Artistas

CANO, HIJO PREDILECTO DE ZARAGOZA

José Luis Cano, con Jorge Gay y Los violadores del Verso, entre otras personas, ha sido elegido Hijo Predilecto de Zaragoza. Mañana explica en Zaragoza qué siente por Zaragoza y cuáles son sus lugares favoritos. A estas horas, estará leyendo esta respuesta en el salón de actos.

Este es el texto de agradecimiento que leeré esta tarde en el acto correspondiente.

 

Autoridades todas, vecinos de Zaragoza, foranos, compañeros de los medios de comunicación en el ejercicio de vuestras funciones… Queridos hermanos: Felicidades.

 

Señoras y señores:

Las efusivas palabras de don José Manuel Alonso me han recordado el día en el que Plácido Serrano me presentó a Chumy Chumez, explicándole todo lo que hacía y hago. “Pues, si hace tantas cosas, es que le pagan todas mal”, sentenció el sabio.

 Hace unos meses, rechacé recoger la medalla de Defensor de Zaragoza porque estaba muy enfadado con este Consistorio; porque desde pequeño tengo fobia a los cuadros de honor y porque me considero indigno de semejante título, ya que como defensor, soy una ruina.

Señoras y señores: Todo lo que he defendido de Zaragoza ha caído arrasado bajo la piqueta, la sierra mecánica o la desidia. Salvo el Mercado Central, que yo recuerde.

Como diría Quevedo, ruina seré, mas ruina descarada, que aún se atreve a plantearles un reto: ¿Por qué no colocan una placa conmemorativa en la casa natal de sus hijos predilectos? Comprendan que me atrevo a planteárselo por la sencilla razón de que mi casa natal cayó hace tiempo bajo la piqueta.

 Confieso que he llamado a esta ciudad de todo menos bonita. Hasta llegué a perpetrar un libro titulado Zaragoza y editado en Valencia, para demostrar que tengo más razón que un santo. Después, me propusieron hacer lo mismo con otras ciudades y me negué en redondo porque, señoras y señores, madre no hay más que una.

 Que, pese a todo, Zaragoza me considere hijo predilecto suyo, me emociona hasta el extremo de no poder ni pensar en la posibilidad de que, con semejantes antecedentes, la predilección que siente la Ciudad por mí sea la misma que siente cualquier madre por el hijo tonto.

 

Acepto, además, el título, con la tranquilidad de conciencia que me da el saber que este democrático Ayuntamiento, por no caer en el feo vicio del nepotismo, jamás encargará una marca de la Ciudad o cualquier otra promoción a ninguno de sus hijos, ya seamos predilectos o de los otros.

 Señoras y señores: Imitando tan cosmopolita proceder, acabaré con una cita del cantautor madrileño Rosendo Mercado, repitiéndola una y otra vez, aun a riesgo de afrontar los rigores de la SGAE:

Que tengo tantas cosas que decir

Y tú, como si no fuera contigo,

La historia se repite y aún así

prometo estarte agradecido,

prometo estarte agradecido…

 

Muchas gracias

 

*La foto de José Luis Cano es de Vicente Almazán.

 

TERESA SALCEDO: PAISAJES SOÑADOS

 

Conozco a gente que piensa que los pájaros son animales repulsivos. No hallan en ellos nada elogiable y no entienden a esos poetas que les han escrito magníficos poemas, desde Leopoldo Lugones a Pablo Neruda, desde Saint-John Perse a Andrés Trapiello. La pintora Teresa Salcedo ama los pájaros y su leyenda, y ama los paisajes tamizados de luz y de sutileza, que tienen un pie en ‘La pradera de San Isidro’ de Goya, en la obra de Caspar David Friedrich y en el arte oriental, escurrido de atmósferas. Desde hace más de un lustro trabaja en el proyecto ‘Silencio peregrino’ (se expone ahora en Aragonesa del Arte), que es una colección de paisajes, con o sin pájaro, con o sin árbol, cuyos cielos están tocados de misterio, de montañas nevadas o de una diluida veladura de oro. Teresa Salcedo construye paraísos, tránsitos para el caminante y para el soñador, y lo hace con una exquisita elegancia, con una rotunda tensión plástica. Son tiempos para hablar de crisis, y ella lo hace casi como en un gran criptograma. Aquí está el llanto, aquí el dolor, aquí la violencia, y en todo, en todo está la pintura que alcanza una hermosura inefable. Una hermosura inefable que también denuncia el paro, la desesperación, la injusticia, y que se plantea  a su modo la alianza entre la realidad y la ficción. Teresa Salcedo conoce su oficio, posee técnica e inspiración, se rebela, grita, y al final se remansa en suavidad y en un árbol con alas que intenta zafarse del abismo. Estos días han muerto seres entrañables como José Notivol, Zeika Viñuales (hija del pedagogo Evaristo Viñuales, presa de la Gestapo), Rolando Mix Toro y Mariano Forns. Ojalá que ellos encuentren el solaz definitivo en lugares como los que pinta y sueña Teresa Salcedo. Paisajes de la imaginación que acaban por volverse reales. Paisajes intemporales para el alma.

