita, muy wagneriana.

-¿Quién más le iluminó el camino del canto?

-En el conservatorio tuve una profesora, Eugenia Kemeny, que era húngara y se había casado con un español. Me enseñó la técnica de la respiración y del canto. Aparte de ser atleta y de haber ganado medallas de carreras de fondo en su país por la gran respiración que poseía, era una cantante wagneriana; había cantado “La Valquiria”, “Tristán e Isolde”, etc.

-¿Le debe a ella la atracción que siempre ha tenido por Wagner?

        Me enseñó a amar a Wagner, es cierto, tal vez porque ella lo amaba mucho. Aunque yo no lo he cantado excesivamente, sí lo he cantado en todas partes del mundo. Al principio de mi carrera fui una mozartiana y una cantante de lieder, porque también tuve de profesora a una cantante de Cataluña, Conchita Badía, alumna de Granados y Falla,  que era espléndida para el líeder español y conocía los secretos de estos maestros que habían sido los suyos. Lógicamente, me enseñó mucho el lieder. Ella amaba también a Richard Strauss y Mozart. Bajo el influjo de las dos, Kemeny y Badía, me dirigí más hacia un repertorio germano. Empecé Fue años más tarde cuando empecé a cantar Puccini, Verdi, Bellini.

-O sea que tardó en optar por el bel canto…

Empecé como principiante en la Ópera de Basilea con ‘Salomé’, hace cincuenta y tres años, y después ya empecé a cantar otros compositores, pero el bel canto, por lo que dicen que soy famosa, no lo empecé hasta el año 64 o 65.  Pensaba que no sabría hacerlo. Las cantantes de bel canto a mí me parecían inalcanzables en aquella época. Estaban, justo cuando empezaba, las grandes lumbreras: María Callas, Renata Tebaldi, Renata Scotto, Marilyn Horne... Entonces también empezaba Mirella Freni, y me decía: “Tienes que cantar bel canto. Posees la voz adecuada”. Yo le decía: “Mirella, esto no lo sé hacer”. Ella añadía: “Si es lo mismo: es cantar bien”. Primero me especialicé en todo el repertorio alemán y más tarde entré en el verismo y en el romántico, que cuentan con compositores (Puccini, Verdi, Bellini, Donizetti…) que enamoran a la gente cuando los cantantes funcionan.

Se cumplen ahora 50 años de su debú en la Ópera de Viena.

       Es cierto Hace cincuenta años que debuté en la ópera de Viena con el ‘Don Giovanni’ de Mozart, la temporada 59-60. Después canté ‘Salomé’, canté ‘La Traviatta’, cnté ‘Pagliacci’ en la Ópera de  Viena…

Luego cantó una ópera como ‘Madame Butterfly’, vinculada al amor y a la leyenda de un beso. ¿Qué pasó?

        Esa sí que es una obra romántica. Además, en ella conocí a Bernabé Martí, mi esposo. Coincidimos primero en La Coruña y después en Barcelona, el ocho de diciembre de 1963. Me enamoré perdidamente de él; él dice que también de mí y yo creo que menos, pero, bueno, como dicen vulgarmente lo cacé. Me parecía un hombre tímido y lo comenté en el teatro, con el peluquero y con otros, y se ve que se lo dijeron. En la siguiente función me dio un beso al final del primer acto, un beso de verdad, y me dijo tonta. Esto fue el ocho de diciembre, nos separamos –en enero y febrero nos vimos muy poco- y el 24 de febrero vino a verme a Marsella, donde yo cantaba, desde París, donde cantaba él, y me pidió en matrimonio.

¿No fue todo deprisa deprisa?

El 28 de febrero nos prometimos, con el anillo que me pudo ofrecer en aquel momento, que lo he llevado siempre desde entonces, y nos casamos el 14 de agosto. Fue bastante rápido. Yo creo que nuestro matrimonio, que ya lleva 45 años, está muy consolidado por dos cosas: primero porque nos queremos mucho y después porque me ha dado toda la felicidad que un hombre puede dar a una mujer, creo, como esposa, como madre, como compañera... Ha sido mi columna y yo he procurado ser la suya. Tuvimos la inmensa suerte de tener dos hijos. Primero un chico y después una chica. A mí me habían diagnosticado imposibilidad de tener hijos porque decían que tenía matriz infantil y, como dice mi marido, “mira, tu matriz es infantil pero funciona muy bien, mira los niños qué guapos han salido”. Después ya no pude tener más. Hay que reconocer que el primero lo perdí en Buenos Aires. Quedé embarazada y fui a Buenos Aires.  Estábamos juntos, hacíamos la Manon Lescaut y en plena función en el Colón de Buenos Aires, sufrí unos dolores y el médico me hizo interrumpir la obra. Luego hice una doble sesión y me fui primero al hospital y después al hotel. Perdí el bebé que esperaba, estaba de dos meses y pico. Los médicos dijeron que ya nunca más…

Veo que no les hizo caso.

Me dijeron que esto había sido un aviso. La naturaleza tiene una fuerza increíble para algunos momentos y esto es lo que nos pasó. Verdaderamente, se lo aseguro, yo no cambiaría ni un minuto de mi vida con Bernabé Martí.

 Si tuviera que hacer un balance de estos 50 años.  ¿Cómo ve su carrera? Ha sido algo así como la heroína de las heroínas de la de la ópera con más de ochenta personajes.

        Sorprendente. Sorprendente la carrera de los dos. Hemos cogido todos los trenes que teníamos que coger cuando pasaban y tampoco entrábamos en batallas. Cuando hice por primera vez la ‘Aída’, me decía todo el mundo que no la hiciera porque era muy dramática. Y no digamos cuando canté ‘Norma’. ¡Cómo si aquello fuera un escándalo! Me preguntaban que cómo me atrevía a hacer ‘Norma’ Quien me dijo que tenía que hacer esa pieza fue Joan Sutherland. Me regaló su partitura con sus notas y me dijo: “Tienes que cantar Norma. Tienes que cantar lo que Bellini ha escrito, que es como un hilo de voz y tienes la voz ideal”. Eso era el año 68. En el 69 yo hice un concierto en París y María Callas, a la que ya conocía, me dijo lo mismo. Incluso me hizo cantar, recuerdo, en su casa de París unos pasajes. Estaba Bernabé conmigo y le dijo: “Cuida a tu mujer y que cante ‘Norma’, porque después de mí ella será Norma”.  Lo decía con sinceridad, convencida.

María Callas la nombró su sucesora, ¿no?

Pues, sí, lo hizo en entrevistas, en televisión, en sus grabaciones y en su libro. Sufrió mucho. Primero con su familia, después con su carrera y después con su vida personal. Su gran pena y tristeza fue perder el hijo que esperaba porque eso para ella era la gran ilusión: ser madre. Teníamos las dos un grave problema dental e íbamos al mismo dentista en Londres, Alexander.  En una de las llamadas me dijo: “Me voy a Grecia a descansar; necesito descansar todo el mes”. Yo le dije que me habían ofrecido el Nabucco con la Deustche Gramophon y que no me sentía con fuerzas para cantarla. “No lo cantes. Ni se te ocurra. Esto no es para tu voz. Eso es para voces rotas. Tú no tienes la voz rota y no te la quieres romper ¿verdad?”. ¡Los consejos eran de una amabilidad, de un cariño, de un afecto…! Además hay una cosa muy importante: tengo muchas fotos hechas con ella en momentos privados. La admiraba y la quería mucho porque me dio muy buenos consejos.    

¿Qué relación tiene usted con Zaragoza y con este Auditorio?

La relación que tengo con Zaragoza es de muchos años. Mi marido es aragonés, de Villarroya de la Sierra y se formó aquí en un principio. Hemos venido mucho y estoy muy agradecida a Zaragoza. Considero al Auditorio de Zaragoza como uno de los mejores. Conozco los auditorios del mundo entero y puedo juzgar plenamente. Este es un Auditorio donde el sonido no rebota: el sonido fluye, fluye y redondea, y eso es algo que no se fabrica, nace o no nace. Esto es lo mejor que hay para piano, para orquesta, para instrumentos, para voces, para todo. Aquí las grabaciones tienen que salir perfectas porque no hay una estridencia en ningún ángulo. El hecho de poder hacer aquí los ‘Master Class’ y el Concurso Internacional de Canto Montserrat Caballé me da una gran satisfacción. Me encanta enseñar y aprender a la vez. Ojalá podamos hacerlo muchos años porque es un auténtico honor. Cantar aquí es muy bello. Tengo que agradecer profundamente la ayuda que nos da desde el ayuntamiento y el director Miguel Ángel Tapia. Es como un sueño convertido en realidad, ¿me permite que diga esto?

-Por supuesto. La verdad no ofende.

Yo recuerdo que el director del teatro Colón de Buenos Aires me escribió una carta preciosa diciendo que nunca había estado en un lugar como este. Lo mismo me dijo la responsable del Metropolitan de Nueva York. Yo espero que Zaragoza comprenda la importancia del Concurso Internacional de Canto que trae a esta ciudad a cientos y miles de personas de 57 países, como este año, y tiene un gran eco internacional.

Zaragoza es candidata a capital cultural europea 2016. ¿Colaboraría en el apoyo a la candidatura?

Sin duda. Estaría dispuesta para todo como hice con la Expo. La ciudad está bellísima. De repente entras y todo parece un paseo, todo parece bello, todo parece limpio; creo que sería estupendo que Zaragoza fuera capital cultural europea. Sería una gran noticia.

EL CAJÓN DE OLVIDOS Y OTRAS INTIMIDADES

En 1965, tras cantar ‘Lucrecia Borgia’ de Donizetti en Nueva York, los críticos resumieron la actuación con esta frase: "Callas + Tenaldi = Montserrat Caballé”. Su voz destaca por su pureza, por su energía y por el control. Montserrat Caballé (Barcelona, 1933) posee una técnica magistral y un espléndido y luminoso sentido del matiz. Es una mujer que siempre está en el camino: lo mismo puede encarnar a Norma, Salomé, Violeta, la Mariscala, Semiramide o Isolda, cantar con Freddy Mercury o pasarse horas y horas estudiando partituras polvorientas o perdidas, las rescata y las difunde, como sucede ahora con Bellini. “Es cierto que me gusta desempolvar obras del cajón del olvido. Eso ya me lo enseñó mi maestra Conchita Badía. Me siento recompensada de haber hecho algo por el compositor porque no hay que olvidar una cosa: por muy bien que se cante, por muy bien que se represente, por muy bien que se sepa, el protagonista de la noche es el compositor. Tú estás al servicio del compositor. Él es el creador de la obra. Tienes que transmitir su mensaje, su sentimiento, la forma en la que él hizo nacer aquello para ofrecerlo al público y el público tiene que conocer a este señor a través de ti, tal vez, pero a través de la música. Lo que no puedes es hacer exhibiciones personales”.

Siente una especial veneración por la enseñanza. Le gusta compartir lo que sabe, enseñar las técnicas de respiración y el contagio de las emociones. Es una mujer de una especial suavidad, aunque a veces tiene fama de seca o distante. “Hay mucha gente que lo dice, pero creo que es inexacto. Una cosa es hablar, dar clases, dar confianza a la gente para que no tenga reparo, para que se sienta libre, y otra cosa es que penetren en tu interior. Una cosa es poder explicar lo que siento y entrar en mis sentimientos, como acabo de hacerlo; otra cosa es cuando quieren hurgar morbosamente en cosas que a veces pueden hacer daño; por ejemplo, hurgar en enfermedades. Yo he padecido varias, algunas graves y estoy aquí de milagro. Mi madre falleció de cáncer, mi padre también. Parte de mi familia  también. Contesto lo más educadamente posible pero no me regodeo en ello. Quizá sea eso”. Está en contra del exhibicionismo personal en la ópera y en la vida.

*Esta entrevista se publicó el domingo en 'Heraldo de Aragón'. La foto la he tomado de internet de la página de 20 minutos.

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La pianista Alicia de Larrocha ha muerto en Barcelona a los 86 años, según informó un portavoz del Hospital Quirón. De Larrocha estaba ingresada en este centro desde hacía unos días y murió a raíz de un «proceso cardiorrespiratorio» agravado por su edad.

Era la pianista de mayor proyección internacional del panorama musical español al atesorar, entre otros premios, dos Grammy, además de haber sido distinguida con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1994. Virtuosa de la música desde la más tierna infancia, de Larrocha, nacida en Barcelona en mayo de 1923, dio su primer concierto público a los seis años y a los once ya participó en su primer concierto oficial, con la Orquesta Sinfónica de Madrid.

Esta niña prodigio para la música fue descubierta por Frank Marshall, discípulo de Enrique Granados, que la llevó a iniciar su carrera como concertista en 1940, con escasos 17 años. En 1947, comenzó sus giras por Europa, donde actuó en las más importantes salas de las grandes ciudades de la época, y en 1955 dio el salto a Estados Unidos para celebrar nueve conciertos en California con la orquesta de Los Ángeles.

En los años 60, su carrera se acelera y llega a programar alrededor de 120 conciertos anuales en todo el mundo, sola o acompañada de orquesta, además de realizar cada año tres giras por diferentes ciudades de Estados Unidos. Esta vertiginosa carrera está a punto de verse truncada en 1968 cuando se lesiona un dedo con la puerta de un taxi, aunque consigue recuperarse.

Entre otros premios, de Larrocha estaba en posesión del título de «Mejor Artista del Mundo» (1977), de la medalla de oro del Spanish Institute de Nueva York (1980), del Premio Nacional de Música (1985) y del Premio de la Fundación Guerrero (1999), además de obtener dos Grammy: uno en 1989 a la mejor solista instrumental de música clásica por los Cuadernos de Iberia de Albéniz, y el segundo en 1994 por su interpretación en el disco «Goyescas».

En 1988 fue también nombrada académica electa de la sección de música y académica honoraria de la Real de Bellas Artes de San Fernando y en 1990 consiguió la primera medalla de honor de la recién constituida Fundación Albéniz. Tras recibir en 1993 el Premio Ondas a la mejor solista de música clásica, un año más tarde le fue concedido el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, y en junio del 95 obtuvo el Laurel del Consejo Internacional de la Música (CIM) de la Unesco.

En 1995 interpretó en Madrid el famoso «Concierto número dos», con motivo de la inauguración del «Ciclo Beethoven» de la Orquesta Sinfónica de Madrid, luego viajó a Tokio y después ofreció cuatro conciertos con la Filarmónica de Nueva York.

Alicia de Larrocha fue la única concertista española incluida en unas grabaciones con recopilaciones de los 74 mejores pianistas del siglo XX promovidas por diversas compañías discográficas.

Casada con el también pianista Juan Torra y madre de un hijo y una hija, se mantuvo activa hasta hace relativamente poco ya que emprendió un gira en 2000 por países de Sudamérica, ofreció un recital en Miami en 2001 y participó en varias actuaciones en 2002 en lugares tan emblemáticos como el Palau de la Música de Barcelona y la sala Carnegie Hall de Nueva York.

*He tomado esta información de varias agencias y periódicos. La foto pertenece a los archivos de la agencia EFE.

Montserrat Caballé se sienta cerca del piano y empieza a desgranar su vida. Detrás se ven distintos paneles del cuerpo humano, rostros, músculos y el aparato respiratorio. Sobre el suelo del escenario de la sala Luis Galve hay colchones y encima de cada uno una pesa. Montserrat disfruta enseñando, enseña a respirar, a modular, oye a los alumnos, está como iluminada ante ellos. La heroína de las heroínas se remansa en el laboratorio de sonidos ajenos. Cada sesión es como un contagio de ciencia de la voz y de la emoción. La misma que le transmitieron a ella Eugenia Kemény y Conchita Badía, que también le alumbró otro camino: el de la curiosidad, el de la búsqueda de partituras olvidadas, el del rescate de piezas enterradas en las bibliotecas o en los archivos. La soprano es una entusiasta de las obras completas de los compositores. Quiere saberlo todo: el anecdotario de cada pieza, los fuegos de inspiración, la armonía íntima de la música. Le apasionan por igual Wagner o los italianos, Verdi, Puccini, Bellini; debutó en Viena hace ahora 50 años. Poco después sucumbió al hechizo de un importante tenor: Bernabé Martí, natural de Villarroya de la Sierra. En ‘Madame Butterfly’, en A Coruña, se intercambiaron un beso nada teatral y allí empezó todo. “Él me llamó pesada. Al principio yo estaba más enamorada que él”, dice. También evoca a Maria Callas, a la que intentaba entender en las distancias cortas y en sus tragedias: la incapacidad de ser madre, el desamor, la soledad. Incluso compartían un dentista inglés, y Callas la designó su sucesora. Y luego asoma Zaragoza: sostiene que en el Auditorio “la música no rebota, fluye, se redondea”. Montserrat Caballé dice que apoya incondicionalmente a la ciudad –“está preciosa. Parece otra”- como capital cultural europea de 2016. Se ofrece: que cuenten con su canto.

Javier Mas vive un permanente sueño de hoteles y conciertos. Lleva desde los nueve años en el mundo de la música, desde que su padre le contagiase esa pasión. A esa edad debutó “como primera bandurria en una rondalla en el Principal”. Antes de los16 años ya cantaba canciones de Bob Dylan y Leonard Cohen que le llegaron a través de las voces de Joán Báez y Joni Mitchell. Desde entonces, la música ha sido el norte de su vida: ha trabajado con la bandurria y el laúd con multitud de artistas y ha desarrollado su inspiración con Joaquín Carbonell, con José Antonio Labordeta (“que me trató como a un hijo cuando era yo un poco rebelde”, dice), con La Bullonera, con Carlos Cano o con María del Mar Bonet. Durante un cuarto de siglo bebió del blues, de los aromas mediterráneos, de eso que años después se llamarían las músicas del mundo. Él, en el fondo, era un roquero de formación que se inclinaba hacia un folclore muy elaborado, como probó en ‘Tamiz’ o en ‘Mudéjar’. Un día, Alberto Manzano, traductor y biógrafo de Leonard Cohen, lo llamó para encargarle un proyecto sobre el cantante con músicos españoles. El resultado satisfizo a Cohen. Cuando volvió a las giras, una de las primeras cosas que hizo fue llamarlo. Ahora lo lleva a su lado, le habla de política, de religión, de los graves problemas del mundo (“a Leonard Cohen lo veo como un escritor y como un intelectual que ha escrito auténticas maravillas, y dice no sentirse músico”). Javier Mas (Zaragoza, 1952) ha cumplido uno de sus sueños de juventud. Tocar, arañar las cuerdas de sus instrumentos mientras el señor del sombrero (“a Cohen lo veo como una especie de Humphrey Bogart, con esa voz de cine que enloquece a las señoras”) se arrodilla ante él y le pide que toque y toque hasta el fin de la noche en cada concierto inolvidable.

*Este artículo apareció el jueves en ‘Artes & Letras’, en la sección ‘Fuegos y mareas’. Este jueves,  tras el descanso estival, ha regresado el suplemento con ocho páginas. En la foto, Leonard Cohen se arrodilla ante Javier Mas.

LEONARD COHEN: AUTOBOMBO

Por Raúl GAY

La primera vez que escuché a Leonard Cohen fue en una película, El tiempo de la felicidad. Una de las hijas estaba obsesionada con una canción suya, Bird on the wire, y no se soltaba de uno de sus LPs, Songs of Love and Hate.

Esto fue en verano de 1997; en septiembre me compré un recopilatorio suyo. Allí estaban incluidas todas las grandes canciones de su primera etapa: Suzanne, Sisters of Mercy, So long Marianne, Who by fire?... Durante meses recorrí una y otra vez la tienda de discos Linacero para compar aquel álbum de la película. Pero allí no aparecía la canción. Encontré otros recopilatorios, más centrados en sus últimos años. Por fin, un día me compré un disco en directo. Me costó 3.000 pesetas, una barbaridad para mi economía de aquel tiempo. Es de los pocos discos de mi adolescencia que todavía me acompañan.

Con el paso del tiempo, descubrí que sus discos de 1988 y 1993 eran soberbios, a pesar de haber cambiado la guitarra por el sintetizador. Antes de tener una conexión decente a internet ya paseaba con frecuencia por Leonard Cohen files, la web más completa sobre el artista. Allí descubrí con horror que había actuado en Zaragoza años atrás, y que no tenía planes de volver a la carretera. Internet me proporcionó también la posibilidad de descargarme directos suyos en diferentes momentos de su carrera. El fondo es perfecto: sigo sin entender por qué no los han editado de forma apropiada.

