CASA ROJA EN LA NIEVE

                             ... una habitación vacía

                            con una ventana abierta.

                            Charles Simic

                                      Hay un poco de verde pero es gris,

                                      hay un tejado rojo.

                                      Hay una chimenea

                                      y un humo azul que vuelve a la mañana,

                                      donde antes fue madera.

                                      Hay un cuerpo tumbado en un colchón

                                      mientras el mundo gira

                                      y hay un problema con la identidad.

                                      Una guía de albergues. Un poema.

Juan Marqués Martín acaba de ganar el premio Gerardo Diego de poesía con un nuevo poemario: ‘Abierto’, que se publicará en breve en la editorial Pre-Textos. Este es uno de los poemas del conjunto, un poema muy significativo. La ilustración es de Alberto Calvo, uno de sus moñacos, inspirado en este caso en Cocteau. [En el post anterior hay un error: ese moñaco no está concebido al modo de Cocteau, sino al modo de Kirchner. Lo corrijo. El sistema, ya lo saben los que frecuenta este blog, no me permite ni hacer correcciones ni eliminar documentos. Mil disculpas.]

Los boxeadores se golpean la cara con desorden. La frase, creo recordar, la escribió Eduardo Arroyo. Antes se la oí a mi padre de otro modo: él había peleado por puro azar en Melilla, tumbó a un campeón vasco e hizo de ello una leyenda familiar. Cuando caía la noche, en torno a la hoguera, hablaba de dos terribles puñetazos. “Lo mandé al hospital durante catorce veces. Esa es la verdad. Todos los días soñaba que regresaba y que me partía la cara en trozos diminutos y sangrientos como piezas de pescado. Mi cara y todo mi cuerpo eran una auténtica carnicería”.

Un día, cuando estaba próximo a morir, me dijo: “Aún ahora sueño que regresa, y solo me dice una frase: ‘No te perdono’. Antes de yo pueda reaccionar me lanza el primer golpe”.

Me pongo las mejores galas para el desayuno. El vestido azul, el vestido con el que me casé. Mi madre era modista y bordadora. Echó la casa por la ventana: quiero decir que me dedicó muchas horas de sus días, muchas horas de mis hermanos, noches de desvelo mientras entraban por la ventana los olores del campo y una luna cobriza.

Después me siento a la mesa. Mi consuegra Isabel ha preparado el desayuno. Me gusta lo ordenada que es: siempre pone tostadas para la mantequilla y mermelada, tostadas con aceite y sal, gallegas y magdalenas, y algo de fruta. Me gusta ese ritual apacible. Yo jamás he sido capaz de hacer algo así. Me ha faltado sosiego: soy y fui un puro hervor de ansiedades.

Pero lo mejor viene después. En la casa vive un lector solitario que se sienta con nosotras y nos lee poemas. Varios. Cada día de un poeta diferente. Hoy de un tal Manuel Rico, de su libro ‘De viejas estaciones invernales’. Leyó al menos cinco poemas.

A mi consuegra le gusta mucho la poesía. Estoy segura. A veces cierra los ojos y se le encabritan los recuerdos. Yo suelo despistarme y siempre se me escapa la mano para matar una mosca. O dos. Hasta media docena a veces. Ya lo he dicho: soy un manojo de nervios.

Hoy, de nuevo, el lector se ha enfadado un poco. No soporta bien mis cacerías. Eso sí, me resultó conmovedor el poema ‘Academia de corte y confección’. No sé si porque me recordaba a mi madre o porque emocionaba a Isabel. Creí que iba a llorar. Ella, como mi madre, fue y es modista.

*Alberto Calvo me envía otro ‘Calvomoñaco’, dedicado a Cosntantin.

Lo he dicho muchas veces: considero que Víctor Juan Borroy es un trabajador incansable, un forjador de proyectos, un mitómano ilustrado. Siempre está pensando cosas, rescatando asuntos, generando sueños. No hay más que ver cuánto se lleva entre manos: la revista ‘Rolde’, la dirección del Museo Pedagógico de Aragón y sus publicaciones tan pensadas como incesantes, su tarea de escritor (ha terminado dos novelas, ha redactado varios relatos), sus estudios de pedagogía, su condición de padre primoroso a tiempo total. A veces pienso que Víctor M. Juan Borroy es el hombre que más se parece al Eloy Fernández Clemente de antaño: está en todas partes, está en el camino de la creación con un generoso, desbordado entusiasmo.

No exagero en nada. Estoy seguro. Y lo digo de alguien a quien apenas veo, con quien hablo poco (la vida nos lleva por lugares muy diferentes, y nos encontramos a veces, como esta mañana en el Auditorio para ver y oír la Banda Sinfónica del Instituto Aragonés de la Juventud, BASIAJ)  y con quien comparto muchas cosas: la curiosidad por las historias menudas, tamizadas por la emoción.

Ramón Acín es uno de sus dioses. Quizá el mayor de sus dioses paganos. Por ello, no es extraño que haya recibido esta carta y esta foto. Aquí queda. Víctor Juan en acción:

Queridos amigos,

Como sé que os hará felices, os envío las primeras fotografías de la reproducción facsímil de la mesa de dibujo de Ramón Acín que está ultimando para el Museo Pedagógico de Aragón Óscar Sánchez, el artesano de nuestros sueños imposibles.

En unas semanas la tendremos en el museo.

Óscar me escribe:

"Te envío alguna foto en la que se pueden ver los ensambles que harán de esta mesa una pieza casi indestructible. Quiero que nos sobreviva y que durante muchos años sea excusa para contar una historia de Ramón Acín".

Abrazos. Víctor M. Juan Borroy. (La foto es de Óscar Sánchez).

O CREADOR NO SEU OBRADOIRO

O artista coruñés amosa as súas últimas obras escultóricas

Un dos tópicos que, aínda hoxe, continuamos a sentir en calquera mostra de arte contemporánea, novel ou consagrada, é ese marabilloso de que “Boh! Isto tamén o fai o meu fillo!”. Marabilloso, abofé, pois, baixo o seu ton pretendidamente desprezativo, encerra unha gran verdade: a de que só os creadores iluminados son quen de preservar o seu neno interior. Isto é: a capacidade de abraio, de enlevo perante os misterios do universo.

            O avó de Tono (Santiago, 1967) foi “debuxante con Castelao”, e o pai “debuxante de andar por casa”. Por iso, por tradición familiar, “a miña nai pasaba o día acirrándome: Tono, debuxa! Debuxa, Tono!”. E o rapaz fíxolle caso. Tanto que, ós sete anos, instalado xa n’A Coruña, conseguiu ver impresas varias das súas primeiras obras en La Voz de Galicia. Dende entón, malia ter pasado por varias escolas de Galicia e Cataluña; malia ter aprendido dos mestres antigos e modernos, Tono segue a ser un neno. Un neno que pinta e esculpe.

            Cando lle preguntas polo que está a procurar nesa Cova de Hefesto que é o seu obradoiro, responde axiña: “A inxenuidade.” Palabra que, consonte el, “entraña os sensos de cortesía, de respecto, e sobre todo de Amor.” Por iso “eu defendo a inxenuidade coma modo e método de vida.” Por iso, ben cabe aplicarlle a este venerador de todo o venerable o verbo que San Juan de la Cruz inventou no Cántico espitual: “Adamar: amar dobremente.”

            El mesmo tentou explicar a súa sinxela filosofía “da vida e da arte, que para min son inseparables, xa que a arte me aferra á vida e, asemade, me mergulla nun mundo paralelo e irreal”, nun manifesto no que bulen aforismos coma estes: “A realidade é mentira.” “O ser humano é o tema máis vizoso e apaixonante que existe.” “As formas non imitan a Natureza: acompáñana.” “O encontro da forma e da cor é froito do azar.” “Os erros son pasos cara a adiante.” Tono, xaora, dubida de todo o que ve porque coida que “a certidume é o principio da fin”. Mais se hai algo que ten ben claro é que “a arte, esoutra maneira que ten a vida de se manifestar, é tan sagrada coma esta”. E, malia ser un ateo confeso (ou máis ben “un seguidor do Tao”, desa enerxía cósmica indefinible pero transmisible, e presente en tódolos seres e en tódalas cousas), asegura “vivir e traballar coma un monxe, pois para min crear é rezar, rezar arreo”.

            Tono recoñécese “ante todo pintor, aínda que eu sempre digo que estudei pintura para me facer escultor!”. Le Forgeron de Rimbaud. O forxador de soños. O ferreiro do superreal. Non en van, o eixo do seu obradoiro é ise chintófano máxico que en galego posúe, curiosamente, unha chea de sinónimos: bigornia, engra, incre, zafra, craveira. O ferro e o lume. Dous dos símbolos de poder (construtor ou destrutor) máis enraizados no noso inconsciente colectivo.

Hai uns meses, Tono sufriu “unha epicondinite moi grave, e coidei que endexamais volvería forxar”. Ende ben, conseguiu curarse, e, agradecido, “coma unha sorte de ofrenda ou de exvoto”, artellou unha escultura estrañísima, fermosísima, titulada O brazo do escultor. Un acto que revela perfectamente o seu xeito de “estar no mundo”: o mesmo cós dos xamáns de Lascaux ou Altamira; o mesmo cós dos videntes precolombianos ou africanos. Agora, con azos renovados, non para de tallar, arroxar, brunir, repuxar… coma un neno. De apañar todo o que o azar obxectivo lle guinda ó seu paso para, como di el, re/crealo… coma un neno. E alí, no cimo do Monte Alto, vén de preparar a súa primeira mostra integramente de esculturas. Fetiches e tótems con nomes tan engaiolantes coma Retrato do Sol ou O inventor de bágoas que agora poden verse na Galería MoretArt.  

            É certo que en todos eles, igual que nos seus cadros, ladra a influencia de Ernst, Klee, Miró ou Giacometti. E, moi por riba desta, a da chamada “arte primitiva”, que cada vez ten máis presenza no seu labor. Pero, como aseverou Octavio Paz referíndose a René Char, Tono “non mente”. El, coma os seus propios pais, ten “pais putativos: quen non?” Pero el, coma eles, como fixeron tódolos membros desa antiquísima liñaxe de seu, está a acrisolar a súa herdanza para conformar algo distinto. Proba diso son xa algunhas pezas inclasificables coma Nai Natureza ou Polifemo. Ídolos que nos atraen co mesmo magnetismo, co mesmo halo sacro que esoutros perante os cales Tono se axeonlla con auténtico fervor.                       

*A foto é de Gabriel Tizón. Este artigo pertenece á serie que publica Xoán Abeleira na edición galega de 'El País'. Abeleira, tras a traducción de Sylvia Plath para Bartleby, inicia un novo proxecto: a versión ó castelán dunha amplia escolma de Ted Hughes.

¿Qué ha pintado el artista?

¿Dónde está Klimt? ¿Cuáles de entre todos son sus ojos, dónde está su lujuria fermentada en escarcha de oro?

Dice el artista que aquí está una de sus mujeres.

Hay como colas de pez, ensimismadas en su propia espiral y en un tamiz de sombras.

Y hay, sobre todo, un poderoso ejército de ojos

y un vencejo y un ruiseñor que invaden con su canto.

A Klim le gustaban los jardines.

Y el olor agreste de las mujeres.

Y el crepúsculo dorado. Y la luna herida de sangre.

Aquí hay un enigma de suicidas.

O de flores insomnes que desordenan la líbido.

Y un charco de luz que copia el pensamiento de los monstruos.

*Alberto Calvo se ha detenido ahora en el mundo de Gustav Klimt, uno de los pintores que ha adquirido más pujanza en los últimos años. Se ha convertido en un referente, en un modelo. Su pintura, elaboradísima de color y de sensualidad, anda por aquí como un laberinto y acaso como un espejo.

Alberto Calvo se ha fijado ahora en Emil Ludwig Kirchner (1880-1938). Se suicidó. Fue uno de los grandes expresionistas, al que los nazis consideraban autor de un “arte degenerado”. Nada más y nada menos, ellos que encarnaban una de las formas más terribles de degeneración del género humano.

He aquí pues otro homenaje, otro moñaco de Calvo. Un Calvomoñaco al modo de Kirchner.

Alberto Calvo, ‘Supermaño’, es un investigador del arte. O un loco de atar. Un poeta que persigue palabras, o que lanza palabras al viento como puñales de música y escarcha.

No se acomoda. Persigue sombras. Va de aquí para allá como un sonámbulo con un puñado de obsesiones bajo la lengua. Parece distraído o, sencillamente, un extranjero que camina sin paraísos al alcance de la mano. Va y viene. Se trastabilla. Se enreda en el cierzo y fuma un cigarrillo. En os últimos años ha hecho proyectos preciosos: bosquejos y bosques, líneas de sombra, contraluces, fogonazos de asombroso color, rayujos de nieve y noche.

Hizo sus cuadernos de damas. Pintó sus tauromaquias, concibió la tarde boca arriba y ensangrentada sobre el albero. Vio el toro y el torero en una pugna antigua, y extrajo el incendio del sol, la morbidez de las formas, la paleta de las tintas.

Ahora, Alberto Calvo ‘Supermaño’ ha iniciado una nueva serie: un diálogo muy libre con distintos artistas. Tiene en mente, por supuesto, a Kandinsky. Tiene en mente a Klee, a Leger, a muchos, pero ha empezado con Constantin Guys, nada menos. Y he aquí uno de sus primeros acercamientos.

Ayer por la tarde, poco después de escribir un pequeño artículo, ‘Goya en Dublín’ (apenas un fragmento de mis impresiones en la ciudad de Joyce), fui con mi hija Aloma a la clausura de la Semana del Cine y de la Imagen de Fuentes de Ebro que dirige, desde hace catorce años, José Antonio Aguilar. Iban a entregarse los premios y a realizarse un homenaje a Luisa Gavasa, que estuvo el pasado domingo en ‘Borradores’. Hay algo que me gusta mucho de Luisa: su sincera gratitud a quienes le han enseñado (desde Mariano Cariñena a Ricardo Salvat, por ejemplo), su vocación de felicidad, su identificación con Zaragoza y con Aragón sin dejar de ser ciudadana del mundo, su infinito amor al medio y a los compañeros, y su exaltación de la vida, de la pasión, de la amistad, de los vínculos familiares (con su hermano, con la gente que elige como parientes del alma, con sus padres), de los pequeños gestos del vivir.

Me alegró ese premio: Luisa es una mujer con carisma, con un gran sentido teatral de la vida y a  la vez entusiasta, directa, conmovedora, como un volcán hecho mujer que reclama ternura, confidencia, lucidez (la pone ella) y sexo. Como todos, al margen de cualquier cifra del carné de identidad. Y lo dice alguien que aún es joven: nació a principios de los años 50

Luisa Gavasa, y empiezo por el final, o ‘La Gavasa’, como le llaman algunos, estuvo sensacional. Dominó la escena y los afectos como si fuera Irene Papas, Anna Magnani o Anne Brancroft: exhibió humor y melodrama, ternura y autenticidad, y pronunció un discurso inolvidable. Le dio sentido, hondura y emoción al hecho de ser ‘La Dama de Fuentes’, y emplazó a su hijo Pablo a recordar una noche como ésa dentro de unos cuantos años, cuando ella ya no esté, tal vez, y además le declaró su amor a su marido, que se levantó y saludó con timidez y orgullo al personal.  Cerca de ella estaban muchas amigas: María Luisa Sanjosé, Pilar Bardem, Itziar Miranda o, entre otras, Paca Gabaldón (aquella que señora que desordenó la lujuria nacional con el nombre de Mary Francis…)

Fue una noche estupenda que arrancó maravillosamente con un homenaje al cine, al montaje, a la fotografía seriada, al movimiento y también a los gestos corporales: al desnudo, al boxeo, al amor. (Por cierto, el premio al mejor montaje sería para Adriano Castoro). Y a partir de ahí, bajo la conducción contenida pero elegante de Aitana Muñoz, discurrió una ceremonia cargada de emotividad que recordó a Alberto Sánchez Millán y a José Luis López Vázquez. Fuentes –como La Almunia, como Zaragoza, como Tarazona, Uncastillo y Huesca, entre otros lugares…- es una cita, un estado de la cuestión y una ratificación del cine. Aragón posee un amplio plantel de profesionales, de proyectos constantes, de sueños, y intenta elaborar, año a año, la quimera de una industria de cine o un laboratorio de aprendizaje y de logros.

Eso se fue viendo todo el rato: hubo ganadores por partida doble como el talentoso e iconoclasta Ciro Altabás, el joven y brillante Pablo Aragüés, Pilar Gutiérrez (que estuvo muy bien, recordó que había vivido amores tan convulsos y desgarradores como los de su película; alguien recordó que había ganado cinco premios a lo largo de la SCIFE), Javier Estella y José Manuel Fandos, que ya forman un dúo de lujo del cine desde una vertiente personal del compromiso y de la curiosidad por las injusticias en distintas regiones del mundo. Me encantó que fuesen premiados David Terrer (a quien conoce desde los años de ‘El Paseo’ de ZTVm donde montó con mucho cariño muchas piezas) y Carlos Naya, que subió al escenario con su jovencísima y primorosa actriz, un ángel de rubia luz, tras recibir el premio ‘Mejor ópera prima’; su tía Yolanda Liesa la miraba con arrobo, la niña ha heredado el talento audiovisual de esta joven cineasta que es, con Teresa Lázaro, los ojos de Borradores. Tuve la suerte de besar en los prolegómenos a los actores que serían galardonados luego, María José Moreno (que prepara una ‘María Estuardo’ para el Principal) y a Jorge Asín, y me alegró que Juanjo Javierre ganase el premio a la mejor música. Otro momento especial fue el premio de Valores Humanos Julio A. Parrado y José Couso que recibieron Santiago Zanou y ‘El Langui’.

La noche me reservó una pequeña sorpresa. No fui a la gran fiesta pero vine hacia Zaragoza con Mariano Cariñena y su mujer Marisol. Hablamos de cine y de teatro, y él recordó su último rodaje con Graciela de Torres Olson y sus felices años con Luisa Gavasa en el Teatro Estable.

Fuentes de Ebro es un ejemplo. Ha integrado perfectamente a la población de todas las edades, la ha vinculado con el cine, y cuida todos los detalles y las corrientes de cariño con los demás festivales. La SCIFE es una factoría para todos los públicos: niños, adultos, ancianos. Ahí, durante una larga semana la población se envenena de sueños de cine. Y lo hace con ilusión, gozosa perplejidad y auténtica alegría. José Antonio Aguilar es uno de esos tipos entrañables que mueve montañas con su equipo.

Dentro de muy poco, llega el Festival de Jóvenes Realizadores de Zaragoza. Entre otros asuntos, José Luis Anchelergues me dijo ayer que se iba a presentar un libro de imágenes y de testimonios de afecto que ha coordinado Luis Alegre. (Esta foto de Luisa Gavasa fue realizada por el gran fotógrafo de HERALDO, José Miguel Marco).

Jose Herrera se sienta ante la tele y se pone a dibujar. Lo hace sistemáticamente, como si respirase. Ha retratado a un sinfín de escritores, artistas, fotógrafos, bailarines, historiadores: hombres y mujeres. Le da lo mismo. Si se identifica con alguien, bien; si no se identifica del topo pero encuentra un rostro o una personalidad interesante, también se atreve. Lo hace con pasión, y sus obras tienen algo de caricatura y de retrato a la vez. Al principio desconciertan por su expresionismo, por el arrebato gestual, pero luego se percibe que Jose Herrera ha hecho un retrato de síntesis, una interpretación, una forma de mirar, y que su imagen se parece al retratado en muchos gestos, en pequeños detalles. Así le salieron los retratos que expone en el Pequeño Teatro de los Libros de las Fuentes, que dirigen Carolina y Cira. Retratos a vuelapluma con lápiz, con rotulador, tocados aquí y allá de una mancha de color, retratos vertiginosos, intuitivos, que explican un modo de entender el oficio, una pulsión de retratista.

Este es el retrato de José Luis Rodríguez, que publicaba en Akal su novela ‘Porque de atracciones’, una ficción psicológica y policíaca que giraba en torno al montaje del ‘Rey Lear’ de Shakespeare. La foto del retrato pertenece a David Barreiros. Este jueves en ‘Artes & Letras’ Alejandro Ratia habla de su exposición, y este domingo en ‘Borradores’ se verán una amplia colección de imágenes.

Dice Primo:

 En este blog –Primo blog fotográfico: http://primo.com.es/- no suelo escribir de nadie, pero en esta ocasión excepcional lo hago de JOSE LUIS CANO. Cano es el hombre que tiene el valor de decir lo que piensa en todos los sitios, hasta cuando le dieron el premio de hijo predilecto de Zaragoza. Solo puedo decir: CHAPÓ.

*He ajustado algo el texto de Primo en cuanto a puntuación y poco más.

Excmo. Sr. Alcalde, autoridades, señoras y señores, amigos todos, buenas tardes. Y enhorabuena  a mis compañeros galardonados.

Quiero ante todo expresar  mi más sincero  y profundo agradecimiento a todos cuantos han pensado que pudiera ser yo merecedor de esta distinción. Es para mí un gran honor y motivo de alegría recibirla.

También agradezco a Carlos Pérez Anadón sus palabras, que, haciendo un recorrido por mi biografía, ha agrandado los méritos y ocultado los defectos. Gracias también muy sinceramente por recordar a Nieves sin la que poco soy y a la que en verdad adorna un hermoso olor a trigo.

También gracias a los que ya se fueron y a los que un día como hoy los hace eternamente presentes. Gracias a mis hermanos Pilar, Carmen y Luis, Ramiro, Agustín y Concha, y gracias a tantos amigos, cercanos o lejanos cuya sonrisa me afirmó su lealtad y cuya presencia ha sido y es siempre mi ánimo.

Y finalmente gracias a Zaragoza, mi ciudad, la que me hizo pintor. De la que me alejé para saber amarla.

Una vez se dijo, y es cierto, que la distancia es el alma de la bondad. Cuando me fui de Zaragoza, aunque entonces no lo supiera, fue para ir a buscarla. Uno se va para encontrarse, para en la distancia empezar a definir quién eres, a dibujar la luz que descubrieron y amaron tus primeros ojos y saber distinguirla de falsas luminarias.

