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'CUENTOS DE TEMPORADA': E. NAVARRO

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Ernesto Navarro escribe y pinta sus ‘Cuentos de temporada’

 

El autor distribuye 22 cuentos a lo largo de los doce meses del año y hay de todo: amor, vampiros, viajes y veranos

 

En las guardas de respeto del libro ilustrado, de formato gigante, ‘Cuentos de temporada’, Ernesto Navarro, escritor e ilustrador, y editor de Pintacoda, ha colocado los doce meses del año y escribe en rojo un título que alude a uno de los 22 textos que forman este libro, divertido, fresco, lleno de guiños (del tipo, ‘Mies y Zaha decidieron irse a vivir juntos’, y así arranca ‘La Casa’), de bromas, de emociones y de risas.

El polivalente Ernesto Navarro ya había publicado ‘Laszlo’, la historia de un artista callejero que se movía en un mundo variado y marginal, y ‘Cuentos de Navidad para niños y padres’, ambos en el sello Pintacoda, en los que medía su capacidad de creación y su tendencia a los juegos literarios y a la referencias más o menos cultas, sin que eso aleje al lector.

Cuentos de temporada’ continúa su línea de sorpresa y paradoja. En el primer texto, ‘El día del libro’, dice en la frase incial: “Aquel veintitrés de abril, por primera vez, mi tío Aldo no trajo un libro”. Y a partir de ahí crea una narración donde rinde homenaje a Gutenberg y al mismo volumen que el lector empieza a leer. Luego se sumerge en otras historias: la del vampiro panadero, llamado Olegario, que debe enfrentarse a la noche de San Juan; el relato de la niña Gracia, que se zambulle en la piscina y se convierte en un pez.

Hay cuentos humorísticos, incluso crueles, pero también miradas casi costumbristas a lo que podría ser un día largo en un pueblo. O en la fiesta de la vendimia. Aborda un cumpleaños, se narra un embarazo con misterio, se cuenta el primer día de clase en la Escuela Robótica Infantil Y un viaje de Navidad por Manhattan. También anima, casi con microcuentos, el relato ‘La gran nevada’; el más corto dice: “Diana construyó un muñeco de nieve con paja, vino el lobo y lo sopló”.

Si Ernesto Navarro es imaginativo y juguetón en sus relatos, si piensa en sorprender y cautivar al niño, en la parte gráfica es, cuando menos, versátil. Se maneja en varios registros: es capaz de aproximarse al cartel, al retrato, a la ilustración pura y dura, a la viñeta, como en el citadoLa gran nevada’, y maneja por igual el retrato en solitario, como pasa en ‘Las golondrinas’ y con el moscardón Romeo en ‘San Valentín’, y las multitudes, como sucede en ‘Rompida de la hora’, donde plantea un ritual de tambores y bombos y túnicas violetas. Ernesto es un ilustrador claro y variado, puede ser clásico y moderno, transgresor y tradicional, y tiene sentido del color, de la composición y, por supuesto, de la ironía.

Parece que siempre esté dispuesto a dar otra vuelta de tuerca a todas las cosas. Hasta a su propio libro. Anota en un guiño de metaliteratura: “De esta manera, reuní 22 historias que encuaderné con la ayuda de mi madre. Cosimos las páginas en pliegos y añadimos unas bonitas cubiertas de cartón forradas en tela”.

 

11/07/2020 07:19 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'LA MUERTE DE OFELIA', POR CONCHA MAYORDOMO

Con el título "La muerte de Ofelia" he publicado mi último artículo. Trata sobre la vida de una de las caras más visibles del movimiento Prerrafaelita, pero que es prácticamente una desconocida como artista y poeta.
Elizabett Siddal, tuvo una vida y un final tan triste como el de la Ofelia de Hamlet.

https://lahoradigital.com/noticia/28465/la-muerte-de-ofelia.html

Por otra parte, continúo actualizando mi blog ‘Mujeres en el Arte’ e incluyo 4 pequeñas biografías de artistas que considero muy interesantes. Es una selección que obedece a muy diferentes motivos. En primer lugar Ende, la miniaturista medieval, que fue la primera artista de la historia que firmó su obra. Tania Bruguera de plena actualidad por haber sido nuevamente detenida por el gobierno cubano. Incluyo también a la franco-mexicana Bridget Bate Tichenor y el realismo mágico de sus obras y finalizo con la turca afincada en Alemania Nezaket Ekici con sus performances minimalistas.

 

05/07/2020 17:25 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'LA MUERTE DE OFELIA', POR CONCHA MAYORDOMO

Con el título "La muerte de Ofelia" he publicado mi último artículo. Trata sobre la vida de una de las caras más visibles del movimiento Prerrafaelita, pero que es prácticamente una desconocida como artista y poeta.
Elizabett Siddal, tuvo una vida y un final tan triste como el de la Ofelia de Hamlet.

https://lahoradigital.com/noticia/28465/la-muerte-de-ofelia.html

Por otra parte, continúo actualizando mi blog ‘Mujeres en el Arte’ e incluyo 4 pequeñas biografías de artistas que considero muy interesantes. Es una selección que obedece a muy diferentes motivos. En primer lugar Ende, la miniaturista medieval, que fue la primera artista de la historia que firmó su obra. Tania Bruguera de plena actualidad por haber sido nuevamente detenida por el gobierno cubano. Incluyo también a la franco-mexicana Bridget Bate Tichenor y el realismo mágico de sus obras y finalizo con la turca afincada en Alemania Nezaket Ekici con sus performances minimalistas.

 

05/07/2020 17:00 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

PHOTO ESPAÑA. PROGRAMA 2020

PHOTOESPAÑA PRESENTA SU PROGRAMACIÓN PARA 2020.

UN AÑO MUY ESPECIAL CON EXPOSICIONES EN 50 CIUDADES DE ESPAÑA



Este año PHotoESPAÑA se inaugura a finales de junio y extiende su programación hasta el 31 de octubre.

El Festival contará con más de 50 grandes exposiciones en museos y centro de arte en su Sección Oficial. Por primera vez, se incorporan nuevos proyectos digitales y una gran muestra de participación ciudadana en las calles de toda España.

El Festival dará el pistoletazo de salida a partir del 25 de junio, con la inauguración de la exposición #PHEdesdemibalcón, en 50 ciudades españolas con la participación de más de 10.000 fotógrafos.

105 galerías de toda España participarán en una convocatoria extraordinaria del Festival OFF

Madrid, Alcalá de Henares, Alcobendas y Zaragoza sedes de la Sección Oficial del Festival.

Santander acogerá en octubre la segunda edición de PHotoESPAÑA Santander con una docena de exposiciones y actividades ciudadanas.

Casi 350 fotógrafos presentan su trabajo en esta nueva edición del Festival.

PHotoESPAÑA contará con grandes muestras colectivas: una fantástica selección de fotografía japonesa de los años 50 al 70 del siglo XX con obras de Daido Moriyama o Takuma Nakahira; una selección de imágenes de los autores de Magnum como Eve Arnold o Philippe Halsman sobre el cuerpo humano; o los trabajos de autores como Francesca Woodman, Vivian Sassen, o Richard Avedon, sobre la relación entre la moda y el arte.

 

Ramon Masats, Adriana Lestido, Miguel Trillo, Koldo Chamorro, Alicia Martín, Danny Lyon o Piedad Isla serán algunos de los autores que contarán con exposiciones individuales



PHotoESPAÑA 2020 incluye un gran proyecto digital: Tiempo detenido. Memoria fotográfica del confinamiento mostrará la mirada sobre el confinamiento de 40 fotógrafos profesionales.

Descarga imágenes y dossier de prensa

  

PHOTOESPAÑA 2020

 

PHotoESPAÑa celebrará este año una de sus ediciones más especiales. La excepcional situación mundial causada por la crisis sanitaria del coronavirus, impuso una pausa general de la que la sociedad va saliendo hacia una nueva realidad llena de cambios. Cambios en la forma de vivir y relacionarnos a los que el Festival no podría mantenerse ajeno.

 

PHotoESPAÑA 2020 extenderá su programación hasta el 31 de octubre, en una edición que, a pesar de haberse gestado en circunstancias excepcionales, ha conseguido extenderse por prácticamente todo el territorio nacional y que apostará también por importantes proyectos digitales. Una edición que llegará a un mayor público y compartirá la obra de un mayor número de artistas de todo el país.

 

Las muestras al aire libre, como reivindicación y homenaje al papel que balcones y ventanas han jugado en los últimos meses, llegarán a 50 ciudades de todo el país, poniendo más que nunca de manifiesto el potencial de la fotografía como elemento de comunicación y cohesión social. Miradas anónimas y profesionales sobre el confinamiento confluirán en esta edición.

 

La programación de más 50 exposiciones en museos y centros de arte de Madrid, Alcalá de Henares, Alcobendas, Barcelona, Santander y Zaragoza, seguirán conformando el corazón del Festival. Muestras de autores internacionales y españoles, ya consagrados y también nuevas voces que cuentan con el festival como escaparate y abrirán entre los meses de julio y septiembre.

 

Círculo de Bellas Artes, Fundación Telefónica, Real Jardín Botánico, Centro Centro, Museo ICO, Museo Cerralbo, Museo del Romanticismo, Fundación MAPFRE, Casa Árabe, Casa de América, Sala Canal de Isabel II, Fundación Canal, Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa, Museo Lázaro Galdiano o Tabacalera, entre otros serán algunos de los museos y centros de arte que participen en PHotoESPAÑA 2020.

 

 

APERTURA DEL FESTIVAL

 

#PHEdesdemibalcón: un retrato colectivo en 50 ciudades españolas

 

El pistoletazo de salida de la edición, lo darán, a partir del 25 de junio, las exposiciones en los balcones y ventanas de 50 ciudades españolas con la selección de imágenes de la convocatoria #PHEdesdemibalcón, que ha registrado, en algo más de mes y medio, 63.000 imágenes en Instagram. Un relato creado por autores anónimos que demuestran más que nunca el espíritu democrático de la fotografía.

