Artistas

ICIAR BOLLAÍN, EN HUESCA 2012

Iciar Bollaín, Premio Ciudad de Huesca 2012

“Los festivales son fundamentales y los de cortos más”

La directora madrileña es la protagonista esta noche de la gala de inauguración del 40º Festival Internacional de Cine de Huesca

 

PRENSA. Sergio Sánchez Lanaspa / Ainhoa Arteta

Foto: Jorge Dueso

“Los festivales de cine son fundamentales y los de cortos más, son el único lugar que tienen los cortometrajistas para mostrar su trabajo y son un punto de encuentro fundamental de directores, críticos y público”. Así ha definido la cineasta Iciar Bollaín el papel que los certámenes de cine tienen en la actualidad, defendiendo la continuidad de las muestras que, como el Festival Internacional de Cine de Huesca, están haciendo todo lo posible por mantenerse y ofrecer una buena programación. La directora madrileña confía en que “el Festival de Huesca resista y se mantenga”.

La directora y actriz Iciar Bollaín es la gran protagonista de la jornada inaugural del 40 Festival Internacional de Cine de Huesca. A partir de las 22.30 horas de esta noche, Iciar Bollaín recogerá, en el Teatro Olimpia, el Premio Ciudad de Huesca en la gala inaugural del certamen. Será el reconocimiento que el Festival de Huesca brinda a la cineasta española por una trayectoria en la que según ha considerado la propia homenajeada, en el encuentro que este mediodía ha mantenido con los medios de comunicación en la Diputación Provincial de Huesca, “tengo mucho que aprender y mucho camino todavía por recorrer”.

Bollaín, con su natural cercanía, se ha mostrado “halagada y muy orgullosa”, por recibir el Premio Ciudad de Huesca y ha reflexionado sobre el momento actual que atraviesa en nuestro país el mundo del cine. “Lo que más desamina es el trato que se le da a la cultura en este país, creo que el cine debería ser más valorado; en Francia es una bandera y aquí no es considerado así”. Aunque para la directora madrileña lo más preocupante y lo que más desamina de la situación actual es, “ver lo que está ocurriendo con Sanidad, Cultura o Educación, son cosas que ha costado mucho tiempo conseguir, que ahora están desapareciendo delante de nuestros ojos, además, y que va a costar mucho volver a recuperar”.

La directora ha aplicado esa visión crítica también a su profesión: “Está cambiando la percepción de los espectadores y los directores tenemos que reflexionar sobre qué tenemos que hacer y cómo podemos llegar al público”. Su método es, “comprometerme con lo que hago, intento hacerlo bien y reflejar las cosas que están pasando y que interesan a la gente”. Aunque Bollaín insiste en que, “yo aún estoy en el camino y me queda mucho por aprender”. Por ello, la entrega del galardón Ciudad de Huesca y el hecho de compartir reconocimiento en esta 40ª edición del Festival oscense con Sthepen Freas, que recibirá el Premio Luis Buñuel en la jornada de clausura, es “todo un orgullo”. “Lo sigo desde joven y estar a su misma altura para mí es todo un lujo”, comentaba.

En estos momentos Iciar Bollaín se encuentra valorando el próximo proyecto en el que se va a embarcar: “Estoy entre dos historias y estoy pensando por cuál tirar”. Y en esa valoración la directora tendrá muy en cuenta que “los directores tenemos que contar cosa que vayan a entusiasmar a la gente, pensar en cómo se va a ver nuestro trabajo en Roma, en París o en Tokio y si tú irías a ver esa película al cine; esto es lo primero”.

La directora madrileña se ha referido también a la visión que fuera de nuestro país se tiene del cine español: “Realmente interesa y mucho, aunque la lástima es que aquí no se aprecie así”. Y sobre el futuro, la cineasta ha considerado que, viendo los problemas actuales de financiación que tienen los largometrajes, “quizás se hagan más cortos y documentales”. Aunque desde su punto de vista, “todo debería convivir, las películas que compiten en los Oscar y el cine más experimental”. Porque para Bollaín, que también ha dirigido cortos, este formato más pequeño es, “excelente, te da posibilidades distintas y tienes menos presión que en los largometrajes”.

Pero si hay algo que para la directora de “Katmandú, un espejo en el cielo” tiene un papel fundamental en el futuro del cine eso es Internet y los nuevos medios y recursos existentes: “Ya no hay excusas para hacer cine, ahora hay muchas posibilidades en Internet y muchos formatos, puedes grabar y editar tu mismo; si realmente quieres hacer cine, lo puedes hacer; además en la Red es más barato y tienes mayor libertad”.

