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EL VERANO Y SUS PASIONES / 1. PABLO RICO

AVENTURAS DE VERANO /1. PABLO RICO

Pablo J. Rico: “Todo lo que tenía prohibido lo hice en verano”

El comisario e historiador del arte, debutante en la novela, recuerda sus pasiones e incidentes veraniegos



El comisario, ‘curator’ e historiador del arte Pablo J. Rico Lacasa (Zaragoza, 1955) regresó a Zaragoza tras haber vivido en Mallorca, México y en diversos lugares del mundo. El destino le reservaba una gran sorpresa: una historia de amor con Teresa, con quien se ha casado, su primera novela, ‘Pau, el hombre que mira lejos’ (Los libros del gato negro) y un feliz reencuentro con el pintor y escultor Santiago Arranz, de quien firma el catálogo de su muestra en el Museo de Huesca: ‘Santiago Arranz. El artista en su laberinto’.

1. ¿Cómo será su verano tras la pandemia? ¿Tiene muchos viajes aplazados?

Tranquilo y todavía alerta. El bicho sigue mutando y hay muchos descerebrados moviéndose sin precaución. No tengo ningún viaje aplazado. Lo que no pudo ser ya no será…

2. ¿Qué significa el verano para usted?

Nada en especial. Mi vida personal y profesional no se ha articulado en estaciones desde hace décadas. En mis nueve años en México lo odiaba. Allí es época de lluvias, todos los días durante dos o tres horas, tormentas torrenciales, rayos a cien metros, etc. Y siempre alerta por los huracanes…

3. ¿Dónde veranea? ¿Es de playa, de montaña, de ciudad o de pueblo?

He sido de mar, más que de playa. Pero como viví 25 años en una isla, era algo corriente. Ahora prefiero la montaña y el campo. Este año iremos una semana a San Sebastián y otra al Pirineo.

4. ¿Qué le dicen las piscinas?

Nada en particular. No es que no me gusten; para mí son como una pista de hielo y yo no patino.

5. ¿Cuál ha sido el viaje de verano de su vida?

Tres semanas inolvidables en Japón en agosto de 2009 después de inaugurar la exposición antológica de Hidetoshi Nagasawa, mi amigo y maestro desgraciadamente fallecido.

6. El verano está asociado a la infancia y a la adolescencia. ¿Hay algo especial para recordar?

Veraneábamos un mes en Alicante y otro en Bronchales, Teruel. Eran tiempos de sensaciones de libertad y experiencias lejos de las miradas de mis padres. Todo lo que tenía prohibido lo hice en verano.

7. ¿Cuál es su mejor recuerdo de vacaciones?

Mis primeros viajes a Ibiza a mediados de los setenta. Fui un hippie de verano durante años…

8. ¿Qué tipo de lecturas, u otras actividades, realiza estos días?

Aprovecho para escribir seis horas al día. Y voy leyendo a sorbos cortos lecturas pendientes como la biografía de Susan Sontag y la de Hernán Cortés de Esteban Mira.

9. ¿Qué película está asociada a un verano inolvidable?

El último tango de París’ en un viaje “clandestino” a Biarritz en 1974. De regreso, vine cargado de libros “rojos” y un par de experiencias erotico-izquierdistas.

10. ¿El disco o la canción o las canciones de verano?

En años juveniles, la música de Pink Floyd, era con la que mejor nos emporrábamos…

11. ¿Cuál ha sido el gran personaje de esta época del año?

Marina Abramovic. Nos conocimos un verano. Inauguré mi primera exposición con ella otro. Ganó el León de Oro de la Bienal de Venecia al siguiente. E hicimos su gran antológica en cuatro exposiciones simultáneas en Valencia y Alicante el verano de 1998.

12. Acaba de ganar el premio Princesa de Asturias de las Artes. ¿Internet y los móviles han hecho mejores las vacaciones? ¿Las han cambiado de alguna manera?

Asocio la noción de vacaciones a la ausencia de Internet y apenas utilizo el móvil salvo para mirar el tiempo que hará mañana.

13. ¿Cuáles serían los conciertos de su vida?

No soy de conciertos. Cada día me siento más misántropo… Prefiero los tratos en corto y la mirada larga.

14. ¿Cuál es la más extraña o sorprendente anécdota veraniega vinculada a su profesión?

Un doble viaje en noviembre de 1994. Viajaba con dos maletas, una con ropa de invierno y otra de verano. Llegué a Beijing nevando y la maleta de invierno estuvo perdida cuatro días. Debía regresar a Sao Paulo vía Frankfurt y entonces me perdieron la de verano. Imagine qué hacer con ropa de lana y abrigo de piel en el verano tropical brasileño. Menos mal que fue fácil y barato comprar bermudas, camisetas y sandalias… Cosas del arte.

15. ¿Cuál es la más bella o inverosímil aventura de sus veranos?

La más bella: cuando me casé hace dos años, en Venecia y Roma. La inverosímil: en Essaouira, Marruecos, saliendo todos los días a montar en camello, que, por cierto, se llamaba Zidane.

 

UN DIÁLOGO SOBRE BUÑUEL CON EL FOTÓGRAFO MIGUEL SEBASTIÁN

https://www.letraslibres.com/espana-mexico/cultura/miguel-sebastian-luis-bunuel-es-mexicano-porque-mexico-asi-lo-ha-querido

09/06/2021 05:25 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

PELÍCULAS DEL FESTIVAL DE MÁLAGA

RTVE estrena en el Festival de Málaga ‘Ana Tramel. El juego’, y siete películas

  • El nuevo thriller judicial de La 1 protagonizado por Maribel Verdú llega a Málaga el 6 de junio

  • Las películas ‘La casa del caracol’, ‘El sustituto’, ‘Chavalas’ y ‘Las consecuencias’ competirán en Sección Oficial

  • El 8 de junio se presenta ‘Lucía en la telaraña’, serie documental ambientada en la Costa del Sol para la nueva plataforma RTVE Play

El Festival de Cine de Málaga ha presentado la programación de su 24ª edición (3 al 13 de junio), en la que RTVE participa con la premier del thriller de investigación judicial ‘Ana Tramel. El juego y con siete películas, cuatro de ellas en Sección Oficial. Además, se proyectará el primer capítulo de la serie documental ‘Lucía en la telaraña’, un contenido original para la nueva plataforma digital RTVE Play, y dos documentales coproducidos.

Ana Tramel. El juego’

El primer capítulo se podrá ver en la Sección Málaga Premiere, fuera de concurso, el 6 de junio. Coproducida por RTVE, Tornasol, DeAPlaneta y ZDF Enterprises, ‘Ana Tramel. El juego’ es la adaptación televisiva de la novela de Roberto Santiago y se estrenará próximamente en La 1. Maribel Verdú da vida a una brillante abogada penalista en sus horas más bajas. Una llamada de su hermano, al que hace años que no ve, le hace ponerse de nuevo en marcha: ha sido acusado de asesinar al director del casino Gran Castilla. Rodeada de un pequeño equipo de confianza, se tendrá que enfrentar a una enorme corporación de la industria del juego.

El reparto incluye a Israel Elejalde, Natalia Verbeke, Unax Ugalde y Luis Bermejo, junto a Joaquín Climent, Tomás del Estal, Elvira Mínguez, Víctor Clavijo, María Zabala, Biel Montoro y Bruno Sevilla, entre otros. Roberto Santiago, escritor, guionista y director, es el creador de la serie y guionista junto a Ángela Armero. Dirigida por Salvador García Ruiz y Gracia Querejeta, opta a la Ninfa de Oro en ficción en el Festival de Televisión de Montecarlo (18 al 22 de junio).

Siete películas participadas

La Sección oficial incluye 7 películas participadas por RTVE. En competición, La casa del caracol’, ‘El sustituto’, ‘Chavalas’ y ‘Las consecuencias’. Fuera de concurso ‘Sevillanas de Brooklyn’, ‘Historias Lamentables’ y ‘García y García’, encargada de cerrar el festival.

El día 7 se proyectará ‘La casa del caracol’, ópera prima de Macarena Astorga, un inquietante thriller psicológico con Javier Rey, Paz Vega, y el peruano Carlos Alcántara; Ese mismo día veremos ‘El sustituto’, thriller policíaco dirigido por Óscar Aibar y protagonizado por Ricardo Gómez, Vicky Luengo y Pere Ponce.

El día 10, ‘Chavalas’, debut de Carol Rodríguez Colás, protagonizada por Vicky Luengo, Elisabet Casanovas, Carolina Yuste y Ángela Cervantes, cuatro amigas inseparables de la adolescencia que vuelven a reencontrarse en el barrio para revivir una tragicómica amistad.

El día 11 se proyectará ‘Las consecuencias’, segundo largo de la hispanovenezolana Claudia Pinto. Un drama psicológico en clave de thriller ambientado en Canarias con un reparto internacional encabezado por Juana Acosta, Alfredo Castro, Carme Elías, Sonia Almarcha, Héctor Alterio y la debutante María Romanillos.

Fuera de competición, tres comedias participadas por RTVE: Sevillanas de Brooklyn’, de Vicente Villanueva y protagonizada por Carolina Yuste (Goya por ‘Carmen y Lola’), Estefanía de los Santos y Manolo Solo; ‘Historias Lamentables’, comedia coral con Chani Martin, Matías Janik, Laura Gómez de la Cueva, Pol López y Rosario Pardo, dirigida por Javier Fesser, que este año recibe una Biznaga de Honor; y ‘García y García’, de Ana Murugarren, con José Mota y Pepe Viyuela, que clausurará la edición.

Lucía en la telaraña’

En Malaga Premiere, fuera de concurso, el Festival proyectará el martes 8 de junio el primer capítulo de la serie documental ‘Lucía en la telaraña’, un contenido original para la nueva plataforma digital RTVE Play. Creada por Tomás Ocaña y Rafael González, está producida por RTVE en colaboración con El Cañonazo y The Facto.

Se trata de un true crime que indaga en el asesinato sin resolver de Lucía Garrido, muerta el 30 de abril de 2008 en Alhaurín de la Torre. La serie narra la lucha de Rosa, su hermana, y el ex guardia civil Ignacio Carrasco por obtener una verdad oculta tras una maraña de corrupción en la Costa del Sol en la que hay narcotráfico, homicidios, delitos contra el medio ambiente, tráfico de armas o ‘pelotazos’ urbanísticos. El trabajo documental cuenta con testimonios inéditos y la colaboración del jefe de Asuntos Internos de la Guardia Civil.

Dos documentales coproducidos

En Pases Especiales, dos documentales coproducidos: ‘La flota de Indias’ (10 de junio), de Antonio P Molero, sobre uno de los sistemas navales más exitosos de la historia; y ‘A este lado de la carretera, la magia de Danza Invisible y Torremolinos’ (7 de junio), de Regina Álvarez Lorenzo, recorre los hitos más importantes de la banda en su 40º aniversario.

RTVE, siempre con el cine

RTVE participa cada año en cerca de 70 producciones, tanto de directores consagrados como de jóvenes talentos y cine de autor. Emite casi el 85% del cine español que se ve en televisión, y lo convierte en protagonista de informativos y programas. Apoya los festivales más importantes de nuestro país (San Sebastián, Seminci…); retransmite los Premios Goya, Forqué y Platino; concede anualmente los premios RNE Sant Jordi; y mantiene su apuesta por los estrenos de cine español gratis y en abierto en el portal ‘Somos cine’.

 

25/05/2021 15:19 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

IBERCAJA. DIEZ CONFERENCIAS SOBRE GOYA

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FUNDACIÓN IBERCAJA Y LA REAL SOCIEDAD ECONÓMICA ARAGONESA DE AMIGOS DEL PAÍS CELEBRAN EL ANIVERSARIO DE GOYA CON EL CICLO DE CONFERENCIAS, “GOYA, UN PINTOR GENIAL”, QUE PROFUNDIZA EN EL ARTISTA Y SU LEGADO

 

EL MUSEO GOYA DIFUNDE UN CONCIERTO HOMENAJE AL PINTOR, GRABADO EN SU SALA PRINCIPAL

 

  • Goya, un pintor genial” ofrecerá diez videoconferencias, impartidas por relevantes profesionales del arte y de la cultura nacional y aragonesa

 

  • Comenzará el martes 30 de marzo, coincidiendo con el 275 aniversario del nacimiento del artista, con la ponencia “Goya: en qué reside el genio” que impartirá Manuela Mena, una de las mayores expertas mundiales en el pintor

 

  • Las celebraciones continúan con un concierto homenaje, interpretado por el “Quinteto de viento Excelentia” y grabado en la sala Goya del Museo, que puede verse en el canal YouTube de Fundación Ibercaja

 

  • El acceso al Museo Goya será gratuito los próximos martes y miércoles, para que el público participe en la celebración

ZARAGOZA.- Fundación Ibercaja intensifica su programación para celebrar el 275 aniversario de Goya para compartir con el público aragonés y visitantes el legado del artista. Con este motivo, junto a la Real Sociedad Económica Aragonesa de Amigos del País, ofrecerá un ciclo de diez conferencias bajo el epígrafe “Goya: un pintor genial”, que reunirá a figuras relevantes del mundo del arte y la cultura nacional y aragonesa, que profundizarán en su obra y su influencia posterior. Manuela Mena, una de las mayores expertas mundiales en la obra del pintor inaugurará las ponencias con "Goya: en qué reside el genio”, el martes 30 de marzo, a las 18,00 horas, a través del canal YouTube de Fundación Ibercaja. 

La música también protagoniza esta celebración con un concierto grabado en la Museo Goya, en la sala que alberga los lienzos del artista, interpretado por el “Quinteto de viento Excelentia”, que puede verse en el mismo canal.

 Asimismo, el acceso al Museo Goya será gratuito el martes, 30, y el miércoles, 31 de marzo, para que la sociedad se sume a esta celebración cultural y los aragoneses puedan disfrutar de una de nuestras señas de identidad en tan señalada fecha. 

Además, el próximo miércoles 31 de marzo Fundación Bancaja inaugura en Valencia la exposición “Goya en la mirada de Picasso”, una muestra organizada con la participación de la Fundación Ibercaja, en su vocación de difundir la obra del genial aragonés, que se centra en la presencia del legado de Francisco de Goya en la producción de Pablo Picasso a través de la faceta como grabadores de estos dos creadores.  

El ciclo de conferencias y las nuevas actividades han sido presentados esta mañana en el Museo Goya por el presidente de Fundación Ibercaja, Amado Franco; el director de la Real Sociedad Económica Aragonesa de Amigos del País, Honorio Romero, y el presidente de la Real Academia de San Luis y conservador de la RSEAAP, Domingo Buesa, que concluirá las ponencias el 29 de noviembre. En el acto han intervenido José Luis Rodrigo, director general de Fundación, y Charo Añaños, directora del Museo Goya. 

Diez encuentros digitales, en “Goya, un pintor genial” 

El próximo martes, 30 de marzo, coincidiendo con el 275 aniversario del nacimiento de Francisco de Goya y Lucientes, comienza el ciclo “Goya: un pintor genial”, que se desarrollará durante todo el año 2021 y ofrecerá diez videoconferencias que tienen como objetivo profundizar en la vida y obra de Goya de fines del siglo XVIII, así como en el contexto del arte y la sociedad de la época ilustrada y en su influencia en los creadores posteriores.

Manuela Mena, doctora en Historia del arte y experta en la obra de Goya, será la encargada de inaugurar el programa con la ponencia titulada "Goya: en qué reside el genio”, que comenzará a las 18 horas y se emitirá en el canal YouTube de Fundación Ibercaja en el siguiente enlace:  https://youtu.be/K1S6vBOxLUc. 

El ciclo continuará con la ponencia “Vivir en tiempos de Goya”, que impartirá Carmen Abad, doctora en Historia del arte. Profesora de la Universidad de Zaragoza, el lunes 12 de abril. Después se sucederán, el 26 de abril, “La influencia de Goya en la pintura española del siglo XIX, del Romanticismo a Picasso”, que correrá a cargo de Javier Barón, jefe de Conservación de Pintura del siglo XIX del Museo Nacional del Prado y académico correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. El 10 de mayo, “Goya y el cine”, que ofrecerá Agustín Sánchez Vidal, catedrático de Historia del Cine de la Universidad de Zaragoza. El lunes, 17 de mayo, “Goya y la conciencia artística en sus dibujos y estampas”, por José Manuel Matilla, jefe de Conservación de Dibujos y Estampas del Museo Nacional del Prado. El 7 de junio, “Enigmas en torno a Goya”, a cargo del escritor, Juan Bolea. 

Y ya después del verano, “Sol y sombra. Dos miradas de Goya sobre la vida privada y la vida política”, impartida por María Dolores Albiac, profesora emérita de Literatura Española de la Universidad de Zaragoza, el 27 de septiembre; “Zaragoza y el origen de Los desastres de la guerra”, que pronunciará Guillermo Fatás, catedrático emérito de Historia Antigua de la Universidad de Zaragoza, el 25 de octubre; “De la imaginación a la imagen. Goya y Buñuel”, que conducirán Ignacio Calvo y Amparo Martínez, patronos de mérito de la Fundación Goya en Aragón, el 15 de noviembre, y “Goya, vecino de Zaragoza”, con la que Domingo Buesa, catedrático de Historia y presidente de la Real Academia de Bellas Artes de San Luis cerrará la actividad.

Todas las charlas comenzarán a las 19 horas, excepto la inaugural del próximo día 30 de marzo que lo hará a las 18 horas, y podrán seguirse en directo a través del canal de YouTube de Fundación Ibercaja.  

Un concierto homenaje en el Museo Goya

Fundación Ibercaja también ofrece un concierto homenaje desde el mismo corazón del Museo Goya, la sala que exhibe las pinturas del artista. El “Quinteto de viento Excelentia”, compuesto por artistas jóvenes de primera fila, interpreta las siguientes obras, “Quinteto para viento núm. 2 en re menor”, compuesto por Giusseppe Maria Cambini (1746 -1825) y “Cuadros de una exposición” de Modest Mussorgskky (1839 – 1881). 

Se trata de un concierto dirigido los amantes del arte y la música, que Fundación Ibercaja pone a disposición de todos los públicos, en su apuesta por la cultura como un elemento de progreso y cohesión social. La actuación puede verse en el canal YouTube de Fundación Ibercaja en el siguiente enlace: https://youtu.be/lK6yU8kN_xY.

 Goya en la mirada de Picasso”, en Valencia

 

Fundación Ibercaja colabora en la exposición “Goya en la mirada de Picasso”, que se abre el 31 de marzo y exhibe una importante selección de obras de su colección de arte: más de 200 piezas, en su mayoría grabados, que junto con pinturas, fotografías y audiovisuales confrontan la obra de estos dos nombres universales de la historia del arte y profundizan en la influencia que el ideario de Goya tuvo en la producción del artista malagueño a lo largo de toda su vida.

La muestra se organiza en cuatro ámbitos: Mirada de juventud, que reúne la producción más temprana del malagueño ya inspirada por la obra de Goya; El sueño de la razón produce monstruos, en el que conviven grabados de Goya en su etapa madura con la obra gráfica de Picasso de principios de los años 30; La Tauromaquia como fiesta, un espacio con la corrida de toros como protagonista, pasión de ambos artistas; y Goya en los textos de Picasso, que muestra el alcance del impacto de Goya en la obra de Picasso incluso en textos y poemas de los años 50.

 Diez conferencias, un concierto interpretado con el escenario de las pinturas de Goya, la exposición “Semejanzas” de Pepe Cerdá y el recién incorporado cuadro del pintor aragonés que representa a “San Ignacio de Loyola”, junto a los lienzos y grabados que integran la colección permanente de la entidad, son las principales iniciativas con las que Fundación Ibercaja rinde homenaje a una de nuestras figuras más universales, e invita a participar al resto de la sociedad en esta efeméride.

 

Más información del ciclo de conferencias: https://www.fundacionibercaja.es/ciclo-goya-un-pintor-genial

 

PROGRAMA

  • MARTES, 30 DE MARZO, 18:00 h. ANIVERSARIO DE GOYA

Goya: en qué reside el genio”.

 

MANUELA MENA, doctora en Historia del arte y una de las mayores expertas mundiales en la obra de Goya. Ha sido jefa de Conservación de Pintura del siglo XVIII y Goya del Museo del Prado.

  • LUNES, 12 DE ABRIL, 19:00 h.

Vivir en tiempos de Goya”

 CARMEN ABAD, doctora en Historia del arte. Profesora de la Universidad de Zaragoza.

 

  • LUNES, 26 DE ABRIL, 19:00 h.

La influencia de Goya en la pintura española del siglo XIX, del Romanticismo a Picasso”

 JAVIER BARÓN, jefe de Conservación de Pintura del siglo XIX del Museo Nacional del Prado. Académico correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

 LUNES 10 DE MAYO, 19:00 h.

Goya y el cine”.

 AGUSTÍN SÁNCHEZ VIDAL, catedrático de Historia del Cine de la Universidad de Zaragoza.

 LUNES 17 DE MAYO, 19:00 h.

Goya y la conciencia artística en sus dibujos y estampas”

 JOSÉ MANUEL MATILLA, jefe de Conservación de Dibujos y Estampas del Museo Nacional del Prado.

 LUNES, 7 DE JUNIO, 19:00 h.

Enigmas en torno a Goya”.

 JUAN BOLEA, escritor.

  • LUNES, 27 DE SEPTIEMBRE, 19:00 h.

Sol y sombra. Dos miradas de Goya sobre la vida privada y la vida política

MARÍA DOLORES ALBIAC, profesora emérita de Literatura Española de la Universidad de Zaragoza.

 LUNES, 25 DE OCTUBRE, 19:00 h.

Zaragoza y el origen de Los desastres de la guerra”

 GUILLERMO FATÁS, catedrático emérito de Historia Antigua de la Universidad de Zaragoza.

 LUNES, 15 DE NOVIEMBRE, 19:00 h.

De la imaginación a la imagen. Goya y Buñuel”

 IGNACIO CALVO Y AMPARO MARTÍNEZ, Patronos de mérito de la Fundación Goya en Aragón.

 LUNES, 29 DE NOVIEMBRE. 19:00 h.

Goya, vecino de Zaragoza”

 DOMINGO BUESA, catedrático de Historia y presidente de la Real Academia de Bellas Artes de San Luis.

 

27/03/2021 15:28 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

PILAR PALOMERO, TRAS LOS FEROZ

¿Cómo vivió los premios Feroz?

Con mucha felicidad… Todo esto no me lo creo. Lo dije en la gala porque lo siento así. Por el hecho de estar nominada, ya era una maravilla. Y subir a recoger los premios, es un sueño cumplido.

-Que estuviera allí, ese desafío a la pandemia, también sería emocionante…

Fuimos todos supercuidados, hubo un respeto absoluto a los protocolos de la covid. Pero si soy sincera… apenas pude hablar más que con la gente que tenía a los lados, y detrás, porque nos iban sacando por filas. No hubo tiempo de interacción social. Estaba todo muy bien preparado, aunque pareciera que la sala estaba llena, en realidad no hubo ningún contacto. Se fue muy cuidadoso. Pude hablar con la productora Valerie Delpierre, que la tenía al lado, con el actor Juan Diego Botto, y con un par de periodistas que tenía detrás.

¿Qué le dijo Juan Diego Botto?

Bueno. Me hizo muchísima ilusión. Me dio la enhorabuena y me dijo que había visto la película con su hija y que les había gustado mucho a los dos. Espero que no le moleste que lo diga. Fue muy bonito que me diera la enhorabuena un referente como él, el actor de dos películas que me han marcaron tanto como son ‘Historias del Kronen’ y ‘Martín Hache’.

-De alguna manera, imagino que los tres premios Feroz le predisponen muy positivamente hacia los Goya ¿no? ¿Qué está pensando, qué lleva en su cabeza?

De los Goya estoy pensando, sinceramente, que no quiero pensar en ellos. Es maravilloso estar ahí, esto es un sueño, y ya llegados a este punto nos sentimos súper premiados, súper acompañados, súper cuidados. Ahora mismo estoy disfrutando de lo que sucedió anoche. No voy con expectativas ni con nada semejante: solo tengo ganas de que se celebre; siento curiosidad por ver cómo va, por cómo va a ser porque nadie lo sabemos muy bien. Y básicamente eso: tratando de no pensar y disfrutando de los tres premios Feroz y los Forqué, y las medallas, y el premio en Málaga, de todo lo que hemos conseguido hasta ahora. Ha sido todo tan bonito…

¿En el mejor de los sueños se había imaginado algo así?

En modo alguno, pero ya no son solo los premios, las nominaciones, y todo ello es maravilloso; lo que tampoco podía llegar a soñar es que tanta gente haya visto la película porque realmente se han hecho unas cifras que no esperábamos incluso y mucho menos con la pandemia… Rebasamos de largo las previsiones que se habían hecho antes de la pandemia.

¿De ayer, le hizo especial ilusión recibir el premio al guión? Ha trabajado muchísimo, ha contado con mucha gente, le dio muchas vueltas, usted se ha definido como contadora de historia.…

Me han hecho ilusión todos, porque tampoco puedo disociarlo mucho porque para mí el guión también está en la dirección y viceversa… El guión nunca fue un documento cerrado que no se pudiera modificar, sino que era susceptible de ser modificado por la dirección de actores, la interpretación de las chicas.

 

06/03/2021 17:41 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

JAVIER ESPADA CULMINA 'BUÑUEL, UN CINEASTA SURREALISTA'

Javier Espada, cineasta y exdirector del CBC de Calanda, está ultimando un nuevo documental: ‘Buñuel, un cineasta surrealista’, que se prolonga hasta los 82 minutos. La película nació, poco antes de la pandemia, en México. Así lo explica: “Coincidiendo con la exposición que le dedicó la Cineteca de México al director aragonés, me invitaron a dar una conferencia en una de las salas. Hablé sobre ‘Buñuel, un surrealista en México’, con muchas imágenes y fragmentos de películas. La conferencia gustó, y fueron muchas las personas que me animaron a realizar un documental”. En ese momento, inmerso en otros proyectos, entre ellos una película sobre la Generación del 27, no lo consideró. Con la aparición de la covid-19, “que tantos planes y vidas ha tergiversado, los otros proyectos se quedaron en pausa, y acepté el reto, confinado en mi casa, de convertir una conferencia en el guion de una película documental”.

El nuevo proyecto empezó con una premisa: cerrar el círculo que se había abierto con ‘El último guión’, el documental que codirigió con Gaizka Urresti, “gracias a la generosidad de Jean-Claude Carrière y Juan Luis Buñuel, donde el argumento giraba en torno a la vida y los lugares los protagonistas de la película. Y ahora debería tratar, sobre todo, su cine”.

Javier España parte de su infancia, de Calanda y Zaragoza, de las influencias que van a modular su mirada y su sensibilidad, “muy próximas a lo que luego se conocerá como Surrealismo. Creo que la relación de Buñuel con el Surrealismo es anterior a 1924 del Manifiesto del surrealismo por Breton. Es decir, Buñuel ya compartía el ideario surrealista antes de que fuera formulado por André Breton”.

En el documental, Javier Espada constante algunas obsesiones del director ‘Un perro andaluz’ o ‘Él’ como la muerte, constante en toda su carrera, “una obsesión en su vida y una presencia en su cine, desde su primera película hasta la última”,y por supueso el mundo de los sueños. Y otros aspectos como la poética de los objetos y el erotismo.

“Luis Buñuel mantuvo con el surrealismo una elación inevitable. Lo abandona tras el polémico éxito de ‘La edad de oro’, y sin embargo su siguiente película, pese a tratarse de un documental realista, ‘Las Hurdes. Tierra sin pan’, mantiene rasgos de una profundidad que tiene que ver con los sueños, con el instinto, con la mirada de alguien que comparte el universo creativo de los surrealistas”, sostiene Javier Espada.

¿Como evolucionó el surrealismo en Buñuel, fue igual el de antes de la Guerra Civil al de las películas mexicanas, con Julio Alejandro y Luis Alcoriza,y de las películas francesas con Jean-Claude Carrière? Espada explica: “El cine fue cambiando conforme lo hacía la técnica cinematográfica pero también conforme a las transformaciones de su propio lenguaje, y esa evolución es patente en Buñuel. Pese a esos cambios, la presencia de los sueños transita todas sus etapas creativas. Sus películas se van transformando, dependiendo también de la posibilidad de trabajar con mayor libertad que le concedieron algunos productores, y que en mi opinión le permite crear sus grandes películas, como Los Olvidados y Viridiana, obras que sin ser surrealistas no dejan de estar dirigidas por un director que lo era”. ‘Los olvidados’ (1950), como se sabe, está considerada Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO.

De Luis Buñuel (Calanda, 1900-Ciudad de México, 1983) parece estar todo dicho y estudiado, pero siempre surgen sorpresas. También las hubo aquí: “Por ejemplo, los descartes de una de sus primeras películas, que para mí constituye un material increíble. Pero también la estrecha relación entre su cine y el mundo del arte, mucho más rica de lo que él mismo aceptaba reconocer, tal como me contaba el hijo del camarógrafo Gabriel Figueroa. Su particular ética que siempre le llevó a ser fiel a sus principios, a su forma de ver el mundo, incluso a sus obsesiones, sus dudas y sus recuerdos”. En la película, ya talonada en inglés y enviada a varios festivales, se oye una alusión a la frase de Alfred Hitchcock que le decía, pensando en ‘Tristana’: “Esa pierta cortada, esa pierna cortada”. “El surrealismo estaba en la vida cotidiana de Buñuel. Si no estuviera en la vida tampoco podría estar en su cine, porque su cine es fiel a sus recuerdos e incluso a sus sueños recurrentes. Esa es la raíz más íntima de sus procesos creativos. Pero también de la imposibilidad de imitar su obra”, concluye.

‘Buñuel, un cineasta surrealista’ cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Zaragoza, Aragón TV y del Ayuntamiento de Calanda. En México con los de TV UNAM, Secretaría de Cultura (equivalente a nuestro Ministerio de Cultura), Fundación Televisa,  Filmoteca de la UNAM y  Cineteca Nacional. Y también con el apoyo del Luis Buñuel Film Institute de Los Ángeles, Filmoteca Española, Cinemateca Francesa. La producción es de Tolocha, la empresa de Javier Espada.

 

 

 

 

02/03/2021 15:49 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

ADIÓS A LUIS CALVO



Ha fallecido el pintor Luis Calvo Díez (Zaragoza, 1935-2021) a los 85 años de edad. Solía definirse como “artista, viajero y campesino”. Era un pintor versátil, en temas y técnicas, apasionado por la luz y los reflejos. Solía recordar que era sobrino nieto de Miguel Burro Fleta, al que le hizo varios retratos. Más de una vez recordaba que uno de los grandes amigos del tenor había sido su padre Ricardo Calvo.

De estirpe campesina, Luis Calvo descubrió su pasión por el arte, algo que no gustó mucho en su casa, y estudió la técnica en el estudio de Alejandro Cañada y en la Escuela de Artes y Oficios, donde tuvo como profesores a Virgilio Albiac y a Albareda. Siempre alternó las labores en el campo con la pintura; le gustaba recordar que gracias a una conocida entró en contacto con la Base Americana y allí vendió muchos cuadros de variados formatos. Realizó una producción figurativa de retratos, desnudos, bodegones, paisajes (especialmente de los Monegros, a los que les dedicó muchos óleos, y del entorno de Cogullada, donde tenía sus tierras), viajes y flores, que para él era una devoción. Igual pintaba crisantemos que peonías u orquídeas.

Hizo varios viajes por África, especialmente Marruecos y Egipto, y realizó muchos cuadros de zocos, grupos, calles y casas, escenas costumbristas con su característico estilo clasicista, etc. Hizo muchos retratos: pintó a una joven Virginia Woolf, a la actriz Sandra Mozarowsky, a la que conoció en Torremolinos poco antes de su muerte, o su admirado Miguel Fleta, obra que publicó en Heraldo de Aragón.

Una de sus últimas exposiciones fue en la sala de exposiciones de la Caja de Teruel en 2013, donde se veían otros temas: su pasión por Zaragoza: pintó en muchas ocasiones las torres de San Pablo o de La Seo, diversos rincones de la ciudad. Su casa, en el Casco Histórico, estaba atestada de obras de todos los formatos. “Zaragoza es mi ciudad y siempre me gusta por su luz. Aragón posee una luz excepcional. Tiene muchos rincones para ser pintada. Me encuentro más cómodo en el realismo, muy trabajado, que en la abstracción”, solía decir. A lo largo de su carrera, recibió distintos premios y expuso no solo en Zaragoza sino en Huesca, Sitges, Burdeos, St. Feliu de Llobregat. Ocupó varias veces la portada de ‘Artes & Letras’, el suplemento de los jueves de este diario. Luis Calvo era un hombre amable y cercano, enamorado del arte y de la amistad, que amaba profundamente la vida y que deja un vasto legado.

 

24/01/2021 08:18 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

VI EDICIÓN DE LOS PREMIOS 'ARTES & LETRAS'

https://www.heraldo.es/noticias/ocio-y-cultura/2020/12/07/pison-conget-armisen-y-palomero-ganan-la-vi-edicion-de-los-premios-artes-letras-1409021.html

07/12/2020 08:26 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

EL RETRATO DE PILAR BAYONA QUE PINTÓ ALFONSO BUÑUEL EN 1935

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https://www.heraldo.es/noticias/ocio-y-cultura/2020/12/06/cultura-compra-un-retrato-desconocido-de-pilar-bayona-de-alfonso-bunuel-de-1935-1408905.html

 

El Ministerio de Cultura compra un ‘Retrato de

Pilar Bayona’ de Alfonso Buñuel, datado en 1935



El cuadro, de 28.5 x 25.5, era desconocido hasta para la familia de la gran pianista y se vendió en subasta por 1.900 euros



El Ministerio de Cultura adquiría el pasado 24 de noviembre en Subastas Segre el óleo sobre cartón ‘Retrato de Pilar Bayona’ de Alfonso Buñuel, fechado en 1935, para instalarlo en la Residencia de Estudiantes de Madrid. Se trata de uno de los escasos cuadros pictóricos del hermano menor de Luis Buñuel, arquitecto y artista, que destacó especialmente en la técnica del collage. Alfonso Buñuel fue, igual que el poeta, profesor y pintor Luis García-Abrines, uno de los grandes amigos de la pianista zaragozana, nacida en 1897 y fallecida en 1979, tras ser arrollada por un coche en el paseo de la Constitución. Los tres hicieron en los años 40 un viaje a Sevilla, tal como han recordado los biógrafos de la intérprete, Antonio Bayona y Julián Gómez.

Este cuadro ha sido una sorpresa para ambos. Antonio Bayona y Julián Gómez estaban muy sorprendidos con la aparición de esta pieza de 28.5 por 25.5 centímetros. Antonio es sobrino de la artista y durante años conservó en su casa el Archivo de Pilar Bayona con fotografías, dibujos, pinturas, libros dedicados, pentagramas, discos, cartas, etc. A ese proyecto de ordenar y catalogar esos fondos se sumó Julián Gómez, y los presentarían en una exposición en la capilla de San Martín, en la Aljafería, que coordinó la comisaria e historiadora del arte Dolores Durán. Hace alrededor de tres años, donaron todo el Archivo al museo Pablo Serrano.

Julián Gómez explica: “Yo había visto el cuadro anunciado en Todocolección.net y me llamó la atención porque no sabía nada de él. Ni yo ni Antonio. Me pareció que tenía un precio de 300 euros. Poco después apareció en los catálogos de octubre de subastas Segre, y finalmente nos hemos enterado de que había sido adquirido por 1.900 euros por el Ministerio de Cultura”. Antonio Bayona, por su parte, dice: “Nos sorprendió a los dos porque no sabíamos nada de la pieza. Lleva la firma de Alfonso y alguien ha debido estudiarlo y verificar que es un retrato de la tía Pilar”.

El cuadro está pintado al óleo sobre cartón, con abundante materia. Se perciben muy bien los relieves del trazo, ese rostro pensativo y en escorzo, tocado de sombrero, que hace pensar en otras piezas de la pintura de vanguardia española.

Que el cuadro acabe en la Residencia de Estudiantes tiene su sentido: Pilar Bayona, que bien podía pertenecer al grupo de las llamadas ‘sinsombrero’, las mujeres de la generación del 27, frecuentó en varias ocasiones la Residencia, en la calle Pinar, donde estudió y residió Luis Buñuel (quien confesó en sus memorias que había estado enamorado de ella y estuvo a punto de declarársele en un balcón), y donde ella iba con cierta frecuencia y tocaba con sus amigos Gerardo Diego y Federico García Lorca, que también dominaban el piano. Pilar Bayona, como es sabido, también está en la foto mítica del 13 de mayo de 1936, en la Hostería Cervantes, en el homenaje al pintor Hernando Viñes.

Años después, Max Aub, cuando preparaba su ‘novela’ sobre Luis Buñuel, vino a España desde su exilio mexicano y conversó con Margarita Buñuel; esta le dijo:“Luis se enamoró de ella (Pilar Bayona) de un modo muy platónico, por su música. Y lo curioso es que, luego, mi hermano Alfonso, que tenía dieciséis años menos que Luis, también fue profesor de matemáticas y también se enamoró de Pilar Bayona. Yo creo que con más fuerza que Luis”. Alfonso fue un gran admirador de Pilar Bayona, se autodenominaba “su lugarteniente”. 

Antonio y Julián han recordado que “uno de los muebles diseñados por Alfonso, un diván, presidió siempre la zona de estar de las sucesivas viviendas de Pilar Bayona”. Si tenemos en cuenta que Alfonso Buñuel nació en 1915 (moriría en 1961), y que el cuadro está firmado en 1935, es fácil deducir que lo pintó con 20 años o menos. Seguro que algún día se sabrá toda la historia del lienzo. ¿Dónde habrá estado todos estos años?




 

07/12/2020 08:15 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

DANI ROVIRA RECIBIRÁ UN AUGUSTO EN ZARAGOZA

EL FESTIVAL DE CINE DE ZARAGOZA LLEGA AL ECUADOR DE SU PROGRAMACIÓN CON UNA GRAN ACOGIDA INTERNACIONAL

 

 

Este año, el FCZ cuenta con siete Certámenes Internacionales que agrupan a más de cien producciones y a ocho candidatos al Premio aragonés

 

Este viernes, 27 de noviembre, tiene lugar la última proyección “presencial” en el Auditorio de Zaragoza donde habrá un estreno especial gracias a la colaboración entre el Festival Cine Málaga y ANCINE - Asociación Andaluza de Productoras de Cine y del FCZ

 

El sábado durante la clausura del FCZ se concluirá la entrega de los Premios Augusto, en el que se realizará un reconocimiento especial al actor Dani Rovira con un Augusto Ciudad de Zaragoza

 

 

Zaragoza, 24 de noviembre de 2020.- El Festival de Cine de Zaragoza continúa con su programación, alcanzando el ecuador de su 25ª edición. El pasado viernes levantó el telón un acto presencial en el que se estrenó “Vampus Horror Tales”. Tras un año atípico en el que el mundo se ha tenido que adaptar a una nueva forma de vida marcada por la aparición de la Covid-19, el FCZ también ha sabido reinventarse para ofrecer toda su programación de forma online a través de su página de YouTube y de la web de FESTHOME en las que ha tenido una gran acogida por parte del público internacional.

 

Este año las sesiones online se han dividido en siete certámenes internacionales que agrupan a más de cien producciones: el Certamen Internacional “Otras Miradas”, “Visiones de la Historia, largometrajes, documentales, cortometrajes y centros de formación profesional. En esta edición, el Festival de Cine de Zaragoza ha buscado fomentar el pensamiento crítico de los espectadores en un momento en el que las desigualdades sociales se han magnificado. Por ello, en la sección “Otras Miradas” se les ha ofrecido filmes con temáticas sociales como el acoso escolar, la discapacidad, las enfermedades mentales, la inmigración, la indigencia, la violencia de género, el suicidio, etc. Y en “Visiones de la Historia” se presentará contenido sobre la Guerra Civil española, la Dictadura argentina o la carrera espacial.

 

A lo largo de esta semana, la agenda de festival contará con la reproducción de ocho candidatos a Premio aragonés que se encontrarán repartidos en la programación. El primero de ellos se estrenó ayer lunes en la plataforma FESTHOME, se trata de “Gusi. Pídele Perdón” una idea original de Jesús Salvo Rodríguez. Por otro lado, a partir de este martes, estará disponible un cortometraje de animación grabado en stop-motion, producido por Cristina Vilches y Paloma Canónica, titulado “Souvenir”. A este le seguirá otro cortometraje de 17 minutos de género dramático titulado “En Racha”, y producido por Ignacio Estaregui. El jueves será el broche de oro con el que sonarán la campadas de “Sí Quiero”, un corto de María Isabel Lahuerta Bellido que transcurre en aquellos años 60 en los que las mujeres debían guardar las apariencias; seguido de “Solo” una proye

24/11/2020 13:14 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

SOBRE CRISTÓBAL BALENCIAGA

LOS HILOS SECRETOS QUE LLEVAN A BALENCIAGA

 

Antón CASTRO

 

La vida está llena de meandros ocultos, de hilos secretos que trazan historias que, a menudo, esperan una mano o una voz que las revele. O ellas mismas, de golpe, se rebelan: son historias con corazón, con sorpresa, con protagonistas inesperados, con paisajes, con un arsenal de documentos. Algo así le ha sucedido a Pedro Usabiaga, fotógrafo, enamorado del arte y la moda, y admirador y estudioso de ese creador de moda y de belleza que fue Cristóbal Balenciaga Eizaguirre (Guetaria, Guipúzcoa, 1895-Jávea, Alicante, 1972), la perfección hecha sutileza, armonía de líneas y de color, torbellino de telas, hilvanado con refinamiento y sensualidad.

En uno de los regates del azar, Pedro Usabiaga descubrió que su tío José Luis Usabiaga, pintor y decorador, diseñador gráfico y escaparatista, poseía en sus archivos numerosos documentos, folletos, fotos y recortes de prensa sobre el modisto, centrados especialmente en actos sociales en San Sebastián , así como algunas piezas de tela y botones de su taller Eisa en la ciudad. De él y de uno de sus más cercanos colaboradores y compañeros, como Ramón Esparza .Así , entre recuerdos y descubrimientos familiares se gestó el núcleo o el arranque de una espiral que sigue expandiéndose. Balenciaga falleció el 23 de marzo de 1972, y cinco meses después , el 26 de agosto se le organizó una cena y desfile homenaje en la ciudad donostiarra cuya invitación diseñó el propio Usabiaga . Esa pieza, sofisticada y etérea, y unas fotos inéditas del acto están presentes en esta muestra, El siglo de Balenciaga, que se fundamenta en algunos otros polos: la presentación pública de la colección privada de Pedro Usabiaga, comisario como recordarán de una muestra anterior en el Instituto Aragonés de Arte y Cultura Contemporáneos ‘Pablo Serrano’ (IAACC) sobre Balenciaga y el cine. Y el hecho de que, en este gozoso laberinto de coincidencias, su propia abuela, Cristina Azarlosa (madre, por cierto, de José Luis Usabiaga), trabajase de modista en Les Grands Magasins du Louvre, en San Sebastián, donde también se empleó un joven y ya talentoso Balenciaga en 1911, encargado al poco tiempo de adquirir modelos parisinos para la tienda. Se dice que Cristina adquirió allí la habilidad de coser botones de un modo muy peculiar , el mismo que el joven Cristóbal transmitiría posteriormente en sus talleres.

Hay algunas cosas más que decir y subrayar de este proyecto, que se ampara en algunos otros nombres propios: los dos grandes colaboradores y amigos del modisto, Ladislas “Wladzio” Jaworowski d’Attainville ( Paris 1899 , Madrid 1948 ) , cuya relación abarca el período de 1927 a 1948, y el ya citado Ramón Esparza Viela (Lesaca, Navarra, 1923-1997), su compañero desde 1949/50 hasta su muerte. Wladzio era un joven de sangre franco-polaca , hijo de una gran dama con linaje de los duques de Rivoli y príncipes d´Essling , y sería capital en su éxito y en su estabilidad emocional como tantas veces han contado los biógrafos y especialistas del modista de Guetaria. Con Wladzio, Balenciaga viajó a menudo por Biarritz y Bayona. En Biarritz, Balenciaga conoció a una de las grandes figuras de la Alta Costura : Gabrielle ‘Coco’ Chanel; allí visitaba su tienda y el Hôtel du Palais , otrora residencia de verano de la Emperatriz Eugenia donde le acompañaba Anne Debelle ,su Grande-Maîtresse y tatarabuela de Wladzio. En Bayona, les gustaba ir a los grandes almacenes Aux Dames de France y al Musée Bonnat, donde se deleitaban ante las obras de Jean-Auguste-Dominique Ingres y de Hippolyte Flandrin, especialmente. Quizá por todo ello, la muestra de El siglo de Balenciaga también viajará a Bayona, al Musée Didam, que participará en la producción con el Gobierno de Aragón y el IAACC ‘Pablo Serrano’.

Dentro de ese río de relatos ocultos, de casualidades que no lo son tanto, otro investigador de la moda y creador él mismo como Enrique Lafuente ha descubierto que Balenciaga tuvo bastantes conexiones con Aragón. Ramón Esparza, que era navarro, hizo algunos cursos de Derecho como alumno libre en la Universidad de Zaragoza, y él le presentó a una de las modelos de su vida: la zaragozana María Nieves ‘Meyes’ Hernández Ortiz (Zaragoza, 1924-París, 1962), que trabajó en la  célebre Maison Balenciaga del 10 Avenue George V de Paris, como maniquí de cabina, entre 1950 y 1956. Meyes está muy presente en la muestra: hay fotos extraordinarias de ella con varios modelos, y una curiosa primicia: un retrato suyo ejecutado por el pintor Mariano Gaspar Gracián, datado en 1950, que pertenece a la colección personal de Marta Navarro, nieta del arquitecto Félix Navarro, creador del Mercado Central de Zaragoza.

Balenciaga fue siempre un hombre sensible y muy conectado con las artes plásticas. Goya era uno de sus dioses y una de sus influencias, si puede decirse eso de un pintor sobre un modisto. En la muestra podrá verse la obra Dama con Mantilla, del pintor de Fuendetodos, que pertenece al Gobierno de Aragón ya que fundamenta maravillosamente esta recurrente fuente de inspiración, en particular para los modelos con encaje. Un vestido con esos matices y esos velos lo hizo para Adela Quijano, la esposa del  embajador zaragozano Ángel Sanz Briz, “el ángel de Budapest” reconocido como “ Justo entre las Naciones “ por salvar la vida a miles de judíos.

