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EL MÚSICO RAMÓN SENDER BARAYÓN

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El cineasta Luis Olano dedica un documental a Ramón Sender Barayón

El hijo del escritor, nacido en 1934, es un gurú de la música electrónica y del movimiento hippie de los años 60 y 70 en Estados Unidos

Antón CastroZaragozaActualizada 18/06/2018 a las 19:16

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Sender Barayón: el hijo de Sender es hippy y gurú de la música electrónica

Luis Olano (San Petersburgo, 1986) es nieto de un niño de la guerra que se marchó a Rusia con 11 años y que falleció hace algunos años en Vitoria. Residente en Madrid, es licenciado en Filología árabe y autor de «algunas aproximaciones al cine árabe reciente en el contexto de la revolución/revuelta egipcia o de la guerra en Siria», dice. En 2014 dirigió el documental ‘Busking Life’ sobre una compañía de músicos de calle. Quizá por ello, fue su padrastro Germán Sánchez Pérez, que ha trabajado en RNE y Radio Exterior de España, quien lo puso tras la pista de Ramón Sender Barayón (Madrid, 1934), hijo del gran escritor aragonés de Chalamera y de Amparo Barayón, fusilada en Zamora cuando él tenía dos años. Ramón Sender Barayón, que estuvo tres veces en España, es el autor de un libro-exorcismo, ‘Muerte en Zamora’, que se acaba de reeditar con prólogo de Paul Preston y Helena Graham.

«Si la historia y la obra de Ramón J. Sender es impresionante, me pareció muy interesante la figura de su hijo. En la biografía de Sender de Jesús Vived Mairal, que publicó Páginas de Espuma, da algunas pinceladas sobre él. Entre lo que allí se dice y algunos programas que había hecho mi padrastro, decidí ponerme en contacto con él». Luis Olano dice que hubo algunos otros estímulos: Sender Barayón era un niño de la guerra como su abuelo y era, en cierto modo, la antítesis de su padre, con quien nunca se entendió demasiado bien. «El hijo es un gurú de la música electrónica y del movimiento hippie de mediados de los años 60 en California. Comencé a trabajar en el documental ‘Sender Barayón. Un viaje hacia la luz’, partiendo del deseo de saber cómo la vida de Ramón hijo pudo transitar por los caminos más opuestos a los de un padre, novelista ibérico al cien por cien».

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Luis Olano entró en contacto con Sender hijo en 2014 a través de su página web. Lo invitó a su casa de San Francisco y con una modesta cámara le hizo una entrevista de una hora. Durante aquel viaje sucedió algo curioso: «Al día siguiente le acompañé a él y a su amigo Bill Maginnis a un festival de música electro-acústica donde se homenajeaba su labor con el San Francisco Tape Music Center, fundado en 1962, en una pequeña mesa expositiva en la que había fotos y algunos de los primeros sintetizadores Buchla. A él le construyeron uno a mediados de los años 60. Al regresar a España con estas imágenes comprendí que el relato de la vida de Ramón Sender Barayón era muy particular y podía fácilmente convertirse en una película documental», cuenta el joven realizador.

Dos años de correspondencia

Luis Olano estuvo carteándose con Ramón durante casi dos años y, en ese lapso, presentó su proyecto al Instituto de Estudios Altoaragoneses. Le concedieron una ayuda de 3.600 euros. Eso le permitió trasladarse a San Francisco, en concreto al barrio Noe Valley, «el ventrículo izquierdo del corazón de San Francisco, donde también vive un vecino tan ilustre como Mark Zuckerberg»; le cedieron una casa y lo visitó durante más de dos semanas para grabarle. Solían trabajar de tres a seis horas cada día. «Al principio, Ramón Sender Barayón pensaba que queríamos hablar de su padre o de sus padres. Cuando se percató de mis intenciones, tuvo que hacer un esfuerzo mayor, claro». Dejó de ponerse el automático.

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Luis Olano explica que Ramón Sender Barayón empezó haciendo música clásica, más o menos convencional, pero luego abrazó la música contemporánea en la línea de Alban Berg y Stockhausen, primero, y posteriormente se zambulló en Ligetti, Berio o John Cage, con quien presenta afinidad en algún momento. Luis Olano cuenta que su primer maestro fue George Copeland, compositor y pianista que dominaba muy bien la obra de Albéniz, Granados y Debussy; luego se forjó con Eliot Carter. "Más tarde, en 1953,  asistió a una conferencia-concierto en Nueva York de Bebe y Louis Barron, pioneros de la banda sonora electrónica en el cine,  y quedó impresionado por su presentación y sobre todo por otra conferencia-concierto de Stockhausen. Fue su primer contacto con la música electrónica".

Explica Luis Olano: «Alicia Bay Laurel, que fue su pareja y compañera de viajes de los años 70, y Ramón Sender Barayón nos han cedido su música para la película. Ahora vive con Judit. Hemos podido contar con los másters originales de las grabaciones de de los años 60 gracias a Maggi Payne del Center for Contemporary Music del Mills College. Para el montaje partíamos de más de 20 horas de grabación y elaboramos una primera versión de 5 horas, de la cual salió la versión definitiva de 90 minutos. Salvo algunas excepciones, en las que hemos llegado a pagar 1.300 dólares por fragmentos de 20 segundos de metraje, casi todos los materiales que hay en la película han sido amablemente cedidos por sus autores o propietarios. Entre unas cosas y otras, el coste del documental se ha elevado más allá de los 10.000 euros».

