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Antón Castro

Músicos

IV CURSO DE CANTO ELVIRA DE HIDALGO 2015 EN VALDERROBRES. BALANCE

IV CURSO DE CANTO ELVIRA DE HIDALGO 2015 EN VALDERROBRES. BALANCE

[Acaba de celebrarse el IV Curso de Canto Elvira de Hidalgo con sede en Valderrobres. La soprano Anna Feu y la periodista, cantante y animadora cultural Elisabeth Martí explican cómo fue, quién era Elvira de Hidalgo y el desarrollo de casi una semana de música.]

 

CURSO DE CANTO ELVIRA DE HIDALGO. VALDERROBRES. JULIO 2015

 

Buenos tiempos para la Lírica

 

- Presentadnos a Elvira de Hidalgo. ¿Quié fué?, ¿Cuál es su importancia como intérprete y como maestra de Maria Callas en el mundo de la ópera?

ELISABETH. Elvira Juana Rodríguez Roglán, conocida artísticamente como Elvira de Hidalgo, nació en Valderrobres en 1891, localidad natal de su madre, Miguela Roglán Bel. El nombre artístico por el que será conocida, Elvira de Hidalgo, es el de su abuela paterna. De niña se trasladó a Barcelona, donde comenzó sus estudios de canto con Conchita Bordalba y María Barrientos. Los culminó en Milán con el maestro Melchor Vidal. En 1908, con 16 años, debutó en el Teatro di San Carlo de Nápoles, interpretando a Rosina de “El barbero de Sevilla”. Inició una brillante carrera que le llevó por los principales teatros de Italia, Europa y las dos Américas. Su personalidad de intérprete fue reconocida no sólo por su preparación como soprano coloratura, sino como alguien que dotaba a sus personajes de una gran verosimilitud. Su voz cálida y cristalina poseía, además, una tesitura amplia y de gran fortaleza, inusual en una soprano ligera. Reconocida como una de las mejores soprani d’agilitá de su época, dio vida a las protagonistas de reconocidas óperas como “Linda de Chamonix”, “Rigoletto”, “I Puritani” ó “Lucía de Lammermoor”. El Teatro Real de Madrid también fue testigo de sus éxitos; en él actuó por última vez en 1923. Siguió actuando de forma habitual hasta 1930 y, esporádicamente, hasta 1936. Es entonces cuando la soprano se retira de la escena y se dedica a la enseñanza.

Hidalgo reside en Grecia y trabaja en el Conservatorio de Atenas como profesora de canto, allí tiene muchos alumnos y entre ellos destaca el nombre de María Kalogeropoulos, quien se convertiría en la genial Maria Callas. Elvira de Hidalgo fue algo más que la profesora de la soprano. Hidalgo descubrió a la Callas en el verano de 1939, siendo sólo una niña; la modeló, trabajó en la técnica, la interpretación y la apariencia de la soprano hasta convertirla en la gran diva de la ópera. En primera instancia fue su maestra durante cinco años, si bien nunca dejó de instruirla, llegando a darle clases incluso por teléfono. Le enseñó a vestirse, a moverse, a descubrir las partituras y compositores olvidados del Bel-canto, además de mostrarle la técnica del Pasaje de la voz, que Pavarotti, por ejemplo, tardó 6 años en dominar. Y, lo más importante, a lograr seguridad en sí misma, cuestión ciertamente complicada, no sólo por la personalidad de su alumna, sino también por su físico: se trataba de una niña con tendencia a engordar (cuando se conocieron, María media 1 m. 64 cm.y pesaba 82 kg.), tenía el rostro marcado por el acné y una miopía tan profunda que era incapaz de ver la batuta del director, por lo que debía memorizar las partituras. Elvira transformó a aquel patito feo aspirante a cantante en un hermoso cisne lírico que dominó los escenarios de todo el mundo durante buena parte de la segunda mitad del siglo XX.

 

-¿Qué vínculos tuvo con Valderrobres?

ELISABETH. Elvira de Hidalgo nació en Valderrobres dos días después de la navidad de 1891. Siendo Elvira muy pequeñita sus padres se mudaron a Barcelona, donde ella inició una meteórica carrera como cantante. La casa señorial del siglo XIV donde nació Elvira es hoy uno de los centros de reunión más conocidos de la villa: “El Casino”. Junto a la puerta de la casa puede leerse la placa que la identifica. Aunque no consta su regreso a Valderrobres es seguro que el mismo espíritu que la impulsó a cantar sigue vivo en las calles de esta villa medieval, en la que pueden escucharse agudos imposibles desde las gargantas de geniales joteros. Seguro que Hidalgo, si hoy pudiese escuchar las estupendas voces del Curso de Canto Elvira de Hidalgo, en su honor, se sentiría orgullosa de ver cómo la tierra en la que nació es cuna de artistas e inspiración para la música.

 

-¿En qué consiste el Curso de Canto?, Qué se quiere lograr y quién puede participar?

ANNA FEU. El curso de canto son 5 días completos e intensos. Trabajamos mañana, tarde e incluso llegamos hasta la noche, ya que nos dejamos llevar por la pasión por la música y los ensayos se alargan hasta que prácticamente nos cierran los bares para cenar. Esta masterclass sobre la voz la dirige la soprano y pedagoga Anna Feu, junto a la pianista repertorista Akiko Nomoto, y contando en la organización con Elisabeth Martí, nacida también en Valderrobres y alumna de Feu y de quién partió la idea de retomar el curso de canto, después de que se detuviese su actividad tras la segunda edición. Nuestra masterclass trata de trabajar sobre la voz cantada de cada alumno, y pueden participar desde alumnos que quieran descubrir su voz, hasta profesores de canto o profesionales del canto dispuestos a perfeccionar su voz.

 

-¿Qué se hace? ¿Quién puede participar? ¿Dónde se imparten clases y dónde se actúa?

ELISABETH. El curso está basado en la técnica ideada por Feu, -Canta en movimiento-, que consiste en encontrar la voz más bella, flexible y auténtica de cada alumno, trabajando en el movimiento natural de su cuerpo y la relación de todas sus articulaciones mientras canta. Así, a partir del uso natural de la voz y utilizando mecanismos similares al canto y cotidianos, vamos llegando con facilidad a aprender a utilizarlos correctamente y de modo ágil en el canto. La clases han tenido lugar en el Castillo de Valderrobres por las mañanas y en la Casa de la Cultura por las tardes.