En 2001 publicó un nuevo álbum. Las fotografías mostraban a un Leonard Cohen delgado y canoso; también con una mirada llena de paz. Era un hombre de vuelta de todo, en el mejor sentido de la expresión. Ten new songs es un mal disco. Apenas un par de canciones soportan varias escuchan. Eran simplemente, diez canciones nuevas.

Un nefasto 23 de abril, la página web me dio una alegría. Había un disco y una gira en el horizonte. Lo tuve claro: si actuaba en Europa, iría a uno de sus conciertos.

Dear Heather resultó ser un álbum muy sólido. La voz era más grave que nunca y los arreglos no parecían música de feria.

En cuanto a la gira, tuve la oportunidad de verlo en Benicássim. Lo conté aquí hace algo más de un año.

Ayer vino a Zaragoza. Gracias a mi trabajo y a la generosidad de mis compañeros y jefes (cambios de turno, cobertura de temas en los que no trabajo...) pude entrevistar a su guitarrista. Se llama Javier Más, y es de Zaragoza. El tipo tiene unos cincuenta años y lleva toda la vida tocando para otros: Labordeta, La Bullonera, María del Mar Bonet...

En 2006 dirigió un disco tributo a Leonard Cohen. Poco después recibía una llamada suya, invitándole a acompañarle en su gira. Desde hace 18 meses toca la bandurria en su banda.

Aunque parezca increíble, es el principal instrumento. Las introducciones a las canciones son soberbias y arrancan los aplausos del público. En Europa y Estados Unidos se le ve como un exótico que se ha colado en la banda y su nombre aparece en todas las críticas que se escriben. Al principio del concierto, Cohen se arrodilla ate él; los medios de comunicació sólopueden grabar el primer tema, así que su fotografía aparece en numerosas ocasiones.

Después de entrevistarle, llegó el esperado momento. 3 horas y cuarto de bellas canciones, arreglos precisos y creativos y una banda que suena a la perfección, sin una mala nota o una entrada a destiempo.

Pero el problema de ser tan fan (y de tener el Live in London que grabó en esta misma gira) es que conocía a la perfección el orden de canciones. La sorpresa quedaba descartada. Aun así, fue un concierto inolvidable.

Pero quizá lo mejor -y, supongo, el fin de esta historia- ha llegado esta mañana.

A las 11 de la mañana he entrado en el hotel Palafox y he tenido la siguiente conversación con la recepcionista:

-Buenos días, mi nombre es Raúl y querría hacerme una fotografía con Leonard Cohen. ¿Ha abandonado ya el hotel?

-No, saldrá en una media hora. Pero no puede esperar aquí.

-Gracias, esperaré fuera.

Treinta minutos de nervios, frío y sudores después ha aparecido Javier Más. Nos hemos saludado, he elogiado su trabajo en el concierto y me ha preguntado por la pieza que ayer grabó Aragón TV. Salió en el informativo al tiempo que él comenzaba tocar los primeros acordes.

Su cara lo decía todo. He prometido enviársela por correo electrónico. Después, le he dicho que hoy venía como fan y que me gustaría hacerme una fotografía con Leonard Cohen.

-Tengo que comprar unas cosas. Cuando vuelva lo intento.

Al poco ha salido el artista. Hablando en inglés -y controlando mis nervios a flor de piel-, le he expresado mi deseo. Se ha mostrado muy amble y complaciente. De nuevo, he elogiado su trabajo y su "golden voice"; se ha reído y me ha dado las gracias muchas veces. Tiene razón Javier Más: Cohen es una persona cálida y humilde.

El encuentro ha durado lo justo para hacernos la foto y despedirnos. Él ha subido al autobús, y yo he esperado al guitarrista, para que me diese su email. Cohen, al ver que el autobús estaba vacío, ha vuelto a bajar, se me ha acercado y ha iniciado una conversación casual. Hemos hablado de mi inglés, de mi trabajo, de su gira, de Javier Más... Repito: un hombre amable. Tiene una voz calmada y profunda, cuesta imaginarle gritando o nervioso.

Entonces ha aparecido la mánager del hotel y Cohen ha hecho lo propio con ella. Ha firmado un par de discos (el mío incluido, el directo que compré el siglo pasado) y se ha quedado con mi nombre. Cuando ha vuelto Javier Más, le ha pedido que se hiciera una foto conmigo, pero él le ha cortado.

-Ya conozo a Raúl.

La cara del guitarrista era digna de ver.

Nos hemos deseado suerte y nos hemos despedido. Él ha partido hacia otra ciudad, yo he recorrido la mía con una sonrisa que no cabía en la acera.

*Conocí a Raúl Gay en un máster de periodismo de Heraldo de Aragón. Desde entonces, su carrera ha ido creciendo día a día. Ayer, con Teresa Lázaro en la realización y Juan de operador de cámara, grabamos a Javier Mas: él tres preguntas para informativos y yo algunas más para ‘Borradores’. Raúl es un apasionado de la cultura: de la cultura, de la música, de la literatura, y esta mañana ha logrado un sueño: hacerse una foto con Leonard Cohen, que ofreció un concierto maravilloso. En el diálogo, nos acompañaron Merche Julián y Chema Fernández, de Antípodas, y un par de amables empleadas del hotel Palafox. En su espléndido blog

 - http://viajeroaitaca.blogspot.com/-

Raúl Gay cuenta esta bella historia.

Enhorabuena Raúl. Eres un crack.

LEONARD COHEN

¿A quién le canta Leonard Cohen, ese intérprete, poeta y novelista nacido en Montreal en 1934, en el seno de una familia judía?

Quizá le cante a las estrellas lejanas, a las sombras del silencio, a los pliegues de los corazones solitarios. Las baladas de Leonard Cohen son un cántico grave, un suspiro sereno, una caricia de terciopelo. Sus canciones parecen salidas de un fondo oscuro, donde conviven el amor y el odio, la hondura y el desgarro, donde se intercambian la ironía y el delirio, donde se mezclan la rabia, la soledad y los rumores de la guerra.

Es un místico que canta, es un juglar que recita sin temor a la monotonía. Es un monje que invoca los placeres del mundo. Sus canciones ya son inolvidables, la banda sonora de lo más íntimo desde hace 40 años: ahí están ‘The partisan’, ‘I’m your man’, ‘Suzanne’, ‘Sisters of Mercy’, ‘So long Marianne’ o ‘Chelsea Hotel’, que recrean fragmentos y recuerdos de su propia existencia: el compromiso, la locura, la huida, hermosas mujeres, locas mujeres como Janis Joplin, a la que amó en el legendario hotel.

Hace más de una década, Leonard Cohen había insinuado que no volvería a realizar una gira. Lo hizo en 2008 para 700.000 espectadores de todo el mundo. Y grabó un disco inolvidable en directo: ‘Live in London’. Arruinado y traicionado, ha vuelto a hacerlo este verano. 

Leonard Cohen vino a España por vez primera en 1974. Ama el flamenco, adora a Enrique Morente y a Federico García Lorca, de quien interpretó ‘Take this waltz’. Este martes, lo veremos y lo oiremos en Zaragoza, en el Pabellón Príncipe Felipe.

Leonard Cohen tiene una voz penetrante como un escalofrío. Es uno de los grandes: alguien que canta al oído hasta el fin de la noche, alguien que musita con dulzura seca hasta que se rompe el amor.

Leonard Cohen. Con el aragonés Javier Mas, como director de bandurrias y guitarras. Pabellón Príncipe Felipe de Zaragoza. Martes, 15 de Septiembre. Apertura de puertas a las 19,30 h. Concierto a las 21:00 h.

Recibo este correo de Lourdes Ibarz, que anuncia el homenaje que se le rendirá al músico José Soler Casabón el próximo día 30 en la Sala Goya de Mequinenza:

En la Sala Goya de Mequinenza el próximo día 30 de agosto a las 7 de la tarde se celebrará un acto conmemorativo del 125º aniversario del nacimiento del músico mequinenzano José Soler Casabón, contemporáneo de Gargallo, Picasso... que estamos descubriendo gracias a la colaboración de Pierrete Gargallo, hija del escultor que, de pequeña, convivió con él.

La revista aragonesa Rolde publicó el artículo de Jordi Estruga i Estruga. El pdf se halla http://www.mequinensa.com/es/municipio/celebres/joseSolerCasabon.aspx

JOSÉ SOLER CASABON

HACE 125 años, José Soler Casabón —un relevante adelan-

tado de la música de su tiempo— nació en Mequinenza. Se

trata de un compositor que, a pesar de haber efectuado significativas

aportaciones musicales, es prácticamente un desconocido en su país.

Por este motivo, nuestro ayuntamiento creyó oportuno dedicarle el

presente homenaje.

José Soler Casabón, nació, el 31 de agosto de 1884, en el numero

1 de la calle de les Pedres del Poble vell. Era hijo de un comerciante

mequinenzano y de una maestra de Samper de Calanda. De niño

se trasladó a Barcelona donde, a los 15 o 16 años, ya componía

sonatas para violín y piano así como melodías en lengua catalana.

Además de compositor fue pianista y guitarrista pero, sobre todo, un

excelente violinista.

Marchó a Paris cuando contaba unos veinte años y allí participó activamente

en los movimientos vanguardistas galos. Amigo desde la infancia

del relevante escultor, Pablo Gargallo (autor de la escultura de

este programa), mantuvo en Francia estrechas relaciones con insignes

figuras del arte y de las letras: Picasso, Apollinaire, Reverdy, Gris,

Miró, Manolo, Llorens Artigas, Ruidobro, Princet, etc.

Su música figuró en importantes eventos culturales y artísticos así como

en distintos largometrajes. Fue en el año 1917 cuando el insigne poeta

Apollinaire, entusiasmado tras haber escuchado una composición

musical de nuestro músico —Soliloque—, interpretada en un evento en

el que el poeta participaba como conferenciante, le propuso escribir

la música para un ballet que había creado sobre uno de sus poemas:

Le musicien de Saint Merry, publicado en la obra titulada: Calligrammes.

Además de Soler Casabón, Apollinaire había previsto poder

contar, como colaboradores de la obra, con Picasso y Diaghiliev.

Dificultades del ballet de Diaghiliev a causa de la revolución rusa

de1917, la muerte de Apollinaire (1918), las repercusiones de las

tres contiendas bélicas (la española y las dos europeas) así como

sucesivos e inesperados cambios en la dirección de los grandes teatros

parisinos (años cuarenta y cincuenta del pasado siglo), fueron

obstáculos que impidieron su representación.

Hoy, por primera vez en España, se estrena en Mequinenza una pequeña

muestra de la música que formaba parte de este ballet. Aunque

limitado, no deja de ser un primer paso en la consecución del deseo

expresado por el reconocido musicólogo francés, Damien Top, en el

sentido de que, el ballet de Apollinaire con música de Soler Casabón:

“sigue ocupando un lugar en la lista de obras míticas

que hay que intentar resucitar”

Jordi Estruga

FA 125 anys, José Soler Casabón —un rellevant avançat de la música

del seu temps— va nàixer a Mequinensa. Es tracta d’un compositor

que, malgrat haver realitzat signifi catives aportacions musicals, és pràcticament

un desconegut al seu país. Per aquest motiu, el nostre ajuntament

va creure adient dedicar-li el present homenatge.

José Soler Casabón, va nàixer el 31 d’agost de 1884, al número 1 del

carrer de les Pedres, al Poble vell. Era fi ll d’un comerciant mequinensà i

d’una mestra de Samper de Calanda. D’infant es traslladà a Barcelona

on, als 15 o 16 anys, ja componia sonates per a violí i piano així com

melodies en llengua catalana. A més de compositor, fou pianista i guitarrista

i, molt especialment, un excel·lent violinista.

Viatjà a Paris als voltants dels 20 anys on va participar molt activament

en els moviments de l’avantguarda francesa. Amic d’infantesa del rellevant

escultor, Pablo Gargallo (autor de l’escultura d’aquest programa) va

mantenir a França estretes relacions amb insignes fi gures de l’art i de les

lletres: Picasso, Apollinaire, Reverdy, Gris, Miró, Manolo, Llorens Artigas,

Ruidobro, Princet, etc.

La seva musica fi gurà en importants esdeveniments culturals i artístics

així com en diferents fi lms francesos. Fou l’any 1917 quan, el reconegut

poeta Apollinaire, engrescat desprès d’haver escoltat una composició del

nostre músic —Solliloque—, interpretada en un acte cultural en el que el

poeta hi participava com a conferenciant, li va proposar d’escriure la

música per a un ballet que havia creat basant-se en un dels seus poemes:

Le musicien de Saint Merry, publicat a la seva obra: Calligrammes. A

més de Soler Casabón, Apollinaire havia previst que hi col·laboressin en

el ballet, Picasso i Diaghiliev.

Difi cultats del ballet de Diaghiliev, a l’haver esclatat la revolució russa del

1917, la mort d’Apollinaire (1918), les repercussions de les tres conteses

bèl·liques (l’espanyola i les dues europees), així com els successius i

inopinats canvis en la direcció dels grans teatres de Paris (anys quaranta

i cinquanta del passat segle), foren uns obstacles que impediren la seva

representació.

Avui, per primera vegada a Espanya, s’estrena a Mequinensa una petita

mostra de la musica d’aquest ballet. Encara que limitat, no deixa de ser

un primer pas vers a l’acompliment del desig expressat pel reconegut

musicòleg francès, Damien Top, en el sentit de que, el ballet d’Apollinaire

amb música de Soler Casabón:

“segueix ocupant un lloc en el llistat d’obres mítiques

que s’ha d’intentar ressuscitar”

Jordi Estruga

Nueva York (DPA) - El rockero estadounidense Willy DeVille murió de cáncer a los 55 años, informó hoy su mujer, Nina, a dpa en Nueva York.

El músico, conocido por sus baladas entre dulces y duras, falleció en un hospital de la ciudad en la noche del jueves. "Se fue en paz. Yo estaba a su lado", añadió su esposa. En junio la familia había anunciado que los médicos habían descubierto que el artista sufría cáncer de páncreas cuando iban a tratarlo de hepatitis C.

"Está bien. No tiene dolores y pasa el tiempo en casa con películas, música, tocando la guitarra y leyendo", señalaba entonces la página web del cantante, cuyo nombre real era William Borsay.

Su música era una mezcla de rock, ritmos latinos, blues, doo-wop, cajún, créole, mariachi y country, mientras que sus letras están llenas de romanticismo. En 1974 fundó en San Francisco la banda Mink DeVille, que le dio fama mundial. Su álbum debut, Cabretta, fue muy bien recibido por la escena musical en 1977.

La revista de rock Rolling Stone eligió el disco mejor álbum del año. DeVille convenció a los miembros de la banda para que se mudaran a Nueva York y se convirtieran en el grupo estable del club punk CBGB. En 1977 se hicieron famosos con su hit Spanish Stroll y hasta mediados de los 80 editaron una serie de álbumes de éxito.

Nacido el 25 de agosto de 1950 en Stamford, en el estado de Nueva York, entre sus hits más conocidos figuran Hey Joe, cantada también por Jimi Hendrix, Save The Last Dance For Me y Cadillac Walk.

"La música es mi vida. Es lo único que sé hacer", dijo alguna vez. Luego Willy se hizo solista y se trasladó a Nueva Orleans. Ha tocado entre otros con Van Morrison, Bruce Springsteen, Southside Johnny, Brenda Lee, Tom Waits y Los Lobos.

Su vida privada no fue fácil: dos de sus parejas murieron, y luchó durante años contra su adicción a la heroína y el alcohol.

Más tarde se pasó a la música rythm and blues, el soul y la salsa, dos estilos muy presentes en sus últimos trabajos discográficos, Crow Jane Alley (2004) y Pistola (2008).

DeVille siempre se declaró un gran amante de Francia, donde conoció a Edith Piaf y grabó parte de su disco El Gato Azul en 1980.

*La redacción de la noticia corresponde a la agencia internacional DPA.

Ayer por la mañana, tras hablar con Ainhoa Camino, me fui a Formigal. Tenía una comida y una entrevista con el director de Pirineos Sur, Luis Calvo. Me gusta mucho salir hacia el corazón de las montañas con tranquilidad, con tiempo: habíamos quedado a las tres y salí de Zaragoza hacia las doce y cuarto. En el coche, además de la voz de David Marqueta y de Mónica Farré, llevaba ‘La piel de Sara’ de Javier Ruibal y el último disco de Marianne Faifhfull, entre otros. Ruibal me dedicó ese álbum poco después del nacimiento de mi hija Sara. Me dijo: “La canción que da título al disco cuenta la historia de una prostituta pero es una historia tierna”. Narra la vida de un mujer, con ojos de color candela y esas cinturas que hacen enloquecer a su paso (como suele ocurrir con las mujeres de las canciones de Ruibal: pienso en ‘La reina de África’), que recibe a los maduros y a los escolares, y tiene una historia de amor con el joven hijo del comisario. Eso sonaba aquí y allá, camino de Almudévar, y de nuevo al pasar por el Monrepós, donde sucedió eso que nunca deseas: un camión de muchas toneladas te sigue los pasos y parece que de un momento a otro se te va a empotrar en los descensos vertiginosos o incluso en el túnel donde te piden ir a 40 y eres incapaz con esa sombra detrás. Sospecho que recibiré alguna multa y habré perdido algún punto.

Cuando dejas atrás Sabiñánigo y tomas la dirección de Biescas ya se impone, por completo, la grandiosidad pirenaica: ese país de montañas y de celajes. Me encanta Formigal: creo que nunca lo había visto así, como ahora, despojado de nieve. Los montes parecían praderas tamizadas de luz, praderas peinadas por una suave brisa de cumbres, abismos y roquedales que pugnan en un arduo tránsito entre el llano y el cielo. Por allí andaba José Luis Cortés, que esperaba a Omara Portuondo, la gran y menuda dama cubana, esa mujer de cristal y rabia a la que oí cantar en el Teatro Nacional de La Habana en el verano de 1997: dedicaba sus temas a los amigos de Matanzas, de Trinidad, de Camagüey, de Cienfuegos, de Santiago o de Cumanayagua, un lugar con castillo y perpetua luna que certifica la existencia del realismo mágico. Entonó ‘La Era está pariendo un corazón’, y el mundo pareció desplomarse en el corazón del teatro. Qué garganta de luz y de bambú. José Luis estaba muy contento, y me dijo algo bonito: “Luis Calvo siempre cuenta con nosotros para trabajar. Es de los pocos que cuenta con los managers de la tierra, y eso hay que agradecérselo”.

Por Formigal, en esa mar de músicos de distintos lugares del mundo (vi a un senegalés que aún llevaba el ritmo en el cuerpo tras la parranda de la noche anterior), estaba Gonzalo de la Figuera, que elogió el proyecto de Biella Nuey y un grupo de músicos de Casablanca, “para mí ha sido la gran apuesta del festival, algo maravilloso, que ha funcionado espléndidamente, y tengo la sensación de que lo han valorado más fuera que dentro”. Gonzalo es un asiduo de Pirineos: vive allí su pasión por los sones de la tierra, por la convivencia de músicas y de músicos. Gonzalo es letrista, músico y crítico musical de 'Heraldo de Aragón'. Conoce como nadie las mágicas noches de Sallent de Gállego y las del pantano de Lanuza, que es un lugar realmente espectacular. Uno de los músicos calificó ese escenario como el mejor al aire libre de la tierra. En la comida, se habló de todo. Estuvimos Luis Calvo, el director del festival, el viajero incansable, el buscador de músicas, líneas de investigación y de compromisos con otros certámenes; Ainhoa Camino, una donostiarra que ha convertido a Jaca en su casa, desde la que imparte lecciones de cariño y de periodismo en compañía de Juan Gavasa; Montse, la compañera de Luis, traductora, free lance del universo de la música y del cine (está muy vinculada al Festival de Huesca desde hace años), y lectora apasionada de Jesús Moncada, que es su escritor favorito y del que dice que posee un hermoso y complejo y fascinante catalán, Gonzalo y yo. Hablamos de todo: de los grandes conciertos, de Aragón, de música, radio y televisión, de política, de numerosos intérpretes, de amigos como Isidro Ferrer, Pepe Escriche y Alberto Sánchez, e incluso de fútbol. O de los lugares del mundo donde Luis y Montse habían visto, en el canal satélite, programas como ‘El reservado’ o ‘Borradores’, entre otros.