Amigo de los paralelismos y de los guiños, Pedro Usabiaga, que ya había participado en un homenaje al maestro en Niza en 1996, recuerda que justo 45 años antes, un 20 de febrero de 1974, se inauguró en Madrid la gran exposición “El mundo de Balenciaga”, de cuya muestra quedó un excepcional catálogo con portada de Miró y donde había  piezas cedidas también por Adela Quijano Sra de Sanz Briz y por Pilar Mompeón y de Nó  Sra de Yarza , como su vestido de novia en moiré de octubre de 1939 que estará presente en Zaragoza y en Bayona. Como detalle curioso, en esta muestra se exhibe un vestido negro de encaje  de S.A.R la princesa María de la Esperanza de Borbón, hermana del monarca emérito Juan Carlos I. En la serie Lo que escondían sus ojos, lo lució la actriz Blanca Suárez en el papel de la marquesa de Llanzol , Sonsoles de Icaza, musa del modisto y enamorada secreta de Ramón Serrano Suñer, el poderoso ministro y cuñado de Franco que estuvo destinado como abogado del Estado en Zaragoza entre 1924 y 1936.

Por otra parte, las pesquisas de Enrique Lafuente confirman un hecho muy novedoso: Balenciaga y Esparza eran buenos amigos del industrial vasco Jesús Azcárate Larrañaga, quien adquirió en 1971 Textil Tarazona S.A tras la muerte en accidente de José Gutiérrez Tapia , uno de sus antiguos propietarios. Unieron sus empeños e intentaron crear una línea de ‘prêt à porter’ que no cuajó, entre otras cosas porque Balenciaga murió pronto, intentando a la vez otro proyecto de estampación en tejido de seda en la fábrica Subijana & cia de Villabona (Guipúzcoa) para producir pañuelos con la rúbrica del modisto. Al parecer, Balenciaga, que tenía severos dolores en los huesos , fue aconsejado por los médicos que buscase el clima seco del entorno del Moncayo , pasando jornadas de reposo en los baños de Fitero  , visitando Cascante y viviendo algunas semanas en Tarazona aprovechando la supervisión junto a Esparza y Azcárate de esa última aventura empresarial en nuestra tierra aragonesa .

En la muestra El siglo de Balenciaga, claro está, hay muchas cosas: Iniciando con un depurado vestido largo en crêpe de Chine y escote en corazón , creado en 1933 en el recién abierto taller Eisa de la calle Caballero de Gracia 42  de Madrid, en plena Segunda República Española y que fue enviado a Londres seguramente a la esposa de un diplomático. Hay complementos, fotos, reconstrucción de su taller con un busto de costura original proveniente de la colección Iribarren, obras de arte; además de los cuadros y dibujos citados, estará el retrato de María Elena de Arizmendi, pintada por Enrique Albisu; el de la artista Annabel Schwob, de 1959, pintada por su marido Bernard Buffet y que Balenciaga tenía en el despacho de su domicilio parisino del 28 Avenue Marceau, el de Herminia Laborde, realizado por Nelly Ellen Harvey  , varios grabados de Jan Mara o dos cuadros del pintor tolosarra Miguel Ángel Alvarez

No podían faltar las conexiones de Balenciaga con otros creadores. Colaboró con muchos modistos y por eso hay obras de Pedro Rodríguez, de Hubert de Givenchy, que lo sentía como un padre aunque no llegasen a trabajar juntos, de Emanuel Ungaro, de André Courrèges, de Elio Berhanyer, de Asunción Bastida, de Carmen Mir, del turolense Manuel Pertegaz y del zaragozano Pedro Esteban, que reconoció al creador vasco como uno de sus maestros al trabajar durante años en sus talleres de Barcelona y Paris.

Diana de Vreeland, directora de Vogue, definió así a Cristóbal Balenciaga: “Siempre me dicen que la moda nace en la calle, pero siempre la veo primero en Balenciaga”. El creador de Guetaria fue un visionario, un artista del volumen , un apasionado del equilibrio de Palladio o de la “ komata “ de las geishas , un modista único que destiló toda su vida la dosis precisa de elegancia, sugerencia y hermosura en cada uno de sus actos, en cada una de sus prendas.

 

25/10/2020 19:23 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

NUEVA NOVELA DE ÁNGELA LABORDETA: EVOCACIÓN DE KATHLEEN LÓPEZ KILCOYNE

 

Ángela Labordeta publica 'Equilibrista'.

https://www.heraldo.es/noticias/ocio-y-cultura/2020/10/25/angela-labordeta-publica-equilibrista-la-memoria-vital-y-doliente-de-kathleen-lopez-1401911.html?fbclid=IwAR1blpfmEwjJPoSUPTTI3x3KAJ-wShaEooMedT3YHskkBknUWTEqo80T98A

25/10/2020 16:23 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

NUEVAS NOTICIAS DE CONCHA MAYORDOMO

Nota de Concha Mayordomo.

Hola, estoy muy contenta y quiero compartirlo con mis amistades.
Junto a Dora Román formo el colectivo "25 minutos" y nuestro primer proyecto juntas es "Una galaxia llamada Hypatia" que ha sido seleccionado en la VIII edición de Galería de la Cárcel de Segovia. Como se puede intuir por el título es nuestro particular homenaje a la matemática y astrónoma Hypatia de Alejandría, aunque también contiene más conceptos.
Esta es la imagen central.


Este es el artículo que MAV ha publicado describiendo la instalación.

https://mav.org.es/exposiciones-dora-roman-y-concha-mayordomo-colectivo-veinticinco-minutos-seleccionadas-en-la-viii-edicion-de-galerias-en-la-carcel-segovia-centro-de-creacion/

Por otra parte, incluyo nuevas actualizaciones de mi blog. He incorporado ocho resumidas biografías de  artistas de diferentes épocas, lugares y disciplinas. 

Como siempre, espero que te resulten interesantes.

Un abrazo,
Concha


 
 
 

Victoria Civera

La obra de Victoria Civera está centrada en el universo femenino y en su contenido onírico. Está volcada en imágenes de muchachas con apariencia de hadas, jóvenes desafiantes y enigmáticas, mujeres apesadumbradas y angustiadas, con todo ese bagaje la artista ha conseguido un lenguaje personal y repleto de matices.
Leer más...
http://conchamayordomo.com/2020/10/03/victoria-civera/
Elizaveta Kruglikova Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, la pintora Elizaveta Kruglikova regresó a su San Petersburgo natal y publicó un libro de monotipos llamado “París en la víspera de la guerra” y donó las ganancias de las ventas a artistas rusos que se encontraban confinados en Francia.

http://conchamayordomo.com/2020/10/06/elizaveta-kruglikova/

Kimsooja

La artista coreana Kimsooja trabaja con telas, especialmente lcolchas, secuencias de luz, sonido, cantos de los monjes tibetanos, gregorianos e islámicos o su propia respiración. El resultado son obras que parecen estar rodeadas de silencio, en ellas late una aspiración al aislamiento, al recogimiento y el espacio expositivo parece convertido en un santuario.

http://conchamayordomo.com/2020/10/01/kimsooja/

Thérèse Marthe Françoise Cotard-Dupré
La pintora naturalista francesa Thérèse Dupré se casó con Edmond Cotard a la edad de veintiún años y se convirtió en madre a los veintidós, por lo que la producción de su trabajo se vio severamente restringida por sus responsabilidades como esposa y madre, tal y como ocurrió con su propia madre.

http://conchamayordomo.com/2020/10/13/therese-marthe-francoise-cotard-dupre/


Aida Pascual


Las fotografías de la burgalesa Aida Pascual no pretenden mostrar simplemente una naturaleza bella dirigida hacia lo decorativo ni lo convencionalmente placentero, sino producir calma y recogimiento. Una sensación de tiempo detenido, de exilio voluntario.

http://conchamayordomo.com/2020/10/08/aida-pascual/

Marie Laurencin

Marie Laurencin pintó figuras femeninas etéreas en tonos pastel. Su estilo pictórico comprendió un empleo de colores fluidos y suaves, la simplificación de la composición y la predilección por formas femeninas alargadas que le permiten ocupar un lugar privilegiado en el París de los años 1920.
http://conchamayordomo.com/2020/09/28/marie-laurencin/


Monica Mayer

En octubre de 2016 el Instituto de las Mujeres de la Ciudad de México le entregó a Mònica Mayer la medalla Omecíhuatl «por su destacada participación en la educación, las artes, la cultura y el deporte, que inspira e impacta en el desarrollo y empoderamiento de las mujeres ». Por todo ello es, a día de hoy una de las artistas más reconocidas en el panorama internacional del feminismo.
http://conchamayordomo.com/2020/10/11/monica-mayer/


Elizabeth Southerden


Elizabeth Thompson fue una de las pocas mujeres que se dedicaron a la pintura de forma profesional en el siglo XIX, y además lo hizo con el tema bélico. Sus primeros cuadros obtuvieron un gran éxito, pero cuando plasmó en ellos el sufrimiento de los soldados o las derrotas que en ocasiones los ejércitos sufrieron, dejaron de tener éxito en la sociedad victoriana.

http://conchamayordomo.com/2020/10/18/elizabeth-southerden/


Adelaide Labille-Guiard    http://conchamayordomo.com/2019/05/24/adelaide-labille-guiard/
Adelina Labrador    http://conchamayordomo.com/2020/10/21/adelina-labrador/
Agnes Denes    http://conchamayordomo.com/2019/06/24/agnes-denes/
Agnes Martin    http://conchamayordomo.com/2019/12/20/agnes-martin/
Agnes Richter    http://conchamayordomo.com/2020/06/06/agnes-richter/
Aida Pascual    http://conchamayordomo.com/2020/10/08/aida-pascual/
Aleah Chapin    http://conchamayordomo.com/2016/10/05/aleah-chapin/
Alejandra Alarcón    http://conchamayordomo.com/2017/03/14/alejandra-alarcon/
Alexia Miranda    http://conchamayordomo.com/2018/06/28/alexia-miranda/
Alián    http://conchamayordomo.com/2017/02/13/alian/
Alice Bailly    http://conchamayordomo.com/2019/04/30/alice-bailly/
Alice Neel    http://conchamayordomo.com/2020/06/01/alice-neel/
Alice Rahon    http://conchamayordomo.com/2019/02/14/alice-rahon/
Alicia Framis    http://conchamayordomo.com/2019/08/17/alicia-framis/
Alicia Martín    http://conchamayordomo.com/2018/01/31/alicia-martin/
Alma Thomas    http://conchamayordomo.com/2019/07/10/alma-thomas/
Alöise Corbaz    http://conchamayordomo.com/2019/11/23/aloise-corbaz/
Amalia Avia    http://conchamayordomo.com/2016/10/09/amalia-avia/
Amalia Lopez Cabrera    http://conchamayordomo.com/2018/11/01/amalia-lopez-cabrera/
Amelia Peláez    http://conchamayordomo.com/2020/08/11/amelia-pelaez/
Ana Mendieta    http://conchamayordomo.com/2018/01/22/ana-mendieta/
Ángela de la Cruz    http://conchamayordomo.com/2017/11/12/angela-de-la-cruz/
Ángela García Codoñer    http://conchamayordomo.com/2020/03/14/angela-garcia-codoner/
Ángeles Agrela    http://conchamayordomo.com/2020/01/18/angela-agrela/
Ángeles Marco    http://conchamayordomo.com/2019/10/11/angeles-marco/
Ángeles Santos    http://conchamayordomo.com/2017/01/03/angeles-santos/
Angelica Kauffmann    http://conchamayordomo.com/2018/08/10/angelica-kauffmann/
Angelina Beloff    http://conchamayordomo.com/2020/08/01/angelina-beloff/
Ángels Ribé    http://conchamayordomo.com/2020/01/12/angels-ribe/
Anicka Yi    http://conchamayordomo.com/2019/08/26/anicka-yi/
Anita Rée    http://conchamayordomo.com/2018/06/16/anita-ree/
Anna Atkins    http://conchamayordomo.com/2020/06/18/anna-atkins/
Anna Bilinska -Bohdanowicz    http://conchamayordomo.com/2019/07/24/anna-bilinska-bohdanowicz/
Anna Dorothea Therbusch    http://conchamayordomo.com/2019/12/08/anna-dorothea-therbusch/
Anna María Mengs    http://conchamayordomo.com/2019/07/28/anna-maria-mengs/
Anna Vaughn Hyatt Huntington    http://conchamayordomo.com/2020/08/05/anna-vaughn-hyatt-huntington/
Anne Geddes    http://conchamayordomo.com/2019/08/02/anne-geddes/
Anni Albers     http://conchamayordomo.com/2019/12/26/anni-albers/
Anni Leppälä    http://conchamayordomo.com/2017/06/02/anni-leppala/
Annie Leibowitz    http://conchamayordomo.com/2016/12/04/annie-leibowitz/
Annie Swynnerton    http://conchamayordomo.com/2019/06/13/annie-swynnerton/
Antonia de Bañuelos    http://conchamayordomo.com/2016/10/21/antonia-de-banuelos/
Antonia Eiriz    http://conchamayordomo.com/2019/12/05/antonia-eiriz/
Artemisia Gentileschi    http://conchamayordomo.com/2016/11/26/artemisia-gentileschi/
Augusta Savage    http://conchamayordomo.com/2019/07/17/augusta-savage/
Aurèlia Muñoz    http://conchamayordomo.com/2017/02/06/aurelia-munoz/
Aurelia Navarro    http://conchamayordomo.com/2020/07/24/aurelia-navarro/
Aurora Mira    http://conchamayordomo.com/2020/03/13/aurora-mira/
Aurora Reyes Flores    http://conchamayordomo.com/2019/08/31/aurora-reyes-flores/
Barbara Bodichon    http://conchamayordomo.com/2020/03/28/barbara-bodichon/
Barbara Kruger    http://conchamayordomo.com/2018/01/03/barbara-kruger/
Barbara Longhi    http://conchamayordomo.com/2019/11/17/barbara-longhi/
Barbara Strozzi    http://conchamayordomo.com/2019/11/28/barbara-strozzi/
Beatrix Potter    http://conchamayordomo.com/2016/11/19/beatrix-potter/
Belkis Ayón    http://conchamayordomo.com/2019/07/15/belkis-ayon/
Benedetta Cappa    http://conchamayordomo.com/2020/07/13/benedetta-cappa/
Berenice Abbott    http://conchamayordomo.com/2019/01/04/berenice-abbott/
Berthe Morisot    http://conchamayordomo.com/2018/10/08/berthe-morisot/
Bharti Kher    http://conchamayordomo.com/2020/07/29/bharti-kher/
Birgit Jürgenssen    http://conchamayordomo.com/2020/09/02/birgit-jurgenssen/
Blanca Muñoz     http://conchamayordomo.com/2019/12/22/blanca-munoz/
Bobby Baker    http://conchamayordomo.com/2019/08/20/bobby-baker/
Bridget Bate Tichenor    http://conchamayordomo.com/2020/07/03/bridget-bate-tichenor/
Bridget Riley    http://conchamayordomo.com/2020/03/26/bridget-riley/
Camille Claudel    http://conchamayordomo.com/2018/05/22/camille-claudel/
Cao Fei    http://conchamayordomo.com/2019/11/01/cao-fei/
Carlota Rosales    http://conchamayordomo.com/2020/02/09/carlota-rosales/
Carmen Alborch    http://conchamayordomo.com/2018/10/26/carmen-alborch/
Carmen Calvo    http://conchamayordomo.com/2016/11/30/carmen-calvo/
Carmen Herrera    http://conchamayordomo.com/2019/04/25/carmen-herrera/
Carmen Laffón    http://conchamayordomo.com/2018/02/02/carmen-laffon/
Carmen Mariscal    http://conchamayordomo.com/2019/08/19/carmen-mariscal/
Cecilia Beaux    http://conchamayordomo.com/2019/09/04/cecilia-beaux/
Cecilia Paredes    http://conchamayordomo.com/2019/06/05/cecilia-paredes/
Cecilia Vicuña    http://conchamayordomo.com/2020/03/27/cecilia-vicuna/
Ceija Stojka    http://conchamayordomo.com/2019/11/26/ceija-stojka/
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Miriam Cahn     http://conchamayordomo.com/2020/07/23/miriam-cahn/
Mona Hatoum    http://conchamayordomo.com/2019/04/23/mona-hatoum/
Monica Mayer    http://conchamayordomo.com/2020/10/11/monica-mayer/
Monique Bastiaans    http://conchamayordomo.com/2019/08/16/monique-bastiaans/
Montserrat Gudiol    http://conchamayordomo.com/2020/08/03/montserrat-gudiol/
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Nahui Olin    http://conchamayordomo.com/2018/02/27/nahui-olin/
Naia del Castillo    http://conchamayordomo.com/2020/06/04/naia-del-castillo/
Nan Goldin    http://conchamayordomo.com/2019/06/08/nan-goldin/
Nancy Holt    http://conchamayordomo.com/2017/05/05/nancy-holt/
Nancy Spero    http://conchamayordomo.com/2019/09/15/nancy-spero/
Natalia Goncharova    http://conchamayordomo.com/2018/04/21/natalia-goncharova/
Negra Álvarez    http://conchamayordomo.com/2018/08/13/negra-alvarez/
Nelida Taque Nanque    http://conchamayordomo.com/2019/08/27/nelida-l-taque-nanque/
Nezaket Ekici    http://conchamayordomo.com/2016/10/28/nezaket-ekici/
Nieves Correa    http://conchamayordomo.com/2018/09/13/nieves-correa/
Niki de Saint Phalle    http://conchamayordomo.com/2018/11/27/niki-de-saint-phalle/
Norah Borges    http://conchamayordomo.com/2017/04/24/norah-borges/
Olga de Amaral    http://conchamayordomo.com/2020/09/20/olga-de-amaral/
Olga Blinder    http://conchamayordomo.com/2020/03/01/15382/
Olga Sovorova    http://conchamayordomo.com/2019/10/31/olga-suvorova/
Oliva Arauna    http://conchamayordomo.com/2016/09/23/oliva-arauna/
Orlan    http://conchamayordomo.com/2016/11/02/orlan/
Orsola Maddalena Caccio    http://conchamayordomo.com/2018/07/10/orsola-maddalena-caccia/
Ouka Leele    http://conchamayordomo.com/2017/10/01/ouka-leele/
Paloma Navares    http://conchamayordomo.com/2016/10/31/paloma-navares/
Pamen Pereira    http://conchamayordomo.com/2018/08/05/pamen-pereira/
Patricia Gadea    http://conchamayordomo.com/2018/09/21/patricia-gadea/
Patricia Traub     http://conchamayordomo.com/2020/08/28/patricia-traub/
Paula Anta    http://conchamayordomo.com/2018/04/15/paula-anta/
Paula Modersohn Becker    http://conchamayordomo.com/2019/01/19/paula-modersohn-becker/
Paula Rego    http://conchamayordomo.com/2018/05/13/paula-rego/
Paula Rubio Infante    http://conchamayordomo.com/2018/07/13/paula-rubio-infante/
Pauline Boty    http://conchamayordomo.com/2020/07/17/pauline-bot/
Paz Muro    http://conchamayordomo.com/2018/07/04/paz-muro/
Peggy Guggenheim    http://conchamayordomo.com/2017/08/08/peggy-guggenheim/
Pepi Sánchez    http://conchamayordomo.com/2020/04/03/pepi-sanchez/
Petrona Viera    http://conchamayordomo.com/2018/07/17/petrona-viera/
Pilar Albarracín    http://conchamayordomo.com/2017/12/12/pilar-albarracin/
Pilar Lara    http://conchamayordomo.com/2020/09/14/pilar-lara/
Pilar Montaner Maturana    http://conchamayordomo.com/2019/02/15/pilar-montaner-maturana/
Pilar Pequeño    http://conchamayordomo.com/2019/05/24/pilar-pequeno/
Pipilotti Rist    http://conchamayordomo.com/2018/07/07/pipilotti-rist/
Pippa Bacca    http://conchamayordomo.com/2019/09/21/pippa-bacca/
Piti Bartolozzi    http://conchamayordomo.com/2019/06/18/piti-bartolozzi/
Plautilla Nelli    http://conchamayordomo.com/2019/12/30/plautilla-nelli/
Popova    http://conchamayordomo.com/2017/07/27/popova/
Raquel Forner    http://conchamayordomo.com/2019/05/15/raquel-forner/
Rebecca Horn    http://conchamayordomo.com/2018/05/01/rebecca-horn/
Regina José Galindo    http://conchamayordomo.com/2016/12/27/regina-jose-galindo/
Remedios Varo    http://conchamayordomo.com/2017/12/09/remedios-varo/
Rina Lazo    http://conchamayordomo.com/2019/01/19/rina-lazo/
Rolinda Sharples    http://conchamayordomo.com/2020/01/24/rolinda-sharples/
Romaine Brooks    http://conchamayordomo.com/2019/11/14/romaine-brooks/
Rosa Bonheur    http://conchamayordomo.com/2016/09/05/rosa-bonheur-primera-artista-condecorada-con-la-orden-de-la-legion-de-honor/
Rosa Chacel    http://conchamayordomo.com/2019/12/25/rosa-chacel/
Rosalba Carriera    http://conchamayordomo.com/2019/10/20/rosalba-carriera/
Rosario de Velasco    http://conchamayordomo.com/2019/06/10/rosario-de-velasco/
Rosario Weiss Zorrilla    http://conchamayordomo.com/2017/11/11/rosario-weiss-zorrilla/
Rose O¨Neill    http://conchamayordomo.com/2018/11/02/rose-oneill/
Rosemary Laing    http://conchamayordomo.com/2019/08/22/rosemary-laing/
Rosmery Mamani Ventura    http://conchamayordomo.com/2020/05/05/rosmery-mamani-ventura/
Ruth Mathilda Anderson    http://conchamayordomo.com/2019/03/11/ruth-mathilda-anderson/
Sabina de Steinbach    http://conchamayordomo.com/2020/02/10/sabina-de-steinbach/
Sabina Muchart    http://conchamayordomo.com/2020/02/26/sabina-muchart/
Sabine Lepsius    http://conchamayordomo.com/2020/09/04/sabine-lepsius/
Sarah Lucas    http://conchamayordomo.com/2020/07/18/sarah-lucas/
Séraphine Louis    http://conchamayordomo.com/2016/12/23/seraphine-louis/
Shamsia Hassani    http://conchamayordomo.com/2020/04/04/shamsia-hassani/
Shirin Neshat    http://conchamayordomo.com/2019/05/29/shirin_neshat/
Sigalit Landau    http://conchamayordomo.com/2019/09/24/sigalit-landau/
Sofia Bassi    http://conchamayordomo.com/2018/01/29/sofia-bassi-2/
Sofonisba Anguissola    http://conchamayordomo.com/2018/02/10/sofonisba-anguissola/
Soledad Lorenzo    http://conchamayordomo.com/2018/08/18/soledad-lorenzo/
Soledad Sevilla    http://conchamayordomo.com/2018/01/16/soledad-sevilla/
Sonia Delaunay    http://conchamayordomo.com/2017/08/04/sonia-delaunay/
Sonia Falcone    http://conchamayordomo.com/2019/12/22/sonia-falcone/
Sophie Calle    http://conchamayordomo.com/2019/04/06/sophie-calle/
Sophie Taeuber    http://conchamayordomo.com/2016/11/08/sophie-taeuber-arp/
Sue Williams    http://conchamayordomo.com/2020/09/26/sue-williams/
Susana Solano    http://conchamayordomo.com/2019/04/27/susana-solano/
Susanna Majuri    http://conchamayordomo.com/2019/06/26/susanna-majuri/
Susana Vera    http://conchamayordomo.com/2020/09/05/susana-vera/
Susy Gómez    http://conchamayordomo.com/2020/08/22/susy-gomez/
Suzanne Lacy    http://conchamayordomo.com/2016/10/17/suzanne-lacy/
Suzanne Valadon    http://conchamayordomo.com/2018/11/04/suzanne-valadon/
Tacita Dean    http://conchamayordomo.com/2020/05/25/tacita-dean/
Tamara de Lempicka    http://conchamayordomo.com/2017/10/30/tamara-de-lempicka/
Tania Bruguera    http://conchamayordomo.com/2020/07/01/tania-bruguera/
Tarsila do Amaral    http://conchamayordomo.com/2018/06/14/tarsila-do-amaral/
Teresa Burga    http://conchamayordomo.com/2019/06/28/teresa-burga/
Teresa Catalán    http://conchamayordomo.com/2019/07/03/teresa-catalan/
Teresa Margolles    http://conchamayordomo.com/2019/07/24/teresa-margolles/
Teresa Ramón    http://conchamayordomo.com/2020/05/10/teresa-ramon/
Teresa Serrano    http://conchamayordomo.com/2019/11/30/teresa-serrano/
Thérèse Marthe Françoise Cotard-Dupré    http://conchamayordomo.com/2020/10/13/therese-marthe-francoise-cotard-dupre/
Tina Modotti    http://conchamayordomo.com/2016/11/01/tina-modotti/
Toyen    http://conchamayordomo.com/2019/07/31/toyen/
Uemura Shöen    http://conchamayordomo.com/2020/04/16/uemura-shoen/
Ulrike Bolenz    http://conchamayordomo.com/2019/05/04/ulrike-bolenz/
Unica Zurn    http://conchamayordomo.com/2020/09/18/unica-zurn/
Úrsula Forment    http://conchamayordomo.com/2020/03/09/ursula-forment/
Valie Export    http://conchamayordomo.com/2019/10/17/valie-export/
Vanessa Bell    http://conchamayordomo.com/2020/07/10/vanessa-bell/
Victoria Civera    http://conchamayordomo.com/2020/10/03/victoria-civera/
Victoria Martín de Campo    http://conchamayordomo.com/2019/05/05/14378/
Victorina Durán    http://conchamayordomo.com/2016/11/22/victorina-duran/
Vivian Maier    http://conchamayordomo.com/2018/10/19/vivian-maier/
Wangechi Mutu    http://conchamayordomo.com/2020/03/02/wangechi-mutu/
Yayoi Kusama    http://conchamayordomo.com/2018/10/30/yayoi-kusama/
Yhonnie Scarce    http://conchamayordomo.com/2020/09/16/yhonnie-scarce/
Yoko Ono    http://conchamayordomo.com/2017/03/19/yoko-ono/
Zaha Hadid    http://conchamayordomo.com/2016/10/08/zaha-hadid/
Zanele Mugoli    http://conchamayordomo.com/2019/07/18/zanele-muholi/

25/10/2020 13:39 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

DIÁLOGO CON PILAR PALOMERO

Un diálogo con Pilar Palomero, directora de 'Las niñas'.

https://www.heraldo.es/noticias/ocio-y-cultura/2020/08/31/pilar-palomero-soy-una-contadora-de-historias-en-imagenes-que-estan-al-servicio-de-la-emocion-1393212.html

31/08/2020 19:06 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

MIGUEL ÁNGEL ARTIGAS: EVOCACIÓN DE JOSÉ MIGUEL IRANZO

Un estupendo artículo de Miguel Ángel Artigas sobre el cineasta José Miguel Iranzo, fallecido de cáncer el pasado lunes, y enterrado en su pueblo de Villarquemado, donde se había retirado con absoluta discreción. José Miguel tenía 63 años y entre otros títulos había hecho cortos como 'Mayumea' y 'Témpora violetas', y documentales, con Joaquín Carbonell de guionista, sobre José Antonio Labordeta y el Pastor de Andorra, José Iranzo.

 

https://www.diariodeteruel.es/noticia.asp?notid=1026495&secid=6&fbclid=IwAR1bhwf6KK0ADUtpp-rY1vFCJRVR1gaUmOApfQPk83uiDCYM7hawk6NZ11c

14/08/2020 06:41 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'PAISAJES PASAJEROS' DE SANTIAGO ARRANZ

Santiago Arranz: Paisajes pasajeros*

Pinturas recientes 2019/2020

Estudio Las Maigüalas - Castejón de Sos– Huesca

Agosto - Septiembre 2020

 

¿Qué cosa pretendemos al decir que un paisaje pintado nos parece fascinante? ¿Lo decimos sólo por el placer? No, es porque queremos hallar una explicación a algo, pero a algo, que sin duda, será siempre inexplicable.

Robert Walser, los hermanos Tanner.

Paisajes Pasajeros es mi más reciente proyecto artístico y el primero que se va a exponer al público en mi taller de Las Maigüalas, en Castejón de Sos.

Con este proyecto piloto pretendemos, junto a un grupo de profesionales del arte, intelectuales y galeristas afines, consolidar un ciclo de exposiciones monográficas dedicadas a otros artistas, durante los meses de verano, que se irán sucediendo a lo largo del tiempo. Prestaremos especial atención a aquellos creadores con más de 30 años de actividad artística y cuya sensibilidad sea capaz de proyectarse sentimentalmente en la naturaleza, haciendo de ésta la inspiración de un ciclo de exposiciones y libros que se irán presentando.

Paisajes Pasajeros es un recorrido por las 4 estaciones del alma y resume en 100 cuadros el trabajo que me impuse a lo largo de un año: la observación del territorio en el recorrido que va desde mi vivienda en Castejón, a la finca Las Maigüalas, donde se encuentra mi taller.

Durante este periodo de tiempo, he ido observando y pintando las transformaciones de la naturaleza a la que la pandemia ha regalado momentos estelares, alcanzando, este año en particular, un esplendor de belleza inusual, si bien la idea germinal que me animó fue anterior a estos acontecimientos, siendo el primero de estos cuadros pintado ya en el verano de 2019, justo después de concluir mi anterior exposición dedicada a Lorca y a su obra Poeta en Nueva York*.

Con este nuevo proyecto, me planteo el reto contrario a mi manera de proceder habitual, al alejarme de la literatura, que ha marcado buena parte de mis trabajos y sustituir las cualidades simbólicas de ésta por el mero placer de la contemplación, a la vez que recupero un medio sencillo de expresión, muy querido para mí como es la pintura.

El paisaje, visto desde el alma, se eterniza en la repetida caducidad de las estaciones y mientras las convicciones de todo tipo parecen desvanecerse engullidas por la naturaleza, mi posición es la de aferrarme a ella en la necesidad de ser dos y lo mismo - paisaje y contemplador.

El proyecto, tal y como se ha concebido para este espacio, consta de 100 cuadros de pequeño formato, el mayor de los cuales no excede los 30 cm y se desarrolla en un montaje perimetral que recorre todo el estudio, un cubo blanco en el que se distribuyen las obras en una secuencia, en torno a cuadro central que representa un árbol, el primero que pinté, y el único de gran formato. Metafóricamente nosotros somos las hojas, los cuadros pequeños, que desfilan en torno a este árbol totémico que se queda y permanece, para renovar la vida desde la pintura, en este discurso sin fin de lo efímero. Pintura que surge de los sentimientos, antes que de los pensamientos, cuando nosotros también formamos parte de esa naturaleza, sin ningún propósito, subrayando ésta vez, desde el lado salvaje, la certeza de que no hay filosofía ni literatura que no provenga del corazón.



Santiago Arranz

Castejón de Sos, julio 2020



* Trabajo que se expuso en la Fundación Pons de Madrid a finales del año pasado y de la que ha quedado un hermoso libro publicado en Barcelona por Ámbit: Santiago Arranz, tras Lorca por Nueva York. Obras 2017-2019.

(No hay inauguración. Visitas concertadas llamando al Tel. 600716129).

 

 

 

01/08/2020 15:49 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

SYLVIA PENNINGS EN LA CASA AMARILLA

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Sylvia Pennings|Emboscarse

 

Exposición: 7 de julio - 30 de septiembre, 2020

Inauguración: 7 de julio, a las 19 h

 

Emboscarse: ser bosque, activar la mirada crítica, nunca ocultarse. Hay bosques allí donde somos bosques, allí donde somos ingobernables: hay bosques en cualquier lugar donde sea posible oponer resistencia. Los bosques pintados o dibujados en blanco y negro de Sylvia Pennings convierten a La Casa Amarilla en un bosque, en un escenario de reflexión y de crítica.

 Sylvia Pennings | Emboscarse 

Una de las preocupaciones de Sylvia Pennings, a lo largo de su trayectoria, ha sido la de abordar en su trabajo la progresiva falta de atención en la actual sociedad de la información a conceptos tales como intuición, reflexión o sabiduría; conceptos ya en desuso ante las posibilidades que brindan los dispositivos de conocimiento inmediato más avanzados. Por eso Sylvia Pennings decidió regresar a los bosques, lugares sagrados y escenarios de narraciones y relatos que cuentan nuestra historia olvidada, refugios que permiten la desconexión, e invitan a regresar al origen y ser partícipes del vínculo que nos une a lo natural.

 

Sylvia Pennings pinta y dibuja bosques de árboles que dejan al descubierto las raíces profundas que los mantienen unidos a la Tierra, y alzan sus ramas hasta lo más alto, en una compleja red de interconexiones que los activan en un continuo y apenas visible movimiento. Urge aprender a sentir la inteligencia vegetal, el rumor de la memoria compartida entre los árboles del bosque de la que forman parte quienes deciden encaminarse con ritmo lento por entre sus claros y umbrías. La fotógrafa checa Jitka Hanzlová utilizó una expresión especialmente afortunada al referirse a su proyecto Forest, que encaja muy bien con las obras de Sylvia Pennings: "silencio orgánico", en alusión al extrañamiento que provoca reconocerse en un lugar de sonidos y voces nunca escuchados. El sentimiento puede ser tan grande que llegue a provocar miedo. Un miedo ancestral. El tiempo se enreda cuando penetramos en el bosque; el presente remite al pasado que nos anuncia lo que está por llegar. "Camino hacia atrás para ver el futuro", escribió Hanzlová. Sylvia Pennings pinta y dibuja senderos que se bifurcan en el interior del bosque, siempre a la espera de ser paseados. [Chus Tudelilla, julio 2020]

 

12/07/2020 16:12 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'CUENTOS DE TEMPORADA': E. NAVARRO

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Ernesto Navarro escribe y pinta sus ‘Cuentos de temporada’

 

El autor distribuye 22 cuentos a lo largo de los doce meses del año y hay de todo: amor, vampiros, viajes y veranos

 

En las guardas de respeto del libro ilustrado, de formato gigante, ‘Cuentos de temporada’, Ernesto Navarro, escritor e ilustrador, y editor de Pintacoda, ha colocado los doce meses del año y escribe en rojo un título que alude a uno de los 22 textos que forman este libro, divertido, fresco, lleno de guiños (del tipo, ‘Mies y Zaha decidieron irse a vivir juntos’, y así arranca ‘La Casa’), de bromas, de emociones y de risas.

El polivalente Ernesto Navarro ya había publicado ‘Laszlo’, la historia de un artista callejero que se movía en un mundo variado y marginal, y ‘Cuentos de Navidad para niños y padres’, ambos en el sello Pintacoda, en los que medía su capacidad de creación y su tendencia a los juegos literarios y a la referencias más o menos cultas, sin que eso aleje al lector.

Cuentos de temporada’ continúa su línea de sorpresa y paradoja. En el primer texto, ‘El día del libro’, dice en la frase incial: “Aquel veintitrés de abril, por primera vez, mi tío Aldo no trajo un libro”. Y a partir de ahí crea una narración donde rinde homenaje a Gutenberg y al mismo volumen que el lector empieza a leer. Luego se sumerge en otras historias: la del vampiro panadero, llamado Olegario, que debe enfrentarse a la noche de San Juan; el relato de la niña Gracia, que se zambulle en la piscina y se convierte en un pez.

Hay cuentos humorísticos, incluso crueles, pero también miradas casi costumbristas a lo que podría ser un día largo en un pueblo. O en la fiesta de la vendimia. Aborda un cumpleaños, se narra un embarazo con misterio, se cuenta el primer día de clase en la Escuela Robótica Infantil Y un viaje de Navidad por Manhattan. También anima, casi con microcuentos, el relato ‘La gran nevada’; el más corto dice: “Diana construyó un muñeco de nieve con paja, vino el lobo y lo sopló”.

Si Ernesto Navarro es imaginativo y juguetón en sus relatos, si piensa en sorprender y cautivar al niño, en la parte gráfica es, cuando menos, versátil. Se maneja en varios registros: es capaz de aproximarse al cartel, al retrato, a la ilustración pura y dura, a la viñeta, como en el citadoLa gran nevada’, y maneja por igual el retrato en solitario, como pasa en ‘Las golondrinas’ y con el moscardón Romeo en ‘San Valentín’, y las multitudes, como sucede en ‘Rompida de la hora’, donde plantea un ritual de tambores y bombos y túnicas violetas. Ernesto es un ilustrador claro y variado, puede ser clásico y moderno, transgresor y tradicional, y tiene sentido del color, de la composición y, por supuesto, de la ironía.

Parece que siempre esté dispuesto a dar otra vuelta de tuerca a todas las cosas. Hasta a su propio libro. Anota en un guiño de metaliteratura: “De esta manera, reuní 22 historias que encuaderné con la ayuda de mi madre. Cosimos las páginas en pliegos y añadimos unas bonitas cubiertas de cartón forradas en tela”.

 

11/07/2020 07:19 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'LA MUERTE DE OFELIA', POR CONCHA MAYORDOMO

Con el título "La muerte de Ofelia" he publicado mi último artículo. Trata sobre la vida de una de las caras más visibles del movimiento Prerrafaelita, pero que es prácticamente una desconocida como artista y poeta.
Elizabett Siddal, tuvo una vida y un final tan triste como el de la Ofelia de Hamlet.

https://lahoradigital.com/noticia/28465/la-muerte-de-ofelia.html

Por otra parte, continúo actualizando mi blog ‘Mujeres en el Arte’ e incluyo 4 pequeñas biografías de artistas que considero muy interesantes. Es una selección que obedece a muy diferentes motivos. En primer lugar Ende, la miniaturista medieval, que fue la primera artista de la historia que firmó su obra. Tania Bruguera de plena actualidad por haber sido nuevamente detenida por el gobierno cubano. Incluyo también a la franco-mexicana Bridget Bate Tichenor y el realismo mágico de sus obras y finalizo con la turca afincada en Alemania Nezaket Ekici con sus performances minimalistas.

 

05/07/2020 17:25 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'LA MUERTE DE OFELIA', POR CONCHA MAYORDOMO

Con el título "La muerte de Ofelia" he publicado mi último artículo. Trata sobre la vida de una de las caras más visibles del movimiento Prerrafaelita, pero que es prácticamente una desconocida como artista y poeta.
Elizabett Siddal, tuvo una vida y un final tan triste como el de la Ofelia de Hamlet.

https://lahoradigital.com/noticia/28465/la-muerte-de-ofelia.html

Por otra parte, continúo actualizando mi blog ‘Mujeres en el Arte’ e incluyo 4 pequeñas biografías de artistas que considero muy interesantes. Es una selección que obedece a muy diferentes motivos. En primer lugar Ende, la miniaturista medieval, que fue la primera artista de la historia que firmó su obra. Tania Bruguera de plena actualidad por haber sido nuevamente detenida por el gobierno cubano. Incluyo también a la franco-mexicana Bridget Bate Tichenor y el realismo mágico de sus obras y finalizo con la turca afincada en Alemania Nezaket Ekici con sus performances minimalistas.

 

05/07/2020 17:00 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

PHOTO ESPAÑA. PROGRAMA 2020

PHOTOESPAÑA PRESENTA SU PROGRAMACIÓN PARA 2020.

UN AÑO MUY ESPECIAL CON EXPOSICIONES EN 50 CIUDADES DE ESPAÑA



Este año PHotoESPAÑA se inaugura a finales de junio y extiende su programación hasta el 31 de octubre.

El Festival contará con más de 50 grandes exposiciones en museos y centro de arte en su Sección Oficial. Por primera vez, se incorporan nuevos proyectos digitales y una gran muestra de participación ciudadana en las calles de toda España.

El Festival dará el pistoletazo de salida a partir del 25 de junio, con la inauguración de la exposición #PHEdesdemibalcón, en 50 ciudades españolas con la participación de más de 10.000 fotógrafos.

105 galerías de toda España participarán en una convocatoria extraordinaria del Festival OFF

Madrid, Alcalá de Henares, Alcobendas y Zaragoza sedes de la Sección Oficial del Festival.

Santander acogerá en octubre la segunda edición de PHotoESPAÑA Santander con una docena de exposiciones y actividades ciudadanas.

Casi 350 fotógrafos presentan su trabajo en esta nueva edición del Festival.

PHotoESPAÑA contará con grandes muestras colectivas: una fantástica selección de fotografía japonesa de los años 50 al 70 del siglo XX con obras de Daido Moriyama o Takuma Nakahira; una selección de imágenes de los autores de Magnum como Eve Arnold o Philippe Halsman sobre el cuerpo humano; o los trabajos de autores como Francesca Woodman, Vivian Sassen, o Richard Avedon, sobre la relación entre la moda y el arte.

 

Ramon Masats, Adriana Lestido, Miguel Trillo, Koldo Chamorro, Alicia Martín, Danny Lyon o Piedad Isla serán algunos de los autores que contarán con exposiciones individuales



PHotoESPAÑA 2020 incluye un gran proyecto digital: Tiempo detenido. Memoria fotográfica del confinamiento mostrará la mirada sobre el confinamiento de 40 fotógrafos profesionales.

Descarga imágenes y dossier de prensa

  

PHOTOESPAÑA 2020

 

PHotoESPAÑa celebrará este año una de sus ediciones más especiales. La excepcional situación mundial causada por la crisis sanitaria del coronavirus, impuso una pausa general de la que la sociedad va saliendo hacia una nueva realidad llena de cambios. Cambios en la forma de vivir y relacionarnos a los que el Festival no podría mantenerse ajeno.

 

PHotoESPAÑA 2020 extenderá su programación hasta el 31 de octubre, en una edición que, a pesar de haberse gestado en circunstancias excepcionales, ha conseguido extenderse por prácticamente todo el territorio nacional y que apostará también por importantes proyectos digitales. Una edición que llegará a un mayor público y compartirá la obra de un mayor número de artistas de todo el país.

 

Las muestras al aire libre, como reivindicación y homenaje al papel que balcones y ventanas han jugado en los últimos meses, llegarán a 50 ciudades de todo el país, poniendo más que nunca de manifiesto el potencial de la fotografía como elemento de comunicación y cohesión social. Miradas anónimas y profesionales sobre el confinamiento confluirán en esta edición.

 

La programación de más 50 exposiciones en museos y centros de arte de Madrid, Alcalá de Henares, Alcobendas, Barcelona, Santander y Zaragoza, seguirán conformando el corazón del Festival. Muestras de autores internacionales y españoles, ya consagrados y también nuevas voces que cuentan con el festival como escaparate y abrirán entre los meses de julio y septiembre.

 

Círculo de Bellas Artes, Fundación Telefónica, Real Jardín Botánico, Centro Centro, Museo ICO, Museo Cerralbo, Museo del Romanticismo, Fundación MAPFRE, Casa Árabe, Casa de América, Sala Canal de Isabel II, Fundación Canal, Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa, Museo Lázaro Galdiano o Tabacalera, entre otros serán algunos de los museos y centros de arte que participen en PHotoESPAÑA 2020.

 

 

APERTURA DEL FESTIVAL

 

#PHEdesdemibalcón: un retrato colectivo en 50 ciudades españolas

 

El pistoletazo de salida de la edición, lo darán, a partir del 25 de junio, las exposiciones en los balcones y ventanas de 50 ciudades españolas con la selección de imágenes de la convocatoria #PHEdesdemibalcón, que ha registrado, en algo más de mes y medio, 63.000 imágenes en Instagram. Un relato creado por autores anónimos que demuestran más que nunca el espíritu democrático de la fotografía.

 

La convocatoria nació como una invitación a la ciudadanía para que se expresase con imágenes tomadas desde sus balcones y ventanas, como un ejercicio colectivo en una situación tan excepcional. Como ya se viene haciendo a lo largo de la Historia del Arte, ventanas y balcones se han convertido, con más sentido que nunca, en instrumentos para explorar la creatividad, la imaginación y para compartir miradas individuales de una situación que exige que actuemos como colectividad.

 

En paralelo #PHEdesdemibalcón invitaba a los Ayuntamiento españoles a sumarse con la organización de muestras en sus ciudades con una selección de las imágenes de sus vecinos. 50 ciudades participan en el proyecto y acogerán estas muestras al aire libre en espacios representativos de sus respectivas ciudades.

 

A Coruña,  Albacete, Alcalá de Henares,  Alcobendas, Alicante, Badajoz,  Barcelona, Burgos Cáceres, CartagenaCastellón, Córdoba, Coslada, Cuenca,  Elche, Getafe, Gijón, Girona, Granada, GuadalajaraHervás  Hospitalet de Llobregat, Ibiza Jaén, Las Palmas,   Logroño, León,  Madrid, Melilla, Muxía, Ourense, Oviedo, Pamplona, Salamanca, San Cristóbal de La Laguna, Santa Cruz de Tenerife,  Santander, Segovia, Sevilla, Soria, Teruel, Toledo, Torrevieja,  Valladolid, Valencia , Vigo, Vitoria – Gasteiz , Zamora  y  Zaragoza, son las ciudades participantes.



SECCIÓN OFICIAL

Más de 50 grandes exposiciones en la Sección Oficial del Festival.

Madrid es el corazón de PHotoESPAÑA. La XXIII edición de PHotoESPAÑA contará con grandes exposiciones colectivas con propuestas nacionales e internacionales entre las que se podrán disfrutar de la mejor fotografía japonesa de los años 50; la reflexión de los autores de Magnum sobre el cuerpo humano; o la mirada de grandes autores sobre el arte y la moda, entre las propuestas.

Centro Centro recibirá, por primera vez en España, una de las colecciones europeas de fotografía más importantes en la muestra Entre el arte y la moda. Fotografías de la colección de Carla Sozzani. Una exposición que cuenta con imágenes de Richard Avedon, Berenice Abbott, Laszlo Moholy Nagy, Louise Dahl- Wolfe, Helmut Newton, Francesca Woodman, Man Ray o Vivian Sassen, entre otros. Todas ellas reunidas por la editora en los últimos 40 años y que componen la visión personal de la coleccionista sobre el mundo, lo femenino y la belleza.

 

En el Círculo de Bellas Artes, la Colección Per Amor al´Art de Bombas Gens, presentará La mirada de las cosas. Fotografía japonesa en torno a Provoke. Una de las colecciones más importantes de fotografía japonesa entre 1957 y 1972 que se conserva fuera de Japón y que recoge el movimiento de renovación fotográfico que se produjo en el país en un periodo marcado por el enfrentamiento social contra la herencia americana de la ocupación. Autores como Ikkō Narahara, Shōmei Tōmatsu, Eikoh Hosoe, Akira Satō, Kikuji Kawada, Yutaka Takanashi, Takuma Nakahira o Daidō Moriyama.