Me hice pintor para preservar esa primera luz y ser memoria de ella. El pintor es sólo un vehículo de esa primera memoria, para reconocerla, para hacerla viva y siempre nueva. Para ordenarla y hacerla crecer.

 Soy pintor de Zaragoza, de la Zaragoza creativa, solidaria, la del viento que limpia y que renueva. Soy pintor de la ciudad que une, que suma y aglutina, la que no desfallece, la que tiene el arrojo de vestirse de futuro sabiendo quien era en el pasado. Soy pintor de la Zaragoza generosa, la justa, la que procura justicia, la que educa en la igualdad, la libertad, la razón y la bondad. La que mantiene encendida siempre la lámpara de la sabiduría y de la inteligencia.

 Hay otras Zaragozas pero esta es  la que amo. La de la luz inmensa y cegadora, la que se enorgullece de sí para ofrecerse, la sabia, la que supo sumar las tres culturas, la que no se aletarga ni  adormece y a la que cae la noche sólo para ser cobijo de amantes y no refugio artero de la imbecilidad, la intolerancia y la incultura. Esa es la Zaragoza que amo y a la que reclamo una vez más sagacidad, audacia, inteligencia y perseverancia.

De esa Zaragoza soy y de ella me siento simple y orgullosamente  hijo.

Muchas gracias.

*Este es uno de los murales de Jorge Gay para el Centro Aragonés de Barcelona, que acaban de inaugurarse.

El pasado día 24 de septiembre Lina Vila inauguraba una exposición de su obra en Lisboa, en la galería Camara dos azuis. Una muestra con mucha obra de los últimos años, centrada en la identidad, el cuerpo, los animales y las sombras del tiempo. Lina Vila vive un espléndido momento de creatividad y de entusiasmo por las pequeñas y las grandes cosas de la vida: los viajes, la amistad, el estudio o la pasión.

Hoy, Lina Vila cumple años: 39 años. Me he encontrado en mi archivo de fotos con esta obra de José Antonio Melendo: el mural de la sirena que pintó Lina en el verano de 2008 en mi casa. Fue un hermoso regalo de cumpleaños que realizó por sorpresa. La foto de José Antonio Melendo está realizada el 25 de agosto de 2009.

José Luis Cano, con Jorge Gay y Los violadores del Verso, entre otras personas, ha sido elegido Hijo Predilecto de Zaragoza. Mañana explica en Zaragoza qué siente por Zaragoza y cuáles son sus lugares favoritos. A estas horas, estará leyendo esta respuesta en el salón de actos.

Este es el texto de agradecimiento que leeré esta tarde en el acto correspondiente.

Autoridades todas, vecinos de Zaragoza, foranos, compañeros de los medios de comunicación en el ejercicio de vuestras funciones… Queridos hermanos: Felicidades.

Señoras y señores:

Las efusivas palabras de don José Manuel Alonso me han recordado el día en el que Plácido Serrano me presentó a Chumy Chumez, explicándole todo lo que hacía y hago. “Pues, si hace tantas cosas, es que le pagan todas mal”, sentenció el sabio.

 Hace unos meses, rechacé recoger la medalla de Defensor de Zaragoza porque estaba muy enfadado con este Consistorio; porque desde pequeño tengo fobia a los cuadros de honor y porque me considero indigno de semejante título, ya que como defensor, soy una ruina.

Señoras y señores: Todo lo que he defendido de Zaragoza ha caído arrasado bajo la piqueta, la sierra mecánica o la desidia. Salvo el Mercado Central, que yo recuerde.

Como diría Quevedo, ruina seré, mas ruina descarada, que aún se atreve a plantearles un reto: ¿Por qué no colocan una placa conmemorativa en la casa natal de sus hijos predilectos? Comprendan que me atrevo a planteárselo por la sencilla razón de que mi casa natal cayó hace tiempo bajo la piqueta.

 Confieso que he llamado a esta ciudad de todo menos bonita. Hasta llegué a perpetrar un libro titulado Zaragoza y editado en Valencia, para demostrar que tengo más razón que un santo. Después, me propusieron hacer lo mismo con otras ciudades y me negué en redondo porque, señoras y señores, madre no hay más que una.

 Que, pese a todo, Zaragoza me considere hijo predilecto suyo, me emociona hasta el extremo de no poder ni pensar en la posibilidad de que, con semejantes antecedentes, la predilección que siente la Ciudad por mí sea la misma que siente cualquier madre por el hijo tonto.

Acepto, además, el título, con la tranquilidad de conciencia que me da el saber que este democrático Ayuntamiento, por no caer en el feo vicio del nepotismo, jamás encargará una marca de la Ciudad o cualquier otra promoción a ninguno de sus hijos, ya seamos predilectos o de los otros.

 Señoras y señores: Imitando tan cosmopolita proceder, acabaré con una cita del cantautor madrileño Rosendo Mercado, repitiéndola una y otra vez, aun a riesgo de afrontar los rigores de la SGAE:

Que tengo tantas cosas que decir

Y tú, como si no fuera contigo,

La historia se repite y aún así

prometo estarte agradecido,

prometo estarte agradecido…

Muchas gracias

*La foto de José Luis Cano es de Vicente Almazán.

Conozco a gente que piensa que los pájaros son animales repulsivos. No hallan en ellos nada elogiable y no entienden a esos poetas que les han escrito magníficos poemas, desde Leopoldo Lugones a Pablo Neruda, desde Saint-John Perse a Andrés Trapiello. La pintora Teresa Salcedo ama los pájaros y su leyenda, y ama los paisajes tamizados de luz y de sutileza, que tienen un pie en ‘La pradera de San Isidro’ de Goya, en la obra de Caspar David Friedrich y en el arte oriental, escurrido de atmósferas. Desde hace más de un lustro trabaja en el proyecto ‘Silencio peregrino’ (se expone ahora en Aragonesa del Arte), que es una colección de paisajes, con o sin pájaro, con o sin árbol, cuyos cielos están tocados de misterio, de montañas nevadas o de una diluida veladura de oro. Teresa Salcedo construye paraísos, tránsitos para el caminante y para el soñador, y lo hace con una exquisita elegancia, con una rotunda tensión plástica. Son tiempos para hablar de crisis, y ella lo hace casi como en un gran criptograma. Aquí está el llanto, aquí el dolor, aquí la violencia, y en todo, en todo está la pintura que alcanza una hermosura inefable. Una hermosura inefable que también denuncia el paro, la desesperación, la injusticia, y que se plantea  a su modo la alianza entre la realidad y la ficción. Teresa Salcedo conoce su oficio, posee técnica e inspiración, se rebela, grita, y al final se remansa en suavidad y en un árbol con alas que intenta zafarse del abismo. Estos días han muerto seres entrañables como José Notivol, Zeika Viñuales (hija del pedagogo Evaristo Viñuales, presa de la Gestapo), Rolando Mix Toro y Mariano Forns. Ojalá que ellos encuentren el solaz definitivo en lugares como los que pinta y sueña Teresa Salcedo. Paisajes de la imaginación que acaban por volverse reales. Paisajes intemporales para el alma.

*Teresa Salcedo expone estos días en la sala Aragonesa del Arte y muy pronto inaugurará una instalación impresionante en la Casa de la Mujer.

O CREADOR NO SEU OBRADOIRO

ISABEL PINTADO, A CAROA DA LUZ

A pintora expón unha nova serie na Galería Sargadelos de Ferrol

Agochado tralo meu abecedario electrónico, abesouro unha obra da que moito gusta a súa artífice: Isabel Pintado. Unha muller nada en Madrid (“onde estudei Belas Artes, especializándome en gravado”) pero afincada dende hai lustros n’A Coruña (“onde realmente me desenvolvín coma artista”). No papel, ama(n)sado polas súas mans, buliga unha cidade. O trazado minucioso das casas, das galerías, dos soportais insinúa que se trata dunha vila galega, mentres que as ondas violetas, grises, vermellas, a parte do mar abstraído na banda inferior evoca Venecia. Mais se falo desta peza concreta non é porque agora aboie na miña estancia, coma un lebiste nun acuario, senón porque quintaesencia case que tódalas virtudes que os estudosos, os amantes da alquimia de Pintado adoitan loar. Para entendérmonos: esta creadora é coma a fusión de Gentileschi e Goncharova. De Belloto e Zóbel. Da figuración máis clásica e a abstracción máis lírica. E iso envolto nun halo estrañísimo, abofé, coma o dos enigmas de De Chirico ou de Magritte. Acougo e desacougo asemade.

                                                                 De cativa, Isabel Pintado era célebre no colexio “polo ben que retrataba as miñas compañeiras; de feito, lémbrome debuxando dende sempre”. Agora, o primeiro que chama a atención, que esperta admiración ó visitar calquera das súas mostras é o dominio que posúe non xa da técnica canónica senón das múltiples técnicas que ela está a filtrar para inventar a súa propia “mestura de técnica gráfica e pictórica”. Óleo, acrílico, collage, pan de ouro, estarcido, retallos de tea ou de papel son algúns dos moitos “vehículos” cos que Pintado está a percorrer a súa peculiar vía. “Secasí, o meu labor non é tan matérico coma, por exemplo, o de Tàpies. A min interésame máis a veladura, a textura que deixa albiscar o que hai debaixo”. Un elemento especialmente curioso é a incorporación ós seus lenzos de frases soltas, escritas a lapis, auténticos versos. Mensaxes cifradas (“tócate a luz e devén ouro”) coma enviadas polo propio cadro á súa médium, que “normalmente xorden de maneira automática, intuitiva, e que veñen sendo un resumo da sensación que quero transmitir. Amais, cada vez aparece menos a figura humana nas miñas obras, e eses flashes que me tocan son un xeito de humanizalos.”

                                                                 Sensación é talvez o termo que máis repite esta creadora. E iso, a súa arela de “transmitir sensacións, emocións, máis que ideas ou conceptos”, semella ser o que está a levala da figuración á abstracción total. Agora asegura atoparse “nunha etapa intermedia, con certo medo ó baleiro”, na que, como vemos, poden convivir unha mazá daliniana, perfectamente pintada, madurecendo no peitoril dunha fiestra case que hiperrealista, cunha paisaxe pola que ben podería pairar o espírito de De Stäel.

                                                                 Ó tentar describir ese algo que perciben dentro dos cadros de Pintado (o célebre “no sé qué que queda balbuciendo”), algunhas persoas falan de silencio; outras de quietude; outras do paso do tempo; outras de metafísica, outras, en fin, do puro e duro misterio. Ela prefire definilo coma “a maxia que entrañan tódalas cousas”. Algo que sen dúbida é froito do xeito en que Pintado amece cadora o mundo interior (a parte figurativa, curiosamente) e o exterior (a parte abstracta, normalmente), “tentando expandilos”, engade ela, “cara a dentro e cara a fóra, para integrar a persoa que fita o cadro ata o punto de que poda pasear por el”. Ás veces mesmo eliminando a suposta linde que os divide, co cal consegue pasar dese realismo máxico tan sumamente evocador a ese superrealismo do que ela recoñece ter bebido. Coma n’A duna, unha obra moi lautréamontiana na que, no canto “do encontro casual entre un paraugas e unha máquina de coser nunha mesa de operacións” ollamos un escritorio con varios obxectos meditando encol del en metade dun areal. “De feito, moitas veces inclúo nos meus lenzos imaxes que enxergo nos meus soños”.

                                                                 Para soñar é precisamente o título da exposición que se inaugura o día 2 de outubro na Galería Sargadelos de Ferrol. Unha suite sobre a relación entre a pintura e a literatura. “O libro, como tal, xa apareceu en varias obras miñas anteriores, mais agora quixen facer unha serie íntegra sobre as diversas vivencias que nos provoca a lectura; o libro visto coma un obxecto que nos leva a soñar, a viaxar, a imaxinar, a sentir”. A entrar alén. Xalundes. Coma as propias xeiras de Pintado.

Un dos descubrimentos desta fermosa aventura é a espiritualidade da cor negra, “que aquí simboliza case sempre a noite, o momento de recollerse”, no senso anímico do termo, “pois a serie está estruturada en cadros de día, digamos, e cadros de noite”. O outro achado é o dos dípticos, xa que, neste feixe en concreto, semellan de seu libros abertos. “No fondo do que estou a falar é da procura á que nos impulsa calquera obra de arte en xeral, e a vida mesma en si”, di ela. Sabendo que en realidade non existe ningunha meta que non estea xa en nós.

Otra de las imágenes de Mapi Rivera que se han manejado para presentar el Festival Periferias es ésta, que forma parte de una nueva serie de la artista oscense instalada en Barcelona.

Hace unos días, avancé aquí la programación de Periferias, el certamen que dirigen en Huesca Luis Lles y Juanjo Javierre. Ayer, Mapi Rivera, responsable del cartel, me enviaba el tema central del mismo. Una de sus creaciones poéticas, de gran sutileza expresiva, en torno a su propio cuerpo. Mapi Rivera se siente muy vinculada a artistas como Ana Mendieta.

"Emilio Abanto fue un hombre intensamente bueno, mejor aún: intensamente decente. Ha muerto admirablemente: solía decir que a él le había tocado la lotería del cáncer y no cargaba las tintas sobre ello. Fue un hombre cariñoso y atento, entrañable, que hizo de la pintura su vida". Así define el pintor Pepe Cerdá a su amigo Emilio Abanto (Zaragoza, 1960), que falleció ayer. Pepe Cerdá recordaba que habían coincidido en varios sitios desde los catorce o quince años, y que habían trabajado juntos, incluso pintando aparatos de circo, "con mucho gusto y mucha calma".

No es fácil encontrar muchos datos de Abanto: estudió en los Escolapios, se matriculó en Medicina, pero pronto se sintió tentado por el dibujo, por el cómic y la ilustración. Después, inclinado hacia el sueño de la pintura, compartió estudio con Cerdá y otros (Luis Salas, Vicente Dolader, etc.) en la calle Ramón y Cajal 7, luego en San Pablo 6 y más tarde en la plaza de San Domingo.

A principios de los 80, cuando proliferaban los grupos artísticos en la ciudad, Emilio Abanto participó en el colectivo Zotal junto a Carmelo Ramos Rebullida, Juan Sotomayor, José Vicente Royo, Anabel Gandú y Luis Salas, entre otros. Su pintura era muy personal, con esos muñecos de grandes cabezas y rostros, que hacían pensar en Keith Haring, o con esas series de peces, que se convertían en elementos simbólicos y a la vez en su iconografía más obsesiva. Abanto solía frecuentar el Bonanza, donde expuso, con amigos como Fernando Moles, Iris Lázaro y Eduardo Laborda, biógrafo del café de la bohemia artística.

En el volumen 'Pintores de Aragón' decía que había aprendido mucho en los talleres de Luis Salas, Fernando Moles y Pepe Cerdá, que ahí había tenido "su mejor escuela de pintura". Aseguraba también que su currículo eran sus amigos, "el Bonanza y el mar". Trabajó en cultura en el Gobierno de Aragón. Realizó exposiciones individuales (una de las más importantes fue la de 1997 en la Casa de la Mujer) y colectivas, entre ellas 'Pintura aragonesa a la escuela', coordinada por Manolo Val.

*Redacté esta nota que ayer apareció en Heraldo. Hablé con Emilio Abanto el pasado junio: le llamé para pedirle una ilustración para ‘Artes & Letras’. Me dijo que la haría a la vuelta del verano. Copio también cuatro comentarios de amigos y conocidos de Emilio Abanto, y doy las gracias por el cariño hacia Emilio, la mayoría lo conocíais más que yo, y por las correcciones.

• Patxi (16/09/09 21:50)

solo puedo decir que siento mucho el fallecimiento de Emilio que comparto que fué una persona muy buena y sobre todo siento haberme enterado tarde si hay algun lugar despues de este te deseo que te encuentres en el mejor de los sitios. Mi mas sentido pesame a toda su familia y amigos. No te olvidare gracias por todo.

• LuiS SALAS GIMENEZ (16/09/09 19:49)

Todos los que hemos vivido y compartido periodos importantes de nuestras vidas con Emilio sabemos que Emilio era ante todo persona integra. Emilio tenía muchos amigos, pero Él era el amigo que siempre estaba allí. El viernes pasado estuvimos con Emilio, nos enteramos tarde, hoy ni siquiera te hemos acompañado, esta mañana Juanjo Vázquez nos daba casualmente la noticia de que te habías ido, sin avisarnos, desapercibido, sin darte a entender, con la humildad y la honestidad que siempre has demostrado, como persona y artista. Un gran dibujante y magnífico pintor. Como dice Moncho, los que te queremos y hemos compartido 40 años contigo, siempre estaremos orgullosos de haberte tenido como nuestro mejor Amigo.

• José Ramón Mañeru (16/09/09 14:28)

Tiene razón Pepe Cerdá. Emilio ha sido bueno y decente, extraordinariamente bueno. Durante casi cuarenta años de relación, pasamos por épocas de mucho contacto o de muy poco, pero siempre ¿y nunca se lo confesé¿ le admiré por su valentía para hacer lo que creía que tenía que hacer (aunque no fuera lo más conveniente y políticamente correcto, como dicen ahora), me atrevo a decir que hizo siempre lo que le dió la gana. Dejó la carrera de Medicina porque no le interesaba; dejó un ¿trabajo seguro¿ en una multinacional porque le aburría tremendamente; ultimamente pleiteó con la Administración por lo que creía que era justo. Le gustaba dibujar y pintar y hablar con sus amigos. Y ahora, probablemente, la cultura oficial se acuerde de Emilio Abanto. Donde esté, si está en algún sitio ¿además de en la memoria de sus amigos? Descanse en paz. Nota: El estudio-local-lavandería de la calle San Pablo lo compartíamos con otro Dolader ¿sobrino de Vicente ¿ Juan Carlos Dolader.

• Pablo (16/09/09 07:19)

Yo recuerdo de Emilio, entre otras cosas, el tremendo cabezón del monje que pintó en "El Refectorio", emblemático garito de finales de los 80, al lado de San Pedro Nolasco, sus cuadros de cabezas redondicas (el señor Bill Gates lo plagió vilmente para sus emoticones del Messenger) y sobre todo, esos carteles que aun se ven por las piscinas con recomendaciones a la hora de tirarse un chapuzón...

*No he podido encontrar una foto de Emilio Abanto. Le despido con esta obra de Jean Loup Sieff de 1990: la bella contempla el taller del artista.

Fue el músico Carlos Satué quien me puso tras la pista del pintor e ilustrador Antonio Álvarez. Cuando vi su obra le dije, de forma idéntica al galerista y fotógrafo Pepe Rebollo: “¡Cuántos pintores hay en ti!”. Es cierto. En Antonio Álvarez hay varios artistas. O mejor: hay, ante todo, un pintor que va y viene por campos abiertos y encrucijadas, un pintor que no se afana en tener un estilo sino en hallar estilos, sesgos, manchas, emociones. Antonio es un pintor que enreda, que inventa, que disfruta con los materiales, con los secretos del oficio. De entrada, es un amanuense: alguien que se embadurna los ojos, el corazón y las manos con el paisaje, con lo que se ofrece, suntuoso o untuoso, ante esa mirada hambrienta de formas, de destellos, de instantáneas y de texturas. Y es también un trabajador que desprecia el cansancio o la tiranía del tiempo: crea, investiga, busca, con la paciencia del orfebre, con la voracidad de quien desea someter, temblor a temblor, ondulación a ondulación, todas las luces de las estaciones.

Donde mejor se ve a Antonio es en su estudio. Tiene dos, en realidad. Uno, en los bajos de su casa, en su bodega, repleta de marinas, de horizontes, de flores, de figuras insinuadas, de juegos con la madera, de mosaicos que copian a la vertiginosa acuarela segmentos de la naturaleza. Ahí, con esa pulsión incontenible que en él es pasión por la vida, connivencia con el misterio, opera con frenesí, a golpe de intuición, con gestos, con huellas de sombra y de luz sobre el papel, el lienzo o la madera. Ahí nos encontramos al pintor intimista y variado, que no se conforma con nada, que no se conforma con hacer siempre variaciones sobre un único tema. En la muestra se percibe claramente esta línea de investigación de Antonio Álvarez: asómense a sus plantas, a sus terrenos, a sus vaguadas, asómense a los campos desmayados y ocres donde el fuego alinea los trigales, alza muros o sigue las líneas de fuga de lontananza. Asómense a sus mares y a sus noches. Ahí se percibe qué es un pintor y el enigma de la pintura en formatos pequeños: aguadas, tintas chinas, carbones, óleo, acrílicos... Antonio Álvarez se sitúa en el centro del mundo con toda la ebullición de las imágenes.

Hay otra parte fundamental de Antonio: su condición de pintor hiperrealista que explora la huella de la decadencia en el paisaje urbano, el olvido que se instala en las casas decrépitas como un lamparón. Estas obras son tan minuciosas que Antonio invierte muchos meses en cada una de ellas. Las realiza en su taller exterior, más luminoso y despejado, a la técnica de la acuarela, de gran formato. La claridad del jardín germina y se instala en las piezas, con lentitud, con la costra de un oro viejo o el aroma de un ponche de siglos. Ahí, con calma y concentración, pincelada a pincelada. Antonio Álvarez alza sus paisajes, sus ruinas, sus bellezas demolidas o heridas por el inexorable paso de las horas y la fecundación del pasado.

En esta muestra está Antonio Álvarez al completo. El soñador, el místico, el artesano incansable del color. Aquí está un hombre de acción que encierra el mundo en el gesto de la mano y descompone, para todos, su hermosura y sus desgarros.

*Antonio Álvarez copia una obra de Francisco Pradilla. 