*Teresa Salcedo expone estos días en la sala Aragonesa del Arte y muy pronto inaugurará una instalación impresionante en la Casa de la Mujer.

ISABEL PINTADO, POR XOÁN ABELERIA

O CREADOR NO SEU OBRADOIRO

 

ISABEL PINTADO, A CAROA DA LUZ

 

A pintora expón unha nova serie na Galería Sargadelos de Ferrol

 

Agochado tralo meu abecedario electrónico, abesouro unha obra da que moito gusta a súa artífice: Isabel Pintado. Unha muller nada en Madrid (“onde estudei Belas Artes, especializándome en gravado”) pero afincada dende hai lustros n’A Coruña (“onde realmente me desenvolvín coma artista”). No papel, ama(n)sado polas súas mans, buliga unha cidade. O trazado minucioso das casas, das galerías, dos soportais insinúa que se trata dunha vila galega, mentres que as ondas violetas, grises, vermellas, a parte do mar abstraído na banda inferior evoca Venecia. Mais se falo desta peza concreta non é porque agora aboie na miña estancia, coma un lebiste nun acuario, senón porque quintaesencia case que tódalas virtudes que os estudosos, os amantes da alquimia de Pintado adoitan loar. Para entendérmonos: esta creadora é coma a fusión de Gentileschi e Goncharova. De Belloto e Zóbel. Da figuración máis clásica e a abstracción máis lírica. E iso envolto nun halo estrañísimo, abofé, coma o dos enigmas de De Chirico ou de Magritte. Acougo e desacougo asemade.

                                                                 De cativa, Isabel Pintado era célebre no colexio “polo ben que retrataba as miñas compañeiras; de feito, lémbrome debuxando dende sempre”. Agora, o primeiro que chama a atención, que esperta admiración ó visitar calquera das súas mostras é o dominio que posúe non xa da técnica canónica senón das múltiples técnicas que ela está a filtrar para inventar a súa propia “mestura de técnica gráfica e pictórica”. Óleo, acrílico, collage, pan de ouro, estarcido, retallos de tea ou de papel son algúns dos moitos “vehículos” cos que Pintado está a percorrer a súa peculiar vía. “Secasí, o meu labor non é tan matérico coma, por exemplo, o de Tàpies. A min interésame máis a veladura, a textura que deixa albiscar o que hai debaixo”. Un elemento especialmente curioso é a incorporación ós seus lenzos de frases soltas, escritas a lapis, auténticos versos. Mensaxes cifradas (“tócate a luz e devén ouro”) coma enviadas polo propio cadro á súa médium, que “normalmente xorden de maneira automática, intuitiva, e que veñen sendo un resumo da sensación que quero transmitir. Amais, cada vez aparece menos a figura humana nas miñas obras, e eses flashes que me tocan son un xeito de humanizalos.”

                                                                 Sensación é talvez o termo que máis repite esta creadora. E iso, a súa arela de “transmitir sensacións, emocións, máis que ideas ou conceptos”, semella ser o que está a levala da figuración á abstracción total. Agora asegura atoparse “nunha etapa intermedia, con certo medo ó baleiro”, na que, como vemos, poden convivir unha mazá daliniana, perfectamente pintada, madurecendo no peitoril dunha fiestra case que hiperrealista, cunha paisaxe pola que ben podería pairar o espírito de De Stäel.

                                                                 Ó tentar describir ese algo que perciben dentro dos cadros de Pintado (o célebre “no sé qué que queda balbuciendo”), algunhas persoas falan de silencio; outras de quietude; outras do paso do tempo; outras de metafísica, outras, en fin, do puro e duro misterio. Ela prefire definilo coma “a maxia que entrañan tódalas cousas”. Algo que sen dúbida é froito do xeito en que Pintado amece cadora o mundo interior (a parte figurativa, curiosamente) e o exterior (a parte abstracta, normalmente), “tentando expandilos”, engade ela, “cara a dentro e cara a fóra, para integrar a persoa que fita o cadro ata o punto de que poda pasear por el”. Ás veces mesmo eliminando a suposta linde que os divide, co cal consegue pasar dese realismo máxico tan sumamente evocador a ese superrealismo do que ela recoñece ter bebido. Coma n’A duna, unha obra moi lautréamontiana na que, no canto “do encontro casual entre un paraugas e unha máquina de coser nunha mesa de operacións” ollamos un escritorio con varios obxectos meditando encol del en metade dun areal. “De feito, moitas veces inclúo nos meus lenzos imaxes que enxergo nos meus soños”.