 

Fundación Canal reunirá una muestra colectiva con algunos de los fotógrafos de la agencia Magnum. En El cuerpo observado el cuerpo humano es el motivo de inspiración de artistas como Eve Arnold, Alec Soth, Philippe Halsman, Herbert List, Susan Meiselas, Werner

Bischof, Antoine d’Agata, Bieke Depoorter, Bruce Gilden o la española Cristina

García Rodero.

 

La Fundación MAPFRE acogerá dentro de la edición tres exposiciones entre sus sedes de Madrid y Barcelona. En Barcelona, la obra de Paul Strand, uno de los impulsores de la “straight photography” inaugurará el nuevo centro de fotografía de la fundación en la ciudad. Además se celebrará una exposición que reúne cinco décadas del trabajo del fotógrafo británico Bill Brandt, considerado uno de los fundadores de la fotografía moderna. En Madrid la Fundación contará con una muestra fotográfica de más de 350 imágenes del fotógrafo norteamericano Lee Friedlander. Una oportunidad única que reúne desde series icónicas como American Monument hasta sus imágenes más actuales.

La fotografía norteamericana contemporánea será también protagonista en la exposición del Museo ICO que presentará por primera vez en Madrid al completo el proyecto La destrucción del bajo Manhattan, de Danny Lyon, uno de los más importantes ensayos fotográficos del siglo XX. A partir de 1967, Lyon documentó como las calles del viejo Manhattan se demolían, haciendo desaparecer uno de los barrios más antiguos de Nueva York.

Casa de América acogerá Antártida negra, de la argentina Adriana Lestido, , un trabajo de exploración exterior e interior fruto de la expedición de la fotógrafa a la Antártida en febrero y marzo de 2012. Se trata de una confesión emocional y creativa de la artista que parte del relato de un viaje inesperado. Esta misma sede acogerá el proyecto Más caminos, de Maria Magdalena Campos Pons, que construye una completa visión de la obra de una de las artistas más completas del arte cubano contemporáneo. Además las nuevas voces de la fotografía cubana contemporánea se reunirán en la muestra de los fotógrafos seleccionados en los visionados de porfolios de Trasatlántica Cuba, celebrados el 30 y 31 de octubre de 2019 en la Fototeca de La Habana.

Casa Árabe, por su parte, acogerá dos exposiciones. En Desplazamientos. Diásporas de Yemen se reúnen los trabajos de Shaima Al Tamimi y Thana Faroq, dos fotógrafas de origen yemení que retratan con crudeza y sinceridad los efectos de los desplazamientos sobre la identidad y la biografía de las personas. Por otro lado, Arcadia arábiga, de Jordi Esteva reúne imágenes de los cinco grandes oasis de Egipto y de Socotra, la isla de Simbad el Marino.

Además, PHotoESPAÑA 2020 sumará a su programación la exposición La naturaleza de las cosas, de Chema Madoz, en el Real Jardín Botánico.

 

Fotografía española contemporánea

Otro de los elementos fundamentales de esta edición será la fotografía española con muestras dedicadas a diferentes generaciones de autores.

El Museo Lázaro Galdiano contará con uno de los trabajos mas controvertidos de Koldo Chamorro, El santo Christo ibérico. Un retrato crudo de los usos y costumbres de la sociedad rural española de los años 70 y 80 del siglo XX La serie El Santo Christo Ibérico, sitúa al símbolo del Catolicismo, la cruz, como la protagonista absoluta de una narrativa que revelaba las contradicciones de un país que, por un lado, ansiaba la llegada de la modernidad, y por otro, permanecía anclado en un paisaje ancestral. La exposición se presenta en colaboración con el Museo de Navarra.

Tabacalera acogerá uno de los trabajos más recordados de Ramon Masats. Visit Spain es un documento único en el que la mirada de Masats capta la España de los años 50 y 60 del siglo XX, en un periodo en el que el régimen franquista buscaba abrirse al mundo presentando su cara más amable.

De la mano del Archivo Lafuente, el Circulo de Bellas Artes acogerá la muestra Madrid, las calles del ritmo, de Miguel Trillo. Responsable de fanzines icónicos de la Movida Madrileña como Rockocó, Callejones y avenidas y Madrid las calles del ritmo, Trillo puso rostro a cientos de personajes anónimos representantes de este movimiento cultural y social. El fotógrafo ha documentado la evolución de la juventud y de las tribus urbanas desde la Transición española hacia la democracia de nuestros días, como testigo privilegiado de una época. Mods, punks, amantes del tecno, modernos, siniestros, nuevos románticos, rockeros, teddy boys, heavies o b- boys han pasado por el objetivo del artista.



La Sala Canal de Isabel II acogerá Donde doblan los mapas, de Juan Valbuena, que reúne cinco de sus proyectos desde 1999 hasta el inédito Dalind. Miembro del colectivo Nophoto, Valbuena es uno de los autores más representativos de su generación, con una obra en la que el ser humano, la fotografía y el territorio se entremezclan en narraciones en las que invita al público a participar.

Los retratos de la Transición desde la mirada de Alberto Schommer llegarán al Museo Cerralbo en Contemporáneos un compendio de retratos de personajes de la cultura, la política y las artes, que comparten la ironía, el sentido del humor y la profundidad del Premio Nacional de Fotografía.

El Museo Nacional del Romanticismo con Disonancia desvelará la personalidad de la madrileña Alicia Martín, con una propuesta multidisciplinar que reflexiona sobre las revoluciones en el contexto del Romanticismo español.

Javier Riera ocupará la Plaza de Colón y la fachada del Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa con Proyectar el regreso una instalación que combina video y fotografía para recrear los anhelos del ser humano dentro de una sociedad que explota y consume los espacios sin parar para pensarlos.

 

Sedes invitadas en Madrid

En el Instituto Iberoamericano de Finlandia, se presentará el proyecto de la fotógrafa Heli Blafield, que viajo por todo el país para crear un documento gráfico de uno de los elementos más arraigados en la cultura finlandesa: la sauna.

El Instituto de México presentará el proyecto Toda línea es una ruta, toda ruta lleva a un punto, de Emilio Rojas. La muestra toma como eje dos de las preocupaciones constantes en su obra: el post-colonialismo y las fronteras para construir una experiencia de la que el espectador pueda formar parte.

Por su parte la Real Sociedad Fotográfica contará con la muestra Mayo ritual, de Juanjo Albarrán. Con su propuesta el fotógrafo nos invita a reflexionar sobre los diversos modos en los que se celebra el renacer de la vida con la llegada de la primavera.



Jornadas profesionales a finales del mes de septiembre

Este año la Semana Descubrimientos, el espacio de encuentros para los profesionales de la fotografía se celebrará los días 28 y 29 de septiembre. La escuela PIC.A de Alcobendas acogerá dos sesiones de visionados de porfolios, en la que los autores podrán compartir su trabajo con expertos nacionales y profesionales. Entre todos los trabajos presentados se elegirá el Premio Descubrimientos proyecto que se incluirá en la programación de PHotoESPAÑA 2021. Descubrimientos PHE cuenta con el apoyo del Institut d’Estudis Baleàrics – IEB

 

OTRAS SEDES DEL FESTIVAL

Alcalá de Henares, Alcobendas y Zaragoza en PHotoESPAÑA

El Convento de Santa María La Rica en Alcalá de Henares acogerá la exposición Realismo poético, de Piedad Isla. Un documento único de la España rural de los años 50 y 60 del siglo XX de la mano de la pionera del neorrealismo fotográfico en España

Alcobendas participará con cinco exposiciones. El Bulevar Salvador Allende acogerá Una [otra] manera de mirar, de José María Díaz – Maroto con imágenes realizadasen los últimos 25 años. El Centro de Arte Alcobendas mostrará en Foto No Foto, algunos de los fondos de la Colección de Fotografía Alcobendas. En Tradición y atuendo rescatará la obra de José Ortiz Echagüe, principal representante de la “Generación del 98 de la Fotografia Española”. Además las nuevas voces de la fotografía estarán presentes en las exposiciones de Lilia Luganskaia, Premio Descubrimientos PHotoESPAÑA 2019 por su trabajo Investigación del amor; y la muestra Encuentros en tiempo presente de los Alumnos del Máster PHotoESPAÑA.

En Zaragoza, en el Centro de Historias, la exposición De barro y luz, de Manuel Outumuro, reúne una selección de retratos de grandes nombres del cine y la cultura nacional e internacional. Un testimonio único y una de las más completas recopilaciones de la obra del fotógrafo gallego Juliette Binoche, Manolo Blahnik, Pedro Almodóvar, Antonio Banderas, Penélope Cruz, Rosa Regàs, Enrique Vila- Matas, Quim Gutiérrez, Carmen Maura o Isabel Coixet son algunos de los cientos de personajes que Outumuro ha retratado en los últimos años.

Segunda Edición de PHotoESPAÑA Santander

Además, a partir de octubre la fotografía volverá a inundar las calles de Santander con la segunda edición de PHotoESPAÑA Santander 2020, con un programa completo que incluirá Sección Oficial, Sedes Invitadas, la implicación de las galerías de arte de la ciudad en el Festival OFF y actividades para público y profesionales.

 

Entre las propuestas confirmadas para esta segunda edición, la Sección Oficial contará con siete exposiciones en museos y centros de arte de la ciudad y con una propuesta al aire libre. Ciuco Gutierrez, Carmen Calvo, Juan Uslé, Rosell Messeguer, Jorge Yéregui, Jordi Socías y Eduardo Rivas, serán algunos de los autores que participarán con muestras individuales en espacios como el Ayuntamiento de Santander, la Biblioteca Central de Cantabria, el Centro de Documentación de la Imagen de Santander, el Palacete del Embarcadero o el Centro de Arte Faro de Cabo Mayor. Por su parte, el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria volverá a presentar sus fondos en una muestra colectiva en el CASYC.

 

Entre los programas para públicos se llevará a cabo una nueva edición de ¡retrátate! en el Instituto Municipal de los Deportes que posteriormente volverá a llenar las calles de la ciudad. Y entre los programas profesionales, el visionado de porfolios que permitirá a los seleccionados por el jurado, la participación en la próxima edición de Descubrimientos PHE.

  

PHotoESPAÑA DIGITAL

 

Tiempo detenido. Memoria fotográfica del confinamiento

 

 

Fundación ENAIRE y PHotoESPAÑA reúnen en Tiempo detenido, Memoria fotográfica del confinamiento el trabajo de cuarenta fotógrafos que exploran la experiencia del confinamiento en España a través de diferentes miradas y voces narrativas. Un proyecto colectivo en formato de libro y también en exposición digital, que reunirá en la web del festival estos trabajos.

 

El confinamiento y la situación de crisis mundial provocada por la pandemia del coronavirus han dado un nuevo sentido a términos como urgencia, ausencia y tiempo. En un mundo detenido por la enfermedad, la urgencia y el aislamiento, las fotografías del proyecto nos hablan de la quietud y la inquietud, de una velocidad emergente y otra más lenta y pausada, de un tiempo interior y otro exterior. La vida en suspenso ha arrollado nuestras prisas y ha dejado imágenes que pasarán a formar parte de nuestra memoria.

 

Tiempo Detenido es memoria y testimonio, de carácter poliédrico y transversal, abordado desde diversos puntos de vista que genera diferentes temáticas como la espera, la emergencia, el vacío, la enfermedad, la muerte, la familia, la solidaridad, la urgencia, la esperanza, etc. a través de la fotografía. Se trata de un homenaje a la narración de vidas y a la suspensión del tiempo, además de un reflejo de un estado anímico y mental que oscila entre el olvido de uno mismo y la conciencia de sí mismos. El tiempo que habita en las imágenes que permanecen en la memoria. E l proyecto, cuenta con trabajos realizados por 40 fotógrafos en los últimos meses durante el confinamiento, desde que se decreta el estado de alarma el pasado 14 de marzo en España. La investigación y localización de trabajos realizados por los fotógrafos ha corrido a cargo de Eduardo Nave –él mismo ha fotografiado un Madrid desierto-.

 

PHotoESPAÑA y Fundación ENAIRE han hecho la selección final de trabajos y autores, entre los que se encuentran Carlos Spottorno, Estela de Castro, Gianfranco Tripodo, Jorquera, Lurdes R. Basolí, Manu Bravo, Paola de Grenet, José Colón, Juan Millás, Judith Prat, Rafael Trapiello, Samuel Aranda y Anna Surinyach, entre otros.

 

Los trabajos reunidos son de carácter documental, pero también otros nos hablan de ensoñaciones y anhelos. El público podrá votar el mejor trabajo, que recibirá un premio de 3.000 euros.Los trabajos se mostrarán en la web del festival y una selección en un libro editado por La Fábrica y Fundación ENAIRE en el que las imágenes estarán acompañadas por las reflexiones de Elvira Lindo, Carlos del Amor y Mireia A. Puigventós.

 

El Festival OFF llega a toda España con más de un centenar de galerías

 

Un año más y de manera muy especial PHotoESPAÑA quiere reconocer el importante trabajo de las galerías de arte como impulsoras del mercado fotográfico.

 

El mercado del arte el otro de los sectores que ha visto detenido su actividad de forma total y abrupta en los últimos meses y en este sentido PHotoESPAÑA ha querido reunir en el Festival

OFF no solo a las galerías de Madrid, sino a cualquier galería de todo el territorio nacional que quisiera sumarse al proyecto.

 

PHotoESPAÑA plantea un desarrollo digital del Festival OFF, convirtiendo la web del Festival en una plataforma de difusión y punto de encuentro entre las galerías españolas.

 

Así el Festival OFF contará con las propuestas de 105 galerías que han presentado el trabajo de uno de sus artistas que se expondrá en una muestra virtual en la página del festival.

 

Con esta iniciativa PHotoESPAÑA quiere colaborar en el relanzamiento del sector de la fotografía contemporánea y apoyar a los autores, proporcionándoles un nuevo canal en el que dar visibilidad a sus trabajos.

 

Participarán en el Festival OFF galerías de Alicante, Almagro, Barcelona, Bilbao, Castellón, Gijón, Las Palmas, León, Madrid, Málaga, Oviedo, Palma de Mallorca, Santander, San Sebastián, Santiago de Compostela, Sevilla, Tenerife, Valencia y Zaragoza.

 

PROGRAMAS PROFESIONALES Y ACTIVIDADES PARA PÚBLICOS

 

Junto con su vertiente expositiva PHotoESPAÑA 2020 volverá a contar con un espacio para los profesionales y todos aquellos que quieran dedicarse a la fotografía en la Semana Descubrimientos, que este año se celebrará el 28 y 29 de septiembre en PIC.A. Escuela Internacional Alcobendas PHotoESPAÑA. Descubrimientos cuenta con el apoyo del Institut d´Estudios Baleàrics – IEB.

 

Entre las propuestas para públicos, el Foro PHotoESPAÑA - Comunidad de Madrid se convertirá en un espacio físico y virtual donde fotógrafos y público pueden establecer relación directa por medio de exposiciones y encuentros para “hacer”, “hablar”, “escuchar” y “estar” con la fotografía.

 

De la mano de la Fundación Banco Sabadell se celebra una jornada de proyecciones nocturnas en la plaza de Colón con el proyecto Proyectar el regreso, de Javier Riera.

 

El Espacio Fundación Telefónica, por su parte, acogerá las jornadas El poder de la imagen. El valor de la fotografía como herramienta para la transformación social. Un espacio virtual

donde compartir proyectos y trabajos que ponen el valor de la fotografía como

una herramienta de transformación e integración social. Una serie de diálogos con

diferentes agentes que desde ámbitos como la práctica artística, la educación, la comunicación, la reflexión o la ciencia, trabajan con la fotografía para abordar problemáticas sociales.

 

Durante el mes de noviembre, de la mano del Cabildo de Lanzarote se llevará a cabo un PHotoWalk, una actividad participativa y de formación organizada por el Festival.

 

LAS SEDES DE PHE

 

Casa Árabe / Casa de América / CentroCentro / Centro Cultural Galileo / Círculo de Bellas Artes / Comunidad de Madrid. Espacios para el Arte. Sala Canal de Isabel II. Sala El Águila / Espacio Fundación Telefónica / Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa / Fundación Mapfre /Museo ICO / Museo Lázaro Galdiano / Museo Nacional del Romanticismo / Tabacalera. Promoción del Arte / Convento de Santa María la Rica. Alcalá de Henares / Centro de Arte Alcobendas / La Lonja. Zaragoza / Palacete del Embarcadero. Santander / Centro de Documentación de la Imagen de Santander / Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria / Biblioteca Central de Cantabria / B the travel Brand / Instituto Cultural de México en España / Instituto Iberoamericano Finlandia / One Shot Hotels / Real Sociedad Fotográfica

 

 

ORGANIZADORES Y COLABORADORES

 

PHotoESPAÑA 2020 es posible gracias al apoyo, patrocinio y colaboración de casi 50  entidades públicas y privadas

 

Ministerio de Educación Cultura y Deporte / Comunidad de Madrid / Ayuntamiento de Madrid / Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación. Cooperación Española / Acción Cultural Española / Ayuntamiento de Alcalá de Henares / Ayuntamiento de Alcobendas / Ayuntamiento de Santander / Ayuntamiento de Zaragoza / Cabildo de Lanzarote. Centros de Arte, Cultura y Turismo / Gobierno de Cantabria / Puerto de Santander / Fundación Banco Sabadell / Fundación Canal / Fundación ENAIRE / Fundación ICO / Fundación Mapfre / Fundación Telefónica / Fundación Ankaria / Fundación Santander Creativa / Acciona / Iberia / Casa de Velázquez / Embajada de Portugal. Camões - Instituto da Cooperação e da Língua / Institut d'Estudis Baleàrics / Instituto iberoamericano de Finlandia / Programa Europa Creativa de la Unión Europea / Universidad Complutense de Madrid / Brizzolis / El Corte Inglés / One Shot Hotels / Sago packaging / Aesthetica / Aperture  / ARTE / British Journal of Photography / El Independiente / El País / GUP / Neo 2  / photograph / The History Channel / Tribe /Universal

 

04/07/2020 04:47 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

DE FELLINI Y JOSÉ LUIS VILALLONGA

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https://www.heraldo.es/noticias/ocio-y-cultura/2020/06/18/federico-fellini-y-jose-de-luis-villalonga-un-dialogo-cuento-de-dos-hipnotizadores-1381061.html?fbclid=IwAR2MvrXuTr5XRe1Q492p2mArDiCd4wawTR6dhZX6IsrCptY4bISrWKBVtzI

 

Federico Fellini y José de Luis Villalonga: un diálogo-cuento de dos fabuladores / hipnotizadores de la palabra

 

Elba publica una larga conversación del periodista, actor y aristócrata con el cineasta alrededor de la infancia, el mar, el cine, el amor

 

 

El pasado 20 de enero se cumplía un siglo del nacimiento de uno de los grandes magos del cine: Federico Fellini (Rímini, 1920- Roma, 1993), autor de películas tan diferentes como ‘Il Vitelloni’, ‘La dolce vita’, ‘La strada’, ‘Casanova’, ‘Ocho y medio’ o ‘Amarcord’. En 1972, José Luis de Vilallonga (1920-2007), y también estamos en su centenario, publicó en francés un libro de entrevistas, ‘Gold Gotha’, que se tradujo en España en Barral editores en 1974. Entre los textos figuraba una pieza excepcional: ‘Los espíritus de Fellini’, una entrevista-relato que acaba de reeditar en solitario el exquisito sello Elba, que dirige desde Barcelona Clara Pastor.

El prologuista Ernesto Hernandez-Busto define el texto como una entrevista-relato. Y lo es, desde el principio al final. Es como un cuento de ese formidable narrador que es Fellini, que explica muchas cosas de su vida, de su cine antes de que se dedicase al cine, de su forma de ver el mundo: la infancia, los padres, la ciudades (Rímini y Nápoles, Florencia y Roma), los primeros amores, la fascinación por los culos de las mujeres y ese mito privado de La Saraghina, tan vivo en ‘Amarcord’ (dice Fellini: “Después de la Saraghina, solo he amado de manera serena a mujeres de gran trasero”), los cementerios y la muerte, el fascismo, el cómic, la caricatura o Giuletta Massina, la mujer de su vida.

¿Cómo se hizo esta diálogo de cuento, este reportaje fascinante? Parece una minuciosa elaboración que quizá el propio Fellini revisase. A Villalonga, un gran memorialista, también era aristócrata y actor (aparecía en ‘Giuletta de los espíritus’), Fellini lo llamaba Luigini y debían citarse a cualquier hora y en cualquier circunstancia: en medio de un rodaje, en un bar, en un paseo, pero también el cineasta lo llamaba a horas intempestivas para acotar un recuerdo, una imagen o unas cuantas ideas.

Fellini dice que no inventa nada, pero se maneja a las mil maravillas en “la trampa del cuento fabuloso”, como apunta José Luis. Casi resulta difícil creerlo. Envuelve su vida en hechizo permanente, en puro deslumbramiento. Su existencia resulta tan excepcional como un cuento de hadas o de puro pánico, especialmente en relación con los sacerdotes y la iglesia. “Federico Fellini cuenta como se contaba antaño. Pausadamente. Maravillado. Tiene gestos que sirven para abrazar el mundo y miradas secretas que le sirven para ocultar su corazón. Son los gestos y miradas de un mago hipnotizador, o los de un trágico desiluisonado que se burlara con gracia de la verdadera trascendencia de su relato”. Agrega: “Cuenta salmodiando. Como una plañidera árabe o un bufón turcomano. ¿Sueña con los ojos abiertos? ¿Miente con toda su alma? ¿O tiene, sin más, reminiscencias, viejos sueños encantados de esos que se guardan toda la vida en algún cajón secreto de uno mismo”.

Rímini está vinculada a Ariosto y a Dante. Y a los nombres de los aristócratas italianos, que el niño repetía por las esquinas como un poema. Habla de la fascinación que sentía por el mar, el “mar-mujer. Más fuerte que los hombres que lo surcan. Más fuerte que su desconfianza”, ese espacio que será el territorio de acogida de “mujeres muy altas, con ojos de porcelana, rubias cabelleras al viento, muslos dorados, vientres planos y pechos firmes ya se bañan de mañana en el mar glacial”. Explica su fascinación por el ‘vitellone’, “indolente, pesimista por naturaleza, desilusionado, soñador en cierto modo, un sabio que desprecia la filosofía"-, es un producto típicamente italiano”, que sería el equivalente al señorito español; le dedica varias páginas y dice que eran sus “amigos de infancia”, una infancia dominada por tres elementos: “el Mar, el Circo y la Iglesia”.

Narra sus sueños (soñó durante una época con una “diosa enigmática” y años después llegó a su vida: era Anita Ekberg), describe la vida licenciosa de los turistas, la relación con su padre, que al final de su vida se convirtió “en un ferviente admirador de mis películas”, o la figura de su tío Alboino, interesado por el ocultismo.

Las páginas dedicadas a la misteriosa Saraghina, que era un espectáculo para los niños, son extraordinarias. Un cuento fantástico donde se alían el despertar, el asombro, la desmesura y la curiosidad del erotismo. La mujer del culo más grande del mundo, que lo exhibía ante los chicos, también cosía y descosía redes, y tenía “una voz de niña. Un hilo de voz. Muy puro, muy claro, muy tierno. Por un instante amé a la Saraghina”. Con ella, confiesa, descubrió el pecado a los ocho años. Fellini, consciente tal vez de que su copioso anecdotario no es fácil de asimilar, dice a su interlocutor: “¡Te juro que soy absolutamente incapaz de inventar!”.

Otro de los episodios que conmueven es cuando cuenta el entierro de su abuela y recorre la paz del cementerio. Allí descubrió “un mundo donde todo es posible, digno, fácil y tranquilizador. El mundo de los muertos”. Agrega: “Para mí, la Muerte debe suponer un nuevo comienzo. ¿Cuál sería, de lo contrario, el significado de nuestra vida? Volví muy a menudo al cementerio de mi abuela. Continúa siendo el mismo oasis de paz y de olvido. El lugar ideal para meditar y soñar. Quizás, también, el único lugar sobre la tierra donde conocía instantes que rozaron la perfección”.

Su historia de amor con Bianchina, su primera novia, es conmovedora. Es embrujo, pasión y desilusión, una auténtica película de las ilusiones de la adolescencia. Dice: “A Bianchina le gustaban los cuentos con locura. Descubrí con éxtasis que la vida es más real cuando se cuenta que cuando se sufre. Así que yo contaba y contaba… Bianchina me escuchaba, asombrada”. Y una conclusión que extrae de aquella experiencia a los quince años, que incluye fuga de casa y un viaje en tren: “Comprendí, de manera misteriosa, que el amor que se siente hacia una mujer es directamente proporcional a la fascinación que ella siente por nosotros. Si la admiración mata al amor, porque es fruto de la razón, la fascinación lo exacerba, porque procede del alma”.

Los espíritus de Fellini’ avanza y avanza con una atmósfera mediterránea de ‘Las mil y una noches’. Y se cierra sin que casi aparezca el cine. Antes hubo muchas más cosas: el dibujo, la caricatura, la publicidad, el periodismo, Mussolini, y una inesperada aparición femenina: Giulietta Masina, a la que amó de inmediato tras escucharla en la radio.

Una última confesión que es en sí misma un poema: “Me gusta tanto la noche. La noche es la parada definitiva de las inquietudes de la vida. Imagino la muerte parecido a esto, con estrellas, árboles, una luna siempre redonda y casas habitadas por espectros discretos”. En este libro, breve y magistral, esos espectros hablan todos en la voz de Fellini y de Villalonga, que es, por lo menos, un testigo muy activo, “contradictorio, esteta, vividor”, y unholgazán que trabajaba mucho”, tal como lo definió el poeta y crítico literario Luis Antonio de Villena.

 

LA FICHA

Los espíritus de Fellini. Un café en Piazza Navona’. José Luis de Vilallonga. Traducción de Eduardo Gudiño Kieffer. Prólogo de Ernesto Hernández Busto. Elba. Colección Minor. Barcelona, 2020. 117 páginas.

 

19/06/2020 08:31 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'BLANCO, NEGRO Y MAGENTA', NÚMERO 7

Tras un breve paréntesis, codirigida por Concha Mayordomo y Dora Román, con Rebeka Elizegi en el diseño gráfico y la maquetación, la revista de la Asociación de mujeres artistas Blanco, Negro y Magenta reaparece con un número 7 dedicado a ‘Las Collagistas’ y mantiene sus secciones habituales en los diferentes capítulos o Salas, siempre dedicados a cuestiones de artistas mujeres y desde la perspectiva de género.

 

Además de la entrevista a Esther Ferrer, realizada por Concha Mayordomo, y con firmas tan interesantes como Susana Blas y Esther Tauroni, esta edición revisa las últimas actividades de Blanco, Negro y Magenta, nos invita a conocer el taller de Rebeka Elizegi y descubre a Mara Sancho, una de las artistas más jóvenes de la BNM, al tiempo que incluye un homenaje a Mabel Martínez en el que colabora Miguel Ángel Hernández.

 

 

Pueden consultarla en el enlace https://issuu.com/magentasweb/docs/bnm_la_revista_7

08/06/2020 23:07 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

MUERE FERNANDO S. M. FÉLEZ

https://www.heraldo.es/noticias/ocio-y-cultura/2020/06/08/muere-el-pintor-fernando-s-m-felez-retratista-personal-de-fernando-arrabal-1379266.html

Mi padre era navarro y mi madre, aragonesa. Mi padre era comisario de policía, y yo me fui de aquí, con año y medio, a Barcelona, donde viví hasta los 25 años. Entonces, gané una beca artística de los castillos del Loira, y me quedé enamorado de París. Estuve a punto de regresar a Zaragoza, pero seguí allí. Ahora, ya es tarde”, decía en el otoño de 2007 el pintor Fernnado San Martín Félez, nacido en Zaragoza en 1930 y fallecido esta misma semana. Exponía entonces una selección de su obra en el Torreón Fortea. Era un pintor muy peculiar, de estirpe surrealista y ‘pánica’, gran admirador de Salvador Dalí, de quien fue amigo, y durante años el pintor personal de Fernando Arrabal: le hizo al menos quince cuadros donde el dramaturgo coprotagonizaba cuadros clásicos, reelaborados por Fernando San Martín Félez, o puramente inventados con una caracterización mágica o alegórica, donde ejercía de director de cine, de ángel o de criatura más o menos mitológica.

A San Martín le gustaba decir que esa dedicación empezó tras una cita en París: “Fui pintor abstracto durante unos diez años. Veía que con varios amigos abstractos hacíamos cosas muy parecidas, en la estética del tachismo, que estaba de moda. Pero Fernando Arrabal me desafió. Vio una exposición mía, comentó que mis cuadros no estaban mal, y me dijo en 1958 que yo no sería capaz de hacer una obra figurativa. “¿Quieres un hacer un retrato mío?”. Cuando volvimos a vernos yo ya tenía un retrato suyo, y le gustó mucho. Me sugirió que como en la abstracción me conocían como Sanmartín que cambiase el nombre por S. M. Félez, “Su Majestad Félez”, dijo Arrabal con su habitual humor. Dicho y hecho”.

Trabajó con y para él durante bastantes años, entre otras cosas porque siempre ha defendido la obra de encargo. Y apostó por una línea figurativa, un tanto hiperralista, en la que abunda la paradoja, el desnudo, el diálogo de la modernidad y el clasicismo, dentro siempre de una pintura narrativa, con excelente mano para el dibujo y el retrato. Y conectó, por igual con el movimiento ‘pánico’ -protagonizado por Arrabal, Topor y Jodorowsky- que con un surrealismo personal. Decía S. M. Félez: “Me interesó mucho esa estética, pero la parte surrealista y sensual, el humor y la alegoría, la crítica de la sociedad, no la escatología ni el horror ni la sangre. A mí me interesa más el universo de la mujer y la parte social o de compromiso de la pintura”.

Hacia 1993 regresó definitivamente a España y se instaló en el Ampurdán, donde acaba de fallecer. En 2007 decía: “Me inspiro en la realidad y en ella me afirmo, aunque creo elementos de ficción. Doy importancia a la técnica porque yo explico situaciones un poco absurdas, poco claras, como los sueños. E intento plasmar la contradicción entre la vida urbana y la belleza clásica. Sigo siendo inconformista”

Uno de sus grandes especialistas es el poeta y editor Raúl Herrero, que le publicó en 2008 en Libros del Innombrable la monografía ‘SM Félez. Pinturas, grabados, dibujos’. Fueron, además, grandes amigos. “S. M. Félez fue un pintor precoz. Recuerdo un bodegón que había pintado de muy niňo con una perfecta factura formal. En su juventud se inclinó por la abstracción. Su relación con Arrabal, que le encargó varios cuadros figurativos, le hizo derivar hacia su estilo más representativo: un arte figurativo impulsado por una técnica sobresaliente en unos ambientes mágicos”.

Herrero lo visitó varias veces en su casa. “Sí. Me contó anécdotas de su vida intensa y siempre centrada en el arte. Tuvo ocasión de conversar con Dalí de igual a igual, de cenar con Orson Welles, de jugar al billar con Joan Ponç todas las tardes durante aňos... Era una persona generosa, brillante, un artista que conservaba una parte de artesano, de alquimista que trabaja con los colores. Fui muy feliz en su compañía, aprendí mucho y en su presencia siempre me sentí en casa. Recuerdo que Arrabal me dijo que Félez era incapaz de mentir y que admiraba la franqueza con la que siempre se expresaba”.



 

08/06/2020 08:23 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

DIÁLOGOS EN CAUTIVIDAD CON GAIZKA URRESTI

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https://www.heraldo.es/noticias/ocio-y-cultura/2020/05/31/gaizka-urresti-una-pelicula-es-un-viaje-de-aprendizaje-y-crecimiento-personal-1377892.html

 

Gaika Urresti (Bilbao, 1967, pero es de Portugalete) es guionista, productor y director de cine. Ha dirigido, entre otros títulos, los cortos ‘Un dios que ya no ampara’, ‘Abstenerse agencias’ (Premio Goya) y ‘El trastero’, el largometraje ‘Bendita calamidad’ y varios documentales, entre ellosArizmendiarrieta, el hombre cooperativo’ y ‘Aute Retrato’, que ha sido el último.

Como ciudadano, ¿cómo define estos casi 80 días de confinamiento? ¿Cómo los ha vivido?

No quiero quejarme porque hay mucha gente que lo ha pasado mal. Yo me siento un afortunado porque nadie de mi entorno ha sufrido la enfermedad, he estado con mi mujer y nuestro hijo en una casa suficientemente amplia y tenemos trabajos que hemos podido seguir desarrollando. Como todos, si tengo incertidumbre sobre los efectos de esta crisis en los próximos años pero, si algo bueno tiene la edad, es haber pasado por otros momentos de dificultades y la lección es que siempre se sale. Nos iremos enfrentando a cada situación en su momento. Más que preocuparnos creo que debemos ocuparnos.

Si no se paró el mundo, se ralentizó todo y apareció un miedo colectivo y no sé si irracional. ¿Qué pensó, qué teorías o reflexiones se le pasaron por la cabeza?

La verdad es que no sé si por inconsciencia o por optimismo nunca he sufrido ese miedo colectivo. Si es cierto que las primeras veces que salí a la calle para ir a correos en Independencia tras 20 días, las sensaciones físicas eran extrañas, de cierta irrealidad. No obstante, la reflexión que me surge después de estos 80 días ya la sabía; que hay tantas cosas que hacer y de las que disfrutar que harían falta muchas vidas para poder hacerlas todas.

Por otra parte, ¿qué puede hacer un hombre tan público y activo como usted, enclaustrado?

Pues la verdad que no he parado. Al principio era muy optimista con el tiempo de ocio para poder disfrutar de lecturas y películas pendientes pero no he tenido tanto tiempo como me hubiera gustado. He estado montando el documental sobre Labordeta, colaborando con otras Federaciones de productores en propuestas para Hacienda y Cultura para salir de la crisis, con entrevistas con las instituciones aragonesas para que se convoquen las distintas líneas de apoyo que estaban previstas, poniendo mis películas en Amazón Prime, vendiendo por Internet la película sobre Aute y a las televisiones públicas de México y Argentina, registrando mis obras pendientes en la SGAE y EGEDA incluso he estado mirando cómo producir contenidos on line desde casa, y lo que más me ha ocupado han sido las clases de mi hijo Jon de 8 años. Tener que ejercer de profesores de nuestro hijo compaginándolo con el teletrabajo ha sido muy estresante.

¿Cómo se ha proyectado en las redes? Daba la sensación de que no ha tenido descanso…

No tengo yo esa percepción. Frente a la presencia en las redes he potenciado el contacto a distancia con Skype o teléfono de amigos y seres queridos. Por ejemplo he procurado conectarnos todos los días con mi madre en Portugalete porque ella estaba sola. Las redes solo las he utilizado para informar de actividades profesionales y sobre todo he intervenido en medios de comunicación con motivo del fallecimiento de Luis Eduardo Aute y del estreno en televisión de Aute Retrato por ese motivo.

El cuatro de abril, en plena crisis ya, moría Luis Eduardo Aute. ¿Cómo lo despedió?

Pues fue muy triste el que se nos haya ido definitivamente en estas circunstancias tan ‘apocalípticas’, sobre todo porque no ha habido la ocasión de despedirle públicamente como se merece. No obstante, las muestras de cariño y de respeto en las redes sociales fueron espectaculares. Yo aproveché la página de Facebook de la película y los medios que me ofrecieron colaborar para agradecerle a nivel personal haberle conocido y en nombre de todos por la poesía que nos ha regalado.

¿Qué le ha dado ese proyecto? ¿De qué modo entiende mejor la complejidad de España, de la creación y no sé si de la Transición?

Muchas cosas. Fue muy gratificante que muchas personas, gracias al pase de la película en Cuatro al día siguiente de su muerte, me comentaran que había sido un bálsamo al dolor por su pérdida. La película, a parte de la acogida en términos numéricos de espectadores en salas (mas de 10.000 espectadores siendo el documental español con más espectadores del año y en televisión más de 670.000 en España y 265.000 en México), en múltiples espectadores ha ocasionado muchas muestras de cariño y más que felicitarme por la película me lo han agradecido personalmente. Para mí, una película siempre es un viaje de aprendizaje y crecimiento personal. En mi documental anterior ‘El hombre cooperativo’ repasaba el viaje desde la Euskadi rural de 1915 hasta la llegada de la democracia en 1975 a través de la vida de Jose María Arizmendiarrieta. Con Aute se abordan también el tardofranquismo, los años 70 y los 80.

¿Le dolió no recibir ni el Forqué ni el Goya?

Pues si, pero especialmente el Goya por Aute. Luis Eduardo siempre quiso pertenecer al mundo del cine desde su juventud. Era académico. Estuvo nominado con “Un perro llamado dolor”, ha hecho unas películas poéticas muy personales que yo creo que no han sido suficientemente valoradas y nos ha regalado un himno como Cine, Cine, Cine. Creo que era la última oportunidad de sus compañeros de agradecérselo en vida. Yo espero tener nuevas oportunidades de estar ahí nominado pero él ya no las va a tener.-¿Qué es lo más fascinante de hacer un documental o una película? ¿La documentación, el repaso a una épcoca, el contexto?

Todo el proceso no exento, parafraseando a Almodóvar, del dolor y la gloria. Hay muchos momentos de trabajo en soledad, de dudas, de riesgo tanto económico como emocional y también de luz, de descubrimiento. En esta ocasión he podido acercarme a personas a los que en cuando era un adolescente en mi villa natal, jamás hubiera soñado conocer. Primero a el propio Aute pero luego, Víctor Manuel y Ana Belén, Sabina, Serrat, Silvio Rodríguez. Jaime Chávarri, Antonio Escohotado, etc…

¿Por qué es tan difícil hacer cine? Uno se pasa años preparando una película, trabaja, busca dinero, ultima guiones, les da cien vueltas, y luego debe rodar a toda pastilla…

El cine es algo que no puedes hacer solo en tu casa. Necesitas del concurso y el talento de mucha otra gente y de mucho tiempo. Por eso es caro y financiarlo, a pesar de las ayudas, no es nada fácil. Hay mucha gente queriendo hacer cine y pocos recursos para todos, por lo que la competencia es brutal. El rodaje es la parte en la que intervienen más personas, la más cara, por eso se debe hacer en menos tiempo. Puede parecer un tanto frustrante que después de tantos años, esa fase tan sociable y estimulante se termine en 6 o 7 semanas. Quizás el documental en ese sentido sí es más autónomo. Con un equipo de personas más pequeño si te puedes permitir estar toda una tarde con un entrevistado mas allá del tiempo de la grabación y eso es muy enriquecedor.

En España se han interrumpido 300 rodajes, dicen las crónicas. ¿Qué va a pasar?

El cine, afortunadamente tiene otras ventanas a parte de las salas de cine. Durante la pandemia la gente ha consumido más historias que nunca sin salir de su casa. Por eso, a pesar del parón en los rodajes y en las salas de cine, puede retomar su actividad con las oportunas medidas sanitarias preventivas desde ya. Si va haber un tapón en los estrenos en salas de cine. Cada fin de semana se estrenan entre ocho o diez títulos cada fin de semana y los cines llevan diez semanas cerrados. Por ello nos encontramos con 200 películas sin estrenar mas las que lleguen en otoño y además con las salas limitadas en el aforo. Esperemos que la gente le quite el miedo al ir al cine y se recupera la pantalla grande como primera ventana.

Estaba con un proyecto importante para Zaragoza, Aragón y probablemente España. ‘Labordeta. Un hombre sin más’. ¿Qué le está dando este rodaje? ¿Qué ha descubierto del personaje y de los aragoneses?

Pues de nuevo un viaje personal de conocimiento. La posibilidad de acercarme a alguien fascinante y admirado ahora que ya no está entre nosotros. Y además hacer este viaje con su familia, con su viuda Juana, sus hijas Ana, Ángela y Paula, y sus nietas Marta y Carmela, es muy emocionante. Conocer al hombre detrás de la leyenda. Yo creo que Labordeta personaliza la identidad de Aragón por su carácter “suave como la arcilla, duro de roquedal” y el humor somarda.

Estamos a punto de celebrar los cien años de Miguel Labordeta, que parece un aragonés que suena mucho y a la vez es el aragonés tapado, y que ha salado mucho en sus grabaciones. ¿Qué nos querría decir de él?

No me es tan cercano como su hermano. También por la Zaragoza en la que vivió de los 50 y los 60 que me es ajena. Siempre me ha parecido interesante por ser el referente de Jose Antonio en muchas cosas en la vida, pero, sinceramente, no soy un experto en su poesía.

¿Cómo se llega a influir tanto en una comunidad como lo hace usted? Estás muy bien conectado con el Gobierno de Aragón, con Aragón TV, con los productores ¿Es por su implicación, por su sentido de la autoestima, por pasión, porque Aragón es tierra de acogida?

La verdad que siempre me he sentido muy bien acogido en Aragón. Todos esos contactos son fruto de mi trabajo continuado. Tanto el personal como el colectivo a través de APROAR, la Asociación de Productores Independientes Aragoneses que presido. Sinceramente, creo que el trabajo asociativo y la cooperación son importantes para el desarrollo de un sector, en este caso el audiovisual. En ese sentido sí soy crítico con que Aragón es una tierra de grandes individuales pero el agruparse por un bien común cuesta algo más. Quizás es fruto de la dispersión territorial y la poca población. Por eso fueron tan emocionantes movimientos como la lucha contra el trasvase o ahora contra la despoblación.

¿Ha cumplido y cumple la Televisión Autonómica sus expectativas?

Creo que tardó en llegar pero era necesaria. Ha conseguido vertebrar el territorio, que los de Teruel sepan de los de Huesca, más que muchos departamentos de la administración pública, igual que lo hizo Jose Antonio Labordeta en los años 70 con sus canciones. Tuve la fortuna de ser de los primeros en trabajar en su creación en 2006 y 2007. Fueron años muy emocionantes. La crítica que siempre le he hecho ante todos los directores generales es la falta de cumplimiento de la ley del audiovisual por la que debería invertir el 6% de su presupuesto en producción cinematográfica. Esperemos que con la transposición de la directiva europea que se va a hacer en estos meses, el propio Estado sea mejor cumplidor de sus propias leyes.

¿Cómo se llevan el productor y el director, en qué coinciden y en qué se pelean?

El hecho de ser productor de mis propias películas permite que pueda dirigirlas por lo que, a pesar del enorme trabajo que supone producir, le tengo que estar muy agradecido a mi yo productor.

Si tuviera que mirar el sector del audiovisual en Aragón. ¿En qué vamos bien, cómo somos, de qué se puede presumir? -¿Qué nos falta y qué es apremiante resolver?

En el audiovisual aragonés somos pocos y muy pequeños pero también nos conocemos todos y creo que hay una voluntad de las administraciones y de los cineastas de remar juntos en la misma dirección de forma honesta. Quizás nos falta algo de ambición para encarar proyectos más grandes. A veces que el tema sea aragonés pesa excesivamente frente a que sea una película hecha desde Aragón. A mí me pasó con ‘Aute Retrato’ que me costó un par de años conseguir ayudas del Ayuntamiento, DGA y Aragón TV a pesar de que contaba con una televisión nacional y el Ministerio de Cultura. Luego ha sido una película que ha llegado muy lejos en premios y en públicos nacionales e internacionales y ha llevado el nombre de Aragón lejos.

¿Se puede hacer cine sin besos, ni abrazos, sin escenas de sexo?

En Bollywood lo hacen, ja ja. Dependerá de la historia pero el amor y el deseo es un gran tema del cine y hay cineastas en los que sería muy forzado no incluir escenas con contacto físico. Estoy pensando en Almodovar por ejemplo.

¿Cuál es su sueño cinematográfico? ¿Qué querría hacer y cómo desearía avanzar en su carrera?

Pues yo con seguir haciendo películas, a veces de ficción, otras documentales, incluso cortos, me siento realizado. Siempre pienso que mi siguiente película será la mejor. Aspiro a seguir aprendiendo este oficio de contar historias.

¿De qué vive un cineasta en Aragón, sin apenas hay industria?

Es cierto que en Aragón el crecimiento de la industria audiovisual ha comenzado mucho más tarde y de forma menos intensa que en otras Comunidades de nuestro entorno. No obstante, en los últimos años hemos ido dando los pasos entre todos para que sea posible hacer cine desde Aragón. Mis proyectos, además de la financiación autonómica cuentan con otras vías de fuera. Como ejemplo, mi última película ‘Aute Retrato’, antes de las ayudas de DGA y Ayuntamiento de Zaragoza y la colaboración de Aragón TV tenía el apoyo del Ministerio de Cultura y del grupo Mediaset. Gracias a ello, que aúno varios papeles como el de productor, director, guionista y a veces distribuidor, que soy austero y que el público responde a mis películas, puedo vivir de hacer cine desde Aragón.

¿Cómo salimos de aquí del coronavirus, del pesimismo?

Citando a Arizmendiarrieta. Hacer haciendo.

 

*La foto es de Jon Urresti Múgica.





31/05/2020 16:05 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

MUERE EL PINTOR XAVIER GRAU (1951-2020)

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https://www.heraldo.es/noticias/ocio-y-cultura/2020/05/30/muere-el-pintor-xavier-grau-que-integro-el-grupo-de-trama-con-broto-tena-rubio-y-jimenez-losantos-1377845.html

 

La noche del viernes al sábado fallecía en Barcelona el pintor Xavier Grau (Barcelona, 1951), que se inició en el arte pintando cuadros impregnados de monocromatismo geométrico. Más tarde, junto a José Manuel Broto, Gonzalo Tena, Javier Rubio y Federico Jiménez Losantos integró un colectivo, ‘Trama’, que protagonizó uno de los períodos más intensos del debate plástico español durante los años 70.

En el marco de una muestra en la galería Maeght en 1976, estos artistas presentaron el número cero de la revista ‘Trama’, que se convirtió en el manifiesto programático de una nueva concepción artística que se decantaba por la práctica pictórica como ejercicio autónomo y por la defensa de la materia y el soporte mismo.

Javier Lacruz, especialista del grupo y autor de una monografía minuciosa de rastreo e interpretación, dijo: “El grupo de ‘Trama’ fue un colectivo de intervención política, artística, literaria y crítica, muy influido por el pensamiento francés del pasado siglo; un grupo activo a mediados de los años setenta, que ejerció de punta de lanza cultural en España, que llegó a ser lo más novedoso y radical de las vanguardias de entonces. En esencia, ‘Trama’ fue un grupo de pintura, pero no solo de pintores. (Su nombre alude a la trama o urdimbre del lienzo, pero también a lo que tramaban contra la dictadura.)”

 

Muere Xavier Grau (Barcelona, 1951-2020).

 

Xavier Grau con su compañera Charo Pradas en el monasterio de Veruela en agosto de 2008.Archivo Miguel Marcos.