No se habla mucho de él, pero siempre anda por ahí, con un libro de versos, con un folio en el bolsillo y con un sinfín de sueños, como si fuera un adolescente eterno anudado a un cigarrillo de liar, oloroso y finísimo, tan efímero como un suspiro. Luis Felipe Alegre forma parte del paisaje cultural de la ciudad. Es sigiloso, tiene algo de galápago observador, de hombre paciente que oye, sonríe levemente, como si lo hiciera hacia dentro, y concibe un montón de proyectos para sí y para los otros. Para los poetas y los músicos. Para los actores y los titiriteros. Para los cuentistas, o romanceros (tal como se diría en Aragón), y para los artistas. Aunque rebasa en poco la cincuentena, lleva más de 35 años anudado al canto, a la palabra: cree en la belleza y en la intensidad, considera pertinente la denuncia, el grito y la rebeldía, se declara republicano. En cada una de sus funciones siempre hay inconformismo y búsqueda, siempre se nota cómo arroja una botella al mar de las emociones compartidas. Luis Felipe Alegre tiene su campo-base, si así puede decirse de alguien que usa alma ambulante y atuendo de insomne, en el bar Aragón: allí lee la prensa, repasa a sus poetas favoritos (Gelman, Benedetti, Miguel Hernández, Miguel Labordeta, García Lorca, Rosendo Tello, que le reveló la palabra iluminada de las metáforas), toma notas, concibe espectáculos, sueña odiseas por Latinoamérica. Una de sus obsesiones ha sido tender puentes entre Aragón y España y la otra orilla: lo hace sin pereza, con ilusión, como quien parte a reencontrarse con una familia emigrada. Hay en esta vida seres que siempre están ahí: enfermos de creatividad, desvelados, como un árbol carnal en medio del paisaje de la tempestad. Luis Felipe Alegre es un árbol que cobija las palabras y las expande con un silbo de afirmación desde Zaragoza.

*Luis Felipe Alegre, retratado por el entusiasta, infatigable y talentoso Vicente Almazán, el nuevo cronista visual de Zaragoza y sus gentes.

Esposa del escritor y cónsul Romain Gary, amante de Carlos Fuentes, Clint Eastwood y Ricardo Franco, y acosado por el FBI, hoy se cumplen ahora 30 años del suicidio de este mito del cine

Jean Seberg irrumpió en Hollywood como una aparición. Encarnó a una actriz compleja, perturbada, de una irresistible fotogenia. Fue Otto Preminger quien la rescató de la Universidad de Iowa a los 17 años: la seleccionó entre 3.000 candidatas (en algunos lugares se habla de 18.000) para dar vida a su ‘Juana de Arco’, aquella mujer soldado, ardiente y virginal, que sería condenada a la hoguera.

Poco después, cuando la joven hija de un droguero y una de una maestra iba a olvidarse del cine para siempre, Preminger la tentó de nuevo para que encarnase a Cecille en ‘Buenos días, tristeza’, la película de la novela de Françoise Sagan; ese papel, en un principio, iba a interpretarlo Audrey Hepburn. El éxito fue más bien modesto, pero muchos de los integrantes de la ‘nouvelle vague’ se habían quedado con aquel rostro, con aquella rebeldía, con aquel aspecto de ‘lolita’ que podía ser angelical y demoníaca a un tiempo, seductora, ingenua, dulce y perversa.

En 1959, Jean-Luc Godard la contrató para ‘El final de la escapada’, donde encarnaba a un joven norteamericana que se relacionaba con un muchacho marginal tan atractivo como Jean Paul Belmondo. Jean Seberg creó ahí un nuevo tipo de mujer, menuda, bellísima, desinhibida, una mujer moderna en el vestuario e incluso en su inmoralidad.

Ahí empezó a fraguarse el mito Jean Seberg, que se inclinaría más por Europa que por Estados Unidos, aunque en 1964 realizó una película un tanto premonitoria y oscura: ‘Lilith’ de Robert Rossen, donde era una mujer torturada que se deslizaba hacia la ninfomanía y la esquizofrenia. Para entonces ya había tenido numerosos compañeros, un primer marido, el abogado y vividor François Mareuil, y ya se había casado con el escritor armenio y cónsul Romain Gary, que también triunfó con su seudónimo literario: Emile Ajar. Siempre se ha dicho que había sido el hombre que más la había querido en su vida y que padeció su difícil y turbia personalidad. Tuvieron un hijo en 1963, Alexandre Diego Gary, pero pronto empezó el río de traiciones e infidelidades de ella.

Jean Seberg tuvo amores con el escritor mexicano Carlos Fuentes, que le dedicó la novela ‘Diana o la solitaria cazadora’ (Alfaguara, 1994), donde ella es una mujer desequilibrada y fascinante que coquetea con el sexo, con las drogas y con la vida peligrosa; se relacionó con Clint Eastwood durante el rodaje de ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’ de Joshua Logan. Fuentes ha dicho que entonces compartían un apartamento y que Jean pegó un póster de Eastwood de ‘La muerte tenía un precio’. A raíz de esta relación, Gary ofreció una rueda de prensa, según ha recordado el hijo de ambos, para anunciar su separación.

En ese instante, en ese laberinto de relaciones tumultuosas en las que parecía moverse, Seberg ya había sido acusada de espía por el FBI, y era perseguida por sus contactos con el movimiento de ‘Los Panteras Negras’. Diego Gary, que vive ahora en Barcelona donde regenta un café literario, ha dicho con crudeza y sentido de la desmitificación que odiaba de niño al líder Ahmed Kamel “porque pensaba que monopolizaba la atención de mi madre. Ella fue manipulada por los ‘Panteras Negras’, que le sacaron dinero para su causa. Ella les permitió que explotaran su sentimiento de culpa por ser una estrella de cine blanca y luterana del empobrecido Medio Oeste. Los Panteras Negras tenían más de delincuentes y chulos que de apóstoles de la libertad y de la igualdad para la gente de color”. Al parecer, el propio Hoover, jefe del FBI, ordenó que la espiasen, entre otras cosas porque ella se quedó embarazada y se pensaba que era de uno de los líderes del movimiento. Dio luz a una niña que murió a los dos días. Hoover era un perfecto hipócrita: persiguió a los comunistas y a los homosexuales, y él vivía una relación con un hombre y solía vestirse de mujer.

Jean Seberg ya se había inclinado hacia la locura y los excesos. Se acostaba con desconocidos (se casó al final de su vida con el gigoló Ahmed Asní, que le pegó brutales palizas), era capaz de pasear desnuda por los hoteles, etc. En 1973, Juan Antonio Bardem la llamó para una película, ‘La corrupción de Chris Miller’, donde haría el papel de madre de Marisol. Conoció al realizador español Ricardo Franco, con quien vivió una gran pasión. Se veían en Nueva York, en Los Ángeles, en París, en Madrid. Ella continuaba con sus amores contingentes. Ricardo Franco le dedicó ‘Lágrimas negras’, una película que hubo de concluir el aragonés Fernando Bauluz. Dicen que se intentó suicidar seis o siete veces, en la penúltima se arrojó al tren en Montparnasse, pero la salvaron los viajeros.

El 8 de septiembre de 1979, hace ahora 30 años, apareció muerta de sobredosis en un Renault. Carlos Fuentes dice que estaba envuelta en el poncho que él le había regalado. Romain Gary se suicidaría en 1980 con una pistola. Ahora, el hijo de ambos Alexandre Diego Gary ha reaparecido para recordar que no fue asesinada por el FBI, pero que esa persecución la alteró mucho más. Ella era, en el fondo, una mujer vulnerable, hambrienta de vida y de deseo, que sucumbió al arrebato del amor y la locura.

Toni Alarcón vuelve de París y me manda esta nota con regalo:

“Te deseo muchas felicidades y confío en que pasaras un estupendo día de cumpleaños.
 Te envío una foto de Anne Baxter en ‘Eva al desnudo’, en la que se ve el espléndido traje que hoy conserva el museo del cine de la Cinemateca de París junto a piezas que lucieron actrices como Mae West o Marlene Dietrich”.

Pepe Cerdá expondrá en el palacio de la Lonja en las fiestas del Pilar. Lleva varios meses trabajando en su estudio de Villamayor y en una nave industrial. Trabaja sobre todo los paisajes y también el retrato, los formatos grandes y los pequeños. Dice: “Nunca he trabajado tanto como en esta ocasión”. Su exposición suscita muchas expectativas; Pepe es un contador de historias, un pensador de cantina, un viajero, un diletante, un vitalista escéptico, un pintor clásico y moderno que se reinventa a diario y al que no se le escapa ni un detalle ni una anécdota, como refleja su blog. Cerdá disfruta con el viejo arte de la pintura, admira a Sorolla, John Sargent, Muñoz Degraín, Marín Bagüés, Pradilla, Freud..., y esta muestra, que tanto le exige, que tanto le excita, es una de los más intensas y elaboradas de su carrera.

Hace unos días, Vicente Almazán se cruzó con él y le tomó esta foto.

Trini, la compañera y musa de Santiago Arranz, me envía dos fotos en blanco y negro de Santiago en su taller de Castejón de Sos, donde pasa diversas temporadas de intenso trabajo, no solo en verano. Santiago expone en Francia, próximamente lo hará en Bruselas y prepara nuevos proyectos para Latinoamérica. Santiago Arranz (Sabiñánigo, 1959) también cumple este 2009 su primer medio siglo, 50 años, aunque él siempre tiene este envidiable aspecto de galán de cine.

Después de haber colgado el post del homenaje a Gema Noguera, recibo una carta del amigo Emilio Mateo, fotógrafo de Fuentes Claras, en la que me dice que su compañera Kenia Celma Noguera, hija de la artista, tiene en su blog una bonita foto de su madre, con un texto emocionante. El blog es keniacelma.blogia.com. Es una foto llena de color y de serenidad, y detrás, en un lienzo, se ve o se adivina la palabra ‘Memoria’.

He  aquí el retrato de la pintora Gema Noguera. Hace no mucho tiempo, Ana Gil me regaló uno de sus preciosos cuadros donde se mezcla, en tonos rojos, la estética de la pintura pintura con rasgos informalistas y una sensación de selva voraginosa. Ese era, en parte, el mundo de una mujer que se sentía parte del Matarraña y de sus paisajes.

VICENTE PASCUAL EN EL PALACIO DE SÁSTAGO

En mi principio está mi fin, resumió el poeta y editor T. S. Eliot. Vicente Pascual Rodrigo (1955-2008) debió sentir lo mismo, y cuando orillaba el medio siglo regresó a casa. A la Zaragoza que le había visto convertirse en artista, en cómplice de la rebeldía de la creación desde La Hermandad Pictórica, que formó con su hermano Ángel. En 1979, había decidido continuar su tránsito por el mundo: si antes había viajado por Oriente, determinó hallar solaz y otros atardeceres en Mallorca. Allí, durante una década, se convirtió en pintor del paisaje. Igual ‘dialogaba’ con Friedrich que con los maestros orientales, Hokusai incluido, e iba desarrollando sus sueños: islas a la deriva, colinas, paraísos, arboledas, marinas envueltas en trallazos de luz. Una década después se trasladó a Estados Unidos y se encontró con los indios norteamericanos, con su cultura popular y su artesanía, y comenzó a abrazar la abstracción. En ese camino sin retorno, desembocó en el paisaje interior, en la geometría austera de color y forma, en la pintura entendida como deleitación, trascendencia, manufactura y éxtasis. En 2003 volvió en busca de hogar: vivió una temporada en Tarazona, ante el Moncayo y la melodía del río Queiles, y sintió la llamada de la poesía. De ahí se trasladó a Albarracín, donde captó la leyenda del tiempo, la curva de ballesta del Guadalaviar y el misterio del yeso rojo. Finalmente, cautivo de una dolencia incurable, se instaló en Utebo, cerca de la torre mudéjar y del Ebro, el río de su vida, espejo y tumba, el río cambiante de su memoria. Todo ello puede verse, puede intuirse, con los ojos del alma, en ‘Opusculum’ en el Palacio de Sástago, la muestra que él había soñado: su autorretrato, su testamento. Vicente Pascual, poeta del lienzo y místico del silencio, se sintió artista hasta el último instante.

Opusculum. Vicente Pascual Rodrigo, 1989-2008. Palacio de Sástago. Hasta el 23 de septiembre. Comisarias: Cira Pascual Marquina y Marisa Cancela.

* Este artículo lo publiqué en 'Heraldo' en la sección 'Cuentos de domingo'. Esta foto era una de las preferidas de Vicente Pascual: contemplando el Ebro. Esta es la imagen que se ha utilizado para la portada del cartel.

VOCABULARIO DE ESPECTROS

El pintor, el calígrafo, el hombre que sueña inventa signos a diario. Su imaginación descansa en la letra, el gesto y el símbolo. Con tinta negra, construye el mundo, lo despieza en sucesivos garabatos.

Si escribe la A, piensa: “He visto a un hombre y a una mujer a una hora indefinida del día. Se acercan, se entregan y se funden: primero se besan y se beben, se anudan y suspenden su amor desde la tierra hasta el cielo. El sexo tiembla en el centro y la piel se estremece con un sudor vegetal”.

¿Qué se puede hacer con la B? El pintor mira al papel y despliega un abanico, aboceta un insecto que es como una lágrima plana y negra. Le sale una mariposa: la delicadeza que huye, el cuerpo inaprensible que avanza como una rotunda carta de colores en el viento. El pintor anota en su diario: “Yo también estoy de vuelo con los dedos manchados de tinta”.

Pensó el pintor: “¿Qué ocurriría si al ingresar en el bosque hallase sobre los helechos una pluma de ruiseñor vencido en el bochorno de la tarde?”. Así, mientras buscaba respuestas a sus delirios, le salió la C, de pluma, de colibrí lejano, de contraluz, de canción sorprendida en el silencio ideal de la enramada.

La D apareció de súbito. Un hombre o un ángel de tinieblas irrumpió en el papel con una joroba de caracol: era el primer hombre caracol de los bestiarios y le puso de nombre Diego, aquel que lleva su guarida a la espalda.

Cuando esparcía la tinta y ordenaba los folios, irrumpió la mujer del artista y le dijo: “He tenido un sueño: me abandonabas por una mujer elefante. Desesperada, alcancé a decirte: ‘Sé como es: hermosa de nalgas, poderosa de muslos, arrolladora, pero ¿sabrás besar tú su trompa?’”. Al dibujarla, le añadió otra imperfección: carecía de pechos. Sin embargo, la E se le antojó perfecta.

Hace años, cuando vivía en París, vio a los hombrecillos inquietantes de René Magritte, que también le parecieron los hombrecillos que atravesaban las paredes de Marcel Aymé. Jamás pudo olvidarlos. Al avanzar por el alfabeto llegó a la F, que son otros tres hombrecillos. Uno camina, diríase que perplejo; los otros dos levitan, paralelos al cielo y al suelo.

La G le hizo pensar en guarida. El malherido huía de sí mismo y de los otros, y dejaba un curvo rastro de sangre sobre la nieve. La huella empezó a difuminarse en el umbral de la cabaña. Allí se quedó. Nadie oyó su lamento, aunque su testamento urgente lo aclaraba todo: “Me muero sin verte, Gloria”.

El pintor escribió con su lápiz Milan del 6: “No son pájaros aunque pudieran parecerlo. No son plantas voraginosas que se deslizan en el viento. No es un meandro de negra tinta en el papel. No sé lo que es, pero intuyo que de ese movimiento atropellado brota la H”.

Ha caído la noche y el mundo se ha quedado sin luz. La vela y el fuego. Es la obviedad de la I: la tiniebla nos vuelve vulnerables.

Un águila vuela sobre las torres y, sin quererlo acaso, dibuja una J. Hace años, en las afueras de París, cuando empezaba a sentirse pintor infinito, el calígrafo vivía a diario esta estampa desde un jardín sin sombra.

Nunca me hubiera imaginado –pensó el artista- que una salamandra erecta tuviese las patas tan largas. Es una K perfecta. Es un animal sagrado, amarillo y azul, desposado con la lumbre.

Hace años, cuando era feliz e indocumentado, el pintor descubrió la redondez creciente de su amada. Le pidió: “Déjame verte en tu desnudez fecundada”. En el interior del estómago intuyó la fuerza de la vida, los senos más turgentes aún, el temblor invencible del pubis. Aquella mujer tenía forma de L. “He ahí otra metamorfosis de la pasión y el deseo”, meditó el artista.

Rescató una imagen de la niñez, en Sabiñánigo, y recordó. Había dos hermanas gemelas, Clara y Celia, las nadadoras. En la piscina, antes de la competición, se deseaban suerte. Se cogían las manos y se deseaban suerte, ya lo he dicho. Nunca supieron que componían la M. Nunca supieron que el niño pintor las recordaría tantos años después, un instante antes de arrojarse al agua como sirenas.

Aquel hombre que venía con el circo era flautista y sabía hacer algo prodigioso: despertaba con la música a la cobra. Recordó aquel instante y perfiló una N que se enmaraña y huye.

Y luego bosquejó la Ñ con un rosal exuberante y su larga raíz que se muestra al mundo como si suplicase un poco de lluvia, por favor.

La O es una nuez o una elipse o un animal mitológico con dos picos y un solo cuerpo. Al besarse completan el círculo y un anillo de lascivia.

Aquella niña que leía en clase era distinta a las demás. Se encaramaba en su pupitre y leía “El libro de las tierras vírgenes” de Rudyard Kipling. Una vez, sin darse cuenta, petrificó el ataque del tigre y lo dejó, inerme y bello, en el aire del aula. Su voz era un conjuro contra el peligro y el rugido del temporal. El pintor ha dibujado ese instante y es la P.

Casi nadie se había dado cuenta, ni siquiera la profesora Elba Mairal, que el rabo encogido del tigre simulaba una Q.

El pintor, el calígrafo, el hombre que sueña tenía fijación por los caracoles. Había sido un niño de campo, había sido un explorador de caminos tras la lluvia. A veces, cuando se desordenaba el fiero vendaval, los caracoles perdían la compostura y hacían la R. Nadie supo si jamás si se habían suicidado o si exhibían su impudor.

Qué habría pasado si en la superficie del pantano apareciese el monstruo de dos cabezas, aquella sierpe bifronte con esbeltez de cisne. Al pintor le perturbó su propia interrogante y se percató de que acababa inventar otra letra: la S.

En el torreón de fronda, esa olorosa T de los jardines o los vergeles, vio los primeros gorriones de la mañana. Habría querido que fuesen cogujadas, alondras o el ruiseñor que cantó en la última noche de los amantes. Parecían sonreír.

Para sellar la U en la escala de su alfabeto optó por una vasija con un resto de agua que adopta la forma de los labios que besan. O pensó en el cuerpo vibrante de una mujer de fuego y nardo. O en una boca, que se ha quedado sin rostro. Todo, todo está en la imaginación del que mira.

La abubilla se acunaba en el columpio del aire en forma de V. El pintor escribió: “También podría ser un gato al acecho sentado en el pubis de la contorsionista”.

La contorsionista existe. Posee un admirable desnudo. Su número más convincente también es el más enigmático: se eleva sobre las manos, ofrece las colinas de sus senos al público que la mira y se pone un gran tulipán a la altura del ombligo. Es la inesperada función de la W.

El pintor escribió en su diario. “Ahora voy a hablar de mí”. Se despereza frente a la araña del sol. Y así se pinta, como una X. A nadie le pasará inadvertido un detalle: “El tamaño importa”.

“No es que me vuelva loco, pero a veces mis pensamientos están patas arriba. Así descanso”. Así descansa y hace la Y. Y sus pies parecen las aletas de un buzo. ¿Practicará el pintor submarinismo?

Cuando era niño, el pintor experimentaba una curiosa sensación: si llovía, se metía bajo el cobertizo, se arrugaba sobre sí mismo como si fuera una Z bien arrugada, y se quedaba allí, como si quisiera descubrir los estremecimientos continuos o los olores acres de la tierra golpeada por la tormenta.

*Este ‘Vocabulario de espectros’, que se expone ahora en Francia, está inspirado en un Alfabeto, más o menos animado, más o menos simbólico, de Santiago Arranz. Lo traigo aquí de nuevo porque Santiago suele exponerlo en distintos lugares. El pintor atraviesa un gran momento creativo.

Me ha encantado esta foto de Sofía Loren, la gran actriz italiana.

Hace unos días, la poeta Julia Piera tuvo la gentileza de enviarme su libro ‘Puerto Rico Digital’ (Bartleby; el sello de Pepo Paz cumple una década) un volumen muy personal, que me ha hecho pensar en el mundo de quebrantos y silencios de Alejandra Pizarnik, que parece glosar una isla caribeña, pero también París, la sexualidad, el huracán de la pasión a lo largo de una escritura muy meditada donde fluye la memoria con toda su exuberancia y con todos sus olvidos. Poemario dividido en cuatro partes que el lector, con indicios y sugerencias, completa: conforma poco a poco el misterio de su sinfonía, los hilos que permiten cerrar o resolver el laberinto.

Copio un par de poemas:

Olía la vida container

en sus frascos de crema

ofrendas de aquel cuerpo desparramado

mordía tras la oreja

mientras pensaba

“yo creo que carecía del lenguaje”

Luego se daba la vuelta, calor, giraba sus tres caderas,

párpados rendidos al carrusel de la habitación,

“aquí dormiré bien”

Otro poema de la última parte:

Ellas se ríen, las damas de los baños. Ajenas

a la ciudad de afuera, a su lluvia sólida,

enseñan manos pintadas, idiomas desnudos,

lenguas del sur, tactos de bálsamo móvil

cuellos, brazos, vientres

picor de ungüentos de pimienta y rosa

canela entre nuestros dedos

vapor sobre nuestras vidas

sobre nuestros cuerpos, vapor

*Puerto Rico Digital. Julia Piera. Bartleby Editores. Madrid, 2009. 62 páginas.

El primer escritor que conocí en mi vida fue Francisco García Pavón: fue en el verano de 1977, en Madrid. Pocos días después vi por la televisión un reportaje sobre Tomelloso. Por esos dos detalles siempre he querido ir a Tomelloso. Leí mucho a García Pavón y fue admirador de las investigaciones de su policía municipal Plinio. Hace algún tiempo, Ana Fernández, profesora, actriz y música, se instaló allí para dar clase. Hace algunas semanas, en su blog Calle Lepanto, daba noticia de su marcha y hacía recuento de los vecinos famosos de Tomelloso.