La historia con su padre

Luis Olano ha descubierto muchas cosas del autor de ‘Réquiem por un campesino y su familia’, sus veleidades, la historia de Amparo Barayón, que era pianista y llegó a dar un concierto en Salamanca, y del hijo. «Si tengo que rescatar dos momentos del rodaje que me impresionaron –dice Olano–, mencionaría cuando Ramón olvida el nombre de la ciudad donde nació su madre, Zamora, como si fuera una herida en la psique; y también cuando Ramón, emocionado, nos relataba que la única vez que interrogó a su padre de forma directa sobre la verdad respecto al destino de su madre, fusilada, no pudo entender nada porque Ramón J. Sender estaba demasiado borracho. Hablaba entre lágrimas y además hablaban en diferentes idiomas».

Ramón Sender Barayón se ha olvidado del poco español que sabía. Vino a España y a Aragón en 1982, en 1995 y en 2001. «Él ya ha visto la película y su sueño es que se vea aquí. Y el mío también, claro», dice Luis. En Huesca y en Zaragoza. Y, por supuesto, en Aragón Televisión.

 

JULIO IGLESIAS EN BARBASTRO, 1970

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Julio Iglesias (Madrid, 1943), que iba para portero de fútbol y militó en las categorías inferiores del Real Madrid (jugó con Velázquez, Grosso, De Felipe), ganó en 1968 el Festival de Benidorm con una de sus canciones más conocidas: ‘La vida sigue igual’. Dos años después participó en el Festival de Eurovisión de 1970, en Ámsterdam, y quedó cuarto con su canción ‘Gwendoline’. Unos meses más tarde actuaría en la Sociedad Mercantil y Artesana (SMA) de Barbastro, en sesión de tarde y noche, un domingo 6 de septiembre. Lo habían contratado, entre otros, José María Ballabriga y Enrique Gómez, ‘Harry’, y lo hicieron ya antes de su actuación en Eurovisión.

El contrato y la cena

El cinéfilo José María Gómez ‘Cuchi’ sospecha que su tío Harry accedía "a muchos cantantes con antelación gracias a la complicidad de su amigo cineasta y escritor Alfredo Castellón Molina, que era realizador en TVE", dice. Julio Iglesias, en un principio, se mostró reticente en acudir a la capital del Somontano. Según recuerda el escritor y periodista Mariano Gistaín, su padre, sastre de idéntico nombre, y otros miembros de la SMA le recordaron que había firmado un contrato y que debía cumplirlo. Lo hizo en el recinto de La Floresta, donde tenía su sede la SMA, y cobró 125.000 pesetas (unos 750 euros de hoy).

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Julio Iglesias debió llegar por la mañana o a primera hora de la tarde, y se hospedó en la habitación 107 del Hotel Europa, sito en la calle Romero. Cantó varios temas, en sesión de tarde y noche, acompañado por Los 5 Magníficos, que tenían de vocalista a Esperanza Valero, y por el grupo IV Dimensión de Barbastro. Eran las fiestas de la villa y hubo un lleno absoluto. Las hermanas Tere y Elena Zabau se habían citado con el anfitrión Harry en el hotel porque querían conocer al cantante.

Tras la actuación vespertina, Julio se dirigió en su deportivo desde el hotel al restaurante El Chopo, situado en las afueras. Harry le indicó el camino, con las jóvenes a bordo, en su Seat 850 blanco. Los acompañó, en su propio coche, el secretario de la SMA: José María Ballabriga. Tantos años después, Ballabriga no recuerda ni el menú ni los temas de conversación pero sí el carisma del intérprete; después de firmar algunos autógrafos, regresaron todos a Barbastro. Harry dejó a Tere y Elena a la entrada del pueblo. Hacia las once, Julio volvió a subirse al único escenario de La Floresta, y cantó y tocó sus temas más conocidos. Para entonces ya había publicado dos discos: ‘Yo canto’ (1969) y ‘Gwendoline’ (1970).

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Lo más curioso es que, "al terminar su actuación en nuestra terraza de verano", atiborrada, Julio Iglesias ofreció "una entrevista en plena calle, en medio de un corro de fans y curiosos que rodearon al divo", según escribiría el periodista local Ramón Martí, de ‘El cruzado aragonés’, para el ‘Boletín’ de la SMA. Martí, con galantería y oficio, permitió que la reina de las fiestas, Cristina Aznar, y dos de sus damas de honor, Manolita Masgrau y Mari Cruz Landa, le hiciesen algunas preguntas, "ya de madrugada". Julio dijo que si "pensase en el dinero que gano, no cantaría", que con la canción quería "coger experiencia humana", y anunciaba que "yo dentro de muy poco tiempo daré una sorpresa, voy a hacer el doctorado en los Estados Unidos, y dejaré de cantar". Añadía que cantaba porque le gustaba y, a la vez, precisaba que "yo como, ceno y duermo con lo que gano cantando –no pido dinero a mi familia para vivir– pero al día, no tengo ninguna cuenta bancaria, ni nada de eso".

Cristina Aznar, perspicaz, quiso saber cuándo se retiraría de la canción: "Voy a hacer el doctorado de política y económica (sic), soy abogado y voy a vivir de mi carrera", dijo con absoluta seriedad. Mari Cruz Landa se extrañó de que no hubiese cantado ‘Gwendoline’. "Creo que ‘Gwendoline’ ha quedado muy atrás", le contestó.