Grau se presentó en Madrid en 1979 en la galería Buades. Unió su vida a la de la pintora turolense Charo Pradas, de Hoz de la Vieja. No tardaría en establecer vínculos con el galerista aragonés Miguel Marcos, que lo expondría en varias ocasiones, desde 1983 que lo presentó en Zaragoza. Expuso en la sala de Banco Zaragozano en enero de 1994, y se editó un catálogo que presentaba Miguel Fernández-Cid. En 2008, bajo el comisariado de Juan Manuel Bonet, colgaría ‘Celebración de la pintura’ en el monasterio de Veruela.

Xavier Grau era un maestro de la abstracción lírica. Heredó el carácter distintivo del expresionismo abstracto, una fuente de fuerza expresiva, cargada de emotividad. Se sentía muy cercano a la Escuela de Nueva York, y se reconocía en artistas como Wilhelm De Kooning, Arshile Gorky y Philip Guston.

Su pintura se fue orientando hacia una abstracción que mantiene inalterada la tensión interna entre el color y el dibujo, sin reducir su vivacidad cromática ni el movimiento de sus superficies, que están contenidas por el ritmo de las formas que articulan su estructura interna”, explica su ficha de la galería Miguel Marcos.

Grau era un pintor del color, de la geometría y del movimiento. De la poesía hecha vibración cromática. Solía decir que siempre llevaba un cuaderno para hacer anotaciones y para trasladar intuiciones, arrebatos, ideas. Operaba sin esbozos previos y a partir de lo que se va insinuando proseguía sus piezas. Le gustaba que en sus lienzos, donde a veces asoman sutiles objetos de figuración, hubiese elementos superpuestos, intersecciones de trazos y líneas que sugerían movimiento, vida, ebullición y energía.

 

Muere Xavier Grau (Barcelona, 1951-2020).

 

Vista parcial de uno de sus cuadros, ’Imago II’. chivo Miguel Marcos. 

Uno de sus grandes estudiosos, Juan Manuel Bonet, exdirector del Centro Reina Sofía y del Instituto Cervantes, decía que sus cuadros estaban llenos “de ecos de otras pinturas en las que a veces reina el caos y súbitamente se hace la luz y todo se ordena”.

El escritor y crítico literario de HERALDO Alejandro Ratia dice: "Su pintura muestra cómo se puede llenar la abstracción de contenidos y argumentos, de diversión y misterio. Pude conocer bien su cuidadoso y barroco proceso de trabajo en Albarracín, durante las Estancias Creativas de Charo Pradas, su mujer. Cada obra exigía largo tiempo. Un modo particular de convertir el dibujo en pintura".

José Manuel Broto, compañero de ’Trama’, decía: "Estoy muy triste porque he perdido un buen amigo y un excelente pintor".

Su obra forma parte de museos y colecciones públicas como la Colección Los Bragales (Santander), Colección de Arte Contemporáneo “La Caixa” (Barcelona), MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona (Barcelona) o MNCARS Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), donde tiene dos obras. En la última edición de Arco presentó dos obras de gran formato.

 

30/05/2020 16:14 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

EL IAC SE REÚNE CON VÍCTOR LUCEA

El Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) es una asociación independiente de profesionales dedicados al arte actual que, más allá de los intereses gremiales particulares, pretende beneficiar al conjunto de la comunidad artística.

El IAC desarrolla iniciativas con el fin de favorecer la mejora y el perfeccionamiento de nuestra red institucional dedicada al arte contemporáneo, para velar por la progresiva implantación de buenas prácticas e impulsar una nueva percepción social del arte español actual.

Queremos contribuir a generar un clima de diálogo y de análisis, a través de la actividad de los grupos de trabajo sobre educación, museos, transparencia, patrimonio, proyección internacional, derechos y relaciones entre los distintos profesionales del sector (artistas, comisarios, críticos de arte, gestores culturales, educadores, mediadores, galeristas, coleccionistas) y las instituciones.

En estos grupos se procura integrar a representantes de todos los sectores y están abiertos a todos los miembros del IAC.

Las líneas principales de actuación del IAC se centran en los siguientes objetivos:

  • La implantación de buenas prácticas en museos y centros de arte: tanto en su estructura de gestión, la elección de los directores y la contratación del personal, como en las relaciones con los usuarios.

  • La transparencia en la gestión de los museos y centros de arte contemporáneo.

  • El diálogo con las autoridades políticas locales, autonómicas y estatales, en materia de arte contemporáneo. El IAC promueve propuestas políticas para la optimización de los recursos públicos e interpela a los responsables políticos, cuando se producen incumplimientos graves de sus obligaciones en esta materia.

  • El impulso a la promoción internacional del arte español contemporáneo, mediante la detección de carencias, la demanda de coordinación entre los diferentes organismos con competencias en este campo y la creación de una plataforma de información y de intercambio, que promueva el debate y favorezca una mayor presencia en los organismos que intervienen en la generación y gestión de programas y políticas culturales, en materia de arte contemporáneo.

  • La reflexión sobre la noción de patrimonio público. Elaboración de propuestas para fomentar el enriquecimiento de las colecciones públicas, mediante adquisiciones, daciones y donaciones.

  • El estímulo hacia el patrocinio, que dependerá de la capacidad del arte para generar una conciencia social, una ilusión de futuro, y de la mejora de las condiciones fiscales para ejercerlo.

  • La elaboración de un completo estudio sobre la educación artística, desde la escolar a la universitaria, para señalar sus carencias y reconducir su sentido. El IAC hará frente a la progresiva difusión de la “cultura empresarial” en la educación y en las instituciones artísticas. Nos preocupa la débil relación entre el mundo académico y la comunidad artística de la que debería formar parte, y buscaremos formas de crear
    vínculos.

  • Lograr un acuerdo generalizado sobre las buenas prácticas en las relaciones entre artistas, comisarios, educadores, gestores culturales, mediadores, galeristas, coleccionistas y museos, centros o instituciones.

  • Regular la actividad de todos los profesionales del sector del arte contemporáneo, para lograr que sus condiciones de trabajo sean dignas, transparentes y acordes con las buenas prácticas.

  • Abrir un debate sobre el tratamiento de la información en materia de arte contemporáneo y sobre su presencia en los medios de comunicación, para lograr un mayor acercamiento entre los profesionales y el público.

  • Por último, el IAC promueve desde su fundación políticas de actuación conjunta con las otras asociaciones de profesionales del sector que favorezcan la racionalidad y la transparencia en la gestión de los recursos públicos dedicados al arte contemporáneo, y la visibilización, nacional e internacional, del arte español contemporáneo.

Financiación

El IAC se ha financiado hasta el momento exclusivamente con las cuotas de sus socios. La gestión económica ha sido acorde con los ingresos, de manera que la asociación carece de deudas o compromisos de pago que no pueda cumplir. Ni los miembros de la Junta Directiva ni las personas que forman parte de los grupos de trabajo perciben ninguna remuneración.



LA NOTICIA

Ayer, 20 de mayo, la presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC), Marta Pérez Ibáñez y los profesionales Alejandro Ratia (crítico de arte y comisario), Joseba Acha (galerista), Enrique Carbó (artista) y Juan Guardiola (gestor cultural), en representación del IAC Aragón, se reunieron con el director general de Cultura, D. Víctor Manuel Lucea Ayala.

 

En esta reunión preliminar, los representantes del IAC expusieron en detalle los graves problemas del sector recogidos en el  documento El arte contemporáneo aragonés ante la crisis del COVID” elaborado por el Grupo Territorial del IAC en Aragón con la adhesión de AACA (Asociación Aragonesa de Críticos de Arte) y de la GACA (Galerías de Arte de Aragón) y que se había hecho llegar previamente al  director general de Cultura.

 

El IAC reclamó una actuación urgente de los poderes públicos clave para decidir el incierto futuro de un sector que es considerado estratégico por el gobierno autonómico, así como que se mantenga el compromiso con el Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte, firmado por el Gobierno de Aragón y el Instituto de Arte Contemporáneo.

 

Medidas:

 

  1. Necesidad de un diagnóstico del impacto de la crisis en el sector de las artes visuales

  2. Mantenimiento y cumplimiento de los presupuestos autonómicos de las direcciones generales de Cultura y Patrimonio Cultural

  3. Mantenimiento de las ayudas, determinantes en medio de la crisis para la supervivencia de buena parte del tejido profesional y empresarial del territorio.

  4. Mantenimiento de la actividad cultural

  5. Actividades de mediación y didácticas

  6. Contratación de actividades virtuales y elaboración de un censo Web de profesionales, como vías de acceso a la cultura, así como de mantenimiento de la actividad para profesionales del sector

  7. Plan de compras de obra, tal como se ha hecho ya desde otras comunidades autónomas que han habilitado ya partidas específicas y urgentes para la compra de obras de arte

  8. Adecuación del desconfinamiento a los distintos subsectores culturales

  9. Elaboración de un plan estratégico para fomentar la estabilidad en el sector a medio plazo

El arte contemporáneo aragonés debe tener un papel en los grandes proyectos estratégicos de la región.

 

El IAC Aragón pide a las instituciones una reflexión acerca de la desproporción sangrante entre la valía, en número y calidad de los creadores y profesionales aragoneses y la implicación de las instituciones.

 

No hay futuro por delante para al arte contemporáneo aragonés sin ese reconocimiento.

 

 




 

27/05/2020 11:24 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

ISABEL COIXET, PREMIO LUIS BUÑUEL DEL FESTIVAL DE CINE DE HUESCA

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ISABEL COIXET, PREMIO LUIS BUÑUEL DEL 48º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE HUESCA 

 

 

LA CITA ALTOARAGONESA HOMENAJEA A “UNA DE LAS CINEASTAS ESPAÑOLAS MÁS DESTACADAS DENTRO Y FUERA DE NUESTRAS FRONTERAS”

 

EL TRIBUTO A LA TRAYECTORIA DE ESTA DIRECTORA CONTARÁ CON LA PROGRAMACIÓN DE SU LARGOMETRAJE APRENDIENDO A CONDUCIR QUE SE PROYECTARÁ EN UNA DE LAS SESIONES DE AUTOCINE QUE PREPARA EL CERTAMEN

 

 

[Nota de prensa oficial] La directora, guionista y productora Isabel Coixet será el Premio Luis Buñuel de la 48ª edición del Festival Internacional de Cine de Huesca. El galardón reconoce la extensa trayectoria de “una de las cineastas españolas más destacadas dentro y fuera de nuestras fronteras”, en palabras de Rubén Moreno, director del certamen altoaragonés. La ganadora de ocho premios Goya y autora de obras tan destacadas como Mi vida sin míLa vida secreta de las palabrasNadie quiere la noche La librería recogerá de forma virtual este galardón. El tributo a esta cineasta habitual de las grandes citas cinematográficas como Berlín, Cannes o Venecia se completará con la proyección de su largometraje Aprendiendo a conducir dentro del ciclo de autocine; una novedad dentro del festival altoaragonés que busca aunar el séptimo arte en pantalla grande y las recomendaciones sanitarias de distanciamiento social.

 

El 48º Festival Internacional de Cine de Huesca concede en esta edición su Premio Luis Buñuel a la directora, guionista y productora Isabel Coixet. Una cineasta con un talento indiscutible que le ha llevado a convertirse en la mujer con mayor número de Premios Goya de la historia (ocho en total) y un nombre habitual en las grandes citas cinematográficas como Berlín, Cannes o Venecia. Autora de grandes obras como Cosas que nunca te dije, Mi vida sin míLa vida secreta de las palabrasNadie quiere la noche o La librería; Isabel “cuenta con un lenguaje propio, una forma de hacer cine que la han convertido en una de las cineastas españolas más destacadas dentro y fuera de nuestras fronteras”, afirma Rubén Moreno, director de la cita oscense.

 

El Premio Luis Buñuel de este año destaca a una figura clave para el cine español y un claro referente para las generaciones venideras, una mujer que además de directora y guionista es también productora, apoyando a jóvenes realizadoras para que tengan su propia voz dentro de la industria. La cineasta catalana se une así al elenco de personalidades que han recibido este galardón y donde aparecen nombres tan destacados como Bertrand Tavernier, Marisa Paredes, Stephen Frears, Carlos Saura, Ángela Molina, Jean-Claude Carrière, Costa-Gavras, Álex de la Iglesia o los hermanos Taviani entre muchos otros.

 

El tributo contará con un coloquio en exclusiva que la galardonada concederá al Festival y donde se le hará entrega del reconocimiento de forma virtual, una entrevista que se publicará en las redes oficiales del certamen. El público oscense podrá también disfrutar de su filmografía en una de las sesiones de autocine que se llevarán a cabo, será con el largometraje Aprendiendo a conducir. La cinta que se estrenó en el Festival de Toronto está protagonizada por la nominada a un Premio Oscar, Patricia Clarkson y el ganador de un Oscar, Ben Kingsley; una comedia dramática sobre la vida de Wendy, una escritora de Manhattan que decide sacarse el carné de conducir de la mano de un refugiado político hindú.

 

MUJER DE CINE

 

Isabel Coixet (Barcelona, 1960) es una de las cineastas españolas más laureadas. Su pasión por el cine despertó cuando tan solo era una niña y gracias a una cámara de 8mm que recibió como regalo de su primera comunión. Licenciada en Historia por la Universidad de Barcelona, sus inicios profesionales fueron en el mundo de la publicidad donde obtuvo múltiples reconocimientos.

 

El mundo del cine llegaría un poco más tarde y tras realizar el cortometraje Mira y verás (1984), llevaría a cabo su opera prima Demasiado viejo para morir joven (1989); una cinta que además de dirigir se encargaría también de su guión y le supuso su primera nominación a los Premios Goya en la categoría de Mejor director novel. A está le seguirían Cosas que nunca te dije en 1996 (Things I never told you), que fue su primera película en inglés, y dos años más tarde A los que aman.

 

En el 2000 funda su propia productora, Miss Wasabi Films, para tres años después estrenar Mi vida sin mí, gracias a la cual alcanzó el éxito internacional. Posteriormente llegaron otros títulos como La vida secreta de las palabras (2005), premiada con cuatro Goyas; Elegy (2008); Mapa de los sonidos de Tokio (2009); Aral. El mar perdido (2010); Escuchando al Juez Garzón (2011), que ganó el Goya al Mejor documental; Marea blanca (2012); Ayer no termina nunca (2013), premiada con cuatro Biznagas de plata en el Festival de Málaga; Another me (2013) y Learning Drive (2014).

 

El 2015 se convierte en otro año importante en su carrera, su cinta Nadie quiere la noche protagonizada por Juliette Binoche y ganadora de nuevo de cuatro Goyas, inaugura la 65º edición del Festival de Berlín, siendo la segunda mujer en la historia del certamen en realizarlo. Además, ese mismo año recibe la Medalla Chevalier des arts et des lettres por parte del Ministerio de Cultura Francés. Con un lenguaje cinematográfica que se adapta igualmente al cortometraje y al largometraje, a la ficción y al documental; Isabel sigue cosechando éxitos con títulos como Talking about rose. Prisoner of Hissène Habré (2015); Spain in a Day (2016); La librería (2017) que se alza con los Premios Goya a Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Guión, sumando ocho en total de forma directa para la cineasta, lo que la convierten en la mujer más laureada de la historia de estos galardones.

 

En la actualidad y tras el estreno en el Festival de Berlín de su último largometraje Elisa y Marcela (2019), la cineasta se atrevió con su primera serie, Foodie Love (2019), logrando un gran éxito de crítica y audiencia. En estos momentos se encuentra en fase de post-producción de su nuevo trabajo: Nieva en Benidorm.

 

El Festival Internacional de Cine de Huesca está patrocinado por Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, Gobierno de Aragón, Diputación Provincial de Huesca, Ayuntamiento de Huesca, Fundación Anselmo Pié y con la colaboración de Obra Social "la Caixa", TUHUESCA y el Instituto Aragonés de la Mujer.

 

*Fotografía de Zoe Sala Coixet.

 

13/05/2020 08:17 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

DOS DIÁLOGOS CON LANA MATICH

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lana matich privitera. Dos entrevistas con ella. 

Pintora

 

«Cada vez que vengo a Zaragoza no hago más que pasear y pasear y hacer fotos. Quiero captarlo todo. Esta es mi ciudad, aquí nací y fui muy feliz, aquí me inicié en el arte. Gracias a mis padres descubrí el teatro, la danza, la música, la arquitectura. Aunque ya sea norteamericana, porque llevo en Estados Unidos más de un cuarto de siglo, tengo corazón aragonés. Llego aquí y ya empiezo a usar el ico. Segundico. Paseíco», dice Lana Matich Privitera (Zaragoza, 1961), pintora a la acuarela, que acaba de volver a casa para visitar a su madre y a sus hermanos; uno de ellos es el pintor abstracto Zvonimir Matich .

Explíquenos cómo trabaja.

Siempre tomo fotos, muchas fotos, y hago una selección de cosas: paisaje urbano, fachadas, los edificios más antiguos del pueblo elegido y alguna iglesia. Y los mezclo con otras cosas, según el fluir de las estaciones. Hago también bodegón. Eso sí, siempre a la acuarela. Es rápida, limpia, eficaz, te tiene en vilo. Me siento muy cómoda con ella. Uso la técnica hiperrealista pero la imaginación también interviene.

Usted es una pintora de arquitecturas. ¿Por qué?

Se va a reír. Cuando fui a Estados Unidos en 1990 me quedé impresionada con la cantidad de edificios tan distintos que hay: te encuentras con el estilo Tudor, con el alemán, con el francés. Es como si todos los países del mundo estuvieran metidos en las fachadas y en las líneas de las casas. Aquello me impresionó, las casas son preciosas. Así que empecé a hacer retratos y estampas de viviendas para ganarme la vida.

Aún no ha parado…

No. Empecé a hacer pueblos enteros. Las calles principales, las iglesias, los palacios, una estación, árboles… Y me divierto. Son como cartografías minuciosas de un lugar. Parto de lo real y a veces invento.

¿Le encargan la obras, las decide usted?

De todo hay. A veces, como me sucede ahora con Middletown y Ellenvield, donde expondré el próximo otoño, me hacen algunos encargos porque han visto mis obras. Me compran piezas originales y también me piden litografías o impresiones de imprenta, láminas. Trabajo todo lo que puedo: hago medio centenar de acuarelas al año, suelo dar talleres para diez o quince personas y hago demostraciones públicas, a partir de una fotografía, ante 150 o 200 personas.

¿Qué colores le gustan?

Me gustan los colores tierra, los colores de la naturaleza. Pero lo que me preocupa siempre es el contraste de luz, eso lo verá en todos mis cuadros. Si hay nubes al fondo del paisaje, verá que hay un estudio exhaustivo de cómo entra la luz. El diálogo de la luz y la sombra es mi auténtico tema.

¿Cómo son sus bodegones?

De varios tipos. De objetos. Por ejemplo, a veces aparecen gatos. En Estados Unidos tienen una obsesión con los gatos. Les encantan. Esos cuadros los vendo muy bien. Además coincide que tengo un gato y le gusta posar para mis fotos, así que aprovecho. Como es un gato simpático, las fotos salen tan bonitas que no puedo resistir pintarlo. Sobre el papel, asumo el desafío de sacar toda la piel, sus brillos y sus texturas, y que parezca que la puedes tocar. Es como si fuera casi una pieza tridimensional.

¿Por qué emplea ese estilo naturalista, hiperrealista? ¿Ha explorado otros o ahí se siente plenamente a sus anchas?

Soy hiperrealista, sí. A mí siempre me ha gustado el detalle. De pequeña, en Zaragoza, dibujaba hasta arruguitas en la camisa de la gente. Está en mi naturaleza ser detallista y observadora. Algún día, cuando no pueda ver bien, me volveré impresionista o expresionista.

¿Quiénes son sus pintores?

A mí me gusta Sorolla. De toda la vida. La claridad, los matices y los temas de Sorolla. El cuadro que más me impresiona es ‘Y aún dicen que el pescado es caro’. El tema social, que es algo que me interesa desde niña, mezclado con maestría cromática y con esos contraluces que usa Sorolla, me conmueve. El asunto del cuadro me da una pena horrible, impacta muchísimo, pero está resuelto con la grandeza del arte. Para mí, Sorolla es un maestro.

¿Alguna otra referencia?

Muchas, claro. Vermeer, los holandeses, etc. Siempre he sido realista y he intentado representar algo reconocible. Lo que me gusta es recrear la realidad para que la gente tenga una buena memoria de su vida. Quiero que las cosas de mis cuadros le traigan recuerdos de otra época, de una atmósfera, de una forma de belleza. Me gusta que mi obra despierte evocaciones en las personas; si son sensaciones agradables, mejor que mejor. Pinto la realidad para hacer feliz a la gente.

Antón Castro

el personaje

La pintora zaragozana lleva un cuarto de siglo en Estados Unidos. Es acuarelista y le apasionan la arquitectura, el hiperrealismo y el contraluz

 

 

11/12/2016

HA DICHO

«Historia y arte siempre han estado entrelazados en mi vida. Recuerdo con cariño viajes a Alquézar, Albarracín y otros pueblos milenarios de Aragón. Pero mis visitas a la Aljafería y la Lonja fueron las que propulsaron con fuerza mi amor por el arte y la historia»

«Acudí a la academia de Alejandro Cañada el mismo tiempo que iba a la Escuela de Artes y Oficios. No fui a las clases muy a menudo, pero sí lo suficiente para tomarle gran cariño»

«La acuarela no huele, es fácil de limpiar y de guardar. Pocos pintan el híperdetalle y pocos son capaces de pintar edificios correctamente, lo cual hace que mis acuarelas les parezcan más únicas a mi público. Me gusta ver cómo los colores se funden en el papel»

La pintora zaragozana, junto a una de sus obras.

Es una pintora zaragozana nacida en 1961, instalada en Nueva Jersey, donde imparte clases y desarrolla su carrera. Se ha especializado en la pintura al agua, de casas, pueblos y bodegones, en un estilo hiperrealista.

Lana Privitera «Con la acuarela, estás en vilo hasta la última pincelada»

entrevista

Antón Castro

«Mi padre, Zvonimir Matich , era croata y se vino a España a estudiar Medicina al terminar la II Guerra Mundial. Aunque mi madre, María Luz Calvo Blanco, es de Madrid, ellos decidieron mudarse a Zaragoza después de casarse. Con los años, él llegó a ser bien conocido como cardiólogo y periodista de política internacional, y también como concejal de Festejos y de Sanidad en el Ayuntamiento de Zaragoza en los años 70». Así inicia su historia Lana Matich (Zaragoza, 1961), que firma sus cuadros como Lana Privitera y reside en Estados Unidos. Es pintora y profesora de arte, y realiza una pintura más bien hiperrealista centrada en casas, paisajes e interiores. Posee una gran técnica a la acuarela.

¿Qué recuerdos tiene de Zaragoza?

Se me vienen a la cabeza nuestras tardes paseando por la Gran Vía. Y nos veo a nosotros, hordas de niños, jugando al escondite o intercambiando cromos con algún amigo, mientras que nuestras chachas, en vez de vigilarnos, se dedicaban a coquetear con los soldadillos con tarde de permiso.

Esa Zaragoza ya se antoja lejana, casi onírica.

Muchos de los mejores recuerdos tienen que ver con nuestra conexión con el Ayuntamiento y con toda la gente increíble que conocíamos: los ancianitos y las monjitas de la Casa Amparo, los artistas que actuaron en el Principal, y nuestro querido amigo Luis Galve, pianista emérito y persona incomparable. Y, por supuesto, mis personajes favoritos: por un lado Pablo Serrano, que con sus esculturas mágicas me abrió los ojos al mundo del arte; por otro lado, las momias egipcias que vi en La Lonja. Me fascinaron y avivaron mi amor por el estudio de otras culturas y sus artes.

¿Desde cuándo le interesaba el arte?

En mi vida, historia y arte siempre han estado entrelazados. Recuerdo con cariño viajes a Alquézar, Albarracín y otros pueblos milenarios de Aragón. Pero mis visitas a la Aljafería y la Lonja fueron las que propulsaron con más fuerza mi amor por el arte y la historia. En los años 70, mientras mi padre era concejal de Cultura y Festejos, tuve la oportunidad ver una muchas y variadas exposiciones en la magnífica Lonja y esas fueron, sin duda alguna, la razón por la que hoy dedico buena parte de mi tiempo al arte.

Estudió diseño e historia del arte en la Escuela de Artes y Oficios. ¿Cómo era aquel ambiente, a qué profesores recuerda con especial cariño?

Mis dos años en la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza pasaron rápido. Aún así, había clases que nunca me perdía. Mi profesor de Historia del Arte era un hombre con un carácter muy original, pero extremadamente eficiente. No me acuerdo de su nombre y no lo he podido encontrar en internet. Tengo que mencionar mi querido profesor Alejandro Cañada. Acudí a su academia al mismo tiempo que iba a la Escuela de Artes y Oficios. No fui a las clases muy a menudo, pero sí lo suficiente para tomarle gran cariño. En mi evolución artística, las acuarelas ganaron la batalla.

Dando un salto en el tiempo, sabemos que usted se fue de la ciudad en 1990. ¿Qué pasó?

Aparte del arte, leer y viajar son otras de mis pasiones. Aunque me fui de Zaragoza en 1987, hice escala en Madrid casi dos años antes de pegar el salto a los EE. UU. Acabé en 1989 en New Jersey, en casa de unos familiares lejanos, con intenciones de aprender inglés y de disfrutar de la vida un rato. Y ya en USA, el destino de nuevo dio un giro de 90 grados sin previo aviso y tuve la fortuna de encontrar trabajo de ‘nanny’ con una familia maravillosa. Y un buen día, en las cercanías de la Universidad de Princeton, en mitad de un campo inmenso lleno de nieve y ciervos, me di cuenta de que yo era más feliz cuando estaba rodeada de espacios abiertos y casitas de cuento. No tardé ni dos días en empezar a pintar de nuevo.

¿Qué le da, por qué se inclina con tanta insistencia por la acuarela?

Rapidez. No huele, es fácil de limpiar y de guardar. Pocos pintan el hiperdetalle en acuarelas y pocos son capaces de pintar edificios correctamente, lo cual hace que mis acuarelas les parezcan más únicas a mi público. Me gusta ver cómo los colores se funden en el papel, moviéndose como jirones de neblina con voluntad propia. Nunca estoy segura del todo en qué dirección irán. Siempre con el alma en vilo hasta la última pincelada.

 

 

13/05/2020 07:59 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'DIÁLOGOS EN CAUTIVIDAD': LINA VILA

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https://www.heraldo.es/noticias/ocio-y-cultura/2020/05/10/lina-vila-no-querria-a-los-50-pintar-y-tener-que-buscar-otro-trabajo-1374033.html

 

¿Qué pasa por la cabeza de una artista como usted tras hacer la exposición más importante de su carrera en el Paraninfo?

¿Seré capaz de continuar?

¿Cómo salió de ahí, con qué perspectivas?

Al ser una sala que tiene tanto público, pensé y así fue, que iba a tener una respuesta a mi trabajo de un número de personas considerable. Una de las experiencias más bonitas para mí fueron las visitas guiadas. El contacto con las personas y la reacción de éstas al ver las obras fueron muy importantes. Creo que los pintores tenemos siempre en la cabeza el cuento de la lechera, creemos que va a haber algo mágico que nos haga trabajar más, vender más, que nos “necesiten” más, pero es un cuento... Nuestra trayectoria, en general es muy lenta. Lo sé desde el principio. Por eso en mi caso no cabe la decepción: disfruto del momento y sigo viviendo y creando.

Decía hace unos días que casi tuvo una visión: la crisis que se avecinaba…

Totalmente. Desde que vi las imágenes de China en las que construían los hospitales a contrarreloj lo vi muy claro.  Y empecé a ponerme muy mal. Un vacío tremendo se apoderó de mí. Era como si fuésemos a caer a un abismo. Y después con Italia era ya querer estar ciego si no lo veías. Pero en general no queremos ver las desgracias aunque las veamos venir. Los amigos, los alumnos, me decían que era una neurótica, que China estaba muy lejos...Yo estaba perpleja por como se lo tomaba la gente. Pero yo ya estaba comprando mascarillas.  Y para no montar en el tranvía caminaba una hora y cuarto para ir a trabajar,  cada vez que corregía a un alumno me lavaba las manos,... eso ya en enero, cuando los expertos decían que era como una gripe. Como una gripe....

¿Cómo ha vivido la pandemia, cómo la está viviendo?

Mal. Muy mal. Tantas muertes, tanta soledad, tanta confusión, tanta información contradictoria, tanta mentira,... pero sobre todo el sufrimiento de las personas que han muerto solas y el de sus familiares.  Y no poder despedirlas como se merecen. Y tanto buenismo: todo va a salir bien. No, todo ha salido mal. Y tantas fábulas de vida que no soporto, tipo: los pájaros volverán a cantar, la tierra sanará. Que sí, que me importa el medioambiente, pero lo que más me importa son las personas. Y esto de que esta crisis nos  va a convertir en mejores personas. Cuánta estupidez a mi juicio.  

Usted vive en el campo, tiene terreno, flores, pájaros, huerto, jardín. ¿Habrá sido mucho más fácil la cuarentena, no?

Soy una privilegiada. Cuando vine a vivir aquí mis amigos se preguntaban  cómo podía irme del centro de la ciudad; y en cambio ahora nos envidian. Es un lujo confinarse viendo el cambio de los árboles y las plantas, teniendo espacio para hacer un poco de deporte, para comer fuera con una sombrilla que te traslada a la felicidad del verano y para cultivar el pequeño huerto. Un huerto y unas gallinas ponedoras que nos servirán  para autoabastecernos con la crisis económica que se nos viene encima. Pero es imposible abstraerse de lo que sucede.

Tiene el estudio cerca de la casa. ¿Cuál ha sido su relación con el taller, con la pintura, con el dibujo o el grabado?

En un principio era incapaz de coger un lápiz o un pincel. Me parecía absurdo con todo lo que estaba pasando. Incluso pensé que igual era el momento de dejarlo, de abandonar. Sí, lo pensé. Era mucha la desazón. Así que me puse a escribir un diario.  Escribía  en un cuaderno de Gallimard en el que estaba escrito en su primera página: “Quand on a le temps on a la liberté”, de Guillame Apollinaire. Y aunque en otro tiempo no hubiese podido estar más de acuerdo, ahora el tiempo no lo es todo. Fui entrando a días como por casualidad al taller y fueron volviendo las ganas de dibujar. Dibujar calma mucho. Creo que el dibujo y la lectura me salvarán de la locura y la desesperación. 

Cuando se empezó a extender la onda expansiva, el miedo y la psicosis general, ¿qué pensó, se lo creía, tenía la impresión de qué vivías un mal sueño?

¡Claro que me lo creía! Alguien dijo que la vida es una  pesadilla que hay que vivir despierto. Y esto es así. Y de hecho me confiné y obligué a mis "convivientes" a confinarse antes de que lo impusiera el gobierno.

Algunos artistas, por curiosidad y quizá por el afán de entender la situación, estudiaron casos semejantes en el arte, períodos de artistas sometidos al encierro. ¿Le pasó a usted, indagó en cuadros, vidas de pintores, períodos artísticos?

Llevo mucho tiempo haciéndolo. La mayoría de las mujeres creadoras a lo largo de la historia han estado confinadas.  He leído algún relato como el de ‘Vacances Forcées’ de Roland Dorgelès, un relato de huida y confinamiento durante la Segunda Guerra Mundial. Y sigo leyendo memorias y biografías de pintoras.  A mí el confinamiento en sí mismo no me angustia. Como decía el otro día Adam Zagajewski es como estar en un salvavidas en mitad del océano. En un bote salvavidas cómodo, agradable si no fuera porque desde él ves a personas que se ahogan pero no puedes alcanzarlas ni ayudarlas.

¿Cómo le marca a uno una pandemia así, aunque esté en unas circunstancia mejores que la mayoría?

Emocionalmente creo que es una herida que dejará una huella para toda la vida. Y eso que no ha acabado. Todavía podemos seguir perdiendo seres queridos y poder morir nosotros mismos también. 

Estamos desamparados, el mundo ha parado de revoluciones, casi se ha detenido… ¿En esas circunstancias,  es el arte secundario, casi un lujo, o estamos errados por entero?

Yo creo que el arte nunca ha sido ni será secundario. El arte es un reflejo del tiempo que nos toca vivir.  En cualquier crisis se ha seguido creando. Como le decía antes, en estos testimonios que he leído sobre creadores en la Segunda Guerra Mundial, los artistas seguían creando en la medida de sus posibilidades. Aimé Maeght abría su galería en ese tiempo y los que podían compraban obras de arte. Es evidente que si no tienes para comer no tendrás para comprar arte... Los escritores seguían escribiendo, seguían analizando, seguían criticando. Por eso no entiendo cuando ahora se nos dice: ya habrá tiempo de analizar, ya habrá tiempo de criticar... Pero no estoy de acuerdo en que mucha cultura ahora sea gratuita. Entiendo que ha sido un acto solidario, pero la cultura es muy importante. Y más en la situación penosa en la que nos vamos a encontrar los pintores y creadores autónomos. 

Perdone la provocación, pero ¿para qué sirve el arte en tiempos de la covid-19?

Para lo que sirve en cualquier momento. Para hacernos reflexionar, para provocarnos, para emocionarnos, para proporcionarnos belleza.

¿Cuáles son las premisas de futuro para una artista como usted, que ha ganado premios, tiene una trayectoria, etc.?

Buf, cuando una va cumpliendo años  tu futuro se achica mientras que tu pasado se agranda. Así que le diría que en lo único que pienso es en poder ver a mis hermanos  y a mis amigos, acercarme a oler el mar y poder hacer algún pequeño viaje. Después nada me gustaría más que dibujar y pintar. Me desesperaría llegar a los 50 siendo pintora y tener que buscar otro trabajo para poder subsistir. Pero puede ser. No sabemos aún el alcance de la crisis.

Había empezado a dibujar ancianas… ¿Por qué? ¿Percibió que los ancianos iban a ser las principales víctimas?

Esto ya nos lo decían nuestros amigos italianos. Están muriendo nuestros abuelos, nuestros padres, decían. Protegeos, decían. En Barcelona, en mi época de estudiante, estuve de voluntaria en residencias de ancianos y lo que vi fue tremendo. Dramático. Y de eso hace muchos, muchos años. Todas las muertes que se han producido en estos aparcamientos de ancianos unido al amor que siento por mi madre y a la que tengo prácticamente secuestrada para protegerla, me ha llevado a querer pintarlas y a hacer quizá pequeños homenajes y una llamada de atención sobre estos lugares que, sin duda, deberían estar más controlados.

¿Qué le incomoda de la gestión del Gobierno? 

Prácticamente todo. Si yo, que no soy  experta y no tengo información, iba viendo lo que se nos venía encima, creo que ellos lo veían mucho mejor que yo. No entiendo que no cerraran fronteras antes, no entiendo que se pudiera viajar a Madrid todo el tiempo, no entiendo que los estudiantes volvieran a sus casas en otras comunidades y salieran normalmente. No entiendo que no previeran material sanitario antes, que no compraran respiradores. Que China es muy hermética porque es una dictadura, de acuerdo. Pero en la era de mayor interconectividad no es posible que no se supiera. Y menos cuando ya teníamos el ejemplo de Italia. No entiendo que se convocaran las manifestaciones del 8 de marzo, que se permitieran los mítines políticos, los partidos de fútbol. Que se dijera que las mascarillas no protegían. Mentiras. Cuántas mentiras. No soy apolítica, pero ha sido una decepción grandísima .No sé si volveré a votar. Y creo que deberían juzgarse tantas negligencias. Han ido detrás del virus todo el tiempo en lugar de adelantarse. Y no sé si volveré a votar porque en lo que más me importa, que es la salud y en este caso la salud pública, no han tomado las medidas necesarias ... ¿cómo voy a confiar en medidas sociales, económicas o en medidas para el sector cultural? lo siento pero no. Ha sido tremendo. Una gran tristeza. Y cuando haces una crítica al gobierno entonces  ya eres un facha. Es una verdadera pena este país. 

Está muy decepcionada...

Les reprocho tantas muertes. De ancianos, de sanitarios, de tantas y tantas personas que tenían una vida por delante. Y no digo que otro partido lo hubiera hecho mejor, pero creo que falta mucha humanidad en los políticos. Mucha. 

Ahora que los cita. Casi todos estamos conmovidos con la entrega de los sanitarios. ¿Qué le emociona de las reacciones y actitudes de la sociedad?

Me emocionan esos sanitarios, entre los que se encuentran amigos míos, que han cogido de la mano a esas personas que han muerto. Que les han dado el amor necesario para no morir en soledad. Me emociona la valentía de enfrentarse a la enfermedad asumiendo los riesgos sin los medios necesarios y con un sueldo mucho más bajo que el de otros profesionales, siendo ellos de los colectivos más afectados por el virus. Me emociona la solidaridad de esas personas que están llevando la comida a los ancianos que están solos en sus casas. Me emocionan las donaciones no solamente de grandes empresas y fundaciones sino también de personas anónimas.

Le han marcado mucho tu padre y tu abuela, a los que les has dedicado varios homenajes. ¿Son ellos como fantasmas que le impulsan a crear o a conversar en silencio? 

No soy una persona creyente, pero sí que hablo con mis muertos. Con todos ellos.

¿Qué le queda a la mujer por hacer el en arte? ¿Ya está en condiciones de igualdad?

En absoluto. Precisamente estoy leyendo un libro que me mandó un buen amigo cuyo título es: ‘Las invisibles. ¿Por qué el Museo del Prado ignora a las mujeres?’ de Peio H. Riaño. y le podría escribir aquí muchos datos que demuestran que esa igualdad no existe. Hay que seguir trabajando en esta dirección, y más en épocas de crisis.

¿Ha seguidos descubriendo personalidades, actitudes, obras, de mujeres artistas, a las que siempre ha reivindicado?

Por supuesto. Tenía una pila de libros en francés de memorias, biografías y autobiografías de creadoras. He profundizado en la vida y obra de la arquitecta Charlotte Perriand, todo un descubrimiento. He conocido la fascinante  vida de Nancy Cunard, he releído a Annie Ernaux. He leído los ‘Munkey Diaries’ de Jane Birkin y he leído y admirado varias obras de Romain Gary, que aunque no era mujer estaba muy influido por ellas (fue marido de la actriz Jean Seberg) y al que no había leído nunca.

¿Qué le paraliza más el miedo o la incertidumbre del futuro?

Es casi lo mismo. Siempre he pensado que con salud puedes hacer frente a cualquier adversidad. Así que te diría que paraliza más el miedo a no tener salud. Aunque en Francia, nuestros amigos nos dicen que va a matar más la crisis que el virus. 

¿Qué puede y qué debe hacer la sociedad por los artistas?

Soy bastante escéptica en esta cuestión. Creo que hace falta mucha labor desde la educación temprana. Y pienso que ahora la sociedad va a estar en otra cosa. La sociedad en general y los gobernantes en particular tendrían que ser muy conscientes de que la cultura es también una industria que da trabajo a mucha gente. Y una ley de mecenazgo debería establecerse con urgencia. 

 

 

 

 

10/05/2020 08:35 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

TOMÁS RUIZ-RIVAS: 'EL MILLÓN DEL ARTE'

Con toda su gentileza, Tomás Ruiz-Rivas me envía este artículo tan oportuno.
Un blog de Tomás Ruiz-Rivas
tomas[@]antimuseo.org

 

Hace una semana escribí un artículo sobre el ya difunto proyecto del Fondo para las Artes de Madrid, al hilo de la liquidación del FONCA1 en México y como colofón de mi anterior publicación: “Un Plan postCovid19 para las Artes Visuales”. No lo publiqué, más que nada porque tengo la cabeza en otros asuntos, pero la noticia del “Plan” de verdad, el del Ministerio, me ha arrancado de mis abstrusas lecturas literarias, tan apropiadas para estos tiempos eremitas, y me ha empujado a tomar parte de nuevo en el debate público sobre las (des)políticas culturales. España tiene al menos eso de bueno: la estabilidad, la continuidad. Gobierne quien gobierne, si te dedicas al arte contemporáneo sabes que caminas solo por el mundo.

El gobierno, del cual soy votante para que quede todo claro, ha aprobado una dotación extraordinaria para socorrer al sector —si es que hay tal cosa— de la cultura con 76,4 millones de euros. No hay que dejarse engañar por el titular, porque los 780 millones que anuncia son en realidad para garantías para créditos. Documentos que rara vez se convertirán en obligaciones de pago. El detalle del dinero de verdad, que se presenta incompleto, es como sigue: 38 millones para las artes escénicas y la música; 13.252.000 para las salas de cine; 4 para las librerías “independientes” (¿Independientes de qué o de quién? ¿De las distribuidoras?). UN MILLÓN para las artes visuales:

En relación a las Bellas Artes, el Real Decreto Ley incorpora ayudas extraordinarias por valor de 1 millón de euros para la promoción del arte contemporáneo, y en concreto para el desarrollo de proyectos de innovación digital que fomenten la difusión de las artes visuales, la creación artística, la comunicación, la difusión internacional y la adquisición de arte contemporáneo español.
Los destinatarios de estas medidas incluyen a los artistas visuales, las galerías de arte, críticos y comisarios, así como la dotación para compras de arte contemporáneo español a través de la Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Histórico del Ministerio de Cultura y Deporte.

Curiosamente, como señalaba un amigo en Facebook, la misma cantidad que ha donado Helga de Alvear para la lucha contra el Covid-19. No soy conspiparanoico, pero con mil euros arriba o abajo se libraban del paralelismo.

El monto, no hace falta decirlo, es ridículo. Pero además no es en apoyo a la creación, la parte más vulnerable del sistema, sino a todo el sector y, atención a este detalle, al propio Ministerio, que se puede quedar con la tajada del león con un programa de compras del que no se ofrece ningún detalle. ¿Será una convocatoria pública como han hecho los gobiernos autonómicos de Madrid y Valencia? No, porque para eso tienen la mencionada Junta, que ya sabrá qué o a quién tiene que comprar.

Pero lo más grave es el objetivo de las ayudas: “proyectos de innovación digital”. ¿Qué significa esto? Está claro que le objetivo de esta línea de apoyo no somos los artistas, sino los mediadores. No se apoya a la creación, como podría parecer en una lectura rápida, sino a proyectos de innovación digital que fomenten la creación. ¿Por qué no la fomentan ellos directamente, con la premisa de que sin ésta no puede haber ni difusión, ni comunicación, ni adquisiciones? A saber. Imagino que las asociaciones del sector que han asistido a las reuniones con el ministro habrán estudiado el tema y nos podrán iluminar al respecto. ¿Qué carajo son los “proyectos de innovación digital que fomentan la difusión y la creación”? ¿Es que a nadie en este país se le ha ocurrido que si no hay artistas no habrá arte que difundir, ni con proyectos de innovación digital ni a voces en las plazas? ¿De qué cabeza ha salido esta idea, y cómo es que nadie, con toda la gente que dice haberse reunido en el Ministerio, la ha denunciado antes de que se publique?

Otro aspecto preocupante del “Plan” es que pone de manifiesto la irrelevancia de las artes visuales para la sociedad española. La desproporción con los otros ámbitos creativos, reggeaton incluido, es vergonzosa. Y como muy bien han señalado Paco Barragán y Carlos Jiménez en un hilo de Facebook, esto es algo sobre lo que deberíamos detenernos a pensar. “¿Qué hemos hecho o dejado de hacer en el mundo del arte contemporáneo para que este le importe tan poco a la sociedad?”, nos interroga Carlos en su comentario.

En mi anterior post critiqué la línea de acción de AVAM. Sé que mis palabras resultaron molestas para muchos compañeros, no todos, pero lo que de verdad siento es haber resultado profético. Debo insistir, a pesar de todo, en que estas asociaciones que supuestamente nos representan ante las instituciones están mostrando su habitual falta de visión política y de compromiso, cuyas consecuencias son, entre otras cosas, los constantes batacazos que recibimos en las decisiones políticas. Éste es un momento en el que se pueden plantear reformas de calado histórico, como la obligatoriedad del pago a los artistas2 en exposiciones con financiación pública, la creación de un Fondo como el que proponíamos un amplio grupo de asociaciones hace ya varios años, no sólo el de “emergencia” que ha planteado ADACE en su documento, que por cierto no deja mucho más para los artistas, o mecanismos de compra de obra como el que ha habilitado la Comunidad de Madrid, que podría convertirse en permanente, dado que las galerías, con mi mayor respeto por su trabajo, no pueden canalizar toda la creación actual, ni sobre todo la más experimental. Ahora que ya todas las rotondas tienen su mamotreto, quizás deberíamos racionalizar las políticas de compras para que de ellas resulten colecciones con un sentido histórico.

Sin duda podemos redactar una larga lista de medidas útiles a corto plazo y beneficiosas a largo, medidas fáciles de consensuar con todo el tejido creativo, como lo fueron las ayudas a la creación, pero que requerirían mucha energía y unión para obtener el compromiso de los gobiernos locales y central. La ausencia de un liderazgo fuerte en el sector, que debería venir, como decía en el texto anterior, del Reina Sofía o de instituciones o personajes que cuenten con un respaldo generalizado (ya sé que no los hay), nos deja por desgracia en una posición muy vulnerable. El tiempo que se ha perdido para desarrollar propuestas con verdadero calado no se puede recuperar en pocas semanas.

Pero lo que debemos tener presente es que la crisis sanitaria del COVID-19 va a acarrear una crisis económica de proporciones bíblicas. Hace pocos días un periódico ofrecía datos escalofriantes sobre la situación fiscal de España en un futuro próximo: una caída del 20% en la recaudación, que equivale a 42.100 millones de euros. Para que nos hagamos una idea, en la anterior crisis, en su peor año, la caída fue del 6,6 %. Pensar que en esta situación va a haber subvenciones, ayudas o planes de emergencia para que capeemos el temporal sin sufrir penalidades es una quimera. El millón del Ministerio debería servirnos de  aviso. Por mucho que ahora prometan, es difícil creer que en 2021 se convoquen ayudas o se implementen programas especiales para apoyar a los artistas de Madrid —del resto no hablo, pues sé poco. Y esto es en realidad todo lo que puedo aportar al presente debate.