 

La convocatoria nació como una invitación a la ciudadanía para que se expresase con imágenes tomadas desde sus balcones y ventanas, como un ejercicio colectivo en una situación tan excepcional. Como ya se viene haciendo a lo largo de la Historia del Arte, ventanas y balcones se han convertido, con más sentido que nunca, en instrumentos para explorar la creatividad, la imaginación y para compartir miradas individuales de una situación que exige que actuemos como colectividad.

 

En paralelo #PHEdesdemibalcón invitaba a los Ayuntamiento españoles a sumarse con la organización de muestras en sus ciudades con una selección de las imágenes de sus vecinos. 50 ciudades participan en el proyecto y acogerán estas muestras al aire libre en espacios representativos de sus respectivas ciudades.

 

A Coruña,  Albacete, Alcalá de Henares,  Alcobendas, Alicante, Badajoz,  Barcelona, Burgos Cáceres, CartagenaCastellón, Córdoba, Coslada, Cuenca,  Elche, Getafe, Gijón, Girona, Granada, GuadalajaraHervás  Hospitalet de Llobregat, Ibiza Jaén, Las Palmas,   Logroño, León,  Madrid, Melilla, Muxía, Ourense, Oviedo, Pamplona, Salamanca, San Cristóbal de La Laguna, Santa Cruz de Tenerife,  Santander, Segovia, Sevilla, Soria, Teruel, Toledo, Torrevieja,  Valladolid, Valencia , Vigo, Vitoria – Gasteiz , Zamora  y  Zaragoza, son las ciudades participantes.



SECCIÓN OFICIAL

Más de 50 grandes exposiciones en la Sección Oficial del Festival.

Madrid es el corazón de PHotoESPAÑA. La XXIII edición de PHotoESPAÑA contará con grandes exposiciones colectivas con propuestas nacionales e internacionales entre las que se podrán disfrutar de la mejor fotografía japonesa de los años 50; la reflexión de los autores de Magnum sobre el cuerpo humano; o la mirada de grandes autores sobre el arte y la moda, entre las propuestas.

Centro Centro recibirá, por primera vez en España, una de las colecciones europeas de fotografía más importantes en la muestra Entre el arte y la moda. Fotografías de la colección de Carla Sozzani. Una exposición que cuenta con imágenes de Richard Avedon, Berenice Abbott, Laszlo Moholy Nagy, Louise Dahl- Wolfe, Helmut Newton, Francesca Woodman, Man Ray o Vivian Sassen, entre otros. Todas ellas reunidas por la editora en los últimos 40 años y que componen la visión personal de la coleccionista sobre el mundo, lo femenino y la belleza.

 

En el Círculo de Bellas Artes, la Colección Per Amor al´Art de Bombas Gens, presentará La mirada de las cosas. Fotografía japonesa en torno a Provoke. Una de las colecciones más importantes de fotografía japonesa entre 1957 y 1972 que se conserva fuera de Japón y que recoge el movimiento de renovación fotográfico que se produjo en el país en un periodo marcado por el enfrentamiento social contra la herencia americana de la ocupación. Autores como Ikkō Narahara, Shōmei Tōmatsu, Eikoh Hosoe, Akira Satō, Kikuji Kawada, Yutaka Takanashi, Takuma Nakahira o Daidō Moriyama.

 

Fundación Canal reunirá una muestra colectiva con algunos de los fotógrafos de la agencia Magnum. En El cuerpo observado el cuerpo humano es el motivo de inspiración de artistas como Eve Arnold, Alec Soth, Philippe Halsman, Herbert List, Susan Meiselas, Werner

Bischof, Antoine d’Agata, Bieke Depoorter, Bruce Gilden o la española Cristina

García Rodero.

 

La Fundación MAPFRE acogerá dentro de la edición tres exposiciones entre sus sedes de Madrid y Barcelona. En Barcelona, la obra de Paul Strand, uno de los impulsores de la “straight photography” inaugurará el nuevo centro de fotografía de la fundación en la ciudad. Además se celebrará una exposición que reúne cinco décadas del trabajo del fotógrafo británico Bill Brandt, considerado uno de los fundadores de la fotografía moderna. En Madrid la Fundación contará con una muestra fotográfica de más de 350 imágenes del fotógrafo norteamericano Lee Friedlander. Una oportunidad única que reúne desde series icónicas como American Monument hasta sus imágenes más actuales.

La fotografía norteamericana contemporánea será también protagonista en la exposición del Museo ICO que presentará por primera vez en Madrid al completo el proyecto La destrucción del bajo Manhattan, de Danny Lyon, uno de los más importantes ensayos fotográficos del siglo XX. A partir de 1967, Lyon documentó como las calles del viejo Manhattan se demolían, haciendo desaparecer uno de los barrios más antiguos de Nueva York.

Casa de América acogerá Antártida negra, de la argentina Adriana Lestido, , un trabajo de exploración exterior e interior fruto de la expedición de la fotógrafa a la Antártida en febrero y marzo de 2012. Se trata de una confesión emocional y creativa de la artista que parte del relato de un viaje inesperado. Esta misma sede acogerá el proyecto Más caminos, de Maria Magdalena Campos Pons, que construye una completa visión de la obra de una de las artistas más completas del arte cubano contemporáneo. Además las nuevas voces de la fotografía cubana contemporánea se reunirán en la muestra de los fotógrafos seleccionados en los visionados de porfolios de Trasatlántica Cuba, celebrados el 30 y 31 de octubre de 2019 en la Fototeca de La Habana.

Casa Árabe, por su parte, acogerá dos exposiciones. En Desplazamientos. Diásporas de Yemen se reúnen los trabajos de Shaima Al Tamimi y Thana Faroq, dos fotógrafas de origen yemení que retratan con crudeza y sinceridad los efectos de los desplazamientos sobre la identidad y la biografía de las personas. Por otro lado, Arcadia arábiga, de Jordi Esteva reúne imágenes de los cinco grandes oasis de Egipto y de Socotra, la isla de Simbad el Marino.

Además, PHotoESPAÑA 2020 sumará a su programación la exposición La naturaleza de las cosas, de Chema Madoz, en el Real Jardín Botánico.

 

Fotografía española contemporánea

Otro de los elementos fundamentales de esta edición será la fotografía española con muestras dedicadas a diferentes generaciones de autores.

El Museo Lázaro Galdiano contará con uno de los trabajos mas controvertidos de Koldo Chamorro, El santo Christo ibérico. Un retrato crudo de los usos y costumbres de la sociedad rural española de los años 70 y 80 del siglo XX La serie El Santo Christo Ibérico, sitúa al símbolo del Catolicismo, la cruz, como la protagonista absoluta de una narrativa que revelaba las contradicciones de un país que, por un lado, ansiaba la llegada de la modernidad, y por otro, permanecía anclado en un paisaje ancestral. La exposición se presenta en colaboración con el Museo de Navarra.

Tabacalera acogerá uno de los trabajos más recordados de Ramon Masats. Visit Spain es un documento único en el que la mirada de Masats capta la España de los años 50 y 60 del siglo XX, en un periodo en el que el régimen franquista buscaba abrirse al mundo presentando su cara más amable.

De la mano del Archivo Lafuente, el Circulo de Bellas Artes acogerá la muestra Madrid, las calles del ritmo, de Miguel Trillo. Responsable de fanzines icónicos de la Movida Madrileña como Rockocó, Callejones y avenidas y Madrid las calles del ritmo, Trillo puso rostro a cientos de personajes anónimos representantes de este movimiento cultural y social. El fotógrafo ha documentado la evolución de la juventud y de las tribus urbanas desde la Transición española hacia la democracia de nuestros días, como testigo privilegiado de una época. Mods, punks, amantes del tecno, modernos, siniestros, nuevos románticos, rockeros, teddy boys, heavies o b- boys han pasado por el objetivo del artista.



La Sala Canal de Isabel II acogerá Donde doblan los mapas, de Juan Valbuena, que reúne cinco de sus proyectos desde 1999 hasta el inédito Dalind. Miembro del colectivo Nophoto, Valbuena es uno de los autores más representativos de su generación, con una obra en la que el ser humano, la fotografía y el territorio se entremezclan en narraciones en las que invita al público a participar.

Los retratos de la Transición desde la mirada de Alberto Schommer llegarán al Museo Cerralbo en Contemporáneos un compendio de retratos de personajes de la cultura, la política y las artes, que comparten la ironía, el sentido del humor y la profundidad del Premio Nacional de Fotografía.

El Museo Nacional del Romanticismo con Disonancia desvelará la personalidad de la madrileña Alicia Martín, con una propuesta multidisciplinar que reflexiona sobre las revoluciones en el contexto del Romanticismo español.

Javier Riera ocupará la Plaza de Colón y la fachada del Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa con Proyectar el regreso una instalación que combina video y fotografía para recrear los anhelos del ser humano dentro de una sociedad que explota y consume los espacios sin parar para pensarlos.

 

Sedes invitadas en Madrid

En el Instituto Iberoamericano de Finlandia, se presentará el proyecto de la fotógrafa Heli Blafield, que viajo por todo el país para crear un documento gráfico de uno de los elementos más arraigados en la cultura finlandesa: la sauna.

El Instituto de México presentará el proyecto Toda línea es una ruta, toda ruta lleva a un punto, de Emilio Rojas. La muestra toma como eje dos de las preocupaciones constantes en su obra: el post-colonialismo y las fronteras para construir una experiencia de la que el espectador pueda formar parte.

Por su parte la Real Sociedad Fotográfica contará con la muestra Mayo ritual, de Juanjo Albarrán. Con su propuesta el fotógrafo nos invita a reflexionar sobre los diversos modos en los que se celebra el renacer de la vida con la llegada de la primavera.