Alguien golpea a la puerta...

Afirmaba que no tenía novia. Se casaría con Isabel Preysler el 29 de enero de 1971. De la segunda actuación, Daniel Ribera de IV Dimensión recuerda un detalle: "Compartimos camerino y en un determinado momento, como me vio enredar un poco en la camisa, me dijo: “Ya te ajusto yo la pajarita". Se dejó la guitarra en la SMA y se la llevaron a la mañana siguiente al hotel. "O quizá la fuese a buscar su representante", ha dicho Daniel Ribera.

Julio Iglesias, de madrugada, se retiró al Hotel Europa. La familia Arilla, sus propietarios, nos envían una foto de la habitación 107. Allí sucedió algo que se ha comentado en Barbastro en muchas ocasiones: una joven, "guapa y bastante liberal", según varios informantes que prefieren preservar el anonimato, ganó el hotel y llamó a la puerta del cuarto del cantante. Entró y se quedó. Pasó la noche, o parte de la noche, con él. Empezaba la leyenda del seductor. "Me suena el hecho, pero ha pasado tanto tiempo que ya no me acuerdo", dice Ballabriga.

Lolo Sampedro, directora de ‘El Cruzado Aragonés’, ha rastreado "con sorpresa" en su diario, y ha constatado que "pasó olímpicamente de Julio Iglesias en 1970". Ella sí escribió con profusión cuando Julio volvió y actuó en el Festival del Somontano de 2001.

GUSTAVO GIMÉNEZ, UN DIÁLOGO

-¿Cómo defines tu trabajo esencialmente? Sería el trabajo vocal de un narrador, de un cantante, de un filósofo, de un rapsoda, de un poeta…

El trabajo de narrador presupone que el universo está cosido de historias, que nosotros no somos más que los personajes de un puñado de historias que se vienen contando desde el principio de los tiempos, que el propio tiempo no es más que un elemento narrativo y que nuestra vida sólo adquiere sentido cuando la convertimos en narración. Narrar es consustancial a la vida. Todos tenemos una o varias voces con las que nos contamos la vida, a través de las cuales nos relacionamos con nosotros mismos y con nuestro entorno. El tono y la manera en que esa voz se expresa define la relación que tenemos hacia nosotros mismos y hacia el resto de seres.

Los filósofos antiguos consideraban la sabiduría como aquella narración que trasciende el drama individual. El logos era la voz divina al margen de los acontecimientos que presencia el espectáculo cósmico. Consideraban que el conocimiento era esa voz, que pensar era escuchar esa voz. Para oír esa voz se aplicaban a ejercicios catárticos y necesitaban aquel favor de la divinidad que llamamos inspiración. Por eso todos los discursos y narraciones en la antigüedad comenzaban con un encomio a las Musas.

La filosofía consistía en aquellos ejercicios, incluida la dialéctica, que nos arrancan de la historia parcial en la que estamos inmersos; se servían de expresiones que provocaban cambios en la percepción, destruían identidades, desvanecían ilusiones, despertaban de los sueños individuales, expresiones de fuerza que sacaban fuera del ensimismamiento o planteaban nuevos escenarios; véanse, por ejemplo, los fogonazos de Heráclito, la impracticable propuesta de Parménides, las locas aventuras de Nasrudín o los desconcertantes koanes de tradición zen. Aún a día de hoy, la filosofía desempeña ese papel de preservar la alteridad en las culturas y de provocar giros argumentales en la historia imperante; siempre advirtiendo que las cosas no son lo que parecen y que la historia que nos contamos tal vez no sea cierta.

Como performer vocal trabajo la voz más como acción que como expresión. Exploro el poder de la voz para fabricar nuevos contextos, como si la voz fuese una mano de aire que moldea el alma del oyente.

¿Qué hay en ti de chamán? ¿O de mago vocal?

En realidad, aunque Mircea Eliade haya generalizado este concepto, un chamán es un especialista de una región oriental bastante concreta. He tenido el privilegio de conocer a chamanes de aquella zona, de alguno incluso he recibido clases de voz, y he podido saber cosas como que el poder del chamán es de transmisión familiar aunque haya, por éstas latitudes y por aquellas, mucha gente sin poder impartiendo formaciones a turistas de la espiritualidad. Un chamán es algo muy determinado y maneja una cosmología muy específica, no un pupurri, que sólo en ciertos puntos conecta con las de otras culturas. Ellos ven claramente la descontextualización comercial y neocolonial que se ha hecho de su tradición. Es posible que yo coja elemento e ideas de ésta, como cojo de otras, pero yo no tengo ese conocimiento, no he heredado ese poder ni tengo una inclinación terapéutica. El poder que yo pueda tener lo desconozco aunque sepa que está relacionado con la voz.

Y en cuanto a la magia: si considero mi trabajo como un desafío al sentido común, como una disidencia de la ciencia, que no es otra cosa que la hegemonía de filosofía de la naturaleza anglosajona, si me tomo como alguien abierto a la maravilla, como un creador humilde de pequeños rituales y no como un especialista de aquella antigua religión de Zaratustra, entonces, sí, en un sentido laxo, soy un mago de la voz. De hecho encuentro muy útil para explorar la voz echar mano de principios animistas y demonológicos.

¿Es la experimentación una de tus constantes o características?