[1] Este Fondo fue impulsado por la sociedad civil a través de una carta publicada en 1975 la revista Plural, que suscribían importantes intelectuales como Octavio Paz, Elena Poniatowska o Juan Rulfo. Su título era “Ideas para un fondo de las artes” y demandaba un cuerpo cultural “creado por iniciativa del Estado”, pero “como un organismo autónomo […] separado de la administración pública”. En la idea de los firmantes, el Estado debía fomentar la cultura pero, a su vez, debía renunciar por completo a su pretensión por controlar sus contenidos:  “El examen histórico muestra que no solamente el Estado jamás ha sido creador de una literatura de veras valiosa, sino que, cada vez que intenta convertirla en instrumento de sus fines, termina por desnaturalizarla y degradarla”.
[2] Escribí un artículo al respecto hace algún tiempo. Para quien quiera conocer lo que se está haciendo en otros países, recomiendo las memorias de este simposio donde no estuvo presente ninguna asociación española: https://drive.google.com/open?id=15u95HjPWXQ_cEtiAeoBBqooMNlLOBVL9

07/05/2020 05:28 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

INGRID BERGMAN. RETRATO DE GORDON PARKS. POR ALEJANDRO ALAGÓN

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RETRATO DE INGRID BERGMAN

EN BLANCO Y NEGRO

 

COMENTARIO DE UNA FOTOGRAFÍA

DE INGRID BERGMAN

POR ALEJANDRO ALAGÓN

 

  Ésta es otra de esas poderosas instantáneas que llaman la atención. Fue tomada por Gordon Parks durante el rodaje de la película Strómboli en Italia. La radiante imagen de Ingrid Bergman cautiva a la cámara, a pesar de que siente incómoda y ladea la mirada al oír lo comentarios o murmullos de tres mujeres enlutadas que la miran con envidia. Mujeres de distintas edades y estaturas, pero unidas en ese atuendo común que incluye, zapatos. medias, faldas, chaquetones, abrigos y pañuelos negros. Es la modernidad enfrentada al pensamiento arcaico, primitivo, de una sociedad cerrada. Una forma de pensar atávica, ancestral, heredada de madres a hijas en una isla, un entorno aislado. Y frente a esa forma de pensar rancia y anticuada irrumpe el volcán de una belleza nórdica, juvenil.

  Conviven en el rostro de Ingrid Bergman la sombra del reflejo y la claridad, la sombra como metáfora de la críticas de una sociedad cerrada hacia una forastera, que se atreve a llevar un jersey blanco y un cabello sin pañuelo, desafiando a las estrictas normas de un ambiente rudimentario, prehistórico. Quizás murmuran que es una actriz y que ese oficio es sinónimo de una vida sucia, frente al estricto cumplimiento de los mandamientos religiosos que ellas cumplen a rajatabla. Tras esos comentarios áridos se insinúa un secarral, un conjunto de matorrales llenos de espinas, cuya máxima aspiración es recibir una gota de agua que los resucite, ya que sus raíces siempre estará unidas a ese suelo que carece de ambición y que, a veces, se desespera en un conato de erupción.

 Entre Ingrid y el coro de seres, que parecen cornejas, se abre un profundo cráter. A la derecha de la imagen aparecen hombres sentados o asomados en la parte superior a una barandilla, que miran con lujuria a esa belleza, de paso efímero, que ha llegado para rodar en la isla. Son las contradicciones del mundo que empuja a sus gentes hacia la falsedad, la crítica fácil, frases destructoras de mordisco fácil, y miradas lascivas alejadas del catecismo de la escuela rural. Arriba en la colina, se sitúan las casas blancas que quizás cobijan a las mujeres vestidas de negro, como cuervos. Otra contradicción más, el enigma de los seres humanos, su color interior y su color exterior, los valores y los recelos, la suspicacia y la aprensión hacia los nuevo. Cobran vigencia aquí los imponentes versos de Garcilaso de la Vega en este soneto.

 

Coged de vuestra alegre primavera

el dulce fruto antes que el tiempo airado

cubra de nieve la airosa  cumbre.

 

Marchitará la rosa el viento helado,

todo lo mudará la edad ligera

por no hacer mudanza en su costumbre.

04/05/2020 17:07 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

DIÁLOGO CON SEVERINO DE LLANZA

Severino de Llanza: “Lo único que cambia  

en la historia de la humanidad es la tecnología”

 

 

Fue una hace una década, en 2009, cuando Severino de Llanza (Borja, 1964) expuso por última vez en Zaragoza. En la galería que le lleva, A del Arte. Ahora presenta un nuevo proyecto: ‘Unidad en ella’, una colección de 62 cuadros de puntas de plata, una técnica antigua y sutil que emplearon artistas tan distintos como Leonardo Da Vinci o Durero.

-Entonces, en 2009, ‘El eco de los sueños’, era pintura. Ahora apuesta decididamente por esta técnica delicada…

-Esa sería la palabra: delicada. Y laboriosa. A del Arte es la galería que me lleva mi obra y es quien pone en el mercado mi trabajo. Hablamos con Montse Navarro de la idea de hacer una exposición solo de puntas de planta. He trabajado durante cuatro años, muy centrado.

-¿Qué le da esta técnica?

-Me siento cómodo. Feliz. Me pasa como con el grabado: me engancha, y es como si tuviera mono. La punta de plata es como si estuviera viva. En la muestra veo las piezas de hace cuatro años y las de hoy, o del año pasado, y veo una evolución. La punta en contacto con el aire se va oxidando, y la de 2016 o 2017 adquiere un tono más aterciopelado, color tabaco o sepia.

Dicen que es una técnica exigente…

Sí, claro. Pide técnica, paciencia, búsqueda de la belleza, obsesión por los detalles y las líneas. Y de todo ello surge una de sus virtudes: la delicadeza.

Todas sus obras son mujeres. ¿Hay alguna razón?

No sabría decirle. Me gusta la mujer, me interesa su mundo, su misterio, su hermosura. Me siento más cómodo pintando mujeres. El universo femenino está para mí, entre otras cosas, conectado con la búsqueda de la belleza y es una forma de conocimiento. Quizá debiera someterme al psicoanálisis para responder a la pregunta.

¿Es usted surrealista, metafísico, mira hacia el renacimiento e incluso el gótico?

El movimiento al que me siento más próximo es a los prerrafaelitas, con Rossetti a la cabeza, pero también me interesan Vermeer, al que hecho homenajes, Caravaggio, Piero della Francesca o Mantegna, entre otros.

Bueno, y le interesa el futurismo, la robótica.

-Desde luego. Varias de mis obras se llaman ‘Robótica’, y creo que tiene su sentido. Para mí lo único que cambia en la historia de la humanidad, no son las pasiones, las quimeras, las aventuras, las guerras, la creación, sino que es la tecnología. Y me gusta que todo eso se perciba de formas muy distintas en mi obra.

Había pensado que era un usted un hombre nostálgico...

Me interesan mucho los problemas sociales, la crisis económica, la injusticia, y todo eso está en mi obra. Con mis mujeres. Hay un cuadro, ‘La mujer del cambista’, que alude a una obra clásica, pero también al paisaje que yo veo desde la ventana de mi taller: se ve una grúa, un edificio interrumpido, la soledad y el abandono que sobrevino a la crisis. Un drama que os afecta a todos. Y eso pasa en otras obras.

¿Qué le da el Moncayo?

Mucho. Siempre está ahí. Me dice muchas cosas: es Bécquer, es naturaleza, me interno por el Bosque de las Hayas, camino, pienso, evoco su mundo de cuentos y de gnomos, me relajo, y luego todo ello aparece en mi obra, donde hay mujeres sí, idealizadas o reales, pero también naturaleza, arquitectura, ecos de lo invisible.

Por cierto, ¿por qué son tan impactantes los ojos de sus mujeres?

Quizá porque quiero que cuando el público entre en mis exposiciones sienta que mis criaturas le miran a los ojos y que le devuelven su mirada.

01/05/2020 10:19 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

MAPI RIVERA: EXPLORADORES DEL INFINITO

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EXPLORADORES DEL INFINITO

Las series de imágenes que concibo son enjambres de sentido, colmenas que beben de una misma imagen líquida, dulce e inspirada.

Me gusta trabajar en la abundancia. Las obras que muestro, son solo la punta de un iceberg, hay otro mundo sumergido de ideas, apuntes, bocetos, fotografías descartadas, que sostienen esta otra realidad de imágenes emergidas.

En el proceso creador, lo que permanece oculto tiene tanto o más valor que lo que se muestra, en la medida que ayuda a despuntar y comprender este universo visible. Lo invisible, aquella primera idea o trazo inspirado, bebe precisamente y de forma directa del Misterio, del roce que enciende la visión interior, el fulgor creativo que nos impulsa a tomar un lápiz, dibujar, apuntar.

Para mí siempre es un reto conseguir hacer emerger estas imágenes primeras, con su fuerza inspiradora, conseguir mantener latente la semilla que las hace estallar en mi visión. Las series fotográficas que elaboro, beben de esta Fuente primera, emergen del sustrato de lo que permanece oculto, se evidencian para contar lo que me fue dado.

Transmiten el pulso de lo inefable, son la huella de mi encuentro con lo numinoso.

Seguir leyendo aquí

http://www.mapirivera.com/dibujar-con-luz-viva/

20/03/2020 19:32 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

JAVIER CINCA (VIRIATO) RETRATA AL COLECCIONISTA ROMÁN ESCOLANO

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Por Javier Cinca (Viriato). Librero, editor y poeta.

Cuando Alejandro me convenció para participar en este acto en homenaje a Román le comenté que prepararía un texto sobre ROMÁN Y LA NUEVA OLA ZARAGOZANA. Antes que nada, y aunque parezca una obviedad, quiero hacer una puntualización para evitar susceptibilidades: esto que voy a contar es un relato personal, y por tanto totalmente subjetivo; nada que ver con un trabajo periodístico o de historiador.

Empezaré leyéndoles un fragmento de una entrevista que realicé a Román en la primavera del año 1982. Apareció en el número 1 de un fanzine llamado Particular Motors, junto a otra entrevista al ‘selector’ Cachi.

 

P- ¿Cuántos años llevas interesado en la música?

R- Desde el año 60, un poco antes en realidad.

P- ¿Qué eventos importantes has presenciado?

R- Estuve en el estreno de ¡Qué noche la de aquel día!, que contó con la presencia de Beatles. Eso fue en el Odeon de Londres en el 64. También estuve en los Encuentros de Pamplona, en el verano de 1972,  donde conocí personalmente a John Cage. Luego, en el 73, estuve viendo a Bowie,

P- Debes de tener una colección de discos considerable.

R- De clásica tengo un mínimo selecto. Luego tengo casi todo del free jazz clásico (Coltrane, Shepp, Chicago Art Ensemble...), bastante música contemporánea y ahora me están interesando las cosas que tenéis por aquí: Cabaret Voltaire, John Hassell & Eno, The Red Crayola... Ah, también están las colecciones de las revistas del movimiento underground, tengo casi completas OZ, IT y ACTUEL.

P- ¿Crees que la música es hoy en día el medio de expresión más importante?

R- Sí, pero sin olvidar un instante que es sobre todo una industria. De todas formas yo a lo que le doy más importancia es a las referencias culturales. La música no es un fenómeno aislado sino que la veo íntimamente relacionada con la literatura, la plástica... Hay que decir también que es la primera vez, ahora, que se produce un movimiento musical general en todo el mundo, y esto es importante.

P- ¿Qué piensas del movimiento Punk?

R- Lógico por completo. Me parece una consecuencia del desempleo juvenil y el cambio social. Si las cosas van mal, la respuesta es siempre más dura. También lo veo como una consecuencia de la cultura urbana a tope de hoy.

P- ¿Has realizado alguna actividad creativa?

R- No, quizá debido a mi profesión. Me considero un sujeto recipiendario perfecto.

P- Lo que tiene también su importancia. ¿Y no te entra nunca el gusanillo?

R- No, no... Aparte que no he tenido la más mínima formación ni preparación. Todo lo que he conocido ha sido por mi propia inquietud.

 

 

P.M. fue uno de los primeros fanzines que se hicieron en la llamada movida. Aunque reconozco la originalidad del término movida, prefiero llamarlo nueva ola, término más querido por sus ecos (New Wave, Nouvelle Vague...) y que delimita mejor el terreno. Lo prefiero también a posmodernidad, también muy emparentado.

Si tuviera que datar el nacimiento de la nueva ola como movimiento no dudaría: tal y como cuenta Paco Felipe estaban dando los últimos toques antes de la inauguración del bar ESCAPARATE cuando se enteraron de que unos guardias civiles habían asaltado el Congreso: febrero 1981.

Hay un artista, poeta e industrial (como se decía antes) que publicó hace unos años un libro de más de mil páginas en el que, aparte de contar con detalle sus poco memorables (para los demás) devaneos amorosos, intentaba demostrar que la movida zaragozana surgió y se desarrolló en su local del Casco Viejo. El autor se mete con los de la “zona alta”, y conmigo concretamente, en varias ocasiones (por eso se la devuelvo aquí), tildándonos un poco de ‘modernos’ superficiales, mucha apariencia pero poca sustancia. Sí, allí había un escenario y actuaban grupos de teatro y de música, y tocó Bunbury con 14 ó 15 años y... Pero todos los que vivieron de cerca esa época saben con certeza que el corazón de la nueva ola se encontraba en los aledaños del Paseo de Sagasta. Me ceñiré a dos locales, para mí los más emblemáticos el ya citado ESCAPARATE y el CALIGRAMA, ambos con artistas gráficos entre sus dueños (Jesús Lapuente en el primero; Sergio Abraín y Alberto Ibáñez en el segundo), aunque hubo muchos otros, como el ILIUM, con Pilar Molinero y el divino malvado Teles, luego refundado como INTERFERENCIAS, con Inma y Miguel Goyanes;  o los ya más tardíos MODO, EN BRUTO.... Sí, algunos de los grupos que se hacían no iban más allá de buscarse un nombre y, técnicamente, era todo muy precario. Primaba la actitud sobre la técnica, pero esa energía también se materializó en obras. Y grupos como Más Birras, IV Reich o John Landis Fans (luego JLF), que alcanzaron repercusión y reconocimiento, se formaron allí.

Si tuviera que elegir la característica que mejor defina la explosión de creatividad que acompañó al punk y la nueva ola, sería su heterogeneidad, casi promiscuidad. Con la música como elemento aglutinador, y omnipresente, se produjo una coexistencia, convivencia incluso, entre individuos y corrientes muy diferentes. Individuos de distintas generaciones (de Román con sus 48 años a chavalas y chavales de 15 ó 16). Gente que venía de la contracultura, y gente que venía de nuevas. Todos desideologizados

Rockeros, mods, rockabillis, punks, tecnos y vanguardistas. Músicos, pintores y escultores, dibujantes, diseñadores, culturetas, periodistas y aficionados o espectadores. Los poetas entonces no escribían poemas, sino letras de canciones. Heteros y homos. Fumetas, yonquis y camellos, cubateros, cerveceros y abstemios.

(Permítanme un inciso: A veces pienso que lo raro es que los de mi generación y próximas no estemos todos mal (o peor) de la cabeza. De niños nos educaron en el nacionalcatolicismo, luego fuimos simplemente cristianos, más tarde marxistas, enseguida marxista-freudianos, y luego nos volvimos contraculturales, llegó el hippismo. Libertarios. Y por fin la posmodernidad y con ella la expansión de las drogas. Drogadictos. Y después, por fin, NADA. No la Nada mística, de disolución del yo en el TODO, pero casi).

Bueno, pues en esta galería de personajes Román era uno más, tal y como se recoge en la serie de retratos que el fotógrafo Javier Inés realizó para Caligrama, algunos de los cuales aparecen en el catálogo de Sergio Abraín: “Pata Gallo y Caligrama. Espacios de una década”. Asiduo de ambos locales, y de mi tienda DISCO-SHOP PIRATAS en la misma calle Moncasi, Román, con su aspecto atildado, era un hombre de costumbres tradicionales y políticamente moderado. Él y Carmen de jóvenes eran monárquicos, donjuanistas (creo recordar que me contó que fueron a recibir a Don Juan a su regreso del exilio), aunque luego votarían Suárez. Pero lo que lo hizo identificarse con la nueva ola fue su irresistible afición a la cultura y, muy especialmente, a todo lo que supusiera novedad y vanguardia artística. Él fue uno de los puentes más sólidos que enlazaron la nueva ola con las vanguardias de las décadas anteriores, más allá de las experiencias de arte postal de Abraín o de las de música concreta de Pablo A. Giménez con el Estudio de Música Electrónica (con Fatás, Colomer y Medalón) a mediados de los 70. Pablo recibió con entusiasmo el do-it yourself de la nueva ola y retomó su carrera en solitario grabando media docena de cassettes y cds que hoy despiertan el interés de los expertos.

El concepto de vanguardia ha perdido ya casi todo su sentido, limitándose prácticamente su uso a las vanguardias históricas, ese término tan contradictorio que une lo que va a ser con lo que ya fue.  Hoy TODO es vanguardia. Por eso me gusta jugar con la idea de que la de los 80 fue la última vanguardia zaragozana. El ambiente era propicio, ya que algunas instituciones como la DPZ, con Juanjo Vázquez en la trastienda, y el Ayuntamiento apoyaron durante unos años con decisión Festivales como los de Fotografía y Video y En la Frontera, sobre todo el primero, celebrado en el Antiguo Matadero en crudo, antes de ser reformado: un escenario inmejorable para la cultura llamada industrial que se estaba gestando. Invitando también a artistas multimedia como Françesc Torres o Enzo Minarelli a ejercer su magisterio.

Fanzines y cómics, moda, videoarte, instalaciones y performances, eventos, arte postal y música. También música experimental, ruidista, industrial, que retomaba la herencia futurista con una mirada benévola hacia la tecnología, todavía la máquina, con la ilusión de su uso con fines subversivos y liberalizadores, de lucha contra CONTROL y afirmación del individuo. Novelistas como Burroughs o Ballard habían pasado a ser referentes sustituyendo a pensadores, psiquiatras o filósofos.

Antes del final de la década esa vanguardia, efímera como toda buena vanguardia, se extinguió, aquejada de múltiples patologías (como se dice en estos días), entre ellas subvencionitis y cultura del pelotazo en general.

Les diré que intento no perderme los programas culturales de Aragón TV y admiro el altísimo nivel y calidad de nuestros creadores, jóvenes y no tan jóvenes. Pero pienso también que lo que se hizo en esos años fue el rudimento de todo lo que vino después. Me gusta contemplarlo como uno de esos felices momentos en que la alta cultura se une a la cultura popular, no olvidemos que muchos de los músicos de la new wave salían de Escuelas de Arte.  Su iconoclasia, la inmediatez y accesibilidad que daban soportes como el cassette, la fotocopia o el video, el háztelo-tú-mismo, su carácter alegal y desinteresado, la libertad de expresión individual tras años de ideologías y décadas de oscuridad (no olvidemos que veníamos de la gusanera, esa Zaragoza de curas y militares), la transgresión, el afán por nuevas experiencias, todo ello hacen de este periodo algo especial.

Quizás el interés por la vanguardia sea una supervivencia de la mentalidad infantil. Román poseía esa inocencia, esa curiosidad insaciable y ese afán de novedades, modelado todo por ello por una información y una formación en el gusto, fruto de muchos años de experiencia. De una educación exquisita, amable en el trato, bondadoso en grado sumo. Y generoso. A Román le encantaba regalar, y ejercer un poco de micromecenas. Pequeños regalos a los amigos y grandes, enormes regalos como éste que nos reúne hoy aquí: la colección de arte gráfico de más de 700 obras al Gobierno de Aragón.

(Breve inciso: 700 fueron también los discos que regaló a su amigo, vamos a llamarlo Carlos, según me contó hace poco este mismo. Habían trabado amistad tras coincidir varias veces comprando discos en la mítica tienda de fotografía Marín Chivite a finales de los años 60. No me los regalaría a mí porque sabía que yo terminaría vendiéndolos. Esa estantería en la casa de Carlos donde se encuentran es un cofre con algunos de los tesoros discográficos más valiosos de las últimas cuatro décadas del siglo XX. Y si añadimos la colección del propio Carlos, que a sus 70 años, y con un cáncer superado, sigue comprando discos con el mismo entusiasmo, ya tenemos otro museo imposible).

Pero, ¡ojo!, los regalos de Román tenían seguimiento. Y su hipersensibilidad le ocasionaba muchos disgustos con las que consideraba muestras de desconsideración, de aprovechamiento o de poco aprecio. Alguna vez se le llegaban a saltar las lágrimas recordando ingratitudes y agravios. Por eso sería tan importante que, de una vez, la institución recipiendaria (como diría Román) asumiera la tarea de darle la dignidad que merece a esta colección de arte que, según dicen, tiene un nivel internacional de primer orden.

Para terminar, quiero citar aquí un par de respuestas de la excelente entrevista, esta sí, que le hizo Antón Castro en 2002, veinte años después de la que iniciaba este relato:

Para ser coleccionista más que dinero es imprescindible la curiosidad, el espíritu de libertad, la buena fe.

El Arte me ha dado felicidad y amplitud de miras. Me atreví a abrir la ventana y a mirar por ella. Y entraron aires nuevos.

 

*Cortesía de Javier Cinca y Alejandro Ratia.

 

14/03/2020 10:31 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

LA EXPERIENCIA DE 'DE VUELTA CON EL CUADERNO'. CLARA MARTA MORENO

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¿Quién le iba a decir a Clara Marta Moreno que el proyecto ‘De vuelta con el cuaderno’ iba a llegar a los diez años y reuniría a más de 600 dibujantes de distintos lugares de España y del mundo, y que iba a convertirse en un fenómeno a imitar en Sevilla, Barcelona, Lisboa, ciudades de Estados Unidos como Portland o incluso en Marruecos? De entrada, ha cristalizado en la muestra ‘10 años dibujando (2009-2019)’, que puede verse en la Casa de los Morlanes. Y ya ha inspirado proyectos como ‘Compostela ilustrada’.

Clara Marta Moreno, profesora en las Escuelas de Arte y Diseño, se interesó por los diarios gráficos a los que quería dedicar su tesis doctoral; no tardaría en ver que el artista portugués Eduardo Salavisa ya había recorrido el camino que ella soñaba recorrer. Con todo, «tras un mes y medio de enfado», decidió seguir adelante y conectar con él, y concibió un bonito proyecto, ‘La revuelta de los cuadernos’, que iba a acoger la Fundación Norte y su coordinadora Ana Revilla. Aquella idea, pensada para los niños y para los alumnos de arte, no salió adelante, aunque llegó a presentarse en el Centro Joaquín Roncal.

Severino Pallaruelo en el origen

Algún tiempo después, el escritor, etnógrafo, fotógrafo y dibujante Severino Pallaruelo fue a la Escuela y se conocieron. El director, Jaime Ángel, les dijo: «Sois almas gemelas». Pallaruelo, un apasionado del cuaderno –«escribe textos y luego los ilustra; hace dibujos y luego les coloca notas», dice Clara Marta–, quiso saber qué hacía la profesora además de dar clases.

Le dijo que le interesaban muchos los cuadernos, y que incluso los había utilizado como herramienta en clase con otros profesores. «Severino se emocionó con la idea y me pidió bibliografía. Al final, por pereza, le mandé el proyecto y fue con él a las Cortes de Aragón, habló con el alcalde de Jaca, y le propuso que hiciese un curso sobre el cuaderno en la Universidad de Verano. Me llamó y me dijo que nos dejaban presentar el proyecto al día siguiente a las once. Esa noche hice la programación. El tribunal universitario no se lo podía creer, se chotearon de mí. “¿Un cuaderno de dibujos? ¿A quién puede interesarle eso?”. Hablaron de un curso para quince personas, y alguien dijo: “Y sobrarán plazas”. Al final se apuntaron 77 personas, y una década después hemos cerrado en 120 porque ya no es fácil», recuerda Clara.

La propuesta de Clara Marta Moreno se ha mantenido a lo largo del tiempo. «Hacemos seis ponencias de seis grandes dibujantes que cuentan un poco cómo trabajan, sus métodos, la relación con los materiales, qué le interesa más. Eso al principio se llamaba ‘Salir a dibujar con...’ Más tarde, empezamos a hacer sesiones más temáticas. Un año habíamos programado en el mismo curso, vinculado con el cine, a José Luis Borau, a Bigas Luna, que era un gran artista, y a Carlos Saura. Hubo cambio político y se retrasó el curso. Borau y Bigas Luna fallecieron y Saura tuvo que rodar ‘La jota’».

En ese curso de ‘Escenarios de cine’, los dibujantes se trasladaron al castillo de Loarre y luego a Murillo de Gállego, donde transcurría ‘Tata mía’, de Borau. «Al final conseguimos llevar a Javier Mariscal y a Ivonne Blake. Pasamos ‘Tata mía’ y fue una experiencia muy bonita. Los cuadernistas lo aprovechan todo. Con su pequeña luz, son capaces de dibujar de noche».

En los últimos años se han dedicado cursos a la arquitectura (‘Arquitectura en cuaderno’; se desarrolló en el verano de 2012 en la propia Escuela de Arte de Zaragoza), a la música (‘Son dibujo’, que se hizo en el balneario de Panticosa y en Sallent de Gállego en 2016) o al erotismo (‘La erótica del dibujo’, en El Plata en 2018).

A la primera cita de Jaca acudieron, entre otros, artistas como Álvaro Ortiz, Helena Santolaya, el citado Severino Pallaruelo, Agnes Daroca, pero también el francés Lapin, la italiana Simonetta Capecci o el norteamericano Gabi Campanario, fundador de ‘Urban Sketcher’ en 2008 con Enrique Flores, otro cuadernista incansable. Y, más tarde, acudirían artistas como Santiago Arranz, Pepe Cerdá, Lina Vila, Ignacio Mayayo, etc. O el arquitecto José Manuel Pérez Latorre, que también dibuja y pinta. «Cuando le contamos a Mayayo la idea, le pareció un poco inviable. No se veía. Y ahora es otro convencido», dice.

Los artistas van a su aire

Esta experiencia le ha cambiado la vida a Clara Marta Moreno y a muchos de sus colaboradores y amigos. En 2014, ‘De vuelta con el cuaderno’ se convirtió en asociación. «Cuando dibujas miras más intensamente, como dice el escritor y teórico John Berger. Cuando dibujas tienes que fijar la mirada, y luego debes analizar lo que estás viendo, ya sea de una manera intuitiva o no. A cada cosa que estás mirando le das su tiempo, su momento, su ubicación, y eso te hace reconocer las cosas. Cuando dibujas lo ves todo», señala.

Clara Marta Moreno revela que el lema es «Pásatelo bien dibujando». Matiza: «A la gente le entregamos un cuaderno japonés, tipo ‘leporello’ o acordeón. Y dejamos que vaya a su aire. Que se divierta. Que aprenda. Que contagie lo que sabe o lo que intuya. El clima es maravilloso de camaradería. Me encanta la entrega de la gente, la rapidez, la precisión, la ausencia de pereza. No se hacen juicios de valor. Puede venir quien quiera… A medirse, a probar, a escuchar».

Clara Marta insiste en que este proyecto no ha pasado inadvertido. Le encargan talleres en distintas ciudades de España, de Europa o de África. Y le proponen hacerlo en ellas.

Explica:#«Recibí propuestas para hacer los cursos en Barcelona, en Sevilla o en Compostela, donde di el taller ‘La tapa ilustrada’. Y dudé, claro. Pero al final pensé que ‘De vuelta con el cuaderno’ también era una magnífica oportunidad para contar y dibujar Aragón, y mostrárselo al mundo».

 

 

SE PUEDE COMER, OÍR UN CONCIERTO, VIAJAR Y DIBUJAR

«A veces, miras y te quedas estupefacto: la gente se tumba en el suelo, en la acera, se pone ante un edificio y lo levanta, línea a línea. Sin complejo alguno, con naturalidad. Miras de nuevo y te das cuenta de que a tu lado está uno de tus ídolos y pareces levitar», explica la coordinadora de la exposición, una de las más visitadas, cuyo diseño gráfico corresponde al Estudio Ductus:#Rubén Rodríguez y Choni Naudín.

«¿Qué de qué hablamos? De todo. Del arte dibujar, de materiales, de utensilios, y ya puestos en harina, de cómo se hace un rostro, una casa, una calle, un hotel, un paisaje. Son conversaciones apasionantes y sencillas, donde sucede algo curioso: el cuaderno, que en el fondo es algo particular e íntimo, se abre a los demás, si se quiere. Tampoco es obligado».

En la muestra de la Casa de los Morlanes hay de todo. Para los cuadernistas nada es imposible. Todo les interesa. Pueden comer y dibujar; pueden oír música y dibujar, algo que se ha puesto de moda a través de los trabajos de Santiago Ríos, Antonio Maestro y Gregorio Reales; pueden viajar en tren y elaborar álbumes increíbles que parecen el ‘storyboard’ de una película, viñeta a viñeta, etc.

Quizá por todo ello, por la versatilidad de los dibujantes y por esa clima de familia, apunta Clara Marta que «aquí no hay una voluntad artística exactamente. Es muy curioso cómo son las primeras páginas del cuaderno y cómo son las últimas o la otra cara».

Quizá por todo ello, la coordinadora ha confeccionado citas que se ajustan al espíritu del equipo:#«Un cuaderno es un lugar de encuentro». «Un cuaderno es una maleta con el equipaje plegado». «Un cuaderno es una pantalla donde contar historias». O esta, que refleja las grandes apuestas de los cuadernistas por las ciudades: «Un cuaderno es una alfombra de papel que puede transportar una ciudad entera».

«La exposición me emociona mucho por varias razones y me cuesta mucho estar sola aquí. Ahora completamos los cursos, que pasan a tener carácter bienal, con el ‘Cuaderno fest’ que hacemos en la Escuela, del que ya hemos organizado en dos ediciones. Me cuesta estar sola porque me hace pensar en los momentos que hemos vivido, en las conferencias, en la amistad...». Clara Marta dice que se enamora un poco de los artistas: «A mí me pasa con Lapin, que es como un caballero francés, elegante, un gran artista, increíble, o con Inma Serrano, maravillosa. Me pasa con casi todos», dice.

 

 

25/12/2019 10:35 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

MARGA CLARK RECUERDA A SU TÍA ABUELA MARGA GIL ROËSSET

Marga Clark: “Me pregunto si mi tía, que se suicidó,

se enamoró del hombre, del poeta o de lo imposible”

 

La escritora y fotógrafa recordó en Zaragoza a su tía, la escultora Marga Gil Roësset, que se quitó la vida a los 24 años con un revólver por amor a Juan Ramón Jiménez

 

 

Antón CASTRO

La escritora y fotógrafa Marga Clark (Madrid, 1944) ofreció, en la Biblioteca de Aragón, el una conferencia sobre la figura de su tía, la escultora Marga Gil Roësset (1908-1932) que, a la edad de 24 años, en 1932, tras destruir la mayor parte de su obra, se quitó la vida por un amor que ella consideró imposible hacia el poeta Juan Ramón Jiménez, Premio Nobel de 1956.

“En  las últimas décadas yo intento reivindicar su memoria y su figura como artista y creadora, ya que fue silenciada durante muchos años. Por esto escribí el testimonio novelado: ‘Amarga luz’, y el poemario ‘El olor de tu nombre’ (Premio Villa de Madrid 2008). Son mis dos formas de homenajearla y rescatarla del olvido”, explica Marga Clark, que ha expuesto en varias ocasiones en Zaragoza, en la galería Spectrum Sotos y en el monasterio de Veruela.

 

Aunque ha avanzado un poco su figura, ¿quién fue Marga Gil Roësset? ¿Cómo la definiría usted?

Fue una joven niña prodigio y una mujer de una fuerza y un espíritu apasionado, con un talento extraordinario para la escultura y el dibujo. Yo la definiría como una artista autodidacta, transgresora, innovadora, única y genial. Siempre adelantándose a su tiempo, como hacen los grandes creadores.

 

Creo que se había contado, y le habían contado, poco de ella...

Sí, estuvo enterrada en la tumba del olvido durante más de 65 años. Marga era un tema tabú en mi familia, tal vez la quisieron proteger de los prejuicios de aquella época, pero desgraciadamente así también silenciaron la genialidad de su obra.

 

Era escultora e ilustradora. ¿Cómo valora su obra?

Está considerada como una artista de vanguardia, sus obras son muy originales y personales. El primer cuento de dibujos que ella misma escribió y que todavía conservamos: ‘La niña curiosa’, lo hizo a los siete años. Marga impresiona por su dominio de diversas técnicas, porque va del dibujo a la escultura en pocos años y también en apenas diez años pasa del modernismo a la vanguardia.

 

Como artista, ¿al lado de quién la situaría?

Dentro de ese grupo de mujeres, artistas, intelectuales y creadoras como son las que pertenecen a la Generación de 27, como María Zambrano, Maruja Mallo, Rosa Chacel, María Teresa de León y otras muchas.

 

¿Qué vínculo tenía con Zenobia Camprubí Aymar, la esposa de Juan Ramón Jiménez, que era escritora y traductora?

Marga y su hermana Consuelo la admiraban mucho porque era la traductora de Tagore, que ellas leían con gran avidez, y cuando Zenobia la conoció aceptó encantada que le esculpiera su busto.

 

¿Se enamoró locamente de Juan Ramón Jiménez o la enamoró él?

Todo son suposiciones. Lo que sí conocemos son algunos hechos objetivos y lo que Marga nos cuenta en el emocionante e íntimo ‘Diario’ que escribió durante el último mes de su vida. Pero yo siempre me he preguntado si Marga se enamoró del hombre, del poeta o de lo imposible.

 

¿Cree que intentó que él la salvase o había decidido el suicidio?

El último día de su vida Marga fue a casa del poeta para hablar con él, ella ya llevaba el revólver envuelto en papel, que dejó sobre un mueble en la entrada. También le dejó su ‘Diario’ advirtiéndole que no lo leyera hasta más tarde. Yo siempre me he preguntado qué pretendía verdaderamente con esta visita. Acabó suicidándose con ese revólver.

 

¿En qué medida sería, también, una ‘sinsombrero’?

En la medida que era un espíritu libre, tremendamente creativo y muy avanzada para su época, como eran todas ellas.

 

¿Ha crecido su figura como creador con el paso del tiempo o no?

Sí, su obra ha comenzado a trascender y a despertar el interés de críticos y estudiosas a nivel internacional. Su obra lenta pero inexorablemente empieza a brillar con luz propia. Algunas estudiantes están haciendo su tesis doctoral sobre su obra. Ya hemos conseguido que el municipio de las Rozas, donde ella murió, le conceda la distinción de Hija Adoptiva y que la Biblioteca de las Matas lleve su nombre.

 

A usted poeta y fotógrafa, ¿qué le ha dado Marga, además del nombre?

Mi tía Marga siempre ha sido una ausencia muy presente en mi vida. Se convirtió en una especie de voz interior con la que yo hablaba constantemente, sobre todo cuando de muy joven me fui sola a estudiar a Estados Unidos, y no me cabe la menor duda que alimentó mi espíritu y que me inspiró para lanzarme al mundo de la creación.

 

24/12/2019 18:03 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

MAVI ARBELOA Y AURORA CHARLO, DOS ARTISTAS EN A DEL ARTE

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En la galería A del Arte puede verse una doble exposición, o una exposición de dos mujeres y grandes amigas y compañeras de viaje en el arte: los retratos de María Victoria Arbeloa, esculturas muy trabajadas, de rostros femeninos, y las acuarelas de Aurora Charlo. Dos maestras en su oficio de mirar, soñar y transformar la materia en arte. Mavi Arbeloa es una trabajadora de los matices, del escorzo, de los ojos y de algunos términos o valores abstractos de las virtudes humanas. Su obra es meticulosa, elegante, depurada y personal: trasciende inmediato con plasticidad y con una gran capacidad de persuasión.

Creo que la primera vez que vi a Aurora Charlo fue en Albarracín, con sus pinceles, sus acuarelas y el agua en la mano. Ante el Guadalaviar, en el cementerio y en el mirador hacia las murallas. Allí, me habló de su técnica, de su trabajo, de su ambición, de su sentido entre telúrico y lírico del oficio.

Aurora Charlo posee una técnica poderosa. Es difícil hallar a alguien que tenga ese virtuosismo con la acuarela. La domina en todos sus términos y matices. Como diría Dámaso Alonso, su obra es un puro gozo para la vista. Y es una invitación a indagar: está, de entrada, esa impresión general, que abraza distintos aspectos: el equilibrio cromático, la soltura y la belleza, la suavidad y la energía, el embrujo o el puro misterio. Apetece siempre habitar sus cuadros. Avanzar en ellos, pasear, respirar, sentirlos en uno y sentirse unidad en ellos. De la segunda observación emergen los detalles: la elección de un blanco que también es descanso y sugestión, casi un trampantojo sentimental, el fulgor decisivo de un rojo, las masas, el temblor que eriza las aguas, la alfombra desmayada y acaso metafísica de las nieves. Nieves. Aurora Charlo ha dividido su propuesta en tres partes: ‘Nieves’, ‘Aguas’ y ‘Tierras’, que son las superficies de la artista andariega, que divisa e interioriza paisajes y que luego recuerda, deslíe y consuma en el estudio. Y la tercera mirada es la más íntima: de proximidad, de puro placer, de entrega. De necesidad de ver más adentro. Ahí se percibe, aún más, mucho más, cuantas, cuantas cosas hay en las acuarelas de Aurora Charlo: arrecifes, remansos, suspiros, el ocio sublime, fogonazos, el gesto inadvertido, la melancolía, el señorío asombroso de la técnica, de la sensibilidad y de los matices. El afán de que la acuarela sea un arte mayor, un arte del alma, una transformación ambiciosa del sentir.

Aurora Charlo tiene un estilo. Un abanico de color. Un modo de hacer y desplazar la luz en la trama de sus naturalezas donde rara vez asoma el ser humano. A veces lo hace como si fuera un pájaro, un latido de autobiografía y la constancia de la pequeña inmensidad que somos. Con todo, o con ese bagaje, la pintora Aurora Charlo va un poco más y juega, experimenta, ensaya rojos, granates, blancos (que son el hueso y el corazón del papel, que son estremecimientos de una tonalidad clara, sí, que son la presencia invisible de los dioses o de un fantasma acaso inadvertido), y logra crecer aún más, evolucionar, expandir. Logra, sí, una obra nítida, sugerente, en diversas formatos, que tiene algo de diario de viaje, de cuaderno de ensayos, y a la vez de obra mayor, pensada, sentida y elaborada con ese deseo de hermosura constante.

Quedan pocos días para ver y disfrutar de Mavi Arbeloa, y su mundo de expresividad y de suavidades, y asomarse a la naturaleza deslumbrante que sueña y nos ofrece Aurora Charlo, y que dedica a su compañero de vida y de viajes y de pasión Salvador.

 

*La muestra 'Dos mujeres en el arte' concluye el próximo sábado día 21.

 

19/12/2019 07:16 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

NACHO ARANTEGUI EN EL VALLE DE HECHO

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Este fin de semana se respiraban nuevos aires culturales desde el medio rural altoaragonés que han comenzado con la convivencia entre artistas llegados desde diferentes puntos con vecinos y visitantes, cerca de 150 personas se han dado cita en el valle de Hecho. El motivo es que el Ayuntamiento y varios jóvenes del municipio se han lanzado a una nueva aventura que lleva por nombre Lo Mon Contemporáneo (La Montaña Contemporánea) y plantean un nuevo concepto basado en la residencia artística. Cuatro artistas desarrollarán hasta mediados de septiembre una obra específica que tendrá mucho que ver con la naturaleza que rodea esta zona.

  

A grandes rasgos, lo Mon Contemporáneo podría definirse como la versión renovada y actualizada del simposio de escultura realizado en los años setenta y ochenta que, como recordaban algunos vecinos, supuso todo un acontecimiento social en aquella época y todavía se nota ese germen cultural en las nuevas generaciones. Hoy en el Pallar d’Agustín, en el Museo de Arte Contemporáneo que quedó de esa experiencia, se han encontrado algunos de los que entonces participaron activamente y quienes ahora toman el relevo: dos aragoneses, Nacho Arantegui y Alberto Martínez, el músico navarro Pablo Villafranca y la artista internacional Mariam Kvirikashvili, de origen georgiano.

  

Desde hoy los cuatro artistas convivirán en un espacio municipal que ha puesto ha disposición el Ayuntamiento y trabajarán en sus propias obras que “irán surgiendo del contacto con el territorio”, apuntaban algunos de ellos, y estarán en relación con sus respectivas líneas de trabajo: el medio ambiente, la escultura, la música y lo visual. En unos meses, de cara a noviembre, se quiere continuar con un pequeño festival que ponga en común lo trabajado con otras actividades en las que plantean algún concierto, instalaciones, perfomances o mapping.

https://www.cartv.es/aragoncultura/nuestra-cultura/lo-mon-contemporaneo-una-nueva-aventura-cultural-desde-el-medio-rural-altoaragones-altoaragones

'Lo Mon Contemporáneo', una aventura cultural desde el medio rural altoaragonés Los aragoneses Nacho Arantegui y Alberto Martínez, el músico navarro Pablo Villafranca y la artista internacional Mariam Kvirikashvili inician una residencia artística en el valle de Hecho
www.cartv.es

 


Contarte que Alberto Martínez es un calígrafo y escultor zaragozano que ha realizado un banco de piedra caliza con inscripciones en bajo relieve de palabras en cheso. Pablo Villafranca es un música navarro que está componiendo un disco mezclando la jota con el reggaetón, el trap y otras músicas urbanas, están participando vecinos de Hecho, por ejemplo un compositor organista, otro toca la guitarra, cantan las jóvenes... el resultado del "jotatón" es sorprendente. Por su parte la georgiana Mariam Kvirikashvili tiene un trabajo minimalista, construye un altar con pequeños objetos encontrados, piedras y configuración con barro de Aguas Tuertas. 

Por mi parte he podido recorrer el valle de norte a sur, me he sumergido en paisajes deslumbrantes, profundos y seductores, en ocasiones inquietantes al caminar por territorio de la osa Claverina, que por cierto tiene a los ganaderos bastante cabreados. Me atrajo mucho un espacio natural de Siresa, el Barranco del Hospital, lo recorrí de abajo a arriba siguiendo el río, escuchando, oliendo, contemplando su fisonomía, en ocasiones sumergido en la frondosidad del bosque, otras admirado ante la verticalidad de las paredes de roca con su reiteración de capas, a veces rectas, otras de sugerentes sinuosidades. Las pozas azul turquesa son otro de los atractivos de este barranco, los fondos sorprenden con la pureza de  formas de las piedras de cantos rodados. He disfrutado en soledad de este atractivo e inspirador paisaje, pero la verdad nunca he estado solo, siempre los pájaros, especialmente los graznidos de los cuervos resonando con fuerza en el barranco, un día me cruzó un hermoso corzo, otro pude filmar a un jabalí, compañeras las mariposas revoloteando, libélulas de colores vivos y un sin fin de insectos. 

En el barranco del Hospital me han llamado especialmente la atención los patrones o dibujos en las rocas, las marcas de los niveles del agua por ejemplo, que en esta zona contiene mucha cal, me llevaron a crear una de las piezas (en las fotos que te mando PATRONES III, IV, V). En otra la superficie de roca presentaba hendiduras definidas en capas, me recordaba las curvas de nivel de los mapas topográficos, siguiendo estos patrones llevé a cabo otra pieza (en las fotos PATRONES 2 I,II,VI). Para ambas utilicé barro blanco y pigmentos minerales naturales.

Durante la exploración del barranco encontré un espacio que me hechizó, uno de esos lugares en los que percibes la morada de los seres feéricos. Un recoveco poco accesible, al que se llega trepando desde el lecho de río, descubre paredes con protuberancias de vibrante musgo y plantas de agua alimentadas por una constante y sonora cortina de agua. La contemplación de aquel mágico lugar pronto mostró una cara que me dejó contrariado, había todo tipo de basura esparcida, me llamó la atención el sonido del agua que al caer golpeaba en un plástico negro incrustado en la tierra, también la piernita de una muñeca de plástico color carne que emergía del musgo. Seguí mirando con detenimiento, un antiguo somier de malla metálica oxidada, cristales, botellas de plásticos, materia orgánica propia de restos de huerta... cuanto más ascendía por aquel paraje más basura y escombro encontraba, me llamó la atención un antiguo cuenco de cerámica semienterrado, lo tomé y me sorprendió por su belleza y buen estado. Investigué sobre el tema de las basuras en esa parte del barranco, hablé con una concejal de Siresa y con los gestores ambientales de la zona. Al parecer hace años se tiraban al barranco las basuras, como en otros tantos lugares era la manera de deshacerse de los desechos.  Descubrí que el agua que daba vida y configuraba la fisonomía de ese lugar escondido, se formaba por una acequia de caudal constante que desembocaba en la pared del barranco y que sus canales también regaban las huertas de Siresa. Me pareció paradójico que vecinos del pueblo, creadores al fin y al cabo de ese extraordinario y hermoso lugar, al mismo tiempo lo tuvieran en tan poca consideración. 

Decidí llevar a cabo una actividad dentro de la residencia artística para limpiar el entorno de la cortina de agua, a la convocatoria acudió gente de todas las edades, conseguimos sacar el somier, un wáter, llenamos sacas de basura de todo tipo... El proceso de reconocimiento del espacio también me llevo a conocer una de las rocas características de esta zona, la toba o tosca, una roca caliza muy porosa que se forma por la precipitación de carbonato cálcico en forma de calcita. En la Val d'Echo se utilizó mucho en la construcción, fundamentalmente en chimeneas o cadieras. Es muy ligera y fácil de trabajar, con un hacha le puedes dar forma. 

Con las experiencias vividas, las sensaciones, emociones y el conocimiento adquirido me dispuse a realizar una escultura que estableciera una comunión con el espacio. Toscagua es una pieza formada por piedra tosca que me proporcionaron de casas de derribo y que en su día extrajeron de una cueva en el mismo barranco. También pude extraer yo mismo algunos bloques sueltos, con todas las rocas fui dando forma a una peana o columna, integré una pieza que encontré en una caminata, una de esas causalidades, un fragmento de roca caliza en la que descubrí deslumbrado cuarzo en forma de gota de agua. La columna coronada por el cuenco de porcelana encontrado, presentado un tanto inclinado para recoger agua de la cascada y verterla sobre la roca de la gota de cuarzo. Un espacio oculto, una naturaleza que aporta una vivencia íntima, delicada, propicia para la contemplación, un encuentro con una naturaleza que existe gracias a los vecinos del pueblo de Siresa, allí los seres humanos y la naturaleza se abrazan para ofrecernos una experiencia bella. 