                                                                 Para soñar é precisamente o título da exposición que se inaugura o día 2 de outubro na Galería Sargadelos de Ferrol. Unha suite sobre a relación entre a pintura e a literatura. “O libro, como tal, xa apareceu en varias obras miñas anteriores, mais agora quixen facer unha serie íntegra sobre as diversas vivencias que nos provoca a lectura; o libro visto coma un obxecto que nos leva a soñar, a viaxar, a imaxinar, a sentir”. A entrar alén. Xalundes. Coma as propias xeiras de Pintado.

Un dos descubrimentos desta fermosa aventura é a espiritualidade da cor negra, “que aquí simboliza case sempre a noite, o momento de recollerse”, no senso anímico do termo, “pois a serie está estruturada en cadros de día, digamos, e cadros de noite”. O outro achado é o dos dípticos, xa que, neste feixe en concreto, semellan de seu libros abertos. “No fondo do que estou a falar é da procura á que nos impulsa calquera obra de arte en xeral, e a vida mesma en si”, di ela. Sabendo que en realidade non existe ningunha meta que non estea xa en nós.

MAPI RIVERA: PERIFERIAS / 2

Otra de las imágenes de Mapi Rivera que se han manejado para presentar el Festival Periferias es ésta, que forma parte de una nueva serie de la artista oscense instalada en Barcelona.

MAPI RIVERA: CARTEL DE PERIFERIAS

Hace unos días, avancé aquí la programación de Periferias, el certamen que dirigen en Huesca Luis Lles y Juanjo Javierre. Ayer, Mapi Rivera, responsable del cartel, me enviaba el tema central del mismo. Una de sus creaciones poéticas, de gran sutileza expresiva, en torno a su propio cuerpo. Mapi Rivera se siente muy vinculada a artistas como Ana Mendieta.

EMILIO ABANTO: ADIÓS A UN PINTOR

"Emilio Abanto fue un hombre intensamente bueno, mejor aún: intensamente decente. Ha muerto admirablemente: solía decir que a él le había tocado la lotería del cáncer y no cargaba las tintas sobre ello. Fue un hombre cariñoso y atento, entrañable, que hizo de la pintura su vida". Así define el pintor Pepe Cerdá a su amigo Emilio Abanto (Zaragoza, 1960), que falleció ayer. Pepe Cerdá recordaba que habían coincidido en varios sitios desde los catorce o quince años, y que habían trabajado juntos, incluso pintando aparatos de circo, "con mucho gusto y mucha calma".

No es fácil encontrar muchos datos de Abanto: estudió en los Escolapios, se matriculó en Medicina, pero pronto se sintió tentado por el dibujo, por el cómic y la ilustración. Después, inclinado hacia el sueño de la pintura, compartió estudio con Cerdá y otros (Luis Salas, Vicente Dolader, etc.) en la calle Ramón y Cajal 7, luego en San Pablo 6 y más tarde en la plaza de San Domingo.

A principios de los 80, cuando proliferaban los grupos artísticos en la ciudad, Emilio Abanto participó en el colectivo Zotal junto a Carmelo Ramos Rebullida, Juan Sotomayor, José Vicente Royo, Anabel Gandú y Luis Salas, entre otros. Su pintura era muy personal, con esos muñecos de grandes cabezas y rostros, que hacían pensar en Keith Haring, o con esas series de peces, que se convertían en elementos simbólicos y a la vez en su iconografía más obsesiva. Abanto solía frecuentar el Bonanza, donde expuso, con amigos como Fernando Moles, Iris Lázaro y Eduardo Laborda, biógrafo del café de la bohemia artística.

En el volumen 'Pintores de Aragón' decía que había aprendido mucho en los talleres de Luis Salas, Fernando Moles y Pepe Cerdá, que ahí había tenido "su mejor escuela de pintura". Aseguraba también que su currículo eran sus amigos, "el Bonanza y el mar". Trabajó en cultura en el Gobierno de Aragón. Realizó exposiciones individuales (una de las más importantes fue la de 1997 en la Casa de la Mujer) y colectivas, entre ellas 'Pintura aragonesa a la escuela', coordinada por Manolo Val.