Iciar Bollaín ha finalizado su encuentro con la prensa firmado una fotografía suya en blanco y negro que ha dedicado la muestra oscense: “Para el Festival de Huesca mucho ánimo y adelante!!”, ha deseado la cineasta el certamen.

ALDO BAHAMONDE, EN ZARAGOZA

 

[Este martes, 12 de junio, en la calle Canfranc 22, en la sala de Exposiciones de  Bantierra, se inaugura la exposición de Aldo Bahamonde, un artista nacido en Santiago de Chile y afincado en España. Por invitación de Carlos Buil y Ricardo Marco he escrito en el catálogo.]

 

 

PINTURA Y TIEMPO DE LA OTRA REALIDAD

 

Antón CASTRO

 

Desconozco si a Aldo Bahamonde le interesa el teatro y el mundo de Anton Chejov. Y sospecho que sí porque en su pintura hay muchos títeres y actores y una idea plástica de representación. Ambos ponen en práctica algo muy particular: en sus cuentos y en sus cuadros están lo que se ve y una suerte de iceberg que se mete hacia el fondo, pero que late y que se ensancha en nuestro cerebro y estremece nuestra piel. Aldo Bahamonde es un pintor de lo visible y de lo invisible: de lo que vemos todos, de lo que ve solo él y del presentimiento, de lo que adivina. Es el pintor del matiz extremo, de la transparencia, de la soledad sonora, del silencio. Dice: “Vivo el realismo, pienso en realista”. Y ahí hay una poética de artista seguro de sí mismo, confiado en el despliegue de su mundo, un creador que se derrama, en color y sueño, con contención y con lentitud.

Medio en serio, medio en broma, Aldo Bahamonde ha dicho que es tan lento que hasta él se aburre ante sus cuadros o sus dibujos. En realidad, quiere decir que como otros maestros del realismo –Muñoz Vera, Antonio López, Cristóbal Toral, los pintores del siglo XIX como Pradilla, Fortuny...- la suya es una pintura que se hace con pinceladas de tiempo, con intensidad y pasión a lo largo del espasmo de los días, y que esa actitud y esa certeza están presentes en su lenguaje.

Aldo Bahamonde hace pintura en el tiempo y pintura de su tiempo. Pintura de su entorno, de las pequeñas cosas, de los gestos cotidianos, de las peripecias familiares o escolares, de los hallazgos. Hallazgos de luz y contraluz, de un espacio, de un rostro, de un desnudo que se atreve a mostrarse sin perder del todo el pudor. La suya es una pintura que busca el equilibrio del color, la armonía de la composición, el diálogo de los elementos, una elegancia constante y sin afectación. Es una pintura natural de alguien que sabe mirar y que extirpa de cuanto mira un relato, un estado de ánimo, los matices convulsos, la calma inefable.

Hay otro detalle esencial que define a este artista, que ha vivido en Tenerife y vive en Madrid y que ha colaborado con el cineasta Miguel Littin: es un pintor con historia. O, digámoslo de otro modo: es un pintor con antepasados. Dialoga constantemente con los clásicos, desde Botticelli a Velázquez y Sánchez Cotán, desde Francisco de Goya, uno de los artistas esenciales de su vida, a Egon Schiele, Paul Klee, Piet Mondrian y Giorgio Morandi. Todos ellos están en su memoria visual y aparecen de forma natural en sus cuadros, quizá porque Aldo Bahamonde es un pintor de muchos géneros, de continuas aventuras, de búsqueda y refutación. De ahí también que el término fidelidad encaje bien con su obra: fidelidad a lo que observa, a lo que sueña, a cuanto arrastra y ha asimilado. Fidelidad a sí mismo: su pintura y sus dibujos son su mejor autorretrato. Tan precisos como el autorretrato que figura en la muestra.