 

-¿Cuál fue el eco social de la primera convocatoria?¿Cuál fue el eco del del pasado año? ¿Qué novedades hay?

ANNA FEU. Si el 2014 fue un éxito, esta reciente edición del 2015 ha sido tremenda! La verdad es que no nos esperábamos una acogida tan buena. Las salas de los conciertos se llenaron, tanto la noche del martes 14, con el estupendo concierto de las profesoras en la Escuela de Música, como la noche en la que los alumnos del curso se subieron a las tablas de la Sala de Chimeneas del Castillo de Valderrobres. Vimos al público entregado y emocionado. No importaba que no entendiesen italiano, francés o alemán. La música estaba naciendo en estado puro frente a ellos, y eso es siempre un privilegio. Los auditorios se llenaron de gente sencilla y normal que aprecia un buen dulce cuando lo tienen delante. Y esa es nuestra gran recompensa, además de un incentivo aún mayor para planear ya mismo la siguiente edición del curso, siempre pensando en mejorar la edición siguiente.

En el curso de 2015, que se ha realizado del 14 al 19 de julio, hemos tenido la gran fortuna de estar apadrinados por el periodista Antón Castro, premio nacional de cultura de 2013. Antón nos acompañó durante el concierto de los alumnos del curso del domingo 19 de julio en el Castillo de Valderrobres, donde ensalzó la labor realizada por la organización y dirección del curso en un discurso intenso y repleto de geniales referencias a la figura de Elvira de Hidalgo, de cuya biografía es ampliamente conocedor.

Este año hemos contado con un día más de masterclass con respecto a 2014, con más horas y días de ensayo, y sobretodo con más alumnos, llegando al completo de los 16 que nos propusimos, contando incluso con 2 oyentes extra. Ha sido fantástico y la entrega de los alumnos total, porque nos mueve la pasión por la música; eso se nota a la hora de transmitirlo a los alumnos, y entre ellos después se contagian de esta magia tan especial.

 

- ¿Quién es el profesorado?

ELISABETH. La soprano y pedagóga Anna Feu dirige el Curso de Canto Elvira de Hidalgo. Feu cuenta con una amplia experiencia pedagógica en el canto. Como solista, Anna ha cantado en lugares tan emblemáticos como Carnegie Hall en New York; Contcertgebow en Holanda, o El Liceu de Barcelona entre otras. Además de ser la jefa del Departamento de Canto Lírico de Eolia (Escola Superior d’Art dramàtic, del Tricicle y Dagoll d’Agom), tiene alumnos de todo el mundo, impartiendo masterclass tanto en Europa como en Sudamerica. Junto a Feu, la excelente pianista japonesa Akiko Nomoto realiza la difícil misión de acompañar a los cantantes en el Curso de Canto Elvira de Hidalgo desde el 2014. Nomoto cuenta con un curriculum impresionante, con estudios de piano en la Escuela Yamaha de Tokio, es Master de Música Española con Alicia de Larrocha. Akiko ha realizado diversas grabaciones para TV3, Canal 33 de Catalunya, Catalunya Música, RNE, Sapporo TV SCAT y Hakodate FM Iruka. Ha actuado en Alemania, España, Japón, México, Suiza y Holanda. En Valderrobres Akiko nos confesó ser una “enamorada de España” mientras nos mostraba su bonita sonrisa tras intensas horas de emocionante trabajo con los alumnos, ya que con cada uno de ellos hemos descubierto algo nuevo en su voz, y eso es lo más parecido a un milagro que podamos soñar.

 

- Por cierto, ¿quién es Elisabeth Martí, que vive en Barcelona y Londres, qué lazos tienes con Valderrobres?

ELISABETH. Pues Elisabeth Martí es una mente inquieta, periodista y amante del arte, de la cultura, de la fotografía, del teatro pero sobretodo de la música. Mi pasión por ella me llevó a conocer a Anna en 2011 en la escuela de arte dramático a la que acudía, compaginando mi trabajo con lo que siempre he deseado hacer; sacar de mi el arte para la interpretación y la música. Anna cambió mi vida. Me enseñó una manera diferente de cantar, con la que hay que trabajar día a día, pero matando mitos y desmontando teorías que no hacían otra cosa que dañar mi garganta. Elísabeth vive ahora mismo en Barcelona y viaja a Londres a menudo por motivos profesionales; aunque siempre vuelve a Valderrobres, su cuna, el lugar que la ha visto crecer, y donde está su familia y amigos; el lugar curiosamente donde ha encontrado la mejor forma de dar a conocer a otras personas que es posible “parir” una buena voz con la técnica adecuada y la maestra perfecta.

 

-¿Cuál es para ti el encanto de esta comarca?¿Qué lugar ocupa la música en el Matarraña? ¿Tenéis la sensación de que a la gente le interesa lo que estáis haciendo?

ELISABETH. La música está en todas partes, y aún más en los rinconcitos donde hay una magia especial; donde encuentras eso tan único que te hace soñar y que te inspira. Tal vez esté latente en las piedras que desde hace siglos se aposentan en el pueblo en el que nací (Elisabeth) y al que siempre regreso, el mismo que Anna y Akiko han adoptado como propio y que ya sienten como suyo.

ANNA FEU. Si, creemos que se aprecia muchísimo la dedicación y el trabajo que hacemos desde el Curso de Canto Elvira de Hidalgo. Lo ves en la reacción del público que viene a los dos conciertos y su entrega. Lo percibimos en los ojos de aquellos que te encuentran por la calle y te dicen…”el año pasado me encantó; ¡este año no me lo pierdo!”. Y ellos lo cuentan a amigos, vecinos, y les crean la ilusión de que algo exclusivo ha sucedido y que se repetirá de nuevo el verano siguiente.