 

*Redacté esta nota que ayer apareció en Heraldo. Hablé con Emilio Abanto el pasado junio: le llamé para pedirle una ilustración para ‘Artes & Letras’. Me dijo que la haría a la vuelta del verano. Copio también cuatro comentarios de amigos y conocidos de Emilio Abanto, y doy las gracias por el cariño hacia Emilio, la mayoría lo conocíais más que yo, y por las correcciones.

 

• Patxi (16/09/09 21:50)

solo puedo decir que siento mucho el fallecimiento de Emilio que comparto que fué una persona muy buena y sobre todo siento haberme enterado tarde si hay algun lugar despues de este te deseo que te encuentres en el mejor de los sitios. Mi mas sentido pesame a toda su familia y amigos. No te olvidare gracias por todo.

• LuiS SALAS GIMENEZ (16/09/09 19:49)

Todos los que hemos vivido y compartido periodos importantes de nuestras vidas con Emilio sabemos que Emilio era ante todo persona integra. Emilio tenía muchos amigos, pero Él era el amigo que siempre estaba allí. El viernes pasado estuvimos con Emilio, nos enteramos tarde, hoy ni siquiera te hemos acompañado, esta mañana Juanjo Vázquez nos daba casualmente la noticia de que te habías ido, sin avisarnos, desapercibido, sin darte a entender, con la humildad y la honestidad que siempre has demostrado, como persona y artista. Un gran dibujante y magnífico pintor. Como dice Moncho, los que te queremos y hemos compartido 40 años contigo, siempre estaremos orgullosos de haberte tenido como nuestro mejor Amigo.

• José Ramón Mañeru (16/09/09 14:28)

Tiene razón Pepe Cerdá. Emilio ha sido bueno y decente, extraordinariamente bueno. Durante casi cuarenta años de relación, pasamos por épocas de mucho contacto o de muy poco, pero siempre ¿y nunca se lo confesé¿ le admiré por su valentía para hacer lo que creía que tenía que hacer (aunque no fuera lo más conveniente y políticamente correcto, como dicen ahora), me atrevo a decir que hizo siempre lo que le dió la gana. Dejó la carrera de Medicina porque no le interesaba; dejó un ¿trabajo seguro¿ en una multinacional porque le aburría tremendamente; ultimamente pleiteó con la Administración por lo que creía que era justo. Le gustaba dibujar y pintar y hablar con sus amigos. Y ahora, probablemente, la cultura oficial se acuerde de Emilio Abanto. Donde esté, si está en algún sitio ¿además de en la memoria de sus amigos? Descanse en paz. Nota: El estudio-local-lavandería de la calle San Pablo lo compartíamos con otro Dolader ¿sobrino de Vicente ¿ Juan Carlos Dolader.

• Pablo (16/09/09 07:19)

Yo recuerdo de Emilio, entre otras cosas, el tremendo cabezón del monje que pintó en "El Refectorio", emblemático garito de finales de los 80, al lado de San Pedro Nolasco, sus cuadros de cabezas redondicas (el señor Bill Gates lo plagió vilmente para sus emoticones del Messenger) y sobre todo, esos carteles que aun se ven por las piscinas con recomendaciones a la hora de tirarse un chapuzón...

 

*No he podido encontrar una foto de Emilio Abanto. Le despido con esta obra de Jean Loup Sieff de 1990: la bella contempla el taller del artista.

 

ANTONIO ÁLVAREZ: LOS PINTORES DE UN PINTOR

Fue el músico Carlos Satué quien me puso tras la pista del pintor e ilustrador Antonio Álvarez. Cuando vi su obra le dije, de forma idéntica al galerista y fotógrafo Pepe Rebollo: “¡Cuántos pintores hay en ti!”. Es cierto. En Antonio Álvarez hay varios artistas. O mejor: hay, ante todo, un pintor que va y viene por campos abiertos y encrucijadas, un pintor que no se afana en tener un estilo sino en hallar estilos, sesgos, manchas, emociones. Antonio es un pintor que enreda, que inventa, que disfruta con los materiales, con los secretos del oficio. De entrada, es un amanuense: alguien que se embadurna los ojos, el corazón y las manos con el paisaje, con lo que se ofrece, suntuoso o untuoso, ante esa mirada hambrienta de formas, de destellos, de instantáneas y de texturas. Y es también un trabajador que desprecia el cansancio o la tiranía del tiempo: crea, investiga, busca, con la paciencia del orfebre, con la voracidad de quien desea someter, temblor a temblor, ondulación a ondulación, todas las luces de las estaciones.