Considero la experimentación como una metodología. Experimentación significa que la teoría es el resultado de la práctica y no a la inversa; significa que cualquier teoría debe ser tratada como mera hipótesis de trabajo; significa que la teoría es un simple pretexto para mi búsqueda; significa que no sé qué busco pero sé que busco algo y que no sabré qué es hasta que no lo haya encontrado; significa que estoy abierto a ese encuentro, y significa, también, que no tengo que demostrar nada pero que os voy a mostrar algo.

¿Cómo nace ¿Ora’, de qué espectáculos, de qué tentativas? ¿Qué ideas tenías en la cabeza? Por ejemplo, me ha parecido reconocer algunos instantes de tus trabajos con Natxo Arantegui.

Trabajar con Natxo Arantegui me ha permitido explorar otros registros y me ha colocado en escenarios que me dan la oportunidad de ahondar en la dimensión narrativa de la voz y en su vertiente performática. Y, aún habiendo afinidades previas, como cierto primitivismo o alusión a la fantasía, he de decir que trabajar con él también me ha impregnado de su hermosa estética.

El concepto ORA nace en una etapa mínima de fuerzas en la que no tenía nada que decir pero sí podía cantar. En aquel momento empecé a caminar hacia algo muy esencial. El disco no es más que el reflejo de un tramo de ese camino; es sólo un episodio en esta historia de búsqueda en la que estoy inmerso, en esta historia que yo me cuento.

Mis hallazgos los voy volcando en mis encargos y, supongo, que un prerrequisito que debe asumir quien requiere mis servicios es el respeto hacia mi trabajo creativo. Puede sonar caprichoso pero para mí es sagrado. Por suerte, es tan específico lo que hago que quien me contrata sabe que le voy a ofrecer el resultado de una investigación que parte de su propuesta, que puede contar con mi expresa voluntad de contribuir a que las cosas salgan bien y que creo, además, que si algo que se me da bien es precisamente realzar el trabajo ajeno. Así lo entendió, por ejemplo, Santiago Meléndez las veces que contó conmigo, dejándome libertad total para interpretar las obras de teatro; como director se empleó en favorecer mi interés por el fondo de la obra y en ser claro a la hora de exponerme su visión.

ORA recoge espacios sonoros para algunos espectáculos; por ejemplo, “Diagonal”, que considero el tema más duro del disco, es una la diagonal de danza; hay temas que aparecen en “In between” o “Attraverso” de la bailarina italiana Elisa Sbaragli, con la que tengo la suerte de colaborar a menudo, por eso también encontramos la versión de un clásico de la canción romántica italiana que sirvió para contar una historia de violencia de género. Encontramos “Las puertas del Alma”, uno de mis favoritos, que es un tema creado para Pares Sueltos (danza y diversidad funcional) con quienes colaboro con frecuencia, o “Mientras dormías” que es la voz en off del documental “Local 7” del realizador Jorge Nebra... Tras su publicación, también han cogido otros temas del álbum con fines diversos. A día de hoy, creo que sólo quedan dos temas (que yo sepa) que no hayan sido usados. Es para mí un honor y me hace muy feliz que tomen mi música para otras creaciones, sobre todo de danza. Díganme si no es magia eso de mover cuerpos con la voz.

-¿Qué buscas, qué sugerencias o sensaciones deseas transmitir?

Al menos durante el tiempo que me escuches querría abrir una puerta en el mundo ordinario, invitarte a que recorrieses el viaje que te propongo, que entrases conmigo en cuestiones interesantes, en las zonas oscuras de mis inquietudes y trasmitirte una pasión. Quisiera sugerirte otras maneras de comunicar, comunicar otros universos distintos al habitual y generar nuevas experiencias en las que encontrarnos para hacer saltar por los aires este mundo fascista y desgastado.

¿Cuál es la relación de tu trabajo con el misterio?

Como trabajo la voz desde la musicalidad más que desde el verbo, se podría decir que trabajo sobre lo inefable. No sé qué me voy a encontrar, no sé qué pongo en juego, no tengo suficiente conocimiento del instrumental que voy a usar y me aventuro a hacer cosas que no sé hacer y no he hecho nunca, con escasas referencia o sin ellas. Llevo una antorcha en la mano y me rodea el misterio. Lo más difícil a veces es manejar la ansiedad que produce todo esto; pero, ¿es que, acaso, sería interesante la vida si no hubiera misterio?

Contra la certeza y la repetición conviene una cierta ignorancia autoinducida, porque si ya sé todo, no tengo nada que aprender. Tener siempre presente el “¿y si no es así?”, como una hipótesis para darse la vuelta y quedarse del revés, siempre funciona porque nunca es así, una especie de falsacionismo creativo, y ser conscientes de que cada vez que nos expresamos con la arrogancia de la certeza está hablando por nosotros el “genio maligno” para evitar que escuchemos otras voces que nos cambien.

Me parece que tu obra se acomoda mejor a la noche. ¿Sería así?

Sí, mi obra es nocturna. Esta hecha de fuego y oscuridad. Hay una lumbre con la que sólo vemos la forma sinuosa de lo inmediato y el resto permanece en la penumbra. En la oscuridad no sabemos si hay algo o no hay nada pero nuestra imaginación proyecta, sobre cualquier sonido o sombra, fantasmas, ilusiones y monstruos. La oscuridad es una reserva infinita de posibilidades. Conviene recordar entonces, en el caso de que nos sintamos amenazados por la oscuridad, que siempre podemos apagar nuestra antorcha y volver a ser parte de esa noche, y así, en igualdad de condiciones, convertirnos en los fantasmas, ilusiones y monstruos de los seres que nos acechan. No debemos olvidar nunca que también nosotras y nosotros podemos ser temibles.