ANNA Y ELISABETH. El Matarraña está lleno de música, por todas partes. El mejor sonido llega desde la naturaleza, que lo inunda todo y que es vida. Así que no es de extrañar que la Escuela de Música no dé abasto con toda la programación que tienen. Desde luego que José Miguel Roig, el director de la Escuela, promueve una intensa actividad musical, animando a que las iniciativas musicales nazcan, crezcan y se difundan por todas partes.  En los conciertos de final de curso de la Escuela despuntan ya jóvenes promesas que seguro que si siguen trabajando del mismo modo con que lo hacen ahora serán músicos de prestigio en el futuro. La misma semana en la que tiene lugar el Curso de Canto Elvira de Hidalgo también se realiza un Curso de Trompa,organizado por la Mentoring Music Matters, que puja con fuerza para el impulso de los músicos.

La semana anterior al Curso de Canto Elvira de Hidalgo tuvo lugar el curso de clarinete, y la semana previa un concurso del mismo instrumento, que congregó a más de 40 musicos. Además, el día 24 actuará en Valderrobres la Joven Orquesta Sinfónica de Castellón, con más de 70 participantes que llenarán las calles de este lindo pueblo de harmonía.

 

-¿Qué momento vivimos en la ópera y qué es la ópera para ti, qué te da, cómo te estimula o enamora?

ANNA. Creo que vivimos un buen momento en el mundo de la ópera, que està llegando a todos los públicos, pues no solo se hace en el teatro, sino también en los cines a un precio más económico. Eso ha permitido dar un salto gigante tanto en la calidad teatral como en la veracidad de las óperas, haciéndolas tan reales como una película o una obra de teatro. La opera es, ademas, el arte completo, pues tiene argumento teatral y musical al mismo tiempo. Por tanto toca todos los sentimientos y sensaciones. Y con programas de divulgación como el de Ramon Gener, “This is Opera”, en TVE-2, o fenómenos como el de los tres tenores, convertidos ya en clásicos, nuestra estupenda música va llegando a todas partes. 

 

*En la foto la periodista, cantante y animadora cultura Elisabeth Martí.

CONCIERTO EN LAS ALTURAS DE CERLER

*La Unión Musical de Garrapinillos ofrece

hoy un concierto en las alturas, en Cerler

 

La banda municipal, dirigida por Carlos Roldán, celebra en 2015 sus primeros treinta años y tocará en el Auditorio en octubre

 

 

Antón CASTRO

«En Garrapinillos, y concretamente en la Unión Musical, se vive la música de forma especial. Hay personas que buscan tiempo donde no existe. A nuestro abanderado Julián (que falleció hace algún tiempo) lo podías encontrar ensayando en el huerto; entre faena y faena colgaba las partituras en un cable y a soplar en su trompeta. Otros vienen directamente del trabajo al ensayo. Hay niños que se empeñan en venir a todos los ensayos», explica Carlos Roldán, director de la banda municipal de Garrapinillos. Cuenta como, en este final de curso, uno de ellos se quedó dormido con el instrumento en la mano. «El esfuerzo se recompensa con el valor humano de los componentes; hacemos una actividad en la que conviven niños llenos de ilusiones y sueños, adolescentes con la vista puesta en su futuro, adultos que acaban venir de su trabajo (taxistas, abogados, carniceros, médicos, mecánicos, incluso jubilados) y que buscan en la música, con su instrumento, un objetivo común: sonar bien. Ese es nuestro empeño: tenemos voluntad de sonar bien. Un caso de implicación particular: Tomás Castillo, el clarinete bajo, se casó el viernes y hoy tocará».

La Unión Musical de Garrapinillos cumple en 2015 sus primeros treinta años y lo va a celebrar de diversas formas: en octubre tocará en el Auditorio y mañana, a las 11.30, ofrecerá en Cerler «todo un concierto en altura». Explica Roldán: «Se nos ocurrió, además de otras ideas, hacer un concierto de altura; el caso es que decidimos cambiar la preposición y hacer un concierto EN altura. Las ideas surgen del espíritu común de la banda. En cuanto lo supieron en Aramón Cerler, nos invitaron a realizarlo allí, con el Aneto en el palco de autoridades. Habrá público familiar, desde Garrapinillos se va a desplazar mucha gente, y público que esté de vacaciones disfrutando el Pirineo».

No es la primera vez que esta banda mira hacia arriba: algunos de sus integrantes subieron a la torre de la iglesia de Garrapinillos, la primera obra de Ricardo Magdalena, «y en vez de dar las horas con campanadas, se daban con melodías. Lo hicimos durante un día completo. Y también subimos en un globo aerostático. Fue curiosísimo; gracias a Pepe ‘el del Globo’, realizamos una actuación dentro de la vela del globo». Recuerda Roldán que todos los componentes de la formación «tienen conocimientos musicales. Reciben clases tanto de lenguaje musical como del instrumento. Hay personas que han realizado la carrera de música y otras que solo dominan aquello que han aprendido en la banda».

¿Qué van a tocar en Cerler, a partir de las 11.30 de hoy domingo? Dice Roldán, profesor de música y trompetista: «El concierto es para todos los públicos. Comenzaremos y acabaremos con música aragonesa como ‘Aragón’, un pasodoble de jota del maestro Peralta. Habrá melodías de charleston, música latina (Cachito-Cachita), sonarán piezas de Tchaikovsky, bandas sonoras (como ‘Piratas del Caribe’ y ‘Amarcord’) y también habrá música discotequera para que la gente participe con nosotros».

La Unión Musical de Garrapinillos acaba de participar en el Festival Internacional de Lleida. «El trato fue exquisito, fuimos elogiados y una de las bandas participantes de Foix nos felicitó y nos invitó a que vayamos a tocar con ella. Intentamos siempre, desde la humildad y el respeto a la obra, al público y a nuestro esfuerzo, ofrecer conciertos donde la musicalidad esté presente y donde se vea el trabajo en equipo», concluye Carlos Roldán.

 

*Este texto aparecía ayer en ’Heraldo’. Horas más tarde, Carlos Roldán, director de la Unión Musical de Garrapinillos, me llamaba y me decía que todo había ido muy bien. 

La foto es de Josean Melendo y fue tomada en la plaza de Santa Cruz.