Fue una estupenda tertulia. Luego hicimos la entrevista, muy cerca del periodista musical que es Rubén Caravaca, el hombre que lo  sabe casi todo del festival y de la música. Y bajamos a hacer fotos, que tomaría Marta Marco, en Sallent de Gállego, en el puente, y luego en el escenario de Lanuza. Me encantó el escenario y el montaje de Sallent, los puestos del mercadillo, los restaurantes de casi todos los lugares, la alegría de la gente, la camaradería, el clima de convivencia y de trasvase de emociones, la solidaridad y la atmósfera multirracial. Me gustó ese ámbito: la proximidad de las colinas, las casas, me gustó mucho estar en la tierra de Fermín Arrudi, uno de mis personajes más queridos del Aragón del siglo XX.

Mientras esperaba las fotos de Marta Marco, me encontré con la fotógrafa Pilar Hurtado, el crítico musical y escritor Javier Losilla, y su nena Alba, rubia y preciosa, completamente empadrada. Javier está muy bien, cariñoso como siempre, es un estupendo amigo desde hace casi veinticinco años: coincidimos en ‘El día’ y ‘El Periódico de Aragón’; es un asiduo de Pirineos Sur y uno de los habituales de sus espléndidos catálogos, cuyo motivo diseñó Isidro Ferrer y luego él y otros artistas han ido realizado variaciones a lo largo de las 18 ediciones.

Amenazaba tormenta de verano. El tiempo no ha favorecido las actuaciones. Hablamos de Compay Segundo, de Manu Dibango, de Youssou N’Dour, de Ismael Lema, de formaciones de mil y un lugares, de Marianne Faithfull, que ofreció un espléndido concierto, de la ilustradora Sonia Pulido, que hizo el cartel del Festival de Cine de Huesca de 2009. Poco antes de la despedida, volvieron a asomar a la conversación escritores catalanes y aragoneses: Jesús Moncada de nuevo, y sus traducciones en el mundo, Mercè Rodoreda, Pere Calders, Manuel de Pedrolo, etc.

Salí a las nueve de la noche. Tuve un viaje tranquilo. Con Marianne Faithfull, con muchos otros. De repente, me enteré de que España era transformada grotescamente, hacia los insoportables tonos del humo y del negro en verano, por el fuego. Mi suegra y mis cuñados y mis sobrinos habían tenido que marchar de Ejulve, el incendio avanzaba por Majalinos y por La Zoma y por Aliaga, y obligó a desalojar las viviendas. Llegué a las doce de la noche y aquí estaban todos, en casa, cerca de la piscina, bajo el cielo constelado, contando su inesperada fuga. Mi cuñado José Antonio fue el único que tuvo tiempo de preparar su ropa interior. Él, que sueña que vuela y no aterriza nunca y que se acompaña de una máquina ruidosa de oxígeno. José Antonio Ortuño, mi concuñado de Orihuela (Alicante), como a él le gusta decir. “Tú eres mi concuñado”.

*Instantánea del concierto de Biella Nuei y Azawan, con Luis Miguel Bajén en primer término (no conozco el nombre de vocalista marroquí). La foto es de Marta Marco, fotógrafa del Festival con Pilar Hurtado.

Noche de felicidad en casa

Ha regresado Juan Perro, el alter ego de Santiago Auserón (Zaragoza, 1954), ese músico ambulante que se alimenta de las músicas de Cuba y del Caribe, de los sonidos negros de Nueva Orleans, de la samba y de la salsa. Juan Perro cuenta historias, canta a las mujeres, evoca a Compay Segundo o a los soneros arcaicos, busca el swing y juega una y otra vez con su voz de trovador, de cantante urbano que vuelve sus ojos hacia el hontanar rítmico de las primeras melodías y los sones del mundo.

 Juan Perro es un heterónimo y un empeño personal que va más allá de cualquier impostura: con este personaje, Auserón busca ensanchar al roquero de Radio Futura, busca la complejidad en la composición, en las letras y en la actuación misma. En su regreso al Teatro Principal, Juan Perro volvió con fuerza y versatilidad, más divertido y lúdico que nunca, dispuesto a entregarse a sus paisanos, “a sus hermanos del Gancho”. Se acompañó de una banda de tres músicos cubanos, muy talentosos, de esos que saben hacer gozar al público, que entienden que un recital es una fiesta y un ritual, y que tienden un bosque de complicidades sonoras con el vocalista. Juan Perro aludió a Federico Nietzsche y recordó, en su retorno a la raíz, que “todo placer quiere la eternidad”.

En esa búsqueda se lanzó a tumba abierta, espléndido de voz, capaz de varios y sorprendentes registros, muchos de ellos humorísticos, dispuesto a bailar y contagiar su felicidad, dispuesto a soltar un manojo de propuestas, conocidas e inéditas, que encendieron la noche. El público le regaló su admiración de inmediato, y la música transcurrió como un río: apacible por instantes, mágica y alegre, turbulenta a veces, fastuosa, siempre con un ritmo envolvente. Juan Perro se sentía seguro, en la voz y en la guitarra, en sus clásicos, ‘El carro’, ‘Charla del pescado’, ‘No más lágrimas’, ‘El cigarrito’, y estuvo soberbio con los nuevos temas, que ajusta en sus directos, como ‘Río negro’, 'Poco talento', o ‘Dolores’, una de las piezas más celebradas.

Juan Perro realizó uno de esos conciertos donde todo funciona a las mil maravillas: el cantante se siente inspirado y a gusto con su propia exuberancia. Mostró ese arsenal de temas, de líneas de trabajo y de vibración que caracterizan su investigación y su pasión por la música. Y se extendió ampliamente en los ‘bises’. Creo que nunca lo he visto mejor: él, sospecho, se sintió más que nunca profeta en su tierra.

Vuelve Juan Perro. Banda: Juan Perro (guitarra y vocalista), Norberto Rodríguez (guitarra), Ronald Morán (contrabajo) y Moisés Porro (percusión). Sábado, 18. Teatro Principal. Casi lleno. [La foto pertenece a http://www.lahuellasonora.com]

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Ha pasado algo más de un año desde que Zaragoza se convirtiera en una de las capitales de verano del mundo. Ver los cartílagos desventrados al sol de los pabellones agita la melancolía. Por ahora, hechas algunas salvedades, el recinto tiene algo de lugar fantasmagórico que ha perdido a sus remeros y a sus pingüinos. El Ebro sube y baja, lodoso, más acompañado que nunca: los enamorados musitan palabras de amor, palabras y besos. El Parque del Agua se despliega como una tierra de promisión, repleta de oasis, sombras y playas. Dentro de él está el Teatro Arbolé: un espacio espléndido, una caja negra de resonancias donde caben todas las disciplinas: el teatro, los títeres, la música, el vídeo. Los sueños. Uno de sus responsables, Esteban Villarrocha, dice que desde su entrada se contemplan los mejores atardeceres de Zaragoza: atardeceres de fuego, fogonazos de luz que pintan pájaros sobre los árboles. La sala, de pequeño formato, es espléndida: tiene talleres, una estupenda librería de teatro y músicas del mundo, un pequeño local de ensayo, diversas estancias y los camerinos. Al menos, doce familias viven de ese proyecto, que ha costado 1.660.000 euros, que paga la compañía de Iñaqui Juárez: Arbolé sigue por aquí y por allá con su destino de titiriteros ambulantes. Es un espacio alternativo, plural, rebosante de ideas: una de las últimas es incorporar en el amplio pasillo de acceso una pequeña sala de exposiciones en donde la artista Isabel Biscarri presenta un trabajo muy sugerente. El viernes actuaba allí Javier Ruibal, acompañado a la voz y al piano por Laura Furci Moratti; ofrecieron un recital inolvidable, ebrio de mestizaje y de hondura, toda una isla de sensualidad y de belleza caliente. Luego, salías a la medianoche: algunas luces y otras tonadas se extendían por la ribera contra los aullidos del cierzo.

*Hace unos días cambié de ordenador y desde entonces se me desajusten todos los tipos. Siempre utilizo Garamond, antes 16, ahora 12, y aún así salen como salen. Lo lamento de veras. Sinceramente no sé como reparar ese desaguisado. Mil disculpas a los que os asomáis aquí de cuando en cuando. Este artículo apareció el domingo en la sección 'Cuentos de domingo'. Aquí están Laura Furci y Javier Ruibal.

CONCIERTO DE JAVIER RUIBAL, ESTE VIERNES (17 julio)

En Arbolé, dentro del Ciclo "Música en Verano", a las 22 horas

Queridos amigos,

El Teatro Arbolé de Zaragoza ofrecerá este viernes, 17 de julio a las 22 horas,  para el público juvenil y adulto un concierto del cantautor Javier Ruibal, dentro del ciclo Música en Verano y enmarcado en los Festivales del Ebro. Precio de la entrada: 15 euros. Bonificada: 12 euros. Teléfono de reserva de entradas: 976 734466.

Javier Ruibal (El Puerto de Santa María, 1955) es cantante, guitarrista y compositor. Es un buscador de aromas, un perseguidor de la fábula y el ensueño. Retratista de perfiles, paisajista al mismo tiempo, importan el personaje y el paraje exótico que le rodea. Cantar con la voz remota que resuena en la memoria, ecos sefardíes junto a la toná y la zambra, oriente y occidente, ayer y hoy, armonía del futuro, alquimia del presente. Sus fuentes, lo familiar en su infancia; del flamenco, los cantes de ida y vuelta, tanguillos y bulerías; del rock, la vieja escuela; del jazz, el ejemplo, la actitud y la lealtad con la música. De las letras españolas, los hermosos poetas del veintisiete y la poesía con alas. De las letras americanas, los cantores del Caribe y el realismo fantástico. De lo popular, el humor; y de su tierra natal, la alegría. Su propósito, divertir y... acaso emocionar.

Gracias y un saludo.

Ana Rioja - Gabinete de Prensa 

Teatro Arbolé

Teléfono: 615 252804

www.teatroarbole.es

*Recibo esta nota de la escritora y periodista Ana Rioja, que anuncia el concierto de uno de mis músicos más queridos en Títeres Arbolé: Javier Ruibal, al que conocí hace ahora 20 años en un ciclo de conciertos que organizaba Labordeta. Luego coincidimos en varios lugares (por ejemplo en SOS), pero Javier tuvo un detalle precioso: presenté en El Puerto de Santa María mi libro ‘Los seres imposibles’ y él cantó dos canciones a capella. Fue una tarde maravillosa, rodeada de amigos, iluminada con su voz del sur. Hace poco, en Buenos Aires, distintos amigos, especialmente la escritora Mercedes Álvarez, me decía que es uno de los cantantes que más le gusta, que le encantaría que fuese a encantar allí. Javier Ruibal es el cantante de la pasiones y de las mujeres del sur. Acabo de cambiar de ordenador, se me murió el anterior, y aún no sé cómo ajustar las letras. Uso una garamond 12 ahora, pero intentaré ajustarla para que no queden tan grandes las letras. Esta foto pertenece a Ana y al gabinete de comunicación de Títeres Arbolé.

Pirineos Sur arranca mañana

con una gran fiesta-concierto por sus 18 años

El nuevo auditorio se inaugura la noche del jueves con 17 Hippies y Shantel & Bucovina Club Orkestar

El XVIII Pirineos Sur, Festival Internacional de las Culturas, arranca este jueves, 9 de julio, con una gran fiesta-concierto para celebrar su mayoría de edad. Los artistas invitados serán los alemanes, “17 Hippies” y “Shantel & Bucovina Club Orkestar”. Para que todo el mundo participe de esta gran celebración, la entrada de este primer concierto de Pirineos Sur 2009 será de 10 euros en taquilla, y 9, anticipada. La actuación servirá, además, para inaugurar el nuevo auditorio de Lanuza, en el que se han invertido, en la primera fase, unos 2 millones de euros.

Con el concierto del jueves comienza una brillante edición de Pirineos Sur que, organizado por la Diputación Provincial de Huesca, irá descubriendo, hasta el próximo 26 de julio, las músicas del “Atlántico negro”, de la mano de un amplio y excelente elenco de grandes personalidades de la música como Mariannne Faithfull, Maceo Parker, Pablo Milanés, Omara Portuondo, Cirkus featuring Neneh Cherry o Mariza. Serán en total 17 noches de conciertos y 21 propuestas paralelas, entre talleres, conciertos familiares, actividades infantiles y pasacalles, además de los Mercados del Mundo y el Espacio Intermón Oxfán.

“17 Hippies” comenzaron a tocar en 1995, destacándose desde el primer momento por ofrecer un cóctel musical mundial; un viaje alrededor de Europa, Asia y América, destilando muchos géneros musicales. Las influencias de sus músicos van desde el pop-rock hasta la música clásica, pasando por el jazz. Esta diversidad se refleja en la variedad de instrumentos que tocan: acordeón, trombón, trompeta, violines, violonchelo, flautas, mandolina, ukelele… “17 Hippies” sabe transmitir lo insólito de manera ligera y alegre. Captan el ritmo y el sonido de su ciudad, Berlín, para ir creando a partir de ahí canciones constantemente nuevas.

Su noveno trabajo, “El Dorado”, es el tercer álbum grabado en estudio. Con ánimo festivo y recolector, se fueron metiendo en el bolsillo la música gipsy y el klezmer del Este, el café parisino e incluso el baile cajún de Luisiana. Después de 15 años y 1.500 conciertos en 20 países, el elenco invariado de 13 músicos que componen los “17 Hippies” ha establecido su estilo inconfundible: una fiesta constante ideal para comenzar el XVIII Pirineos Sur.

“Shantel & Bucovina Club Orkestar” está encabezado por Stefan Hantel, conocido como Shantel. Es un productor y músico alemán de raíces rumanas que ha exportado a todo el mundo el balkan beat. En su estilo mezcla la música popular de los Balcanes con la electrónica más actual, la tradición del Este europeo con los sonidos contemporáneos del Oeste, consiguiendo un sonido único lleno de alegría que empuja al baile y a la fiesta. Su primer disco solista, “Disko Partizani” (2007), recibió varios premios incluyendo el “BBC World Music Award”; es el sonido de la nueva Europa, centrado en el corazón del viejo continente e incorporando vibrantes influencias de los Balcanes, Oriente Próximo, Grecia, Turquía y más allá.

Shantel se acompaña en el escenario por la “Bucovina Club Orkestar”, una auténtica fiesta, un jolgorio de excelentes músicos de origen gitano que tocan instrumentos tradicionales como trompetas, acordeón o violín, mezclados con ritmos electrónicos. Un soplo de aire fresco en el panorama electrónico europeo y una excelente invitación  a participar en la fiesta de 18 cumpleaños de Pirineos Sur.

Nuevo auditorio

Con el concierto de mañana se inaugura el nuevo auditorio de Lanuza, un espacio creado a 500 metros del anterior que amplía el espacio, la comodidad y seguridad que hasta la fecha existía en el auditorio de Lanuza. Construido al estilo de los anfiteatros romanos, cuenta con un aforo máximo de 4.500 personas, pudiéndose sentar en un graderío fijo 2.800. El coste de esta primera fase es de unos 2 millones de euros, sufragados en un 75% por la Diputación Provincial de Huesca y el 25% restante, por el Ayuntamiento de Sallent de Gállego.

Entre las mejoras que ofrece el nuevo auditorio cabe destacar una mejora del acceso al recito. Se han construido dos entradas diferenciadas, una para peatones y otra para vehículos y personal autorizado. Además, se ha ampliado y asfaltado la zona de aparcamiento y se ha habilitado un acceso especial para personas discapacitadas. También se ha ampliado la superficie destinada a carpas, manteniendo un servicio de restaurante de barra en la zona superior y dos de menores dimensiones para bebidas. Igualmente se ha creado un espacio para la prensa y otro reservado a Vips.

*Esta información pertenece al gabinete de prensa del Festival que dirige Luis Calvo. En la foto promocional, Mariza, la nueva reina del fado.

Copi se sentó al piano, acarició un instante las teclas y respiró profundamente. Y, sin mediar nada, como en un cuento de Julio Cortázar, se arrojó al vacío de la noche, que aún paladeaba el sabor de una música de bandoneón. Cantó con hondura y desgarro el tango ‘Garganta con arena’ de Cacho Castaña como si no hubiera hecho otra cosa en toda la vida. Buenos Aires de noche huele a París, a melodía de arrabal, a furioso amor, a sorpresa. El cantante y compositor de Borja, con esa única pieza, arrancó suspiros e hizo olvidar los instantes convulsos de un país “acaso ingobernable”: la derrota de Kirchner, la dimisión de la ministra de Salud, los muertos de la gripe que se multiplican. Al día siguiente, en el Centro Cultural de España en Buenos Aires desgranó, en una entrevista improvisada, su trayectoria. Copi es uno de los ocho hijos de un tabernero de Borja, un hombre apacible que padece la enfermedad del sueño. Desde muy pronto, se vino a Zaragoza e ingresó en los Infanticos del Pilar. Volvía a su pueblo dos semanas al año, y un día lo señalaron como el hermano de Copi, aquel zagal al que le habían regalado una bicicleta. Su hermano se fue del pueblo y él se quedó con su nombre: Copi, como Fausto Coppi, el ciclista italiano que se coronó en el Tour, en el Giro y en el amor de ‘la dama blanca’. De ahí, pasaría al rock y a la música popular, y acompañaría a los Héroes del Silencio y a Enrique Bunbury durante una década. Se curtió en viajes, conciertos y experiencias, y fue creciendo hasta crear su propio estilo, su propia banda. Una mujer de La Plata, Natalia, le robó el corazón y él allá se ha ido, con la música en el cuerpo, con la emoción en el alma, dispuesto a cantarse a sí mismo y a cantar a Aníbal Troilo o a Discépolo, con esa vocación de felicidad que se expande, hacia el mundo y hacia Borja, desde Buenos Aires.

*Este artículo apareció ayer en 'Heraldo', en la sección 'Cuentos de domingo'. Esta foto fue publicada por el propio diario.

*Juan Fernando Moreno Gistaín interpreta a Albéniz y Debussy en los Festivales Internacionales de Granada y Peralada

El pianista aragonés Juan Fernando Moreno Gistaín, nacido en Barbastro, ha sido invitado por varios festivales y programaciones de conciertos para presentar su programa compuesto por obras de Isaac Albéniz y Claude Debussy. El estreno del programa se realizó en el Teatro de Perpignan (Francia) a principios de Junio. Este fin de semana, concretamente el domingo día 5 de julio, el FEX de la 58 edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada acoge este programa dentro de su proyecto "Una Iberia para Albéniz".

En el mes de Agosto Juan Fernando ha sido invitado para ofrecer el único concierto de piano solista del XXII Festival Internacional Castell de Peralada. En Aragón se podrá escuchar este programa en el Festival del Foro Romano de Zaragoza el 7 de Agosto.

Esta misma semana Juan Fernando ha grabado parte de este programa para televisión, invitado por Canal Sur.

Al mismo tiempo, continúa la actividad junto a su hermano José Enrique como dúo de piano. Tras presentar en Madrid su programa Grand Duo y el concierto que ofrecieron en la Sala Sinfónica del Auditorio de Zaragoza, actualmente preparan una serie de conciertos fuera de España con el programa Inspiración Española, después de haberlo presentado en más de treinta ciclos de conciertos. La gira está patrocinada por el Gobierno de Aragón, y con la colaboración en la organización  de Juventudes Musicales de España, la Fundación Eutherpe y la Asociación DICE de Viena.

BIOGRAFÍA BREVE DEL PIANISTA

Juan Fernando Moreno Gistaín nace en Barbastro. Realiza sus estudios en los Conservatorios de Zaragoza y Barcelona y en el Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares, siendo galardonado con diversos premios académicos, así como en concursos nacionales. Ha recibido valiosos consejos de músicos de prestigio internacional, y mantiene una constante actividad como concertista en su faceta de solista y como dúo de piano a cuatro manos y dos pianos junto a su hermano José Enrique, invitado por numerosas instituciones y festivales. Ha grabado para el sello discográfico Albert Moraleda y para Radio Catalunya Musica, Aragón Televisión, Canal Sur, Radio Clásica de Radio Nacional de España y La 2 de Televisión Española.