Además de las piezas que he podido llevar a cabo en el Barranco del Hospital, mi residencia se completa con una velada artística y ambiental (de formato reducido) en otro de los parajes que me ha maravillado, Selva de Oza, zona del yacimiento arqueológico La Corona de los Muertos. En la velada se van a tejer lazos, sinergias con las gentes de la Val d'Echo, participará la Coral y personas del grupo de teatro del pueblo, también otra vecina, Gema,  una geóloga que atesora conocimiento como para abrirnos las puertas al pasado de estos territorios. Para la ocasión también contaré con la cantate de lírco Pilar Marqués, el músico Alfredo Porras, la bailarina Miren Saralegui y Gonzalo Catalinas.  El evento tendrá un aforo limitado, se llevará a cabo un pase para 50 personas el 1 de noviembre y dos pases de 50 personas el 2 de noviembre. 

 

13/10/2019 22:44 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

DESDE ABIZANDA Y SU PAÍS DE MOÑACOS

Títeres guante, clown, poesía y metateatro en la clausura del II Festival País de Moñacos

Los Titiriteros de Binéfar reconocen, además de al homenajeado ayer Luis Pardos, la trayectoria artística de ‘Teatro Arbolé’ y ‘Teatro de Medianoche’ con el galardón ‘Raposeta’

Siete propuestas escénicas para todos los públicos despiden el domingo la segunda edición de la muestra de teatro de títeres aragoneses

 

[Nota de José Luis Pano.]

Abizanda. 27.07.19._ El telón de la Casa de los Títeres de Abizanda se bajará en la noche del domingo con una propuesta escénica innovadora y dirigida al público adulto: ‘Adagio’, del prestigioso titiritero zaragozano Karlos Herrero. Pero antes habrá propuestas para público infantil como ‘Cuentos de las estrellas’ de Títeres Sin Cabeza (12.00), ‘El Cruce’ en doble sesión de mañana y tarde por A2Manos, y ya por la tarde dos montajes: ‘Versos desde mi ventana’, de Proyecto Caravana (18.00) y Telón de cielo, de Víctor Biau (20.00). En todas estas obras se fusionarán los títeres de guantes, el teatro clown y la poesía para más allá de contar historias, transmitir sentimientos. Será el broche al II Festival País de Moñacos que reúne desde el jueves en Abizanda (Comarca de Sobrabre) a doce compañías aragonesas, más una invitada italoargentina, en la muestra referente del teatro de títeres hecho en Aragón.

La actuación de Karlos Herrero, a las 22.00, es un ejercicio de metateatro en el que un muñeco da vida a otro utilizando una técnica japonesa, el kuruma-ryngyo (muñeco de carro) que proporciona una naturaleza cálida, una suerte de humanidad de gran seducción. Con la música de Mahler de fondo, se reflexionará sobre la muerte, entendida no como final sino como nuevo principio, y sobre la trayectoria vital del personaje, un limpiador de teatro.

La programación infantil correrá a cargo de Títeres Sin Cabeza que nos llevarán al mediodía hasta el firmamento para escuchar las historias de los planetas y de La Luna en ‘Cuentos de las estrellas’.

Mientras en la Carpa del Tangram, la compañía invitada a este festival aragonés, la italoargentina A2Manos pondrá en escena de nuevo ‘El Cruce’, con pases a las 13.00 y a las 17.30.

La programación doble de tarde tendrá a la poesía como hilo conductor en la primera función, ‘Versos desde mi ventana’, de Proyecto Caravana (18.00), basado en máscaras, objetos, títeres de guantes y clown. Estas dos últimas técnicas, tomarán de nuevo la escena a las 20.00 con ‘Telón de cielo’, de Víctor Biau, un montaje basado en las pantomimas para títeres del autor argentino Guaira Castilla y que ha recorrido el extranjero cosechando éxito de crítica y público.

A las 16.30 en Casa Maza, se servirá el último café tertulia, que protagonizarán la compañía oscense A Contraluz, formada por dos maestros con vinculación titiritera que han investigado sobre el teatro de sombras como recursos pedagógico en el aula.

75 años de teatro

Tras el reconocimiento brindado en la jornada del viernes al empresario de teatro de revista Luis Pardos, que se inició como artista con los títeres, Los Titiriteros de Binéfar también han reconocido esta tarde a dos de las compañías más veteranas de este popular género teatral: Teatro Arbolé y Teatro de Medianoche, con 40 y 35 años de trayectoria respectivamente. Entre las dos suman tres cuartos de siglo dignificando el oficio de titiritero por escenarios de toda España y es por ello que en el ecuador del festival Pilar Amorós y Paco Paricio les hicieron entrega del galardón ‘Raposeta’ instaurado en este edición de la muestra para reconocer el trabajo de las compañías aragonesas. Ambos grupos han protagonizado el café tertulia que continuará mañana con los oscenses A Contra Luz a las 16.30 en la Casa Maza.

Para Pilar Amorós y Paco Paricio, directores del festival, la entrega del galardón a estas compañía supone “un reconocimiento a toda una vida dedicada a este arte que puede haberse considerado menor pero que no lo es. Las dos compañías empezaron de forma artesanal hasta que se han ido profesionalizando haciendo trabajos estupendos”. Asimismo durante la charla se ha destacado la evolución de este género en las últimas décadas “que poco a poco ha recibido el apoyo institucional y el respeto que el resto de artes escénicas van teniendo al teatro de títeres”, ha señalado Amorós.

Domingo Castillo, cofundador de Teatro de Medianoche, junto a Araceli Gil y su hija Ángela, estaban “muy emocionados por recibir un premio y un reconocimiento de los compañeros. Estar en Abizanda en un sitio tan especial y tan hecho para los títeres y que te den un premio tus compañeros es muy bonito”.

Por su parte, el gerente de Teatro Arbolé, Esteban Villarocha, ha señalado que estos 40 años ha supuesto “un viaje que nos ha permitido consolidar una empresa de exhibición, formación y producción que hoy nos sitúa como referente nacional e internacional”. Asimismo ha destacado “el proceso político que supuso la Transición de la dictadura a la política para este viaje artístico y profesional, que pasa de la marginalidad a la excelencia en este periodo. Hemos pasado de la intuición a favor de la cultura y la educación a un proceso de investigación en el hecho artístico. Hemos aprendido haciendo teatro”.

La jornada del sábado estuvo marcada por la poesía tanto visual como literaria de la mano de la compañía italoargentina A2Manos con su obra ‘El Cruce’ y de Oswaldo Pai que echó mano de su ingenio y lirismo para presentarnos ‘Artilogios’, un juego de palabras en el que diversos objetos mecánicos o eléctricos evocaron los poemas de Maria Elena Walsh, Federico García Lorca, Gloria Fuertes, Gerardo Diego, Elsa Bornemann, Antonio Rubio… y del propio titiritero.

En la doble sesión de tarde, Teatro Arbolé se ha subido primero al escenario para llevarnos con ‘Leocadia y los ratones’ a una biblioteca imaginaria donde se guardan las historias con misterios por resolver, y después de nuevo la poesía, esta vez de Gloria Fuertes, ha sonado en el auditorio de la mano de Títeres Sol con la obra ‘Estoy ConTenta’.

El cierre de la jornada del sábado lo ponía La Tía Helena con ‘Formas de perder la cabeza’, en la segunda actuación para adultos, con una serie de historias breves para rendir homenajes a la ópera, la poesía y la comedia.

 

 

Más información en www.lacasadelostiteres.com . La compra de entradas se puede realizar en la propia web o en taquilla una hora antes de la función. La entrada al teatro incluye la visita al museo que se abre una hora antes de cada representación, así como a los juegos posteriores en la era con las compañías participantes.

 

Pilar Amorós: 637723388

Paco Paricio: 609701377

Oficina Titiriteros – 974 428 218

 

 

PROGRAMACIÓN

II FESTIVAL PAÍS DE MOÑACOS. TITIRITEROS DE ARAGÓN

Domingo 28
12:00 h. Cuentos de las estrellas TÍTERES SIN CABEZA
13:00 h. Carpa del Tangram 
El Cruce A2MANOS
16:30 h. Café-Tertulia con A Contraluz “El teatro de sombras en el aula”
17:30 h. Carpa del Tangram 
El Cruce A2MANOS
TARDE. PROGRAMA DOBLE
18:00 h. 
Versos desde mi ventana PROYECTO CARAVANA
20:00 h. 
Telón de cielo VÍCTOR BIAU
NOCHE. PROGRAMA ADULTOS
22:00 h. 
Adagio KARLOS HERRERO

 

INFORMACIÓN PRÁCTICA

Precio entrada:  7 €
Grupos y web:  6 €
Programa doble tardes: 10 €
Precio carpa Tangram: 3 €
Información y reservas:  974 428 218
Compra las entradas en:  
www.lacasadelostiteres.com
Ó en taquilla una hora antes de la función.
La entrada al teatro incluye la visita al museo que se abre una hora antes de cada función y los juegos posteriores en la era.

 

 

27/07/2019 20:30 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

SERGIO ABRAÍN EXPONE EN LEÓN, EN ÁRMAGA

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Sergio Abraín (Zaragoza, 1952) tiene la sensación de que la vida y el arte convergen en puntos concretos. En espacios del tiempo y de la memoria. Hace más de 40 años, en concreto en 1977, expuso en las salas de la Diputación de León gracias a un leonés afincado en Zaragoza: José Luis Rodríguez García, profesor y escritor que aún tiene fresco el libro de cuentos ‘La residencia’. Entonces, lo presentó el poeta Antonio Gamoneda, coronado hoy con el Premio Cervantes. Y ahora, gracias al interés de otro poeta, Miguel Escanciano, Sergio Abraín, tras su gran exposición antológica en la Lonja de Zaragoza, regresa a León con otra muestra: ‘Metalíricos’, una treintena de cuadros de varios tamaños, datada entre 2017 y 2019.

“La vida es como un círculo que vas recorriendo en diversas épocas. La poesía y los poetas han sido claves en mi vida artística. José Luis Rodríguez fue clave en mi presencia en León, donde he estado luego dos veces más por lo menos, expuse en 1978 y en 2004 de nuevo. Y fue gracias a Gabriel Albiac, el filósofo, que puede exponer en Madrid”, señala.

Ese recuerdo, en el abanico de las asociaciones libres, le lleva  a otra parte: “Gracias a él, que era el novio de su hija, pude conocer a Ángeles, la viuda de Julián Grimau, fusilado en 1963. Ella era la responsable entonces de los Multicines Buñuel, que estaban en la calle Francisco de Vitoria y que han sido básicos en la historia del cine en Zaragoza, y me compró dos cuadros. Fue una experiencia preciosa para mí. Era una mujer extraordinaria. Han pasado 40 años”, dice.

El azar de la conversación sigue y sigue por el río del tiempo que se abre a los afluentes incesantes de la memoria. “Han pasado cuatro décadas también de la presencia del artista José Pérez Ocaña, Ocaña, en la galería Patagallo, que llevábamos mi compañera Concha Orduna y yo. Fue una experiencia única: no pasó inadvertido. Trajo cuadros y realizó dos instalaciones”. Una sobre la Divina Pastora de Cantillana, pintada al huevo y envuelta en flores de papel, y la otra era un velatorio; en el ataúd había una novia muerta, “para dar susto al miedo y a la ironía”, escribió en HERALDO el crítico de arte Ángel Azpeitia, que agregaba un domingo 14 de octubre de 1979: “Más que ingenuo –y se hace, poco a poco, con la mucha actividad, sabio-, Ocaña es popularista y se nutre en lo popular. Y religioso a su manera, en la que siente los sentires del pueblo”.

Añade Sergio Abraín: “¿Por qué recordamos aquí a Ocaña? Todo está conectado. Ahora en La Harinera se le rinde un homenaje en la muestra ‘Incienso y romero’. Ocaña murió el 18 de septiembre de 1983, a consecuencia de unas quemaduras que sufrió en su pueblo, en Cantillana. Lo más curioso es que habíamos hablado y habíamos apalabrado una exposición en la galería Caligrama-Patagallo y quizá en otros dos sitios. En realidad, estaba cerrada”.

El artista se zambulle ahora en su exposición reciente, conectada con Miguel Labordeta, el autor de ‘Metalírica’. “Presento obras intimistas y con una narrativa muy personal. Propongo otros mundos a través de ventanas. Hay imágenes veladas que sugieren presencias lejanas y, en cierto modo, sigo en eso del cuadro del cuadro”.

 A Abraín, como se veía en su muestra de la Lonja, le fascina ese experimento y los dioramas. “Mis cuadros tienen hilos ocultos de historias y respuestas ocultas. Todos los cuadros son preguntas sobre el propio proceso creativo, que muchas veces surge de forman imprevisible. Los dioramas con como pequeñas historias de cine negro”, agrega.

Artista de los materiales y de la búsqueda, pintor e investigador del color en su estudio, a solas o con sus alumnos, explica aún más ‘Metalíricos’: “Las obras son proyecciones de esos ritmos y conflictos estéticos ‘in situ’, y anuncian otros caminos impredecibles e insospechados”.

Sergio Abraín aboga por algo que desde Aragón rara vez se ha sabido hacer: no ha habido convivencia ni intercambio con los artistas de otras comunidades autónomas. “Como ve mi vínculo con León y sus poetas, Antonio Gamoneda, Victoriano Crémer, el mismo Julio Llamazares y Miguel Escanciano viene de lejos, y siempre, siempre, ha supuesto una experiencia positiva para mi evolución de mi obra como para mi reflexión de artista, como para el contacto artístico y literario”, concluye.

Su muestra, ‘Metalíricos’, permanecerá abierta hasta el 14 de julio.

 

03/07/2019 07:00 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

HOMENAJE A ANTONIO ARTERO EN MADRID. (UN DIÁLOGO CON EL CINEASTA)

[Desde mañana, 13 y miércoles, y hasta el 21, en la Fundación Anselmo Lorenzo de Madrid se le rinde homenaje al cineasta aragonés Antonio Artero Coduras, el autor de 'Monegros', 'Trágala perro' o 'Cartas desde Huesca'.]

 

Antonio Artero fue de niño el hijo de la repartidora del pan. Su padre murió un poco antes de su nacimiento y él nunca conoció los secretos de una familia convencional. Ni siquiera estaba bautizado, lo que lo llevó a vivir con cierto disimulo. “Ella era republicana y muy antifranquista, claro”. De ahí brota su primer recuerdo: cuando tenía tres o cuatro años iba –con una familia de verduleros que lo había recogido- a visitar a su madre que estuvo presa durante seis meses en la cárcel de mujeres de la calle Manifestación y siempre le llevaban naranjas. El verdadero tesoro de su niñez, además del libro Corazón de Edmundo de Amicis que le regaló una profesora a los siete u ocho años, era aquel cine que Artero hacía con sus amigos en casa o en la calle, con tiras de los tebeos de Roberto Alcázar y Pedrín o El guerrero del antifaz.
-Cogíamos un tebeo, lo recortábamos y lo íbamos pegando en tiras, a veces incluso por atrás. Y luego lo enrollábamos en dos palos de polo de helado. Y a la caja le hacíamos un rectángulo, a modo de pantalla. Metíamos los palos por el interior de la caja y los íbamos haciendo rodar. Así le podíamos dar continuidad a la aventura. Al final, mi madre viendo mi gran afición, con diez u once años me compró un cine Nic con proyector y un buen puñado de películas más bien absurdas.
La vocación cinéfila de Antonio Artero había nacido en las tardes del Iris o del Monumental, en aquellas sesiones infantiles de cine del oeste.
-Vinieron unos amigos republicanos de mi madre de Barcelona, que habían sido represaliados y desterrados en Zaragoza, y el día de Navidad nos llevaron a mí y a mis amigos al elegante El Dorado a ver la primera película de Walt Disney, Blancanieves y los siete enanitos, a mediados de los años 40. Aquella cinta me golpeó mucho: era una película de terror absoluto que me provocó pesadillas. Por su color, por aquella madrastra tan mala. Pero en realidad, yo llegué al cine más bien por los tebeos porque el cine estaba muy lejano, luego aquel lío de las toleradas y no toleradas, y sobre todo por el juego de la caja de zapatos.
Una vez acabado el bachillerato, trabajó de botones en una oficina, luego en laboratorios Ártica de papillas y finalmente en el Banco de Bilbao. Sus inquietudes artísticas iban en aumento, de tal forma que frecuentaba una tertulia en el café Baviera con otros amigos como Ángel Azpeitia.

-Éramos víctimas de las ironías de Miguel Labordeta, que nos llamaba La Deposición. Nosotros surgimos por oposición al café Niké, del que decíamos que lo formaba un grupo de dinosaurios. Fundamos un teatro de cámara, el Cigarral. A Niké lo considerábamos lo establecido, el orden. En esa época estrené mi primer corto, La Herradura, sobre la Base Aérea Americana y lo presentó con valentía Guillermo Fatás Ojuel en el Cineclub de Zaragoza.

Artero acabaría pasándose a la tertulia DEL Niké, pero por aquellos días, en que ya se empezaba a pedir en la taberna la botella de vino con cacahuetes, veía a José Luis Borau que hacía peña vespertina en Casa Félix con José Pérez Gállego y Eduardo Fauquié, o iniciaba su amistad con José Luis Pomarón.
-Pomarón fue esencial para mí. De él aprendí técnica, aprendí a manipular una cámara. Era un técnico estupendo y un gran artesano. Yo creo que es el Hombre del cine en Zaragoza y apostó muy fuerte con Moncayo Films. ¿Víctor Monreal? Creo que son incomparables. Era un buen fotógrafo, un excelente profesional, pero no tenía el talento creador de Pomarón. Yo trabajé con éste como actor en El deseo de cristal. Algo más tarde, gané el premio de guiones Club Cinemundo. Te daban un dinero con el que podías hacer tu primera película, que fue Lunes, donde abordaba un timo de pisos que había vivido muy de cerca en la Zaragoza de los 50. En esa época ya me había pasado a Niké.

-Agregue su particular visión a la leyenda del café.
-Niké era un lugar de encuentro sin declaración alguna, sin programa. Los que andábamos por allí teníamos el estigma del marginado. Éramos sospechosos: sospechosos políticos, sospechosos poéticos, sospechosos sexuales, sospechosos pictóricos. Todos estábamos bajo sospecha. Y no es que el Niké fuera unitario, salvo en lo que concernía al rechazo al régimen. ¿Cuál fue la suerte del Niké? Pues que hasta el actual Rey, que también era un sospechoso iba allí casi todas las tardes a tomarse su té con pastas. Iba y se sentaba en la misma silla en que lo hacía Julio Antonio Gómez. Siempre nos lo contaba el camarero Ernesto, que era muy entrañable y muy alcahuete, “ha estado esta tarde con su hermana la ciega”, nos decía.

-Ha hablado de Julio Antonio Gómez...
-Sí. Qué puedo decirle. Murió de amor. Era la inmensidad, un hombre muy inefable. Todos conocemos su vida exterior; su vida íntima era infinita, era como una zambullida en el abismo.

-¿Qué relación mantuvo con Miguel Labordeta?
-Miguel Labordeta era cualquier cosa menos el poeta provinciano que algunos creen. Él nos traía esos poetas desconocidos y despreciados como Vladimir Maiakovski o César Vallejo. Sabía antes que nadie lo que estaba pasando en Europa o en el mundo en la poesía. Fue un magisterio continuo para mí, como lo fueron Manuel Rotellar, el citado Pomarón o Eduardo Faquié. Le dediqué a finales de los 80 una Biografía interior en TVE en la que intervenían su hermano José Antonio Labordeta, su hija y sobrina de Miguel Ana.

Artero ya estaba inmerso en la vorágine de la curiosidad, de las artes y del compromiso. Y eso le llevaba a frecuentar París siempre que podía. Visitaba a los exilados o la Cinemateca.
-Yo quería cambiar el mundo. Son esas cosas absurdas y maravillosas de los 18 años, aunque sigo pensando lo mismo. Empecé escribiendo una obra de teatro que envié al premio Lope de Vega, pero pensé que el cine podía llegar a más gente y ser más eficaz. Mi madre solía decirme: “Hijo mío, juegas contra los americanos y no tienes nada que hacer. Vas a perder”. Pero el cine me apasionaba cada vez más y me había propuesto estar en el mundo a través del cine.
El paso siguiente, en los primeros 60, fue dejar el Banco y trasladarse a Madrid, a la Escuela Oficial de Cine. Allí coincidió con Berlanga, Saura, Borau, Claudio Guerín, Pilar Miró. Volvió a dar muestras de su inconformismo, de su heterodoxia pertinaz.
-Realicé, entre otros trabajos, el corto Doña Rosita la soltera, que me cortó Fraga. Yo quise meter unas cuñas que situasen aquel drama, una crítica de la educación sentimental condicionada por la I Guerra Mundial, las famosas huelgas, la Semana Trágica de Barcelona. La obra es muy necrofílica. Pues bien, quise meterle unos apuntes del No-Do y de un documental de Fernández Cuesta, Vivir en Madrid, realizado por oposición al de Fredéric Rossif Morir en Madrid, pero Fraga cercenó esas cuñas.

-Borau tuvo un detalle muy hermoso con usted...
-Tengo una muy buena relación con él. Él mandaba una crítica para la última página del Heraldo de Aragón y a veces me encargaba a mí que la hiciese yo y firmaba Interino. Pero no sólo eso: cuando iba a pagar mi matrícula en la Escuela, siempre me decían: “Su matrícula ya la ha pagado el Señor Borau”. Él sabía de mis apuros económicos. Borau es una persona muy delicada y exquisita, de una bondad indescriptible. Siempre he sentido agradecimiento. Ni siquiera tienes que humillarte ni él deja que te humilles. Hay una cosa curiosa: Borau y yo fuimos los únicos que terminamos la carrera en tres años en la Escuela, que por otra parte era como una especie de espejo deformado del Niké, otro lugar de encuentro de marginados y sospechosos que solían cometer barbaridades. Y terminé la carrera porque necesitaba méritos para empezar a trabajar y ganar algún dinero. Estaba acuciado por el hambre, esa es la verdad.

Y para que no faltase la polémica que siempre acompañó su trayectoria, Artero era vigilado de cerca por el coronel Fernández Posada, del Servicio de Investigación Militar, quien descubrió que al joven cineasta le habían falsificado (y regalado) en Zaragoza el certificado de Reválida. Le hicieron un juicio en Zaragoza y fue expulsado, aunque cuando se hizo efectiva la sentencia ya había terminado los tres años de estudios en la Escuela, con espléndido aprovechamiento. Paradojas de la vida: su buen rendimiento académico le hizo acreedor de una beca para ir al festival de Cannes. Serrano de Osma, que era el decano, lo llamó al despacho y le dijo: “Con mucho dolor de corazón, no nos queda más remedio que darle la beca a usted, Artero. Pero no diga usted nada, que lo conocemos”. Y él, dulce e iconoclasta, lo decía todo.
-¿Cómo iban a amordazarme? Me preguntaban en Cannes cómo estaba el cine en España. “¿Cómo va a estar?”, les contestaba. “Está fatal, terrible. ¿Qué puede dar el franquismo en cine o en nada? La gente está luchando contra eso. Y lo que hay es el producto de la lucha a muerte contra el franquismo”. Claro, ya la había armado. Pero había muchos compañeros que me apoyaban. En la Escuela iba haciendo cosas: Trabajos de adolescente con una referencia explícita al fusilamiento de Grimau, que fue por entonces, Viaje de bodas, basado en un texto de Cesare Pavese. Yo creo que era un terrorista conceptual y sigo siéndolo todavía. Y empezaron a llamarme los productores y así pude hacer mi primera película, El tesoro del capitán Tornado, que me estropeó la censura. Era un filme infantil de gánsters y piratas. Ya no existe porque el Ministerio, con un aragonés al frente, Pascual Cebollada, lo destrozó. Cebollada ejercía el terrorismo de estado, era el censor máximo sobre todo del cine infantil. Ordenó un remontaje y yo saqué mi firma del filme. Al final hubo una pequeña traición de otro aragonés, Raúl Artigot, y él asumió la cinta como suya. Hizo mal en colocar su firma y no decirme nada, pero eso ya pasó hace años y no tiene importancia.
Unos meses más tarde, en la reunión de los Clubs de Cine que se celebró en Sitges, Artero insistió en su apuesta por un cine más radical –de allí saldría una especie de manifiesto “por un cine más independiente, al margen de las estructuras sindicales, estatales e incluso industriales, y por la absoluta libertad en la expresión cinematográfica”- que iba a cristalizar en Blanco sobre blanco (una proyección sin película en una pantalla completamente blanca) y en Del tres al once, un cortometraje hecho con las guías de proyección de dos rollos que le había regalado Pablo del Amo.
-El primero era una reflexión del cine, qué son las sombras chinescas y también sobre la destrucción del discurso representativo del cine. El segundo era una meditación sobre lo que no se ve, lo que se escamotea al espectador. Yo recuerdo que en el viejo Iris daba saltos de alegría cuando veía aquellos inicios de la película con colas, con números, con rayas. Decía: ¡Qué bonito! Esa experiencia cristalizó en el documental Monegros, cuando se decía aquello de “Atención, atención”.

-Monegros fue muy elogiado. ¿Qué pretendió hacer?
-El documental no es un documento. Siempre hay una mediación, que es la cámara. Yo cogí una realidad arquetipada y, a diferencia de lo que hizo Buñuel en Las Hurdes, quise ofrecer una negación de la realidad. Yo creo que al cineasta le es imposible dar la realidad. Con Monegros quise negar la existencia del documental.
Pero desde entonces, Artero ha seguido trabajando con pausas, con problemas de producción y con la misma osadía. Ahí están Trágala perro (1981) con Amparo Muñoz, un filme acerca de la apariencia y la superchería a través de la figura de Sor Sulpicio, y su última cinta, Cartas desde Huesca, con Fernando Fernán Gómez y Myriam Mezieres.
-Es una película que partió de Los papeles de Aspern de Henry James, en el que quise expresar el rechazo a la cultura como mercancía. El viejo anarquista se suicida antes de entregar los poemas póstumos al editor y después de haberlos quemado. Fue un homenaje a los viejos anarquistas y quise ofrecer una visión anarquista de la cultura, de la que me siento muy cerca. Odio la cultura como escaparate.

-Lo habíamos detectado. ¿Qué le queda por hacer?
-Mi gran sueño es el ‘Pedro Saputo’ de Foz, del que ya hice un fragmento en fabla en Pleito a lo sol. Es un libro que me emociona y que me descubrió Rafael Gastón, el padre de Emilio, el abogado, político y ex Justicia de Aragón. Y compañero de las noches del Niké.

--Celebramos un siglo de cine. ¿Cuál es el balance de un heterodoxo?
-Yo creo que hace cien años que se murió el cine. Cuando nació el cine hubo dos fenómenos: los Lumière, que eran el documento, la realidad. Y Méliès, que era la magia, el discurso destructivo. Ya ve quién ha ganado: los Lumière.

--¿Por qué es Aragón tierra de cineastas?
-Yo creo que Aragón es más rabelesiana que cervantina, más de imágenes que conceptual.¿Quiere decir eso que el aragonés tenga un ojo especial? Hombre, sería un ojo muy terrible.

-Sin embargo, usted parece que ha rodado poco y que se ajusta al cliché de vanguardista y maldito.
-No creo que haya rodado poco. Estoy contento en la medida de lo posible con lo que he hecho. Ahora bien, en los últimos años ha surgido la figura del director-productor, y yo intento aprovechar las pocas rendijas que me deja el sistema. No me queda más remedio que aceptar esos epítetos, muy a mi pesar. Pero yo no sé porque el cine ha tenido que desarrollar el discurso de la novela del siglo XIX: chico encuentra chica, chico pasa dificultades, chico se enamora de la chica. ¿Es que todo tiene que ser asó? El cine es específicamente un cine más temporal que narrativo. Y yo cuanto más narrativo veo el discurso, menos cine encuentro en la película.

--¿Cuál es su camino o su sueño de cine?
He tenido mis dudas acerca del cine que quiero realizar. A mí me encantaría que el cine fuese como el big bang: todo es según el lugar que ocupa el observador en el espacio y en el tiempo. Me encantaría hacer una película que fuese al revés, que empezase en la tumba y que terminase en el vientre de la madre del protagonista.

PASIONES PRIVADAS
--Háblenos de sus pasiones privadas: de películas y directores.
-Carl T. Dreyer, Tarkovski. Arthur Ripstein, de los de ahora; Bresson, Godard, que me ha enseñado mucho cine, Sträub, y Rosellini, por supuesto. ¿Mis películas? Francesco, juglar de Dios de Rosellini, La Gertrud de Dreyer, Crónica de Ana Magdalena Bach de Staüb o La zona de Tarkovski.

-¿Actores?
No he pensado nunca en ello. Quizá, por mitología, me quedaría con Michel Simon de El Atalante de Jean Vigo, el joven Marlon Brando y Louise Brooks.

--¿Cuál es su película ideal?
-La película que me hubiera gustado hacer es Crónica de Ana Magdalena Bach, de Staüb, porque es de lo más cinematográfico. Son las fugas de Bach contadas por su hija. No hay estructura narrativa, tiene una estructura temporal más cercana a la música que a la literatura.

ÁNGEL AZPEITIA: UNA ENTREVISTA

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[El pasado sábado por la mañana fallecía el crítico e historiador de arte Ángel Azpeitia Burgos (Zaragoza, 1933-2019), que trabajó durante 50 años ininterrumpidamente en 'Heraldo'. Hace algunos años, le hice esta entrevista, se publicó en la sección 'Clásicos y modernos' del dominical de Heraldo. La recuperó aquí; el funeral por el profesor de la Escuela de Artes y de la Universidad de Zaragoza tendrá lugar mañana a las 11 de la mañana.]

Ángel Azpeitia Burgos vive en museo particular de pinturas, esculturas, recuerdos, y muchos libros: habitaciones enteras repletas de catálogos, monografías de arte, volúmenes de narrativa y ensayo. Esos objetos que conforman una pasión, una forma de vivir y de estar en el mundo con curiosidad. En todas las paredes hay cuadros de pintores con los que ha conformado una sinfonía de amistad: Juanjo Vera, Daniel Sahún, Pascual Blanco, Martín Ruizanglada, Torcal, Manuel Viola, Julia Dorado, Eugenio Estrada, Virgilio Albiac o, entre otros, su amado Vicente Paricio, tan determinante en su vida. Él, antes de que apareciese en su vida HERALDO o la galería Libros de Víctor Bailo, fue uno de sus primeros estímulos. “Soy el quinto hijo de un médico de pueblo que no tenía ningún sentido práctico. Era un pequeño desastre con el dinero, yo creo que no cobraba a nadie. Había estado en Tauste y también en Calatayud”, dice el crítico e historiador del arte, que se recupera poco a poco de un infarto: en un rincón de su estudio reposa la silla de ruedas y de un lugar del techo penden unas anillas para sus ejercicios de rehabilitación. Dirá: “Cuando se ha sido tan activo, la dependencia es algo terrible. Es una experiencia dolorosa, de esas que te ponen a prueba en todos los terrenos”.

-Imagino que habrá tenido una infancia cómoda y culta...

-Cómoda no, pero culta sí. Mi padre se murió demasiado pronto y tuve que ayudar en casa. Mi madre era una mujer muy especial: había leído mucho, poseía un alto nivel de lenguaje y poseíamos una buena biblioteca. Aún conservo títulos de aquel fondo familiar. Estudié en Jesuitas y el arte empezó a interesarme un poco en el colegio. Con todo, mi primera escuela de arte fue el Casino Mercantil.

¿Por qué?

Allí veía las exposiciones de Vicente Paricio y nos hicimos muy amigos. Era un pintor social: hacía retratos elegantes y serios. A las damas las pintaba en traje de noche. También hacía paisaje y bodegón. Era una pintura fácil de entender.

-He visto que los pintó a usted y a su mujer María Luisa en torno a 1972.

-A María Luisa un poco antes. Decía que él solo pintaba lo que veía. Tuvimos que posar varios días para sus retratos al pastel. Fue muy curioso: él se preparaba varias conversaciones y temas para todos los días, y te daba conversación. Hablaba sin cesar de política, de arte, y tenía mucho sentido del humor y de la ironía. Veía un caballo que había un pintor famoso y decía: “Yo pinto mucho mejor los caballos”, y se reía. Recuerdo que me decía que cuando se hace un retrato el cliente se queda convencido del todo cuando sale guapo. Y él embellecía a las mujeres pintándoles los ojos más grandes y el cuello más largo. “A los hombres no se les pinta guapos: se les pinta importantes”, me decía.

-Por cierto, en el Casino Mercantil se presentó ‘Pórtico’ a finales de los 50.

No voy a mentir. No estuve en las primeras exposiciones de Pórtico, de Lagunas, Aguayo y Laguardia, aunque sí asistí a otra posterior donde solo estaban dos artistas, ahora no recuerdo con precisión: creo recordar un cuadro abstracto que me evocó una semana santa, vista desde arriba, con sus desfiles y sus capirotes.

¿Cómo se divertía en aquella Zaragoza amarilla?

Como podíamos. No teníamos casi dinero, y ahorrábamos varios días para poder salir de copas y de tascas de cuando en cuando. Pese a todo, salíamos: a mí me interesaba mucho la poesía y ofrecía recitales con amigos y en algunos salones. Teníamos entonces como pequeños mecenas que nos cedían un salón con piano. Yo escribía: gané un par concursos de poesía en Maristas y en la Facultad de Filosofía y Letras. No recuerdo las fechas, he perdido mucha memoria: soy un hombre de documentos y todo, todo lo tengo registrado en carpetas, fichas y ficheros y archivos. Era muy lector: de novela contemporánea o de ‘El paraíso perdido’ de John Milton. Antes de los veinte me había leído prácticamente toda la literatura clásica.

¿Quiénes eran sus amigos?

Alejandro García Anadón, José María Valdivia, que era pianista y hermano del escritor Eduardo Valdivia, venía de vez en cuando a nuestras reuniones. Recuerdo que íbamos a bares baratos como Casa Félix: allí tomábamos bocatas, vino y cacahuetes, muchos cacahuetes, y se permitía cantar.

¿Ya había entrado en la Universidad?

Yo soy un universitario muy tardío. Trabajé algunos años de comerciante de Ultramarinos y coloniales, pero al final entré en la Universidad. Me matriculé en Filosofía y Derecho, y dejé esta carrera en tercero. Antes de inclinarme definitivamente por Historia del Arte dudé mucho: quiso estudiar arqueología, entre otras cosas porque Antonio Beltrán Martínez era un profesor muy estimulante y activo y me había conseguido una beca para Francia y también estuve a punto de realizar una excavación en Nubia. También quiso ser geógrafo, pero finalmente opté por el mundo de la cultura. La universidad solo tenía un catedrático de historia del arte: Francisco Abad, era un clasicista que nunca se atrevió a pasar de Francisco de Goya. Hasta ahí podíamos llegar. Para entonces ya teníamos otra tertulia en el café Baviera.

¿Qué ocurría allí?

Hicimos una tertulia en el café Baviera. Yo no he sido de la Peña Niké, aunque estuve alguna vez. Nosotros también teníamos un grupo muy activo, tanto que fundamos un teatro de cámara, La Cigarra. Por allí andaban el cineasta Antonio Artero, el poeta Daniel Almárcegui, Alberto Castilla. Hacíamos piezas al aire libre: entremeses cortos y humorísticos. Recuerdo que en el Baviera había una escultura preciosa de Honorio García Condoy.

-Una de sus pasiones es el fútbol, en concreto el Real Zaragoza.

Me ocurrió una cosa muy curiosa. Cuando era representante de comercio visitaba muchos mercados, entre ellos el Mercado Central. Recuerdo que un día llegué por allí y dos vendedores discutían sobre el Real Madrid y el Barcelona. Y yo hice una observación sobre un jugador con un fatídico error: dije que jugaba en el Real Madrid  cuando lo hacía en el Barcelona. Hubo protestas a mi jefe, o por lo menos llegó a sus oídos mi metedura de pata, y él me sacó mi primer abono de socio del Real Zaragoza. Y estuve yendo, primero a Torrero y luego a La Romareda, muchos, muchos años.

-Cómo dio el salto a la crítica de arte.

Es casi un misterio. Fue en 1962 y yo era alumno todavía. El crítico de arte era Joaquín Aranda, se fue a Madrid a realizar unos cursos, y tenían que buscar un sustituto. Y un día me llamó Antonio Bruned y le dije que sí. Yo creo que le sugirió mi nombre una hermana de Andrés Galdeano, que era compañera mía de curso. Más tarde, regresó Aranda, pero no quiso hacer arte: se dedicó al teatro, al cine y a la literatura. Y aquí sigo: entonces la crítica de arte era diaria. O casi diaria.

Ha dicho usted que Francisco Abad no era un profesor avanzado. ¿Quién era su referencia?

Federico Torralba. No se puede decir que fuese mi maestro exactamente, entonces estaba en la Escuela de Artes, pero sí fue el gran defensor del arte contemporáneo en Zaragoza. Ese es uno de sus méritos. Esta ciudad le debe muchísimo. Lo difundía a través de su presencia en la Institución Fernando el Católico y de la Diputación de Zaragoza, estuvo muy cerca de muchos grupos y artistas, y más tarde fundaría galería. Yo empecé mi tesis sobre Marcelino de Unceta con Francisco Abad y la acabé con él.

¿Qué significó el periodismo para usted?

Yo he sabido mucho más cuál es la realidad artística a través de la crítica que de mis años como profesor.  El periodismo me conectó con la vida, con la calle, con el quehacer cotidiano de los artistas. Empecé a ver arte contemporáneo cuando empecé a ser crítico, no antes. El crítico de arte tiene una realidad inmediata con el arte. Y, en ese sentido, también fue más importante la Escuela de Artes que la Facultad: el hecho de que no hayamos tenido una Facultad de Bellas Artes ha sido un fallo terrible, esa ha sido una ausencia terrorífica sobre todo en un tiempo donde habría sido una lugar decisivo de formación. Pienso por un momento en la Escuela de Artes...

¿Por qué lo dice?

Hay varias generaciones de artistas que han sido, o son, profesores ahí o que se han formado entre sus paredes: Cano, Natalio Bayo, Pedro Giralt, Rubén Enciso, Vicente Villarocha o Pascual Blanco, que me ayudó en el tiempo en que yo estuve de profesor.

¿Qué crítico ha querido ser?

He cambiado mucho. Al principio, analizabas la obra en función de sus valores de ruptura o de novedad, qué elementos de modernidad y de vanguardia significa un proyecto. Más tarde, he intentado reflexionar sobre el binomio: lo que quiere hacer y lo que consigue el artista. A veces, hay artistas que te quieren hacer reír, y te hacen llorar. Y viceversa. Y poco a poco he acabado por desvincularme de problemas teóricos: mis críticas acompañan, sugieren, ayudan a ver. Y solo soy auténticamente crítico con las instituciones y con las políticas culturales. Me he vuelto más condescendiente.

¿Para que sirve el arte?

Es una manera de vivir. El arte es como el oxígeno: es imprescindible, al menos para mí. Imprescindible. Está en todo. Es compañía, es consuelo, es un latigazo de lucidez, es emoción. Y para mí también está ligado a la amistad y a un montón de amigos. A veces pienso que soy dadaísta. Los objetos de mi vida son mi arte y son un hilo de comunicación con un montón de artistas a los que  quiero y a los he seguido durante medio siglo.

 

20/01/2019 18:25 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

JESÚS PEDRO LORENTE RETRATA A ÁNGEL AZPEITIA BURGOS

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ÁNGEL AZPEITIA: UNA VIDA EN EL ARTE

 

JESÚS PEDRO LORENTE. *CATEDRÁTICO DE HISTORIA DEL ARTE

Para mí, Ángel Azpeitia Burgos (Zaragoza, 1933-2019) ha sido mi maestro y mentor tanto en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Zaragoza como en la Asociación de Críticos de Arte. De su labor como profesor e investigador yo destacaría su monografía sobre Marcelino de Unceta, publicada por Ibercaja en 1989 y su ‘Diccionario de Arte Contemporáneo y Terminología de la Crítica Actual’, publicado en Madrid por la Compañía General de Bellas Artes en 2002.

De su intensa labor como crítico de arte, tanto a través de reseñas de exposiciones en HERALDO DE ARAGÓN o revistas especializadas, como a través del comisariado de exposiciones, yo mismo seleccioné (con su ayuda) unas cuantas críticas para el volumen que PUZ publicó en 2013 (con financiación de la AACA, AECA, el grupo OAAEP, IEA e IFC) bajo el título ‘Exposiciones de arte actual en Zaragoza: reseñas escogidas, 1962-2012’. Tuve el honor de compartir con él el comisariado de una de sus exposiciones con más éxito: ‘Libertad e Independencia: Aragón en la pintura de Historia’, organizada por la DPZ en el Palacio de Sástago entre el 6 de octubre y el 12 de noviembre de 1989, que recibió más de 132.000 visitantes marcando un record de público en esa sala.

Pero él se sentía especialmente orgulloso de las muestras dedicadas a artistas contemporáneos en la sala Luzán de la CAI y otros centros expositivos, especialmente las monográficas sobre artistas aragoneses, pues entre ellos contaba algunos de sus mejores amigos y admiradores. Muchos de ellos, y también de sus compañeros universitarios y críticos, colaboramos en un libro en su homenaje coordinado por Manuel Pérez-Lizano Forns, ‘Ángel Azpeitia: Historiador y Crítico de Arte. Intensidad radial, 1933-2012’ ( Zaragoza, Aladrada ediciones, 2012).

 

*La foto como se ve es de Carlos Barboza y Teresa Grasa.

19/01/2019 13:40 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

MUERE EL CRÍTICO DE ARTE ÁNGEL AZPEITIA

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HA FALLECIDO EL CRÍTICO DE ARTE ÁNGEL AZPEITIA
[Esta mañana ha fallecido en Zaragoza, la ciudad donde había nacido, Ángel Azpeitia Burgos (1933), que fue crítico de arte de Heraldo de Aragón durante medio siglo, desde 1962 a 2012. Dedicó su tesis doctoral a la obra de Marcelino de Unceta, comisarió muchas exposiciones, coordinó varios libros y redactó cientos de catálogos de arte, fue amigo de diversas generaciones de artistas en Zaragoza y Aragón. y el catedrático Jesús Pedro Lorente recogió una selección de sus críticas en ’Exposiciones de arte actual en Zaragoza. Reseñas escogidas, 1962-2012’ (PUZ). El crítico e historiador de arte, Manuel Pérez-Lizano le dedicó el libro: ’Ángel Azpeitia: historiador y crítico de arte’, que coordinó para Aladrada Paco Rallo. Fue fundador de la Asaciación Aragonesa de Críticos de Arte y era presidente honorario de la Asociación Española de Críticos de Arte.
Desirée Orús, presidenta de la AACA, señala: "Ángel Azpeitia, fue uno de los fundadores de la Asociación Aragonesa de Críticos de Arte, un espejo en el que se han mirado generaciones posteriores. Riguroso en sus textos, siempre estuvo al lado de las tendencia más vanguardistas, en tiempos en los que no siempre eran entendidas. Ángel Azpeitía abrió las puertas a la plástica contemporánea y dio visibilidad a la crítica de arte, a través de las páginas de 'Heraldo de Aragón'. En sus textos siempre encontraba una perspectiva positiva y animaba a cada lector a juzgar de manera personal la exposición, visitándola. En 2013 la Asociación Aragonesa de Críticos de Arte, el rindió un homenaje y se publico el libro 'Exposiciones de arte actual en Zaragoza, reseñas escogidas (1962-2012)', que recogía su labor de 50 años como crítico en Heraldo de Aragón".
El velatorio será mañana domingo en la sala 22 del cementerio municipal de Torrero a partir de las 11h, y el funeral el lunes 21 a las 11h en la capilla 1 del mismo complejo funerario zaragozano.

En este periódico ’Heraldo de Aragón’, para la sección dominical ’Clásicos y modernos’, explicaba su trayectoria. 
-¿Cómo dio el salto a la crítica de arte?
Es casi un misterio. Fue en 1962 y yo era alumno todavía. El crítico de arte era Joaquín Aranda, se fue a Madrid a realizar unos cursos, y tenían que buscar un sustituto. Y un día me llamó Antonio Bruned y le dije que sí. Yo creo que le sugirió mi nombre una hermana de Andrés Galdeano, que era compañera mía de curso. Más tarde, regresó Aranda, pero no quiso hacer arte: se dedicó al teatro, al cine y a la literatura. Y aquí sigo: entonces la crítica de arte era diaria. O casi diaria.
-¿Quién era su referencia?
Federico Torralba. No se puede decir que fuese mi maestro exactamente, entonces estaba en la Escuela de Artes, pero sí fue el gran defensor del arte contemporáneo en Zaragoza. Ese es uno de sus méritos. Esta ciudad le debe muchísimo. Lo difundía a través de su presencia en la Institución Fernando el Católico y de la Diputación de Zaragoza, estuvo muy cerca de muchos grupos y artistas, y más tarde fundaría galería. Yo empecé mi tesis sobre Marcelino de Unceta con Francisco Abad y la acabé con él.
-¿Qué significó el periodismo para usted?
Yo he sabido mucho más cuál es la realidad artística a través de la crítica que de mis años como profesor. El periodismo me conectó con la vida, con la calle, con el quehacer cotidiano de los artistas. Empecé a ver arte contemporáneo cuando empecé a ser crítico, no antes. El crítico de arte tiene una realidad inmediata con el arte. Y, en ese sentido, también fue más importante la Escuela de Artes que la Facultad: el hecho de que no hayamos tenido una Facultad de Bellas Artes ha sido un fallo terrible, esa ha sido una ausencia terrorífica sobre todo en un tiempo donde habría sido una lugar decisivo de formación.

ALGUNAS REFERENCIAS:
-Autorretrato: «Por encima de tiempos o edades los artistas con los que he convivido me han aportado mucho. Casi me sorprende pensar que, con cincuenta años en el difícil ejercicio de la crítica, tantos me demuestran su aprecio».


-«Ángel Azpeitia comienza a plantearse conscientemente la articulación de los escritos en tres niveles que se entretejen: informativo, analítico y reflexivo o conclusivo, este último con alguna nota –como hemos dicho, muy abierta– que refleja una valoración. Esta retícula invisible se completaría con algunos pilares relevantes en su oficio de escritor, tales como la construcción en períodos largos (con párrafos interconectados), la variedad sintáctica, la precisión terminológica y, desde luego, la corrección extrema».
Pedro Pablo Azpeitia.


-«En el caso de Ángel Azpeitia vemos evidente su periplo vital con diferentes etapas, que demuestran una excepcional fuerza de voluntad, rasgada vía inteligencia sensible, hasta captar su auténtica vocación. Hombre abierto a la vida, con empuje, destruyendo inútiles barreras».
Manuel Pérez-Lizano Forns.