Aldo practica y ha practicado todos los géneros: el retrato, el desnudo, el bodegón, el paisaje, la estampa urbana. Y en cada uno de ellos, en cada una de las obras que realiza, está su personalidad: pasional, emotiva, pero también pausada, introspectiva, sensual y narrativa. Aldo Bahamonde es un pintor pintor y un pintor narrativo. Un pintor que disfruta con el pincel, con el óleo, con la materia, con la untuosidad, con las texturas, con el impacto cromático, con el desarrollo del concepto estético. Y es un narrador: en sus obras hay un relato, una atmósfera, un universo de matices y de gestos. Se percibe cuando hace desnudo: mira. Mira. Busca. Goza. Y busca la conmoción del mejor daguerrotipo. A veces puede prescindir de la cara, como prescinde del cuerpo para entregarnos solo los zapatos. Es su homenaje a la carne, a la piel, a luz palpitante, a la potencia del desnudo que se exhibe. Las mujeres se atreven a mirar al artista y al espectador -lo hace Eva, desnuda o ante el espejo-, y lo hacen con esa suavidad de quien se muestra tal como es, pero también con el sosiego dulce de un animal tranquilo que es sorprendido en su intimidad. El ojo se estremece y se enamora.

Eva ante el espejo.

Aldo también presenta en esta muestra su serie de bodegones. Los expertos hablan de Velázquez, de Sánchez Cotán, etc. Los tiene en la cabeza, como tiene a los artistas flamencos. Pero a sus temas –la huerta, las calabazas, las cebollas, el tomate, las granadas...- les aplica su mirada personal: la artesanía de su invención, la constancia de su observación detallista. Logra piezas que hacen pensar en Morandi y en su intensidad y en su afán invencible. El pintor pinta y pinta obsesivamente hasta encontrar la pureza cristalina, una perfección remansada que tiene el aliento del mar, el temblor de la vida. Un ejemplo perfecto son sus bodegones de velas y de cristales. Qué concisión, qué belleza, qué claridad de composición. Sugiere Inma Chacón que la pintura de Aldo Bahamonde posee una música oculta que, una vez revelada, invita a bailar. Aquí la música es callada, mística, como si se hubiera evadido del ‘Cántico espiritual’ de San Juan de la Cruz. Querría llamar la atención sobre los bodegones de la granada o de la cebolla, este tan original, tan próximo a la libertad visual y cromática de Klee. Es como si el pintor se desmelenase hacia un arte que orilla la abstracción, algo que sucede también en el tratamiento de los fondos de algunos desnudos. Ahí Aldo se acerca en la pintura abstracta, pero también a la forma geométrica, muy meditada, a la manera de Mondrian.

Morfeo.

Aldo Bahamonde es un pintor onírico. Un pintor de relatos oníricos, y eso se percibe especialmente en dos piezas: ‘Interior’ y ‘Morfeo’. ‘Interior’ es un ejemplo perfecto de su pintura y de la tensión con que elabora el clima, el contraluz, el aura de trascendencia, el anhelo de fijar una imagen para siempre. Y ‘Morfeo’ es un cuadro sobre el sueño y los ángeles, sobre el mito, pero también es una pieza que contiene el ardor y el hielo, la realidad y el espejismo, la fragilidad de una luz lunar y la calidez del crepúsculo, el poder de la mirada y la exactitud del encuadre, la precisión inefable de la belleza.

Si hay una obra que define a Aldo Bahamonde y la medida de su ambición es ‘El entierro’, inspirada en la muerte de su padre, de origen gallego. En él, el artista dialoga con los cuadros de Historia y con la pintura narrativa del siglo XIX. Es un cuadro sobre el abatimiento y el dolor, sobre la melancolía y el recuerdo, es una elegía interpretada por diez personas que miran el féretro: algunos están como ausentes, otros tristes sin más, otros parecen decir: “No somos nada”. Son, como ha dicho el pintor, “diez personajes con frío, de pie ante la tierra y a la intemperie”. ‘El entierro’ es una obra cumbre de un pintor que va más allá del realismo. Mucho más lejos. Como Chejov. Detrás de lo obvio, tan elaborado, está la detonación: la llamarada del espíritu, de la emoción y de los sentidos. La realidad solo es la primera puerta de acceso al misterio, la otra realidad.

 

CÁSEDAS, EN LA SALA PILAR GINÉS

El pasado día 10 de mayo, en la sala Pilar Ginés, inauguraba su última exposición Antonio Cásedas, un pintor inscrito en el realismo mágico o en la nueva figuración. Se titula ‘Crepúsculosy amaneceres en el jardín del tiempo’. La muestra estará hasta el 17 de junio.

Antonio Cásedas ha escrito este texto:

 

El canto del plateado río fluyendo hacia el mar se unía en oculta armonía al del profundo bosque, donde llegaba la luz brillando como estrellas en los ojos de un niño.
 