*Esta foto pertenece al archivo www.acondearanda.com

Esta mañana en Buenos Aires ocurrio algo muy hermoso. Impartia un taller sobre la realización de un programa de televisión inspirado en nuestro trabajo en Borradores, de Aragon Television. En la primera sesión, en la que participaron mas de una veintena de alumnos –periodistas, escritores, profesores como Ana da Costa que ha editado una entrevista con Hector Tizon, editores, profesionales de la tele…- hablamos de las claves de nuestro programa, de cómo se produce, del concepto general, mostramos varios videos, uno de Lila Downs, otro de Fernando Trueba, otro de un programa general con actuaciones, etc. Esta mañana, pasamos el viaje al taller de Isidro Ferrer, que digirió Yolanda Liesa, pasamos el reportaje sobre Maria Pilar Martinez Barca y algunas otras cosas. Y luego realizamos un programa en directo. Una alumna, Margarita, trajo su cámara, y contamos con un invitado especial, Copi. Realizamos una entrevista, recorrimos su trayectoria –sus años en Infanticos del Pilar, la relación con sus padres y el descubrimiento de la música, el paso al rock, su colaboración con Heroes del Silencio, la década de trabajo y viajes y experiencias con Enrique Bunbury…-, y los alumnos disfrutaron de manera increíble. Fue un acto verdaderamente mágico. Copi recordó al equipo de Borradores, especialmente elogio el trabajo de realización de Teresa Lazaro, el clima de cariño y complicidad y respeto de todo el conjunto, y estuvo sembrado. Fue cercano, apasionado, sincero, incluso se comprometió en asuntos sociales, como su visión de la política o de algunos temas polemicos como la religión.

Algunos alumnos le hicieron varias preguntas. Copi cerro la entrevista, mas de una hora, bellamente grabada y muy bien recogida por micrófonos de ambiente por el equipo de sonido del Centro Cultural de Espana en Buenos Aires, con una sorpresa. Canto a pelo, con esa pasión y hondura que le caracterizan, un tango de Discepolo. Los compañeros no se lo creían. Fue un momento extraordinario, pleno de emoción, de sensibilidad, de fuerza y de integracion de un artista español con Argentina. Pasamos una parte de la entrevista y la canción, y volvimos a vivir ese regalo del azar y del talento. Cambiamos un poco el programa, pero el instante había valido la pena.

Copi es asi. Buenos Aires es asi y huele, tras la tormenta, a Paris. Copi, por cierto, tenia esta tarde una reunión porque va a hacer un programa quincenal de música de una hora y media, y esta rabiosamente feliz.

Mil gracias muy de veras a toda la gente tan acogedora de Buenos Aires, con Ricardo Ramon a la cabeza, con Mercedes Alvarez, con Jose Gomez, el bibliotecario, con Nara, con Guillermo Piro, con Sebas el conductor que oye opera… La lista se haría interminable. Uno de los detalles mas curiosos sucedió ayer en la charla de por la tarde sobre la literatura del mar. Maite, una profesora de La Plata, tomo el autobús y vino porque había leído un articulo mio sobre Manuel Vicent que se había publicado en un cuadernillo del ciclo Invitacion a la Lectura, que dirige Ramon Acin, y acaba de publicar una monografía completa sobre la obra del escritor y periodista valenciano. Le correspondi con una revelación que ella no tenia porque saber. Me dedico al periodismo fascinado por un libro de Vicent, aquella seria de Inventario de otoño que apareció en El Pais.

Acabo de llegar a Lima, desde donde partimos mañana hacia Espana. Y aquí también hemos sido muy bien acogidos por May Rivas, por Miguel Angel, por los taxistas, por el Hotel Antigua, por los alumnos del taller. Al llegar al hotel, teníamos varias regalos del Miguel Angel, jefe de prensa y periodista de radio y televisión durante anos, y también excelente fotógrafo. Me ha dejado un libro sobre un cementerio, con estupendas fotos, pero de eso hablaremos mas tarde, mañana.

-En este ordenador se descontrolan los acentos. Los que aparecen los inserta automáticamente el ordenador, porque yo no se como colocarlos. Javier Corellano, Copi, se llama asi porque uno de sus siete hermanos, eran ocho en total, recibio de regalo una bicicleta y en Borja lo llamaban Copi, como el campeon italiano Fausto Coppi, que nacio en 1919 y murio, en misteriosas circunstancias, en 1960, tras haber ganado dos Tour y cinco Giros. El nombre del hermano acabo siendo el apodo y el nombre artistico de Javier Corellano.

Anoche, tras la conferencia-entrevista ‘Los escritores del mar. Estelas y nuevas miradas’, que condujo el poeta, traductor y narrador Guillermo Piro, nos fuimos a cenar a la librería-restaurante Clásica y Moderna, donde actuaba un excelente grupo de tango femenino, al que acudió a oír el famoso presentador Víctor Hugo. Estábamos Guillermo Piro, su compañera Giselle, la escritora y coordinadora de actividades del CCEBA Mercedes Álvarez (va a publicar un libro de relatos en Baile de Sol), Ricardo Ramón, Copi (el cantante y compositor y pianista de Borja que reside en La Plata y es padre de dos niños), Carmen Gascón, mi mujer, y yo. Pasamos una noche estupenda, de tertulia, de literatura, con un fondo de tango.

Cuando nos íbamos, Copi quiso dedicarnos una canción. Es curioso porque hoy mismo toca ahí. Y decidió sentarse al piano y cantar "Garganta con arena" de Cacho Castaña, un tema maravilloso e intenso que evoca al gran Troilo. Copi, con su voz desgajada e intensa, con esa energía que el cielo de Aragón le ha dado, realizó una interpretación memorable y espontánea, que fue muy celebrada por un público sorprendido. Poco después, salimos a la calle. Tomamos un taxi y vinimos, Ricardo, Carmen y yo, al hotel Bel Air.

El oscense y director del CCEBA se quedó en su casa, a escasas cuadras, y nosotros seguimos. No sé cómo empezamos a hablar del tango y de ese tema. El taxista nos puso la versión que canta Cacho Castaña, la versión original, y el conductor, además, quiso que oyésemos ‘Septiembre de 1988’, un tango que es casi un documento y una radiografía del país. Nos lo puso completo, y nos decía: “Cacho Castaña, al final, se despide llorando. Llora”. Fue un instante mágico a medianoche, muy cerca del parque Vicente López.

Carmen, al bajar del coche, emocionada dijo: “Ha estado todo muy bien. Es increíble. Parece un cuento. Pero me ha gustado mucho más la interpretación de Copi”.

En Clásica y Moderna, dos mujeres nos habían dicho: “Qué bien canta ese tango el español. Qué intensidad. ¿De dónde es?”

*La foto está tomada en el Teatro Principal de Zaragoza y pertenece al blogbunbury.

“De Tripas Corazón”

Martes de junio y julio 21:30 hs

Clásica y Moderna. Callao 892

Reservas 011-4812-8707

Copi Corellano (whisky voz)

Ruben Mederson (saxos)

Adrián Mastrocola (piano)

Gerardo De Mónaco (contrabajo)

Germán Boco (batería)

“El cuarteto es para mí, un blend de cuatro músicos sensibles que, en lugar de conversar en un café, lo hacen a través de la música, en vez de jugar a algo juntos, hacemos jugar a los sonidos que fluyen de nosotros, sencilla y profundamente.
Como en una buena conversación (de esas que te dejan sabor a algo), tratamos de escucharnos, esperarnos, sentir la textura del sonido del otro, responder desde ahí, y como quinteto, siento que sucede igual, con un amigo más sentado a la mesa del café. Un amigo llamado Copi, que a estos cuatro cafés, cada uno con su sabor personal, le aporta el necesario toque aguardentoso del whisky... Así es como se logra que la charla empiece a volar y delirar, mixturando poetas locos, pintura, historias de los pueblos, y sobre la mesa empiezan a danzar Gaudí, Pessoa, los judíos de España y sus hermanos árabes, el tango, el rock...y nosotros vagando en el vodevil de la noche, haciendo de tripas corazón.”Ruben Mederson

Se agradece su difusión!

Contacto: Natalia Zanetto

0221 4247972/

022115 6174717

www.copicorellano.com

www.myspace.com/copicop

Crítica Diario La Nación

Un fructífero y sorprendente encuentro

Domingo 21 de junio de 2009

Calificación LA NACION:

De tripas corazón - Copi + Mederson. Con Copi Corellano en voz, Rubén Mederson en saxos, Adrián Mastrocola en piano, Gerardo De Mónaco en contrabajo y Germán Boco en batería. En Clásica y Moderna. Nueva función, pasado mañana y el martes 30, a las 21.30.
Nuestra opinión: muy bueno

En el comienzo, es sólo el saxo y la batería, para proponer, con un aire de quebrada y luego con una intervenida versión de "Alfonsina y el mar", que el camino quede despejado para un encuentro inesperado. Es que el cuarteto del saxofonista Rubén Mederson (uno de los integrantes de Dancing Mood) se cruza en estos shows con la voz y la propuesta casi teatral de Copi Corellano, un español que fue tecladista de Enrique Bunbury y que, buscando buenos sueños o huyendo de los malos, se ha venido a vivir aquí.

Su figura poco encaja en principio con el bar-librería de la calle Callao, con sus uñas pintadas de negro y su burla a las convenciones. Pero lo cierto es que cuando se suma al ya de por sí interesante cuarteto logra que los demás se enciendan aún más. Será entonces el recitado de un largo poema de Mario Benedetti o el de un asistente que al parecer le ha acercado su libro sobre la música que lo sobrevuela y lo posee. O su versión casi tan rasposa como la original de "Invitation to the Blues", un viejo tema de Tom Waits; el apasionado "Isolation" de John Lennon (en el que Copi le pide prestado el piano a Adrián Mastrocola) o el apropiado "Garganta con arena" de Cacho Castaña. Hasta, audaces, intentarán renovar, con una cantante mexicana invitada, "Summertime", standard entre los standards. Copi canta, pero sobre todo escucha lo que tocan estos cuatro compañeros de viaje y se deja poseer por la música. En esa pasión compartida y en la aceptación de lo imprevisto está el encanto de este encuentro.

Adriana Franco

Natalia Zanetto

0221-424-7972

0221-15-617-4717

(from outside Argentina)00 54-221-4247972

(from outside Argentina)00 54-9-221-6174717

Site Oficial

www.myspace.com/copicop

www.fotolog.com/copicorellano

Fan Site Argentina

www.copicorellano.com.ar

Fan Site Perú

copicorellano.blogspot.com/

Anoche llegamos al hotel Bel Air, después de cruzar en taxi una gran parte de Buenos Aires (qué increíble, qué fastuosa ciudad: sonaban los mítines en cualquier plaza) con el taxista Jorge al volante, encendimos la tele y vimos: “Murió Michael Jackson”. Al principio parecía una sospecha: se buscaba confirmación, datos que ratificasen el adiós, y pronto todos los canales empezaron a anunciaron su misteriosa muerte a los 50 años, en víspera de una gran gira que debía ser la última. Ayer y hoy han estado pasando imágenes de su trayectoria: sus años en Jackson Five, con aquel encanto arrollador que poseía, su salto increíble cuando publicó en 1982 ‘Thriller’, el álbum que revolucionó la música popular, el baile, el movimiento y la estética del videoclip, luego se hablaba algo de ‘Bad’, ‘History’ y del rosario interminable de rarezas y excentricidades. En 1996, en su estancia en Zaragoza, en el hotel Boston, cometió alguna.

La canción que más me gustó de él fue ‘Billie Jean’. Recuerdo que cuando trabajaba en el bingo grabé varias y mientras se repartían los cartones, de vez en cuando, sonaba ‘Billie Jean’. Billie Jean is  not my lover. Tenía 50 años y un mundo enigmático detrás.

Poco después, se anunciaba, con otro ritmo y otra trascendencia, la muerte por cáncer de la actriz Farrah Fawcett-Majors. Ryan O’Neal, con quien se quiso y se desquiso con furia de amor y de odio, le dedicó algunas palabras bonitas.

El grupo B Vocal –formado por Augusto, Fermín, Carlos, Juan Luis y Alberto- acaba de publicar su cuarto disco: “Vocalitessen”. Este esperado trabajo discográfico contiene, por primera vez, una significativa muestra de temas propios en la historia del quinteto. Los cinco nuevos temas exploran estilos como el pop, el funky, la música étnica, la balada o el rap, aportando un sonido inédito en el panorama musical de nuestro país.

En plena madurez de su dilatada trayectoria artística, estos cinco músicos aragoneses han querido plasmar en este trabajo un carácter muy personal que complementa a sus ya características versiones a capella de grandes éxitos y temas clásicos.

El público podrá disfrutar de “Vocalitessen” en el Teatro Principal de Zaragoza el sábado 20 de junio, a las 21.00 horas, y el domingo 21 a las 19.00 horas. El grupo deleitará a los asistentes con una actuación creada exclusivamente para esta presentación y que ha contado con la colaboración de la reconocida coreógrafa aragonesa Ana Continente. Se trata de un regalo para los buenos paladares musicales.

Posteriormente, los seguidores de b vocal podrán disfrutar de conciertos-presentación en Barcelona y Madrid los próximos 26 y 28 de junio, respectivamente.

Otra novedad importante es que el sello discográfico Galileo Music Communication se ha interesado por este nuevo trabajo discográfico y han firmado un contrato de distribución con el que esperan abrir mercado también en Europa, donde este sello tiene una importante presencia.

Vocalitessen. Versiones y cinco temas inéditos. B Vocal. Actuaciones en el Teatro Principal este viernes y este sábado, a las 21 y 19 horas, respectivamente. Formación: Fermín, Augusto, Alberto, Carlos y Juan Luis. El próximo cinco de julio, en el programa Borradores, ofrecen dos temas y dos de sus integrantes, Alberto y Augusto, comentan la trayectoria del grupo, con su habitual sentido del humor, y en especial este nuevo álbum: ‘Vocalitessen’. En la foto, por este orden, Juan Luis, Augusto, Fermín (con barba), Carlos y Alberto.

Éxito clamoroso en Bilbao con la ópera Giulio Cesare de Handel

Sin duda alguna la mejor parte del concierto fue la presencia de Eduardo López Banzo y su orquesta al Ayre Español. López Banzo es uno de los directores españoles más destacados en la interpretación de la música barroca como lo ha demostrado ya en el pasado. En esta ocasión nos ofreció otra vez una magnífica lectura llena de lirismo y, cuando era necesario, de gran intensidad. Su calidad de interpretación fue avanzando de manera ascendente y aumentando claramente en los actos II y III. (…) La orquesta estuvo magnífica: una de las mejores de este tipo de repertorio en la actualidad con un sonido verdaderamente bello y de gran musicalidad. (…) En los saludos finales la ovación mayor fue para López Banzo y Al Ayre Español.

José M. Irurzun. “Seen and heard international opera” 22/01/2009

El arranque de 2009 no pudo ser más exitoso para Al Ayre Español y Eduardo López Banzo: por segundo año consecutivo en el Palacio Euskalduna de Bilbao, López Banzo y su formación volvieron a cosechar una sonada ovación del público y la crítica sin precedentes en las cuatro representaciones de la ópera de Handel los días 17, 19, 21 y 23 de Enero.

La próxima temporada 2010 López Banzo y Al Ayre Español regresarán al Palacio Euskalduna para interpretar la ópera Le Nozze di Figaro de Mozart.

Gira de conciertos con patrimonio musical aragonés: León, Nápoles y El Escorial.

El día 8 de febrero comenzó en Nápoles el primero de los dos conciertos de la gira organizada por el INAEM y el Ministerio de Cultura, que finalizó con el concierto realizado en el auditorio de León el día 13 de febrero. Eduardo López Banzo y Al Ayre Español, en su formación camerística, interpretaron junto a la soprano Raquel Andueza las Cantadas al Santísimo del compositor aragonés José de Nebra y dos obras para teclado atribuidas al también compositor aragonés Diego Xaraba y Bruna.

El día 9 de abril y acompañados en esta ocasión por la soprano María Hinojosa, Eduardo López Banzo y Al Ayre Español volvieron a interpretar este mismo programa en el Teatro Auditorio de San Lorenzo del Escorial. La labor de recuperación de este repertorio ha situado a Eduardo López Banzo como el mayor especialista en el repertorio de José de Nebra.

La Pasión según San Mateo de Bach triunfa en los auditorios de Castellón y Valencia

… (Eduardo López Banzo y Al Ayre Español) dieron, como cabía esperar, una versión rigurosa, con instrumentos originales y búsqueda de un sonido y una articulación propiamente barrocas. Todo esto, muy frecuente en otros países, no es tan habitual entre las formaciones españolas, y López Banzo ha sido todo un pionero en este sentido.

Rosa Solà. "Versión rigurosa". El País 07/04/2009

Al Ayre Español desplegó su formación más grande, dos orquestas y dos coros, para una de las obras insignes del compositor alemán en los conciertos ofrecidos en los auditorios de Castellón, el 4 de abril, y  Valencia, el 5 de abril. En esta ocasión López Banzo ofreció una magistral visión “mediterránea” de la partitura, plena de la energía y la viveza que caracterizó al Barroco y con la que Al Ayre Español ya obtuvo en 2008 un gran éxito de crítica y público en Madrid y Bruselas.

El estreno de la ópera Orlando de Handel llena el Teatro de la Maestranza de Sevilla y el Auditorio de Zaragoza

Eduardo Torrico, "Teatro de la Maestranza. Orlando de G. F. Händel" CD Compact Nº 232, junio 2009

El Teatro de la Maestranza de Sevilla celebró el pasado día 15 de abril el 250 aniversario de la muerte de Handel y lo hizo con el encargo a López Banzo y Al Ayre Español de la versión en concierto de una de las óperas más insignes del compositor alemán. Tras un éxito clamoroso de público y de crítica en Sevilla, el día 20 de abril Al Ayre Español volvió a llenar el Auditorio de Zaragoza donde recogió el aplauso del público zaragozano. La crítica especializada ha destacado de la versión de ambos conciertos la frescura, el ímpetu de la orquesta, así como el sonido personal, enérgico y compacto con el que López Banzo controló a la perfección la acústica de las salas de ambos auditorios. Por ello Eduardo López Banzo ha sido reconocido por unanimidad de toda la crítica como el máximo especialista español en la ópera handeliana

Charles Avison y Handel en Huesca

Rodrigo de Handel ya está en el mercado discográfico

NOCHES DE JUGLARES 09

En el Parque Delicias de Zaragoza.

Día 4 de junio, 22 horas

TomaTeatro666 presenta a Gabriel Caballero en La Tabaquería, sobre poemas de Fernando Pessoa.

Franco Deterioro y Jaime Lapeña, con las canciones de su espectáculo Lo cortés no quita lo indecente.

Essauira, danzas orientales.

Día 11 de junio, 22 horas

Luis Felipe Alegre recuerda a José Agustín Goytisolo

Iñaqui Fernández: Mi versión de tu canción

Día 18 de junio, 22 horas

Antón Castro: Poemas y Relatos

Daniel Rabanaque, Don Nadie y Zombra: Poesía-Música-Imagen

*

El ciclo Noches de Juglares está organizado por la Junta Municipal Delicias, el CC Terminillo.

Coordinación artística y presentación: El Silbo Vulnerado.

*Sarah Bernhard, retratada por Félix Nadar.

(Prólogo)

Sigue a Antonio Vega y sabrás

qué ha encontrado en sus canciones

A Antonio Vega se le perdió algo y tuvo que hacerse compositor para ir a buscarlo dentro de sus canciones. Sus discos cuentan la historia de esa búsqueda, y aunque todo el mundo sabe que escribir es mentir, él escribe tan bien que cuando los escuchas tienes la impresión de que te cuentan la verdad, que es exactamente lo que ocurre con todos los poetas en quienes merece la pena confiar. Verdad y poeta son palabras tal vez demasiado solemnes, de manera que quizá sería mejor matizarlas: donde decía verdad podemos poner su verdad, y poeta lo podemos cambiar por poesía, porque Antonio Vega no escribe poemas, sino canciones, pero sus canciones están llenas de versos memorables y, sobre todo, tienen el ambiente de la buena poesía, están hechas de palabras esenciales y no están construidas para flotar en la superficie de las cosas sino para descender hasta su fondo. Son canciones que existen porque tienen algo que decir. Lo cual puede ser obvio, pero no es tan habitual, y no hay más que poner la radio para darse cuenta.