Jornadas profesionales a finales del mes de septiembre

Este año la Semana Descubrimientos, el espacio de encuentros para los profesionales de la fotografía se celebrará los días 28 y 29 de septiembre. La escuela PIC.A de Alcobendas acogerá dos sesiones de visionados de porfolios, en la que los autores podrán compartir su trabajo con expertos nacionales y profesionales. Entre todos los trabajos presentados se elegirá el Premio Descubrimientos proyecto que se incluirá en la programación de PHotoESPAÑA 2021. Descubrimientos PHE cuenta con el apoyo del Institut d’Estudis Baleàrics – IEB

 

OTRAS SEDES DEL FESTIVAL

Alcalá de Henares, Alcobendas y Zaragoza en PHotoESPAÑA

El Convento de Santa María La Rica en Alcalá de Henares acogerá la exposición Realismo poético, de Piedad Isla. Un documento único de la España rural de los años 50 y 60 del siglo XX de la mano de la pionera del neorrealismo fotográfico en España

Alcobendas participará con cinco exposiciones. El Bulevar Salvador Allende acogerá Una [otra] manera de mirar, de José María Díaz – Maroto con imágenes realizadasen los últimos 25 años. El Centro de Arte Alcobendas mostrará en Foto No Foto, algunos de los fondos de la Colección de Fotografía Alcobendas. En Tradición y atuendo rescatará la obra de José Ortiz Echagüe, principal representante de la “Generación del 98 de la Fotografia Española”. Además las nuevas voces de la fotografía estarán presentes en las exposiciones de Lilia Luganskaia, Premio Descubrimientos PHotoESPAÑA 2019 por su trabajo Investigación del amor; y la muestra Encuentros en tiempo presente de los Alumnos del Máster PHotoESPAÑA.

En Zaragoza, en el Centro de Historias, la exposición De barro y luz, de Manuel Outumuro, reúne una selección de retratos de grandes nombres del cine y la cultura nacional e internacional. Un testimonio único y una de las más completas recopilaciones de la obra del fotógrafo gallego Juliette Binoche, Manolo Blahnik, Pedro Almodóvar, Antonio Banderas, Penélope Cruz, Rosa Regàs, Enrique Vila- Matas, Quim Gutiérrez, Carmen Maura o Isabel Coixet son algunos de los cientos de personajes que Outumuro ha retratado en los últimos años.

Segunda Edición de PHotoESPAÑA Santander

Además, a partir de octubre la fotografía volverá a inundar las calles de Santander con la segunda edición de PHotoESPAÑA Santander 2020, con un programa completo que incluirá Sección Oficial, Sedes Invitadas, la implicación de las galerías de arte de la ciudad en el Festival OFF y actividades para público y profesionales.

 

Entre las propuestas confirmadas para esta segunda edición, la Sección Oficial contará con siete exposiciones en museos y centros de arte de la ciudad y con una propuesta al aire libre. Ciuco Gutierrez, Carmen Calvo, Juan Uslé, Rosell Messeguer, Jorge Yéregui, Jordi Socías y Eduardo Rivas, serán algunos de los autores que participarán con muestras individuales en espacios como el Ayuntamiento de Santander, la Biblioteca Central de Cantabria, el Centro de Documentación de la Imagen de Santander, el Palacete del Embarcadero o el Centro de Arte Faro de Cabo Mayor. Por su parte, el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria volverá a presentar sus fondos en una muestra colectiva en el CASYC.

 

Entre los programas para públicos se llevará a cabo una nueva edición de ¡retrátate! en el Instituto Municipal de los Deportes que posteriormente volverá a llenar las calles de la ciudad. Y entre los programas profesionales, el visionado de porfolios que permitirá a los seleccionados por el jurado, la participación en la próxima edición de Descubrimientos PHE.

  

PHotoESPAÑA DIGITAL

 

Tiempo detenido. Memoria fotográfica del confinamiento

 

 

Fundación ENAIRE y PHotoESPAÑA reúnen en Tiempo detenido, Memoria fotográfica del confinamiento el trabajo de cuarenta fotógrafos que exploran la experiencia del confinamiento en España a través de diferentes miradas y voces narrativas. Un proyecto colectivo en formato de libro y también en exposición digital, que reunirá en la web del festival estos trabajos.

 

El confinamiento y la situación de crisis mundial provocada por la pandemia del coronavirus han dado un nuevo sentido a términos como urgencia, ausencia y tiempo. En un mundo detenido por la enfermedad, la urgencia y el aislamiento, las fotografías del proyecto nos hablan de la quietud y la inquietud, de una velocidad emergente y otra más lenta y pausada, de un tiempo interior y otro exterior. La vida en suspenso ha arrollado nuestras prisas y ha dejado imágenes que pasarán a formar parte de nuestra memoria.

 

Tiempo Detenido es memoria y testimonio, de carácter poliédrico y transversal, abordado desde diversos puntos de vista que genera diferentes temáticas como la espera, la emergencia, el vacío, la enfermedad, la muerte, la familia, la solidaridad, la urgencia, la esperanza, etc. a través de la fotografía. Se trata de un homenaje a la narración de vidas y a la suspensión del tiempo, además de un reflejo de un estado anímico y mental que oscila entre el olvido de uno mismo y la conciencia de sí mismos. El tiempo que habita en las imágenes que permanecen en la memoria. E l proyecto, cuenta con trabajos realizados por 40 fotógrafos en los últimos meses durante el confinamiento, desde que se decreta el estado de alarma el pasado 14 de marzo en España. La investigación y localización de trabajos realizados por los fotógrafos ha corrido a cargo de Eduardo Nave –él mismo ha fotografiado un Madrid desierto-.

 

PHotoESPAÑA y Fundación ENAIRE han hecho la selección final de trabajos y autores, entre los que se encuentran Carlos Spottorno, Estela de Castro, Gianfranco Tripodo, Jorquera, Lurdes R. Basolí, Manu Bravo, Paola de Grenet, José Colón, Juan Millás, Judith Prat, Rafael Trapiello, Samuel Aranda y Anna Surinyach, entre otros.

 

Los trabajos reunidos son de carácter documental, pero también otros nos hablan de ensoñaciones y anhelos. El público podrá votar el mejor trabajo, que recibirá un premio de 3.000 euros.Los trabajos se mostrarán en la web del festival y una selección en un libro editado por La Fábrica y Fundación ENAIRE en el que las imágenes estarán acompañadas por las reflexiones de Elvira Lindo, Carlos del Amor y Mireia A. Puigventós.

 

El Festival OFF llega a toda España con más de un centenar de galerías

 

Un año más y de manera muy especial PHotoESPAÑA quiere reconocer el importante trabajo de las galerías de arte como impulsoras del mercado fotográfico.

 

El mercado del arte el otro de los sectores que ha visto detenido su actividad de forma total y abrupta en los últimos meses y en este sentido PHotoESPAÑA ha querido reunir en el Festival

OFF no solo a las galerías de Madrid, sino a cualquier galería de todo el territorio nacional que quisiera sumarse al proyecto.

 

PHotoESPAÑA plantea un desarrollo digital del Festival OFF, convirtiendo la web del Festival en una plataforma de difusión y punto de encuentro entre las galerías españolas.

 

Así el Festival OFF contará con las propuestas de 105 galerías que han presentado el trabajo de uno de sus artistas que se expondrá en una muestra virtual en la página del festival.

 

Con esta iniciativa PHotoESPAÑA quiere colaborar en el relanzamiento del sector de la fotografía contemporánea y apoyar a los autores, proporcionándoles un nuevo canal en el que dar visibilidad a sus trabajos.

 

Participarán en el Festival OFF galerías de Alicante, Almagro, Barcelona, Bilbao, Castellón, Gijón, Las Palmas, León, Madrid, Málaga, Oviedo, Palma de Mallorca, Santander, San Sebastián, Santiago de Compostela, Sevilla, Tenerife, Valencia y Zaragoza.

 

PROGRAMAS PROFESIONALES Y ACTIVIDADES PARA PÚBLICOS

 

Junto con su vertiente expositiva PHotoESPAÑA 2020 volverá a contar con un espacio para los profesionales y todos aquellos que quieran dedicarse a la fotografía en la Semana Descubrimientos, que este año se celebrará el 28 y 29 de septiembre en PIC.A. Escuela Internacional Alcobendas PHotoESPAÑA. Descubrimientos cuenta con el apoyo del Institut d´Estudios Baleàrics – IEB.

 

Entre las propuestas para públicos, el Foro PHotoESPAÑA - Comunidad de Madrid se convertirá en un espacio físico y virtual donde fotógrafos y público pueden establecer relación directa por medio de exposiciones y encuentros para “hacer”, “hablar”, “escuchar” y “estar” con la fotografía.

 

De la mano de la Fundación Banco Sabadell se celebra una jornada de proyecciones nocturnas en la plaza de Colón con el proyecto Proyectar el regreso, de Javier Riera.

 

El Espacio Fundación Telefónica, por su parte, acogerá las jornadas El poder de la imagen. El valor de la fotografía como herramienta para la transformación social. Un espacio virtual

donde compartir proyectos y trabajos que ponen el valor de la fotografía como

una herramienta de transformación e integración social. Una serie de diálogos con

diferentes agentes que desde ámbitos como la práctica artística, la educación, la comunicación, la reflexión o la ciencia, trabajan con la fotografía para abordar problemáticas sociales.

 

Durante el mes de noviembre, de la mano del Cabildo de Lanzarote se llevará a cabo un PHotoWalk, una actividad participativa y de formación organizada por el Festival.