Por Ana FERNÁNDEZ. De Calle Lepanto

Igual mañana me dicen que tengo que abandonar estos lares, por lo que no está de más hacer un recordatorio de este lugar donde nunca imaginé vivir, con este bonito documental del año 71.

Hoy me comentaba Vecino que para conseguir el teléfono del autor de "El gañán enmascarado", Pedro Salinas, para que venga al instituto a dar una charla, ha entrado en El cafetín y en la misma mesa había varios escritores, dibujantes, incluso uno de El Jueves en sus inicios. Siempre el comentario es el mismo: -Esto sólo puede pasar aquí, o sea, donde pasa lo más inverosímil.

No en vano, Tomelloso ha sido llamada, la "Atenas de la Mancha" (ojo al matojo, que dirían por aquí). Y como esta apreciación la recoge la Wikipedia en su entrada "Tomelloso", no he podido por menos que copiarla:

Tomelloso vio nacer y crecer a numerosos talentos del panorama artístico y literario nacional, ganándose por ello el sobrenombre de Atenas de La Mancha. Entre los nombres más relevantes de Tomelloso destacan:

Escritores
Francisco Martínez Ramírez "El Obrero" (escritor y político, precursor de la llegada del tren a la ciudad en 1914)
Francisco García Pavón (autor de "Plinio" y uno de los grandes escritores de la literatura española de posguerra)
Eladio Cabañero (poeta)
Félix Grande (escritor y flamencólogo)
Alfonso Ropero Berzosa
Dionisio Cañas
Juan Torres Grueso
José López Martínez

Pintores
Antonio López García (uno de los mejores pintores españoles del momento, Premio Príncipe de Asturias 1985 y Premio Velázquez de las Artes Plásticas 2006)
Antonio López Torres (uno de los grandes pintores manchegos del siglo XX, tío y mentor de el reconocido López García)
Francisco Carretero Cepeda
Pepe Carretero
Ezequiel Cano López

Mi favorito es "El Obrero" que tiene un monumento, que debe de ser como el de Elvis en Tennessee, y que nos permite a los exiliados haber creado la frase hecha: "Te voy a poner un monumento al lado de El Obrero", que a la sazón está en la Calle Don Víctor Peñasco, ahogado en el Titanic.

*Obra de Antonio López García: "Francisco Carretero y Antonio López hablando". 1959. Tomelloso.

COPI estrena ‘Escenario alternativo’,

un musical para la televisión argentina

El intérprete y compositor aragonés conducirá un espacio de entrevistas en CMTV y de actuaciones en vivo de hora y media

El cantante y compositor Francisco Javier Corellano, Copi, iniciaba esta semana un programa musical, ‘Escenario alternativo’ en Argentina, en el canal CMTV, El Canal De La Música, (www.cmtv.com.ar).  El programa tendrá una periodicidad quincenal y una duración de una hora y media. Copi realizará las labores de realizador y productor de una emisión que se realizará en directo y por Internet.

El músico se explica así desde su residencia en La Plata: “Mi idea es convertir ‘Escenario alternativo’ en algo divulgativo, sacarlo de su contexto exclusivo musical y llevarlo a algo más cultural, más generalizado. Habrá bandas naciones e internacionales. La dinámica del desarrollo de la emisión es la siguiente: actúan tres bandas en tres escenarios, interpretando tres canciones cada una, totalmente en vivo. Agrega Copi: “En principio son dos bandas emergentes y una banda de nivel, que hace las veces de padrino/madrina, además de llevar invitados para charlar en el hall donde yo estoy. Con ellos hablaré de su trayectoria, sus canciones, de las claves artísticas de su música”.

El primer programa se emite este miércoles de agosto a las nueve y media de la noche. Copi resume así el menú: “Será un especial sobre blues con Zakiya Hooker (hija del famoso John Lee Hooker), como invitada especial, Don Vilanova (ex Miguel Botafogo) como banda principal, y las dos bandas emergentes son The Pocamadre y Mr. Jones Blues Band. Además tenemos como invitados a miembros de la última banda de Pappo (bluesman argentino fallecido en accidente de moto, de fama mundial, que ha acompañado a B. B. King, entre otros), y a un periodista especializado que tiene un programa de blues en Radio FM Flores 90.7. Mi intención es interactuar con las bandas y con los invitados de un modo dinámico y espontáneo”. Copi está muy ilusionado: “es una gran oportunidad para mí”. Dice que tiene como modelos, entre otros, a ‘Séptimo de caballería’, que condujo en TVE Miguel Bosé. Por otra parte, Copi, nacido en Borja en 1965 y acompañante de Héroes del Silencio, de Enrique Bunbury y de Amaral, entre otras formaciones, acaba de concluir un ciclo de conciertos en la sala Clásica y Moderna, donde ha presentado su nueva formación: un cuarteto de jazz, con el que ha cantado sus temas, ha hecho versiones y se ha atrevido con el tango.

*Este texto, con leves variaciones, se publicó ayer en 'Heraldo de Aragón'. La foto la he tomado de Flickr.

Estoy en  Barcelona con Aloma  en el hotel Ciutat Vella en la calle Tallers. Andaremos por aquí  hasta el viernes. Me ha escrito Roberto Abizanda y me dice que ya se ha reparado parte del fallo del servidor. Ha cambiado la configuración de la página, pero pronto recuperaré la normalidad.

Anoche, el Paseo de Gracia me pareció precioso y lleno de vida. Estuvimos en la casa Batlló, ante la Pedrera, dejándonos ir por el placer de caminar por esta ciudad tan hermosa.

*La espectacular Casa Batllo de noche. La visión, la beldad y el ingenio poético de Antoni Gaudi.

Cristina Silván ha sido la ganadora del concurso de pintura Isabel de Portugal que se expone en el Cuarto Espacio. Se trata de una pintora que encarna el rigor, la sobriedad y la elegancia de la geometría; quizá su obra acuse una cierta frialdad, pero posee calidad, gusto, refinamiento y pasión la belleza. Actualmente está becada en la Casa de Velázquez. Un retrato de Eduardo Lozano, muy matérico, de pincelada suelta y laboriosa, ha recibido una mención de honor. Capta los gestos y la personalidad de Luis Buñuel, a la manera de los vanguardistas alemanes. Otra mención ha sido para José Moñu y su ‘Despedida de solteros’, que posee sentido plástico y una gran fuerza expresiva.

El joven Yann Letto, músico y artista plástico, recibió el premio al artista menor de 30 años por una pieza de gran fuerza, ‘Viva África’, que es una obra mestiza que utiliza distintas estéticas estéticas de la cultura popular.

La exposición es rotunda y variada. El gran formato global de las obras, 18, le confiere una  personalidad especial al conjunto. Ahí están varios de los artistas jóvenes más prometedores: José Ramón Magallón, Álvaro Díaz-Palacios, Javier Joven, Sarah Shackleton, Juan Zurita, etc. Artistas que poseen energía, talento, curiosidad y auténtica vocación por el viejo oficio de pintar. Quizá sea una de las mejores exposiciones del premio Isabel de Portugal en mucho tiempo y, sin duda, una de las que ensalza la pintura.

Vicente Pascual

1989 / 2008

Opusculum

Inauguración

Miércoles 29 de julio, 2009

Palacio de Sástago

Esta exposición retrospectiva presenta la trayectoria del artista aragonés de proyección internacional Vicente Pascual desde 1989 (año que marca el fin de La Hermandad Pictórica), hasta el año de su temprana muerte. En Opusculum, 108 piezas emblemáticas enuncian el desarrollo de la práctica artística de este pintor que asumió planteamientos platónicos muy olvidados en las corrientes hegemónicas del arte contemporáneo, y cuya obra se caracterizó por la influencia del misticismo oriental y por las referencias cromáticas a los paisajes austeros de su tierra natal.

 
Vicente inició su práctica creativa con el trabajo en posters con un fuerte contenido político-crítico, y enseguida formó con su hermano Ángel “La Hermandad Pictórica” (1972-1988). En 1975, tras una larga estancia en Pushkar, Rajhastan, el artista descubrió los escritos de Frithjof Schuon y Ananda K. Coomaraswamy, cuya perspectiva filosófica perennialista influyó de forma definitiva en su concepto del arte, posicionándole fuera del pensamiento postmoderno dominante.

En 1992, tras más de una década trabajando en Campanet, a los pies de la Tramuntana mallorquina, Vicente trasladó su estudio a los Estados Unidos —en Bloomington, Indiana, al inicio, y Washington, DC, después— donde su obra fue objeto de una severa transformación, reduciendo su forma a geometrías fundamentales y el color a su expresión más austera. A mediados de 2003 Vicente regresó a España, instalando su estudio primero en Tarazona, cerca del Moncayo, donde comenzó a compaginar la práctica plástica con la poética; en 2006, ya diagnosticado con un cáncer en estado muy avanzado se trasladó a Utebo, a las orillas del Río Ebro, donde murió el 25 de septiembre de 2008, cinco días después de cumplir 53 años.

__________________

Comisarias: Cira Pascual Marquina, Profesora de la Universidad Bolivariana de Venezuela, y comisaria de proyectos como "Exhibiting US Imperialism and War" (Gwangju Biennale, Corea del Sur, 2006) y “At the Mercy of Others: The Politics of Care” (Whitney Museum, 2005); María Luisa Cancela Ramírez de Arellano, Directora del Museo Pablo Serrano y comisaria de numerosas exposiciones desde Goya hasta Serrano.

Catálogo con ensayos de: Antón Castro, Santiago Olmo, Alejandro Ratia, Fernado Huici, María Escribano, Rosa Gutierrez, Angel Guinda, José Corredor-Matheos y otros.

*Cira Marquina Pascual me envía esta nota sobre la exposición de su padre, Vicente Pascual Rodrigo, que se inaugurará el próximo 29 de julio en el palacio de Sástago. Con esta noticia, también va esta foto: Vicente Pascual bajo la noche constelada.

En memoria de Pina Bausch

Por Paco ORTEGA

Nunca he sentido una emoción tan intensa como espectador teatral que aquella tarde noche del verano de 1983 en el Teatro Municipal de Avignon viendo “Kontakthof”, de Pina Bausch. Era el primero que veía de ella como coreógrafa y de su compañía afincada en Wüpertal. En realidad la sorpresa fue doble: no sabía con exactitud lo que iba a ver, y, en segundo lugar, porque lo que apareció ante mis ojos no era un gran espectáculo, sino algo diferente a todo lo que yo había visto hasta ese momento.

En la vida de un espectador de teatro hay siempre un antes y un después. Ese momento significó para mí esa intersección.

Lo fue para mí y lo fue para muchas más personas. Compartíamos un palquito Sergi Belbell y Manolo Llanes. Salimos con la mirada perdida en un horizonte interior que nos hacía reflexionar seguramente en direcciones diversas. Manolo se la quería llevar a su Festival de Granada. A Sergi le había abierto un rumbo nuevo en su incipiente carrera de escritor. A mí me cambió la vida.

No exagero. Me cambió la percepción del teatro, que ha sido mi vida. Me trastocó mi pobre idea de los géneros estancos: teatro por aquí, danza por allá, pintura por arriba, cine por debajo… Pina proponía algo que todo lo integraba. Sus actores no hablaban, pero no paraban de decir cosas. Transmitían la idea de un inmenso dramatismo existencial, de una soledad indescifrable, cuestionaban la vida en pareja, la sociedad en su conjunto.

Era un nuevo sentido del humor, en donde el absurdo y la crueldad se daban la mano. Aquello era sádico y hermoso, de una belleza intensa y desolada. Nada sería igual desde entonces, y, efectivamente, nada lo fue después de ella.

Hablé con ella unos minutos en Madrid hace dos años. Le propuse que viniera a la Expo rescatando una antigua coreografía en donde el agua era el tema protagonista. Su calendario era otro. Me saludó con unos hermosos ojos tristes y con las palmas juntas, ritualmente. Y se perdió por las calles, como en una de sus coreografías.

*Paco Ortega me envió este tras la muerte de Pina Bausch. Estaba fuera de Zaragoza y no pude abrir el correo. Lo cuelgo en mi blog: es un texto emocionante y sentido de alguien, con conocimiento, que admiraba a la bailarina y coreógrafa con auténtica sinceridad.

O CREADOR NO SEU OBRADOIRO

PEPE GALÁN: O FERRO REFRACTARIO

O escultor coruñés expón os seus últimos achados na Galería Atlántica

Xoán Abeleira

“Óe! -berroulle unha mañá un costaleiro a outro que aínda durmía-, sei dun que, por ben madrugar, atopou un costal!” “Xa! -retrucoulle o outro-, pero qué me dis do que o perdeu por se erguer tan cedo?” Pepe Galán foi un artista madrugador, un creador pioneiro, e, dende os anos setenta, non para de atopar costais. Os primeiros tiñan forma de cadros pois a pintura foi a fariña coa que empezou a enfornar. Pero, a partir dos anos oitenta, os cadros levedaron ata deviren nas esculturas que hoxe poboan o seu obradoiro. Da pintura á escultura. Da figuración á abstracción. Pepe Galán, no seu casco de cortén, sempre a navegar.

         Abonda con cruzar ese limiar do Monte Alto coruñés para decatarse de que Galán é un loitador preocupado polo seu país, comprometido coa súa xente. Un deses “refractarios” que, consonte René Char, se negan a aceptar o prato de bazofia que lles serve a Desesperanza. As paredes do seu taller -case que de mecánico- están cubertas de carteis, recortes, fotografías, lembranzas de toda caste sobre os combates civís acontecidos na Galicia no que vai de século. Penduradas dun muro, escintilan as datas dos naufraxios de petroleiros habidos dende o 1961 ata o 2002, crise do Prestige. As mesmas que pasaron do xiz ó ferro, do ladrillo ó vidro dunha das súas últimas pezas: Mayday 03.

         Ese grito, Mayday, é o título da exposición que dende o día 26 deste mes ocupa a Galería Atlántica d’A Coruña. Mayday, “día de maio”, en inglés, aínda que, en realidade, o código de emerxencia empregado na aviación e na navegación procede da expresión francesa “venez m’aider”, “veñan -ou vide- axudarme”. O tema é claro. Pero, por se non, Galán emite dende as súas pezas outros sinais parellos, en galego ou en morse. Pan-Pan, Pan-Pan, Pan-Pan. Di di di, da da da, da da da, di di di. Coma o, xa célebre, poema de Manuel Rivas: SOS, Socorro, Que afundimos! Nós sós!

         O propio obradoiro semella arestora unha paisaxe despois do(s) desastre(s). Pezas pequenas e xigantescas abrollan por todas partes. “Os fitos -di Galán- do meu mapa mental”. Pois “esta é unha exposición sobre o noso territorio e a nosa memoria colectiva”. Unha fraga na que as árbores teñen traza de interrogacións. Un mar nas que as boias tanxen preguntas. “Basicamente, as obras que fago son un xeito de cuestionarme, de matinar sobre o que pasa, de entender o presente para albiscar o futuro. Se é que temos algún!” Xa que o presente só se enxerga analizando o pasado. Os por qué do pasado.

         A circunferencia é o símbolo que articula Mayday. O círculo e o seu baleiro, “que para min representa non só a natureza, a unión dos puntos ou a bóveda celeste senón tamén o mar, o feito de mergullarse, con todo o que iso implica”. O círculo, o ferro. O mar -non baleiro senón cheo de mortos e de chapapote-, o cristal. Os para-brisas reciclados dos coches, “ós que cheguei a partir dos soportes de plástico que empreguei para realizar a serie pictórico-escultórica de Fendas e áncoras no vento”. A abstracción conceptual, tan característica deste creador que rexeita “dar as cousas mascadas ó público”, ó espectador activo, dialogante que el arela, “é menos hermética, se cadra, que noutros traballos meus, grazas, en parte, as letras integradas nas pezas”. NW: a sombra das siglas do noroeste -que suxeitan, a modo de patas, un destes cilindros mensaxeiros- deveñen en NM, en alusión “talvez -subliña o escultor- ó movemento de Nunca Máis”. Outra das súas “invitacións á reflexión, que non homenaxes” formula a cuestión Man, o radical de Camelle. Outra, “saúde e terra”, a da República. Outra, a que di “Bahía”, pregúntanos por qué continúan a morrer tantos mariñeiros faenando. Outra fálanos “da emigración actual, non da da posguerra; desta crise, a todos os niveis, que estamos a vivir”. Outra, “unha peza honorífica”, foi creada ex profeso para a Comisión pola Recuperación da Memoria Histórica d’A Coruña, “igual cá escultura dos Mortos do Portiño”.

         A min, secasí, a que máis me impresiona é unha desas “columnas infindas”, tipo Brancusi, dentro da cal penduran varios parabrisas coma porcos abertos após a matanza. Galán, abofé, fuxe de explicarme ese conxunto de imaxes tan poderosas e desalentadoras asemade, Mayday 04. Mais, á vista das sílabas que compoñen o seu brúo de alarma, eu dou en coidar na conciencia escachada dun pobo, o noso, que xa non se estima, que xa non se valora, que xa non se respecta a si mesmo. 

*A foto de Pepe Galán é de Gabriel Tizón. Xan Abeleira, amorosiño, di: "lémbrate, lémbrate de poñer o seu nome". Aquí está.

Cecilia de Val ha irrumpido en la fotografía casi como una aparición deslumbrante. El pasado verano exhibía en la Casa de la Mujer la serie ‘Nunca te prometí un jardín de rosas’, que ella misma protagonizaba. Sus fotos, de gran formato y elaborada puesta en escena, abordaban la búsqueda de la identidad. Todas tenían un aire de cuento de hadas, con una pulsión inquietante de misterio, fatalidad y poesía. Esa muestra no pasó inadvertida: poco después Cecilia de Val, que también es cantante de rock and roll con su compañero Yann Leto, ganaba el premio ‘Isabel de Portugal’, con un trabajo que invocaba el bosque, Caperucita Roja y la región de los sueños. Fue reclamada de Madrid e incrementó la variedad y la hondura de sus series. Ahora, en Spectrum Sotos, la zaragozana ofrece ‘El otro reino’, una exposición espectacular de grandes formatos sobre la relación entre los seres humanos, la naturaleza y los animales. Cecilia de Val usa mando a distancia y temporizador y tiene alma de actriz. Ella misma, en la mayoría de las fotos, vuelve a ser la protagonista de un conjunto de imágenes simbólicas, de gran belleza e impacto, que tratan temas eternos: el miedo, la vacilación, la soledad, la muerte, el enigma. Sus obras son rotundas, sugerentes, invitan a soñar, estremecen el ojo al primer golpe de vista, y hacen pensar en los mundos fantásticos de Lewis Carroll, de Borges, de Cortázar, de Poe o de Kafka. Y en el poeta y pintor William Blake, soñador de tigres al acecho. Hacen pensar en los bestiarios. Su estética ofrece parentescos con Jeff Wall, Gregory Crewdson o Ellen Kooi, cuya galería ya le ha invitado a exponer. Hacía tiempo que en Spectrum no se veía algo así. Julio Álvarez ha elegido una fotógrafa poderosa y distinta, un mundo, una sensibilidad para celebrar sus treinta años de pasión por la luz: Cecilia de Val.

Me escribe Enrique Larroy:

Te adjunto una foto de como queda Insistentemente mareados.tres en ‘^Pintura corriente’ en Alcañiz que se inaugura mañana y que acabo de montar. Un abrazo. Enrique Larroy

EL PINTOR Y EL SILENCIO

Vicente ha recorrido medio mundo. Él es el caminante apacible de casi todos países: se ha bañado en cien ríos, ha copiado cielos inolvidables, ha oído las lenguas del planeta, se ha asomado a los monasterios donde el silencio es perfecto con su voz de atardecida. Es el pasajero interior que ha explorado el alma de los hombres y, sobre todo, su propio corazón alanceado de plenitud. Ha pintado lo que veía, lo que soñaba, lo que brotaba de su intuición de poeta zen o de amanuense sufí. Desde hace bastantes meses vive cerca de la torre mudéjar de Utebo: pugna con la enfermedad y el olvido, se abandona al dulce amor de Ana, sonríe, alimenta sus poemas y sus delirios. Conversa. Cuando se alza la mañana o se desvanece el último sol de la tarde se asoma a la terraza y observa. Mira los pájaros de fuego, el cauce del Ebro, encañonado entre peñascos, mira los juncos y los cañaverales. Y lentamente, como quien esboza una sonrisa cómplice con el mundo, acumula imágenes, palabras, aforismos: se empapa de vida, de sensaciones, de olores. Luego, se reclina en un sofá, a la sombra de sus cuadros, y sueña que pinta, sueña que sueña, sueña que vuelve a recorrer todos los pasos del camino. Y entorna levemente los ojos, protegido por el austero paraíso de recogimiento que se concentra en sus lienzos. Cuando los abre, se encuentra ante el ordenador, ante esa pantalla que llena de signos, de sustantivos, de corrientes de agua y de espejos de luz que le devuelven su rostro y la memoria de su infinita odisea en medio de la tempestad.

*El próximo mes de julio, en los últimos días del mes, se inaugurará en el Palacio de Sástago una exposición retrospectiva del pintor Vicente Pascual Rodrigo de su obra realizada entre 1989 y su fallecimiento en 2008. Por puro azar, en una carpeta donde conservo un proyecto de poemario en prosa, encuentro este texto. Las coordinadoras de la muestra son su hija Cira Pascual Marquina y Marisa Cancela, directora del Museo Pablo Serrano. (Esta foto es de Bernard Plossu).

Escribe Graciela de Torres Olson, a propósito de su último videograma: ‘Johannes’

Hola a todos:

Mañana miércoles 10 de junio se estrenará Johannes en la Filmoteca de Zaragoza. 

En su presentación intervendrán invitados muy especiales, para más información y para consultar cómo llegar a la Filmoteca, os remito a:

videogramas.blogspot.com 

Estaremos en la Filmoteca a partir de las 19:30h. El cierre de puertas será a las 20:00h.

Ya tengo ganas de disfrutar con vosotros de este trabajo.