Antonio Vega es compositor y cantante, y a la mano del primero le viene muy bien la voz del segundo, ese brillo oscuro que tiene su tono y que él multiplica con su manera de interpretar las canciones, gracias a esa especie de emoción hacia dentro que las hace a menudo estremecedoras. De entre todos sus discos, el que prefiero es 3000 noches con Marga, porque es el que más dolor me ha hecho sentir, y el arte consiste en eso, en transformar a quien lee, escucha o mira en quien escribió, compuso o pintó, o al menos en repetir en él sus emociones.

El sentimiento que Antonio Vega suele dejar más a menudo en nosotros es el de la desolación, o como mínimo el de una de sus hermanas gemelas, la melancolía. A algunos, ser melancólicos los vuelve cobardes, a otros, como Antonio Vega, los vuelve unos aventureros capaces de abrir las famosas puertas de la percepción, de llegar hasta donde sea necesario para darse alcance: hay cosas que no se pueden descifrar si antes no se derriban, viene a decir en uno de sus temas más antiguos, y creo que esa idea explicaba ya en qué iba a consistir esa búsqueda vital y artística de la que hablamos y que podría definirse como un descenso hacia la luz más intensa, que es la luz del conocimiento.

Me arriesgaría a decir que todas las canciones que ha escrito Antonio Vega debieron de empezar con una pregunta, nunca con una respuesta: ¿por qué ocurren las cosas, para qué sirven?

Escribir es enfrentarse al tiempo, y él ha descrito esa lucha de una manera brillante:

«camino sin ver el final,

y el paso que aún no he dado ya está atrás».

Las mejores canciones de Antonio Vega tienen algo de himno, por mucho que él no parezca tener alma de abanderado. Más bien, parece un hombre tímido, al que le gusta esconderse en público; pero en eso no ha tenido mucho éxito, porque por más que uno lo intente, no puede esconderse en su talento. Al contrario, el talento no es un escondite sino una lupa.

Leyendo ahora las canciones de este libro, el tamaño de Antonio Vega como letrista aumenta, y para el lector habitual de poesía es sencillo ver el trabajo minu-

cioso que hay detrás de muchos de sus textos; su batalla por la palabra justa o la asociación inesperada, por desordenar las cosas que se oyen, agrupar los silencios y ver cada cosa a su escala real, como él dice; su capacidad para construir metáforas como el químico que elabora un perfume, logrando como por arte de magia que lo más grande quepa en lo más pequeño y la historia de muchos se pueda resumir en una línea; o, finalmente, su empeño en encontrarle otro lenguaje a las canciones, más allá de los caminos conocidos, los ecos fáciles y las rimas cómodas. La inspiración es el último recurso de los malos escritores, los buenos le ganan sus versos al diccionario, combatiéndolo página a página. Dicho eso, ya se puede decir todo lo contrario y que las dos cosas sean verdad: cuánta inspiración parece haber en sus temas más brillantes, qué momento de gracia parecen haber captado a veces sus discos.

Siempre me ha gustado Antonio Vega porque siempre he visto honestidad y brillantez en su trabajo. Ahora, al comprobar que quitarle el sonido a sus canciones no es quitarles su música, me doy la razón al recordarme hace casi treinta años oyendo en la radio una canción suya por primera vez y pensando: ese tipo tiene algo que no tienen los demás, y lo que escribe es especial, está lleno de poesía. Porque necesitaba oír esa poesía, no he dejado de comprar ninguno de sus discos y aunque algunos han ido cambiando de cáscara, del elepé al compacto y de ahí al mp3, su sabor es el mismo. He seguido a Antonio Vega con curiosidad, para saber qué iba a encontrar en las canciones que escribía como si cavara en él mismo. Un buen poema es siempre el mapa de un tesoro, la crónica de la aventura que sirvió para descubrirlo. Este libro es una buena noticia para los lectores de poesía, y eso no es algo que se pueda decir de demasiada gente.

Benjamín Prado

Madrid, marzo 2009

la chica de ayer

Un día cualquiera,

no sabes qué hora es,

te acuestas a mi lado sin saber por qué.

Las calles mojadas te han visto crecer

y tú en tu corazón estás llorando otra vez.

Me asomo a la ventana,

eres la chica de ayer

jugando con las flores en mi jardín,

demasiado tarde para comprender,

chica, vete a tu casa, no podemos jugar.

La luz de la mañana entra en la habitación,

tus cabellos dorados parecen el sol.

Luego por la noche al Penta a escuchar

canciones que consiguen que te pueda amar.

Me asomo a la ventana,

eres la chica de ayer

jugando con las flores en mi jardín,

demasiado tarde para comprender,

mi cabeza da vueltas persiguiéndote.

lucha de gigantes

Lucha de gigantes convierte el aire en gas natural.

Un duelo salvaje advierte lo cerca que ando de entrar

en un mundo descomunal.

Siento mi fragilidad.

Vaya pesadilla corriendo con una bestia detrás.

Dime que es mentira todo, un sueño tonto y no más.

Me da miedo la enormidad

donde nadie oye mi voz.

Deja de engañar,

no quieras ocultar

que has pasado sin tropezar.

Monstruo de papel,

no sé contra quién voy,

¿o es que acaso hay alguien más aquí?

Creo en los fantasmas terribles de algún extraño lugar,

y en mis tonterías para hacer tu risa estallar.

En un mundo descomunal,

siento tu fragilidad.

Deja de engañar,

no quieras ocultar

que has pasado sin tropezar.

Monstruo de papel,

no sé contra quién voy,

¿o es que acaso hay alguien más aquí?

Deja que pasemos sin miedo…

el sitio de mi recreo

Donde nos llevó la imaginación,

donde con los ojos cerrados

se divisan infinitos campos.

Donde se creó la primera luz,

germinó la semilla del cielo azul.

Volveré a ese lugar donde nací.

De sol, espiga y deseo son sus manos en mi pelo.

De nieve, huracán y abismos el sitio de mi recreo.

Viento que en su murmullo parece hablar,

mueve el mundo y con gracia le ves bailar,

y con él el escenario de mi hogar.

Mar bandeja de plata, mar infernal,

es un temperamento natural,

poco o nada cuesta ser uno más.

De sol, espiga y deseo son sus manos en mi pelo.

De nieve huracán y abismos el sitio de mi recreo.

Silencio, brisa y cordura dan aliento a mi locura.

Hay nieve, hay fuego, hay deseos, allí donde me recreo.

pueblos blancos

Pueblos blancos, calles empedradas,

en el cielo una explosión dorada,

a esta hora.

Aparentemente inofensivo

es el árbol que cuida su nido,

a esta hora.

A la hora de las sombras largas,

cuando nacen los hechizos,

en el campo de batalla

poco a poco se quedó dormido.

Negro es el perfil de la montaña,

la última gaviota surca el cielo,

a esta hora.

A la hora de las sombras largas,

cuando nacen los hechizos,

se confunden vencedores y vencidos.

Pueblos blancos, calles escarpadas,

acuarela, luz aguada,

a esta hora.

Pueblos blancos, calles empedradas,

en tu pelo una explosión dorada.

*La editorial de David Villanueva, Demipage, acaba de publicas las canciones y poemas de Antonio Vega, con prólogo del narrador y poeta Benjamín Prado. Publico aquí estas líneas por gentileza de la editorial. Tomo la foto de aquí: http://guillermoamoros.files.wordpress.com/2009/05/42.jpg. La foto es de Jorge Ontalba.

Me he levantado esta mañana hacia las siete. He abierto el ordenador y he puesto los discos que hay en el Spotify de Antonio Vega. Había comprado álbumes suyos en los últimos tiempos: los llevaba en el coche y me encantaba esa voz rota, desgajada, de una fragilidad conmovedora, de cristal quebrado. Al margen de sus canciones, ‘La chica de ayer’, ‘Pasa el otoño’, ‘Que yo no lo sabía’, ‘Ángel de Orión’, me gustaron especialmente sus versiones de ‘Cómo hablar’ con Amaral y de ‘Romance de curro el palmo’ de Serrat.

Encuentro esta preciosa foto de Antonio Vega, muerto ayer, de Thomas Canet, y aquí la cuelgo a modo de homenaje y recuerdo. Me encantaba su voz, su estilo, su sensibilidad.

En este momentos, con el resuello de las guitarras de fondo, Antonio dice: “Caminos infinitos, caminos infinitos…”

La música del guitarrista y compositor José Antonio Chic, director de la orquesta Ensemble XXI y Profesor del Conservatorio de Monzón,  formará parte del plan de estudios de uno de los Centros Musicales más importantes del mundo, The Juilliard School de Nueva York.

Concretamente, los alumnos de esta prestigiosa institución trabajarán, durante el Curso 2009-10, el cuarteto de guitarras El lenguaje de las estrellas, que Chic escribió por encargo del Cuarteto Terpsicore y que este ha presentado con un destacado éxito de público en diversos Festivales y en giras por Alemania, Corea del Sur y Rusia.

La Juilliard incluye en sus programas de manera muy puntual obras de nuevos compositores.

Fundada en 1905 y con sede en el Lincoln Center de Nueva York, The Juilliard School está considerada una de las instituciones más prestigiosas del mundo de enseñanza artística. Posee una de las más importantes bibliotecas musicales, con manuscritos y borradores de obras de  Mozart, Bach, Ravel, Chopin. Schubert, Listz, Strawinsky...incluido el manuscrito de la Novena Sinfonia de Beethoven.
Está catalogada como la  escuela con el  proceso de selección más restrictivo de Estados Unidos, con una tasa de aceptación de alumnos inferior al 7 por ciento.

Entre sus ilustres graduados se encuentran los actores Robin Williams, Kevin Spacey, Christopher Reeve y los músicos Yo Yo Ma, Nigel Kenedy Chick Korea, Miles Davis y el compositor de bandas sonoras John Williams, entre otros. La obra El lenguaje de las estrellas será presentada en un concierto en el Lincoln Center, sede de la Juilliard School el  24 de abril de 2010.

*Esta noticia la ha remitido el propio José Antonio Chic.

Carmen París visita hoy “El reservado”

La cantante habla de sus padres, cuenta sus años de verbenas, bares y baloncesto y reflexiona sobre el éxito y la popularidad

Hoy lunes 27 de abril, la cantante y compositora aragonesa Carmen París será la invitada de “El reservado” el programa de entrevistas que presenta y dirige Luis Alegre en Aragón TV.

Carmen París, aunque nació en Tarragona en 1966, creció en Utebo (Zaragoza) y estudió Filosofía y Letras en Zaragoza. Curtida en verbenas, bodas, bautizos y comuniones –sobre todo con la Orquesta Jamaica–, su carrera dio un vuelco espectacular con el disco Pa mi genio (2002). Luego ha publicado Jotera lo serás tú eIncubando, y se ha consolidado como una de las artistas más estimulantes y personales de la canción española.

A lo largo de la charla con Luis Alegre, Carmen París cuenta lo afortunada que se sintió desde niña por “tener unos padres que se querían” y habla de la importancia de tener unos padres cariñosos para la vida de cualquiera. La cantante se extiende sobre la personalidad de sus padres, que eran bohemios, y recuerda que de niña le gustaba mucho ir a misa para cantar en el coro. Fue precisamente cantando durante una boda cuando fue descubierta por los miembros de la Orquesta Jamaica, con la que recorrió muchos lugares, sobre todo de Aragón. Carmen cuenta algunas vivencias insólitas de aquellos años: en Calamocha actuó únicamente para un abuelo y su nieto; en el hotel Papa Luna de Peñíscola, además de actuar durante varios veranos impartió clases de animación y gimnasia para niños y mujeres, y en Seo de Urgell sufrió un acoso.

Muy divertida, cuenta anécdotas cuando era camarera en el bar de sus padres en Utebo, muy frecuentado por el personal de la Base Americana. La cantante recuerda sus tiempos en la Universidad de Zaragoza y reconoce que su afición por el atletismo, y después por el baloncesto, “perjudicó” su carrera académica. La cantante también recuerda su amor platónico de juventud, aunque ahora agradece que no le hiciera mucho caso. Carmen París confiesa preferir el prestigio a la popularidad y habla del precio de la fama que ella ha visto pagar a compañeros suyos como Enrique Bunbury o Eva Amaral. La artista concluye la entrevista entonando maravillosamente una versión de La Albada, la popular canción de José Antonio Labordeta.

“El reservado”, con Luis Alegre, se emite el lunes a las 23:30 horas. Hoy: Carmen París. (La información corresponde a Prensa de Aragón Televisión y a la productora de ‘El reservado’.)

Laurie Anderson & Lou Reed

The Yellow Pony and Other Songs and Stories

La artista multidisciplinar, Laurie Anderson, y el músico, Lou Reed, una de las parejas más emblemáticas de la vanguardia musical y dos de los rebeldes más creativos del Nueva York mítico de los setenta, se han unido para presentar en directo un nuevo proyecto conjunto, “The Yellow Pony”, que incluye repertorio de ambos artistas, con sus temas clásicos y composiciones más recientes, en un concierto que mezclará música, historias, canciones y poemas.

Lou Reed y Laurie Anderson, pareja que, justo este mes cumple su primer aniversario de boda tras 14 años de relación, han elegido España para abrir la gira mundial en la que estrenarán el espectáculo “The yellow pony and other songs and stories”. El estreno será el 10 de julio en el Festival Porta Ferrada en Sant Feliu de Guíxols (Girona), y luego actuarán el 12 de julio en la Plaza del Obradoiro de Santiago de Compostela y el 14, en Madrid, dentro de los Veranos de la Villa.

En “The Yellow Pony” harán un repaso a su amplio y variado repertorio, abarcando temas clásicos del rock de Lou Reed, piezas instrumentales con dosis de improvisación, obras de spoken word de sus trabajos para teatro y duetos sobre el amor y sus diferentes variantes.

Desde los años noventa la pareja ha colaborado profesionalmente en diferentes ocasiones: en el álbum The Raven, de Lou Reed, se puede escuchar el violín de Laurie Anderson y en los discos Bright red y Life on a String de la artista, se puede escuchar la guitarra de Reed.

Como en todos los proyectos de Laurie Anderson y Lou Reed, “The Yellow Pony”, tendrá una cuidada puesta en escena con especial énfasis en el diseño de iluminación.

*Esta información corresponde a Pilar González.

Ana Gil remite la siguiente nota:

Les envío información sobre la exposición que inauguramos el 16 de abril y que durará hasta el 4 de Mayo, en horarios de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:30, de lunes a viernes.

La Exposición titulada “Aragoneses”, es una colección de retratos en blanco y negro protagonizada por personajes de referencia en diferentes áreas de la sociedad y la cultura aragonesa, son más de treinta fotografías realizadas conjuntamente por los fotógrafos Pilar Irala, Carmelo Esteban y Jesús Royo, miembros todos de GUSTAFF ROOM, y que se realiza a beneficio de la Fundación Daño Cerebral Sobrevenido ATECEA, nacida en 2005 a partir de la iniciativa de la Asociación de Traumatismo Encéfalo Craneal y Daño Cerebral Sobrevenido de Aragón. “Una vida salvada merece ser vivida” es el lema de la fundación en torno al que gira el concepto y estilo de la muestra.

Gustaff Room es un estudio fotográfico de origen británico que se establece en Zaragoza a mediados del 2008 después de un par de años en Barcelona. Como consecuencia de los trabajos del fotógrafo internacional Gustaff Choos. Actualmente cuenta con 5 fotógrafos: Pilar Irala, Javier Ordax, Carmelo Esteban, Chris Hassel y el propio Gustaff Choos.

Gustaff Room -Photographic Projects- desarrolla proyectos fotográficos dentro de diferentes áreas: publicidad, editorial, moda, magacines especializados, prensa, etc. Su departamento de diseño dirigido por Marta Rubio y el estudio Thiswayup, es uno de los  más creativos y originales del panorama nacional.

Además de sus trabajos nacionales Gustaff Room desarrolla encargos en países como Reino Unido, Alemania, Noruega, Italia, Francia y Estados Unidos. Consiguiendo de esta forma una fusión de conceptos original y única. Gustaff Room es un estudio independiente y autofinanciado involucrado en proyectos culturales y sociales de todo tipo.

*Un retrato de Carmen París, realizado por el estudio.

por Xoán ABELEIRA

Dicen que la poesía no puede transformar el mundo. Pero el mundo está compuesto de millones de almas abiertas a la poesía, dispuestas a trabajar por su propia transformación. La belleza, como el amor, como la solidaridad, tiene un poder curativo, y, al atravesarnos de parte a parte, actúa sobre nosotros provocando un efecto dominó. Fíjense, si no, en el compositor Eduardo Soutullo. Un día leyó estos versos de Oliver Wendell Holmes, médico y escritor estadounidense que en el siglo XIX alcanzó notoriedad pero que hoy, por desgracia, ha caído en el olvido: ““All the echoes listen,/ But in vain.../They hear no answering strain” (“Todos los ecos escuchan,/Aunque en vano…/Pues no oyen ningún sonido en respuesta.”) Y a partir de ellos, movido y conmovido por ellos, escribió un tríptico sinfónico, empleando esos versos como títulos de cada una de sus piezas. La que ayer estrenó en Vigo y hoy reinterpreta en A Coruña la Orquesta Sinfónica de Galicia es la última del conjunto. Así, con su misterio habitual, la poesía pasó de la superrealidad a Wendell, y de Wendell a Soutullo. Y ahora éste nos la transmite a nosotros transformada en compases.

         No es fácil ubicar a este gallego de indudable talento dentro del panorama actual, máxime cuando él mismo rehúye cualquier clasificación: “Aparte de haber desechado la recreación mimética de los modelos o formas del pasado (clasicismo, romanticismo, etc.), también he descartado siempre cualquier técnica de composición basada en la serialización, el cálculo, la combinatoria o cualquier otro proceso que coarte mi intuición y mi libertad como compositor.” Algunos críticos lo han incluido dentro del espectralismo francés, una corriente generada en la década de los sesenta por los integrantes del Ensemble L’Itinéraire y que, en efecto, influyó decisivamente en Soutullo (sobre todo Gérard Grisey). Pero él se siente “más próximo a la estética del post-espectralismo y del neo-modal”, y reconoce su deuda con “los trabajos de Olivier Messiaen, Toru Takemitsu, Magnus Lindberg, Marc-André Dalbavie o, en España, César Camarero y David del Puerto.” Nos estamos refiriendo aquí a un tipo de música “muy envolvente, de atmósfera, pero más intuitiva y tradicional”, ya que uno de los objetivos de este conjurador es “crear una vía de encuentro con el público”.

         Basta con escuchar apenas un fragmento de su arriesgada tentativa para darse cuenta de que lo ha conseguido. Tal vez por eso Soutullo no ha parado de cosechar premios en este último lustro tan fructífero para él. Por ejemplo: All the echoes listen, la primera parte del tríptico que acaba de concluir, obtuvo el Primer Premio en el Concurso Internacional de Composición Ciutat de Tarragona 2005 (el único certamen español miembro de la Federación Mundial de Concursos Internacionales de Música), y el compositor Tomás Marco Aragón, Premio Nacional de Música y miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, la definió en su día como "una de las más relevantes partituras orquestales producidas hasta ahora por el siglo XXI español".

         En esta parte final, They hear no answering strain, Soutullo ha echado mano “de una plantilla orquestal más numerosa que las de las dos obras anteriores, incluyendo al completo las secciones de cuerda y de viento de la OSG, además de emplear timbales, tres percusionistas, arpa y celesta. Al igual que en las otras dos obras del tríptico, el interés por la tímbrica y los colores orquestales (que incluye el uso de diversos tipos de sordinas en los metales o el uso de arcos de contrabajo en vibráfono y crótalos), no excluye una utilización explícita del tematismo. Los motivos y temas expuestos en las dos primeras obras del tríptico reaparecen desarrollados en ésta junto a otros nuevos, articulando el conjunto como un todo.”