*Notas aparecidas que coinciden con la publicación del libro ’Ángel Azpeitia: historiador y crítico de arte’ de Manuel Pérez-Lizano Forns, que coordinó para Aladrada Paco Rallo.
*Las fotos de Angel Azpeitia pertenecen a la Real Academia de Bellas Artes de San Luis y al archivo de Carlos Barboza y Teresa Grasa.
19/01/2019 13:17 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

JAVIER CALVO HABLA DE 'SIN COBERTURA', SERIE DE ARAGÓN TV

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[El jueves, a las 21.35, se estrena la serie ‘Sin cobertura’, de seis capítulos sobre la despoblación, la memoria, la soledad del mundo rural y las nuevas iniciativas. Javier Calvo Torrecilla es director y productor del proyecto, y coguionista con Antón Castro, que explora con distintos personajes las razones del aislamiento, los recuerdos y la aventura del retorno. La periodista madrileña, vinculada con Aragón, ha escrito en varios medios, entre ellos en ‘Artes & Letras’ de ‘Heraldo’ de Arte y literatura y de cine, Alondra Ramos, conversa con Javier Calvo.]

 

Por Alondra RAMOS

-¿Cómo surgió ‘Sin cobertura’ ¿Qué pasó por tu cabeza, qué hechos, qué detalles perfilaron la idea?

Siempre he llegado a mis proyectos personales por una motivación que está pegada a mi vida. Una preocupación, una pérdida, una ilusión…se han traducido en historias e imágenes.

Hace tres años comencé a preguntarme si la sociedad en la que vivo y sobre todo, la sociedad en la que van a vivir mis hijos, va a ser como debiera. Es decir, una sociedad donde el eje central no sea el consumismo y la rapidez. No quiero ser agorero, pero pinta que la generación de mis hijos va a ser la primera generación después de la guerra civil que viva peor que la anterior.

Ante esas inquietudes o preocupaciones comencé a pensar en la idea de buscar un pueblo y lo que encontré fue desolador. Pero recuerdo sobre todo una foto que es el germen de la serie. Un pueblito deshabitado de Teruel, El Campo, y la pizarra de su colegio. Comencé a imaginar la vida pasada en ese pueblo, las risas de los niños, los padres que venían a recogerlos; los ecos de ese pueblo se escuchaban a través de esa foto.

A partir de ahí, decidí que había que hacer algo, que quería contar la historia de estos pueblos.

-¿Cómo la fuiste desarrollando, cómo creció?

Me documenté muchísimo sobre las diferentes tipologías de pueblos que abarca la serie, despoblados, en vías o con un peligro claro de despoblación e incluso pueblos que están teniendo una segunda oportunidad por el turismo o por iniciativas curiosas.

Sin darme cuenta la sombra de La Lluvia Amarilla planeaba sobre el proyecto. Es un libro capital en la literatura en general y en el tema de la despoblación en particular. Al comienzo del proyecto no pensé en rodearme de caras conocidas, pensaba hacer un documental o una serie pero de un modo tradicional, acercándome a esos pueblos, a las calles y campos vacíos. Pero me di cuenta de que estaba entrando en un terreno excesivamente dramático. A mí me apetecía contar los pueblos desde otra mirada no exenta de realidad, pero poniendo en valor la vida rural, la pasada y la actual; y aquí es donde pensé en personajes que nos contaran sus vivencias en pueblos.

-¿Fue siempre una serie documental?

Sí, pero con un formato diferente. Al principio nació siendo un documental tradicional, después pensé en la serie y en los personajes que nos acompañarían.

 

-¿Tenías alguna idea en la cabeza, algún modelo, español, europeo, norteamericano?

No, he de decir que casi nunca he trabajado siguiendo un modelo o influencia clara para ninguno de mis proyectos. Lo que soy y lo que hago es el fruto de décadas viendo cine, leyendo, escuchando música, en definitiva, viviendo, que es de donde se nutren mis proyectos.

De hecho, cuando estoy trabajando en un proyecto no me gusta ver nada que pueda tener que ver con lo que estoy haciendo en ese momento. Siento que, en el momento en el que está naciendo algo, debes hacerlo con el impulso y las ideas que tienes y en esos momentos te sientes quebradizo, hipersensible a todo lo que te rodea; ver algo que pueda perturbar tu idea no es un buen negocio.

-El hecho que de apenas hubieras trabajado en Aragón y en particular en Aragón TV, ¿fue otro estímulo o un desafío?

Aunque mi familia procede de La Rioja, yo nací en Zaragoza. Con el paso del tiempo los vínculos con este territorio se han hecho más fuertes y estaba deseando desarrollar un proyecto aquí, ya que siempre había trabajado fuera.

Cuando comencé a documentarme sobre los pueblos aragoneses entendí que era una realidad que había que contar, y pronto, porque la despoblación y las ruinas nos acechan peligrosamente. Es necesario reivindicar y guardar la memoria de estos lugares.

Presenté el proyecto a Aragón TV y mostraron mucho interés. Les encantó la idea y la propuesta de la serie y me apoyaron desde el comienzo.

-Has hecho cortos, documentales de música, publicidad… ¿Cómo ves tu trabajo, qué tipo de cineasta serías?

Creo que hay que dividir entre las obras personales y las de encargo. Aunque en cualquier obra siempre asoma tu personalidad, en publicidad por ejemplo es bastante difícil dejar tu patente ya que todo el proceso es muy encorsetado.

Mi manera de mirar es natural, me gusta que la cámara sea invisible, que no sea mecanizada, que los planos tengan el vigor y la sorpresa que tiene la mirada humana. Me gusta que la cámara siempre vaya detrás de la acción, que nunca la anuncie.

Mis proyectos personales tienen que ver por un lado con el cine y las historias que me han hechizado desde pequeño y por otro lado, con los paisajes que han modelado quien soy.

En toda mi trayectoria, la naturaleza es un elemento clave, esa idea de permanencia me sobrecoge, me hace sentir pequeño y me fascina su misterio.

Es muy fácil ver cualquier plano mío y ver el detalle por la naturaleza y cómo el personaje se relaciona con ella.

-Desde un punto de vista de contenido, de mirada, de enfoque social y sociológico, ¿qué sería ‘Sin cobertura’?

Sobre todo una mirada a la vida rural desde el respeto y el elogio, además una loa a un pasado muy cercano en el calendario pero no en la forma de vida, que ha cambiado radicalmente en las últimas décadas. Pero también es una puerta abierta a una vuelta a esa vida para las generaciones futuras.

-¿En qué momento apareció Antón Castro, por qué pensaste en él, qué querías que hiciera?

Desde el comienzo. Conocía y admiraba la obra de Antón pero apenas nos conocíamos personalmente. Pero algo me decía que transitábamos por universos parecidos.

Antón posee una sensibilidad extraordinaria, le gusta escuchar y aprender, quiere a todo el mundo y a todas las cosas y es capaz de ver poesía en cualquier detalle.

La serie tenía que tener esa poesía y Antón lo logra de un modo natural, nada forzado.

-¿Cómo se eligieron los pueblos y los protagonistas?

Ha sido muy complejo, era un auténtico sudoku. Por un lado quería mostrar las tres provincias aragonesas, por otro lado había que buscar personajes que tuvieran vinculación con pueblos y que éstos vivieran el tema de la despoblación. Había que combinar estas variantes con las agendas de los personajes que hemos tenido, como digo un auténtico desafío.

 

-¿Quiénes fueron las primeras personas receptivas a un proyecto así?

Luis Alegre y Llamazares fueron los primeros que vinieron sin dudar. Después Itziar Miranda, Gervasio Sánchez, Lucia Camón y Jesús Vallejo; todos acogieron la propuesta con mucho cariño, lo difícil fue encontrar días libres para rodar.

La serie se comenzó a rodar en abril y hemos terminado en diciembre y ello se ha debido a la dificultad de las agendas de los invitados.

-¿Cómo podrías resumir cada capítulo, son iguales, ofrecen perfiles semejantes?

El nexo común de toda la serie es la despoblación pero cada episodio tiene acentos o matices diferentes.

Ainielle es el episodio más dramático, la ausencia total, la nada. Estadilla es la reivindicación de la infancia en un pueblo y cómo eso moldea la personalidad de la gente, en este caso de Itziar Miranda. Lechago, con Luis Alegre, es el emocionante  repaso a la memoria personal y por ende a la memoria colectiva de un pueblo. Torralba de Ribota es la ilusión por ofrecer un tipo de vida diferente y la oportunidad de una segunda vida para estos pueblos de la mano del arte. Belchite habla de como la guerra civil y otras guerras provocan migraciones, además de mostrar la dureza de una tierra desolada por la despoblación. Loscos se centra en el orgullo y el amor por un pueblo y cómo afrontar de un modo optimista y creativo un problema real.

-¿Cómo se han portado los personajes principales, qué destacarías de cada uno?

De todos destaco su bondad y cercanía. Si tengo que definir en pocas palabras a cada uno de ellos…Luis Alegre sería la memoria, el cariño conmigo  y el amor a todo lo que significa su pueblo y su gente. Llamazares es la hondura de pensamiento sin barroquismos y, también, el humor. Itziar Miranda es la inteligencia y la sensibilidad a flor de piel.  Gervasio Sánchez, la experiencia y contundencia fruto de todo lo que ha vivido. Lucia Camón, la ilusión por demostrar que hay otras vidas posibles, y Jesús Vallejo, la cercanía y una maravillosa y cautivadora ingenuidad.

-¿Qué aportan las otras voces, cómo te las has planteado? ¿Qué crees que dan?

Nos dan legitimidad en nuestro discurso. Yo no soy sociólogo ni especialista en la despoblación y me daba miedo y pudor proclamarme el adalid de la causa.

Contar con expertos en despoblación o con personas que viven el problema a diario, legitima y da seriedad a la serie.

-¿Cabría hablar, de algún modo, en una corriente de retorno a la vida rural?

Me encantaría, creo que de hecho que es la única opción viable para el futuro. Volver a las cosas pequeñas, a una vida en la que la clave sea necesitar poco para vivir feliz.

Hay experiencias aisladas que nos están enseñando que es posible, pero existe mucho miedo a salirse de una vida tradicional y ordenada.

-En el capítulo de conclusiones, ¿ha sido todo cómo te esperabas? ¿Te has llevado sorpresas?

Ha sido mejor, mucho mejor. He aprendido mucho de mucha gente y conocido lugares maravillosos. Existe mucha más belleza en nuestra tierra que los núcleos clásicos de turismo, por ejemplo, los pueblos de la sierra de Oriche me cautivaron.

-¿Se desmitifica algo aquí?

Sí, dos cosas que nos dicen nuestros personajes. Llamazares dice en su episodio algo que yo siempre había pensado. Que la naturaleza es mucho mas fuerte y más grande que nosotros y que ha estado y estará después de nosotros. Así pues el problema de la despoblación mirado desde una perspectiva humana es muy grave, pero si lo miramos con una mirada más amplia, desde la naturaleza, no deja de ser una pequeña mota de polvo.

Y por otro lado, una visión diferente de la despoblación que aporta Luis Antonio Sáez, Catedrático de Despoblación de la Universidad de Zaragoza. Él nos decía que hablar de despoblación y pensar en términos aritméticos tal vez sea un error y que en un pueblo hoy con 100 habitantes se puede vivir mejor que en uno con 500 hace 50 años y que la gente puede ser feliz.

 -¿Cómo debe ver la gente una serie así?

Con calma y con atención a lo que se dice y se muestra. El espectador se tiene que sentar como cuando ve una película, no tener la tele encendida de fondo y mirarla de vez en cuando. Por otro lado, vivimos en unos tiempos en los que habitualmente se grita. Se grita en la calle, en las redes, en la tele, en la radio…y nadie escucha. La serie es una apuesta por el placer de escuchar a personas que tienen algo interesante que contar y, por momentos, de escuchar incluso el silencio.

-¿Querrías decir algo del equipo?

Que la serie es de todos, siempre he entendido este trabajo como un trabajo de equipo y nuestro proyecto es un ejemplo claro de ello. Todos me han seguido, creído y remado en la misma dirección. Casi todas las personas que han trabajado son amigos míos hace décadas, hemos compartido trabajo y vida y existe una complicidad en la forma de trabajar natural.

José Carlos Ruiz, el director de foto es y, él no lo sabe, una de las mejores miradas que existe, tiene una sensibilidad innata. Jon Arteagabeitia sigue su estela y es alguien que siempre quieres que juegue en tu equipo. Javier Estella es la sensatez y la armonía, Teresa Adame la experiencia y la emoción.

En el equipo también ha habido personas con las que no había trabajado nunca y ha sido una grata sorpresa. Los Parpadeo son chicos jóvenes, con muchas ganas de escuchar y aprender. Ana Bruned es una gran profesional y una maravilla para unir equipos. Y mi descubrimiento, Ernesto Tejedor, es la juventud, el comerse el mundo y creer con decisión en el proyecto.

Y capitulo aparte, Antón Castro. Solo puedo hablar bien de todo lo que ha dado al proyecto en general y a mí en lo particular. Es un hombre bueno en el amplio sentido de la palabra. Con humildad y profesionalidad, se ha puesto al servicio del proyecto, poniendo siempre en primer término la historia que estábamos contando, el pueblo que visitábamos y los personajes que nos acompañaban.

 

*La serie 'Sin Cobertura' se estrena el jueves 10, a las 21.35 en Aragón Televisión y arranca con el capítulo de Ainielle y Julio Llamazares, el lugar donde transcurre 'La lluvia amarilla', novela que acaba de cumplir 30 años. Este proyecto lo apoyó, desde el primer instante, el director anterior de la CARTV, Pepe Quílez, y lo han asumido con entusiasmo y cariño los nuevos responsables: Teresa Azcona y Carmen Ruiz Fleta.

09/01/2019 02:14 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

JAVIER CALVO DIRIGE 'SIN COBERTURA', SOBRE LA DESPOBLACIÓN, EN ARAGÓN TV

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[El próximo jueves 10 de enero, a las 21.35, en Aragón TV, se estrena la serie ’Sin cobertura’, un proyecto del director de cine Javier Calvo Torrecilla, nacido en Zaragoza en 1971. Javier ha coordinado y dirigido seis programas: Julio Llamazares y Ainielle; Itziar Miranda y Estadilla; Luis Alegre y Lechago; Lucía Camón y Torralba de Ribota; Gervasio Sánchez y Belchite; Jesús Vallejo y Loscos. En cada programa intervienen diferentes personas que reflexionan sobre la despoblación, la soledad, el drama y las ventajas de la vida rural, y las posibilidades de futuro. José Carlos Ruiz y Joan Arteagabeitia son los operadores de cámara; Ana Bruned, la maquilladora; el equipo Parpadeo ha trabajado diversos aspectos de sonido y cámara. Y Antón Castro es quien conversa con todos los invitados en diferentes espacios. Javier Calvo ha hecho un trabajo que tiene una mirada claramente cinematográfica.]

 

JAVIER CALVO director y guionista.

 

Más de dos décadas de experiencia, con trabajos en ficción, documental y publicidad.

Ganador del Primer Certamen Nacional Videominuto con ‘Si consideramos’ en 2001, en 2003 con ‘Bocetos’ obtiene una veintena de premios nacionales e internacionales.

A partir de aquí, comenzó su carrera al lado de Bigas Luna trabajando en proyectos de videocreación, documental y cine. Más adelante, vinculado a la productora catalana Ovideo, desarrolla su carrera como guionista y director, en cine, documental, series de tv y publicidad.

En cine ha trabajado en diferente departamentos en ‘Yo soy la Juani’ de Bigas Luna, ‘Remake’ de Roger Gual, ‘La vida empieza hoy’ de Laura Mañá, ‘Un instante preciso’ de Manuel Huerga, entre otras.

 

En publicidad ha realizado spots para las agencias nacionales más importantes (Bassat Ogilvy, VCCP, Ogilvy Mather o McCann ) para marcas como Iberdrola, Casa Taradellas, Platano de Canarias, Nescafé…

 

En paralelo, desde el año 2009, dirige el Taller de Guión y Realización de Cine Documental en la Universidad de Zaragoza.

 

Algunos trabajos destacados:

 

Videocreación:

Hort in progress. Fundación Miró BCN/Camper

Gaudir Nouvelle. Con el arquitecto Jean Nouvelle. Moritz

Goya 2005. Pabellón España/Aragón Exposición Universal Aichi 2005

 

Cine: (Departamentos de dirección, marketing y montaje)

Yo soy la Juani” de Bigas Luna,

Remake” de Roger Gual,

La vida empieza hoy” de Laura Mañá,

Un instante preciso” de Manuel Huerga,

25 Kilates” Patxi Azmezcua

Flores Negras” David Carreras

 

 

DOCUMENTAL

 

Realizador y Guionista de la serie documental “Entre2aguas” TVE producida por Ovideo y Movistar (10 episodios)

 

Director de la serie documental “Capacitados” TVE producida por Ovideo y ONCE (12 episodios)

 

Realizador del Documental “Camino a la inmortalidad” TVE. Ovideo

 

Director y guionista del largo documental “Entre2aguas, el documental” TVE. Ovideo

 

Director y guionista del documental “Automatic Imperfection, Marlango” Canal +. Universal

03/01/2019 21:00 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

MAÑANA, A LAS 18.30 PRESENTAMOS 'AMOR. LA LOCA DE MONTALBÁN' EN EL MUSEO DE ZARAGOZA

Mañana viernes, 21 de diciembre, a las 18.30, en el Museo de Zaragoza, se presenta el libro ‘Amor. La loca de Montalbán’, con texto mío, y unas ilustraciones de Natalio Bayo, Premio Aragón-Goya de 2014.Más que ilustraciones, es un libro ilustrado de 76 páginas, que aborda una leyenda de amor, de locura y de muerte, pero todo ella tamizado por la pasión, el engaño, la falsificación y el canto a la naturaleza. La historia de Aldonza de Entenza y de Berenguer de Azlor, que tiene una enorme tradición en el Aragón medieval, hace pensar en los amantes de Verona, Romeo y Julieta, los amantes de Teruel, Diego e Isabel, pero también en la historia de Genoveva de Brabante.

El libro, de gran formato, lo publica Prames, lo ha diseñado Ricardo Polo Cutando, que ha hecho un trabajo precioso, y lo ha coordinado el poeta y editor Rafael Yuste. Lo ha impreso Paco Ortiz, de Ino.

Habrá libros a la venta a cargo de la librería Antígona.

https://www.youtube.com/watch?v=nsfHcuVa9h0

En el acto, contaremos la presencia del joven cantautor Celino Gracia, que cantará tres canciones de amor de su primer álbum. Acaba de grabar el segundo con los músicos de Joaquín Sabina y Javier Limón, y saldrá a principios de febrero.

20/12/2018 11:54 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'RUJIAR': UNA MIRADA AL MUNDO RURAL

El número XVIII de Rujiar, la revista monográfica del Centro de Estudios del Bajo Martín, se presenta en Zaragoza en el Auditorio del IAACC Pablo Serrano Rujiar se convierte en una recopilación de artículos que nos aproximan a las íntimas conexiones entre el cine y el ámbito rural Rujiar es una revista que el Centro de Estudios del Bajo Martín (CEBM) edita anualmente desde hade dieciocho años de forma ininterrumpida. Se trata de la publicación más científica que se realiza desde este centro de estudios, que desde hace un par de años ha pasado del formato miscelánea a monográfico. También desde hace dos años Rujiar tiene la intención, con periodicidad bianual, de pasar a ser una revista especializada en el cine rural, dejando para los años intermedios otros temas relacionados con el patrimonio cultural.

El cine también es una parte fundamental del patrimonio cultural y ha sido (y es) un medio insuperable para mostrar, conservar y reflexionar sobre los paisajes rurales y las personas que los habitan, sus problemáticas y sus atractivos, frente a un mundo quizás demasiado urbanita. La importancia del fenómeno audiovisual en el ámbito rural es cada vez mayor. Así lo atestiguan los numerosos festivales, la valoración por parte de las renacidas film commission locales, provinciales y autonómicas, de sus paisajes, infraestructuras (con un papel fundamental de su patrimonio artístico) y habitantes como contenidos esenciales para el cine y la televisión. Mostrar ese auge del entorno rural en su relación con el cine, es una de nuestras principales motivaciones.

Este número de Rujiar pretende, por un lado, hacer un poco de historia sobre dos Festivales de Cine íntimamente relacionados con el patrimonio rural: El Festifal de Urrea de Gaén, dedicado a los cortometrajes de temática rural desde una perspectiva internacional, y el de Espiello de Boltaña, cuya apuesta se hace desde la etnografía, pero en un sentido amplio, como nos explica su directora Patricia Español. Por otro, hemos contado con la imprescindible mirada de Eugenio Monesma, que, desde el cine etnográfico, nos ha ido narrando algunas de sus incansables actividades entregadas a documentar los oficios y las actividades de los pueblos y zonas rurales de toda España. Este año no toca celebrar el Festifal (también de carácter bienal), pero sí tenemos una exposición temática dedicada al cine rural: “El mundo rural visto por el audiovisual español (cine y series TV)”, producida por la Diputación de Zaragoza, y que se pudo contemplar en la Sala de Arte Contemporáneo del CEBM.

Uno de los artículos da buena cuenta de los contenidos de dicha exposición. La Comarca del Bajo Martín está presente también en dos artículos, en donde se pone el foco de atención en este territorio de manera dispar. Por un lado, Fernando Sanz y Francisco Javier Lázaro, miembros del Departamento de Historia del Arte (Universidad de Zaragoza), hablan de “La Semana Santa en el Bajo Aragón a través del cine documental español”, un interesante recorrido audiovisual sobre el evento que pone seña de identidad a nuestros pueblos. Por otra parte, “El patrimonio rural desaparecido y su huella en el audiovisual” retrata el caso de dos edificios actualmente desaparecidos pero cuya memoria ha quedado recogida en dos trabajos fílmicos: la Azucarera del Bajo Aragón (documental La Azucarera del Bajo Aragón, 2012) y el casino de La Puebla de Híjar (cortometraje de ficción El sueño de Ezequiel, 2018).

Fernando Sanz y Francisco Javier Lázaro son también los autores de “Lo rural en la pantalla: algunas visiones a través del cine español”, un trabajo que aporta un particular prisma sobre el uso que la cinematografía española ha hecho del medio rural, centrándose en algunos ejemplos especialmente significativos. Antonio Tausiet da un paso más y trata en concreto el éxodo rural en Europa desde el siglo XX, su influencia en las ciudades y su plasmación en el cine yugoslavo, con un repaso al caso del realizador Emir Kusturica (“La vuelta de la ciudad al campo a través del cine. Viaje al pasado: de Zaragoza a los Balcanes”). Para concluir, la profesora Antonia Bordonaba analiza bajo el título “Forasteros en el cine rural. Identidad e intercultura en los largometrajes de ficción de la última década” la imagen del forastero y los escenarios en los que se mueve el cine rural, haciendo hincapié en temas como la despoblación, la vuelta al pueblo o la búsqueda de identidad.

La coordinación en este caso ha corrido a cargo de Roberto Sánchez López, Doctor en Historia del Arte, crítico de cine y Ana Asión Suñer, investigadora del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Zaragoza y vicepresidenta del CEBM. La labor de coordinación de este monográfico hubiera sido impensable sin el inestimable esfuerzo de todos los expertos que han participado aportando sus investigaciones, así como de los miembros del consejo de redacción que han corroborado la calidad de todos estos trabajos: Julio Andrés Gracia Lana (Universidad de Zaragoza), Javier Hernández Ruiz (Universidad San Jorge), Laura Ruiz Cantera (Universidad de Zaragoza), Eliseo Serrano Martín (Universidad de Zaragoza) y Juan Villalba Sebastián (Universidad de Zaragoza). Una tarea que, al amparo del Centro de Estudios del Bajo Martín, ha dado como resultado una publicación heterogénea y documentada, donde queda demostrada la estrecha vinculación entre el mundo audiovisual y el medio rural. La financiación de este proyecto es posible gracias a la colaboración entre Centro de Estudios del Bajo Martín con Instituto de Estudios Turolenses y Comarca del Bajo Martín.

 

*Nota de José Ángel Guimerá y su equipo.

13/12/2018 11:17 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

PRIMERA CARTA DE RAMÓN ACÍN A CONCHITA MONRÁS

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El 8 de diciembre de 2018 se cumplen cien años desde que Ramón Acín le envió la primera carta a Conchita Monrás. Se trataba de una postal dibujada por Acín para felicitar a Conchita en el día de su santo:

 

«La señorita Luna, leyendo el mensaje donde el maestro Granados, desde el cielo, (los buenos artistas están en el cielo después de muertos) felicita a su fiel intérprete Conchita Monrás.

 

Felicítale, también desde la tierra y le felicitará luego de muerto desde el infierno (a los malos artistas nos aguarda el infierno) su buen amigo Ramón Acín».

 

La correspondencia entre Ramón y Conchita —cartas, bocetos, dibujos, papelitos no siempre fechados ni fáciles de ordenar— es un poema de amor sostenido durante dieciocho años. Ramón y Conchita tejieron un universo de complicidad y ternura, un mundo propio hecho con palabras. Y esas mismas palabras se convirtieron en trinchera contra la tristeza, en fábrica de sueños, en abrazos de cuerpo entero, en terreno de reconciliación, en lugar para el recuerdo, en bálsamo de la ausencia, en remedio contra las pequeñas y las grandes heridas que, a veces,  provoca vivir.

 

El Museo Pedagógico de Aragón celebra el centenario del inicio de esta correspondencia reeditando el artículo que publiqué en el número 120 de la revista Turia en diciembre de 2016. Agradezco a Raúl Carlos Maícas, director de Turia, las facilidades que me ha dado para poner a disposición de todos este texto en la colección Publicaciones Digitales del Museo Pedagógico de Aragón.

 

Huesca, 8 de diciembre de 2018

 

Víctor Juan

Director del Museo Pedagógico de Aragón

Patrono de la Fundación Ramón y Katia Acín

 

 

 

 

 

 

«Tú eres antes que todo»

La correspondencia de Ramón Acín y Conchita Monrás

 

 

 

 

Para entender la vida de Ramón Acín hay que tener en cuenta que uno de los pilares de su existencia fue Conchita, su compañera, su cómplice y su musa. Conchita era antes que todo. Antes que la libertad y antes que el arte. Así lo escribió Ramón Acín desde la cárcel, posiblemente en 1924:

«Aquí discutimos, damos charlas y asambleas, estamos todo lo relativamente bien que se puede estar sin libertad... y sin ti, mejor dicho, sin ti y sin libertad porque tú eres antes que todo».[1]

Concepción Monrás Casas (Barcelona, 3 de noviembre de 1898 – Huesca, 23 de agosto de 1936) era hija de Joaquín Monrás Casanovas, catedrático de Literatura, que fue destinado al Instituto de Huesca cuando Conchita era una niña. Conchita completó sus estudios en el colegio de Santa Rosa. También aprendió a tocar el piano con el maestro Eusebio Coronas. Tenía intereses poco comunes entre las jóvenes de la época. Estudiaba esperanto, jugaba al tenis, le gustaba actuar en obras de teatro… Era diez años más joven que Ramón Acín, con quien se casó el 6 de enero de 1923.[2] La ceremonia se celebró en casa de Conchita, en la Plaza de Santo domingo, 8, para guardar el luto por la muerte de la madre de Ramón Acín, fallecida unos días antes.

Una valiosa descripción del carácter Conchita nos la ofrece Mariano Añoto Pola, un niño al que Ramón y Conchita acogieron en su casa como si fuera un hijo más, cuando se quedó huérfano.

«Conchita era espigada, delgada, de cuerpo armónico y atractivo, joven de rostro agradable y sonrisa feliz. Imperiosa cuando pedía u ordenaba, a veces sus ojos centelleaban ante situaciones graves. Plenamente enamorada de su marido, compartía en una estrecha unión con una entrega total, todos los problemas de este. (...) Conchita fue la heroína verdadera. Una mujer que defendió a su esposo con todas las consecuencias».[3]

Esta no fue la única ocasión en la que Mariano Añoto recordó a Conchita. Sol Acín en un artículo publicado en El Día de Aragón en 1988 recogió el testimonio de Mariano Añoto sobre Conchita:

«Recordarás algunas tardes, las más de las veces tardes de invierno, tardes frías en las que vuestro padre se había ausentado de casa. Vuestra madre nos decía: “¿vamos a la alameda? Subiremos también a Las Mártires”.

Cuando iniciábamos el paseo, el Sol, que en principio era amarillo invernal, poco a poco se tornaba turbio y frío.

La niebla surgía por el cauce del río Isuela a borbotones, envolviéndonos con su gélido vapor, y pronto nuestros alientos empezaban a condensarse con fuerza.

–A ver quién me coge –decía de pronto–, y emprendía veloz carrera. Muchas de las veces para cogerla teníamos que cercarla. Su velocidad era asombrosa. Era joven, sana y fuerte».[4]

Desde que comenzó su relación, Ramón le escribía a Conchita notas, billetes, cartas, postales, apuntes con dibujos sin otro propósito que el que tienen los enamorados cuando se escriben: decirse cómo se quieren y se extrañan permanentemente porque el tiempo que pasan juntos siempre se les hace corto. Leídas una tras otra, estas cartas son un largo poema de amor. Ramón Acín escribía apretándose el hígado o cuando le saltaba el corazón. Se apretaba el hígado para denunciar las injusticias y el sufrimiento de los más débiles, aunque sabía que se le cerrarían algunas puertas o se le negaría algún saludo[5]. Acín confesaba que era más fácil escribir apretándose el hígado, cuando le desbordaba la hiel, pero le bastaba pensar en Conchita, en su zagalica, en su gitana de la gitanería para que le saltara el corazón. Por eso sus cartas rebosan ternura, amor y delicadeza. Seguro que Conchita le contestaría, pero Ramón no guardó sus cartas con tanto cuidado como el que puso Conchita en guardar las palabras y los dibujos de Ramón. Solo han llegado hasta nosotros unas pocas misivas remitidas por Conchita. Sin embargo, sabemos que se enviaban mensajes diariamente. De la calle Las Cortes a la plaza de Santo Domingo, de la plaza de Santo Domingo a la calle Las Cortes. Y esos mensajes nos muestran la limpieza de un mundo construido con palabras, de un territorio que Ramón y Conchita conquistaron para ser juntos, para ser uno solo.

Las despedidas de las cartas también son una muestra de la complicidad y del cariño que les unía: «Siempre el mismo», «Te quiere de verdad, de verdad tu Ramón», «Mucho, mucho, mucho te quiere Ramón», «Te envía muchas cosicas tu R».«Estoy muy contento de nuestro mucho cariño, tu Ramón».

Conchita le llamaba a Ramón «chiqué», «majico», «Ramoncico mío», «nenico».

Y Ramón le decía «gitanilla», «Chiteta», «zagalica»…

 

Un paraíso en la calle Las Cortes

Rafael Sánchez Ventura escribió que el hogar que construyeron Conchita y Ramón en la casa de la calle Las Cortes era un «ejemplo emocionante de armonía, de elevación, de belleza, donde todo adquiría dignidad y gracia; aquel hogar de Huesca, que también fue mío, instalado en la señorial casona de anchas estancias repletas de cuadros, esculturas, estampas, viejos muebles y libros, objetos múltiples de exquisito arte popular conseguidos al cabo de los años en incesantes correrías que hicimos juntos por tantos y tantos lugares; aquel hogar animado por la inteligente alegría de Conchita Monrás, la tierna compañera de Ramón, iluminado por el radiante hechizo de las dos niñas, a tono ambas en hermosura y precoz sensibilidad e inteligencia con el ambiente de la casa; aquel hogar a todos abiertos donde el pobre tenía puesto franco en la mesa, enseñanza cordial de música y dibujo en la academia».[6]

Marianito Añoto recordaba a Conchita como la necesaria compañera para Ramón Acín. Se complementaban. No se entendían el uno sin el otro: «Conchita, a la inversa que Ramón, procuraba estar totalmente a ras de tierra. Enjuiciaba, pesaba, medía con claridad todo problema sentimental, político o económico. Gracias a ella el equilibrio material se mantenía en el hogar. En aquellos años se precisaba menos para vivir, pero en casa de Ramón Acín siempre se caminaba con adelanto de décadas y los gastos eran grandes. Conchita sabía frenar a su marido».[7]

Otro testimonio del clima que reinaba en casa de Ramón y Conchita Monrás nos lo ofrecen las declaraciones del capitán Fermín Galán en las que destaca que Conchita era la compañera de Acín. Todo era ideal en la casa de la calle Las Cortes: «Me maravilla cada vez que voy a casa de Acín. Son ideales él, su mujer y sus niñas ¡Su casa entera! ¡Acín ha encontrado la compañera! ¡Ha tenido suerte!».[8]

 

«Tan identificados que no podía ser más»

En 2002 Katia Acín destacaba en un encuentro con estudiantes la gran sintonía que había entre sus padres: «Mi madre era una mujer totalmente enamorada de mi padre y estaban tan identificados que no podía ser más».[9]

Conchita y Ramón tuvieron una relación absolutamente simétrica en la que tanto ponía el uno como daba el otro. Hay dos dibujos de Acín que expresan el respeto, la admiración y el apoyo incondicional que se dispensaban. En uno Conchita toca el piano en primer plano y detrás está Ramón pintando, sentado frente a un caballete. En el segundo dibujo es Ramón quien pinta en primer plano y Conchita toca, al fondo, el piano.

La identificación entre Ramón y Conchita es una constante en su correspondencia. Por ejemplo, en la carta que Ramón le envió a Conchita el 8 de diciembre de 1921 le decía que pronto serían uno, que se confundirían sus cosas y de ambos sería por igual todo: «como Conchita no es Conchita sino que soy yo y yo Conchita, para los dos por igual han de ser lo bueno y lo mediano y lo malo, si lo hubiere». Y así fue. Conchita y Ramón compartieron lo mucho bueno que hubo en sus vidas, los juegos y la alegría de las niñas, los días luminosos en la playa, las excursiones al Pirineo, la amistad de buenos amigos, los sueños de un mundo mejor. También compartieron el dolor de la cárcel, Ramón dentro de una celda y Conchita sufriendo la ausencia de Ramón en la prisión de los días vacíos. Compartieron el exilio. Ramón en París y ella en Huesca, una ciudad que sin Ramón se convertía para Conchita en un extraño lugar.

Conchita fue en todo momento la compañera de Acín. Fue su cómplice cuando Ramón se dedicaba a sus «sindicalerías»[10] o cuando era detenido y encarcelado por participar en huelgas y protestas. También compartió la voluntad de Ramón cuando, después de tocarles 30 000 duros en el premio gordo de la lotería de Navidad de 1932, Acín financió el rodaje de la película de Luis Buñuel Tierra sin pan en Las Hurdes.[11] Y también era de Conchita la generosidad que Acín tuvo con algunos amigos cuando estuvieron enfermos y necesitaron dinero. Y, llevando al extremo su amor, Conchita quiso compartir el destino de su marido cuando unos hombres convertidos en bestias lo arrancaron de su casa para matarlo.

 

«tú me acompañas siempre»[12]

Conchita y Ramón compartían las ideas, las aficiones y las pasiones. Ramón le decía a Conchita en una carta de octubre de 1933 que bastaba que uno de los dos amara una cosa, para que, naturalmente, la amara también el otro:

«Me gusta que te guste el mar; a mí, si no me gustase, me gustaría por gustarte a ti. Y me gusta que te guste la montaña; ya sé que si a ti no te gustase, te gustaría por gustarme a mí».[13]

Juntos habían descubierto que solo importaba cómo se querían. Aprendieron que teniéndose el uno al otro, todo lo demás era relativo. Y eso lo expresaba     Ramón Acín en un resumen que hacía de una carta que le enviaba Conchita en la primavera de 1922:

«Leída tu carta, voy a hacerte el resumen de ella y la mía y todas las cartas habidas y por haber (incluidas las 40 de la baraja). Resumen:

Que Ramón quiere mucho, mucho a su Conchita y que su Conchita quiere mucho, mucho, y un poquitín más a su Ramón, y todo lo demás tiene poca importancia ¿verdad, zagalica?».[14]

 

El humor y el amor

La primera carta enviada por Ramón a Conchita de la que se tiene conocimiento está fechada el 8 de diciembre de 1918. Se trata de la felicitación del día de la Inmaculada en la que Ramón dibujó una Luna que escuchaba como Conchita interpretaba al piano a Granados. El compositor felicitaba a Conchita desde el cielo. Su «amigo» Ramón Acín también la felicitaba y la felicitaría –le anunciaba– después de muerto desde el infierno porque «los malos artistas siempre van al infierno»[15].

A Ramón le gustaba jugar con todo. Encontramos ejemplos de este carácter cuando le pintó a su perro Tobi un bozal para que los laceros municipales le dejaran en paz[16], cuando liberó al pájaro que vivía en la jaula que más tarde ocupó una pajarita[17], cuando escribía sobre fútbol[18], cuando estando en la cárcel dibujó una palomica que todas las noches sorteaba las rejas de la prisión para besar a Conchita y a las niñas.[19] También cuando decía de sí mismo que había ingresado por voluntad propia en la orden de los predicadores en el desierto porque escribía y denunciaba asuntos que para muchos podían parecer tan nimios como la ubicación de los caballitos y los tiovivos para las ferias de San Andrés en el lugar más frío de Huesca[20]... Por eso no es aventurado suponer que quizá Ramón le pidió matrimonio a Conchita con una declaración en la que también jugaba en un momento solemne. No sabemos cuándo le envió una postal en la que había dibujado un cura junto al que Acín escribió: «Lea el otro lado»:

«Amiga Conchita:

Si me encuentra usted una novia morenica y salada y se presta este cura, me caso».

El 7 de enero de 1922 en La Tierra se publicó el reportaje titulado «¿Qué le han traído a usted los reyes?» en el que se adjudicaban algunos regalos a personas de la ciudad y en esa relación se incluía a Ramón Acín: «A Don Ramón Acín una muñeca, pero que muy gitana, que le hace olvidarse de papá Lenin». Seguro que esta fue la respuesta textual de Acín a la pregunta. Ya sabemos que Conchita hacía que Ramón se olvidara de todo. Hasta de Lenin, porque Conchita era para Ramón «antes que todo».

 



[1] La correspondencia entre Conchita Monrás y Ramón Acín puede consultarse en la base de datos de Emilio Casanova y Jesús Lou (2004), Ramón Acín. La línea sentida, Zaragoza, Departamento de Educación, Cultura y Deporte de Gobierno de Aragón y Diputación Provincial de Huesca. Esta documentación también está disponible en la página web de la Fundación Ramón y Katia Acín (http://www.fundacionacin.org/). Además, Jesús Lou transcribió las cartas de Conchita y Ramón en un artículo titulado «Geografía íntima de Ramón Acín», incluido en Emilio Casanova y Jesús Lou (2004), Ramón Acín. La línea sentida, op. cit.

[2] Víctor Pardo Lancina (2004), «Concepción Monrás y Casas (Barcelona,1898-Huesca, 1936)» en Emilio Casanova y Jesús Lou, Ramón Acín. La línea sentida, op. cit.

[3]  Víctor Pardo (2004), «Concepción Monrás y Casas (Barcelona,1898-Huesca», 1936) en Emilio Casanova y Jesús Lou, Ramón Acín. La línea sentida, op. cit.

[4] Sol Acín (1988) «Ramón Acín. Notas al margen», El Día de Aragón, 5 de noviembre de 1988.

[5] Ramón Acín, «El valor moral, futbolistas y futbolaires», El Diario de Huesca, 14 de diciembre de 1926.

[6] Rafael Sánchez Ventura, «En memoria de Ramón Acín», Aragón, 2, p. 3, citado por Víctor Pardo, «Una casona en la vieja ciudad amurallada», pp. 335-336 en Casanova, Emilio y Mas, Carlos, Ramón Acín toma la palabra. Barcelona, Penguin Random House Grupo Editorial.

[7] Citado por Víctor Pardo, «Una casona en la vieja ciudad amurallada», p. 337 en Casanova, Emilio y Mas, Carlos, Ramón Acín toma la palabra… op. cit.

[8] Arderíus, J. et al. (1931) Vida de Fermín Galán, Editorial Zeus, Madrid, p. 270. Citado en Víctor Pardo (2015) «Una casona en la vieja ciudad amurallada», p. 337 en Casanova, Emilio y Mas, Carlos, Ramón Acín toma la palabra, op. cit.

[9] Emilio Casanova (2005), Katia Acín. La niña saltapias, Zaragoza, Emilio Casanova Producciones, 9 minutos, disponible en https://vimeo.com/114427490. En este corto se reproduce parte de una conferencia de Katia Acín en el Colegio Mayor Universitario Raimundo de Peñafort.

[10] Esta es la expresión que Acín utilizó en octubre de 1921 en una postal que le envió a Conchita en la que un monaguillo decía. Rogad a Dios por el bienestar social: «este monaguillo que tiene el buen deseo de arreglar la cuestión social para que Conchita esté tranquila no teniendo que ver ya (por innecesario) a su Ramón metido en sindicalerías».

[11] Víctor Pardo (2009), «Retratos de Ramón Acín, el apóstol bueno», Anuario de Pedagogía, 10, p. 88.

[12] Carta de Ramón a Conchita, 10 de diciembre de 1921. Ramón Acín estaba en Zaragoza y escribe: «Llegué perfectamente, zagalica, muy solico. Solico a medias porque tú me acompañas siempre…».

[13] Carta de Ramón a Conchita, octubre de 1933. Acín se encontraba en Madrid. Había acudido al montaje de Tierra sin pan que Buñuel estaba terminando durante esos días.

[14] Carta de Ramón a Conchita, 1922.

[15] Carta de Ramón a Conchita, 8 de diciembre de 1918.

[16] Ramón Acín, «Arca de Noé. Un loro. El Tobi. Mi gato. Libertad con arroz», El Diario de Huesca, 20 de abril de 1924. Este mismo artículo se publicó en Revista Nueva, 10 de mayo de 1924, p. 13.

[17] «Ramón Acín, el artista que es todo corazón», La Tierra, 17 de febrero de 1929, reportaje firmado por El Reportero X. : «Encerrada en una jaula vemos una pajarita de papel. Ante nuestra sonrisa contemplándola dice Acín que libertó al auténtico pájaro de carne y plumas para solemnizar el reciente centenario de San Francisco de Asís. Llamar hermano al pájaro y ser su carcelero no lo encontraba bien».

[18] Ramón Acín, «El foot-ball ni ética ni estética», El Diario de Huesca, 21 de agosto de 1924 y el ya citado «El valor moral, futbolistas y futbolaires», El Diario de Huesca, 14 de diciembre de 1926.

[19] Carta de Ramón a Conchita, 26 de julio de 1933.

[20] Ramón Acín, «Las barcas de Caronte», El Diario de Huesca, 29 de noviembre de 1917. Se quejaba Ramón Acín del emplazamiento de los columpios y caballitos en el lugar más frío de Huesca. «¿Es que no contentos con amargar a los pequeñuelos en los colegios, cortos de higiene y largos de letanías, queremos poner en sus distracciones el amargor de las dolencias y la muerte?».

 

 

*Todo lo publico aquí por generosidad de Víctor M. Juan Borroy.

08/12/2018 12:43 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

PACO ORTEGA: UNA CONVERSACIÓN, UNA VIDA EN EL TEATRO, UN BALANCE

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Nacido en Zaragoza en 1953, Paco Ortega acaba de jubilarse de la Escuela Municipal de Teatro. Ha sido crítico, director y responsable del Centro Dramático de Aragón y de la Expo-2008. [La fotografía es de Juan Moro.]

-¿Cómo nació tu pasión por el teatro? ¿Qué te atrapó?

Nació de una forma natural: jugando con mi abuela Carmen en el caserón donde vivía en la calle San Miguel. Intercambiábamos papeles. A veces ella me miraba y otras, la miraba yo. Había “sesiones” más concurridas, con la presencia de mis padres, mi amigo Paquito, mi tía y mis primos. En medio del salón había una especie de arco que separaba dos habitaciones y que tenía un medio una cortina de terciopelo rojo, que se abría y se cerraba. Ese fue mi primer escenario.

-¿Hubo figuras claves, actores, maestros, espectáculos, nombres que te contagiasen esta pasión?

Mi escuela fue mi propio autodidactismo y ver todo el teatro que venía al Teatro Principal. Me sentaba en la fila 1, butaca 2, justo al lado del crítico de Heraldo de Aragón, Don Pablo Cistué de Castro. Nos saludábamos con cortesía y a la salida nos despedíamos hasta la próxima. La primera vez que fui al Teatro Principal fue el 26 de enero de 1969 para ver “La hora de la fantasía”, de la autora italiana Ana Bonnaci. Lo sé porque tengo una colección inmensa de programas de mano. Y después estuve años y años viendo de todo: obras buenas, malas y malísimas. Rodero, Fernán Gómez, Galiana, José Luis Alonso, Adolfo Marsillach, Miguel Narros y más tarde Víctor García, etc, me “enseñaron” el oficio, y especialmente a distinguir entre el buen y mal teatro.

-En tus inicios hay un montón de grupos. Desde Albaida y Ánade, hasta el Teatro Universitario o la Ribera y el Grifo. De manera sencilla, y sé que nos daría para una enciclopedia, cuál es el balance… ¿Qué aprendiste, cómo lo viviste?

Hay tres etapas: la primera en Medina Al Baida y el Grupo de Anade, que fueron experiencias muy valiosas pero absolutamente amateur, la segunda, cuando ya estaba en la Universidad, en Octubre Teatral, el Teatro Universitario, en donde mi autodidactismo comenzó a dar algunos frutos valiosos y comencé a aplicar una metodología que no sé de dónde me salió, y una tercera, en el Teatro de la Ribera, ya siendo profesional. Con Pilar Laveaga, Mariano y Javier Anós me enrolé en un proyecto que recorrió España de arriba abajo, participando conscientemente del movimiento del “teatro independiente”. Recuerdo que el día que se terminó el luto oficial por la muerte de Franco actuamos en Ciudad Real, y todos pasamos por comisaría antes de subir al escenario. Fue divertido, dentro del miedo que teníamos. En esta compañía aprendí mucho, tanto lo que que quería hacer en el teatro, como lo que no quería hacer. Me fui de allí con un cierto malestar pero con la cabeza llena de ideas y proyectos. El más importante y llamativo marcharme a Moscú para aprender las técnicas de clown aconsejado por Miguel Garrido.

-Por qué fundaste en 1982 el Nuevo Teatro de Aragón. ¿Qué compañía querías crear, qué tipo de teatro anhelabas hacer?