Saludos. Graciela de Torres

*Acompañarán a Graciela y a su equipo Luis Antonio de Alarcón, Tú Blesa, Timma Segal. Los anfitriones de la Filmoteca son Toña y Leandro Martínez, y Juan Pons realizará la labor de proyección. Esta foto pertenece al rodaje de ‘Johannes’. En ella, Graciela de Torres y Mariano Cariñena buscan la sombra.

La pintora María Buil Gazol (Zaragoza, 1970) ha sido seleccionada por el artista Pepe Cerdá para participar en el prestigioso premio que convoca todos los años, en París, Antoine Marin, dueño de uno de los locales más conocidos del mundo de la pintura. "Baste recordar -dice Pepe Cerdá- que de allí salieron los bastidores del 'Guernica', de Picasso. Nada menos. Y que siguen siendo muchos los artistas que adquieren allí sus materiales". Antoine Prix encarga todos los años a doce pintores reconocidos que elijan a un artista joven que pueda optar a un valioso premio en materiales de pintura. La muestra se inauguró el pasado viernes.

Pepe Cerdá, que ha residido en París y que sigue trabajando con distintas galerías francesas, optó por María Buil porque "es una pintora excepcional que defiende lo que yo defiendo. La pintura es un modo de contar cualquier cosa. La pintura es forma, da lo mismo que pintes una lechuga o trasatlántico. Piense, por ejemplo, en Morandi". Cerdá insiste en algo que une a los dos artistas: "Creo que no pretendemos hacer arte, pretendemos hacer pintura".

María Buil ha estado becada en la Casa de Velázquez por la Diputación de Zaragoza y ya ha expuesto en lugares importantes: desde el monasterio de Veruela, la Casa de la Mujer o el Torreón Fortea hasta salas nacionales e internacionales. Empezó con una pintura expresionista que acusaba el influjo de Rembrandt, Velázquez, a Hopper y Francis Bacon, y sigue investigando a través de distintas temáticas: los interiores, los paisajes, los animales desollados, ciertas hortalizas como la lechuga y el repollo, sus bodegones crudos y también el desnudo, como el que presenta en la colectiva 'Afinidades' en Aragonesa del Arte, donde forma pareja artístico-literaria con Ismael Grasa; las otras cuatro parejas de la muestra son Enrique Larroy-Manuel Vilas; Lina Vila-Félix Romeo; Gonzalo Tena-Alejandro Ratia y Fernando Sinaga-Jesús Jiménez.

Explica María Buil: "Estoy encantada con la propuesta. Muy feliz y agradecida a Pepe. Somos doce los apadrinados, de distintos países. Yo presento un cuadro de gran formato, de 280 x 205 cm., que está inspirado en 'Las tres Gracias', de Rubens. A mí me obsesiona en los últimos tiempos la carne, la desnudez. Y eso es lo que he pretendido hacer: dar una sensación de mayor carne. En general 'Las tres Gracias' me parecen todas etéreas, demasiado etéreas, incluso las de Rubens". María añade, entre risas: "Se me ha ido un poco la mano hacia el poso cultural cuando yo buscaba acercarme algo más a las Cuevas de Altamira, pero ahí está la obra".

Cerdá está al quite: "Es una gran obra". Tampoco es tan habitual que un artista apadrine a otro. Cerdá dice: "Hay algo que da la dimensión del premio. Aquí solo han sido invitados a participar, entre los españoles, Barceló y José Manuel Broto. Por cierto, Broto también fue muy amable conmigo. Me ayudó todo lo que pudo".

Ya no veo a Pepe Cerdá, como antes. Éramos cómplices en muchas cosas. Uno no sabe nunca como se diluyen poco a poco las tertulias, los encuentros, cómo nos inundamos de quehaceres y perdemos el hilo de la complicidad o de las citas, que no del cariño. Pepe, a su manera displicente por decirlo de algún modo, es un hiperactivo: siempre trabaja, siempre anda enfangando, siempre se enfurruña un poco, teatralmente, siempre sueña, aunque este verbo no se ajuste bien a un hombre de apariencia tan pragmática. Siempre alimenta y fecunda proyectos: hace poco apadrinaba a María Buil para una exposición con otros artistas en París.

Pepe Cerdá, defensor a ultranza de Sorolla (¿quién puede cuestionar su mano maravillosa de pintor, su condición de alquimista de la luz?), está preparando una de las exposiciones de su vida: un gran proyecto de cuadros grandes para el Palacio de la Lonja, que se inaugurará el próximo mes de octubre durante las fiestas del Pilar de este año. Pepe se afana, casi sigilosamente, en cuadros grandes, clasicistas, cuadros de luz y de paisajes, en una gran nave industrial. De vez en cuando se asoma a su blog y escribe sus reflexiones y así, a la chita callando, medita y toma resuello. Esto es lo último que acaba de publicar:

En París,  hace años, trabajaba a menudo codo con codo con mi amigo chino Xiao Fan. Ambos exponíamos con la misma galería holandesa y las vísperas de las ferias y las exposiciones nos pegábamos las noches en blanco enmarcando y embalando lo que fuésemos a exponer. Él trabajaba con la misma cadencia de una máquina; yo no. Era normal. Xiao fan había salido de la china comunista al principio de los ochenta casándose con una agregada de embajada a la que daba clase de caligrafía. Hasta entonces había trabajado como sastre en jornadas interminables en una fábrica de su país. Estaba entrenado.

Yo mientras trabajaba en la noche, resoplaba, maldecía mi suerte, me paraba a fumar un cigarrillo e intentaba iniciar alguna conversación.

 Él, muy serio, me clavaba la mirada inquisitivo y me decía:

 -No pienses. ¡Trabaja!

 Desde hace meses trabajo en una solitaria nave industrial. Estoy preparando una exposición para un lugar enorme y pienso muy a menudo en la frase de Xiao Fan.

Cuando se trabaja, si se quiere ser eficaz no se debe cavilar. Se debe de pensar antes y luego ponerse a ejecutar lo pensado. Por esto no escribo tan a menudo como antes. Ahora no pienso, no cavilo, sólo trabajo.

*Este cuadro de Joaquín Sorolla, tan amado por Pepe Cerdá, se titula ’Niña’ y está fechado en 1904.

El grupo Estige, vencedor del concurso Muévete 2009, actúa este próximo domingo en Borradores. Alex Mariona, Dani Beltrán y Javier Polo presentan su último disco que, antes de pasar a un cedé convencional, en prensas ahora, ha sido grabado en un pendrive. Realizan una música pop, cada vez con mayores acentos de rock.

Acuden al plató la realizadora Graciela de Torres y el dramaturgo Mariano Cariñena. Ella acaba de estrenar su videograma Johannes, que tiene a Cariñena, director del Teatro Estable durante más de veinte años, como actor principal: encarna al anciano Abraham que debe sacrificar a su hijo Isaac. Esta pieza, un poema visual de apenas diez minutos, ha sido rodada en blanco y negro en Los Monegros y en ella se funde la figura bíblica y la figura del escritor, ese creador de palabras. Borradores también entrevista por extenso al filósofo Gustavo Bueno, que se formó en Zaragoza. Estudió en el Instituto Goya y tuvo por profesores a José Manuel Blecua y a Gustavo Frutos, y por compañeros a Félix Monge o Fernando Lázaro Carreter, con quien volvió a coincidir en Salamanca.

Borradores ofrece un extenso reportaje sobre Ángel Petisme, que acaba de publicar el poemario Cinta transportadora, con el que ganó el premio Claudio Rodríguez de poesía, y a la vez edita uno de sus mejores álbumes: Río Ebrio, que tiene algo de continuación de Cierzo.

La poeta y fotógrafa Marga Clark habla de su poemario Amnios y recuerda la extraordinaria y enigmática historia de su tía Marga Gil Roësset, aquella escultora que se suicidó a los 24 años tras enamorarse locamente del poeta Juan Ramón Jiménez. A esta historia familiar, que fue como un tabú, Marga Clark le ha dedicado dos libros: la novela Amarga luz y el libro de poemas El olor de tu nombre.

Javier Yanes, biólogo, escritor y periodista, acaba de publicar en Plaza & Janés su libro El señor de las llanuras, donde relata la historia de un periodista que descubre la fascinante historia de su abuela en África. Decide viajar a Kenia para conocer aquella peripecia, la historia de su abuelo, etc., y a la vez realiza un viaje iniciático entre los masai y los kikuyus acompañado de personajes melancólicos y extravagantes.

Además, Borradores también ofrece un reportaje de la muestra itinerante sobre la vida y la obra de Julio Alejandro de Castro, guionista de cinco películas de Luis Buñuel, que ha pintado José Luis Cano y que ha producido el Centro Buñuel de Calanda.

“Borradores” se emite el domingo a las 01:40 horas. [Ojo: esta semana, en la noche del domingo al lunes, el programa empieza media hora más tarde. En la foto, Marga Gil Roesset que se suicidó a los 24 años.] 

En la exposición Genius Loci, que coordinaron Ricardo Marco y Carlos Buil en Cajalón, me encantó un paisaje invernal de raíles de Paco Lafarga (Zaragoza, 1977). Ahora este estupendo artista expone ‘Caricias inacabadas’ en la sala de la CAI en Huesca. Esta obra se titula ‘Hueco-Drama II’.

Sergio Algora quería ser Sergio Algora (Zaragoza, 1969-2008), un heredero en la tierra y en la noche de Boris Vian, de Arthur Rimbaud y quizá de Jim Morrison y Leonard Cohen. Se sentía intérprete y compositor, se sentía un soñador de canciones y a la par, cada vez más, se sentía un contador de historias, de personajes, de estados de ánimo. Además de varios discos con tres grupos distintos, varios poemarios y una obra teatral, Sergio había escrito los relatos ‘A los hombres de buena voluntad’ (Xordica, 2006; que se reedita estos días). Cuando se le paró su avolcanado corazón mientras dormía el pasado mes de julio, Sergio dejaba un nuevo libro: ‘No tengo el placer’, una colección de 23 relatos sobre el amor y el sexo, las noches de alcohol y de aventura, y la música en todas sus formas y sonidos. Todos los relatos están escritos a su modo: con una gran libertad, con convicción, con imágenes inesperadas y con una mezcla de alegría, dolor, hermosura y muerte.

Su editor Chusé Raúl Usón realiza para ‘Muévete’ este retrato del músico y escritor: “Sergio Algora era un contador de historias, y eso se ve en su manera de  narrar. Las historias bullían en su cabeza y le atrapaban constantemente, necesitaba del papel en blanco para poder soltarlas. Lo que más me gusta es su imaginación, su total eclecticismo. Nunca sabes cómo van a terminar sus historias. Era una persona de una gran cultura, tanto literaria como musical y eso se refleja en su obra. En sus relatos hay influencias de la literatura norteamericana, de los clásicos, de las vanguardias, de la música pop, incluso la canción italiana o la copla española. A él le servía todo y sus referentes eran muchísimos. Era un heterodoxo muy creativo, muy divertido”.

Para Usón la experiencia de editar de nuevo a Sergio Algora ha sido “agridulce: dulce porque he tenido la oportunidad de trabajar con él, de publicar sus dos libros de relatos, de conocerle, de divertirme junto a él -era un tipo muy divertido, creativo-, pero la edición de este libro póstumo hay sido dura. Creo que Sergio había optado por la literatura definitivamente, él era antes escritor que cantante o compositor de canciones. Es una pérdida irreparable para todos sus amigos y también para el mundo de las letras”. El crítico y escritor Félix Romeo señala que en este volumen hay “una inmersión en la parte sombría del mundo”. Añade: “Los cuentos de ‘No tengo el placer’ están escritos con mucha alegría, con muchas ganas (cosa difícil de encontrar, y difícil de definir). Están escritos (por primera vez, me parece) para gustar a la gente, para que los lectores disfruten: para que los lectores se rían y sean cómplices. Están escritos con urgencia, como si supiera que algo malo le estaba rondando, con una hermosa inocencia; están escritos para aquí y ahora con palabra de aquí y de ahora, con una clara intención metafísica. ¿Qué pasará? ¿Qué habrá? ¿Quién seré? Un correlato de sus preguntas del más acá: ¿Qué pasa? ¿Qué hay? ¿Quién soy?”.

Sergio escribe, desde las primeras páginas, historias inquietantes, góticas, en las que abunda la picaresca, el crimen, el desdoblamiento, el amor, la ironía y el humor. En el primer cuento, ‘Su secreto’, se cuenta la historia de un niño asesino y enamoradizo (“Me he enamorado como un tonto de Emejota”) que olvida su crimen en el río Ebro; se habla de las pesadillas del futbolista Cristiano Ronaldo, de la exagerada vida de un mago que practica el incesto y la necrofilia, o se cuenta, en una pieza futurista, que Ismael Serrano viaja a Marte en un monoplaza. O que Julio Iglesias, cansado de sí mismo y de su personaje, busca de nuevo la pureza del cariño y se enamora. Inventa biógrafas psicópatas de músicos como Vicente Alma, zombis, amantes excéntricos, historias de cine. El libro también le rinde un homenaje a más o menos irónico al alcalde Juan Alberto Belloch, y concluye con un ejercicio de metaficción autobiográfica: el escritor Sergio Algora empieza a sospechar, con algún fundamento, que “todos somos Sergio Algora”. En el fondo: somos muchos, muchísimos, los que nos identificamos con su talento canalla, seductor y visionario.

No tengo el placer. Sergio Algora. Xordica. Zaragoza, 2009. 138 páginas.

A los hombres de buena voluntad. Sergio Algora. Xordica. Zaragoza, 2009. Reedición. 160 páginas.

*Este artículo aparecía ayer en el suplemento ‘Muévete’ de Heraldo. Ana Usieto ha sido mamá de un niño y ahora lo coordinan Christian Peribáñez, el ‘Giacometti’ seductor y dulce, y Pablo Ferrer, el sabio de las músicas del mundo. Mientras cuelgo este texto, oigo a uno de mis cantantes más amados: Quique González. He oído los dos primeros temas de 'La noche americana' y en este momento suena 'Aunque tú no lo sepas', una canción dedicada al gran Enrique Urquijo. He aquí un retrato de Sergio Algora.

Recibo esta nota de la pintora navarra, afincada en Huesca, Marian Bandrés:

“Trabajo en la Escuela de Arte de Huesca y voy a inaugurar en la Librería Anónima, este viernes a las 20.00 horas.Me gustaría que a través de mi blog vieras el tipo de pintura que realizo. La exposición estará hasta el 30 de mayo en horario de la librería”. He aquí el blog http://marianbandres.blogspot.com/”

MARIAN BANDRÉS

Dice Susan Sontag que “una escritora es alguien que presta atención al mundo”. Por extensión, artista es también alguien que presta atención al mundo. Una atención sesgada, parcial, demasiado personal para pensar en transmitirla a otros. Pero si alguien se interesa porque otras personas le cuenten cómo ven ese mundo recurre a los libros: novelas, ensayos, artículos. Y también podría volverse hacia la fotografía, la pintura, o cualquier otra manifestación plástica.

Cuando cierto personaje de Stendhal en el fragor de una batalla, se pregunta si lo que ha visto es en realidad el combate, si es el polvo, los ruidos de los cascos de los caballos, el griterío de los hombres o si, por el contrario, la batalla es el orden de las tropas al mando del general tal y como las presenta la pintura clásica, entonces, nos damos cuenta de que es el fragmento lo que conforma nuestra realidad. La experiencia es fragmentaria y el conocimiento la recompone.

Volviendo a la escritora Susan Sontag, afirma que “La manera moderna de mirar es ver fragmentos”. En sus obras, Marian Bandrés, propone sumergirnos en retazos de realidades, más o menos identificables, más o menos realistas, fragmentarias pero formando una única entidad espacial. Mezcla, combina, recorta y pega. Hasta grapa. Pinta encima –o debajo- dibuja, aplica veladuras. Las cosas se dejan de ver unas por otras, a veces no del todo, pero siguen allí, trazo sobre trazo, papel sobre papel, creando sin normas, sin reglas constructivas siguiendo la sola intuición que parte de una fotografía vista en un periódico –guerras, crueldad, sucesos de la historia, imágenes que una vez fueron portada de actualidad y que ahora ya no reconocemos- y de ahí tira de un hilo, mejor dicho, se agarra al hilo que la arrastra dentro, se olvida del cuadro hasta que aquello está acabado. ¿Cuándo? El propio cuadro lo dice. Se han sucedido cientos de gestos –pictóricos- que lo han desbaratado en su fragilidad. Las fotografías ya no existen solas, las noticias se diluyen fuera de contexto, la interpretación empieza a funcionar para quien mira, los trazos adquieren la fuerza de la imagen…

Sabemos que cada cuadro tiene un tono de voz. Marian Bandrés os invita a “escuchar” observando los detalles, quedándoos en el fragmento, en la parte recóndita, en el fondo a lo lejos, olvidando el conjunto y buscando la parcialidad de cada experiencia ante cada uno de los cuadros, disfrutar del juego de la adivinatoria, lo que es o parece que se muestra…

Al final, solo ella sabe de dónde viene cada fragmento pero no hace falta saberlo pues cada cual compondrá su propia lectura.

Autoras: María Cañas y Marian Bandrés

Por Pedro ZAPATER

Tim Burton anda inmerso en el rodaje de una nueva versión de ‘Alicia en el país de las maravillas’, una nueva adaptación cinematográfica que promete ese toque escenográfico tan característico de las películas de Burton.

Esta nueva revisión del clásico de Lewis Carroll viene a engrosar la larga lista de filmes inspirados en la obra del escritor británico, versiones más o menos acertadas entre las cuales, la más famosa, es tal vez la de Walt Disney (1951).

En el rodaje en Plymouth (Inglaterra), participan la actriz australiana Mia Wasikowska, en el papel Alicia, y Johnny Depp, interpretando al Sombrerero Loco. Completan el reparto Helena Boham Carter, Anne Hathaway, Michael Sheen, Stephen Fry, Alan Rickman y Christopher Lee. El filme, rodado en formato 3D, se estrenará en 2010.

Carroll, además de inspirar con su obra varios largometrajes sirve también de estímulo a la creación musical en el caso de Bunbury, Gwen Stefani, Tom Petty…

 *Esta belleza rubia es la nueva Alicia: Mia Wasikowska. La nota está tomada del blog de Pedro Zapater, escritor y periodista. De casta la viene al galgo: su papá fue Alfonso Zapater y su mamá Pilar Delgado.  

"Durante mucho tiempo se dijo de mí que era la novia de Italia. Es verdad, soy de origen siciliano, y fue en Roma donde mi carrera despegó. Por entonces tenía veinte años. y no hablaba ni una palabra de italiano. Vengo de un lugar donde el sol anima los corazones y los cuerpos, donde la dulzura de vivir palpita al unísono con los paisajes y la calidez de las sonrisas. Claudia Cardinale aún no existía. Era Claude, y había nacido tunecina.

Ahora me toca invitarles a este viaje. Un viaje tras las huellas de mi niñez, por las playas de Cartago, y por el pueblo de Sidi Bou Saïd. Pero es también un viaje al Túnez de hoy, el que aprendí a descubrir, el de los nómadas, los oasis, las dunas y las palmeras."

Claudia Cardinale

 *La actriz italiana publica ‘Mi Túnez’ y lo presentará en breve en España.

Hace días que quería colgar esta foto en el blog. Se trata de Natalie Clifford Barney, con su perro. Me encanta…

Josema Carrasco trabaja ya en la segunda entrega de ‘Ciclocirco’ y además Ángel Petisme ha contado con sus dibujos para ilustrar su nuevo disco: ‘Río Ebrio’, que saldrá en breve a la venta, un álbum que incluye algunas de las canciones de ‘AguaZero’ y otras inéditas.

Hace unos días me decía: “Estoy dibujando el segundo volumen de Ciclocirco, ahora anda pedaleando por Botswana para defender los derechos de los bosquimanos junto a su líder Roy Sesana”.

Josema Carrasco me envía esta ilustración con este verso de Luis Cernuda: “Porque el deseo es una pregunta cuya respuesta nada sabe”. La obra se titula ‘Lencería rosa’.

Hace unos días me llamó Jota, uno de los coordinadores del proyecto ‘Zaragoza Rebelde’, muestra que se exhibe en el Centro de Historia y en el Cuarto Espacio, para ofrecerme un catálogo de la muestra, que me llegará dentro de unos días. Hoy visito la estupenda página de José Luis Cano –dibujante, humorista, escritor y teórico del arte: esta semana es uno de los invitados del programa ‘Borradores’ (Aragón Televisión), junto a Carlos Grassa Toro y cierra su intervención con la palabra ‘Pene, pene, pene’-, y copio este texto suyo.

 Santa Cruz, plaza del arte.

Por José Luis CANO

Con semejante slogan, alguien tuvo la idea de convertir la Plaza de Santa Cruz en un Montparnasse zaragozano, a principios de los años setenta. La idea era muy hortera pero decidimos aprovecharla. Podía ser un buen lugar para organizar happenings y performances.

El primer día organizamos la fiesta del papel. Hicimos una amplia convocatoria dirigida a los niños y el domingo por la mañana apareció Joaquín Jimeno en un camión cargado con papeles de todo tipo. No recuerdo dónde lo había conseguido. Descargamos en la plaza y empezamos a improvisar. Teníamos pinturas, tijeras, pegamentos, grapadoras… y niños, muchos niños que se desembarazaron de la compañía de sus padres y entraron en un incontrolable frenesí creador o destructor, no recuerdo. Lo que sí recuerdo es que un niño se hizo, con mi ayuda, un vestido que recordaba mucho a la bata de médico de Groucho Marx. Loco de contento fue a enseñárselo a su madre: “¡Mamá, mamá!” La buena señora le soltó una bofetada de las de padre y muy señor mío. Por mamarracho.

 Los siguientes domingos, las actividades ya fueron dirigidas a los adultos. También había muchos. Cada uno hacía lo que le daba la gana. Algunos incluso empezaron a llevar cuadros para vender. Recuerdo que un día repartí octavillas con un fragmento de Julio Cortázar: “Qué maravillosa ocupación ir andando por el bulevar Arago contando los árboles, y cada cinco castaños detenerse un momento sobre un solo pie y esperar que alguien mire, y entonces soltar un grito seco y breve, girar como una peonza, con los brazos bien abiertos, idéntico al ave cakuy que se duele en los árboles del norte argentino”. Muchos, por miedo o porque eran apolíticos, se negaban a cogerlas.