         Wendell Holmes escribió: “El ruido de un beso no retumba tanto como el de un cañón pero su eco perdura mucho más.” Y también: “Lo que está delante y detrás nuestra apenas tiene importancia comparado con lo que reside dentro de nosotros.” Y esos son, precisamente, los ecos que aúllan o musitan en vano tanto en su poema como en el tríptico de Soutullo: los de la vida, los de la naturaleza, es decir, los nuestros. Los ecos en soledad que nos buscan sin hallarnos. Los ecos que nos llaman sin obtener respuesta. Los ecos, ay, de nuestro castillo interior cada vez más vacío, cada vez más ruinoso.

*Este artículo de Xoán Abeleira ha aparecido en la edición gallega de ‘El País’, dentro de la serie ‘O creador no seu obradoiro’. Esta foto de Soutullo fue realizada por Roser Sans.

Escribe Rafael Castillejo la siguiente nota sobre el guitarrista Luis Verdú, recién fallecido.

Estimados amigos:

 
Ha fallecido mi amigo, el guitarrista Luis Verdú.  El funeral será mañana lunes, 23 de marzo, a las 11 de la mañana, en la capilla núm. 1 del Cementerio de Torrero.

 Nos conocimos en el año 2000 y, desde entonces, fueron muchas las veces que tuve el placer de compartir escenario con él cuando presenté actos dedicados a la copla o a poesía andaluza y extremeña.  No sólo fueron actos culturales, no puedo olvidar aquellas noches de viernes en la desaparecida Sala Artistas, espectáculos benéficos, etc., casi siempre acompañando al recitador Fernando González y a las cantaoras: Rosario Halcón, Emilia Muñoz y Gracia Márquez.

 
Nunca ocultó haberse sentido influenciado por el gran maestro, Manuel Serrapí (Niño Ricardo) y me habló muchas veces de la sana rivalidad en su tiempo entre Ricardo y Montoya.  Como profesional, fue guitarrista oficial en Radio Córdoba en unos años en que la canción española y el flamenco reinaban sin discusión.  De esa manera, tuvo la suerte de poder acompañar a grandes artistas como: Manolo Caracol, Pepe Marchena, Juanito Valderrama o Antonio Molina.  Se casó con una zaragozana a la que había conocido en 1975 en Barcelona, estando los dos ingresados en la Clínica Barraquer.  La boda fue el 5 de marzo de 1977 en el Barrio de Casablanca, pero no fijarían su residencia en Zaragoza, hasta su retirada en el año 1994.  A los seis meses, Rosa Mari, su esposa, falleció.  Desde entonces, pasó su vida entre dar clase de guitarra española y colaborar en actos como los que antes mencionaba.  Por lo que a mí respecta, puedo decir que nunca se negó a participar en lo que le propuse, por eso, la foto de esta semana en mi página web, va dedicada a él en un día muy especial como fue el del homenaje que le rindió la Asociación de Amigos de la Música de Zaragoza y que tuve el placer de presentar.  Desde esa foto, haciendo clic donde figura su nombre en letra blanca subrayada, accederéis a su Web donde podréis escucharle tocar.

 
Descanse en paz.

 
www.rafaelcastillejo.com

Gonzalo Alonso es uno de los grandes músicos de Zaragoza. Un artista en el sentido más amplio del término. En los últimos años, se ha inclinado por el flamenco y ha fundado, con un amplio elenco de amigos, el grupo La Querencia. Recibo esta nota de la gira del grupo por París. Suerte. La foto la he tomado de envozalta. 

El flamenco fusión de La Querencia, a la conquista de París

Pasión y arte se conjugan con maestría y el público se embruja con la puesta en escena de La Querencia, grupo aragonés de flamenco fusión que, tras el éxito logrado recientemente en Toulouse, carga las maletas de ilusión renovada para su próxima actuación. Será en París este fin de semana, donde ofrecerán su espectáculo que combina el flamenco con otras disciplinas. El resultado: magia sobre un escenario.

Zaragoza, 3 de marzo de 2009

Toulouse les recibió con aplausos y éxito de público y ahora París se prepara para absorber su arte sobre un escenario. La Querencia, proyecto musical aragonés de nuevo flamenco, viajará este viernes y sábado a la capital del Sena para que los franceses disfruten, degusten y sueñen con su espectáculo de fusión. En él se mezcla baile y música y ofrecen composiciones propias a medio camino entre el flamenco clásico y la música de cámara. Interpretan tarantas, tangos, tanguillos, bulerías y rumbas con una instrumentación singular (dos guitarras españolas, piano, viola, flauta travesera, percusión, bajo eléctrico y dos cantaores), consiguiendo así unos ambientes sonoros elegantes y un personal estilo musical. París es su próximo destino y, por el momento, la expectación es máxima. “Tenemos concretadas entrevistas en medios locales parisinos y han salido noticias previas a la actuación”, subraya el ex cantante del grupo Días de vino y rosas, Gonzalo Alonso.

Este triunfo ha sido refrendado recientemente en su actuación de Toulouse. “Además de porque los franceses son muy sensibles a la música flamenca, fue un gran éxito porque el espectáculo ofrece una mezcla de ambientes más melódicos, con momentos de mucha fuerza combinados con el baile. Ha sido una experiencia muy enriquecedora”, añade el artista.

Una bailaora aporta la sensualidad y la fuerza del genuino baile flamenco. Se trata de un espectáculo apto para todos los públicos, detallista y enérgico y que no deja indiferente, puesto que la música de La Querencia tiene personalidad propia dentro del rico mundo del flamenco fusión.

Este proyecto se ha consolidado como una de las apuestas más sólidas del nuevo flamenco en Aragón. El hecho de contar con músicos que provienen de diferentes lugares geográficos y estilos favorece la creación de La Querencia. “Lo mágico es el aporte de cada uno, el encuentro. Nuestra música no es parecida a casi nada, es una música viva, no tiene rasgos de otras músicas”, señala el guitarrista Paquito de la Serrana.

Asimismo, tal y como indica Gonzalo Alonso, “el flamenco es una música tan rica que acepta muchas posibilidades de fusión, con música brasileña, con el jazz, con clásica… pero sin perder el respecto al flamenco cabal. Creo que es saludable que el flamenco se fusione con otras músicas para luego nutrirse de ellas”, añade.

EL DISCO

Inmersos en las actuaciones en directo, La Querencia dispone actualmente de poco tiempo para dedicar a la grabación de su disco. Pero es un proyecto en marcha y que pretenden presentar a finales de este año. “Queremos grabar el espectáculo que tenemos montado, es difícil porque siempre tenemos directos…”, se lamenta Gonzalo.

No obstante, la idea es que el propio directo enriquezca el disco y, por eso, la idea es grabarlo en directo, “si no en estricto directo, sí gran parte. Hay una magia que se pierde en el estudio, porque nuestra música es muy visceral y pasional. La música en directo nos suena muy espontánea, depende de cómo está el cantaor, te hace un giro melódico que te hace tocar de otra manera”, resalta Alonso.

LOS COMPONENTES

La Querencia se nutre de la maestría de diferentes músicos. “No hay una música que sea un patrón en la que se apoyen los demás, sino que cada uno aporta lo suyo y tiene su momento”, resume el guitarrista Paquito de la Serrana. Esta formación se compone de varios artistas que incorporan su raza y su carisma en cada interpretación: Gonzalo Alonso y Paquito de la Serrana comparten arte con la bailaora Nuria Cazorla; José de Pasaia (cantaor y compositor); Toñín Gabarre (al cante); Miguel Zarazaga (viola); David Jiménez (percusión); Simón Fernández (flauta travesera) y Guillermo Mata (bajo eléctrico).

ENTREVISTAS: DIEGO EL CIGALA Y UNAI ELORRIAGA

REPORTAJES: JANE BIRKIN Y ‘EL PAPEL DE LA DIFERENCIA’: REVISTAS CULTURALES ESPAÑOLAS

PLATÓ: ANA AÍNSA Y PABLO MURILLO, AUTORES DE ‘CORRIENTES DE VIDA’ Y FRANCISCO ABADÍA

ACTUACIÓN: LA CHAMINERA: ÁNGEL VERGARA Y MARÍA JOSÉ MENAL

El programa Borradores recibe esta noche en el plató a la escritora y periodista Ana Aínsa y al fotógrafo Pablo Murillo, autores del volumen ‘Corrientes de vida. Cuaderno de viaje de los ríos de Aragón’ (Gobierno de Aragón), donde recorren la casi veintena de caudales que surcan el territorio, desde el Aragón, río de la montaña, hasta los ríos Matarraña y Guadalope, pasando por el Ebro, el Gállego, el Huerva, el Guadalaviar e incluso el Canal Imperial de Aragón. Pablo Murillo ha intentado captar la fuerza del paisaje bajo la cambiante luz de las estaciones y Ana Aínsa inventa una voz para cada río, de tal modo que el lector asiste a una especie de confesión o monólogo de cada caudal. Se ofrece una selección de las más de 600 imágenes del volumen.

José Francisco Abadía Álvarez, profesor e historiador, explica las claves de su trabajo ‘Ejea de los Caballeros en la Guerra de la Independencia’, en el que aborda, con todo lujo de detalles, las claves de este periodo en la población de las Cinco Villas, que contaba con unos 2.500 habitantes y un 3.5 % de ciudadanos vinculados con el clero. Abadía glosa la importancia de Palafox, algunos casos de picardía y deserción, la capitulación y los sucesivos estadios de Ejea como núcleo josefino, napoleónico, constitucionalista, etc. Abadía también habla de un importante proyecto cultural que es la revista ‘Ágora’, un auténtico foco de creación y de iniciativas culturales de Ejea.

El grupo La Chaminera, compuesto por Ángel Vergara y María José Menal, hablan de su último proyecto literario y musical: ‘La Chaminera entre líneas’ (Rolde), e interpretan dos temas del folclore popular: ‘El piojo y la pulga’ y ‘La gaiteta de Vilella’, una canción para títeres. Ellos abren y cierran Borradores.

Además, se ofrecen un reportaje sobre la cantante, actriz y directora de cine Jane Birkin, que presenta el miércoles 4, en el Auditorio de Zaragoza, su último disco: ‘Enfants d’Hiver’; el programa sorteará tres entradas entre sus espectadores. Ana Catalá conversa con Diego ‘El Cigala’, que ha participado en el Festival de Flamenco de Zaragoza, en la que el gran cantaor habla de sus inicios, de su trabajo con Fernando Trueba y de Bebo Valdés, de su atracción hacia la pintura de Picasso y de los secretos del cante. En vísperas de elecciones, el escritor vasco Unai Elorriaga nos acerca su mundo literario y defiende su libertad de creador por encima de todo. Y, por último, también se ofrece un reportaje sobre la exposición de revistas literarias que se exhibe estos días en la Biblioteca de Aragón: ‘El papel de la diferencia’, un recorrido por más de un centenar de cabeceras actuales y un repaso a las revistas de la II República, el exilio, del franquismo y la Transición.  

Borradores. Realización: Teresa Lázaro. Ayudante de realización: Yolanda Liesa. Producción: Mamen Delpón. Producción delegada: Patricia Bertol. Redacción: Ana Catalá Roca. Aragón Televisión.0.15, de jueves a viernes. Redifusión en la madrugada de los viernes. Canal Satélite Digital, 97. La foto está tomada de 'El País'.

(Plaza Salamero de Zaragoza

HOTEL en directo presentando los temas de  su EP "La Suite de Marc Star".

Si te gustan T-Rex, Bowie, Dylan, Led Zeppelin, Burning o los Stones, no te pierdas la puesta de largo de  una de las bandas de rock más en forma del panorama aragonés.

Rock and roll vintage.

www.myspace.com/hotelrockzaragoza

www.hotelmusica.com 

AUTORRETRATO DE HOTEL

El rock no ha muerto y estos cuatro zaragozanos lo saben y están dispuestos a demostrarlo a guitarrazo limpio. Unidos por la convicción de que se puede hacer música en castellano sin alejarse de los postulados de los Stones y compañía, Hotel nos trae su decidida apuesta por el rock&roll vintage que no dejará indiferentes a quienes aman el guitarreo y los sonidos retro. Hotel es el glam-rock de T-Rex, los riffs adhesivos de Led Zeppelin, Keith Richards pedo, las gafas oscuras de Pepe Risi, las melodías que surgen en amaneceres con ojos líquidos, cuatro hombres de barra que no saben ni quieren bailar… Su primer trabajo en estudio se llama “La suite de Marc Star” y ha sido producido por el holandés Alan Roy Schenk - A.K.A. “Chino Loco” – quien ha sabido captar a la perfección la fuerza y la sonoridad natural del directo de la banda. Un directo que ya se ha podido disfrutar en citas y escenarios tan importantes como la carpa de Interpeñas de Zaragoza, el festival Anciles Directo, La Casa del Loco, la sala Bass Space o la Plaza de Toros de Zaragoza. (Hotel toca el jueves próximo en Borradores dos temas). La foto, creo, es de Javier Clos.

Escriben Luis Miguel Bajén y los amigos de Biella Nuei

Hola,

Queremos informarte de que el tema ’Las Tarantainas de la Casa Sin Pared’ del disco de Biella Nuei ‘Sol d’ibierno’ aparecerá en el recopilatorio European Playground del sello de Nueva York PUTUMAYO.  El disco saldrá a la venta el 19 de mayo. Putumayo World Music se fundó en 1993 con el objetivo de familiarizar a la gente con la riqueza y diversidad de la música internacional. Hasta la fecha ha vendido más de 10 millones de discos y se distribuye en más de 60 países.

De vez en cuando me escribe ese enamorado de Zaragoza y de su pasado reciente, especialmente los 50, 60 y 60, que es Rafael Castillejo: cantante, presentador, curioso y amigo de sus amigos. Es una criatura particular en el paisaje sentimental de Zaragoza. Me envía esta foto y dice: “De izquierda a derecha: Charlie Barnett, Tommy Dorsey, Benny Goodman, Louis Armstrong y Lionel Hampton .¿Cómo puede caber tanta música en una sola fotografía?”. Añade que la foto pertenece a la Colección de Jerry Murbach.

O poeta e traductor Xoán Abeleira publica hoxe en La Opinión de A Coruña unha traducción ao galego dun poema de Patti Smith. Envíamo, e aquí está para todos vós. Di Abeleira:

Realizo esta versión libre dun poema homónimo de Patti Smith xusto a carón de Artium, o fabuloso museo de Vitoria/Gasteiz onde veño de fitar Written Portrait. Unha exposición que, de poderen, non deberían perderse, pois, alén de ser a primeira que se organiza na Península Ibérica, contén o muin (o celme ou a esencia, en éuscaro) desta indefinible multicreadora estadounidense: poesía, pintura, fotografía e, xaora, música. Para colmo, Laura Fernández Orgaz, a comisaria do evento, encargoulle ó poeta Benjamín Prado a tradución dunha boa mostra do seu labor lírico, a cal poderán mercar, en edición trilingüe, canda o magnífico catálogo distes rubís hindús.

UN LUME DE ORIXE DESCOÑECIDA

De Patti SMITH. Versión galega de Xoán ABELEIRA

Estás desgustada encabuxada
Desencantada de todo
De todo o que unha vez
Ámbolos dous cremos

Exacta
Mente
Coma min

Sen dúbida eu debería
Ter deixado de venerarte ter parado
De tentar mesmo de ser
Ti

Un lume de orixe descoñecida
Arrebatoume o meu amor
Un lume de orixe descoñecida
Levou lonxe o meu amor

Varreuno a feito fóra
Da miña lonxitude de onda
Devorouno coma o océano
Nun fogo denso e gris

A morte vén varrendo
Todo o corredor
Coma o vestido dunha dama
A morte vén fungando
Pola autoestrada abaixo
Co seu traxe de domingo

A morte vén conducindo
A morte vén reptando
A morte vén arreo
E eu non podo facer ren

A morte vai
E vén e secasí

Debería haber algo
Cando menos haber algo
Que ficase para sempre

A morte enfermoume e toleoume
Pois ise lume estraño
Levou lonxe o meu amor

Ben lonxe

Ela deixoume todo deixoume
Tódalas súas cousas

O seu vestido de noiva
Badaleando no armario

*Patti Smith retratada magistralmente por Annie Leibovitz.

O amigo Manuel Pereira recoméndame o blog de Juan L. Blanco Valdés Fragmentos da galaxia. Repaso o arquivo e gústame moito esta nota sobre a música británica e en particular sobre Jethro Tull, unha banda que coñecín en Zaragoza no ano 1978. Gustoume moito o seu álbum Minstrel in the gallery.

ANDERSON+BARRE

Por Juan L. BLANCO VALDÉS

Ninguén discute hoxe o liderado que o rock británico ten exercido internacionalmente. Nos corenta anos que median entre os Beatles e Coldplay houbo de todo: desenvolvementos e propostas para todos os gustos, unhas máis convencionais outras máis rompedoras e outras que a duras penas encaixan nos intentos clasificatorios: pop, mod, rock duro, metálico, heavy, folkrock, jazzrock, rock progresivo, new wave, gothic... A miña melomanía -en calquera caso voraz, indiscriminada e que non sabe de límites- talvez por xeración pero supoño que tamén por inclinación persoal, ten unha débeda especial co rock sinfónico.
Non son poeta de abondo para gabar a excelsitude de producións como o Hamburger Concerto, de Focus, sen dúbida un dos cumios máis sublimes do xénero, Trilogy de EL&P ou Fragile de Yes. Coa perspectiva do tempo, teño para min que, con diferenzas claro entre elas, a maior parte das propostas xurdidas daqueles músicos, virtuosos e clasicistas, cultos e extravagantes, sabiamente rompedores, teñen resistido admirablemente o paso do tempo. The Great Deceiver de King Crimson, The Endless Enigma de EL&P ou algún dos números do álbum dobre de Camel, por poñer un par de tres exemplos, seguen mantendo intacto o fascinante engado que exerceron na miña sensibilidade de adolescente cando os escoitei por vez primeira. Pero a poucas formacións británicas da época atribúo con todo merecemento un adxectivo que, cando aplicado ás obras da arte, resulta moi arriscado, pois pode destilar a máis exquisita sublimidade ou ser explicación do fiasco: desconcertante. Esa formación desconcertante é Jethro Tull, o grupo, liderado polo inclasificable Ian Anderson, que ía nos seus inicios (This Was, 1968, xoia que posúo en vinilo orixinal) para banda de blues. Ningún grupo do que eu teña noticia efectuou un labor de síntese musical comparable (folk, blues, jazz, rock experimental...) destilándoo nun novo produto orixinalísimo e elaborado ata o puntillismo. Na flauta e voz do hiperactivo xoglar Anderson e nas máxicas guitarras de Martin Barre están entrelazadas as melodías das campiñas e bosques, o rechouchío dos paxaros no amencer do cazador, os berros de riña das tabernas medievais, a resoancia das catedrais, os alaridos ingratos do vagamundo e o tépedo veludo da voz do amante.
Cando, con doce ou trece anos, escoitei por vez primeira Aqualung, mentres me deixaba engaiolar polo soprendente deseño externo do álbum e escudriñaba a insondable expresión de maldade do clochard da cuberta, tiven a sensación de que, como dixeron a Bogart, aquilo ía ser o comezo dunha gran amizade. Estaba no certo.

El próximo sábado 7 de Enero

Teruel. Cine Maravillas (20.00 h.)

Estreno mundial del documental (63 minutos)

Patrocinado por Fundación Amantes

José Antonio Labordeta

Con la voz a cuestas

Dirigido por José Miguel Iranzo y Joaquín Carbonell

Un retrato íntimo y personal contado a cámara por el abuelo de los cantautores españoles. A lo largo de 63 minutos se repasa toda una vida repleta de diversas actividades, que van de la música a la literatura, de la televisión a la política. Labordeta relata de manera directa y espontánea, lo más significativo de su carrera: su infancia cerca del Mercado, su relación con Miguel, su hermano, su entrañable etapa en Teruel, su dilatada pasión por la música...

El documental incorpora, además, varios documentos inéditos, la filmación de su boda con Juana o unas escenas informales de su hermano Miguel, con otros poetas de la generación Niké.

Varios amigos y personajes apostillan con anécdotas y vivencias algunas de estas etapas. Mari Carmen Magallón, Emilio Gastón, Eloy F. Clemente, Joaquín Carbonell, Eduardo Paz, Gonzalo Tena, José Luis Trasobares y Carmen Gallego, ponen el contrapunto a las palabras de Labordeta.