 

LAS SEDES DE PHE

 

Casa Árabe / Casa de América / CentroCentro / Centro Cultural Galileo / Círculo de Bellas Artes / Comunidad de Madrid. Espacios para el Arte. Sala Canal de Isabel II. Sala El Águila / Espacio Fundación Telefónica / Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa / Fundación Mapfre /Museo ICO / Museo Lázaro Galdiano / Museo Nacional del Romanticismo / Tabacalera. Promoción del Arte / Convento de Santa María la Rica. Alcalá de Henares / Centro de Arte Alcobendas / La Lonja. Zaragoza / Palacete del Embarcadero. Santander / Centro de Documentación de la Imagen de Santander / Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria / Biblioteca Central de Cantabria / B the travel Brand / Instituto Cultural de México en España / Instituto Iberoamericano Finlandia / One Shot Hotels / Real Sociedad Fotográfica

 

 

ORGANIZADORES Y COLABORADORES

 

PHotoESPAÑA 2020 es posible gracias al apoyo, patrocinio y colaboración de casi 50  entidades públicas y privadas

 

Ministerio de Educación Cultura y Deporte / Comunidad de Madrid / Ayuntamiento de Madrid / Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación. Cooperación Española / Acción Cultural Española / Ayuntamiento de Alcalá de Henares / Ayuntamiento de Alcobendas / Ayuntamiento de Santander / Ayuntamiento de Zaragoza / Cabildo de Lanzarote. Centros de Arte, Cultura y Turismo / Gobierno de Cantabria / Puerto de Santander / Fundación Banco Sabadell / Fundación Canal / Fundación ENAIRE / Fundación ICO / Fundación Mapfre / Fundación Telefónica / Fundación Ankaria / Fundación Santander Creativa / Acciona / Iberia / Casa de Velázquez / Embajada de Portugal. Camões - Instituto da Cooperação e da Língua / Institut d'Estudis Baleàrics / Instituto iberoamericano de Finlandia / Programa Europa Creativa de la Unión Europea / Universidad Complutense de Madrid / Brizzolis / El Corte Inglés / One Shot Hotels / Sago packaging / Aesthetica / Aperture  / ARTE / British Journal of Photography / El Independiente / El País / GUP / Neo 2  / photograph / The History Channel / Tribe /Universal

 

04/07/2020 04:47 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

ANA ALCOLEA, PREMIO DE LAS LETRAS ARAGONESAS

La escritora Ana Alcolea (Zaragoza, 1962) gana el Premio de las Letras Aragonesas

 

Ana Alcolea narra la historia de su abuela Mercedes, que conoció tres siglos

 

 

l La escritora publica su segunda novela para adultos: ‘Postales coloreadas ’, en el sello Contraseña

 

ZARAGOZA. Ana Alcolea (Zaragoza, 1962), tras haber logrado en 2016 el Premio Cervantes Chico, publica su segunda novela para adultos: ‘Postales coloreadas ’, en Contraseña (Zaragoza, 2017. 315 páginas). «Es tal vez mi novela más personal. Está basada en recuerdos de mi abuela, que vivió 103 años y pasó por tres siglos». Mercedes era hija de Juan, empleado del ferrocarril y jefe de la estación de Utrillas, en Zaragoza, y de Agustina, una muchacha orensana de Amoeiro. Añade Ana Alcolea: «Cuando murió, pensé que sus recuerdos de todo un siglo debían quedar en la memoria colectiva, y no solo en la mía, por eso empecé a escribir este libro hace más de diez años. Me ha hecho llorar, reír, y temblar: cuando la terminé y puse el punto y final, mi cuerpo tembló, literalmente. No me había pasado con ninguna otra novela, sentí un enorme vacío, y sentí como si perdiera a las personas de las que hablo en la novela otra vez».

La novela, un mosaico familiar con muchos personajes y elipsis temporales, arranca en Almería con Mateo y Margarita, sus bisabuelos, y acaba casi cuando la autora nació en Zaragoza, en 1962. Sucede en diversos lugares: Santander, Vigo, Orense, Madrid, varias localidades de Teruel, incluso La Habana y Barcelona, y por supuesto Zaragoza. «Lástima que en Zaragoza no haya mar. Si no, podrías trabajar allí. Hay río. En realidad hay tres ríos y un canal. Hay bastante agua. Y viento», se dice en la página 153. Es una novela de muchos personajes: la primera pareja, Mateo y Margarita, su primogénito, Juan, que se casa con Agustina, y sus hijos: Valentina la ciega, Pilar, Lola, Agustina, Enrique, Magdalena o Mercedes, pero también andan por ahí el viudo Rodolfo, el apasionado Pepe, que se va a la Guerra de África, o el cabal conductor Francisco, que acabará casándose con Mercedes.

De personas a personajes

Explica Ana Alcolea: «Son personas que he convertido en personajes. Hay episodios que ya no sé si son reales o ficticios, hasta tal punto he vivido dentro de mí las palabras que han ido tejiendo esta historia». En ‘Postales coloreadas ’ son muy importantes los objetos, los recuerdos, los secretos de familia: «El armario de mi abuela y los objetos que guardaba en él son parte importante de esta novela: sobre todo las postales coloreadas que alguien escribía para ellas, para sus hermanas, pues no sabían escribir... Las viejas fotografías también dedicadas por manos ajenas, y que tan bien ha captado Alberto Gamón en la ilustración de la cubierta». Además de esas postales , son importantes el gramófono, la barra de carmín, unos gemelos, pero también algunos personajes de la época como Raquel Meller, Miguel Fleta y toreros como Bombita. A Paco, esposo de Mercedes y abuelo de la autora, le gustaban mucho los toros e hizo sus pinitos como matador.

«Estoy muy contenta con el hecho de que la novela haya sido publicada por la editorial Contraseña por varias razones: comparto editorial con una escritora a la que quiero y admiro como es Irene Vallejo; es una editorial aragonesa, de mi ciudad, Zaragoza, y el trabajo editorial de revisión y corrección ha sido realmente minucioso y espléndido, así como el cuidado del propio libro como objeto», concluye la autora de ‘El medallón perdido’ o ‘La noche más oscura’.

 

*La foto es de Guillermo Mestre. De 'Heraldo'.

29/06/2020 18:40 Antón Castro Enlace permanente. Escritores No hay comentarios. Comentar.

MARIANO GARCÍA DIALOGA CON DANIEL GASCÓN

 

 

Mariano García entrevista hoy en Heraldo a Daniel Gascón con motivo de la publicación de su novela 'Un hípster en la España Vacía' (Literatura Random House).

https://www.heraldo.es/noticias/ocio-y-cultura/2020/06/29/daniel-gascon-la-ficcion-siempre-tiene-un-punto-de-partida-el-desconcierto-1382867.html

29/06/2020 11:41 Antón Castro Enlace permanente. sin tema No hay comentarios. Comentar.

TRES POEMAS DE JOSÉ GABARRE

TRES POEMAS DE JOSÉ GABARRE
Incluidos en el libro 'Mi animal preferido eres tú', que ha publicado en el sello Los libros del Mississippi, 2019.

****

Hoy ha madurado la lluvia,
y en el vientre de los carniceros
la materia se convierte en esa estancia.
Sin llegar a beber lo que transita,
el tiempo no deja de ser una expropiación
(o ni tan siquiera eso)
Será esta la manera de anunciarse?

****

El agua jura su inocencia
se empequeñece en el sueño de los arrozales,
al ir a sumergir sus manos sobre sí misma
y deletrear las sílabas de los árboles por los que ha
ido pasando,
el anonimato de sus raíces aéreas,
las incógnitas de lo sagrado
al dejar de respirar.
Al despertar buscará las palmas de las manos abiertas,
ver a la luz descalza resumida en una hoja.

*****

[ÉXODO]

Las cicatrices de este lado de la alambrada
ayunan
sabiéndose pasto colectivo
tras un bosque de chimeneas que se eleva,
como los signos de la escritura
incineran el hambre a la que vestir.
Su carne que únicamente despierta al aproximarse el alquimista
recobra su límite en las palabras, que permanecen ciegas
al igual que los animales que aman a los violines
o las vértebras que en las líneas ferroviarias se dislocan
creando, a la entrada de los campos de refugiados,
una lenta migración de los glaciares.

*La foto es de Harry Callahan. 'Eleanor en el bosque'.

27/06/2020 08:38 Antón Castro Enlace permanente. Escritores No hay comentarios. Comentar.

SEIS POEMAS DE SÁNCHEZ VALLÉS

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SEIS POEMAS DE 'LOS SIGNOS EN EL AGUA': SÁNCHEZ VALLÉS
[Breve selección de poemas de Joaquín Sánchez Vallés de la antología de 99 poemas que acaba de publicar en el sello Pregunta de Reyes Guillén y David Francisco. 'Los signos en el agua', reseñada esta misma semana en 'Artes & Letras' en la red por José Antonio Conde.]
https://www.heraldo.es/…/joaquin-sanchez-valles-40-anos-en-…

Pájaros en la luz

No están sobre la luz:
la luz los atraviesa
con un rumor dorado.

Ni dentro de la luz:
solo hay luz en la luz,
como nada en la nada.

Tampoco estoy seguro de que sean
pájaros o promesas,
o piedras simplemente
que un ángel niño lanza al lago de los vientos.

A las horas más hondas del verano,
cuando la luz dibuja su clara geometría,
por un segundo cruzan
ingrávidos y ambiguos,
alas que baten entre nubes quietas,
cuerpos ligeros que el azar convoca,
donde se apiña el mundo y su estremecimiento:
pájaros en la luz,
vuela la vida.

Por un segundo cruzan en el aire,
por un segundo acaso el mundo está completo,
por un segundo escapan de nosotros,
como dioses minúsculos,
como tantas palabras que mueren a diario,
como tantas pasiones perdidas para siempre.

***

Somontano

Lomas verdes, sosiego de la encina,
yerbas de olor, caminos fatigados,
al fondo siempre un río en rocas grises,
el cielo azul. el monte azul,
los campos.

Este jardín abierto tiene nombres
de trigo y vid,
nombres para decir bajo un olivo
con la boca ocupada de pan blanco.

El río, el sol, el soto, la ladera:
cuando no quede sed para mis labios,
tal vez me recordéis, sierras de Guara,
montes de luz,
celaje que sostiene
el aire que no alcanzo.

*****

Yo lo veo

Yo lo veo:
todo el mundo te mira, te desnuda
con los ojos, se para cuando pasas,
te sigue y se te enreda como el aire
en la espuma del mar.

Tú misma me has contado
parte de tus amores primitivos:
cuando yo no existía
te acosaban incluso lesbianas y maricas.