El PINTOR Y LA CORRIENTE DE LA VIDA

Siempre me he preguntado por qué pinto el agua. Al principio, antes que la pintura, antes que la certeza de mi vocación de pintor, era el agua. A ver cómo lo explico: salía de casa con mi bloc de notas, con mis primeros lápices de colores, sin rumbo. No había pensado nada, y entonces me entregaba a un moroso vagabundeo, seguía el melodioso curso del aire. Hacía un boceto aquí, me fijaba en los edificios, en un tendedor en el que temblaba la lencería fina; me fijaba en los absortos seres que pasaban y pretendía fijar un gesto, un talle que desordenaba el deseo, un mechón de pelo que se contagiaba de la luz de la mañana. Pero siempre acababa en el río: me acodaba en la baranda un instante y llenaba mis ojos asombrados de agua tersa en movimiento. Aquella agua de río era un espejo y un pozo, un lienzo de espesura, el tapiz donde yo mitigaba mi angustia, mi ansiedad o una añoranza inefable a la que sólo sabía ponerle color, un barniz de espejismo y calma. Desandaba las calles poseído por una revelación: en el curso del río, entre juncos, avanzaba la vida y atrapa, inadvertidamente, el aleteo de las aves celestes. Igual que había hecho yo en mis páginas, con mis lápices, con el color no usado de la emoción que se expande y encharca.

         Ya en el estudio, en mi obrador de obrero de la untuosidad y la mancha, arrancaba –arranco: ese sigue siendo uno de mis métodos de creación- las hojas y las esparcía por el suelo. Las miraba, revivía cada instante, cada impresión, y colocaba el lienzo en el caballete. Edificaba las formas y las emociones: la mansedumbre del agua, el invisible movimiento, el terciopelo exacto de la superficie, el peso delicado de las sombras que se espejean. Manchaba aquí y allá, pensaba en Monet, en Gericault, en Juan Bautista del Mazo, en Marín Bagüés, en tantos otros que pintaron antes los ríos. Lentamente, acotaba un brillo, los juncos, los pájaros fugaces, la culebra del surco que huye hacia el horizonte, la ciudad con sus casas y su topografía minuciosa, colocaba a los paseantes. Y así, entre brochazo que va y viene, entre los gestos de la espátula que acaricia la tela, reinventaba un paisaje y me reinventaba a mí mismo ante el paisaje. Yo estaba allí, sin ser visto. Pasaban los días, casi una semana, y veía vibrar la materia, las texturas, el remanso del vado. Al final, ponía punto final. Me decía “hasta aquí he llegado y aquí me quedo”, en este lienzo que es sólo un apunte más de mi manera de mirar, de mi modo de entender el tiempo de la pintura y el murmullo casi inaudible de las aguas. Cuando cae la noche, me desnudo y me arrojo a esa atmósfera del sueño, y me siento nadador, navegante o Narciso. Y eso lo hago todos los días y me extravío, carne de óleo, en el bosque de lirios que se desliza en la corriente.

*El cuadro, este retrato de dama, pertenece a la última y magnífica exposición de Alberto Calvo en la galería de Cristina Marín. Hace unos días, una amiga común, la actriz y rapsoda Kiki, me dijo que Alberto está dibujando toros como un loco. Éste es un texto sobre el arte de la pintura: una confesión de un pintor de paisajes fascinado por el embrujo de la corriente que pasa.

‘ÁGORA’ DE ALEJANDRO AMENÁBAR

·       La película llegará a las pantallas españolas en otoño de este año.

·       Es una producción de Mod Producciones, Himenóptero y Telecinco Cinema con la participación de Canal + España.

AGORA es la quinta película de Alejandro Amenábar y su segunda producción rodada en inglés tras el reconocimiento internacional de Los Otros y Mar Adentro (Oscar a la Mejor Película Extranjera en 2005).

Protagonizada por Rachel Weisz (Oscar por El jardinero fiel), AGORA cuenta con un sólido elenco en el que figuran actores como el joven Max Minghella (Syriana), Oscar Isaac (Red de Mentiras), Rupert Evans (Hellboy), Ashraf Barhom (The Kingdom), Sami Samir (Natividad), Homayoun Ershadi (Cometas en el cielo) y Michael Lonsdale (Munich), entre otros. El guión está escrito junto a Mateo Gil y la producción ejecutiva corre a cargo de Fernando Bovaira.

“Hace cuatro años –declara Alejandro Amenábar-, tras una experiencia para mí tan íntima como fue hacer MAR ADENTRO, no habría imaginado que mi siguiente película sería de romanos y cristianos en el Antiguo Egipto. Pero eso es lo bonito de esta profesión: la posibilidad de dejarte llevar por la curiosidad, investigar y encontrar mundos tan fascinantes como la Alejandría del siglo IV; imaginar cómo serían sus calles, sus templos, su gente… Y encontrar la pasión, y el dinero, para devolverlo todo a la vida”.

“El conjunto de este auténtico viaje desde que Mateo Gil, Fernando Bovaira y yo empezamos a soñar con el proyecto, hasta la fase de posproducción en la que nos encontramos en estos momentos, ha sido apasionante. Y mi sueño ahora es que lo sea también para los espectadores. AGORA es, en muchos sentidos, una historia del pasado sobre lo que está pasando ahora, un espejo para que el público mire y observe desde la distancia del tiempo y del espacio, y descubra, sorprendentemente, que el mundo no ha cambiado tanto”.

El rodaje se desarrolló en Malta a lo largo de quince semanas durante los meses de marzo a junio de 2008.

AGORA es ya  una de las producciones más ambiciosas del cine europeo, en la que se han reunido actores y técnicos de muy diferentes nacionalidades.  Inspirada en hechos históricos, Alejandro Amenábar está realizando un riguroso esfuerzo por acercar a la audiencia de hoy la vida en la Antigüedad, combinando unos decorados monumentales con la acción real y los efectos visuales de última generación.

Para ello se ha rodeado de un equipo de primera línea. Al frente de la Dirección Artística, Guy Dyas, responsable de la construcción visual de títulos como Indiana Jones y la calavera de cristal;  Xavi Giménez (El maquinista) como Director de Fotografía; Gabriella Pescucci (Oscar por La edad de la inocencia) en el Diseño de Vestuario; o Félix Bergés al cargo de los Efectos Visuales. El músico italiano  Dario Marianelli (Oscar por Expiación) compone la banda sonora de la película.

Sobre los productores de AGORA

Agora y El Mal Ajeno están producidas junto a Telecinco Cinema por Alejandro Amenábar a través de su productora Himenóptero, y por Fernando Bovaira con su nueva compañía Mod Producciones.

El Mal Ajeno, de Oskar Santos, está protagonizada por Eduardo Noriega y BelÉn Rueda y actualmente se encuentra en proceso de posproducción.

Asimismo, Mod Producciones en coproducción con Menageatroz, rueda en Barcelona  Biutiful de Alejandro G. Iñárritu con Javier Bardem como protagonista.

Telecinco Cinema, filial cinematográfica de la cadena de televisión Telecinco, ha estado al frente de gran parte de los mayores éxitos del cine español más reciente como “El Laberinto del Fauno” –película de Guillermo del Toro ganadora de tres Oscars-; “Alatriste”, dirigida por Agustín Díaz Yanes con Viggo Mortensen como protagonista; “El Orfanato”, de Juan Antonio Bayona, la película más taquillera de 2007 y la segunda más vista en la historia del cine español; o “Los crímenes de Oxford”, de Álex de la Iglesia, reciente ganadora de tres Premios Goya. El pasado año Telecinco Cinema participó en dos superproducciones sobre la figura del Che Guevara dirigidas por Steven Soderbergh: “Che, El Argentino” -por la que su protagonista Benicio del Toro ha obtenido el Goya al Mejor Actor- y “Che, Guerrilla”, que se estrenará comercialmente en salas el próximo viernes 27 de febrero.

Sinopsis

Siglo IV. Egipto bajo el Imperio Romano. Las violentas revueltas religiosas en las calles de Alejandría alcanzan a su legendaria Biblioteca. Atrapada tras sus muros, la brillante astrónoma Hipatia lucha por salvar la sabiduría del Mundo Antiguo con la ayuda de sus discípulos. Entre ellos, los dos hombres que se disputan su corazón: Orestes y el joven esclavo Davo que se debate entre el amor que le profesa en secreto y la libertad que podría alcanzar uniéndose al imparable ascenso de los cristianos.

*La última novela de Magdalena Lasala, ‘La conspiración de Piscis’ (Styria) tiene un argumento muy similar. Comienza con la muerte del padre de Hipatia. En la foto, Rachel Weisz.

‘La Vanguardia’ abría ayer la sección de cultura con una crónica sobre la inauguración de la retrospectiva del escultor Juan Muñoz (1953-2001) en el Museo Reina Sofía. La crónica de Justo Barranco estaba muy bien; las palabras de  Borja-Villel sobre el artista me han parecido muy atinadas, brillantes.

Pero lo que me impresionó fue una cita del propio Juan Muñoz, “al que se podía considerar ante todo un narrador”, apasionado por la teatralidad, el ilusionismo y la magia (“magia de chamarilero”).

Decía Muñoz: “La radio es, en cierto modo, el medio de comunicación más vanguardista que conozco, porque obliga al oyente a imaginarse el mundo que hay fuera, más allá de la obra”.

Me escribe el pintor Antonio Álvarez Pardo:

"Esta semana, el jueves 23, inauguro una exposición en el Pozo de hielo de Las Pedrosas, a 48 Km. de Zaragoza, en la comarca de Las Cinco Villas. Es un espacio que me sedujo desde el primer momento, es pequeño pero su pared redonda de piedras transmite la humilde y a la vez enorme fuerza de cinco siglos de historia.

Voy a llevar paisajes rotundos, duros pero rebosantes de poesía, paisajes para poetas, de diferentes formatos técnicas; aguadas de tinta, acuarela y óleo combinados sobre papel y unas acuarelas con pigmentos en polvo sobre tablas texturadas".

INMA OTAL explica así la pintura de Antonio Álvarez, un artista que ha participado en el volumen ‘Cuentos a patadas’ y que ha colaborado en distintas ocasiones en la revista ‘Rolde’.

Antonio Álvarez es el hombre que hace de su entorno un refugio compartido, casi familiar. Sus formas y colores dibujan paisajes que uno tiene la sensación de haber pisado. Los miras, te sorprendes del reconocimiento y hasta paseas, como entonces. No sólo desaparecen las distancias físicas respecto a ese lugar, también las mentales. Y justo cuando ya estás allí, cuando por arte de magia has vuelto a esa estepa o a esa tormenta, te das cuenta de que no estás solo: Esos trazos te hablan, porque las obras de Antonio están vivas y tienen conversación. También detalles, ni muchos ni pocos ni más ni menos, los justos. Te invitan a detenerte, uno a uno, hasta que amplías al plano general y vuelves a mirar: No falta nada, tampoco sobra.

La naturaleza ofrece infinidad de ambientes, tonos, instantes y caminos. Para visitar Las Pedrosas Antonio Álvarez ha escogido los más duros, libres y naturales, esos que sólo dependen de los cielos para sobrevivir en la tierra, los del secano. Que se vistan de rojo, ocre o verde no depende del hombre, aunque los pinceles de Antonio sí parecen llegar desde lo más alto para calar en lo más profundo.

Entre el Cielo y la Tierra es una exposición de temporal, como la agricultura del municipio. Rigurosa, sin concesiones, dura, pero también resistente, capaz de soportar la fatiga y el paso del tiempo, aunque a veces tenga sed y necesite del ingenio para seguir adelante. Como el que hace unos años levantó un pozo para guardar la nieve del invierno y tener hielo en verano. Paredes centenarias de piedra de las que ahora cuelgan otras ideas, instantes y miradas. Algo me dice que serán un buen cobijo para los paisajes inteligentes de Antonio. También que el pozo de hielo de Las Pedrosas no podría haber encontrado un mejor inquilino.

*Esta obra pertenece a la colección de acuarelas gigantes que realiza Antonio Álvarez, de carácter hiperrealista. Puerto de Cambrils.

UREÑA   

desde el interior

Joaquín Ureña (Lérida, 1946) estudió arquitectura; en pintura es autodidacta, expresándose siempre en acuarela. Empezó pintando paisajes urbanos y rurales y es a partir de 1986 cuando, a raíz de obtener el primer premio en el certamen nacional de Albaida (Valencia), se produce una inflexión en su obra.  Pasa al gran formato, llegando a pintar en papeles de 200 x 200 cm, y los temas van a ser los de la vida cotidiana del artista. 

La luz es un elemento muy importante en la pintura de Ureña. En los interiores podemos ver las composiciones de luces frías y cálidas y se pueden cruzar también las luces del exterior, de un atardecer azulado, o del comienzo de la noche en azules oscuros con matices que se dirigen al negro.

El hecho de que este artista desarrolle una pintura realista y de que necesite la realidad para pintar, ha motivado que algunos califiquen su pintura de hiperrealista.  Y no lo es.  Es fundamentalmente pictórica, tal como podemos observar si miramos sus obras con detenimiento.

A veces Ureña plasma en la misma acuarela el interior de su casa y el exterior que se ve desde ese interior.  Los reflejos en los cristales de los balcones sirven para crear ese nexo.

En definitiva, pinta un mundo sin historias, un mundo práctico: el de las  mesas montadas por uno mismo, los muebles metálicos, las estanterías con libros, carpetas y objetos, la mesa de trabajo, los balcones y ventanas que dan al exterior; se plasma así la imagen doméstica que nos rodea.

El artista ha vivido y ha pintado siempre según sus convicciones y su forma de entender la pintura, sin preocuparse de modas.  Ahora resulta que su obra no está muy alejada de algunas de las tendencias más valoradas en el mundo del arte actual.

Inauguración: mañana martes, 21, a las 20 horas. Esta nota la remite la propia galería, que dirigen Mariano y Montse.

Hace unas semanas, en vísperas de la Expo colgué en mi blog esta foto de Sara Lezana, en la ópera Carmen, que corresponde al Ballet Flamenco de Madrid, tomada en una de las múltiples representaciones que el Ballet ha hecho fuera de España. Su director Luciano Ruiz me escribe y me dice que fue tomada, probablemente, en la Ópera de El Cairo en Egipto.

Cuando apareció en estas páginas, no aparecieron créditos de la foto. Aquí está la nota que debía llevar y mi agradecimiento al Ballet Flamenco de Madrid. Una de las normas que intento observar siempre es decir de quién son las imágenes que aparecen en ese laberinto visual infinito que es internet. (Este añadido es de 23.10.2008)

El pasado martes, 14 de abril de 2009, recibí esta amable nota de Paco Mora. Estimado “Antón tengo que corregirte en toda la información que aquí tienes. Esa foto no corresponde a Sara Lezana sino a Verónica Cantos, ten en cuenta que Sara Lezana tiene ya sesenta y largos años. No fue hecha en El Cairo sino en el patio del Conde Duque de Madrid. Todo esto te lo digo porque esa obra es mía, la coreografié yo y la imagen es mía. Te mando un saludo y espero que te beneficies de la verdad. Paco Mora”.

Aquí está de nuevo la foto, la rectificación y mi gratitud más sincera a Paco Mora. En la foto, Verónica Cantos.

Me acabo de encontrar con esta foto de Cary Grant y me ha gustado tanto que recupero aquí este texto que escribí hace algún tiempo sobre uno de mis actores más queridos. No sé quién es su autor, si alguien lo sabe lo pondré aquí de inmediato.

Alfred Hitchcock dijo una vez de Cary Grant, uno de sus actores preferidos: “Podría seguir actuando con un huevo podrido en la cara y seguiría pareciendo tan fascinante como siempre”. El realizador Fernando Trueba, en su “Diccionario de cine” (Planeta, 1997, reeditado luego por Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores) lo califica como el mejor actor de la historia: “Era algo más que un actor. Era un signo. Y por ello el intérprete ideal para directores de tendencias abstractas, que él humanizaba a base de esa indescifrable cualidad llamada encanto”. Fascinación y encanto: he ahí dos atributos de Cary Grant. Trueba añade: “Fue el más económico, el que con menos ha contado más, el que te comunica sus emociones escondiéndolas en vez de exhibiéndolas; entonces, definitivamente, Cary Grant es el mejor actor de la historia del cine, aparte del más cinematográfico de todos los actores, el menos teatral, el menos melodramático, el más específicamente cinematográfico”. Todas esas cualidades que no pueden adquirirse con ningún método ni en ninguna escuela. Curiosamente, Cary Grant -que encarnó a personajes escépticos, solitarios, tímidos y a la vez cínicos que no parecían resignarse a un único amor-, también creyó que una trayectoria se construye con lucha titánica, con esfuerzo y con voluntad de redención social.

La suya fue, sobre todo, una infancia triste: casi miserable por la modestia de su familia, angustiosa por el temor enfermizo de su madre a que a él, a su segundo hijo, le ocurriese cualquier desgracia. Ella, Elsie, jamás pudo remontar la muerte de su primer hijo, nacido en 1900, de la que siempre se sintió culpable. Ese remordimiento la llevó a la sobreprotección de su segundo hijo, que alumbró un 18 de enero de 1904, Archibald Alexander Leach (“intentó asfixiarme con su amor –diría luego Cary Grant-. No pasé un solo instante de felicidad bajo el mismo techo que mis padres”) y posteriormente la condujo a un psiquiátrico. Un día, cuando tenía nueve o diez años, Archibald se despidió de ella como siempre, y cuando volvió del colegio le dijeron que se había tenido que ausentar. Tardó dos décadas en saber la verdad de ese encierro, y ya era entonces un actor famoso, y además había perdido a su padre. A los catorce años, abandonó el colegio y se sumó al Troupe Pender de cómicos de la lengua; con la compañía aprendió mucho: realizó acrobacias y pasos de baile, y aun tuvo tiempo de mejorar su acento de Bristol.

En 1920, partió a Estados Unidos y compaginó, como método de supervivencia y de crecimiento artístico, empleos de hombre anuncio y de “bufón” en el hipódromo de Nueva York con su presencia como cantante en comedias musicales y en números más o menos circenses, bajo el nombre de Archie Leach. De ahí dio el salto en papeles secundarios al cine, donde lo mismo mostraba un perfil de galán romántico con el cual tendría sus primeros éxitos que mostraba algunas virtudes que le harían famoso luego: la sensibilidad, la perspicacia, la lectura correcta de una papel, la fina ironía, su sentido del humor y aquella facilidad casi inefable que poseía para solventar cualquier papel o conflicto sin despeinarse. Esas características las iría potenciando más tarde, lo mismo que la sabiduría con que mezclaba el desconcierto y la seguridad, y otro rasgo que cultivó con elegancia y magnetismo: la ambigüedad. Aquella ambigüedad que le permitía aparentar perversidad o un oscuro tormento y que tendría sus mejores momentos en películas como “Sospecha” (1941) o “Encadenados” (1946) de Hitchcock. Pero no adelantemos acontecimientos. Sus inicios, de verdad, están vinculados a dos actrices: Marlene Dietrich en “La venus rubia” (1932) y a Mae West (ella presumió siempre de “que exigió su presencia”), con la cual realizó dos películas: “Lady Lou” o “No soy ningún ángel”.

Antes de dar ese paso decisivo que ya fue “La gran aventura de Silvia” (1936) de Cukor, junto a Katharine Hepburn, trabajó con grandes damas de Hollywood como Jean Harlow o Irene Dunne como galán romántico. Howard Hawks descubriría su inmenso talento cómico como profesor despistado en “La fiera de mi niña” (1938), y acabaría convirtiéndolo en su actor preferido; con él hizo otras películas como “Sólo los ángeles tienen alas” (1939), “Luna nueva” (1940) (una de las mejores sátiras sobre el periodismo, donde el cínico y burlón Cary Grant volvía  a seducir a su ex esposa, Rosalind Rusell, en vísperas de su nueva boda, algo que también hizo impecablemente en “Historias de Filadelfia” de George Cukor”, también ese mismo año), “Me siento rejuvenecer” (1952) y “La novia era él” (1949). Cary Grant, en cualquier papel, establecía de inmediato una complicidad con el espectador, fundada en el talento, en la versatilidad y en una estrategia espontánea de seducción. Y en una inteligencia dibujada, sin ostentación alguna, con matices invisibles. 

Bordaba cualquier papel. Y a esos títulos, hay que sumar otras obras maestras: “Arsénico por compasión” (1944) de Capra, la ya citada “Encadenados”, junto a una insuperable y bellísima Ingrid Bergman, en una historia de amor entre una mujer necesitada y el hombre que niega sus sentimientos y que avanza en medio de una intriga relacionada con el uranio oculto en una botella, o “Con la muerte en los talones”.         

En un periodo de crisis, de cierta caída en la monotonía del galán guapo, Hitchcock le recuperó con papeles hondos y completos; tras “Atrapa a un ladrón” (1955), en 1959 le daría uno de los papeles de su vida en “Con la muerte en los talones”. Y algo más tarde redondeó su extraordinaria filmografía con una pieza deliciosa: “Charada”, junto a un ángel o a un cisne de alada beldad como Audrey Hepburn.

Cary Grant se casó cinco veces. Una de ellas con la millonaria Barbara Hutton, convivió casi una década en una casita de Santa Mónica con el actor Randolph Scott (de ahí las acusaciones de homosexualidad que se han vertido sobre su figura en tiempos en que se entendía como “amor oscuro”) y no llegó a recibir más que un Oscar por su carrera en 1970. Un montón de historias sobre su tacañería y maltrato a sus esposas ensombrece su leyenda, aunque se sabe que entregó el caché de una de sus películas para el ejército inglés que combatía en la Segunda Guerra Mundial. Katharine Hepburn, con quien dio vida a algunas de las mejores parejas del cine, dijo de él: “Cary Grant es una personalidad que funciona siempre. Posee un encantador sentido del ritmo, del tiempo, un rostro divertido y una voz adorable”. 