Una brisa alegre movió la calma y agitó mi túnica... El gran pájaro azul en su silencio no daba respuesta a mis preguntas, me envolvió por un momento en una mirada dulce e irónica y se perdió en la espesura.
 
Me interné tras él, en un mundo de grandes templos, elevadas bóvedas vegetales y obscuros corazones de dragones verdes. Los insectos, flores y frutos fulguraban como gemas en un mosaico multiforme. En los árboles de mutante aspecto comenzaban a vislumbrarse hermosas mujeres de ondulantes cabellos. Los rugosos troncos tornábanse en rosada piel y blanda carne y de sus brazos-rama pendían en hilos de plata gorjeantes aves el paraíso.
 
Mis pies sentían levemente las doradas escamas del camino que como un interminable reptil, serpenteaba incansable; al fin desembocó en un océano de verdes olas coronadas de lirios. Más allá del cual, en las rojizas rocas llenas de extraños bajorrelieves y emergentes figuras, se abría la penumbrosa gruta hacia la que se dirigían las flotantes hadas.
Musité interiormente la vieja canción del catálogo de Cásedas:
 
              “Ven amigo.
              Cazador de estrellas.
              Levanta de tu lecho de olas verdes.
              Sacúdete las algas, las rosas y los vientos, y ven....
              Buscaremos inmersos en los profundos bosques.
              A la ninfa petrificada en su silencio sonoro.
              Quizás nos guíe, acompañada por un pequeño cantor.
              Más allá de las puertas doradas en la luz.
              A la ciudad donde no reina el cierzo.”
 
Mientras un sonido nuevo. Como un tañer de bronce, ascendía a las nubes despertando a los petrificados guardianes del umbral, que en su negrura era como el contrapunto y el apoyo a las claras andas que lo circundaban.
Repicaban alegremente las campanas del alba.
Pero...no, no son las de San Miniato...”El Bendita y alabada sea la hora” resonaba en los vientos.
 
El creciente rumor de arrecifes acabó convirtiéndose en fragor de coches en el sucio asfalto.
Y mientras los sueños se deshilachaban en fragmentos de remoto contento danzando dentro de mi cabeza, salté del sofá y salí a la calle a toda prisa pues apremiaba el tiempo para llegar al colegio de mi hijo para darle un beso, un abrazo y una merienda.
Sorteé con dificultades un ciclomotor en un paso de cebra y corrí tras el 32 que se alejaba raudo a Santa Isabel.
Conseguí subir a bordo y mientras aspiraba taquicárdico bocanadas de aire y de vida...
El plateado río fluía hacia el mar......

 

RICARDO CALERO EN CAIXA FORUM

Recibo esta carta de Ricardo Calero, que estrena en Madrid su vídeo ‘Inundar el mar’: “Te anticipo algo de  información sobre la presentación del vídeo Inundar el mar..., que con motivo de su estreno en Madrid, dentro del festival de vídeo creación VIVA Collections on Tour, tendrá lugar en Caixa Forun de Madrid y paralelamente en la Galería Raquel Ponce durante los días 24, 25 y 26 de mayo.”

El Festival de videoarte VIVA llega a Madrid

 

El festival internacional VIVA, Vital Internacional Video Art se celebrará los días 24, 25 y 26 de Mayo de 2012, en la sede de CaixaForum Madrid, con obras de artistas de 22 países.

Organizado en colaboración con comisarios internacionales, galerías, coleccionistas e instituciones, VIVA, ha constituido una red de artistas internacionales, cuidadosamente seleccionados e invitados personalmente a participar.

VIVA se exhibe de forma itinerante en los principales museos y centros de arte del mundo como el Centre Pompidou de Paris, el Hara Museum de Tokio o el MoCA de Seúl, entre otros, y ahora se presenta en Madrid en la sede de la Fundación la Caixa. Entre los principales artistas que se podrán ver en la sección oficial en la Fundación La Caixa, destacan Yang Fudong - Francis Alÿs - Shirin Neshat – Yusuke Sakamoto - Pipilotti Rist –  Reynold Reynolds - Bruce Nauman – Martha Colburn - Ricardo Calero -  Ruth Gómez - Ana de Alvear - Anthony Goicolea o  Marina Nuñez. Las sesiones serán de un solo pase diario a las 19`30h.