Donde mejor se ve a Antonio es en su estudio. Tiene dos, en realidad. Uno, en los bajos de su casa, en su bodega, repleta de marinas, de horizontes, de flores, de figuras insinuadas, de juegos con la madera, de mosaicos que copian a la vertiginosa acuarela segmentos de la naturaleza. Ahí, con esa pulsión incontenible que en él es pasión por la vida, connivencia con el misterio, opera con frenesí, a golpe de intuición, con gestos, con huellas de sombra y de luz sobre el papel, el lienzo o la madera. Ahí nos encontramos al pintor intimista y variado, que no se conforma con nada, que no se conforma con hacer siempre variaciones sobre un único tema. En la muestra se percibe claramente esta línea de investigación de Antonio Álvarez: asómense a sus plantas, a sus terrenos, a sus vaguadas, asómense a los campos desmayados y ocres donde el fuego alinea los trigales, alza muros o sigue las líneas de fuga de lontananza. Asómense a sus mares y a sus noches. Ahí se percibe qué es un pintor y el enigma de la pintura en formatos pequeños: aguadas, tintas chinas, carbones, óleo, acrílicos... Antonio Álvarez se sitúa en el centro del mundo con toda la ebullición de las imágenes.

Hay otra parte fundamental de Antonio: su condición de pintor hiperrealista que explora la huella de la decadencia en el paisaje urbano, el olvido que se instala en las casas decrépitas como un lamparón. Estas obras son tan minuciosas que Antonio invierte muchos meses en cada una de ellas. Las realiza en su taller exterior, más luminoso y despejado, a la técnica de la acuarela, de gran formato. La claridad del jardín germina y se instala en las piezas, con lentitud, con la costra de un oro viejo o el aroma de un ponche de siglos. Ahí, con calma y concentración, pincelada a pincelada. Antonio Álvarez alza sus paisajes, sus ruinas, sus bellezas demolidas o heridas por el inexorable paso de las horas y la fecundación del pasado.

En esta muestra está Antonio Álvarez al completo. El soñador, el místico, el artesano incansable del color. Aquí está un hombre de acción que encierra el mundo en el gesto de la mano y descompone, para todos, su hermosura y sus desgarros.

*Antonio Álvarez copia una obra de Francisco Pradilla. 

 

RETRATO DE LUIS FELIPE ALEGRE

No se habla mucho de él, pero siempre anda por ahí, con un libro de versos, con un folio en el bolsillo y con un sinfín de sueños, como si fuera un adolescente eterno anudado a un cigarrillo de liar, oloroso y finísimo, tan efímero como un suspiro. Luis Felipe Alegre forma parte del paisaje cultural de la ciudad. Es sigiloso, tiene algo de galápago observador, de hombre paciente que oye, sonríe levemente, como si lo hiciera hacia dentro, y concibe un montón de proyectos para sí y para los otros. Para los poetas y los músicos. Para los actores y los titiriteros. Para los cuentistas, o romanceros (tal como se diría en Aragón), y para los artistas. Aunque rebasa en poco la cincuentena, lleva más de 35 años anudado al canto, a la palabra: cree en la belleza y en la intensidad, considera pertinente la denuncia, el grito y la rebeldía, se declara republicano. En cada una de sus funciones siempre hay inconformismo y búsqueda, siempre se nota cómo arroja una botella al mar de las emociones compartidas. Luis Felipe Alegre tiene su campo-base, si así puede decirse de alguien que usa alma ambulante y atuendo de insomne, en el bar Aragón: allí lee la prensa, repasa a sus poetas favoritos (Gelman, Benedetti, Miguel Hernández, Miguel Labordeta, García Lorca, Rosendo Tello, que le reveló la palabra iluminada de las metáforas), toma notas, concibe espectáculos, sueña odiseas por Latinoamérica. Una de sus obsesiones ha sido tender puentes entre Aragón y España y la otra orilla: lo hace sin pereza, con ilusión, como quien parte a reencontrarse con una familia emigrada. Hay en esta vida seres que siempre están ahí: enfermos de creatividad, desvelados, como un árbol carnal en medio del paisaje de la tempestad. Luis Felipe Alegre es un árbol que cobija las palabras y las expande con un silbo de afirmación desde Zaragoza.

*Luis Felipe Alegre, retratado por el entusiasta, infatigable y talentoso Vicente Almazán, el nuevo cronista visual de Zaragoza y sus gentes.