El pasado verano conocí al grupo China Chana, de Villamayor, en el festival de Ejulve, Teruel. Hubo grupos excelentes, pero quizá ninguno tan fresco como éste. Cuando volvió Borradores tras su primer descanso de verano, el primer grupo que actuó fue China Chana en acústico. Ahora, el Colectivo Anguila, ese dúo insaciable que nunca se cansa de mirar y de atrapar los mínimos gestos de la música y de sus intérpretes, ha retratado a la joven banda así, con este aire de época, con este acento tan teatral, de barbería o taberna del sur.

[*Reproduzco aquí la carta de Leonardo Lunetta, que busca la música italiana que ha aparecido en España en la televisión. He buscado por aquí y por allá un poco, pero no soy la persona más adecuada. Nos hemos carteado en varias ocasiones. Si alguien puede echarle una mano, puede escribir aquí o enviarle a él un correo electrónico: elledue@alice.it.]

Mi nombre es Leonardo Lunetta, yo soy de Roma, Italia.

Soy apasionado de la música de los años 60 y 70. Tengo muchos programas de la TV italiana y alguno de la Tv espanola.

Por favor estoy buscando actuaciones de los '60s y los años 70 en Espana y Suramerica televisiones de los cantantes italianos PATTY PRAVO - MIA MARTINI - MINA - GABRIELLA FERRI - HERBERT PAGANI

Tengo los títulos de algunos programas que esté buscando.

Pero estoy interesado a cualquier otro programa de la TV de países de Surámerica y España y otros países  con Patty Pravo, Mia Martini, Mina, Gabriella Ferri y Herbert Pagani

SENORAS Y SENORES! 1974 - con Patty Pravo

ESTELAR 1973 - con Patty Pravo
RAPHAEL SHOW 1974 - con Patty Pravo

CONCHITA VELASCO SHOW - con Patty Pravo

MUSICAL DE MALLORCA 1975 - 17-18-19 Abril 1975 con Mia Martini

GALAS DEL SABADO 1969 - con Mina

TELERITMO 1966 - con Mina

TELERITMO 1968 - con Mina

FESTIVAL DE VINA DEL MAR 1971 - con Herbert Pagani

FESTIVAL DE VINA DEL MAR 1978 - con Patty Pravo

Estaría muy contento de compartir nuestras rarezas. Estaría dispuesto a comprar una copia de los programas en DVD-R.

La prestigiosa revista musical Efe Eme, ha elaborado la lista de los 20 mejores discos del año 2008. Una vez más ha incluido a Joaquín Carbonell y su álbum “Clásica y Moderna” (Voces-Factoría Autor). Dos aragoneses más aparecen en la lista, Amaral y Santiago Auserón.
Carbonell se presenta el domingo 18 (19.00 horas) en la sala Luz de Gas de Barcelona, seleccionado para el XIV festival Barnasants de Música de Autor. 

[Ilustro esta nota sobre el estupendo disco de Joaquín  Carbonell, que acabo de recibir, con una preciosa foto de Eugenio Recuenco que he encontrado en internet.]

El mejor plan para la noche del viernes, 19 de diciembre:

Actuación del punktedrático

Túa Blesa

que se transformará junto al grupo GASCOIGNE

en

DOCTOR TÚA Y LOS GRADUADOS

¡Contra todo!

A las 22,30 h. en el Centro Cívico Delicias

Actuarán también DON NADIE, DANIEL RABANAQUE Y ZOMBRA con "Vendería mi billete interestelar"

DJ BARBARELLA

Entrada destinada íntegramente

al Proyecto "ZARAGOZA REBELDE", 10 €

Hace más de treinta años, en la Universidad  de A Coruña, oí por primera vez las canciones de Labordeta. Las ponían a cualquier hora dos alumnos de Huesca: Rafael Oliva Ballarín y Lucas Mallada. Estremecía aquella forma de cantar con garganta de trueno y vendaval. Un domingo de hace ahora 20 años, entrevisté por vez primera a Labordeta. Presentaba ‘Que vamos a hacer’, un disco que tenía un sencillo que sonaba mucho: ‘Joven Paloma’. Desde entonces seguí su trayectoria en toda su amplitud: los años de Teruel y ‘Andalán’, su obra poética y narrativa, sus incursiones en los viajes y en los libros de memorias, los nuevos discos que insistían en ese mar de amor que es la tierra y sus raíces, los mil y un proyectos que apadrinaba sin desordenar el bigote, su transformación en laborioso político de éxito.

Mis primeras referencias de Aragón fueron ‘Los magníficos’, Perico Fernández, La Romareda y el Ebro, pero quien empezó a darle consistencia y mito fue Labordeta: con él accedí a un mundo rural maravilloso y duro, a ese inmenso laberinto de historia. Luego, descubríamos a Goya, a Cajal, a Sender, a Pilar Bayona, fuimos descubriendo el paisaje y sus batallas de antaño, la vinculación con el cine, el menú inagotable de raros y visionarios de este solanar (desde Miguel de Molinos hasta Orensanz), y ahí, siempre, como un adalid del desierto, como una voz de pregonero que salta los montes de plomo, estaba Labordeta. Ahí estaba y está: es el hombre inmortal que pone clamor y coro a sus paisanos. El miércoles, en el Principal, Labordeta volverá a encender la llama de la emoción. Con pudor y sin lágrimas, cantará y llorará con todos.

*José Antonio Labordeta, en su casa, retratado por Pedro Hernández, uno de los estupendos fotógrafos del colectivo Anguila.

Esta primera incursión de Juanma Bajo Ulloa en el género documental es un caso, único en España, de confluencia entre obra cinematográfica y musical, que alguien ha dado en definir como “Documental romántico de rock”.

Es una obra basada en la historia de Distrito 14, grupo de rock español que durante 25 años ha permanecido casi en la “clandestinidad comercial”, creando a su alrededor una aureola de culto que ha sido trasladado, la mayor de las veces, fuera de nuestras fronteras, con aventuras musicales en Alemania, Cuba y EE.UU.

A través de una visión personal sobre la historia y el legado musical de esta banda extraordinaria, Bajo Ulloa, quiere hacer un particular homenaje a todos los grupos de rock que luchan día a día por abrirse camino en el difícil mundo de la música.

Esta obra habla de ilusiones, de sueños, de constancia. Valores que parecen estar en peligro de extinción y que, como nadie, reflejan los componentes de este singular grupo. No es un documental musical, sino la visión de la lucha diaria de sus protagonistas  por conseguir un objetivo y cumplir un sueño, en la franca ilusión de mover mentes y corazones a través de notas y palabras. Porque sigue habiendo muchas cosas que decir, muchas cosas que cantar.. y alguien debe hacerlo.

En palabras de Juanma Bajo Ulloa:

“Esta es una gran historia humana. Además de un manipulador de las emociones,  me gustaría aspirar a ser un narrador de historias, por ello es lógico que me interese por las vidas y los comportamientos dramáticamente interesantes, y estos lo son.”

“Me siento identificado con estos músicos porque ellos hacen lo que desean y luchan por lo que creen, y esa ha sido mi (poco rentable económicamente) máxima  hasta hoy”.

“No soy capaz de explicarlo con palabras. Por eso lo he rodado”

“Fragmentos extraídos como adelanto de entrevista

para Heraldo de Aragón. Por Matías Uribe”

*Este texto procede de Mariano Casanova, líder de Distrito 14, y de su equipo de colaboradores. Mariano está muy entusiasmado con este proyecto.

Coco Fernández, compositor e intérprete hispanouruguayo nacido en Montevideo, de intensa y reconocida trayectoria en nuestro medio (destacándose su trabajo con Carmen París; Especialistas; Gabriel Sopeña; Willy Jiménez&Chanela; Gladston Galliza, entre otros), nos presenta en esta oportunidad su reciente cd titulado La Cabeza Sonando.

Producido por el propio artista y grabado entre ambas orillas del Atlántico, cuenta con la participación de 40 de los más destacados músicos de España y Uruguay.

Éste trabajo recoge las canciones más importantes de su cosecha de los últimos 7 años donde combina sus raíces uruguayas (el candombe y la murga), con el lenguaje más actual y variado de la música popular del planeta.

Apoyado por una formidable banda de 7 músicos provenientes de diversos países, Coco Fernández actuará los días 26 y 27 de noviembre en el Centro Cívico Universidad de Zaragoza (c/Violante de Hungría 4) a las 21:00 horas.

Las entradas estarán disponibles en dicho centro el mismo día del concierto a partir de las 19:00hs y para celebrar el estreno incluyen el cd La Cabeza Sonando de regalo.

Contacto para prensa : cocomusic@ya.com     tel: 630058296

[Amaia, del gabinete de prensa de Syntorama, anuncia que Mariza arrasa allá por donde va, que vende todas las entradas, y traza esta trayectoria de la gran cantante de fados: una mujer, de espléndida voz, de una inusitada fuerza y dulzura en escena, que sigue el camino trazado por Amalia Rodrigues, Misia o tantas otras. La nota corresponde a Syntorama. Mariza actúa el jueves 20 en Zaragoza, el mismo día en que presentan libros Miguel Mena (FNAC), Ángel Guinda (Olifante), José Damián Dieste y Ángel Delgado (Ámbito Cultural).]

Mariza, una de las artistas portuguesas más emblemáticas de la actualidad y con mayor proyección internacional, ha comenzado su gira por nuestro país. Tras actuar en Andorra, donde se agotaron las localidades, actuó al día siguiente en Girona, donde el cartel de SOLD OUT llevaba colgado varias semanas. A estos dos conciertos les seguirán el Palau de la música de Barcelona (19 de noviembre), que está próximo a agotar, Zaragoza (20 de noviembre) y Baena en Córdoba (22 de noviembre) dentro de su impresionante gira mundial, en la que presentará su nuevo álbum Terra, poducido por Javier Limón.

La gira internacional de Mariza comenzó el 14 de agosto en Castelo Rodrigo (Portugal) y tras recorrer Rumanía, Francia, Bélgica, Suecia, Finlandia, Holanda, Luxemburgo, Bulgaria, Holanda, Suiza, Alemania, Reino Unido, Austria, Noruega, Andorra, España y Serbia, finalizará en Budapest (Hungría) el 12 de diciembre de 2008 tras 45 conciertos. Después, el 13 de febrero de 2009 comenzará su gira americana en Toronto (Canadá), que finalizará el 2 de mayo en San Francisco (Estados Unidos), después de 48 conciertos. En total, 93 conciertos en nueve meses marcan una de las giras más largas e importantes de un artista durante este periodo.

Producido por Javier Limón, en Terra a la guitarra portuguesa típica del fado se unen el guitarrista británico Dominic Miller (uno de los músicos de Sting durante los últimos 20 años), tres pianistas (el brasileño Ivan Lins y los cubanos Chucho Valdés e Ivan “Melon” Lewis), Javier Limón (que también toca la guitarra flamenca) y el percusionista español Piraña (el favorito de Paco de Lucía). La voz de Mariza se mezcla perfectamente con la de Tito Paris (de Cabo Verde) y con la de Concha Buika. Juntos, arropando la voz de Mariza, tejen una cosmopolita mezcla de flamenco y morna de Cabo Verde, de jazz y folk, siempre con el espíritu y el sonido portugués bien presente. Su puede llamar fado o, simplemente, Mariza.

Mariza, que ha vuelto a ser nominada este año una vez más por su nuevo disco TERRA al “MEJOR ÁLBUM DE FOLK” por la Academia de Grammy Latinos, lo resume todo con una palabra: “Verdad”. Y añade: “Durante siete años de giras internacionales tuve la oportunidad de descubrir otras gentes y otras culturas. Ví, escuché y aprendí. Éste es mi momento. Ésta es mi verdad. Siempre he sido honesta conmigo y con mis fans. Y quería que este álbum mostrase mi progreso como cantante y como ser humano. Mis dos discos anteriores, Transparente y Concerto Em Lisboa fueron para mí como el final de un ciclo. Decidí llamar Terra al nuevo álbum, quizá porque siempre he tenido los pies firmes en la tierra y porque la grabación fue como un viaje musical”.

Nacida en la antigua colonia portuguesa de Mozambique en 1973, Mariza se ha convertido desde entonces es una estrella internacional, con actuaciones en el Royal Albert Hall de Londres, en Carnegie Hall de Nueva York y en el Disney Concert Hall de Los Angeles, entre otros grandes auditorios. Renovadora del fado, Mariza ha publicado álbumes fundamentales como Fado em Mim (2001), Fado Curvo (2003), Transparente (2005) y Concerto Em Lisboa (2006), además del DVD Live In London (2004). A ellos se une ahora Terra, que presenta en concierto en Girona, Barcelona, Zaragoza y Baena.

Meu fado

Trago um fado no meu canto
Canto a noite até ser dia
Do meu povo trago pranto
No meu canto a Mouraria

Tenho saudades de mim
Do meu amor, mais amado
Eu canto um país sem fim
O mar, a terra, o meu fado
Meu fado, meu fado, meu fado, meu fado

De mim só me falto eu
Senhora da minha vida
Do sonho, digo que é meu
E dou por mim já nascida

Trago um fado no meu canto
Na minh'alma vem guardado
Vem por dentro do meu espanto
A procura do meu fado
Meu fado, meu fado, meu fado, meu fado

[Esta noche, a las 20.00 horas, en el Festival de Jazz, en la sala Multiusos, actúa Lizz Wright, la joven y gran cantante norteamericana negra a la que comparan con Ella Fitzgerald y Billie Holliday. A ambas les ha rendido homenaje. Hace poco publicaba su álbum The orchard (La huerta). Miguel Ángel Tapia Jr., gran forofo del Manchester United y seguidor acérrimo del jazz, me ha recomendado esta entrevista de Chema García Martínez, publicada hace poco, en concreto el pasado mes de marzo, en El País, para conocer mejor a esta maravillosa cantante educada en el espiritual, en el gospel y en el blues.]

LIZZ WRIGHT, DEFINITIVAMENTE LA VOZ

Chema GARCÍA MARTÍNEZ / El País

Tiene el día tonto. El que más temen las estrellas. Lizz Wright -lo último en cantautoras casi jazzísticas- recibe a los medios para hablar de su tercer disco: The orchard. La estadounidense afronta un maratón de entrevistas y desplazamientos promocionales. Ayer, Oslo; hoy, Madrid; mañana, Berlín.

Ha aprovechado el poco tiempo libre para pasearse por el madrileño barrio de Las Letras, donde está alojada. “Antes estaba siempre preparada para hablar de lo que fuera, pero ya no tengo esa energía”, confiesa. “Eso de estar en permanente alerta a ver qué me van a preguntar para contestar algo que no haya dicho antes me deja exhausta”. Y es que Liz Wright ha vivido en 28 años lo que otros en toda una vida. Y lo que le queda. “Por eso he hecho este disco, para recordar lo que soy y lo que fui. Algunas veces estoy en un lugar y siento algo muy dentro que me dice: aquí es donde empieza mi música. Y eso fue lo que sentí justamente mientras estaba apoyada en la cerca contemplando los campos de la casa de mi abuela en Hahira (Georgia). Fue como si el tiempo se detuviera, y pude sentir la tristeza de mis antepasados que trabajaron aquella huerta; ésa es la tierra de donde vengo y ahí es donde empieza todo para mí?”

The orchard (La huerta) es la banda sonora de la infancia de Wright en una pequeña comunidad rural del sur de Estados Unidos: "La foto de la portada está tomada a sólo 10 millas de donde nací", explica la cantante. “Ésa soy yo y ése es mi lugar, aunque ahora viva en Nueva York. Me he pasado la vida cantando en aquellas pequeñas iglesitas del sur adonde la gente acude buscando una cura para sus males o algo de calor humano? cantar para ellos es como cocinar, se trata de mezclar los ingredientes y esperar a que el potaje alcance la temperatura adecuada; y a un tiempo, se supone que uno trata también de comunicarse con Dios. Por eso, mis canciones son para mí como un plato de comida y como una oración. La única diferencia es que ahora tengo un micrófono delante, lo que a veces resulta un verdadero incordio”.

Cinco años después de su primera aparición sobre un escenario, cantando a Billie Holiday en un homenaje a la diva del jazz, sigue siendo la misma larguirucha tímida y encantadoramente torpe sobre las tablas. Una dama en apuros con la voz más condenadamente hermosa que pueda imaginarse. “El otro día leí una reseña sobre mí en una revista en la que decía algo así como que mi voz es el no va más, pero como compositora dejo que desear. Estuve pensando un rato y me dije: vengo del lugar donde nació el blues. Lo que hago forma parte de esa tradición en la que lo único que importa es el sentimiento y lo demás sobra. Ésa es su grandeza y su miseria: si tienes demasiadas palabras que decir y sobre las que pensar, o si has de sugerir una idea demasiado compleja, la emoción se pierde. Ésa es la razón por la que me gustan las letras sencillas. Dicho esto, me gustaría encontrarme con el tipo que escribió eso e intercambiar con él unas palabras”.

Si una parte de la crí­tica ha puesto algún reparo a sus habilidades componiendo, la industria lo tiene claro: Lizz Wright un valor en alza. Incluso en una época como la actual, su sello no ha dudado en tirar la casa por la ventana para vestir su tercer disco. El mejor productor -Craig Street (Cassandra Wilson, K. D. Lang, Me Shell NdegéOcello)- y los mejores músicos de sesión, incluyendo al guitarrista Oren Bloedow -un tótem de la escena de vanguardia neoyorquina- o a Joey Burns y John Convertino, de Calexico. “Antes de empezar a grabar, Craig me preguntó por la música que escucho y le hablé de Calexico. Cuando vi aparecer a Joey y a John no me lo podía creer. Estaba deslumbrada”.

Por el mismo precio, en The orchard pueden encontrarse algunas versiones memorables de Ike & Tina Turner (I idolize you), Patsy Cline (Strange), Sweet Honey in the Rock (Hey mann) y Led Zeppelin (Thank you): “Un amigo me cantó la canción sin decirme de quién era, me gustó y decidí que entraba. Así de simple”. Lo más sorprendente: My heart, una sugerente invitación al baile con la joven dama de la canción sureña convertida en el reverso tenebroso de Jennifer López. “Todo empezó como una broma entre mi amigo Toshi (Reagon) y yo, que si no soy capaz de cantar algo tan rápido y tan simple? nos pusimos con ello, él tocando la guitarra y yo cantando, y cuando me quise dar cuenta ya estaba metida hasta el cuello. Lo que empezó como una broma terminó siendo una canción; el tipo de canción en el que el cuerpo va antes que la voz. Bailas un poco, cantas un poco, sigues bailando, cantas otro poquito”.

Aceptémoslo: Lizz Wright es atípica en todo. Una estrella sin vis escénica, ni una imagen definida, ni una vida privada que vender a la prensa rosa; una cantautora que interpreta versiones de otros autores y una cantante de jazz que no canta jazz, aunque comenzó haciéndolo. Volvió a hacerlo en abril del pasado año, con ocasión del multitudinario homenaje que se le tributó a la gran Ella Fitzgerald en la Universidad del Sur de California. “Yo me veía en medio de todo aquel pandemonio, rodeada de tantos iconos de la música americana, aquí Quincy Jones y un poco más allá Stevie Wonder, y no me lo creía. Pero, a un tiempo, estaba inusualmente tranquila. Era como si hubiera recibido una invitación de la propia Ella para unirme a la fiesta. Llevaba un tiempo empapándome de su música y ya formaba parte de mí. Y luego estaban todas las demás, como Natalie Cole o Patti Austin, que se portaron tan fenomenalmente conmigo. Me bastaba con estar por ahí dando vueltas en torno a ellas para sentirme la más guapa del baile”. Un baile al que sólo faltó Abbey Lincoln, la cantante y activista en pro de los derechos de los afroamericanos por la que Lizz Wright siente veneración. “Gracias a personas como ella puedo sentirme orgullosa de ser una afroamericana en este momento, pese a todo y pese a todos”. En cuanto al futuro, Wright se declara una “posible votante” de Barack Obama: “Ya era hora de que alguien en Estados Unidos hablase de juntar nuestras energías, de que es necesario cambiar, que ya está bien de vivir permanentemente aterrorizados”.