¿Quién son tus referencias, tus maestros, los creadores con quienes te sientes afín?

Aquí nombraría siempre a Meredith Monk, a Demetrio Stratos, a Joan La Barbara, a Juan Pablo Villa, a Tanya Tagaq..., pero realmente no soy muy mitómano. En mi trayectoria autodidacta he tenido pocos maestros y aquellos que los han sido han acabado convirtiéndose en amigos. Creo que mis mejores maestros están entre mis amigas y mis amigos, todos ellos, si leen esta entrevista, se pueden dar por aludidos. También los enemigos enseñan y no hace falta ir muy lejos para encontrarlos, que todos aquellos que trabajamos con la voz sabemos que nuestro peor enemigo lo llevamos dentro.

MIGUEL FLETA EN EL PABLO SERRANO

Una gran retrospectiva recorre en el IAACC Pablo Serrano la vida y la obra del gran tenor aragonés Miguel Fleta*

 

La vida y la excepcional trayectoria artística de Miguel Fleta protagonizan la última muestra del IAACC Pablo Serrano, una retrospectiva en la que a través de fotografías (muchas de ellas inéditas), programas de mano o carteles, además de discos, películas o documentación personal se reconstruye la figura del gran tenor aragonés para que los ciudadanos profundicen en la figura del artista, que llevó el nombre de la Comunidad por todo el mundo. 

El director general de Cultura y Patrimonio del Gobierno de Aragón, Nacho Escuín, ha participado en la presentación y ha declarado que esta exhibición constituye uno de los puntos álgidos del calendario expositivo de la Comunidad. Escuín ha declarado que la exposición tendrá dos lecturas distintas: que los que no conocen al tenor puedan indagar en su figura y que los entendidos puedan entender a la persona, convertida en uno de los grandes iconos culturales de la Comunidad. Entre los asistentes a esta inauguración también ha estado la nieta del cantante, María Fleta, acompañada de una hija y una nieta.

Enmarcada en los actos de conmemoración del 80 aniversario de su fallecimiento, ‘Miguel Fleta. El hombre y el mito’ pretende dar a conocer todas las aristas del genial cantante, desde su nacimiento en 1897 hasta su muerte en 1938. La exhibición, comisariada por la Asociación Aragonesa de la Ópera “Miguel Fleta” de la mano de Sergio Castillo y Alejandro Martínez, se ha inaugurado esta tarde y podrá verse hasta el próximo 14 de octubre.

Para acercar la figura de Fleta a todos los visitantes, la muestra se ha dividido en cinco zonas:

Presentación: Se señala el fallecimiento de Miguel Fleta, en mayo de 1938, en tiempos de la Guerra Civil. Se contextualiza su muerte en La Coruña.

Aragonés universal: Este espacio describe su nacimiento en Albalate de Cinca (Huesca) en diciembre de 1897, su despegue y formación como cantante, incluyendo sus primeras actuaciones en Europa y recapitulando sus nexos con Aragón, haciendo especial hincapié en sus estudios en el Conservatorio del Liceo y la relación sentimental con su primera pareja y maestra, Luisa Pierrick.

El gran tenor: Espacio central de la muestra, que aborda el fenómeno vocal de Fleta en sus años de máximo apogeo: lugares donde actuó, programación y repertorio… Se incluye en este apartado su vinculación con el cine y se presta atención a sus numerosas grabaciones.

Ídolo de masas: Miguel Fleta fue mucho más que un gran cantante de ópera en los años 20 y 30 del pasado siglo XX. Jaleado, ovacionado, seguido por los medios y las multitudes, fue una figura enormemente conocida en una época que la lírica estaba lejos de las aficiones más populares de los españoles.

Ideología y conciencia social: El periodo que comprende la vida profesional de Miguel Fleta coincidió con el reinado de Alfonso XIII, la Dictadura de Primo de Rivera, la II República y la Guerra Civil, que no llegó a ver finalizada. Se estudian aquí sus relaciones con la clase social y política de este corto e intenso periodo, sin olvidar su faceta más solidaria y próxima a los más necesitados.

Además de las más de 200 piezas de las que está compuesta, se han habilitado 19 puntos de escucha para que los visitantes puedan escuchar alguna de las brillantes interpretaciones de Fleta, tanto de lírica como también de zarzuela y de jota.

Para poder dar forma a tan ambiciosa exposición, ha sido necesaria la colaboración de numerosas instituciones públicas y privadas, además de colecciones particulares, material de la propia familia Fleta, y archivos locales, nacionales e internacionales procedentes de filmotecas. En total han colaborado en la muestra 31 instituciones. Entre ellas, destacan piezas que provienen de archivos de España (Histórico Nacional de España, General de la administración) de Patrimonio Nacional, del Museo de Almagro, del Instituto del Teatro de Barcelona o del Histórico Provincial de Zaragoza o del Municipal de Zaragoza. También ha habido aportaciones de la Fototeca de Huesca, de la Castilla León, de Filmoteca Nacional o de la Casa Museo de Unamuno, y de grandes escenarios desde el Teatro Principal y el Circo de Zaragoza hasta el Iris Park, Conservatorio del Liceu o del Metropolitan de Nueva York.

Como novedad se incluye también una intervención del artista plástico Paco Simón, titulada “Fleta iluminado”.