LA ORQUESTINA EN LA CAI

LA ORQUESTINA EN LA CAI

LA ORQUESTINA DEL FABIROL TOCA HOY Y MAÑANA EN LA CAI

La banda de San Juan de Plan celebra su 25º aniversario con un disco inspirado por el libro “Pedro Saputo” de Braulio Foz. Pedro Saputo, publicada en 1844, está considerada la mejor novela aragonesa del Siglo XIX, y se basa en un personaje del folklore altoaragonés, natural de Almudévar, célebre por su astucia (saputo significa sabio), al que Braulio Foz llena de vitalidad y humanismo.

El veterano grupo de San Juan de Plan ha realizado  este proyecto, un trabajo formado por 18 temas (ocho canciones en lengua aragonesa, otras tantas en castellano y dos acústicos) basados en distintas escenas del libro Pedro Saputo y que se ordenan como una singular suite barroca aragonesa. El concierto estará interpretado por Roberto Serrano (la voz, violín, dulzaina, trompa, chiflo, chicotén y clarinetino), Elena Requejo (vocalista y percusionista), Sandra Almárcegui (acordeón y guitarra), Alfonso Casasnovas (mandolina, bajo y guitarra), Víctor Cano (violín, gaita de boto y dulzaina) y  Jesús Pescador (actor).

 

 

LA ORQUESTINA DEL FABIROL

Es, hoy por hoy, una de las formaciones más consolidadas del panorama folk en Aragón. Desde 1986 viene aportando trabajos que son referencia obligada al hablar de la actualización de las músicas de raíz y en el campo de la etnografía. Su música es una apuesta sincera y natural por la música directa, por el sonido limpio, sin intermediarios. Sonidos arraigados en la tradición musical de su tierra pero que vuelan con las alas que los músicos –gente de su tiempo– le dan, entendiendo que todo camino musical es válido para expresarse cuando surge de la suma cultural y no de falsas fusiones de mercado.

Con el tiempo, los del Fabirol han ido conformando una sonoridad acústica que les caracteriza, fruto de su dilatada carrera, con más de un millar de actuaciones, nueve trabajos discográficos y unos atractivos directos. Los conciertos de La Orquestina son toda una fiesta, una propuesta ágil, divertida y espontánea donde caben una tonada "a pelo" y una pieza de arreglo elaborado, la canción reflexiva y la melodía trepidante, y donde hay tiempo para la poesía y para el baile, conviviendo los géneros populares con temas de creación y donde los instrumentos tradicionales se armonizan perfectamente con otros más comunes en la música actual.

"Pedro Saputo. La Suite' 

 

Componentes:

Roberto Serrano: violín, dulzaina, chicotén, voz

Elena Requejo: voz, percusiones

Alfonso Casasnovas: guitarra, bajo, mandolina, voz

Sandra Almárcegui: acordeón, guitarra

Víctor Cano: violín, dulzaina, gaita de boto

 

Con la participación de Jesús Pescador - actor

" propone una relectura musical de la célebre obra de Braulio Foz, publicada originalmente en 1844, un texto cumbre de la literatura aragonesa, que bebe de las fuentes del folclore y la oralidad. La Orquestina revisa la obra de Foz a través de 18 piezas, basadas en otras tantas escenas del libro, para construir de manera muy libre una especie de "suite barroca popular aragonesa".

 

 

 

 

MARTA CASAS HABLA DE 'SONIANDO'

MÚSICA. MARTA CASAS. La cantante nacida en Barcelona, hija de madre aragonesa, publica ‘Soniando’, donde mezcla el jazz y la jota y el folclore aragonés. Cantó en Interpeñas el 23 de abril.

 

« ‘Soniando’ es un disco sincero, emocional

y versátil, digo las cosas que quería decir»

 

«El jazz y la jota combinan muy bien» 

 

ANTÓN CASTRO

Marta Casas nació en Barcelona en 1981, pero se educó en Aragón. Su madre es oscense y tiene antepasados en el Sobrarbe. Es una apasionada del folclore popular aragonés y de la jota, a la que mezcla con el jazz en su álbum ‘Soniando’ (Nuevos Mundos).

Parece que canta desde hace mucho tiempo. ¿Cómo nació esa inquietud?

A los diez u once años me incorporé al coro de Escolapios donde estudiaba. Permanecí hasta los veinte. Tenía una profesora, Teresa Bullich, que había sido cantante de ópera y me animaba a hacer solos con la guitarra. Sabía que yo cantaba jotas, ¡cuántas veces no habré cantado ‘La magallonera’!

Por cierto, la incorpora a su álbum ‘Soniando’. ¿Qué le atrae de la jota y del folclore aragonés?

En mi familia había antecedentes: cantaban varios de mis antepasados. Tenía un tío abuelo republicano que cantaba en plena contienda. A veces, los integrantes del ejército rival pedían que cantase “Laiglesia, que salga a cantar Laiglesia”. En las fiestas de San Lorenzo iba con mi madre a todos los conciertos, a veces hasta llevaba mi grabadora. Me encantaba. Tengo una prima, Ana Laiglesia, que era discípula de José Rodrigo y han hecho grabaciones juntos. Mi familia materna, de campesinos, es de Huesca. He pasado muchos veranos en el campo, de ahí que se me sienta muy identificada con la primera canción: ‘La jota triste’.

A la luz de su trabajo, ¿de cuántas formas se puede cantar la jota?

De varias, claro. Pero en realidad, técnicamente, solo de una manera: con el vibrato. Siempre he intentado aprender. La jota de Huesca, más melosa y melódica, no tiene nada que ver con la de Zaragoza o la de Teruel, que a lo mejor son más estridentes. Uso el vibrato, uso la técnica, pero luego con la música intento darle a la canción mi personalidad, nuevos arreglos, mi propio sello, emoción y hondura.

Y ahí aparece el jazz, ¿no? ¿Qué encuentra en él?

A partir del año 2008 empecé a interesarme por el jazz. Cuando entré a estudiar en el Liceo, fue todo más fácil. Conocí a varios músicos de jazz, entre ellos a Jordi Bonet. Y más tarde asistí a dos master-class con Chucho Valdés y Pat Metheny.