Coincidiendo con la exhibición del programa de VIVA Madrid en CaixaForum, se celebra VIVA OFF 2012, un proyecto en paralelo en el que participan 22 galerías de Madrid que exhibirán obra de creación audiovisual contemporánea.

La Galería Raquel Ponce presenta durante los días 24, 25 y 26, de mayo el vídeo “Inundar el mar…” (versión 4:33), del artista Ricardo Calero.                     

Paralelamente se realizarán, charlas y presentaciones relacionadas con la temática del vídeo que se comunicarán oportunamente.

  

 Inundar el mar…     

 

 

Mediante la metáfora del “viaje” de unos pasaportes, se “hace visible” una de las dramáticas realidades de la sociedad actual. También esta metáfora sobre la identidad, hace referencia a cada una de nuestras vidas, identificadas con nombre y numero…. El proyecto ha sido realizado a lo largo de diez años, 2001-2011. Cada año 365 pasaportes eran lanzados al mar desde una barca, para hacer después el seguimiento del viaje de esas “identidades”, de su travesía a la deriva entre las aguas…

 

Buena parte de la obra artística de Ricardo Calero y la poética de sus intervenciones y acciones, se realizan en y sobre el territorio, lugares especialmente elegidos donde lleva a cabo proyectos cargados de simbolismo y reflexión en torno al arte y la sociedad.

RECORDANDO A RITA HAYWORTH

LA BELLEZA INOLVIDABLE DE RITA HAYWORTH

El pasado lunes día catorce se cumplieron 25 años de la muerte de Rita Hayworth, nació en Nueva York en 1918 y murió en la misma ciudad en 1987. Era hija del bailarín sevillano de Castilleja de la Cuesta Eduardo Cansino y debutó en la escena a los trece años. Adoptó el apellido de su madre Volga, con la incorporación de la Y, y realizaría una importante carrera en Hollywood. Su principal película fue ‘Gilda’, pero además actuó en ‘Sangre y arena’, ‘Salomé’, ‘La bella del Pacífico’ o ‘Mesas separadas’, entre otras muchas, y también en ‘La dama de Shangai’, que rodó con su marido entonces, el segundo, Orson Welles. Aunque en realidad fue una mujer marcada por ‘Gilda’, de ahí que dijese una de sus frases más felices: «Todos los hombres que conozco se acuestan con Gilda, pero se levantan conmigo». Fue un auténtico mito, un símbolo sexual, una mujer deslumbrante, quizá uno de los seres más hermosos del cine de todos los tiempos. Se casó cinco veces, fue madre de dos hijos, era más bien tímida y delicada fuera de la escena, y padeció la enfermedad de Alzheimer.

'EL ENEBRO' DE LOS GRIMM

Hace unos días me encontré con el ilustrador y editor Víctor Gomollón de Jekill&Jill en Los Portadores de Sueños. Llevaba su última y deslumbrante novedad: ‘El enebro’, un relato de terror, familia y antropofagia que recogieron los hermanos Grimm hace ahora dos siglos en una compilación de cuentos populares, de cuentos de hadas. El cuento mezcla la vida familiar (un marido y su esposa y dos hijos: niña y niña), la sombra de un enebro, el odio y la obsesión, el canibalismo y el miedo, el crimen y una curiosa y alada resurrección. El libro, traducido con pulcritud por Jessica Aliaga (que también es editora de este sello), lleva un prólogo del poeta y narrador Francisco Ferrer Lerín, que vincula el enebro y el cuento con su propio mundo de monstruos y de botánica. Está bellamente ilustrado por Alejandra Acosta, una joven chilena que parece realizar una especie de grabado de época, tocado con un detalle de color en rojo. El libro es una auténtica maravilla: el más logrado, artística y artesanalmente, de un sello que se caracteriza por su buen gusto y que trabaja con uno de los grandes impresores de Aragón y de España: Francisco Boisset de Sansueña. Y tiene, como suele ser habitual en la editorial, una sorpresa. O dos, si pensamos que se reproduce el cuento en versión original con una tipografía de época.

*Esta foto está tomada del blog de la editorial.