Y no me extraña nada
que de ti se enamoren
los hombres, las mujeres, los perros y los niños…
Tengo entendido que hasta algún arcángel
empieza a lamentar su carencia de sexo.

*****

XX (de “El jardín y los páramos”)

Siempre escogí la senda del error.

Aquella que entre bojes
lleva a perderse en la montaña.

Yo sé que hay carreteras y largas pistas grises
que acaban en ciudades donde reina
el saber de los hombres.

Sin embargo,
siempre escogí la senda del error.

Así he tocado el abedul y el haya.
Así he mirado el gamo y el rebeco.
Así he sentido un mundo
en donde nada vale la vida de los hombres.

*****

XXV (de “El jardín y los páramos”)

Blanca luna,
agujero en el cielo que trasmina
la luz de un dios arcaico.
Resto
de un tiempo cuando no existía noche,
vieja luna que dejas
filtrar la transparencia
de una esperanza inalcanzable.

*****

Un lugar

Un lugar desolado, quizá España.
Un tiempo sin futuro, acaso ahora.
Una tierra infecunda y heladora,
campo propicio al cardo y la cizaña.

Una piedra que afila la guadaña.
Un hambre vieja que de nuevo implora.
Una rabia civil, sangre que aflora
al filo de la herida en que se ensaña.

Un silencio, tal vez el de tu aliento.
Un corazón vestido de fatiga.
Un espanto sombrío y violento.

Un puño que amenaza y que castiga.
En un yermo mordido por el viento,
donde jamás germinará una espiga.

*Esta foto se tomó en Huesca y pertenece a los archivos de Heraldo.

26/06/2020 08:58 Antón Castro Enlace permanente. Escritores No hay comentarios. Comentar.

FERNANDO SANMARTIN, UN DIÁLOGO EN TORNO A 'LA CONTARÉ LA VERDAD'

Hoy, en Heraldo, Fernando Sanmartín habla de ’Os contaré la verdad’.

https://www.heraldo.es/noticias/ocio-y-cultura/2020/06/22/fernando-sanmartin-el-amor-es-como-el-aceite-deja-manchas-1381730.html

 

Fernando Sanmartín (Zaragoza, 1959) es poeta, narrador, gestor cultural, columnista de HERALDO y, ante todo, un ‘flaneur’ a pie y en bicicleta, que ha ido consolidando una obra despaciosa y propia, repleta de elegancia y seguridad, que destaca por su mirada poética, por la originalidad de sus personajes, por el peso de la memoria, la huella de los viajes y la percepción del amor y de la mujer. Publica ‘Os contaré la verdad’ (Xordica), su segunda novela, y la presenta el martes 23 en Cálamo, en diálogo con Ismael Grasa y Eva Puyó por videoconferencia. Luego bajará a la librería a firmar ejemplares.

¿’Os contaré la verdad’ es la novela de un narrador o la novela de un poeta? No sé si ha tenido en cuenta eso…

-Hay narradores que cuando terminan una novela, sin mirarse al espejo puesto que no lo necesitan, alzan la voz y dicen: “¡soy la leche!” Nunca me ha sucedido eso, de verdad, qué pena. Los que venimos de la poesía somos, y parafraseo al crítico de cine Carlos Boyero, náufragos y soñadores. En definitiva, mi libro es la novela de un poeta. 

-¿Es Fernando Sanmartín un escritor escindido, poeta, articulista, narrador, cronista de viajes, o todo confluye en una formar de mirar y sentir?

- Lo importante es la escritura, conocer su origen, qué es lo que la empuja. Todos, sin excepción, necesitamos en algún momento protegernos del frío, de una llamada telefónica, de un matón o de un chiflado. Escribir es protegerse. Pero también es otra forma de mirar, un modo de comprender mejor lo que uno es y dónde estamos.

-¿Qué le da París, por qué otro texto que sucede en París que no solo es un escenario, sino probablemente el gran personaje?

-Las ciudades me gustan. Son, lo decía el pintor Max Beckmann, la gran orquesta de la humanidad. Beckmann murió en Central Park cuando caminaba hacia el museo Metropolitano de Nueva York, en el que exponía. París, en efecto, es escenario y personaje de mi novela. Es una ciudad donde he sido feliz. A los personajes de estas páginas también les gusta esa ciudad.

-¿Le había interesado alguna vez el triángulo amoroso, esa situación que suele desembocar en corazones rotos?

Lo que en el siglo XVII decía Pascal, aquello de que el corazón tiene razones que la razón ignora, es lo que le sucede a Thérèse, el personaje principal de este libro, una mujer que decide ser coherente con sus sentimientos, una mujer que se opone al hecho de que elegir signifique renunciar.

-La novela arranca con tres capítulos un poco independientes, casi de presentación…

-Los primeros capítulos contienen los retratos de sus personajes principales. Conocemos su presente, qué hacen, pero también lo que fue su ayer, su fortaleza y su fragilidad. Thérèse, por ejemplo, tiene treinta años. Pero tiene también un rotulador verde para colorear sus errores. Y dice que cada hombre tiene un sabor diferente. Dice que los hay que son como un sorbo de sidra. Pero que también los hay que parecen una copa de coñac dentro de un iglú. Busca la verdad y eso es difícil.

-Primero Jean, abogado, alejado de su padre, quiso ser astrónomo, más o menos enamorado del deporte. ¿Qué más e puede decir?

-Jean quería ser astrónomo. Ser físico le hubiera permitido conocer las órbitas que trazan los cometas en sus trayectos y saber qué son las estrellas de neutrones. Pero se hizo abogado, lo que hace posible conocer mejor al ser humano, aunque a veces el desconocimiento da tranquilidad. Su madre era una mujer de profundas convicciones religiosas. Le aconsejaba que al regresar de su despacho rezara unas oraciones. Su madre le decía que era necesario protegerse del sol, de las medusas, del agua estancada y de algunas mujeres.

-Luego Thérèse. ¿Qué nos puede avanzar de esta mujer, que acabará siendo la protagonista, la que sigue el lector?

    Thérèse tiene un padre que es un desastre, un actor muy conocido en Francia, rostro habitual en la entrega de los premios César, siempre con novias jóvenes. Y su madre es un gran apoyo, una mujer independiente. Sin quererlo, Thérèse se enamora de dos hombres. Descalza sus pensamientos y decide contarles a ambos lo que le sucede.

-Después Françoise, arquitecto. ¿Cómo lo retrataría?

- Françoise dudaba, de joven, entre ser pintor o arquitecto. Estuvo en Katmandú una temporada, con un gurú, y regresó. El gurú vio lo que había en él. Todos deberíamos hablar con un gurú. Y escucharlo. Le gusta Benny Goodman y sabe que el paso del tiempo es lo más sincero. Lo sabe porque el paso del tiempo confirma o niega nuestros deseos.

-¿Le parece que en una novela el minimalismo, la contención, el sugerir más que contar, es también una poética, la tuya?

-Lo que siempre me obsesiona es no aburrir a una lectora o a un lector, no cansarlos, de ahí que mis libros nunca tengan páginas excesivas. Me interesa también la precisión de la palabra. Soy consciente, y aquí sigo al profesor y poeta Alfredo Saldaña, que toda palabra está “expuesta a las inclemencias del tiempo histórico y a los embates de otra contrapalabra”.

Dice: “La verdad es un folio en blanco”. En una situación como ésta ¿se puede, se debe ser sincero?

-La verdad puede causar miedo. Por eso tememos a la muerte, al desamor o a un diagnóstico clínico. Es necesaria. Y la mentira, por mucho que algunos se empeñen, nunca podrá ser una “verdad alternativa”.

Llaman la atención las pequeñas historias, de la madre de Jean, del padre de Thérèse, de su amigo galerista, de su propio padre, fascinado por las actrices jóvenes… ¿Cómo hilvana todo eso, qué modelos de novelista tienes en la cabeza?

- En una novela deben convivir la trama principal con una suma de pequeños relatos. Eso mismo es la vida. Lo que no me interesa es que el plástico aparezca en mi escritura. Y no tengo modelos de novelista, lo que sí hay en mi cabeza son narradores a los que aprecio, desde Flaubert a Ignacio Martínez de Pisón, desde Stendhal a José María Conget o Antonio Muñoz Molina.

-¿Son las familias una acumulación de depresiones y ausencias?

- En ocasiones, lo son. Porque el ser humano es muy simple y muy complejo a la vez. Pero las familias pueden ser el último reducto donde refugiarse cuando el resto de los refugios han sido destruidos.

-El libro está lleno de imágenes no sé si decir osadas o inesperadas. “La inocencia es una maleta con harina que solo mancha si se abre”. “El pasado tiene botes de azúcar y bolsas de basura”. “He conocido a personas buenas que abrazan la religión como se abraza a un chico extraviado en la nieve?

-No es una búsqueda, pero forma parte de mi escritura. A veces me digo a mí mismo: “¡no seas tan pesado con las imágenes!”. Procuro contenerme y ni aún así. Había una frase, una imagen, que la taché y la recuperé después: las fotos suelen mostrar, al cabo del tiempo, lo que no somos. La frase, creo, no va desencaminada.

-¿Qué relación tiene el amor con el desorden?

- El amor es como el aceite, deja manchas.

-¿Cuándo una mujer es un chica remanso o un precipicio?

-Pregúntale a la noche y ella te dará la respuesta.

-Sin desvelar el argumento. ¿Cómo salva uno, ante sí mismo y ante los demás, las contradicciones?

-Siempre hay contradicciones. Las tiene el señor Pedro Sánchez y el eremita que vive en una cueva. Yo conocí a un sabio y en sus ojos había turbulencias. Thérèse, que tiene un mirlo debajo de la piel, como diría Blas de Otero, nos cuenta sus dudas y sus contradicciones, pero busca ser coherente con ella misma.

-Es un escritor reflexivo. En un sentido simbólico o metafórico, ¿cuál ha sido su aventura, qué quería contar o diseccionar?