¿Qué le aconsejaron?

No llegué a hablar con ellos, pero sí recuerdo sus consejos. Metheny nos dijo que se pasaba muchas horas en una habitación probando cosas, experimentando y que así le salían temas y discos. Y Chucho Valdés nos contaba que de joven iba con su padre a los conciertos; a veces se encontraba con Billie Holiday, y era una experiencia maravillosa. Aprendió algunas claves de la mezcla.

¿Cuándo decidió mezclar jazz y jota?

Cuando estuve en Berkeley, me encontré con Juan Pérez, un músico de Huelva al que le interesaba el flamenco y el jazz Un día canté ‘Soniando’ al piano. Se la aprendió y me dijo: “te voy a acompañar”. Era 2010 y ahí empezó todo. El jazz y la jota combinan muy bien. La jota combina bien con muchas músicas.

‘Soniando’ es el título del álbum...

Este tema de José Lera y Mariví Nicolás ya lo había cantado muchas veces con el grupo de jota del Centro Aragonés, donde aprendí mucho. Me encanta: cuenta una historia que tiene mucho que ver conmigo y con mi familia, que cantaba ese tema, y ‘S’ha feito de nuey’, tan maravilloso. Aragón es un territorio de tres lenguas y ahí se concentran algunos de mis mejores recuerdos. Me gusta cantar en cheso.

’La dama d’Aragó’ la han cantado muchas cantantes Victoria de los Ángeles, Maria del Mar Bonet... ¿Por qué ha elegido este tema?

Además de esas cantantes, un día le oí el tema a Biella Nuey con un grupo de Olot y también a Tete Montoliu. Es una romanza del siglo XIV, de los tiempos de la Corona de Aragón; me gustan el tema, la melodía, la historia de amor. Hice una versión, se la pasé a mis músicos, añadieron y quitaron cosas y ahí está en este disco, que me ha dado muchas cosas.

De su disco se venía hablando desde 2013 al menos. ¿Por qué ha tardado tanto?

Desde mucho antes. Desde 2010. He intentado que fuera un disco especial en el registro de la voz -no soy una crack, desde luego, pero tengo formación, técnica, he estudiado, soy profesora de canto y llevo años subiéndome a un escenario- y que sea sincero, emocional. Es un disco en el que digo las cosas que quiero decir. Creo que en los discos la letra y la música deben responder a lo que somos, a los que hemos vivido y a lo que hemos sentido. Y aquí estoy yo y mi biografía. Y otra cosa que me ha preocupado es que sea un disco versátil.

¿Qué músicos le interesan?

Muchos, claro, pero ahora escucho mucho a Billie Holiday, Chet Baker y Tony Bennet, hubo una época que seguía mucho a Carmen McRae. Y entre la gente que hace música popular, siempre me ha gustado mucho mi paisana Regina Trigo. Y, por supuesto, Silvia Pérez Cruz.

 

*Tomo de aquí la foto de la portada del disco:

http://www.martacasas.com/uploads/5/1/7/9/5179406/6636667.jpg?1416662046

SEPÚLVEDA Y OTRO SUEÑOS

[En 1983, un joven periodista llamado Basilio Baltasar firmaba esta necrológica del cantante Jorge Sepúlveda, que había fallecido en Mallorca. El otro día en Santander, durante una cena, apareció su nombre y apareció esta historia tan conmovedora.]

 

EL CANTANTE JORGE SEPÚLVEDA MURIÓ EN MALLORCA...

 

Por BASILIO BALTASAR. El País. 18 de junio de 1983

 

Jorge Sepúlveda, el cantante español de boleros, falleció anteayer a los 66 años. No tendrá funeral: por respeto a la expresa voluntad del difunto, que además deseaba ser incinerado, su mujer, Angelines, se ha negado a organizar ningún tipo de ceremonia. En la mañana de hoy será enterrado en el cementerio de Palma, ante la presencia de algunos de sus íntimos amigos y las coronas de flores que llegarán de la península con leyendas mortuorias.

Jorge Sepúlveda -seudónimo artístico de Luis Sancho Monleón- falleció el jueves por la tarde después de un largo periodo de achaques que sobrellevó, como dice su canción, a escondidas y en voz baja. Los bronquios le asaltaban con crisis intermitentes que superaba con dificultad y tesón para cumplir sus compromisos artísticos.El último de ellos, hace escasos 15 días en Zaragoza, tuvo que ser anulado ante la apresurada vuelta del cantante a Mallorca atacado de fiebres y con un delicado diagnóstico. Las frías y blancas paredes de la residencia sanitaria de Son Dureta recogieron el estupor de sus amigos y la desesperada pena de Labra, nombre artístico de su mujer, antigua bailarina cómica que negó durante varias horas que hubiera muerto su marido.

"Siempre fueron un matrimonio feliz, aunque sin hijos". El reducido círculo de amigos del matrimonio compartió los años en que el cantante, allá por los

años 70, abandonó el mundo de la canción ante la ausencia de contratos comerciales. Fue entonces cuando decidió trasladarse a vivir a Mallorca, una de las pocas tierras en donde nunca había actuado, motivado por su deseo de retirarse a un lugar en donde pudiera pasar desapercibido.

Para el cantante mallorquín Bonet de San Pedro, Jorge Sepúlveda fue siempre "un extraordinario compañero, una persona a la que era muy fácil querer. Empezó cantando tangos y canciones mexicanas hasta que dio el salto desde Valencia a Madrid para irrumpir con su gran estilo de cantante de canción española. Cosa que ni Machín ni yo mismo podíamos hacer". Jorge Sepúlveda y Bonet de San Pedro participaron durante siete meses en el espectáculo de Sarita Montiel representado en Madrid y Barcelona. "Jorge no respiraba bien. Creo que esos achaques le perseguían desde el retorno. Pero esa vuelta, que nos puso a los dos de nuevo ante la gran masa, fue como una segunda boda".