 [Ignacio Casado y Noelia Oliván, desde la SGAE, remiten esta nota sobre la fiesta de presentación del libro-CD de José Antonio Labordeta, el día 26, en el Teatro Principal, al que acudirán cantautores como Miguel Ríos, Luis Pastor, Paco Ibáñez, Marina Rosell y un sinfín de amigos y compañeros de viaje del cantante, escritor, político, profesor y viajero José Antonio Labordeta.]

La Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) y la asociación cultural Rolde de Estudios Aragoneses (REA), con la colaboración del Gobierno de Aragón y el Ayuntamiento de Zaragoza, organizan el próximo miércoles 26 de noviembre una fiesta-presentación del libro-disco ‘Creación, compromiso, memoria’, dedicado a José Antonio Labordeta. Se trata de un trabajo colectivo, en el que han participado escritores, artistas plásticos y amigos personales de José Antonio, y que tiene como complemento musical la reedición de su primer trabajo discográfico, ‘Cantar i callar’.  El coordinador del volumen es el infatigable profesor y traductor Javier Aguirre, un aragonés de la diáspora. Reside y da clases en San Sebastián.

SGAE y REA han concebido este libro porque comparten valores, experiencias e inquietudes con José Antonio Labordeta. La primera, como entidad que pone en valor la creatividad, vela por los derechos de los autores y promociona una sociedad del conocimiento más equilibrada y sostenible. La segunda, por su apuesta, desde 1977, por la cultura aragonesa como algo abierto y plural; así lo muestra un amplio abanico de exposiciones, ayudas a la investigación, cursos, jornadas, seminarios y un catálogo de publicaciones que supera de largo el centenar. Precisamente Labordeta, que ha colaborado con la asociación en diversas iniciativas, es uno de los miembros del Comité de Honor de Rolde de Estudios Aragoneses, recientemente constituido.

El libro será presentado en el Teatro Principal de Zaragoza, el día 26 de noviembre a las 20,00 horas, en un evento que se pretende festivo y participativo y en el que contaremos con la presencia de numerosos artistas, amigos y políticos llegados de toda España. En breve se convocará una rueda de prensa para ampliar detalles e información sobre el evento.

*Esta fotografía de José Antonio Labordeta Subías corresponde al archivo del diario El País.

 Antes del espléndido concierto de anoche, en la sala Multiusos, estuve con Hiromi, la pianista japonesa formada en Berklee y en la Escuela Musical Yamaha. Estuve con mi hijo Daniel, que hizo de traductor, y con Susi, una operadora de cámara de Aragón Televisión, de la productora Chip. Dentro de unos días, la pianista aparecerá en Borradores. Hiromi nos contó que se había inclinado hacia el piano porque su madre había querido ser pianista, y que ha convivido con la música desde muy pronto. Nos habló de su estancia en la Escuela Yamaha, del encuentro con Chick Corea y de su mezcla de estilos: el jazz clásico, la música clásica (dijo que le interesaba mucho porque le permitía abarcar y recorrer la complejidad de la literatura de piano), el rock, la música electrónica, nos habló de su colaboración con Corea en un disco que saldrá en breve, “Duets”, y también nos habló de su pasión por España.

Le gustan la alegría, las calles, el sol, la música, la comida. Hiromi tiene un blog donde publica fotografías de comida y de cosas que le llaman la atención. Le gusta mucho el “Concierto de Aranjuez” y la pieza “Spain”, y la ha tocado varias veces con su amigo y maestro Chick Corea. Da gusto ver cómo se miran: hablan con los ojos, hablan con un levísimo gesto y los pianos murmuran, sollozan, se encuentran en la armonía, en la belleza que se atreve a desmoronarse.

Cuando toca, dijo, encuentra el placer, la alegría, la felicidad. Escala la más alta colina de la intensidad y de la rapidez. Le apasiona la danza, el movimiento, la velocidad y por eso, nos dijo, le interesan mucho figuras como Bruce Lee, Jackie Chan o Carl Lewis, que son mitos para ella. Mitos cotidianos, como lo es Frank Zappa: le gustaría que resucitase para tocar con él. Entró en el camerino y expresó su admiración inmediata ante Mauricio Pollini o Krystian Zimmerman. Más tarde, también rendiría tributo de admiración hacia Oscar Peterson.

En su concierto, con dos guitarristas extraordinarios, uno norteamericano y otro inglés, y un batería brasileño, Hiromi impresionó al público de la sala Multiusos. Demostró que es una virtuosa absoluta, que siente la música y su electricidad, que se vuelve enérgica y energética. Cuando tocó una pieza de Gershwin, el espacio estuvo a punto de venirse abajo. Fue la ratificación de talento, de su sensibilidad, de pasión por el instrumento, de su comunión inefable con los sonidos.

Hiromi tiene algo de duende femenino y adolescente de la música, tan pícaro como sutil e incontrolable. Es una investigadora de la forma. Si se lo propone, sobre un escenario llega adonde se le antoja.

*Esta es la foto de promoción de Hiromi Uehara.

 No he tenido mucho tiempo de escribir estos días en el blog. Ni tampoco ahora: estoy cerrando un prólogo de un libro de Rolando Mix Toro, que ya urge para su publicación, pero no quería dejar sin comentario dos o tres experiencias muy bellas que he tenido esta semana, que hemos tenido algunos integrantes de Borradores: los cámaras Diego y Jorge, la realizadora Teresa Lázaro, la redactora Ana Catalá Roca y yo.

El martes habíamos concertado una entrevista con Fernando Arrabal en Huesca, una vez que éste hubiera atendido a los medios que tenían que hacer la información ese día. Llovía, había un tráfico inmenso, y Arrabal, nos dijeron, había llegado cansado, sin muchas ganas de hablar. Óscar Senar, el joven periodista de Heraldo de Aragón en Huesca, me dijo que le había dicho: “Me cae usted muy simpático, pero no tengo respuestas para sus preguntas”. Le preguntó por la irreverencia, entre otras cosas, algo para lo que sí Arrabal tiene respuestas, sin duda. Finalmente, tras la presentación del estupendo libro La cocina caníbal de Roland Topor (Tropo Editores), tras saludar a algunos amigos (José Domingo Dueñas, Isidro Ferrer, Luis Lles, Juanjo Javierre, Carlos Grassa Toro, Raúl Herrero, Esther Fernández Echeverría…), pudimos hablar con Fernando Arrabal, merced sobre todo a la delicadeza, el poder de convicción y el cariño de Teresa Sas. Lo entrevistamos en una sala rosa, donde colgaba la muestra de cómic que coordina Bernardo Vergara. Arrabal, sin ser tan simpático como lo fue luego en su conferencia-confesión improvisada, estuvo estupendo: habló del Diccionario pánico, de su padre y de la ley de la memoria histórica, de su amistad y contactos con artistas como Picasso, Magritte, Dali o Marcel Duchamp (con quien jugaba al ajedrez), habló de sus compañeros del teatro pánico, habló de patafísica y recordó al poeta Antonio Fernández Molina, a quien definió como uno de los mejores poetas no solo de España, sino del siglo XX en toda Europa.

Arrabal estuvo sincero y reflexivo, justo de teatralidad, podríamos decir, y reveló una de sus aventuras de su vida: la infructuosa e inagotable búsqueda de su padre, que huyó de cárcel en cárcel hasta que desapareció. Fernando Arrabal hijo habló de Fernando Arrabal padre con emoción, con admiración y con pena. “Mi padre ahora tendría más de un siglo, y ya he dejado de buscarlo, pero su historia es especialmente conmovedora. Él declaró su lealtad a la II República el 17 de julio de 1936 y hubo de pagar por ello”.

El miércoles di la tercera clase de “Escrituras de mujer” en la Casa de la Mujer. Primero leímos las composiciones sobre la figura del padre que habían escrito las alumnas. Los textos son buenos: hubo poemas breves y misteriosos, pequeños relatos, perfiles, incluso una compañera  rescató un poema que había escrito a los 18 años, hace más de veinte ya, y leyó una pieza muy interesante: contaba la historia, o la ubicación, de una joven que se asomaba a la ventana y contemplaba el paso del padre, las horas de trabajo, la relación con los compañeras, a la vez que oía los ruidos, que escuchaba el latigazo del viento y de las máquinas, a la par que las poderosas sombras de la noche se cernían sobre ella con un acento de melancolía. Luego hablamos de Marguerite Yourcenar: leímos fragmentos de Fuegos, sus poemas elípticos de amor y dolor, fragmentos de Alexis o el tratado del inútil combate, el cuento de Cornelius Berg, que integra los Cuentos orientales, y dos o tres fragmentos más de Memorias de Adriano y de Opus Nigrum. Tuve la sensación de que Yourcenar, tan intelectual y reflexiva, tan poética como precisa, tan erudita, no caló igual que Mercè Rodoreda o Sylvia Plath. De repente, cuando nos íbamos tras dos horas de viaje alrededor de una escritora, alguien dijo que durante algunos años un buen amigo le mandaba cada cierto tiempo fragmentos y poemas en prosa de Fuegos. Fue un bello colofón. Este miércoles nos espera Patricia Highsmith.

Esa mañana, para Borradores, logramos entrevistar a Chucho y Bebo Valdés. Fue una entrevista de media hora. Tocaron para nosotros y disfrutaron de lo lindo: los dos exhiben una complicidad y un cariño que resultan conmovedores. Bebo explicó cómo era el niño Chucho: poseía un oído absoluto, se sentaba al piano y era capaz de reproducir cualquier sonido; a los 16 años ya estaba de pianista solista en su orquesta. Chucho dijo que su padre era asombroso: hacía muchas cosas, tocaba, coordinaba a los músicos, le enseñaba y, sobre todo, corregía los arreglos en la mesa de la cocina en un santiamén. Se fue de Cuba en 1960 y se reencontraron 18 años después, hasta que Fernando Trueba volvió a reunirlos para Calle 54. Les preguntamos qué había significado el piano, qué decía el piano al sonar. Y dijeron: “Llanto, llanto y llanto”. Fue una experiencia inolvidable que engrandeció ante mis ojos el concierto del jueves.

Fue un concierto feliz en el Festival de Jazz, luminoso, intenso, de una rara hermosura. Chucho Valdés es uno de los grandes pianistas del mundo: uno de los cinco mejores, sin duda, de la esfera del jazz y la música popular y de raíz. Por cierto, él admira mucho a Bill Evans, Art Tatum y Theolonius Monk. Un talento inmenso: sus dedos no tocan las teclas, vuelan sobre ellas, las acarician, son como pájaros de vértigo, auras tiñosas de la ejecución. Toca excepcionalmente: hace lo que quiere, juega, inventa, se explaya, improvisa, sueña, corretea como el aire, y hace hablar al instrumento. Le hace hablar y le extirpa emociones, suspiros, gritos, una intensidad sin adjetivos. Bebo es el artista de los largos dedos que solo se siente feliz ante el instrumento. Es un niño codicioso de más música. El concierto fue un compendio de cosas: de amor al hijo, de reconocimiento en el padre, fue un elogio desaforado de la música, un repaso y un tránsito al jazz, a la música popular afrocubana, a la música clásica. Fue todo un alarde en el que sonó una y otra vez la melodía del corazón. El público se reconoció en el recital y en lo mucho que significaba ese “Juntos para siempre”.

Bebo y Chucho Valdés tienen una aleación química con la música. Son música, son estridencia, son pálpito. En sus dedos, los dos pianos suenan como una orquesta que enarbola los sentimientos y los esparce para abarrotar el mundo.

*Esta foto de Bebo y Chucho Valdés, que realizan la gira "Juntos para la siempre", título del disco homónimo, pertenece al diario ADN.

[Ayer, cuando daba un concierto con Los Rangers en el Dublín, me llamó mi amigo Paco Cester para anunciarme que iba a ser el productor ejecutivo de la grabación de un DVD del joven intérprete y compositor Tuco Requena. Será en el Matadero de Huesca el próximo día 8. La iluminación corresponderá al gran Jorge Armengol, y los cámaras serán, entre otros, Diego Martín, Jesús Peñas, Jorge Ripa, etc. Paco Cester, felizmente recuperado de una larga enfermedad, está muy entusiasmado con este proyecto y con la idea de ir recuperándose para volver a cantar y a grabar. Por otra parte, Laura Blesa enva esta nota de prensa sobre este proyecto:]

 El próximo 8 de noviembre el músico y cantante Tuco Requena y su banda De Soniquete Van grabarán su primer DVD en directo con las canciones de su primer disco y nuevos temas inéditos que saldrán a la luz en su próximo disco de estudio.  

  El lugar elegido para la grabación es el Centro Cultural Matadero de Huesca. Sin duda un lugar especial donde su ciudad y su gente podrán disfrutar de un concierto que formará parte del próximo disco del músico oscense. El aforo será limitado a 260 plazas y las entradas costarán diez euros. Además, todos los asistentes recibirán el primer disco editado del artista gratuitamente: "Tuco Requena y De Soniquete Van". Las entradas anticipadas se podrán conseguir a través de los cajeros CAI o de la página www.cai.es, además de las taquillas del propio Matadero de Huesca.

       La grabación del concierto se quedará plasmada en un DVD que se publicará junto al segundo disco en la primavera de 2009. Tuco Requena entrará en el estudio para grabar el esperado segundo disco en enero-febrero de 2009, nada más acabar el DVD. 

       Tuco Requena (Remedio Records S.L.) pertenece a la Plataforma de Autoeditores, con sede en Barcelona, formada por 47 grupos y artistas de todo el país (Kiko Veneno, Pau Riba, Boikot, Mandalas, Sin Papeles, etc). Esta iniciativa pretende dar voz a todos aquellos autores que no han querido o no han podido entrar en la industria discográfica tradicional y han creado su propio sello discográfico para autoeditar sus trabajos.

*La foto corresponde a un concierto que grabó Tuco Requena para Aragón Radio, a cuyo archivo pertenece la fotografía.

CARLOS NUÑEZ
& Alos Quartet presentan CINEMA DO MAR
ZARAGOZA - TEATRO PRINCIPAL
VIERNES 31 DE OCTUBRE 21h00

Carlos Núñez está considerado internacionalmente como un MÚSICO extraordinario, de los más serios y brillantes del mundo... Pero además es un ARTISTA con mayúsculas. Su carisma y su espíritu pionero lo han hecho muy popular, transcendiendo con creces los límites habituales de sus instrumentos: la gaita y las flautas.

Un montón de premios y nominaciones le avalan: Grammy compartido con sus maestros los Chieftains por el disco Santiago; Premio Ondas; Preises der Deutschen Schallplattenkritik (Alemania); dos nominaciones a los Grammy Latinos.
También el éxito comercial: sus tres primeras obras han sido platino en España y sus ventas en el mundo alcanzan casi el millón de copias.

En sus discos han participado artistas de la talla de Luz Casal, Jackson Browne, Mike Scott (The Waterboys), Roger Hodgson (Supertramp), Ry Cooder, Dulce Pontes, La Vieja Trova Santiaguera, Vicente Amigo, Noa, Carmen Linares, Teresa Salgueiro (Madredeus), Carmen Linares...
Ha compartido escenario con leyendas como Bob Dylan, The Who o Sinead OConnor, Ahora Carlos Núñez nos vuelve a sorprender con un trabajo, en el que introduce un punto de provocación a través de interpretaciones valientes de temas universales, partiendo del mundo del cine.

El espectáculo CINEMA DO MAR se grabó a partir del mismo proceso creativo que el tema que Carlos creó para la película Mar Adentro y que ha continuado con nuevas bandas sonoras en las que Carlos ha participado desde entonces.

La relación de la música de Carlos Núñez con el mundo de las imágenes es evidente: buena parte de sus temas son como bandas sonoras de películas imaginarias para las que cada quién puede soñar un guión o unos paisajes a su gusto. Carlos Núñez está considerado internacionalmente como un MÚSICO extraordinario, de los más serios y brillantes del mundo...
Pero además es un ARTISTA con mayúsculas. Su carisma y su espíritu pionero lo han hecho muy popular, transcendiendo con creces los límites habituales de sus instrumentos: la gaita y las flautas.

Un montón de premios y nominaciones le avalan: Grammy compartido con sus maestros los Chieftains por el disco Santiago; Premio Ondas; Preises der Deutschen Schallplattenkritik (Alemania); dos nominaciones a los Grammy Latinos.
También el éxito comercial: sus tres primeras obras han sido platino en España y sus ventas en el mundo alcanzan casi el millón de copias.

 
En sus discos han participado artistas de la talla de Luz Casal, Jackson Browne, Mike Scott (The Waterboys), Roger Hodgson (Supertramp), Ry Cooder, Dulce Pontes, La Vieja Trova Santiaguera, Vicente Amigo, Noa, Carmen Linares, Teresa Salgueiro (Madredeus), Carmen Linares...
Ha compartido escenario con leyendas como Bob Dylan, The Who o Sinead OConnor, Ahora Carlos Núñez nos vuelve a sorprender con un trabajo, en el que introduce un punto de provocación a través de interpretaciones valientes de temas universales, partiendo del mundo del cine.

El espectáculo CINEMA DO MAR se grabó a partir del mismo proceso creativo que el tema que Carlos creó para la película Mar Adentro y que ha continuado con nuevas bandas sonoras en las que Carlos ha participado desde entonces.

La relación de la música de Carlos Núñez con el mundo de las imágenes es evidente: buena parte de sus temas son como bandas sonoras de películas imaginarias para las que cada quién puede soñar un guión o unos paisajes a su gusto.

Y en esta ocasión, Carlos cuenta con un acompañamiento incomparable: el cuarteto de cuerdas Alos Quartet, formado por 4 músicos con una amplia trayectoria artística tanto en música clásica como en la moderna. Además de trabajar con orquestas de gran prestigio como la Joven Orquesta de Euskadi, Orquesta de Euskadi, Joven Orquesta Nacional de España, etc., sus componentes son miembros de grupos de música folk (Oskorri, Benito Lertxundi).

*Esta información pertenece a Syntorama, la compañía que se preocupa por las relaciones con la prensa de Carlos Núñez.

El pasado viernes comí en Barbastro con mi amigo Alfredo, el mejor vendedor de coches de toda la comarca y un amigo cariñoso e impagable. De vuelta, al llegar a Huesca tomé una carretera de servicio y llegué hasta el cementerio. Estaba algo cansado y quise ver la tumba de Ramón Acín. Me acerqué a ella y la contemplé un instante: en ella reposan el escultor y profesor, su mujer Conchita Monrás, la hermana de ésta, Pilar Monrás, las dos hijas de Ramón y Conchita, Katia y Sol, y el marido de Katia, Federico.

Me gustó el cementerio oscense, me emocionó ver la tumba, tapada por los imponentes cipreses, y recordé bajo un espléndido sol a la familia casi al completo. También busqué la tumba de Fermín Galán, pero no supe dar con ella.

Fue una casualidad. Soy tan despistado que no me percaté de que estábamos en vísperas del Día de todos los santos.

En la radio, en La ventana de la Cadena Ser, Gemma Nierga se había trasladado a Bilbao y estaba ofreciendo un programa sobre la ciudad: hablaron Javier Rojo, Ander Landáburu, y un montón de bilbaínos. Gemma, con ese sentido del humor maravilloso que tiene y con esa risa que es una de las más bonitas de la radio, cerró en programa con Kepa Junquera y con una extraordinaria voz canaria, Olga Cerpa, que había colaborado en el disco. Fue un momento espléndido y emocionante: Olga cantó dos preciosos temas en euskera, igual que hacen otros cantantes: Miguel Ríos, Luis Eduardo Aute, Víctor Manuel, Ana Belén, Andrés Calamaro, Jaime Urrutia, etc. El proyecto me pareció espléndido como todo el programa. Hay días en que la radio te pone la piel de gallina. Ander Landáburu, con calma y conocimiento del tema, dijo algo que casi todos suscribimos: él, como muchos otros, está harto de ese denominado conflicto vasco que arranca desde la II República. Y el disco “Al caer el sol” propone un abrazo entre los pueblos a través de la música y una lengua: el vasco. Fue una bella casualidad: por la mañana, al pasar por el castillo de Montearagón, me llamó Iñaki Esteban desde Bilbao con la siguiente propuesta: querría que entrevistase en el Museo Guggenheim, del que se habló una y otra vez, el próximo mes de febrero.

 *He tomado esta foto de Kepa Junquera de la siguiente página: http://auveproducciones.com.