La lírica, protagonista

El Departamento de Cultura está llevando a cabo un extenso calendario de actividades para conmemorar el 80 aniversario de la muerte de Miguel Fleta, que comenzó ya el pasado año con las actuaciones de dos de las mayores figuras de la lírica contemporánea: el tenor barcelonés José Bros y el estadounidense Gregory Kunde, ambos aclamados en los principales escenarios de todo el mundo y a los que se han otorgado los mayores reconocimientos del género.

Coincidiendo con esta exposición, la semana que viene tendrá lugar en Zaragoza la actuación de Plácido Domingo, con un repertorio en homenaje también a Miguel Fleta. Además de la muestra, también se editará un libro catálogo de la misma en colaboración con Prensas Universitarias de la Universidad de Zaragoza para acercar la figura del gran tenor a todos los aragoneses. De esta forma, el Gobierno aragonés afianza su colaboración con la Asociación Aragonesa de la Ópera, tras el éxito del ciclo que se desarrolló en 2016 con la figura de Pilar Lorengar como protagonista.

Fleta y Aragón

La historia de Miguel Fleta, nacido el 1 de diciembre de 1897 en Albalate de Cinca (Huesca), es la de un muchacho humilde, algo tosco, noble y generoso que terminó siendo un ídolo de masas y una estrella lírica sin igual. Sus primeras notas sonaron en los campos y huertas de Albalate y Zaragoza donde trabajó en el campo, como criado y después como mozo labrador, acarreando frutas y verduras al mercado de la Plaza zaragozana de Lanuza.

Tras presentarse, sin éxito, a un concurso de jotas en las Fiestas del Pilar de 1917, decidió seguir su vocación del canto y emprendió viaje a Barcelona, para formarse en el Conservatorio del Liceo Allí conoció a su profesora, su mentora, amante y fiel compañera, Luisa Pierrick. Ella le enseñó técnica de canto, idiomas, comportamiento social; todo lo que el joven aragonés necesitaba para llegar a ser Miguel Fleta.

Su debut en Trieste en 1919 y su consagración definitiva en 1922, convirtieron a Miguel en un ídolo popular, admirado, jaleado, ovacionado hasta el éxtasis. Y con frecuencia sacado a hombros de los escenarios tras frenéticos aplausos.

Miguel Fleta no solo fue un excepcional tenor, un cantante de ópera capaz de llenar con su voz y con su nombre los principales escenario sede medio mundo. Se codeó con reyes, presidentes de repúblicas y primeros ministros, sin olvidar nunca sus orígenes humildes.

Falleció en La Coruña el 29 de mayo de 1938 y su ideal lírico fue el engrandecimiento de la ópera como arte para ponerla a disposición de todos los públicos.

 

*Nota oficial de prensa del Gobierno de Aragón de la muestra organizada por Sergio Castillo y Alejandro Martínez Rodríguez.

MARÍA JOSÉ HERNÁNDEZ, UN DIÁLOGO

 

María José Hernández: "La imaginación nos hace ser más poderosos"

La cantautora, que a veces se siente invisible, publica su séptimo disco: ‘Cartas sobre la mesa’, de once canciones, marcadas por el amor, la creación y la mirada de mujer. Editan Lunática y la DGA

 

¿Cómo se gestó su disco? ¿Qué nace primero un texto o la melodía, en ‘Cartas sobre la mesa’?

En mi caso nacen a la vez, los versos vienen a mi cabeza ya con una melodía concreta. De hecho a veces tengo la sensación de que las canciones existen flotando en algún universo paralelo y que ellas simplemente me utilizan para materializarse. ‘Siento’, la canción que abre el disco, habla precisamente de ese momento mágico en el que surge una canción.

¿Hay una idea básica, no sé si sinfónica, unitaria, previa al álbum?

Quería hacer algo diferente a ‘Las uvas dulces’, el disco de versiones de Labordeta, pero no he partido de un concepto previo a la hora de plantear el disco, de hecho la mayoría de las canciones ya estaban compuestas antes de ‘Las uvas dulces’. Nunca hago discos partiendo de un concepto; el proceso es al revés. Cada canción surge como una obra individual y simplemente a la hora de escogerlas para formar un disco busco sus lugares comunes, y es entonces cuando descubro cuál es el nexo entre todas que le da coherencia al disco.

¿Cuál sería aquí ese enlace?

En ‘Cartas sobre la mesa’ conviven canciones que termine prácticamente días antes de empezar a grabar, con otras que llevaban mas de 10 años compuestas pero para las que todavía no había llegado su momento.

El título parece una afirmación, un acto de desnudez, de sinceridad o de rebeldía. ¿Sería así?

Si tuviera que buscar una palabra que defina lo que para mí es este disco, esa sería, sin duda, sinceridad. Soy una mujer sincera, intento ir siempre de frente y no sé mentir, lo cual a veces resulta contraproducente en un tiempo en el que lo importante es lo que pareces, y no lo que eres. Tenemos pánico a llamar a las cosas por su nombre y creo que hay ocasiones en las que hay que poner las cartas sobre la mesa y no esconder la verdad en la manga.

Algunas de las mejores canciones son de amor: ‘Mirarte a los ojos’ y ‘Aniversario’. Si uno oye ‘Saltando sin red’ y ‘Fiesta en mi corazón’, podría pensarse que se ha vuelto más festiva.