Luis Sancho Monleón fue, además de cantante y contable de oficio, mJorge Sepúlveda, el cantante español de boleros, falleció anteayer a los 66 años. No tendrá funeral: por respeto a la expresa voluntad del difunto, que además deseaba ser incinerado, su mujer, Angelines, se ha negado a organizar ningún tipo de ceremonia. En la mañana de hoy será enterrado en el cementerio de Palma, ante la presencia de algunos de sus íntimos amigos y las coronas de flores que llegarán de la península con leyendas mortuorias.

Jorge Sepúlveda -seudónimo artístico de Luis Sancho Monleón- falleció el jueves por la tarde después de un largo periodo de achaques que sobrellevó, como dice su canción, a escondidas y en voz baja. Los bronquios le asaltaban con crisis intermitentes que superaba con dificultad y tesón para cumplir sus compromisos artísticos.El último de ellos, hace escasos 15 días en Zaragoza, tuvo que ser anulado ante la apresurada vuelta del cantante a Mallorca atacado de fiebres y con un delicado diagnóstico. Las frías y blancas paredes de la residencia sanitaria de Son Dureta recogieron el estupor de sus amigos y la desesperada pena de Labra, nombre artístico de su mujer, antigua bailarina cómica que negó durante varias horas que hubiera muerto su marido.

"Siempre fueron un matrimonio feliz, aunque sin hijos". El reducido círculo de amigos del matrimonio compartió los años en que el cantante, allá por los ilitar mutilado que luchó con la República española, y como tal se integró en la asociación de militares republicanos, en calidad de miembro activo, que recorrió durante años pasillos y despachos para solucionar problemas de terceras personas en situación similar.

Incansable actitud solidaria con todos

Uno de sus íntimos amigos lo recuerda "en incansable actitud solidaria, obsesionado por hacer el bien y olvidando para siempre las vejaciones que a lo largo de su vida había soportado".Una de las múltiples anécdotas, agrias y corrientes en aquellos años grises, la protagonizó Jorge Sepúlveda en una sala de fiestas ante el gobernador civil que le impuso, "con tono desairado", la interpretación de una canción que aquél deseaba escuchar.

Los últimos años de la vida del cantante en Palma transcurrieron tranquilos, informados por la sencillez de un hombre que supo llevar a los escenarios un estilo de "normalidad" que ya no envidian los vivos de la modernidad.

Jorge de Sepúlveda paseó sus pulmones cansados por las aceras de la ciudad de Palma de Mallorca, continuó sus insaciables lecturas y acudió puntual a la cita del aperitivo de la amistad.

 

*Tomo la foto de Sepúlveda de aquí.

CONGRESO DE PERIODISMO / 1

CONGRESO DE PERIODISMO / 1

CONGRESO DE PERIODISMO DE SANTANDER

Sergio Vila-Sanjuán ingresó hace unos días en la Real Academia de Bellas Letras y pronunció un discurso titulado ‘Una crónica del periodismo cultural’ que se ha recogido en una publicación. Realiza un recorrido por la historia de este género, desde Vasari hasta nuestros días.

Al final, a modo de compendio, reflexiona y dice:

 “El mejor periodismo cultural, o al menos el que más me nos gusta, se caracteriza por: 

-Uno. Informada pasión por la cultura.

-Dos. Curiosidad necesariamente muy amplia.

-Tres. Capacidad de percibir lo ‘realmente nuevo’ en el terreno creativo y del pensamiento.

-Cuatro. Capacidad de interpretar y transmitir sintéticamente conceptos y conocimientos muy complejos, en las distintas categorías culturales. El periodista nunca debe escribir sobre un tema hasta haber conseguido entenderlo (excepto si es para plasmar la propia perplejidad).

-Cinco. Voluntad de documentar in situ y aportar material novedoso.

-Seis. Estilo cuidado, comunicativo y antitópico. La calidad no debe aplastar la claridad. Concreción. Evitar lo superfluo y el relleno.

-Siete. Pensamiento crítico. Duda metódica sobre las ideas recibidas y los lugares comunes consolidados.

-Ocho. Capacidad de combinar lo trascendente y lo anecdótico. Buen ojo para las circunstancias llamativas y los detalles jugosos.
En el contexto actual, el buen periodismo cultural resulta más necesario que nunca (o tan necesario como siempre”.


*Un retrato de Mercedes Sosa, realizado por Bernd Arnold.

UNA VOZ EN PLENITUD

UNA VOZ EN PLENITUD

María José Hernández, una voz en plenitud

 

 

Antón CASTRO

Esta ha sido una semana especialmente intensa. Una semana llena de cultura, de pequeños y grandes acontecimientos: José Manuel Broto inauguró en el IAACC su apuesta por el color en grandes formatos; Fernando Navarro ha trasladado a la Lonja una síntesis de 40 años de trabajo; Jesús Marchamalo y Antonio Santos han llevado de gira por Anónima, Los Portadores de Sueños y Antígona ‘Kafka con sombrero’ y ‘La metamorfosis’, ambos en el sello Nórdica; David Guirao y Pepe Serrano mostraban, en una librería París a rebosar, su ‘Libro de las narices’; Julián Casanova presentó el libro coral ‘40 años con Franco’ (Crítica); Ángel Gracia abrió en la FNAC su novela más rotunda y salvaje, ‘Campo rojo’ (Candaya). Raphael llenó el Audiorama. Y María José Hernández ofrecía dos conciertos en la sala CAI-Luzán. P:resentaba el disco ‘Las uvas dulces’, basado en canciones de José Antonio Labordeta, cuya Fundación se abrió al público el jueves.

Hablaremos aquí del concierto de ayer sábado. María José Hernández ha contado en varias ocasiones que, en una ocasión, su hermano apareció por casa con un disco de Labordeta: ‘Cantar i callar’. Al principio no le hizo mucho caso; ella se movía en otros ambientes. De golpe se fijó en una canción, ‘La vieja’, que le recordó a su propia abuela, atizando el fuego y zurciendo la ropa interior de su abuelo. Ahí empezó un idilio de cariño, complicidad y colaboración con el cantante que se materializó en discos como ‘Paisajes’ y ‘Con la voz a cuestas’. Más tarde, María José haría una versión particular de la que considera una de las mejores canciones de amor de Labordeta, y “una de las mejores canciones de todos los tiempos”: ‘Mar de amor’.