 

    Quiero, en esta novela, profundizar en un concepto que, con diversos equipajes, vive en nosotros: el secreto. La novela es un trayecto, un viaje que va desde ese concepto esencial que es el secreto hasta la complicidad de la confesión.

-¿Escribir para Fernando Sanmartín es crear un realismo mágico de lo cotidiano, la lentitud y la vida interior, suspensa en los objetos y en la memoria?

- Escribir, lo mantiene Lobo Antunes, es estar más cerca de las emociones. Y este libro se abre con una frase suya: quien escribe mejor es el que corrige más.

- ¿Por qué en cada una de sus páginas, hay siempre dos o tres imágenes chocantes, raras, entre absurdas y poéticas como una greguería?

- No lo sé. Yo mismo me sorprendo de que eso ocurra. Hay cosas que se nos escapan. Y merece la pena brindar por ello. Al hilo, Gómez de la Serna mantenía que la Y es la copa de champaña del alfabeto.

-¿Cuál es el libro de amor que le habría gustado escribir?

-El barón rampante, de Italo Calvino, ejemplo de amor por la coherencia con uno mismo.

 

22/06/2020 07:43 Antón Castro Enlace permanente. Escritores No hay comentarios. Comentar.

NUEVO NÚMERO DE 'ROLDE', 172-173

Nuevo número de Rolde. Revista de Cultura Aragonesa

La publicación cultural aragonesa alcanza su número 172-173, un doble correspondiente al primer semestre de 2020 

Una obra del ilustrador altoaragonés Antonio Santos es la imagen del nuevo número de Rolde. Revista de Cultura Aragonesa: una entrega doble de 128 páginas con su habitual propuesta de investigación, divulgación y creación literaria y artística.

Abre este número de Rolde un editorial sobre la Ley de Derechos Históricos de Aragón, que da paso a un informe de la especialista en patrimonio industrial Pilar Biel en torno a la central térmica de Andorra, y a una entrevista al prestigioso médico y microbiólogo zaragozano Carlos Martín Montañés. Una mirada teatral al Criticón de Baltasar Gracián (a cargo de Pilar Sánchez Laílla) y un recorrido saraqustí por el misticismo musulmán del siglo XII (por Julio García Caparrós) ocupan las páginas siguientes.

Tras evocar Alfonso Plou la sostenida experiencia en los escenarios de Teatro del Temple, la periodista Esther Puisac recupera la singular peripecia vital del artista oscense Agustín Alamán. Así se da paso a una sección literario-artística constituida por poemas de Hèctor Moret ilustrados por Joaquín Ferrer Millán, poesía visual (“La Europa del aborigen”, con Víctor Guiu y Pedro Mata) y un breve ensayo del portadista, Antonio Santos, acompañado por numerosas muestras de su obra artística.

22/06/2020 07:05 Antón Castro Enlace permanente. Escritores No hay comentarios. Comentar.

POEMAS DE JOSÉ ÁNGEL HERNÁNDEZ

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CUATRO POEMAS DE JOSÉ ÁNGEL HERNÁNDEZ

 

 

*** 

Inicia la semilla

la ofrenda de su transformación

sin luz,

            en silencio.

 

*** 

 

Entre la tierra

                     que dejaste dentro

y aquella

               que nunca aprendió a verte.

 

Entre el aire

que impulsa,

que no se detendrá,

y aquel que nos abate.

 

Entre las buenas gentes

que alzan en silencio

los astros con sus manos

y aquellas que dibujan

                                  órbitas.

 

Entre quienes precisan, sin saberlo,

lindeles y burbujas,

y aquellos que aventuran

                                     su vacío.

A tientas,

los sueños,

                sin descanso.


***

 

¿Decidimos qué aire

acoge nuestros balbuceos?

¿Decidimos

                 la lengua,

                              su mirada,

símbolos, ritos, lazos?

 

Acerca el ser,

quizá,

cierta ruptura.

 

Si azar y circunstancias lo consienten,

podremos elegir

la tierra que morder,

a cuyo abrigo

                    confiar nuestros huesos,

por cuya levedad

                        se borren nuestras huellas.


****

 

Como un niño

           prendado

                    que descubre

partículas

                   de insólitos colores

                                               sin las cuales

el aire

        no sostiene

                         y en adelante

evitará su tacto,

                       pidiera

                                  comprensión

si no hay susurro

                           en el pasar

                                           de página,

si desoyera

                por entre las palabras

                                                vuestros pasos.

Disculpad

               si aún emprendo

                                       sin armas

ni bagaje

              otras miradas

                        —el único paisaje

de luz

          no detenida.

Inerme,

          en el aire,

                       la semilla acaba.

 

****

 

*Estos poemas aparecen en ’Pavesas’ y ’Lar’, el volumen que José Ángel Hernández Sánchez acaba de publicar en la colección Rayo azul de la Huerga & Fierro, colección dirigida por Enrique Villagrasa y Óscar Ayala. 

Enrique Villagrasa, consultado esta mañana acerca de la colección, me envía este texto.


UN «RAYO AZUL» IRRUMPE EN LA TINIEBLA POÉTICA

 

 

Cuando el otoño empieza a mostrar su rostro más oscuro, una sacudida editorial aspira a iluminar el cielo, más bien plomizo, de la poesía española. Estamos hablando de «Rayo Azul», la nueva colección dirigida por Óscar Ayala y Enrique Villagrasa por la que ha apostado una de las casas editoriales imprescindibles en la poesía española, Huerga y Fierro.

Nada más y nada menos que seis poemarios contundentes han desatado, simultáneamente, esa tormenta: Dije Luz, de Mar Benegas; Placeres y mentiras, de Mercedes Escolano; Pavesas y Lar, de José Ángel Hernández; Vikinga, de Isabel Tejada; Después, de Isabel Bono y En este momento que llamamos lugar, de Juan Antonio Tello. No cabe duda de que los responsables del proyecto han querido dejar constancia de la confianza con que afrontan esta criatura ajena a las modas, corrientes o esclavitudes comerciales, concebida como un «templo» para la poesía donde impera un solo criterio: la calidad. De ello dan muestra los casi dos años que han tardado en seleccionar los primeros libros y en dar con un diseño rotundo, limpio, mimado.

A este respecto, Antonio Huerga reconoce estar emocionado y sorprendido por el resultado. En esta colección se vuelca la esencia de lo que Charo y Antonio han aprendido en cuarenta años de oficio: «la oportunidad de mostrar nuestro grado de compromiso y de innovación que ofrecía dar a luz Rayo Azul precisamente ahora. Esa responsabilidad que obligaba a que el resultado tenía que ser una muestra de que la ilusión y la capacidad de innovar existe a pesar de los años que llevamos en la aventura de editar». Y es que, hay que reconocerlo, el equilibrio, el buen gusto y los detalles de los libros consiguen ser una prolongación de la acción creadora de los autores, no un simple contenedor de sus versos.

En cuanto a la línea de la colección, los coordinadores admiten que solo hay un criterio: la calidad. No hay preferencias ni límites, al menos declarados. Ambos se reconocen, sobre todo, como lectores de poesía, y han sido las reiteradas coincidencias ante la emoción contenida en determinados versos la que les ha llevado a retomar un proyecto que venía de hace tiempo y armarlo desde la casa de Huerga y Fierro. Si bien no faltan ni editoriales ni oportunidades para editar en este país, sí echaban en falta una colección de referencia, una colección a la que acudir sin temor a equivocarse, porque no cabe duda de que cualquier poemario de esta colección será excepcional. «Para publicar buena poesía -dicen- hay muchas editoriales y colecciones en España. Incluso para publicar poesía notable y hasta dudosa poesía hay muchas colecciones. Pero para publicar poesía excepcional no hay tanta, y el lector de poesía debe saber dónde puede acudir». Hay muy buenas colecciones, pero, desde la desaparición de alguna editorial ya legendaria, los catálogos de la gran mayoría se han ido llenando de libros que no son tan buenos. Hay que preservar alguna y no permitir que tenga fisuras. Los coordinadores han diseñado un sistema de selección con decenas de lectores previos que criban poemarios sin ningún tipo de referencia, para que no haya ningún condicionamiento en la selección. Así, autores consagrados podrán convivir perfectamente con jóvenes autores; es más, según confiesan, el único sentido, la única motivación que tiene cargarse con tanto trabajo, es ser los primeros en leer al que pueda ser el gran poeta del siglo XXI y facilitar a los lectores el acceso inmediato a su obra.

En cuanto a la insólita decisión de salir con seis libros de golpe, en noviembre, anunciando que en la próxima primavera se hará la segunda entrega con otros tantos poemarios tan rotundos como los primeros, los responsables confiesan que es totalmente premeditada. Su pretensión no es entrar en el mercado y competir por un lugar en una estantería semanal de algunas librerías escogidas, sino crear un fondo de libros siempre accesible y atemporal, como debe ser la buena poesía. ¿Para qué empeñarse en publicar un libro excelente que luego no va a ser distribuido o que en apenas unos meses va a ser inencontrable? Eso no tiene sentido. Un buen libro de poesía debe quedar al margen de la oportunidad, del interés, la moda e incluso de su tiempo y de su espacio, así que hay que preservarlo en un lugar construido específicamente para él. En cuanto al nombre de la colección, reconocen también, llegó solo, tras una noche memorable en que podrían haberse bautizado otras cien colecciones: cuando llegaron a «Rayo Azul» y se percataron de que, además de todas sus connotaciones, precisamente un rayo azul (blu-ray) fue lo que vino a sustituir al DVD, y que este era el nombre de la ya legendaria editorial que dirigió Sergio Gaspar, decidieron homenajear también, aunque fuera muy lateralmente, a un proyecto como aquel. «Debemos la vida —dicen— a los que han dedicado la suya a la poesía, tanto a crearla como a hacérnosla llegar. Todos ellos forman parte de este equipo».

 

 

 

 

 

 

 

21/06/2020 06:47 Antón Castro Enlace permanente. Escritores No hay comentarios. Comentar.

MUERE RUIZ ZAFÓN EN LOS ÁNGELES

Fallece a los 55 años Carlos Ruiz Zafón. 