Más bien diría que este es un disco muy vital y energético y en eso, además de las propias canciones en sí, tienen mucho que ver los músicos con los que he tenido la suerte de trabajar y cómo se planteó la grabación. Sergio Marqueta (piano) y Dani Escolano, (contrabajo), mis músicos habituales, son mis dos puntales en este proyecto y con ellos he planteado los arreglos iniciales. A ellos se han unido, las guitarras de Fernando Girón y la batería de Dani Blesa. Los cuatro, bajo la producción de Guigher, han conseguido darle al disco una fuerza y magia especiales, quizás porque se grabó en vivo como si de un directo se tratara.

¿Cómo crea, qué significa la imaginación para un artista?

La imaginación para mí es el motor de todo, como digo en ‘Poderosa imaginación’, todo es posible en mi imaginación. Es lo que nos hace soñar, creer en lo imposible. Es lo que hace que este mundo siga girando. La imaginación nos hace ser más poderosos.

¿Ha querido que algunos temas estén tocados de feminismo?

Como creadora y como mujer, es imposible permanecer impermeable a lo que está sucediendo con la violencia machista, y eso se filtra sobre todo en ‘Saltando sin red’. El disco, en realidad, es la declaración de intenciones de una mujer que ya tiene un recorrido vital y va sabiendo lo que quiere y sobre todo lo que no quiere, una mujer que ya no tiene que pedir permiso ni perdón por nada... Son mis palabras, mis sensaciones, pero podrían ser las de cualquier otra mujer.

¿De qué se alimenta ahora? ¿Qué le pide a una canción, qué quiere que tengan las tuyas?

Intento alimentarme de forma variada y equilibrada. Me gusta escuchar estilos muy diferentes. Creo que no hay que tener prejuicios a la hora de escuchar porque por encima de las etiquetas y los prejuicios, prevalece la música y las buenas canciones: las que sorprenden, las que hacen que interrumpas lo que estás haciendo cuando las escuchas por primera vez o las que te emocionan aunque las escuches mil veces…

Ha hecho gira con ‘Las uvas dulces’ y con Vivere Memento. ¿Qué ha aprendido?

Con ‘Las uvas dulces’ he tenido la oportunidad de hacer mía la emoción de la poesía de Labordeta y con Vivere Memento, además de arroparme de la genialidad de Luis Delgado y Joaquín Pardinilla, a los que me unen muchas complicidades de tantos años, he disfrutado de un repertorio que me ha enseñado cómo una canción puede trascender a lo largo de los siglos y seguir cautivando con la misma intensidad.

¿Ha mejorado la música aquí, en Aragón?

Aragón siempre ha tenido mucho potencial creativo y musicalmente creo que está mejor que nunca. Tenemos artistas triunfando a nivel nacional e internacional, y a eso hay que añadir que hay mucha cantera, pero la industria musical no está aquí. No hay programaciones asentadas, ni muchos festivales, o los que hay no apuestan mucho por los artistas aragoneses. Es complicado trascender desde Aragón, hay que seguir emigrando.

Dos detalles

Inspiración. «Más que de discos o canciones tendría que hablar de artistas de los que he estado enganchada. A Francoize Breut, la descubrí en un concierto y me fascinó. La terna la completarían The Divine Domedy y Jorge Drexler, soy fan absoluta».

La ilusión. «En la música siempre estás empezando. Es necesario además tener esa sensación, no perder la pasión y no acomodarse, seguir aprendiendo y seguir arriesgando. Para mí, cada nueva canción es un regalo, cada nuevo disco una aventura».

 

SANTIAGO AUSERÓN: GIRA SINFÓNICA PARA EL DÍA DE ARAGÓN

Santiago Auserón llega con su gira sinfónica a

Huesca y Zaragoza para el puente de San Jorge

[Nota de Chema Fernández, de Antípodas.] El artista actuará junto a la Orquesta Sinfónica Reino de Aragón el próximo 21 de abril en el Palacio de Congresos de la capital oscense y el 22 de abril en el Auditorio de Zaragoza

Bajo la dirección de Ricardo Casero y con arreglos de Amparo Edo Biol, Santiago Auserón regresa para vertebrar un programa cuyo título, ‘Vagamundo’, simboliza un viaje por su repertorio experimentador y fronterizo. En estos conciertos se suma al equipo artístico la guitarra acústica de Joan Vinyals, compañero habitual de Auserón.

El Gobierno de Aragón ha programado para el puente de San Jorge el concierto Vagamundo, protagonizado por Santiago Auserón y acompañado por la Orquesta Reino de Aragón. El primer espectáculo se celebrará el sábado 21 de abril a las 20.00 horas en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Huesca; mientras que el domingo 22 de abril a las 20.00 horas actuará en el Auditorio de Zaragoza. El cantante aragonés interpretará más de una docena de canciones, algunas de ellas de su carrera en solitario como Juan Perro y otras recuperadas de su trayectoria en Radio Futura la banda de rock que lideró en la década de los 80.

El fundador de Radio Futura y posteriormente Juan Perro presentará al público una revisión de su repertorio en versión sinfónica, una manera sorprendente de rememorar temas como “Río Negro, “El desterrado”, “El forastero”, o “El canto del gallo”. Las entradas para el concierto ya están a la venta en taquillas del Auditorio y en cajeros ibercaja.