Hace algún tiempo, María José se zambulló en el universo del autor de ‘Las cuatro estaciones’ con un deseo: hacer un disco con sus temas más intimistas. Optó por canciones a veces poco conocidas, casi ocultas en el cancionero general labordetiano, marcadas por el amor, la nostalgia, las imágenes, el peso del pasado y la memoria. Así nació ‘Las uvas dulces’, que suele interpretar con un trío formidable de músicos: Sergio Marqueta al piano, Daniel Escolano al violoncello y contrabajo y Julio Calvo a las guitarras, eléctrica y española. Más segura de sus registros que nunca, poderosa en la suavidad, cálida en la melancolía, lumbre y seda de sensibilidad y dueña de un límpido y elegante fraseo (a veces hace pensar en María Dolores Pradera), María José Hernández encaró el recital con su habitual exquisitez. Hubo un instante en que comentó: “¿Estáis ahí? Os percibo muy callados”. La sala estaba llena y los aplausos sonaban con fuerza: se estaba produciendo uno de esos instantes inefables en los que el público es más que cómplice: está emocionado, se reconoce en el canto, en la vocalista, en los músicos y, en este caso, en el músico recordado y homenajeado. El aparente silencio era esencialmente respeto y atención máxima.

Fue un concierto muy especial. Emotivo. Sutil. Lleno de matices: tierno, confesional y a la vez con pinceladas de humor. Hasta la tercera o cuarta canción, María José Hernández cantó sin preámbulos. Y a partir de entonces ofreció leves comentarios: explicaba su actitud ante las canciones, las describía y además elaboraba pequeños fragmentos para una autobiografía, recordó la pasión por Silvio Rodríguez o Luis Eduardo Aute, comentaba un disco específico. Tras recorrer ‘Abrí las puertas’, ‘Devuélveme’, ‘Guárdate’, ‘Rosa rosae’, cantó ‘Nieve en abril’, un homenaje de Labordeta a su hija Ángela, y se oyeron los primeros ‘¡bravos!’.

En lo que parecía ser el ecuador del concierto, ofreció tres temas diferentes, ajenos a Labordeta: ‘La punta del iceberg’, que podría ser la canción de un despecho, tocada de ironía; un tema suyo vertido al aragonés, ‘Augua que amorta la set’, que ya ha dejado de cantar en castellano; la canción que más le piden, “aunque no es mía, y eso me da mucho que pensar”, observó con humor: ‘Mermelada de mora’ de La Ronda de Boltaña, una canción festiva y melancólica, bellamente cortada. Luego continuó con ‘Mar de amor’, ‘Eres como la aurora’, ‘Caminaremos’ (otro himno, por cierto), ‘Con tu voz’... Carlos Estella, el técnico de sonido y compañero en la vida y en la música de la cantante, estaba a los mandos: el concierto fluía con sonoridad impecable. Henchida de plasticidad, cómoda, María José recordaba Joni Mitchell, a Suzanne Vega, incluso en su canción en fabla a Loreena McKennitt, como observó un espectador tan cualificado como Miguel Ángel Tapia Jr. Anunció la despedida, pero regresó para ofrecer hasta varios bises: ‘Las uvas dulces’, ‘La vieja’...

Hay noches mágicas en la música donde todo encaja a la perfección. La banda se sentía especialmente cómoda: María José tocó con el trío, pero también tocó en solitario con el violoncellista Dani Escolano, con el guitarrista Julio Calvo, con el pianista Sergio Marqueta, que recordaría que “llevamos muchos conciertos juntos y todo se ajusta cada vez mejor”. Habían reservado para el final un clímax: el ‘Canto a la libertad’, que la cantante llevó a su terreno. Hay mensajes que se vuelven universales, como metáforas que se prolongan en el tiempo sin perder pálpito y vigencia. ‘Las uvas dulces’ es un disco de madurez. De equilibrio y afirmación. Está lleno de sugerencias, de ritmos, de aciertos, en ocasiones algunos arreglos poseen aromas jazzísticos. María José Hernández insiste en algo que han dicho diversos críticos: Labordeta era esencialmente poeta. Juana de Grandes, su viuda, estaba conmovida. No fue para menos.

 

LA FICHA

Las uvas dulces.  María José Hernández. Músicos: Daniel Escolano, Julio Calvo y Sergio Marqueta. Sala de la CAI-Luzán, viernes y sábado. A las 20.30

 

*La foto es de Juan Miguel Morales.

PETISME CANTA EN LAS ARMAS

PETISME CANTA EN LAS ARMAS

Esta noche, en el Centro Cultural de Las Armas, Ángel Petisme presentará, en concierto, su disco ’El ministerio de la felicidad’. Hace algunas semanas hablamos del álbum. Resumo aquí aquella entrevista donde habla de varias de sus canciones...]

 

ENTREVISTA. ÁNGEL PETISME. CANTAUTOR Y POETA

 

"Soy hedonista pero no escapista"

"Soy un ser que fluye"

 

¿Cómo es ‘El ministerio de la felicidad’? ¿Qué debería ser? 

Ministerio viene del latín, minister. Significa siervo, criado. Lo menor por debajo de los magister, los maestros. Es curioso cómo se le ha dado la vuelta a la palabra y los ministros actuales son los que están robando la dignidad y recortando derechos y sueldos a los maestros, a los médicos, a todos los profesionales. El pequeño oficio de la felicidad es de lo que van casi todas las canciones del disco. Felicidad con minúsculas. La felicidad no ha que buscarla, hay que darla a espuertas y sin calculadora a aquellos que la merecen. No somos lo que vendemos como quiere hacernos creer el capital, sino lo que regalamos, como cito en el disco.

  

¿Qué sonido buscabas? 

Verás, creo que cada canción tiene la vestimenta que nos pareció más adecuada y ha sido un trabajo cocinado a fuego lento, donde cada arreglo está meditado para que ni sobre ni falte. El alma del disco está en las composiciones y los textos. Éstos tienen entidad propia y la producción no ha hecho más que intentar potenciarlos y llevarme en volandas para contar ese puñado de historias con naturalidad y arrojo. Hay pura energía de rock en algunas canciones, hay sonoridades de jazz y chanson francesa, guiños a Gainsbourg, Tom Waits, Lou Reed…Hemos grabado con la guitarra original de Mauricio Aznar que nos prestó Gabriel Sopeña, una batería Radio King de 1920, un contrabajo Paztner de 1830, un órgano Hammond B3 y combinado los instrumentos más viejos con la mejor tecnología. Queríamos que el disco respirase, que crujiese, que fuese tan orgánico como los versos que salían de mis labios.  