LA MOV DANZA EN EL PRINCIPAL

MOV: TALENTO DE DANZA EN EL PRINCIPAL

La Mov presenta su último espectáculo en el Teatro Principal, hasta mañana domingo. La MOV, con Víctor Jiménez a la cabeza de un equipo joven y entusiasta que exhibe un bagaje importante a sus espaldas, es una compañía que trabaja mucho, como recuerda hoy Carmen de la Figuera en la crítica de ‘Heraldo’. Trabaja, ensaya, estrena, colabora con bailarines, coreógrafos, etc., intenta abrir caminos cada día a la creación. Mercedes Penacho me envía esta pieza, entre otras, que pertenece a ‘Momenta’, la coreografía de Víctor Jiménez, en la que él mismo sale a bailar un instante. Es una foto de Arancha Benedi Mas.

LA VENTANA DE VENUS: EL BLOG DE ARTE DE MERCEDES PENACHO

La periodista, experta en arte y marketing Mercedes Penacho tiene un bonito blog, donde atiende muchas de sus pasiones: la creación artística y Francisco de Goya, pintor al que le ha dedicado páginas y páginas de estudio y reflexión. Actualmente colabora con la compañía de danza La Mov.

Se llama: http://laventanadevenus.wordpress.com/

Este es uno de los últimos artículos que ha publicado.

 

 

(Visiting the Metropolitan and not die trying.

See English Version below)

¿Es usted de los que cuando visita un gran museo trata de meterse entre pecho y espalda cinco siglos de la historia mundial del arte en una mañana? Entrar en templos enciclopédicos como el Louvre, el British Museum de Londres o el Museo del Prado pueden acabar convirtiéndose en una especie de paseo sin rumbo en el que el visitante desemboque en un estado de ansiedad y frustración, y que experimente un particular síndrome de Sthendal, queriéndolo ver todo sin deleitarse con nada.

Pongamos por ejemplo el Metropolitan. El museo neoyorkino cuenta con 17 departamentos de conservación y alberga dos millones de obras de arte en 5.000 años de historia. La propia institución lo advierte: “¿Pretende verlo todo en un día? Buena suerte con ello”.

Para evitar que la visita acabe en la extenuación, el Metropolitan ha creado el What´s your Met?, una aplicación específica vía web con la que el visitante accede a las obras de la colección on line, selecciona las que le interesan y crea Su Met, un pequeño museo personalizado que puede compartirse vía email o redes sociales. Así, la institución facilita la experiencia museística, la convierte en una verdadera visita personal y hace a los fans divulgadores de la institución.

Para promocionar la aplicación, el Met se ha servido de un elenco de personalidades de reconocimiento internacional, que cubren espectros profesionales variados para conectar con distintos perfiles de visitantes, como la arquitecta Zaha Hadid, la cantante Alicia Keys, el diseñador Marc Jacobs o el jugador de baseball latino Álex Rodríguez, entre otros. Así, la premio Pritzker de arquitectura compendia obras que muestran “ángulos, curvas, formas: el lenguaje de la arquitectura”, mientras que para Alicia Keys, que elige objetos de distintas culturas y tiempos, “subiendo las escaleras del Met instantáneamente estás conectado con cientos de años pasados a ti, y cientos de años futuros”.

Estatua de la reina Hatshepsut, en el Met

Visiting the Metropolitan and not die trying

Are you one of those visitors that try to deborate thousands of masterpieces just in one morning when visiting a huge museum? Entering enciclopedic temples of art such us the Louvre, The British Museum or The Prado can turn into a sort of wondering around aimlessly leading the visitor into a state of anxiety and frustration, experiencing a specific Stendhal syndrome that urges to see everything without enjoying anything.

For example, the Metropolitan Museum in New York has 17 curatorial departments and houses two million works of art rangeing 5,000 years of history. The institution itself knows it and warns: “Do you mean to see everything in one day? Good luck with it”. In order to prevent the visit endingin exhaustion, the Metropolitan has created the What’s your Met?, a feature on the website with which the visitor accesses the collection on line, select and store the ones that interest , and make his own My Met, a small custom museum that can be shared via email or social networks. Thus, the institution promotes the museum experience, provides a personal visit and makes of true fans disseminators of the institution.

To promote this tool, the Met has used a cast of internationally renowned personalities who over different professional spectra. The aim is to connect with different profiles of visitors. Therefore, the architect Zaha Hadid, the singer Alicia Keys or the latino baseball player Alex Rodriguez , among many others have participated in the promotion of this tool. Thus, the Pritzker Architecture Prize gathers pieces that show “angles, curves, shapes: the language of architecture”, while for Alicia Keys, who chooses objects from different cultures and times, “This isn’t a museum. This is life. Walking up the steps to the Met, you are instantly connected to thousands of years behind you and thousands of years ahead of you”.