O CREADOR NO SEU OBRADOIRO

BLANCA SILVA: A ARTE DE BALEIRARSE

A pintora e escultora prepara dúas exposicións en Amsterdam e A Coruña.

Xoán Abeleira / El País Galicia

Afirma o poeta Xulio López Valcárcel que a obra de Blanca Silva ten un certo alen/to místico; que esta muller aspira a “pintar o Alén” -e leva toda a razón. Di tamén o tamén crítico de arte que o expresionismo abstracto de Silva está máis vencellado ó de Rothko ca ó de Pollock, ó de Muñoz ca ó de Kandinsky -e niso tamén leva razón. As series de cadros, de gravados de Silva invítannos, si, ó samadhi, ó estado de acougo, á suma concentración. Son unha sorte de mandalas sintéticos. E a que fin máis alto que a ese pode aspirar un/unha artista?

         “Baleiro e cheo/ Nunha pincelada/ Flúe o eterno”, acordo en entrando no seu obradoiro. A arte de Blanca Silva é a arte de baleirarse, a arte do sunyata, a arte do non saber. “A pintura sérveme para internarme nun universo misterioso”, afirma ela, e eu enxergo o seu “internarse” no senso máis literal: ir ó cerne do cerne. “A maioría dos creadores coidan que hai que estar cheo para poder expresarse, mais eu preciso baleirarme de todo para transmitir algo. Non podo traballar cando estou ateigada de mundo.” Para Silva “o obradoiro non é unha terapia” senón un lugar ó que acude “á cata do baleiro”. Un espazo de meditación en movemento, poderiamos dicir no caso desta creadora interesada por toda caste de espiritualidades e de espíritos coma ela. “Aínda que isto é un proceso que dura moitos anos.”

         Baleirarse: verbo que de seu abonda para resumir toda a andaina de Silva ata o de agora. Pró meu grande abraio (esa mestura de pasmo e de entusiasmo, de asombro e de arrepío), Silva concédeme un privilexio: fitar as súas primeiras obras para enxergar o seu tránsito dende o expresionismo figurativo ó expresionismo abstracto. “Eu veño da literatura”, confesa esta confesa crente da Poesía, “o que pasa é que para min a escrita é un camiño de ida e volta, mentres que a plástica o é só de ida. Na poesía -malia ser tamén unha vía de coñecemento, como dicía Valente, unha viaxe cara ó Absoluto-, cando rematas un poema, volves ó punto de partida. Na plástica non, sempre volves ó punto cero.”

         A bisneta do avogado e escritor Alberto García Ferreiro comezou a pintar “xa tarde, dun xeito completamente autodidacta.” Dúas claves ben significativas aclaran aquel principio. Unha exposición de Matisse -cuxa obra final serviu de referente ós vangardistas abstractos- foi o detonante que a impulsou a pintar. Dos superrealistas Silva aprendeu a “simbolizar os meus soños”, pois, dende meniña, sempre tivo unha intensa vida onírica. “Lembro que daquela soñaba cunha xigantesca mazá vermella pairando nun azul escintilante.” Unha visión ó Magritte. Ende ben, Silva deu con dous profesores tan bos que lle quitaron da cabeza a idea de aprender a debuxar. “Dixéronme que xa acadara un estilo de meu e que a aprendizaxe da técnica tan só podía roubarme esa frescura.”

         Asemade, naquel período Silva comezou “a coidar dos meus mortos, para min importantísimos”, e dende aquela traballa nunha serie de esculturas na que os defuntos, reencarnados nuns bonequiños de louza, penduran acó e aló coma exvotos primitivos. A comparación non é gratuíta: ollando esas figuriñas que espertan tanta tenrura lembro, por exemplo, os poemas de Jean Joseph Ravearivelo sobre o culto ós mortos malgaxe. Ou, moito máis atrás, as estatuíñas das deusas do xamanismo prehistórico.

Tras aquela etapa inicial guiada polos soños, Silva desenvolveu, nos oitenta, un posmodernismo tamén moi persoal. Na súa “Agra da Soleira” de San Xoán de Vilanova; a carón dun galano inédito da súa amiga Luísa Villalta, varios deses cadros dialogan en silencio. Especialmente fermoso é o retrato da súa filla María: natureza aberta coma A orixe do mundo de Courbet. Mais, curiosamente, de vagariño, Silva pasou de soñar con imaxes a “soñar con cores que logo tento plasmar nas miñas teas”. Tamén desa etapa de transición hai un dato moi revelador: “Cando non me gustaba un cadro, borrábao; ata que un día me decatei de que o que estaba a buscar eran aquelas supostas manchas que ficaban no lenzo. Non as liñas nin as formas senón as cores en si.” Cores coas que Silva mantén “unha relación anímica, nada intelectual”, e que “xamais significan o mesmo”.

Esta procura case que irracional desvélanos a feito a actitude de Silva perante a creación e a Creación. Partindo dun estadio narrativo, curativo, no que o importante era esconxurar os seus demos, chegou a estoutro estadio poético, meditativo, no que o que conta non é, nin moito menos, a arela de contar senón a capacidade de transcender(se). Coma as abellas de Rilke, Silva é unha desas artistas que “liban o invisible” para facelo visible. Coma o equilibrista de Klee, Silva viaxa dunha á outra beira do Real para transmitirnos o que non ten nin forma nin nome: preludios do Tao.

Por iso, sen dúbida, “falo tanto soa…”

*O escritor galego, afincado en A Coruña, envíame a súa segunda entrega de esta serie sobre estudios de artista, centrado en Blanca Silva. Velaquí a Blanca diante dunha obra súa nunha foto de Gabriel Tizón.  

Una de las mujeres más hermosas y más frágiles de la historia del cine, Marilyn Monroe, retratada por Edward Clark para ‘Life’ en 1950.

Hace unos días, en el hotel La Romareda, Jane Birkin le decía a un equipo de ‘Borradores’ que su madre era un diccionario de cultura y su padre un héroe. Un héroe de la Resistencia, de la libertad y de la vida cotidiana. Encuentro esta preciosa foto y aquí la cuelgo. Creo que es de su hija Kate Barry, su primera hija que es una estupenda fotógrafa.

Me escribe Lola Pintado, directora del Museo Juan Cabré de Calaceite

Querido Antón:

En esta ocasión te queremos adelantar la triste noticia de la muerte del artista que vamos a tener en abril, Rafael Bartolozzi. A pesar de ello, y cumpliendo el deseo y la voluntad de Rafael, la familia quiere seguir adelante con la exposición "Bartolozzi Brutal" que se inaugura el 4 de abril a las 8 de la tarde en el Museo Juan Cabré. Se trata de obra inédita, creada especialmente para Calaceite y en la cual ha estado trabajando hasta el último momento (incluso nos dicen que hay alguna obra inacabada). Rafael estaba encantado y muy empeñado en exponer aquí, ya que le unieron lazos de amistad con personas como Àlex Susanna o Ángel Crespo, y consideraba a Calaceite un rincón cultural de gran valor.

Para el Museo, todo ello es un honor y queremos agradecer el esfuerzo de su mujer Nuria Aymamí y de su hijo Nil Bartolozzi, los cuales asistirán a la inauguración, además del resto de familia y amigos, empezando ya a difundir su exposición póstuma.

Te envíamos el enlace de la nota de fallecimiento de ‘El País’, para ampliarte la información.

Lola Pintado

Museo Juan Cabré

Rafael Bartolozzi, artista clave del pop español

J. M. MARTÍ FONT / El País

El pintor y escultor Rafael Bartolozzi (Pamplona, 1943) falleció el 22 de marzo, víctima de un cáncer. Fue un artista prolífico y genial, insobornable miembro de la generación de los sesenta, tanto en su práctica artística como en su trayectoria vital. Tenía 66 años.

Su intervención, junto al que fue su pareja artística, Eduard Arranz-Bravo, en la fábrica de pinturas Tipel, en Parets del Vallès, cerca de la autopista que lleva de Barcelona hacia el norte, define por sí sola el pop español y también el espíritu de unos años en los que casi todo parecía posible, incluso que un empresario encargara a dos artistas que, literalmente, le pintaran la empresa. Los 2.000 metros cuadrados de formas sorprendentes pintadas con los colores más llamativos están para siempre en la memoria de millones de personas. No sin razón fue calificada por un crítico como la mayor obra pop del mundo. La pintura ha sido restaurada recientemente, pero la fábrica está cerrada.

El hijo de Pedro Lozano y Francisca Bartolozzi -ambos pintores- nació en Pamplona en 1943 y llegó a Barcelona en 1962 para estudiar Bellas Artes. Pronto, su primera fascinación por la abstracción, por la obra de los Tàpies, Millares o Saura, quedó eclipsada por la emergencia del movimiento pop y la nueva figuración.

En los setenta mantuvo una relación simbiótica con Arranz-Bravo. Eran una marca de fábrica, trabajaban y exponían juntos, hasta el punto de que, de cara al público, eran una especie de sociedad cooperativa que parecía indisoluble y de la que había paralelismos en el panorama artístico español, como el Equipo Crónica.

Pero se rompió al entrar en los ochenta. Su consagración individual le llegó al ser escogido como representante de España en la Bienal de Venecia. Para entonces, Bartolozzi había empezado a dejar atrás los aspectos más pop de su obra y se inclinaba hacia el informalismo, aunque siempre anclado en la figuración.

Paisaje griego y romano

A finales de los ochenta se instala en Vespella de Gaià, un pequeño pueblo de Tarragona, entre pinos, olivos y algarrobos, un árbol, este último, con el que se identificaba porque, según la leyenda, necesita ver el mar.

Y se inserta de tal manera en este paisaje entre griego y romano que, en un momento dado, Bartolozzi decide convertirse en alcalde. Se presenta a las elecciones, las gana y transforma el pueblo en una experiencia artística. Atraídos por el invento, poco a poco llegan otros creadores, como el realizador Bigas Luna.

El sueño idílico de este Parnaso se rompe el 5 de agosto de 1993. El monte está seco y una chispa desata un devastador incendio que arrasa 1.000 hectáreas de las 1.824 que tiene el término municipal y se lleva la vida de seis personas. El resultado es un paisaje dantesco, el infierno. Para Bartolozzi es un mazazo, pero también una oportunidad para mirar hacia adentro, hacia la destrucción y la muerte.

Su obra posterior, en especial la serie de pinturas expresionistas bautizada como El incendio, queda como uno de los momentos insuperables de su carrera, así como la serie posterior, en la que la vida renace de entre las cenizas y los brotes verdes surgen del negro carbón. Su escultura gigante Alfa & Omega, en el mar, frente a la playa de Torre-dembarra, también es hija de este episodio.

Será incinerado mañana y sus cenizas reposarán dentro de un bloque de mármol en su estudio de Vespella de Gaià.

ESCUELA MUNICIPAL DE TEATRO

TALLER DE TERCER CURSO

Teatro Principal. 23 y 24 de marzo (21 h.)

ÚLTIMOS REMORDIMIENTOS ANTES DEL OLVIDO

de Jean-Luc Lagarce

EL AUTOR

Como muchos otros grandes autores contemporáneos, Jean-Luc Lagarce (1957-1995) ha sido muy poco representado en España. En Francia desde luego, pero también en otros países europeos y americanos, es asiduo de las carteleras. Autor de una escritura muy particular, de aspecto transparente y sin embargo llena de enigmas, se puede situar en la tradición de un Chejov pasado por Beckett y Pinter, entre otros. Llevar a escena uno de sus textos nos sitúa ante múltiples problemas, siempre radicales, del arte de la interpretación. Finalmente de eso se trata en esta etapa de formación (y en realidad en cualquier etapa): de aprender a plantearse las preguntas que de verdad importan, fuera de recetas preestablecidas. Una inmersión en Lagarce deja muchas cuestiones abiertas para seguir tratando de entender algo de lo que pueda ser el teatro y lo que pueda ser la vida. En palabras de Lagarce: “Tenemos que conservar en el centro de nuestro mundo el lugar para nuestras incertidumbres, el lugar de nuestra flexibilidad, de nuestras dificultades para decir o escuchar.”

SINOPSIS

Hélène, Paul y Pierre compartieron casa con jardín y vida en común durante los años sesenta. Veinte años más tarde, Pierre sigue viviendo en la casa, mientras que los otros dos han llevado otra vida y otras relaciones. Vuelven con sus nuevas parejas (Paul con Anne y Hélène con Antoine y su hija Lise) para discutir sobre la venta de la casa. La situación deriva en un complejo tejido de relaciones entre los personajes.

REPARTO

PIERRE: Federico Basigalup / Javier Casado

PAUL: Miguel Cerdán / David Costas

HÉLÈNE: Minerva Arbués / Belén Lázaro

ANTOINE: David Diestre / Óscar Castro

ANNE: Silvia Sánchez / Lucía Aguerri

LISE: Leyre Gracia

Traducción: Fernando Gómez Grande

Escenografía: Pepe Melero

Iluminación: Javier Anós

Vestuario: Ainhoa Polo

Maquillaje: Ana Bruned

Diseño gráfico: Batidora de ideas

Dirección: Mariano Anós

(Esta foto de Mariano Anós está tomada del blog de su gran amigo Javier Delgado).

El programa ‘Borradores’ ofrece esta noche una extensa entrevista con Jane Birkin, donde la actriz y cantante y directora de cine relata la relación con sus padres, su historia de amor y complicidad con Serge Gainsbourg, las claves de su último disco, ‘Enfants d’hiver’ cuyas letras ha escrito ella misma, y el estado anímico con el que afronta una actuación. Dice: “Me siento desnuda”.

También se rinde homenaje a la escritora Ana María Navales (1939-2009), fallecida hace unos días en Maleján, que constituye un caso de firme e incuestionable vocación literaria. Navales escribió poesía, narrativa y ensayo, estudió la escritura de mujer y reivindicó a figuras aragonesas como María Pilar Sinués y Rosa María Cajal, o la pintora de Barbastro Julieta Always, entre otras muchas. Además, se ofrece una extensa entrevista con el escritor y periodista Sergio del Molino, que acaba de publicar su primer libro: ‘Malas influencias’ (Tropo), en el que narra historias de seres marginales que viven en el filo de la navaja y en un marcado ambiente de ‘realismo sucio’. Uno de los textos más impresionantes cuenta el brutal suicidio de la poeta Sylvia Plath. Sergio del Molino conversa con la redactora de ‘Borradores’, Ana Catalá Roca.

Además, visita el plató el escritor y experto en fotografía Antonio Ansón, director de la colección ‘Cuarto oscuro’ de Prensas Universitarias de Zaragoza, que acaba de publicar el proyecto fotográfico ‘Testamento’ del escritor, actor y fotógrafo Alain Moïse Arbib, que reside actualmente en París. ‘Borradores’ emite un reportaje de las fotos del volumen que exploran los sueños, las fantasías y los delirios sensuales y sexuales de un artista que alterna el blanco y negro y el color y se aproxima al mundo de Jan Sudek, Witkin o el propio Emmanuel Soguez. ‘Borradores’ ofrece tres libros a los seguidores del programa que acierten una sencilla pregunta. El escritor, fotógrafo y cinéfilo Hilario J. Rodríguez explica las claves del libro colectivo ‘En las ciudades’ (Notorious), en el que participan algo más de veinte escritores, entre ellos los aragoneses Fernando Sanmartín, Cristina Grande, Julio José Ordovás, José María Latorre y José María Conget, que visitan Lisboa, Buenos Aires, Berlín, Roma y Londres, respectivamente. El invitado narra un viaje a Los Angeles en 1996 y la adquisión de un Chevrolet Spring, a pesar de no tener carné de conducir.

La actuación en directo corre a cargo del grupo de rock castizo e ibérico Insulina Morgan, que ganaron el concurso Muévete en 2007 y acaba de grabar su primer álbum: ‘La caja de los recuerdos’. Los cinco componentes de Insulina Morgan tocan dos temas: ‘Caperucita feroz’ y ‘Caras de felicidad’.

Borradores. Aragón Televisión. Noche del jueves al viernes, 0.15 horas. Redacción: Ana Catalá Roca. Ayudante de realización: Yolanda Liesa. Realización: Teresa Lázaro. Ayudante de producción: Julia Fernández. Producción: Carmen Delpón. Producción Delegada de CHIP: Patricia Bertol. Dirección y presentación: Antón Castro. Canal Satélite Digital 96. Se redifunde el viernes de madrugada. (En la foto, Jane Birkin & Serge Gainsbourg.)

Os mando, resumida, toda la programación del mes de Abril en La Campana de los Perdidos con el ruego de su máxima difusión.

Reseño las actuaciones de uno de los mejores cantautores españoles que es Javier Ruibal, pero también la suerte de que Raúl Carnota, uno de los máximos exponentes de la canción argentina en la actualidad, que aprovechando su gira europea ha querido recalar en Zaragoza, camino de Barcelona, para saludar a sus amigos de Amankay-Almagato y ya que está aquí obsequiarnos con un par de conciertos, uno de ellos en un día inusual como es el lunes ya que La Campana de los Perdidos no abre los lunes pero ante una oportunidad así se abre y lo que haga falta. Tened cuidado pues ambos ponen aforo limitado y si no os queréis quedar sin verlos os recomiendo reservar la entrada

ESCENARIO ABIERTO: JAM-SESION CELTA

             Todos los Miércoles (excepto día 22) a partir de las 22,00 horas

·       FELPEYU-Folk (Asturias)                                                                                                                                   

Jueves, 2 de Abril; 22,00 horas

·        JAVIER RUIBAL- Cantautor (Cádiz)

         ¡Ojo! Aforo limitado: Reserva de entradas: 606.69.28.58

Viernes, 3 de Abril; 22,30 horas y Sábado, 4 de Abril; 22,30 horas

·        LOS MANCUSOS- Humor: “Tres contra cientos”

Domingo, 5 de Abril. 21,30 horas

·        ALBERTO PÉREZ- Bolerazos de siempre y más allá de La Mandrágora

Jueves, 9 de Abril; 22,00 horas y Viernes, 10 de Abril; 22,30 horas

·        O´CAROLAN- Algo más que ritmos celtas

Jueves, 16 de Abril; 22,00 horas y Viernes, 17 de Abril; 22,30 horas

·        CICLO POESÍA PARA PERDIDOS-

Poetas invitados: Miguel Ángel Yusta Y Joaquín Sánchez Vallés                              

Organiza: AAE(Asociación aragonesa de escritores) Patrocina: Dto.Cultura D.G.A.   

Sábado, 18 de Abril; 22,00 horas

·        RAÚL CARNOTA- Canción argentina

        ¡Ojo! Aforo limitado: Reserva de entradas: 606.69.28.58                                                                                                                                   

Domingo, 19 de Abril; 21,30 horas  y Lunes, 20 de Abril; 21,30 horas   

·        CICLO POESÍA PARA PERDIDOS- Noche blanca poética                                 

Organiza: AAE(Asociación aragonesa de escritores) Patrocina: Dto.Cultura D.G.A.   

 Miércoles, 22 de Abril; 22,00 horas. 

·        TUCO REQUENA GRUPO- Rumba de autor                                                                                                                                  

Jueves, 23 de Abril; 22,00 horas y Viernes, 24 de Abril; 22,30 horas

·        CICLO POESÍA PARA PERDIDOS-

 Poetas invitados: Eva Vaz Y José Luis Piquero                                           

Organiza: AAE(Asociación aragonesa de escritores) Patrocina: Dto.Cultura D.G.A.                                        

            Sábado, 25 de Abril; 22,00 horas

·        CICLO DE JAZZ                                                                                                       

Domingo, 26 de Abril; 21,30 horas  

·        ESPECIAL NOCHE DE WALPURGIS- Magia mentalista                                                                                             

Jueves, 30 de Abril; 22,00 horas  

·        HOMENAJE A GEORGES BRASSENS- Varios intérpretes

Viernes, 1 de Mayo; 22,30 horas.

*La foto de Javier Ruibal la he tomado de flickr.

Mañana jueves, día 19, se presentará en Zaragoza la antología de Vicente Muñoz, 23 pandoras. Poesía alternativa española (Baile del Sol, 2009), en la librería El Pequeño Teatro de los Libros (C/ Silvestre Pérez, 21, 976481285), a las 20:00 h.

La lectura-presentación contará con la participación de cuatro de las veintitrés poetas que integran la antología: Almudena Vidorreta, Carmen Beltrán, Brenda Ascoz y Carmen Ruiz que serán presentadas por Nacho Escuín (Editorial Eclipsados).
Durante la firma de ejemplares, se servirá un vino para brindar con las autoras.

Próximas presentaciones de la antología durante el mes de marzo:

- Día 21: Logroño
- Día 25: Vitoria-Gasteiz
- Día 27: León

Más información: Blog de 23 pandoras

Ediciones Baile del Sol
prensa.bailedelsol@gmail.com
606146810

CARMEN RUIZ FLETA

También está sola la noche

y a nadie reprocha nada.

Tanta quietud asusta a los cuerpos dormidos

que se asfixian abrazados

robándose mutuamente el aliento.

Sola extiende sus manos hacia la nada,

o hacia los hombres, es lo mismo,

hacia el espejo ciego

que devuelve noche a la noche.

Que la hace más noche y más negra y más sola.

Y a nadie reprocha nada mientras,

sola,

acaricia con sus dedos de muerte.

POEMA DE BRENDA ASCOZ

Algunos se acercarán a mí,

tratarán de ayudarme. No pueden.

Soy impermeable

                            al tacto de otras manos.

Soy arena.

Desértica.

Pasaron ya

el tiempo de la absorción

y el tiempo del cambio.

CARMEN BELTRÁN

Un día nos sentimos la sangre.

No nos gustó del todo

pero nos hirió lo suficiente

y conocimos al monstruo que nos habita.

El niño que fuimos aún vive

pero el anciano que hemos de ser

ya comienza a reclamar su espacio.

ALMUDENA VIDORRETA

Se despertó una mañana

no sabía dónde estaba ni por qué

el mundo le dolía demasiado

sus muñecas,

un cuchillo

una cama como la suya

en el tercero un escayolista

arregla goteras de sangre

no quiso volver a despertar

*Una de las grandes 'Pandoras' del cine: Ava Gardner.