Como el propio Auserón explica, “desde mediados del siglo XX la canción popular española ha venido integrando influencias lejanas, especialmente la mezcla de tradiciones europeas y africanas proveniente del Nuevo Mundo. A la gente de mi generación le tocó en suerte renovar una circulación internacional de ritmos y melodías en la cual la Península había participado activamente siglos atrás. Explorando primero con Radio Futura el horizonte de la canción urbana, recuperando luego con Juan Perro sones americanos, africanos e iberos que parecen querer hablar una misma lengua, el compromiso vital con el verso cantado se ha convertido viaje a lo largo de diversas fronteras. Tal es el significado que para mí tiene el título de este concierto: Vagamundo. Se diría que el castellano antiguo preserva resonancias profundas, listas para ser compartidas en el universo contemporáneo”. Y añade Auserón: “Con la Orquesta Sinfónica Reino de Aragón dirigida por Ricardo Casero y los arreglos de Amparo Edó, la suerte me depara hoy el privilegio de asistir a una visión de mi propio trabajo condensada y realzada por una de las mejores agrupaciones clásicas.”

Orquesta Reino de Aragón

La orquesta es una formación privada referente en el ámbito nacional, fundada en 2011 por el músico aragonés Sergio Guarné, ha realizado más de 35 producciones, 75 conciertos y ha superado la barrera de los 110.000 asistentes a sus espectáculos, habiendo obtenido una gran crítica de público y prensa desde su creación. Su director titular desde el año 2013 es el maestro Ricardo Casero, habiendo dirigido la formación desde su creación Diego Miguel Urzanqui, José Antonio Sainz Alfaro, José María Sánchez Verdú, Marco Boemi e Isaac Karabtchevsky.

SANTIAGO AUSERÓN, cantante y compositor.

Se licenció en Filosofía y Letras en la Universidad Complutense de Madrid y estudió en París con Gilles Deleuze. Fundador del grupo musical Radio Futura, reconocido como mejor grupo de rock español. Produjo antologías históricas de son cubano, como la de Francisco Repilado "Compay Segundo". Con su proyecto Juan Perro, combina las tradiciones musicales afroamericana, afrocaribeña e hispana. Ha publicado los ensayos La imagen sonora (Episteme, 1998) y El ritmo perdido (Península, 2012, 2015). Premio Nacional de Músicas Actuales del Ministerio de Cultura, 2011. En 2015 obtuvo el grado de Doctor en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid.

RICARDO CASERO, director.

Compagina su labor como trombón solista de la OCV con la de director. Diplomado en Madrid, Indiana University (USA), Guildhall School of Music de Londres y Umea (Suecia), graduándose con las más altas calificaciones. Dirige el máster en interpretación musical de la Universidad de Valencia. Profesor invitado en instituciones como la Juilliard School of Music de Nueva York, la Royal Academie of Music and Drama de Londres, la Sibelius Academy of Music de Helsinki, etc. Director colaborador del Palau de les Arts de Valencia. Director titular de la Orquesta Sinfónica Reino de Aragón. Ha dirigido y está invitado a dirigir numerosas orquestas de reconocido prestigio nacional e internacional.

AMPARO EDO BIOL, arreglista.

Trompista, compositora y directora, estudia en Valencia y en el Berklee College of Music de Boston, obteniendo las más altas calificaciones. Como trompista ha tocado con numerosas orquestas norteamericanas y españolas. Ha colaborado con artistas como Wayne Shorter, John Patitucci, Joe Lovano, Danilo Pérez, Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina. Ganadora de varios premios como compositora, su catálogo incluye obras para trompa, un concierto para tuba, piezas de cámara y obras sinfónicas para orquesta y banda. Arregla y dirige grabaciones en estudios y salas de Los Ángeles, Boston y Valencia y ha sido invitada a dirigir la Orquesta Sinfónica de Castilla y León.

JOAN VINYALS, guitarra acústica.

Guitarrista y cantante autodidacta desde la infancia, estudió solfeo y piano en el Conservatorio Municipal de Música de Barcelona y solfeo, armonía y combo en el Taller de Músics de jazz con Sean Levitt y con John Abercrombie. Licenciado por la ESMUC en Grado Superior de Jazz, ha ejercido como profesor del Taller de Músics durante más de 20 años. Ha impartido seminarios y clases magistrales en la Universidad Autónoma de Barcelona. Además de dirigir su propio trío, ha acompañado en directo y en estudio a numerosos artistas, entre los que destacan Gato Pérez y Santiago Auserón.

JAVIER RUIBAL DIALOGA CON DANIEL HEREDIA

Daniel Heredia entrevista en su web a un gran cantante y compositor: Javier Ruibal, Premio Nacional de las Música Actuales.

https://www.zendalibros.com/javier-ruibal-trabajo-esmero-las-composiciones-pues-la-palabra-la-armonia-igual-importantes/

—Yo prefiero que me llamen músico, compositor y autor de mis letras. En el subconsciente colectivo creo vislumbrar que el público asocia a la etiqueta cantautor con canciones donde prima la poesía y la reivindicación, con una música meramente circunstancial que la acompañe. Yo trabajo con esmero las composiciones, pues la palabra y la armonía son para mí igual de importantes.

OLGA Y LOS MINISTRILES: 'TUS OJOS'

https://www.youtube.com/watch?v=MsOQ9CveN24

 

Olga y los Ministriles cantan, en clave de salsa, mi poema 'Tus ojos', que se incoporó a mi poemario 'Seducción' (Olifante, 2014). La adaptación musical es de Gabriel Sopeña. El vídeo es muy sugerente.