  

¿Qué ha significado trabajar con un nuevo equipo y con Josu García y Santi Comet, en particular? 

El disco lo ha producido Josu García, que lleva tocando conmigo desde 1996, y ha grabado en todos mis discos. Santi Comet forma parte del equipo pero debutó conmigo en 1998 como músico profesional en la gira de Cierzo y ya grabó en Buñuel del desierto hace 15 años. Parte del equipo nuevo han sido el batería Jose Bruno, la contrabajista Laura Gómez Palma y el ingeniero José María Rosillo que tienen un currículum y una excelencia como músicos impresionantes.

 

Desde un punto de vista musical, hay un cambio muy claro: pareces haber apostado por una música distinta, por un tono entre calmado y melancólico... ¿No? 

Puede que la madurez y la paternidad hayan influido en que Mensaje al futuro o Mi gigante preferido, las canciones que dedico a mi hija, tengan un tono más reposado, pero quien escuche Además nos votaréis o Virgen de los peligros verá que no he perdido nada de "mordiente". Obviamente canciones como El mar color de vino, con ese tono homérico y evocador, o Una vela en la oscuridad que es una elegía, no puedes tratarlas como si fuesen la alegría de la huerta.

 

¿Qué significa el vino en tu vida? Le dedicas dos canciones... 

El vino es mi infancia, las sopetas de vino y azúcar que me daba mi abuela, el melocotón con vino, el mostillo. Mi niñez y los largos veranos en Olvés, íbamos al amanecer con mi abuelo o mi padre en la mula a cuidar las viñas. Ahora esos plantaos dan exquisitas cerezas. José Luis Campos y la D.O. Cariñena contactaron conmigo y me propusieron hacer una canción dedicada a El Vino de las Piedras. Yo cogí el guante y compuse varias canciones inspiradas por una caja de caldos riquísimos. Algunas no aparecen en el disco. Les envié la maqueta de la canción, les gustó tanto al consejo de dirección que decidieron hacer de mecenas y cubrirme los gastos de la producción musical del disco. Les estoy muy agradecido.  

 

Hay una canción dedicada al ‘Ecce Homo’, pero el tono diríamos que es más bien contenido. ¿Has querido provocar o hacer un juego entre irónico y literario? 

El fenómeno me hizo reflexionar, los verdaderos ecce homos fuimos nosotros, los torrentes, los morbosos que convertimos en trending topic una historia de una restauración inacabada. Sentí una inmensa empatía con Cecilia Giménez. La canción es el diálogo de la criatura con su creador. Ecce le da las gracias. Es una canción de amor. ¿Quién no se ha sentido abandonado y solo como el Ecce Homo original comido por la humedad y el abandono? Me declaro rotundo admirador de Cecilia, estuve hablando por teléfono más de horas con ella y el segundo videoclip del disco lo hemos grabado juntos en Borja.   

 

¿Por qué le dedicas una especie de nana a Jean Seberg? ¿Qué ha significado para ti la actriz? 

Me fascinó su belleza y su fragilidad desde que la vi de adolescente en Bonjour,tristesse y Á bout de souflee en los cineclubs zaragozanos. Me parece el contrapunto dentro del disco del personaje que no es que no pueda ser feliz sino que no quiere serlo. Su vida, su lado oscuro y atormentado, su pasión, la constatación de que el éxito y la belleza pueden conducir a la locura. 

 

La canción ‘Virgen de los Peligros’ es una canción contra los desahucios. ¿En qué medida está basada en una historia real, próxima a ti? ¿Cuál es tu visión de esa forma de injusticia y de miseria? 

Es una vergüenza que el año pasado se produjesen 3500 suicidios de gente a la que los bancos y la justicia habían despojado de sus casas. Es una vergüenza que las palabras de la constitución sean papel mojado. Si nuestros políticos no pueden proteger a sus ciudadanos que se vayan al paro. Cualquier hijo de vecino con dos dedos de frente podría hacerlo mejor que ellos. La canción la compuse este verano cuando me cortaron la luz y el teléfono. Yo, como artista y persona dedicada a la cultura en este país con el IVA cultural más alto de todo el planeta, estoy entrando en esa bolsa del 28% de la población en riesgo de pobreza.

 

‘Una vela en la oscuridad’ es un homenaje a Félix Romeo Pescador. ¿Qué te dio, qué lloras de su ausencia? 

Me dio, nos dio mucho, a mí la libertad de la amistad, la complicidad pero sobre todo la generosidad. No, no lloro su ausencia. Como escribo en Fast food for freaks cuando olvidas a tu gente es cuando se produce la verdadera muerte. Yo no olvido a Félix y  por ello no lloro su ausencia. Vive en mi mente y mi corazón.

 

¿Es, en el fondo, el amor el motor de tu vida, de tus canciones, de tu poesía? 

Si por qué no, resulta difícil entender que hacemos en este planeta sin amar. Amo lo que me rodea, amo el vino, las mujeres, los amigos, la lucha, la dignidad, la resistencia...y amo a mi perra y a la buena cerveza...me da miedo no amar y un día levantarme siendo una ameba.

  

¿En qué ha cambiado Petisme, el poeta, el cantautor, o podríamos decir que sigue siendo un hedonista? 

La vida más que cambio, es evolución. No he cambiado, simplemente mi capacidad de entenderme como ser humano que envejece y crece, me hace sentirme vivo. No soy un ser cambiante, soy un ser que fluye. Y claro que sigo sintiéndome un poeta, un cantautor y porque no un hedonista porque rechazo el dolor pero mirándolo de frente, no solo el mío sino el del vecino. Soy hedonista pero no escapista.

 

 

*Foto de Ángel Petisme de José Antonio Melendo.