A lo largo de muchos años he sido oyente de ‘Hablar por hablar’. He oído a casi todas sus presentadoras: Gemma Nierga, Fina Rodríguez, Mara Torres, Paqui Ramos, Cristina Lasvignes y ahora también a Macarena Berlín, que acaba de estrenarse. Casi todas ellas han tenido un disc jockey fenomenal, lo han tenido y lo tiene aún la bella Macarena Berlín: se llama Juanma Frasquet, que posee una maravillosa imaginación sonora. Es todo un artista, un creador de atmósferas: él traza en la noche la banda sonora de los sueños, de las confidencias, de los desgarros y de las alegrías. La primera historia de esta madrugada no me ha gustado –la peripecia de un joven que tiene un padre deprimido y que siente nostalgia de los buenos momentos que ha pasado con su primo, que ha sufrido un terrible accidente de automóvil…-, pero sí había algo que funcionaba espléndidamente en medio de los hipidos, el llanto y el silencio dulce de Macarena Berlín: la música que seleccionaba Juanma Frasquet.

*Esta foto de Macarena Berlín corresponde a los archivos de ‘El País’ y se puede acceder a ella en los dominios habituales de internet.

La Escuela Superior de Diseño celebra la III edición de unas jornadas que este año incluyen una importante exposición

“La voz de los objetos 1987-2008” es el nombre de una muestra con toda la cartelería ganadora de Premios Nacionales de Diseño desde la edición del 87

Las jornadas sobre la Práctica del Diseño se celebran en Zaragoza del 17 al 19 de marzo y en ellas se reflexionará sobre el Diseño a través de ponencias, mesas redondas y debates.

Martes 17 de marzo

09:00 INAUGURACIÓN de las Jornadas

A cargo de María Victoria Broto Cosculluela, Consejera de

Educación Cultura y Deporte

09:30 Andreu Balius Diseñador de tipografía

Presenta Ana Sierra. Directora de la Escuela Superior de

Diseño de Aragón

Tipografía: ideas, procesos... y otras historias

11:30 Juli Capella Arquitecto y diseñador

Presenta Isabel González-Cerecero Marina. Profesora de

Historia del Arte

Rastro (Decálogo del joven diseñador)

13:00 INAUGURACIÓN DE LA EXPOSICIÓN

Premiados Nacionales de Diseño

Miércoles 18 de marzo

09:00 Mónica Rivera López-Rivera Arquitectos

Presenta Carlos Velilla. Jefe de Estudios.

Hotel Aire de las Bardenas

10:30 Javier Errea Presidente del Capítulo Español de la Society

For News Design (SNDE)

Presenta José Manuel Chávez Muñoz

Tipografía: el alma visible de un diario. 21 consejos, manías,

gustos, defectos, caprichos... muy personales a la hora de elegir

tipos

13:00 Cul de Sac

Presenta Celeste Dolz. Profesora de Diseño de Interiores

What’s cooking?

Jueves 19 de marzo

09:00 Carlos Grassa Toro Escritor

Presenta Mª Carmen Martinez Samper. Profesora de Volúmen.

Escribir en el aire De la escritura y los espacios

11:00 Vaho Works

Presenta Raúl Espeso. Profesor de Organización Industrial y Legislación

La Basura como Materia Prima

13:00 Mesa Redonda exalumnos ESDA

Cinco titulados en Diseño aportan su experiencia sobre cómo se

interrelacionana las especialidades y el campo laboral

Modera Luis García

El director general de Administración Educativa, Felipe Faci, ha presentado la III edición de las Jornadas sobra la Práctica de Diseño, un encuentro organizado en Zaragoza por la Escuela Superior de Diseño de Aragón.

Un año más se convierten en centro de debate sobre la situación de esta profesión en la que habrá ponencias y mesas redondas con la participación de prestigiosos profesionales como el diseñador tipográfico Andreu Balius que expondrá su visión sobre lo que supone la tipografía, un elemento que defiende que no sólo sirve para dibujar sino también para dar sentido y alma a las letras. Juli Capella, arquitecto y diseñador,  expondrá un decálogo del joven diseñador mientras que el profesor Javier Errea ofrecerá una ponencia aportando 21 consejos, manías, gustos, caprichos& muy personales a la hora de elegir los tipos.

El objetivo de este encuentro es acercar la práctica profesional del Diseño a los alumnos a través de la experiencia de diseñadores y docentes. En esta tercera edición, en la que las jornadas han adquirido ya un prestigio nacional, el tema central de debate será la tipografía, las letras, las palabras y el texto. Y de todo esto también hablará el escritor patafísico Carlos Grassa Toro.

Una importante novedad este año es la inauguración de una exposición en el marco de las jornadas: Bajo el título La Voz de los objetos, se abre una muestra en la que aparece toda la cartelería de los ganadores de Premios Nacionales de Diseño en sus diversas ediciones entre 1987 y 2008.

*La información es la remitida por el servicio de prensa de las Jornadas, que están coordinadas en gran parte por esa activa profesora, fotógrafa y artista que es Isabel Biscarri.

*El hotel Natura Lleida de Juli Capella. Detalle.

Escribe Susana Vacas:

Rolde de Estudios Aragoneses le invita a la presentación del libro “Cuadro Natural”, coordinado por Susana Vacas

Será en Zaragoza, en la Librería Los Portadores de Sueños, el viernes 20 de marzo de 2009 a las 20.30 horas, con la presencia del ilustrador, pintor y diseñador Isidro Ferrer.

Cuadro natural es un libro-objeto coordinado por Susana Vacas con la colaboración de Dani Rabanaque, David de Libros, Sagrario Manrique, David Mayor, Sergio Falces + Puritani, Daniel Nesquens, Esther Andaluz, Sergio Algora, Miriam Reyes, Cristina Jorge, Rubén Vicente, Montse Grao, Pierre d. la

Cuadro natural forma parte de un proyecto que pone en valor el intercambio entre creadores y entre formas de expresar lo volátil y lo duradero. Se concreta en una “conversación” entre escritores y artistas, que se proveen recíprocamente de diferentes soportes en los que plasmar sus ideas. Este libro documenta un diálogo artístico-literario lleno de matices y de sensibilidades múltiples.

*Esta obra no es de Susana Vacas, es de Mert y Marcus.

 Marcelo Fuentes podría ser el paseante solitario que anda de aquí para allá con un cuaderno secreto y algunos lápices en busca de un rincón propicio. Anda y desanda las calles, se detiene en una esquina, contempla la inmensa mole de un edificio varado en el centro de la ciudad: como si fuera un faro, un estandarte o un refugio de multitudes que rara vez asoman a las ventanas. En cuanto encuentra la posición del pintor, Marcelo Fuentes extrae sus cuadernos y mira. Se fija en la atmósfera de luz y extrañamiento, en la porosa geometría de las cosas, en la impresión de soledad que lo invade todo. No sabe con certeza si sueña la ciudad o si la ciudad lo sueña a él entre el aire, la soledad y sus muros.

Ahí, plantado, con los ojos del alma y los del cuerpo bien abiertos, araña líneas, esparce manchas, alza viviendas y añoranzas. La suya es una pintura de sensaciones, hechizada y ceñida a la claridad última del crepúsculo, una pintura de paisajes de inefable añoranza, composiciones de la melancolía. Marcelo Fuentes es un poeta-pintor: esculpe el silencio y la soledad, labra línea a línea los cartílagos de una ciudad metafísica.

Marcelo Fuentes es un excepcional y parsimonioso dibujante que halla en la arquitectura la materia central de sus obsesiones. La materia central, la calma trascendida y sus arabescos. En cierto modo, podría decirse que es un heredero de Boccioni, Carrà y Hopper, que se mueve en ese campo visual de afinidades cromáticas y de desamparo, y que posee la sutileza de Morandi: otro maestro del arte de observar, de penetrar en la esencia de los objetos y de sentir, otro paciente artesano de la forma y su caligrafía espiritual. El mundo de Marcelo Fuentes es evocador y a la vez sigiloso: nadie mira desde las terrazas, no se oye un grito, los besos se esconden igual que las mujeres hermosas que van de paseo, pero siempre hay una aureola de recogimiento y de inquietud. Las suyas son ciudades otoñales, o invernales, con sus oleajes de sombra, ciudades que tienen algo de escenario de un exilio o de desarraigo al que no resulta fácil ponerle razones ni palabras. Su obra, ya sean los dibujos, los óleos o los grabados, retrata a un artista reconcentrado, a un artesano de pulso y de perplejidad, que habita volúmenes y precipicios con la doliente serenidad de la pureza.

A Marcelo le apasionan la arquitectura, la fotografía y la literatura. Ha trabajado con distintos creadores como el fotógrafo Bernard Plossu, con otro fotógrafo como Juan Peiró, con el escritor Carlos Pérez. En cada una de estas colaboraciones se percibe una extensión de su mundo más íntimo y de su cuidadosa técnica. Es otra forma de asomarse al exterior. Marcelo Fuentes es un artista coherente y apacible, de una rara intensidad, incluso cromática, que se enfrenta a la ciudad como se enfrentaría al mar: sin volverle la cara, dispuesto al cuerpo a cuerpo, seguro de arrebatarle la humanidad, la belleza, todo el silencio de un canto.

*Marcelo Fuentes expone estos días en la galería Finestra de Ana y Mamen Gil, que está en la calle Zumalacárregui. Este es el texto para ese catálogo.

Estuve el pasado miércoles en el espléndido concierto de Jane Birkin. Me pareció una maravilla de ritmo, de encanto, de belleza, de elegancia y de dominio de la voz, con atmósferas de serena melancolía que evocaban a Serge Gainsbourg. Aloma Rodríguez la retrató así en el hotel La Romareda.

“DÍA DE LA MUJER. 10 AÑOS EN EL MUSEO JUAN CABRÉ (1998-2008)”

Del 7 al 29 de marzo de 2009

Inauguración: 7 de marzo a las 20,00 h. en la Sala de Exposiciones

(A Gema Noguera y Elsa Arana, in memoriam)

Desde 1998 el Museo Juan Cabré de Calaceite (Teruel) comienza su temporada de exposiciones hacia el 8 de marzo cuando celebra el “Día Internacional de la Mujer” con una exposición en colaboración con la Asociación de Mujeres y Consumidores “Kalat-Zeyd”. Siempre han expuesto artistas vinculados a las Comarcas del Matarraña y Bajo Aragón. Hemos cumplido 10 años desarrollando esta actividad, cuyo objetivo es implicar en el desarrollo y promoción de este centro al colectivo artístico de la zona y a la vez, darles a conocer en su propio ámbito natural. A lo largo de esta década y gracias a la generosidad y altruismo de estos artistas este Museo ha recopilado obra de cada uno de ellos, por lo que en 2009 este centro quiere agradecer y reconocer el apoyo que nos han prestado durante este tiempo y creemos que  la mejor manera es montando una exposición colectiva con obra de todos ellos.

La exposición reúne las obras donadas en su día por cada artista junto a otra obra más actual a elección de cada uno de ellos. Los artistas representados por orden cronológico de exposición realizada son: Gema Noguera (recientemente fallecida), Dominique Goffard, Esther Galdon, Maite Samperi, Miguel Ángel Laguéns, Marian Tijm, David Catalán, Merche Zagalá, Tomás Saura y Laia Vaquer. Con todos ellos y a lo largo del tiempo además de la relación profesional nos han unido la amistad y la ilusión por trabajar para acercar y dar a conocer el arte contemporáneo que se realiza en nuestro territorio al público en general.

Con esta exposición queremos agradecer a tod@s su esfuerzo y colaboración.

*La nota está remitida por el Museo Juan Cabré de Calaceite. Ayer mismo me ocurrió algo muy bonito y emocionante: Ana y Mamen Gil me regalaron un cuadro de Gema Noguera, un óleo precioso que tiene mucho que ver con el Árbol de la Vida que se ramifica y se esparce por el mundo con sus mensajes: en palabras, en fronda, en los labios del viento. Este es un cuadro de Gema Noguera, no el mío. Me emociona pensar en esta mujer que trabajó tanto por sí misma, por sus hijos, por su relación familiar, por la comarca y por su pintura. Construyó un paraíso entre nosotros, pero nunca le pareció lo suficientemente acogedor.

Siempre me había interesado la pintura y los sueños de Isabel F. Echeverría. Las lunas, los peces, los árboles, el ámbito transido de misterio y de irrealidad de un bosque de fábulas donde todo es posible: la música del agua y del aire, el canto del urogallo oculto, la aparición de todos los fantasmas o de las mujeres de seda y sombra que regresan del trasmundo. Veía sus cuadros y pensaba cuentos para ellos. Los contemplaba en algunos bares, en los catálogos, en colectivas, en muestras individuales, y pensaba siempre que me gustaría ver un libro ilustrado por ella. Un manual de lunas: el relato del cierzo que peina las ramas de un roble en un plenilunio de asombros. O que me gustaría ponerles palabras a esas atmósferas tamizadas de ángeles invisibles o de espectros que acaban de pasar sin ser vistos.

Isabel F. Echeverría tiene un parentesco con la imaginación incontenible de su padre, el poeta y artista Antonio Fernández Molina, y es hermana de dos creadoras casi sigilosas pero constantes como Ester y Elena. El arte ha sido para ella como el viento que desordena los rosales. El arte le llegaba como la lluvia, el olor de los trigos o la brisa del mar, y le llegaba del mismo modo, como algo inadvertido, en forma de artistas que iban y venían con sus dibujos y sus lienzos, de poetas que traían un verso en los labios o un puñado de folios en el alma, de soñadores, de noctámbulos, de desasosegados, de navegantes que retornaban de ultramar con un baúl de delirios. El arte era un estado de ánimo, una presencia y un contexto. Ésa ha sido la envoltura permanente de su existencia. Poco a poco, aquella muchacha que construyó una casa de cuento con ventanas a la medianoche y que intuía el temblor de las sombras, fue creando su propio universo que podría resumirse así, tal vez: Isabel F. Echeverría pinta la alucinación sin drama. Como Alicia y el Reverendo Dogson, Lewis Carroll, ha traspasado el umbral de la realidad: ha visto el envés de las cosas y ha merodeado a sus anchas por el laberinto de la imaginación. Como Remedios Varo o Leonora Carrington se ha atrevido a descorrer los visillos de lo inmediato, y se ha internado por una región de maravillas, herida de color y de embeleso, donde germinan las imágenes, las narraciones fabulosas, las aves sonámbulas, las inquietantes presencias y los espejismos del atardecer.

         Ahí ha fijado su residencia en la tierra. Ahí ha fijado su laboratorio de experiencias y de tentativas. Y esa forma de hacer cotidiano lo extraordinario se percibe en su taller. En los cuadros de las paredes. En los cuadros amontonados, en todas partes, pende un orbe mágico: alienta el flujo incontenible del delirio, se estremece el corazón del misterio. Reposan las imágenes de un Paraíso particular que es ajeno a la violencia, al espanto, al odio o a las turbulencias del azar. Ese Paraíso se ha construido retal a retal, pieza a pieza, con hermosura, poesía y una inefable añoranza. ¿Qué ha perdido Isabel en todos esos años en su nomadeo de sueños? ¿Qué territorios ha conquistado a lomos de su cabeza invadida de quimeras?

         Para Isabel F. Echeverría la pintura es un cuento. O quizá al revés: los cuentos, con su esponjosa anécdota y su vergel de pájaros extáticos, se adueñan de su pensamiento, le brotan por todas partes y solo puede fijarlos en pintura. En grabado. En dibujo. Isabel F. Echeverría sí es una pintora literaria. Una pintora pintora de letras no escritas. Una pintora pintora que oye la narración del silencio y sus monstruos apacibles. Una pintora pintora que cuenta historias hasta que llega el alba como Scherezade, y esas historias están pobladas de sombreros y vestidos, de objetos, de símbolos, de gestos, de la sustancia alquímica de la ficción. Son historias que mezclan el desenfado, la magia y una incesante metamorfosis de formas y criaturas.

         Isabel F. Echeverría tiene su propio estilo. También sucede con esta exposición que consta de óleos, técnicas mixtas y de collages. Aquí vuelve a estar la meticulosa ordenación de un mundo de hechizos, la caligrafía del misterio. A Isabel le obsesionan la luna, los celajes, el aire azulenco del edén, los orígenes de la vida, los pájaros que van y vienen de las secretas frondas de las montañas. A Isabel le fascina ese inverosímil mundo del circo: los contorsionistas, los payasos, los saltimbanquis, esas mujeres frágiles de cristal y emoción que atraviesan el aire o que se columpian entre nubes viajeras con la armonía exacta de la luz. A Isabel le atraen los fuegos secretos, los peces-maletas que esconden enigmas o cartas de amor para nadie, las cabezas preñadas de imaginación que parecen huir del papel, los extraños viajes hacia no sé sabe bien dónde, y ahí, en esa pieza titulada ‘El extraño viaje’, rinde homenaje a uno de sus personajes predilectos: el escritor y hombre-espectáculo Ramón Gómez de la Serna, domador de palabras. Detrás de la obra de Isabel F. Echeverría hay mucha literatura: el ya citado Gómez de la Serna, Georges Perec, Bécquer y los románticos europeos (Nerval, Lamartine, Byron, Goethe mismo), los vanguardistas, el postismo, el acerbo tradicional de los cuentos de siempre y de los cuentos que hemos interiorizado de ‘Las mil y una noches’. En la superficie misma de la obra de Isabel F. Echeverría hay mucha pintura y mucha ilustración: los renacentistas, Durero y sus deslumbrantes flores y plantas, que son puros milagros del trazo, el colorido oceánico de Matisse y de Gauguin, el aura metafísica de Hopper, los ecos del surrealismo y su teoría de los objetos, el gusto por el trazo de Joan Miró y esa inagotable y descarada libertad de Marc Chagall, cuyos personajes vuelan, sueñan, se zafan de los límites y convierten su vida y sus gestos en una libérrima prolongación de su voluntad.

         La pintura de Isabel F. Echeverría es amable, lírica, intimista, poderosa en sensualidad y en mitología de ensoñación. Una greguería visual que desborda la convención de la realidad y funda un territorio soñado que también es metafísico e inquietante: los rostros están despintados, a veces no tienen ojos; los pájaros y las mujeres se asoman a los balcones del mar y al espejo de los lagos con desconcierto, con un estupor creciente, o absortos como el monje que se quedó embrujado, siglos y siglos, con el canto del pájaro.

         La pintura de Isabel F. Echeverría resplandece con la luna y sus hogueras.

El extraño viaje de Isabel F. Echeverría se expone en el Torreón Fortea, que permanecerá abierta hasta el 15 de marzo. Ha quedado una exposición muy bonita. Éste es el texto que le he escrito para su catálogo.

Rafael Castillejo entra a comentar una nota sobre Jane Birkin. A modo de regalo, aquí le ofrezco una bella foto de Rhonda Fleming. Abrazos, señor Castillejo.

Bailar en aquel tiempo ‘Je t’aime moi non plus’ en un guateque con poca luz, tenía mucho más morbo que dedicarse al porno hoy en día. Lo que no podíamos entender era cómo se había casado con un tío tan feo. Encima, los chavales que devorábamos películas de romanos en cines de reestreno, conocíamos bien a Serge Gainsbourg por su papel de malo en ‘La rebelión de los esclavos’, donde la actriz principal era la bellísima Rhonda Fleming, una de mis primeras novias de la gran pantalla.

Escribe Alberto Aragón en su blog:

Rodeado por un nutrido grupo de amigos, entre ellos Luis Grañena, el autor de las caricaturas que aparecen en el libro, Marta Robles o Irene Villa, y por algunas de las protagonistas de su historia es como presentó ayer Alfonso Ussía su último libro, "Las mujeres del reino", en un céntrico hotel de la capital. Arropado en esta presentación por Esperanza Aguirre, Alfonso Ussía ha hecho un repaso pormenorizado de las mujeres más destacadas del panorama nacional, entre las que se encuentran Carme Chacón, Ágatha Ruíz de la Prada, la Duquesa de Alba, la reina Sofía o Arantxa Sánchez Vicario. La presentación fue cubierta por Pilar Rubio del programa "Se lo que hicisteis…”

A Luis Grañena ni lo invitaron al acto, como si las caricaturas se hubieran hecho solas. Debió ser un olvido. Se atrevió a ir y le ocurrió eso: Pilar Rubio, ojos de gata marina, abrazó el libro y las caricaturas a su cuerpo neumático. Grañena, que andaba estos días algo alicaído y maquinando nuevos proyectos, ha cogido una grandiosa inyección de moral.

El pintor y fotógrafo Alejandro Cortés anuncia la creación de una jornada de creación en Farasdués, el pueblo de sus padres y de la periodista y concejala Lola Campos, entre otros. Dice Cortés:

Estimados compañeros,

Me pongo en contacto con vosotros para informaros del Certamen de Creación Equiart. Equinoccios de Creación, que tendrá lugar el sábado 21 de marzo, comienzo de la primavera, en Farasdués (Zaragoza).

El primer Certamen de Creación en Farasdués con todas las disciplinas artísticas y creativas como protagonistas del comienzo de la primavera en el pueblo. Más de 100 destacados artistas, escritores, músicos, actores de todas las edades con todo el pueblo como escenario para crear. Cultura, arte, literatura y música en un programa lleno de actividades para todos!!!! El comienzo de la futura Colección de Arte Contemoráneo de Farasdués (CACF), el primer gran paso para consolidar un programa cultural Equiart en el pueblo que cada año apueste por la calidad y la innovación en diversas áreas creativas.

Os invitamos a compartir con nosotros este día para la creatividad en todas las disciplinas con un pueblo entero del prepirineo (50 habitantes viven en él en invierno) como escenario y taller de creación. Como creo que compartimos el espíritu de este proyecto, os adjunto toda la información del proyecto para que podáis difundirla si así lo creéis conveniente. 

Adjunto además las bases para participar en el Certamen de Creación (4 premios de 1000 €), el concurso de pintura infantil y los concursos de pintura rápida y microrelatos juveniles con diversos premios. El plazo de inscripción finaliza el 2 de marzo!!!