Amplia nota de Planeta.

Carlos Ruiz Zafón (Barcelona, 1964-Los Angeles, 2020)

 

Carlos Ruiz Zafón es uno de los escritores más reconocidos de la literatura contemporánea y el escritor español más leído en todo el mundo después de Cervantes. Sus obras han sido traducidas a más de cincuenta idiomas y han recibido los principales galardones literarios.

 

Carlos Ruiz Zafón nació en Barcelona, el 25 de septiembre de 1964. Tras estudiar en los Jesuitas de Sarrià, cursó estudios de Ciencias de la Información y fue un brillante director creativo de agencias de publicidad, hasta que a principios de los noventa decidió trasladarse a Estados Unidos y dedicarse de lleno a la literatura.

 

En 1993 se da a conocer con El Príncipe de la Nie­bla, Premio Edebé, considerada como una de sus mejores novelas juveniles y que conforma, junto a El Palacio de la Medianoche y Las Luces de Septiembre, la Trilogía de la Niebla. En 1998 publicará Marina, quizás la más personal de todas sus obras.

 

En 2001 publica la novela La Sombra del Viento, obra que le encumbrará a nivel mundial y que es el primer libro del cuarteto El Ce­menterio de los Libros Olvidados. Esta saga literaria incluye: La Sombra del Viento (2001), El Juego del Ángel (2008), El Prisionero del Cielo (2011) y El Labe­rinto de los Espíritus (2016); todo un universo literario que se ha incorporado a la literatura universal. 

 

«La voz de Ruiz Zafón es de una originalidad a prueba de bomba. La Sombra del Viento anuncia un fenómeno de la literatura popular española». La novela llevaba escasas semanas en las librerías cuando Sergio Vila-Sanjuán escribió esta afirmación en La Vanguardia en junio de 2001. Ese mismo año se imprimieron cinco ediciones, pero el auténtico fenómeno no había hecho más que empezar. Durante varios años La Sombra del Viento fue el libro más vendido en España y su publicación vendría acompañada de una enorme popularidad y acogida de la crítica en Italia, en Francia, en Holanda, en Alemania, en Reino Unido, donde The Times y The Guardian coincidieron en calificarlo como un nuevo “clásico contemporáneo”… y así hasta un total de cincuenta países, incluido Estados Unidos, donde The New York Times comparó a Zafón con García Márquez, Umberto Eco y Jorge Luis Borges.

 

Cuando se publicó la segunda entrega de la tetralogía, La Sombra del Viento había superado los diez millones de lectores, y se había hecho un lugar en la historia de la literatura. Tanto es así que, en 2014, Penguin Classics al escoger 26 clásicos de la historia de la literatura universal (tantos como letras del abecedario) para una colección conmemorativa, otorgó la Z a La Sombra del Viento. Ruiz Zafón, en compañía de Charles Dickens, Jane Austen, Marcel Proust y James Joyce, entre otros.

 

Autores de primer orden saludaron la personalidad de su literatura, como Stephen King, que escribió: «Si alguien pensaba que la auténtica novela gótica había muerto en el XIX, este libro le hará cambiar de idea. Una novela llena de esplendor y de trampas secretas donde hasta las subtramas tienen subtramas. En manos de Zafón, cada escena parece salida de uno de los primeros films de Orson Welles. Hay que ser un romántico de verdad para llegar a apreciar todo su valor, pero si uno lo es entonces es una lectura deslumbrante.»

 

El recibimiento de El Juego del Ángel y El Prisionero del Cielo no fue distinto: «Proclamo a Zafón, el Dickens de Barcelona, el escritor actual más dotado para el arte narrativo.» afirmó el Corriere della Sera. Y el Usa Today añadió, «Ha reinventado lo que significa ser un gran escritor. Su habilidad visionaria para narrar historias ya es un género en sí misma».

 

En 2016 se publicó su última novela y colofón de la tetralogía. Se trata de El Laberinto de los Espíritusuna magistral obra que dota a todo el proyecto narrativo de una fuerza arrebatadora y le da pleno sentido al personal universo zafoniano. Aplaudida en todo el mundo, le valió, entre otros, uno de los recibimientos más cálidos que se recuerdan en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, México, con el homenaje de miles de lectores.

 

El Cementerio de los Libros Olvidados se ha convertido en un símbolo universal de la defensa de la lectura, de la pervivencia de la memoria a través de los libros y del refugio de aquellos que creen en ellos.

 

Además del entusiasmo de millones de lectores y del aplauso de la crítica, los libros de Carlos Ruiz Zafón han recibido numerosos premios en todo el mundo.

19/06/2020 10:00 Antón Castro Enlace permanente. Escritores No hay comentarios. Comentar.

DE FELLINI Y JOSÉ LUIS VILALLONGA

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Federico Fellini y José de Luis Villalonga: un diálogo-cuento de dos fabuladores / hipnotizadores de la palabra

 

Elba publica una larga conversación del periodista, actor y aristócrata con el cineasta alrededor de la infancia, el mar, el cine, el amor

 

 

El pasado 20 de enero se cumplía un siglo del nacimiento de uno de los grandes magos del cine: Federico Fellini (Rímini, 1920- Roma, 1993), autor de películas tan diferentes como ‘Il Vitelloni’, ‘La dolce vita’, ‘La strada’, ‘Casanova’, ‘Ocho y medio’ o ‘Amarcord’. En 1972, José Luis de Vilallonga (1920-2007), y también estamos en su centenario, publicó en francés un libro de entrevistas, ‘Gold Gotha’, que se tradujo en España en Barral editores en 1974. Entre los textos figuraba una pieza excepcional: ‘Los espíritus de Fellini’, una entrevista-relato que acaba de reeditar en solitario el exquisito sello Elba, que dirige desde Barcelona Clara Pastor.

El prologuista Ernesto Hernandez-Busto define el texto como una entrevista-relato. Y lo es, desde el principio al final. Es como un cuento de ese formidable narrador que es Fellini, que explica muchas cosas de su vida, de su cine antes de que se dedicase al cine, de su forma de ver el mundo: la infancia, los padres, la ciudades (Rímini y Nápoles, Florencia y Roma), los primeros amores, la fascinación por los culos de las mujeres y ese mito privado de La Saraghina, tan vivo en ‘Amarcord’ (dice Fellini: “Después de la Saraghina, solo he amado de manera serena a mujeres de gran trasero”), los cementerios y la muerte, el fascismo, el cómic, la caricatura o Giuletta Massina, la mujer de su vida.

¿Cómo se hizo esta diálogo de cuento, este reportaje fascinante? Parece una minuciosa elaboración que quizá el propio Fellini revisase. A Villalonga, un gran memorialista, también era aristócrata y actor (aparecía en ‘Giuletta de los espíritus’), Fellini lo llamaba Luigini y debían citarse a cualquier hora y en cualquier circunstancia: en medio de un rodaje, en un bar, en un paseo, pero también el cineasta lo llamaba a horas intempestivas para acotar un recuerdo, una imagen o unas cuantas ideas.

Fellini dice que no inventa nada, pero se maneja a las mil maravillas en “la trampa del cuento fabuloso”, como apunta José Luis. Casi resulta difícil creerlo. Envuelve su vida en hechizo permanente, en puro deslumbramiento. Su existencia resulta tan excepcional como un cuento de hadas o de puro pánico, especialmente en relación con los sacerdotes y la iglesia. “Federico Fellini cuenta como se contaba antaño. Pausadamente. Maravillado. Tiene gestos que sirven para abrazar el mundo y miradas secretas que le sirven para ocultar su corazón. Son los gestos y miradas de un mago hipnotizador, o los de un trágico desiluisonado que se burlara con gracia de la verdadera trascendencia de su relato”. Agrega: “Cuenta salmodiando. Como una plañidera árabe o un bufón turcomano. ¿Sueña con los ojos abiertos? ¿Miente con toda su alma? ¿O tiene, sin más, reminiscencias, viejos sueños encantados de esos que se guardan toda la vida en algún cajón secreto de uno mismo”.

Rímini está vinculada a Ariosto y a Dante. Y a los nombres de los aristócratas italianos, que el niño repetía por las esquinas como un poema. Habla de la fascinación que sentía por el mar, el “mar-mujer. Más fuerte que los hombres que lo surcan. Más fuerte que su desconfianza”, ese espacio que será el territorio de acogida de “mujeres muy altas, con ojos de porcelana, rubias cabelleras al viento, muslos dorados, vientres planos y pechos firmes ya se bañan de mañana en el mar glacial”. Explica su fascinación por el ‘vitellone’, “indolente, pesimista por naturaleza, desilusionado, soñador en cierto modo, un sabio que desprecia la filosofía"-, es un producto típicamente italiano”, que sería el equivalente al señorito español; le dedica varias páginas y dice que eran sus “amigos de infancia”, una infancia dominada por tres elementos: “el Mar, el Circo y la Iglesia”.

Narra sus sueños (soñó durante una época con una “diosa enigmática” y años después llegó a su vida: era Anita Ekberg), describe la vida licenciosa de los turistas, la relación con su padre, que al final de su vida se convirtió “en un ferviente admirador de mis películas”, o la figura de su tío Alboino, interesado por el ocultismo.

Las páginas dedicadas a la misteriosa Saraghina, que era un espectáculo para los niños, son extraordinarias. Un cuento fantástico donde se alían el despertar, el asombro, la desmesura y la curiosidad del erotismo. La mujer del culo más grande del mundo, que lo exhibía ante los chicos, también cosía y descosía redes, y tenía “una voz de niña. Un hilo de voz. Muy puro, muy claro, muy tierno. Por un instante amé a la Saraghina”. Con ella, confiesa, descubrió el pecado a los ocho años. Fellini, consciente tal vez de que su copioso anecdotario no es fácil de asimilar, dice a su interlocutor: “¡Te juro que soy absolutamente incapaz de inventar!”.

Otro de los episodios que conmueven es cuando cuenta el entierro de su abuela y recorre la paz del cementerio. Allí descubrió “un mundo donde todo es posible, digno, fácil y tranquilizador. El mundo de los muertos”. Agrega: “Para mí, la Muerte debe suponer un nuevo comienzo. ¿Cuál sería, de lo contrario, el significado de nuestra vida? Volví muy a menudo al cementerio de mi abuela. Continúa siendo el mismo oasis de paz y de olvido. El lugar ideal para meditar y soñar. Quizás, también, el único lugar sobre la tierra donde conocía instantes que rozaron la perfección”.

Su historia de amor con Bianchina, su primera novia, es conmovedora. Es embrujo, pasión y desilusión, una auténtica película de las ilusiones de la adolescencia. Dice: “A Bianchina le gustaban los cuentos con locura. Descubrí con éxtasis que la vida es más real cuando se cuenta que cuando se sufre. Así que yo contaba y contaba… Bianchina me escuchaba, asombrada”. Y una conclusión que extrae de aquella experiencia a los quince años, que incluye fuga de casa y un viaje en tren: “Comprendí, de manera misteriosa, que el amor que se siente hacia una mujer es directamente proporcional a la fascinación que ella siente por nosotros. Si la admiración mata al amor, porque es fruto de la razón, la fascinación lo exacerba, porque procede del alma”.

Los espíritus de Fellini’ avanza y avanza con una atmósfera mediterránea de ‘Las mil y una noches’. Y se cierra sin que casi aparezca el cine. Antes hubo muchas más cosas: el dibujo, la caricatura, la publicidad, el periodismo, Mussolini, y una inesperada aparición femenina: Giulietta Masina, a la que amó de inmediato tras escucharla en la radio.

Una última confesión que es en sí misma un poema: “Me gusta tanto la noche. La noche es la parada definitiva de las inquietudes de la vida. Imagino la muerte parecido a esto, con estrellas, árboles, una luna siempre redonda y casas habitadas por espectros discretos”. En este libro, breve y magistral, esos espectros hablan todos en la voz de Fellini y de Villalonga, que es, por lo menos, un testigo muy activo, “contradictorio, esteta, vividor”, y unholgazán que trabajaba mucho”, tal como lo definió el poeta y crítico literario Luis Antonio de Villena.

 

LA FICHA

Los espíritus de Fellini. Un café en Piazza Navona’. José Luis de Vilallonga. Traducción de Eduardo Gudiño Kieffer. Prólogo de Ernesto Hernández Busto. Elba. Colección Minor. Barcelona, 2020. 117 páginas.

 

19/06/2020 08:31 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

UN DIÁLOGO CON MARIANO ANÓS

MARIANO ANÓS

 

«No creo que el arte esté para dar lecciones, sino para hacer alguna que otra pregunta»

«De lo que no se sabe es mejor opinar lo menos posible y confiar en quienes parecen saber»

 

«He escrito muy poco y no he pintado. La poesía siempre anda por ahí esperando salir»



Actor y dramaturgo, pintor y poeta, nacido en Zaragoza en 1945. En 2019 obtuvo el premio Especial del Jurado de 'Artes & Letras' a su trayectoria. No suele parar. A diario, como un antiguo rapsoda, ofrecía poemas con su característica voz. Así ha dialogado con su cautividad.

¿Tres meses de confinamiento es una realidad o una obra absurda de Ionesco o Samuel Beckett?

Más bien de Beckett: ‘Rumbo a peor’.

¿Qué han tenido de kafkiano?

La vida en general es bastante kafkiana. Algo de ‘La metamorfosis’ y algo de ‘El proceso’ pueden tener que ver con cómo esta pandemia ha extremado algunas situaciones ya existentes. Y también, cómo no, ‘En la colonia penitenciaria’.

Algunos autores como Camus, Sartre o el propio Javier Tomeo habían planteado casos paralelos. ¿Pensó en ellos?

No especialmente. Más bien, por no variar, me vienen a la cabeza clásicos como Shakespeare, Chéjov o Calderón. Sin necesidad de que el argumento remita directamente a una situación como esta, siempre hay en los grandes autores aspectos, apuntes, fragmentos que encuentran un eco, directo o indirecto pero siempre están ahí, esperando la ocasión de asaltar la memoria.

¿Cómo se enfrenta un actor a un hecho así? ¿Creía lo que estaba sucediendo?

«Y soñé que en otro estado más lisonjero me vi», claro. La vida de un actor no se diferencia especialmente de cualquier otra. Tal vez en una conciencia un poco más clara de que lo que llamamos «yo» es un personaje que imaginamos coherente. Y lo de «creerse el personaje» siempre me ha parecido una expresión poco afortunada.

¿Qué ha hecho de especial, cómo se ha mantenido en forma, cómo ha ensayado?

No soy precisamente hiperactivo, así que poca cosa, menos de lo habitual, que no es mucho. Algunos mínimos ejercicios de estiramiento y algunos paseos cuando ha sido posible. Por lo demás, algunas lecturas dispersas, series, películas… Ensayos propiamente dichos ninguno. No había empezado ningún montaje nuevo y los que se han aplazado requerirán algún reensayo cuando se concreten fechas.

¿Cómo se le ocurrió leer todos los días? ¿Cuál era el objetivo de recitar a Machado, Garcilaso, Blas de Otero y otros?

Empecé un poco casualmente, sin ningún plan. Me fui dando cuenta de que podía ser útil. Para otras personas, pero también para mí, desde luego. Un efecto de este encierro ha sido tener cierta dificultad para mantener la concentración en lecturas largas. La poesía sí que me ha permitido releer a muchos autores queridos e ir seleccionando algunos, sin ninguna pretensión de canon ni mucho menos. Solo decidí excluir traducciones de otros idiomas y excluir también a poetas actuales, más o menos amigos.

Mariano Anós es poeta y pintor, entre otras cosas. ¿Ha escrito, ha pintado?

He escrito muy poco y no he pintado nada. La pintura la había dejado aparcada ya hacía unos meses. En todo caso siempre he dejado períodos de abstinencia. La poesía anda por ahí esperando salir; quizá el tener un libro reciente le aconseja esperar, y ella es la que manda.

No ha parado… ¿Qué le han dado y qué les da a las redes sociales?

Me dan sobre todo la posibilidad de mantener un cierto contacto con personas que, sean o no propiamente amigas, me interesan y me aportan algo. También son una fuente de información que, con los filtros necesarios, permite conocer algunas cosas que quedan fuera de los medios tradicionales. ¿Lo que yo les doy? Procuro no dar mucho la tabarra, ser conciso, compartir lo que me parecen puntos de vista útiles para seguir pensando. También, naturalmente, difundir publicaciones o trabajos en los que participo. Y a veces algún chiste.

En períodos así, ¿es cuándo se ve la utilidad o la necesidad de la cultura, la importancia que tienen el arte y la creación? ¿Han dado alguna lección los artistas?

Es posible que quienes ya la valoraban la valoren más, aunque seguramente quienes vivían de espaldas seguirán haciéndolo igual. No creo que el arte esté para dar lecciones; más bien, para hacer alguna que otra pregunta.

¿En qué sentido la tuya es una profesión precaria o más precaria que las demás?

Es una profesión en la que solo un diez por ciento, como mucho, puede vivir de su trabajo. Y eso a saltos, con suerte. El mayor problema, en este país, no tanto en otros, es la falta de continuidad. No es solo un problema económico, sino también artístico, por la dificultad de trabajar en proyectos que no dependan de un resultado inmediato.

¿Qué pasa en el mundo y en las ciudades cuando se cierran los teatros, los cines, los museos?

Es una amputación dolorosa, sí. Es una vida triste.

Ha sido crítico con los críticos al Gobierno. ¿Por qué?

Sin duda hay críticas fundadas, pero el 90% al menos de las que se hacen se harían igual si las decisiones fueran totalmente diferentes. Se hacen por el hecho de quiénes están en el gobierno, no por lo que hagan o dejen de hacer. Y finalmente se trata de quién grita más.

¿Qué elogia y qué critica de la gestión de la pandemia?

Ni elogio ni critico, dado que todos mis conocimientos en materia de sanidad se reducen a ser hijo de farmacéutico. De lo que no se sabe creo que es mejor opinar lo menos posible y confiar en quienes parecen saber algo.

¿Saldremos de ésta más perturbados o con nuevos ánimos? ¿Cómo sale usted?

No tengo mucha fe en eso de la crisis como oportunidad. En cuanto a mí, por ahora diría que más perturbado, pero espero encontrar nuevos ánimos.

¿Qué le ha conmovido o qué le ha decepcionado de la reacción privada pública y política de estos 90 días?

Fueron especialmente conmovedores los primeros días de aplausos en los balcones. Creo que, además de ser los primeros, contribuían las condiciones: no había ruido de tráfico, se podía escuchar a los pájaros, a las ocho ya era de noche y la iluminación también tenía un papel. Decepciones políticas, las previsibles, aunque no tanto, no tan irresponsables.

Estaba a punto de estrenar el cortometraje ‘Solo’. ¿Qué nos puedes avanzar?

Es pura casualidad que se trate de un personaje solitario encerrado en casa. Fue un rodaje muy emotivo, en el que sin decir una palabra pasaban muchas cosas, y estoy muy agradecido a Lorenzo Montull. Lástima que haya habido que aplazar el estreno, como tantos otros.

Se ha hablado mucho de la falta de libertad. ¿Hemos redescubierto también la soledad? ¿Qué ha echado en falta?

Soy muy de abrazos y besos. Eso. La libertad nunca es total y siempre es insuficiente, pero es cuestión de aprovechar lo mejor posible la que nos toca. Con la soledad (sin abusar) nunca me he llevado demasiado mal.

 

«De lo que no se sabe es mejor opinar lo menos posible y confiar en quienes parecen saber»

 

«He escrito muy poco y no he pintado. La poesía siempre anda por ahí esperando salir»

 

 

14/06/2020 15:25 Antón Castro Enlace permanente. Entrevistas No hay comentarios. Comentar.

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