En el NTA quería hacer lo que no pude hacer en el Teatro de la Ribera. Y lo conseguí: viajar, hacer cientos de funciones, participar en festivales, estrenar en Madrid y Barcelona y otras ciudades españolas, recibir críticas buenas y malas, etc. El NTA nació porque consideramos que en Aragón había un hueco que pensábamos que no cubría ni la Ribera, ni el Teatro Estable, ni otras compañías. Un nuevo teatro, limítrofe con otros lenguajes artísticos, hecho de otra forma, con una sintonía muy especial entre los actores y yo. Por aquel entonces estaba muy influido por Els Joglars, el Teatre Lliure y el Teatro Fronterizo. Fue la época en que empecé a ir a París con frecuencia para ver al Théâtre du Soleil, y al Festival de Aviñón.

¿Cuál sería el balance apretado de casi treinta años en escena?

El teatro lo ha sido todo para mí durante muchos años. He dirigido mucho, pero me hubiera gustado actuar, ser actor durante más tiempo. Creo haberle servido, y no haberme servido de él, como pedía Stanislavski. He vivido momentos preciosos, y otros horribles, la mayoría de ellos como consecuencia de problemas económicos. En Aragón si querías dirigir o actuar había que ser empresario, y eso es algo que nunca llevé bien del todo.

-¿Qué piezas rescatas, de qué te sientes más satisfecho?

Es muy complicado destacar, pero tal vez recuerdo con especial cariño “La comedia imaginaria”, a partir de dos textos de Molière, una dramaturgia que ideamos Manuel Martínez Forega y yo; “La metamorfosis”, una adaptación que hizo Benito de Ramón del texto de Kafka, en donde dirigí a María Isbert, a su hijo Tony, y a Alfonso del Real, pero también a Rosa Lasierra, a Joaquín Murillo, etc; “Shakespeare´s”, que se presentó en varios festivales y que contaba con Maribel Verdú, Luisa Gavasa, Joaquín Hinojosa, Cristina de Inza, Pedro Rebollo, Félix Martín, etc.

-¿Dirías que fuiste un director de actores, de actrices sobre todo?

Sobre todo es lo que he sido, aunque, como te he dicho, me hubiera gustado trabajar más veces como actor, que en el fondo es el oficio más bonito dentro de los oficios del teatro. Pero tal vez esta carencia la he compensado dando clases aquí, en Barcelona, etc. La enseñanza ha sido una verdadera pasión, el trabajo al que más fiel he sido y en el que me he encontrado más a mí mismo. No hay nada como transmitir conocimientos, provocar experiencias, a actores y a actrices, seres frágiles y fuertes, al mismo tiempo. Enseñando he aprendido yo más que nadie.

-¿Qué significó para ti Benito de Ramón, profesor y dramaturgo, qué significa?

Benito es un magnífico profesor y un buen amigo. Durante años llevamos juntos el timón del NTA. Como director de la Escuela Municipal de Teatro ha sido un hombre inteligente, eficiente y amable. Lo que ha ocurrido con él es una injusticia absoluta. No es que una sentencia haya sido injusta, que lo ha sido y mucho, sino que los verdaderos responsables de un despropósito mayúsculo han sido aquellos que le han dejado a los pies de los caballos. Gente que no merece ocupar cargos en el Departamento de Educación de ninguna institución pública, burócratas sin talento ni sensibilidad, y, en algunos casos, malas personas.

-Ha sido profesor de la Escuela Municipal de Teatro. Dabas Historia y Teoría Teatral. ¿De manera sencilla, qué quisiste enseñar, qué se puede aprender en el teatro?

Fui durante poco tiempo profesor de Historia y Teoría. Apenas un par de años, que coincidieron con mi etapa de director de la Escuela. Muy pronto Mariano Cariñena me propuso dar clases de Interpretación, que es lo que he hecho durante más de veinte años. Enseñar en teatro es transmitir adecuadamente lo que tú sabes o crees saber. Para hacerlo no hay recetarios, ni manuales: hay reflexiones compartidas, experiencias humanas, cercanía entre alumnos y profesores. Eso no es exactamente amistad. Enseñar también es exigir y exigirte, es involucrarte de verdad en procesos, en desarrollos. Ser profesor de teatro es ser doblemente humano. Por otra parte están los talleres de tercero, momentos de plenitud pedagógica. Ahí quedan “Don Juan y si estuvieras aquí”, de Benito de Ramón que presentamos en la escuela más prestigiosa de Londres, o “Woyzec”, de Büchner, que se estrenó en Burdeos, Barcelona y Madrid. En total he dirigido catorce talleres.

-Te vas con 65 años y se diría, también, que ¿con ira y con amargura?

No. Me voy feliz y contento. Mi trayectoria en la Escuela ha sido lo mejor que me ha pasado en la vida. He compartido horas y horas con Mariano Anós, Cariñena, Miguel Garrido, Rafael Campos y todos mis compañeros y compañeras. He asistido a un proceso ejemplar de recambio generacional: mis antiguos alumnos y alumnas son ahora profesores. ¿Qué mejor prueba de que la Escuela ha sido fecunda? Hemos formado actores y actrices profesionales, de los que Fernando Fernán Gómez se deshacía en elogios. Hemos levantado una escuela sólida y humanista. He sido feliz en la penumbra del aula, aprendiendo y enseñado. El hecho de que mi jubilación haya sido abrupta y no me hayan permitido seguir los dos meses que les pedía, solo demuestra la insensibilidad y la descortesía de las personas a las que antes me refería.

-¿Es la ciudad y sus instituciones cruel con los suyos, se obra aquí aquello de Zaragoza como ciudad saturnal que devora a sus hijos?

No lo sé. Si no fuera por esto último, yo me sentiría extraordinariamente afortunado por cómo he sido tratado y por el reconocimiento que, en general, ha tenido mi trabajo aquí, en sus diferentes vertientes. Sí es verdad que Zaragoza es una ciudad muy dura en algunos aspectos, y que hay un clima espiritual por el que no haberse marchado a tiempo suena a mediocridad. Y eso no es así. Aquí hay gente y ha habido gente muy valiosa.

-Vayamos con otra experiencia: el Centro Dramático de Aragón. Empezó con energía, con ilusiones, con ideas… ¿qué te emociona al recordarlo?

El Centro Dramático de Aragón fue para mí una experiencia fabulosa. Yo quería poner en marcha un centro de producción al estilo europeo, en el que se contara con profesionales de la tierra y se importara otros de fuera. Y así fue: Carlos Martín, Félix Prader (de la Comedie Française), Joan Ollé, Fernando Fernán Gómez y otros dirigieron espectáculos. Se estrenaron textos de Shakespeare, de Javier Tomeo, del propio Fernando. Regresaron actores que habían emigrado… Que no supusiera un conflicto de intereses con las compañías privadas, sino que fuera el buque insignia que les abriera paso. Creo que las decisiones que se tomaron fueron ambiciosas artísticamente y en poco tiempo estrenamos en el María Guerrero, de Madrid, en el Grec, de Barcelona, o en el Teatro de la Abadía, ganamos un premio en el Festival de Almagro y un Max… Pero sobre todo, conseguimos firmar contratos estables con los actores, que no han vuelto a ser pagados jamás y que suponían para ellos una puerta laboral siempre abierta. Cuando yo me marché, el Gobierno de Aragón puso al frente a una persona que había manifestado públicamente que no le parecía una buena idea y que tampoco le gustaba el teatro. Se veía venir que sus días estaban contados, y ahí es donde el Sindicato de Actores extrañamente miró para otro lado. A mí me regateaban dos euros de dietas por actuación, y, sin embargo, no se plantaron contra la decisión de cerrarlo. Es inexplicable.

-¿Por qué se cerró: hubo conjura general o indiferencia? ¿Por qué nunca se dijo nada, no se dieron razones?

Se cerró por lo que te cuento, por la inexplicable desidia de la profesión, que se hizo el harakiri más absurdo de la historia del teatro. Y, en otro orden de cosas, porque la Consejera Eva Almunia, heredó un proyecto que había nacido en la anterior legislatura, de la mano de Javier Callizo, miembro de un partido diferente.

-¿Por qué cuesta tanto en Aragón, pero sobre todo en Zaragoza, sostener los proyectos, entender el bien común como algo coral?

Tampoco lo sé, pero siempre ha sido así. La gente lucha mucho por defender sus supuestos intereses particulares y no le entra en la cabeza que defender los generales, los del sector, es la mejor garantía para conseguir lo primero. Hay poca mirada al horizonte y demasiada al ombligo. Hay miedo a lo desconocido.

-¿Qué te dio y qué nos dio, desde el punto de vista de los espectáculos, la Expo?

Fue la etapa más extrema de mi vida. Cuatro años subido en un avión, proyectando espectáculos en Buenos Aires, Canadá, Francia, Moscú… Conocí a gente alucinante y tuve libertad para hacer mi trabajo, para promocionar maravillas como “Hombre vertiente”, como “Iceberg” o como la Cabalgata del Cirque du Soleil, gracias a Roque Gistau, Jerónimo Blasco y a Paco Pellicer, que eran mis superiores directos. Siempre me sentí respaldado por ellos. Yo buscaba conjugar modernidad, pensando o contratando espectáculos para todos los públicos,  y todo ello en sintonía con el mensaje que la Expo defendía. Sin embargo, diez años después, veo aquello como un subidón que no tuvo la continuidad necesaria. Algunas personas planteamos en 2007, un año antes de comenzar la Expo, un Festival de las Artes Escénicas y de la Música para Zaragoza. Nadie nos oyó. También hubo un poderoso factor en contra: cuando se apagaron las bombillas de la Expo nos encontramos con la crisis y los recortes.

-De todos estos años, ¿de qué te sientes más orgulloso? ¿Qué es lo mejor que te llevas?

Me he reído mucho. Mi trabajo ha sido mi vida. No ha habido distancia entre ambas realidades. Y no me he marchado de Zaragoza. Ese ha sido mi gran error y, al mismo tiempo, mi gran conquista. He resistido al cierzo y a los elementos. En el primer caso hablo del clima, en el segundo de algunos y algunas personas insensibles y aprovechadas, cegadas por una ridícula ambición. Me quedo con que mis momentos de felicidad han sido casi una constante.

-¿Cuál es, ahora mismo, la calidad de nuestro teatro: en espectáculos, directores, actores, infraestructuras?

Sinceramente no lo sé. Estoy en una fase en la que el teatro de los demás no me interesa demasiado. Y lo digo con cariño, con mucho cariño. Estoy centrado más en mí, esa es la verdad, como para emitir diagnósticos. Creo, sin embargo, que la Cultura en el Gobierno de Aragón está bien protegida por Nacho Escuín, y que tal vez no tenga muchos medios, pero sí claridad de ideas y honradez. En cuanto al teatro estrictamente creo que han resistido aquellos que vieron en su momento que había que protegerse detrás de paredes: en el Teatro de la Estación, en el Teatro Arbolé y en el Teatro de las Esquinas. Creo que hicieron una apuesta inteligente y audaz que les ha salido bien. Yo no tuve esos reflejos. Les deseo lo mejor de corazón, entre otras cosas porque en algún momento fueron mis compañeros y volverán a serlo en algún momento.

-Si cierras los ojos y repasas todo, ¿crees que ha valido la pena tanto esfuerzo?

No suelo cerrar los ojos y pensar en el pasado. Pienso en el futuro. Si los cierro es para recordar lo maravillosa que ha sido mi vida profesional, la inmensa suerte que he tenido, y algunas personas a las que he conocido y han dejado una huella imborrable en mí, gente que me ha enseñado algo: Fernando Fernán Gómez, Emma Cohen, Joan Manuel Serrat, Peter Brook, etc. Y los amigos que he hecho en estos años y que siguen de un modo u otro conmigo, vivos o muertos: Jordi Mesalles, Miguel Garrido, Gerardo Malla, María Isbert, Joan Ollé, Jorge Eines, Javier Tomeo, Rafael Campos…

-Brevemente. ¿Qué deseas hacer en el futuro? Tienes compañía, has sido actor y autor teatral…

Vivo ya en ese futuro. Comparto tres compañías –Teatro Intimo, Teatro del Espejo, Dama de Noche-, cada una pensada para un tipo diferente de proyectos. Allí estoy  con gente muy valiosa como Roberto Millán, Belén Mirabal, Yván Miguel, Beatriz Serrano, Gérard y Françoise Maimone y con Mario Ronsano, joven e inteligente, y José Antonio Royme, la eficacia hecha persona. Pero especialmente con la persona que ha ensanchado mi vida: mi mujer, Isabel Rodríguez Romero, puro nervio, puro talento, pura energía positiva, con la que voy a tener un hijo en apenas unos meses y con la que reemprenderé mi carrera cuando deje de hacer biberones y cambiar pañales. Quiero seguir dirigiendo, pero me apetece escribir (estoy terminando un libro que se llamará “Memorias de un gamberro antifranquista”), y actuar, sobre todo actuar, especialmente con Isabel. Ojalá también lo haga algún día colaborando con mi hijo Paco, que se ha decantado por la música y la composición. Así que de pasado nada: presente y futuro.

*La foto es de Juan Moro. Fotógrafo madrileño instalado en Zaragoza que trabaja en un gran proyecto: ’Gente de mal vivir’.

https://www.heraldo.es/noticias/ocio-cultura/2018/08/05/juan-moro-retrata-mas-200-creadores-gentes-mal-vivir-zaragoza-1260617-1361024.html

02/12/2018 11:05 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

AMOR DE CINE EN FUENTES DE EBRO

https://www.heraldo.es/noticias/ocio-cultura/2018/11/06/amor-cine-fuentes-ebro-1275917-1361024.html?utm_source=facebook.com&utm_medium=socialshare&utm_campaign=desktop&fbclid=IwAR0fJJKuPi-X3XHfw4yC-YBdcSmIr5O4UXLRDHkb0dFRxLpkekXN7GCX8x4

“Me encanta veros. Me emociona vuestro festival. Me hace amar más, si cabe, el cine. Heidi y Anabel os adoran, cómo no podía ser de otra manera”, le escribía la actriz Itziar Miranda, nacida en Zaragoza en 1978 y criada en Estadilla, a José Antonio Aguilar, director del Festival de Cine de Fuentes. Itziar fue coprotagonista de la emocionante gala de clausura del pasado sábado: explicó cómo es y cómo trabaja Anabel Alonso, y recordó que el 50 % de su trabajo en la serie de televisión ‘Amar es para siempre’ se lo debe a ella, y viceversa tal vez, porque en el cine y en el teatro y en la televisión “el otro es decisivo, y en eso, también en eso, Anabel Alonso es un ejemplo”.

Anabel Alonso aguantó con más felicidad que otra cosa una gala que duró tres ahora. “Ya veo que queréis ser como los Goya”, dijo cuando subió a recibir su galardón: la Dama de Fuentes. La rindieron homenaje el actor y gastrónomo Nacho Rubio, que reivindicó Teruel, la citada Itziar Miranda, que estuvo brillante y emotiva (José Antonio Aguilar susurra: “Es mi estrella, brilla siempre”), el director de la serie ‘Amar es para siempre’ Eduardo Casanova y Heidi Steinhardt, directora de teatro y compañera de la galardonada.

Heidi dijo que no tenía ningún discurso preparado, que no sabía que tenía que hablar, e improvisó una auténtica y sincera declaración de amor. Recordó que llevaban seis años viviendo juntas, dijo que Anabel era una buena compañera en la vida y en el amor, que no paraba nunca de hablar y que “desde las seis de la mañana ya está en marcha”. Anabel sellaría su gratitud de una manera muy especial: cuando la alcaldesa María Pilar Palacín le entregó la estatuilla, los demás premiados reciben una cigüeña, besó apasionadamente su trofeo. El fotógrafo Javier Romeo, cronista visual del Festival de Fuentes desde hace años, dice: “Me gusta esta foto. Eso sí que es agradecer un premio”. Con un besazo de cine.

José Antonio Aguilar, muy a pesar, se convirtió en uno de los inesperados galardonados de la gala. La familia Couso le entregó una placa por su compromiso y la apuesta solidaria del certamen desde hace 15 años. “No soy la persona más adecuada para contestar, pero destacaría de esa noche la pluralidad, la libertad de la gala de clausura. Se normaliza todo y todos se expresan como desean. El amor se construye entre personas, no entre géneros, y el sábado en el cine de Fuentes de Ebro hubo mucho amor, amor del universal. Me emocionan todavía recuerdos como la declaración de Heidi a Anabel, quien me apretó la mano a la vez que se emocionaba, desde la butaca de al lado. Tampoco se extrañó, se quieren mucho, se complementan, son dos grandes mujeres. Me emocionaron las palabras de la directora zaragozana Pilar Gutiérrez hablando del tipo de familia que ha querido elegir y el beso de David Couso, que recibí con orgullo. David desborda amor desde que, además, sabe que va a ser padre. Son muchas cosas vividas”. La existencia se alimenta de certezas y de ilusiones.

La fotógrafa Ana Moreno, que entregó un galardón, amplía el foco y señala: “Hay cercanía, alma y mucho corazón en el Festival de Fuentes de Ebro. Hubo fuerza y unas ganas tremendas de las mujeres creadoras. Natalia Moreno, recogiendo el premio con su hijo, estuvo genial”. Aguilar recoge el testigo de la fotógrafa, y subraya: “Noche de mujeres el sábado, sin preparar, sin pensar, cosas que fluyen por su peso y sin necesidad de radiar a los cuatro vientos. Los premios los ganan quienes mejor trabajan, mujeres y hombres. También me emocionaron mucho los aplausos de los nominados a los ganadores. Y los tambores…, esos emocionan a todo el mundo. Anabel Alonso levitó con ellos y con Fuentes de Ebro”.

Ana Bruned, caracterizadora y maquilladora, recibió el premio al mejor maquillaje. “Fuentes es especial para mí por varios motivos. La trayectoria y la estructura: bien organizado y tiene categoría de maquillaje, que es lo que me atañe. Siempre me han dado igual los premios, pero por primera vez deseaba ganar un premio y recibir este ha sido especial. Y se han alegrado por mí y eso me hace muchísima ilusión”.

Amor de Cine en Fuentes de Ebro

Retrato coral de los premiados, de quienes entregaron los premios y de los presentadores: Jesús Nadador, Sylvia Soláns y David Marqueta. / Javier Romeo.

 

El actor y guionista Luis Rabanaque, integrante de ‘Oregón Televisión’ entregó una cigüeña. “Para mí hubo varios momentos en la gala que fueron significativos. El acierto al contar con el actor Rafa Maza como conductor cómico (’¡Qué pavo!’), el emocionante momento de homenaje a Anabel Alonso (y en pantalla a Álvaro de Luna) o la entrega de una placa de reconocimiento al Festival y a su director José Antonio Aguilar por parte de la familia de José Couso. Me hace muy feliz también acudir a Fuentes porque es un punto de encuentro de amigos”, declara.

Rabanaque, famoso como Roque y otros personajes, añade algo más: “Para mí Fuentes es el éxito de las cosas hechas con cariño y amor. Por eso nos gusta tanto ir cada año, más allá de que recibamos, decidamos o demos premios. Se crea una corriente de felicidad en la que la competencia queda en un discreto segundo plano. Está todo cuidado con mimo, José Antonio nos hace sentir muy especiales a todos y cada uno de los que acudimos. Las galas son siempre emocionantes y este año ha sido tan especial con ese leitmotiv de cómicos españoles, con mi José Luis López Vázquez entre ellos”.

Jesús Bosqued, director de arte de numerosos proyectos y de las películas de Paula Ortiz, va por idéntico camino: “Llevo 3 años yendo (como jurado, para entregar un premio y como público) De las tres maneras me he sentido como en casa. Es una sensación personal de ver que hay mucho trabajo detrás, profesionalidad y, sobre todo, cercanía. Desde que entras en el Festival te sientes como en casa y te sabes que formas parte de algo. La calidad de los cortos es muy buena, el jurado es muy responsable y el público respetuoso. Un referente para todos los que hacen cine en Aragón”. Recibieron galardones, o los entregaron, los directores Ignacio Lasierra, Sergio Duce, Paula Ortiz, Ignacio Estaregui, Pilar Gutiérrez, Natalia Moreno, Verónica Saénz o Germán Roda, autor de ‘Los años del humo’, con guión suyo y de Ramón J. Campo; los actores Jorge Asín, Marisol Aznar o Alfonso Desentre; guionistas como José Manuel Herraiz; escritores como Miguel Mena, José Luis Melero; músicos como Ara Malikian; la vicerrectora Yolanda Polo; representantes políticos como Nacho Escuín, Cristina Palacín y Teresa Azcona. Y los responsables de otros festivales de cine: Zaragoza, La Almunia de Doña Godina, Bujaraloz...

El director, y ayudante de dirección de ’Miau’, Ignacio Lasierra valora así el Festival de Fuentes y su propia condición de ganador de cuatro premios: "Es difícil de explicar pero, en realidad, Fuentes transmite energía. Y los que hacemos cine bebemos de esa energía para impulsarnos hacia cada nueva película. Necesitamos la cercanía de los espectadores y Fuentes nos permite tener esa cercanía con el público. Por otro lado, uno va a Fuentes sabiendo que va a encontrarse con amigos y compañeros de profesión a los que hace tiempo que no ve. Como lugar de encuentro, el festival cumple un papel de lo más importante en nuestra comunidad". Lasierra, zaragocista hasta la médula, tiene un recuerdo para dos mujeres: "De todos los premios recibidos para ’La comulgante’ en esta edición de Fuentes de Ebro, hay uno que me hace especial ilusión. El que reconoce el enorme talento y esfuerzo de las dos productoras ejecutivas que han levantado junto a mí el cortometraje: Inés Laporta y Aurora Pinto. Ambas se han quitado horas de sueño por este cortometraje. Sin su trabajo, nunca hubiera tenido la oportunidad de dirigir un guion que me ha acompañado durante 8 años hasta que hemos conseguido rodarlo. Verlas en el escenario de Fuentes, recibiendo felices la cigüeña a la mejor dirección de producción, después de todo lo que sé que han sufrido por producir este cortometraje, compensa de sobra el último año y medio de trabajo que los tres hemos desarrollado en ’La comulgante’", agregó. Quedó claro, por otra parte, que "el cine romántico por excelencia es el de los cortometrajes".

Por alusiones, y con evidente pudor, José Antonio Aguilar se ‘defiende’: “Insisto. No sé si yo soy la persona más adecuada para responder, pero lo intento. Creo que fuimos los primeros en creer en las personas que querían hacer cine en Aragón y que todas, incluidos técnicos y otros profesionales más inadvertidos, todas son importantes. El respeto, el trato, el cariño, la emoción de emocionar, los abrazos, los besos, esas muestras de desbordar sentimientos creo que lo hemos logrado, eso es fácil para nosotros. Somos humildes, pequeños y buena gente, eso no se puede ocultar”.

En medio de este clima de cariño, respeto y alegría constante, y de reconocimiento a los oficios del cine y al talento aragonés (como dijo el cineasta y profesor Ángel Gonzalvo), alguien criticó que "los políticos no dejen que sea el galardonado quien cierra la gala". Eso sí, Miguel Mena recordó que en Fuentes de Ebro hay una paisaje espectacular, Rodén, ideal para cualquier rodaje, poco utilizado, que evoca la desolación de Belchite, e incluso se permitió sugerir un título: ‘El pensador de Rodén’.

06/11/2018 23:27 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

PREMIOS PARQUE DE LAS MARIONETAS

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ENTREGADOS LOS PREMIOS 2018 DEL PARQUE DE LAS MARIONETAS

Hoy sábado 13 de octubre a las 20:30 en el Escenario Musical del Parque de las Marionetas en el Parque José Antonio Labordeta se ha realizado el acto de entrega de los Premios 2018 de la 20ª Edición del “Parque de las Marionetas” y 9ª edición del Festival Internacional de Teatro de Feria, unos premios que se instituyeron en el año 2010 para poner en valor el trabajo de los creadores del sector del arte de los títeres, las marionetas y el teatro de Feria. Los galardonados en esta edición han sido:

Premio a la Trayectoria en el Teatro de Marionetas al: Centro Internacional del Títere de Tolosa –TOPIC- por su labor desde 2009, como  un proyecto singular, atractivo e interesante que apuesta por la imaginación, la innovación y la originalidad, siendo el único centro integral para el arte de la marioneta en toda Europa.

Premio al Mejor Espectáculo de Teatro de Feria al: Teatri Mobili de Italia. Un espacio itinerante dedicado al teatro de títeres contemporáneo, creado por la familia teatral Girovago e Rondella y la Compagnia Dromosofista. Un un bus urbano donde actúan con su montaje ‘MANOVIVA’ la pareja artística Federica Lacomba y Marcos Grignani, de larga trayectoria en el mundo del espectáculo, y un camión convertido en teatro donde actúa la Compañía Dromosofista constituida por Rugiada Grignani, Facundo Moreno y Tommaso Grignani, con su espectáculo ‘ANTIPODI’,   se convierten en dos insólitos espacios teatrales, transformando temporalmente el paisaje urbano poniéndolo a disposición de la imaginación. Este proyecto que se ha presentado por primera vez en en España en el Parque de las Marionetas de Zaragoza, estará posteriormente en Madrid, en el Centro Dramático Nacional, en El Festival Internacional de Títeres de Bilbao y en el TITIRIJAI de Tolosa, otra de los más importantes Festivales del gremio en España. Gira que ha contado con la colaboración del Instituto Italiano de Cultura.

La Gala ha estado amenizada por Che y Moche y su Orquesta Zingarozana y conducida por Adolfo Ayuso, historiador, estudioso y escritor del mundo del títere de gran prestigio nacional,  y Joaquín Murillo, Vicepresidente de ARES Aragón Escena y director de la Compañía Che y Moche. Los premios han sido entregados por el Consejero de Cultura del Ayuntamiento de Zaragoza Fernando Rivares y representantes de la Asociación Ares Aragón Escena como organizadores del Festival. Han recogido los Premios, por parte del TOPIC, Idoia Otegui, Directora de TOPIC y  por parte de Teatri Mobili miembros de las compañías Girovago e Rondella y la Compagnia Dromosofista que constituyen este interesante proyecto.

 

El Festival continúa su programación hasta el día 14 a las 8 de la tarde que será clausurado.

Puede consultarse la programación y el historial de los Premios en
parquedelasmarionetas.es

 

INFORMACIÓN SOBRE LOS PREMIADOS

TOPIC es el Centro Internacional del Títere de Tolosa.  

Inaugurado en noviembre de 2009, un singular, atractivo e interesante proyecto que apuesta por la imaginación, la innovación y la originalidad. Es el único centro integral para el arte de la marioneta en toda Europa.

Como centro con vocación integral, TOPIC también se ha convertido en un punto de encuentro para los titiriteros de todo el mundo. Un lugar donde aprender, mostrar, investigar, producir y compartir experiencias, información, reflexiones y trabajos en un espacio de vanguardia, cómodo, funcional y con equipamiento de alto nivel. 

TOPIC es, por tanto, un espacio disponible para todos cuantos comparten los objetivos de desarrollo, promoción y perfeccionamiento del arte del títere, en todas sus concepciones desde la tradición a la vanguardia y siempre abierto a su interrelación con las otras artes. 

TOPIC es miembro activo de la Unión Internacional de la Marioneta, UNIMA, siempre abiertos a colaborar con sus distintas comisiones y estamentos tanto nacionales como internacionales.

El público infantil es el principal destinatario de TOPIC. Por tanto profundiza en todo aquello que relaciona al teatro con el niño. Se trata de que los más jóvenes se acerquen de una forma natural, pero dirigida, a esta forma de teatro. 

Tolosa se ha convertido así en uno de los epicentros del teatro de marionetas, una expresión artística que goza hoy de una consideración y un calado social cada vez mayor.

En sus 3.600 m2. TOPIC acoge:

  • Un museo permanente y exposiciones temporales.
  • Un centro de documentación, archivo y mediateca, totalmente digitalizados.
  • Un moderno y bien equipado espacio escénico con un aforo para 250 espectadores.
  • Sala para producción, montajes o ensayos.
  • Espacios para actividades escénicas compatibles.  
  • Salas para talleres y cursos tanto presenciales como online por videoconferencia. 
  • Una pequeña residencia para artistas y/o investigadores.

Todo proyecto tiene su historia y la de TOPIC se remonta a hace más de 20 años.

Corría el año 1982, y el Centro de Iniciativas de Tolosa decidió emprender una nueva actividad cultural e impulsar la creación de un festival internacional de marionetas, Titirijai.

Lo que en un primer momento pudo parecer una idea curiosa, para unos, o una atrevida propuesta, para otros, fue tomando cuerpo y se convirtió en una idea de éxito.

Hoy Titirijai es capaz de atraer la atención de más de 25.000 espectadores, cuenta con una media de 160 representaciones y ha convertido a Tolosa en un referente internacional en el panorama del teatro de marionetas.

A la vista del calado social que iba adquiriendo Titirijai, sus impulsores, el Centro de Iniciativas de Tolosa, comenzaron a imaginar un nuevo proyecto: ¿Por qué no aprovechar el saber hacer y los conocimientos adquiridos para impulsar un proyecto singular?

TOPIC, por tanto, no nace de la nada. Es una consecuencia lógica de Titirijai (Festival Internacional de Marionetas de Tolosa).

Existe, por tanto, una cultura, un conocimiento en torno a este arte que va a ser de gran valía en el lanzamiento y consolidación de TOPIC.

 

Las etapas del proyecto:

  • 1987. Se presenta  el primer proyecto y se barajan posibles ubicaciones. Entre ellas, el Palacio Aranburu, el chalet de Arkaute, la antigua base de la Ertzantza o el Casino de Tolosa.
  • 1999. El Ayuntamiento de Tolosa encarga un anteproyecto para el Palacio de Justicia de la plaza Euskal-Herria.
  • 2005-2006. Se adjudica el proyecto en concurso público al Arquitecto Anton Pagola.
  • 2007-2009. Ejecución de las obras.
  • 2009. Inauguración el 26 de noviembre

*Nota del ayuntamiento de Zaragoza.

Tomo de aquí la foto: http://www.conhijos.es/planes/guipuzcoa/museo-titeres-tolosa/

13/10/2018 16:30 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

BERNA: LA MADUREZ Y LA JOTA EN 'HAMBRE'

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Este artículo puede verse aquí...

https://www.heraldo.es/noticias/ocio-cultura/2018/09/30/apoteosis-berna-jota-auditorio-1269108-1361024.html

CRÍTICA DE DANZA / Antón Castro

 

Apoteosis de Berna y la jota en el Auditorio

 

El bailarín redondea un espectáculo de madurez en ‘Hambre’, con la obra de grandes compositores, interpretada en directo por la ORA

 

Antón CASTRO

Miguel Ángel Berna (Zaragoza, 1968) lleva 28 años de profesión y 20 con compañía propia. La jota, sus bailes y sus sonidos, ha sido su gran apuesta. Le ha dado una y mil vueltas en un buen número de espectáculos. Casi por azar, se le metió entre ceja y ceja un concepto: el hambre. Como si hubiera leído el libro de Martín Caparrós: ‘El Hambre’ (Anagrama, 2016). Hambre que alude a la de los humildes, hambre del artista por llegar más arriba, por dar lo mejor de sí mismo y quizá por envolverse de humanidad, de fuerza y de belleza. Hambre de transmitir, afán artístico de comunicación.

Y así, por azar y por necesidad, fue creciendo en su interior un espectáculo que, como suele hacer siempre, le ha llevado a realizar un homenaje a compositores que, de diversas formas, se han sentido interesados o inspirados por la jota como Santiago de Murcia, Luigi Boccherini, enamorado de España, Franz Liszt, Mijail Glinka, Tomás Bretón y Alberto Artigas, compositor, arreglista e intérprete y uno de los colaboradores con Joaquín Pardinilla más constantes del propio Berna.

El bailarín, con sus castañuelas y con su ambición, con esa personalidad que a veces no se sabe si es furiosa o enérgica o inconformista, decidió de nuevo tender puentes: contactó con la Orquesta Reina de Aragón, que dirige Ricardo Casero, y poco a poco se fue redondeando una función que ya es esperada en Europa y que ha contado con una arreglista con gran sensibilidad como Amparo Edo Biol. Berna y Casero sumaron otros dos elementos: el Coro Amici Musicae, tan sólido siempre, y unas proyecciones, abstractas en ocasiones o realistas en otras (reflejos en el agua, el oleaje), de Ernesto Sarasa.

‘Hambre’ es Miguel Ángel Berna y su compañía en estado puro. ‘Hambre’ es una función que tiene los ingredientes de siempre, la tradición de la jota y el deseo de renovarla y de volverla más contemporánea. La función se organiza mediante secuencias de baile, con una coreografía muy vistosa y equilibrada, en la que hay homenajes a la tradición popular aragonesa, al universo  de Goya –a sus majas y creo que a los fusilamientos-, incluso hay una suerte de duelo entre Berna y uno de sus bailarines. Todo fluye con convicción y plasticidad, con un cuerpo de baile cada vez mejor, más sólido, y un hermoso regalo: los jóvenes alumnos de Miguel Ángel Berna, que salieron y bailaron sin complejos, con gracia y con sosiego.

El espectáculo funciona. No es fácil ver el hilo conductor, de escena a escena, que quizá sea leve. El auténtico hilo conductor es el de la música y el baile: la Orquesta Reino de Aragón, afinada y muy profesional, y por supuesto Berna y también Manuela Adamo, con quien se marca un sugerente y sensual paso a dos, y el grupo de bailarines.

La jota está ahí. Por todos los poros. Pero también hay fogonazos flamencos. El universo legendario y romántico de la España del XIX. La España de la Dolores y Agustina de Aragón. La España convulsa del siglo XX. La España herida que enamoraba a los músicos extranjeros. La idea misma del pueblo: ‘Hambre’ también es dolor, desgarro, miseria. ‘Hambre’ es el deseo de redención y de libertad. ‘Hambre’ es un diálogo con el patrimonio cultural. Miguel Ángel Berna vuelve a ser generoso y logra un espectáculo estupendo, maduro, compartido, laborioso, que a más de uno se le quedó corto. El coro entona: “Aquí se canta la jota”. Se canta, se baila, se protege y se hace tierra, retrato y rito.

La Sala Mozart del Auditorio estaba llena. Al final, el público se levantó y premió la entrega de todos, desde Miguel Ángel Berna, que se da una auténtica paliza, y sus bailarines hasta la Orquesta Reino de Aragón. Aunque parezca exagerado, en la función del sábado se produjo una auténtica apoteosis, con el público en pie con atronadores y largos aplausos.

 

LA FICHA

‘Hambre’. Compañía de Miguel Ángel Berna, Orquesta Reino de Aragón y Coro Amici Musicae. Dirección artística y coreografía: Miguel Ángel Berna. Dirección Musical: Ricardo Casero. Bailarines: Miguel Ángel Berna, Manuela Adamo, Estíbaliz Barroso, Sofía Berna, Mónica Gómez, Kenji Matsuyama, Pablo Pérez, Yasmina Sánchez y Álvaro Alaya. Con la participación de los alumnos de la Escuela Municipal de Música y Danza del Ayuntamiento de Zaragoza. De viernes a domingo 30 de septiembre. Auditorio de Zaragoza.

*La foto de Miguel Ángel Berna y Manuela Adamo, en ’Hambre’, es de Jaime Oriz.

30/09/2018 14:07 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

SERGIO ABRAÍN, HACIA LA LONJA: "LA PINTURA ME CONECTA CON LA VIDA"

https://www.heraldo.es/noticias/ocio-cultura/2018/09/24/sergio-abrain-pintura-conecta-con-vida-1268219-1361024.html

 

"Soy una persona conectada a la vida y su sentido a través de la pintura. He sido, soy y seré pintor, y me reconozco esencialmente en la pintura, aunque vivamos en una época de tecnologías, que uso y asumo. El arte ha sido todo un viaje para mí, un viaje de conocimiento, de curiosidad, de aprendizaje”,dice Sergio Abraín (Zaragoza, 1952), que ultima la muestra que inaugurará el próximo 5 de octubre en la Lonja y que constará de 90 piezas de distintas técnicas y soportes.

Añade: “Es curioso. Soy un pintor muy zaragozano que ha mirado al mundo y los diversos movimientos de mi época. He vivido aquí, he trabajado aquí, me la jugado aquí, y seguramente soy más maño de lo que yo mismo había pensado. ‘Rompiendo el tiempo (1974-2018)’ es, en ese sentido, un homenaje a Zaragoza, un encuentro con mi ciudad, y un homenaje a varios amigos que ya se han ido y que quiero que estén presentes: artistas como Eduardo Salavera y Emilio Abanto, o diseñadores como Carlos Zaro, que me enseñó mucho y fue un maestro para mí”. A esos homenajes explícitos, Sergio Abraín suma los de aquellos -poetas, narradores, periodistas, filósofos, historiadores del arte, etc.- que han escrito de su obra a lo largo del tiempo.

Sergio Abraín: “La pintura me conecta con la vida”

Sergio Abraín el púlpito. Siempre ha cultivado el humor, la ironía y la transgresión. Archivo Abraín.

 

Dice Abraín que aquella exposición en el Palacio de Sástago de las salas Patagallo y Caligrama -de las que fue “catalizador o agitador cultural. Era un encargo de Alfredo Romero”- fue casi un ensayo para esta exposición en la Lonja bastantes años después. “Decidí hacer una retrospectiva que abarca 44 años. Desde mis orígenes hasta ahora mismo veo que hay una coherencia y un conjunto de obsesiones que se repiten -añade Sergio Abraín-. Me ha interesado el surrealismo siempre, y está en mi obra a lo largo del tiempo, y me han interesado asuntos y series como la vertiente social, el paisaje, el cuerpo humano, las máquinas y el maquinismo, los espejos y el agua. A todos ellos les he dedicado serie específicas, períodos de entre 10 y 12 años. Al preparar esta muestra me he dado cuenta que esas obsesiones aparecen, desaparecen y reaparecen con insistencia”.

Sergio Abraín declara, “a diferencia de lo que a veces pasa con otros artistas”, que él sí se reconoce en sus primeras obras, impregnadas de figuración y de denuncia social, y que ha querido mostrar la obra de un artista de su tiempo que se ha enriquecido con un sinfín de referencias: la obra literaria y plástica de los surrealistas franceses; la obra pictórica de Fernand Leger, Max Ernst, los expresionistas norteamericanos, con Willem de Kooning a la cabeza, pero también los futuristas italianos y la transvanguardia. Cita a ensayistas como Jacques Lacan, Gilles Deleuze, Roland Barthes, “que fue clave en mi inclinación hacia los signos”, y Gaston Bachelard. Y, por supuesto, Miguel Labordeta, que “fue revulsivo para mí. A él le debo el término ‘metalírico’ con el que ha bautizado algunos de mis cuadros. He sido un gran lector de su poesía, que no es nada fácil, pero yo me siento identificado con ella. He hecho dibujos y caricaturas basados en su poesía y en él mismo, pero al final no ha salido ese proyecto; sigue por ahí aparcado. Fue clave en mi conocimiento del poeta la colaboración con uno de sus grandes estudiosos como Antonio Pérez Lasheras”, explica el pintor.

Sergio Abraín: “La pintura me conecta con la vida”

Así captó Arturo Burgos  a Sergio Abraín. Arturo Burgos.

 

‘Rompiendo el tiempo (1974-2018)’ es el álbum de creación de un pintor que no ha dejado de experimentar, que siempre ha estado en el camino, que ha participado en grupos como el Colectivo Plástico, que colaboró con el movimiento vecinal y diversas asociaciones y que sigue trabajando en Arte y Terapia con diversos colectivos de enfermos mentales. “Sí, pero esta es una exposición más personal. He intentado proponer un recorrido pictórico entretenido y didáctico en ocasiones. Quiero que se vean los recursos técnicos, las técnicas y el juego”, señala.

Ese paseo en el tiempo que es la muestra se ha dividido en siete partes o períodos: la obra de intervención y denuncia y su evolución, la presencia del color, que pasa por épocas de acidez y de exaltación, la pintura de acción, con chorreo y gestualidad, el paso hacia un arte más total, más expresionista y de signos , el homenaje al cantante José Afonso, la aparición de las estructuras y la geometría, la presencia de los objetos, los desnudos, “casi siempre femeninos”, los tubulares y, finalmente, los dioramas, “algo que ya procedía de épocas anteriores mías. Me gustan mucho las cajas, esos escaparates, donde establezco vínculos con la arquitectura. En esta parte final también hay una obra curiosa: la visión a mi manera del éxtasis del caballero San Jorge ante la princesa”, concluye.

Sergio Abraín: “La pintura me conecta con la vida”

Sergio Abraín, en los año 70, cuando empezaba su carrera. Arturo Burgos, fotógrafo de HERALDO.

26/09/2018 11:56 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

EL QUINTO PERRO VÍCTOR MIRA (1949-2003)

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El quinto perro Víctor Mira

 

ANTÓN CASTRO

“Me arrodillo y espero hasta que siento que puedo pintar como un ángel”. La frase no pertenece a Zurbarán ni a Caspar David Friedrich ni siquiera a San Juan de la Cruz, el hombre que levitaba con sus visiones poéticas, sino a Víctor Manuel Miragaya, nacido “accidentalmente” en Marruecos, aunque él siempre diría que había nacido en 1949 en la “Madre Zaragoza”. En su infancia y su juventud retendría varias imágenes: las afueras de Juslibol y sus celajes, muy especialmente, y la inmensa culebra del río Ebro. De ambas escribiría en sus poemas y en algunos de sus diarios como ‘Humus. Diario, 1994-1998’ (DPZ, 1999).

Víctor Mira, el nombre que eligió como artista, fue un creador por vocación. Sintió como pocos el drama de la insatisfacción más radical. Buscaba y buscaba, y trabajaba sin sosiego, con furia y alucinación. Así, con intuición y poseído por un don inefable, fue realizando su obra: sus óleos, sus dibujos, sus grabados, sus esculturas. Piezas que están impregnadas de pesadillas, de visiones inquietantes, de figuras poéticas que hallaba en el corazón de la noche y en los textos del Romanticismo, en la vida o en la historia del arte mismo. Víctor Mira pertenece a esa categoría de artistas que persiguen la trascendencia, el más allá, que se sienten “los elegidos” del destino y a la vez se perciben como un pájaro solitario que se adentra, de cabeza y quizá a ciegas, en el abismo. Él anhelaba “ser un artista capaz de sentir el espectro, la metáfora de la muerte” y a veces, tan paradójico y tan doliente, tan imprevisible, decía que no había vida en su interior.

En su juventud, realizó varios empleos pero pronto se trasladó a Madrid, a principios de los años 70. Algunos años después elegiría Barcelona para vivir: allí ahondó en sus temas, en sus sobresaltos y profundizó en el estudio de la historia del arte. Una mirada a su trayectoria de 35 años revela la complejidad de sus fuentes: el Barroco español, sin duda, la pintura holandesa, la huella de Friedrich, tan persistente, algunos surrealistas como Yves Tanguy, Miró o Salvador Dalí, los expresionistas alemanes, desde George  Baselitz a Otto Dix, por citar algunos, Antoni Tàpies y otros pintores quizá  más inclasificables como Vincent Van Gogh, Cézanne y Goya, claro. Fue uno de los artistas importantes de los años 80 con su paisano José Manuel Broto, José María Sicilia y Miquel Barceló. En esos años contactaría con uno de sus galeristas más constantes, Miguel Marcos, que lo presentó en Zaragoza, en Barcelona y Madrid, en ARCO y en diversas ferias europeas. Marcos dijo de él: “Mira era un animal pictórico, un hombre entregado a su trabajo, un monje en su taller que vivía por y para el arte”.

En la carrera de Víctor Mira se perciben una serie de obsesiones, de temas o de figuras claramente simbólicas.  Ahí están el ‘Caminante’ con su farol en la mano, las ‘Hilaturas’, los ‘Estilitas’, donde parece encontrarse con su pariente Luis Buñuel y su ‘Simón del desierto’, piezas como ‘Montserrat’, las crucifixiones, algunas grandiosas, que evocan por igual a Velázquez o a Dalí pero también a pintores más inquietantes como Brueghel, o los ‘Antihéroes’, otra creación suya que se inspiró en la ‘V Sinfonía’ de Beethoven y cuyo protagonista es un muerto que reposa en un somier y que tiene una herida en el centro del abdomen.

Mira también se sintió atraído por Bach a través de una serie muy depurada, presentaba bajo el formato de ‘variaciones sobre un tema’, donde predominan el negro y el azul. Toda su obra es un intento personalísimo para descifrar la complejidad del mundo, una complejidad que empezaba en él mismo: era provocador y airado, comprometido y pugnaz, satírico y rebelde, y a la vez era vulnerable, candoroso, incluso de una ternura desarbolada. En 2002 presentó en el Museo Pablo Serrano la exposición ‘Apología del éxtasis’ y en 2003 fue elegido el mejor artista español en ARCO.

Vaticinó su muerte tal, como había de ocurrir, en uno de sus dibujos. El 18 de noviembre de 2003, tras haber sufrido un incendio en su taller, Víctor Mira decidió despedirse de su última compañera Esther Romero y del mundo arrojándose a un tren en Breitbrunn. Desde hace una década descansa en el cementerio de Montjuic. En ‘Humus’ había escrito: “Sabía que no estaba loco, sabía que no era un santo, pero respiraba cada vez más con el respirar veloz de los suicidas”.

 

LAS ANÉCDOTAS

 

El quinto perro. Una de las facetas de Víctor Mira es la de poeta y ensayista. En uno de sus mejores textos le escribe a Antonio Saura: “Goya, Buñuel y tú, y aún añadiría al primero de todos, a Gracián, perro agudísimo, cuyo ingenio fue ladrar en mudo para mejor dejarse entender. Sería yo, pues, quinto perro y sordo, y aún me querrían ver sin dientes por no ser de sitio alguno que no sea mi origen propio en la perrera de Zaragoza”.

Presencia. En esta década no puede decirse que Mira haya caído en el olvido. Pepe Navarro, desde Zaragoza Gráfica, ha rescatado periódicamente su obra, con importantes novedades, y ha creado un espacio específico. La galería A del Arte ha mostrado una colección de grabados que donó Mariano Santander al Museo del Grabado de Fuendetodos. Y en el IAACC Pablo Serrano, que trabaja en un ambicioso proyecto sobre el artista, pueden verse algunas de sus mejores piezas. En el panorama nacional sí podría decirse que Víctor Mira ha pasado un tanto inadvertido.

Poética. Escribió: “No hay más verdad que el negro y el azul purísimo de Zaragoza”.

 

*Este impresionante retrato es de Rogelio Allepuz, del año 1993. 

16/09/2018 21:33 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

RECUERDOS DEL RODAJE DE 'EL AIRE DE UN CRIMEN' EN CALATAYUD

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EPÍSTOLA DE UN ÁNGEL

RECUERDOS DEL RODAJE DE ’EL AIRE DE UN CRIMEN’

 

Nunca había asistido al rodaje de una película. Y era algo que tenía completamente mitificado. Hubo una época de mi vida, a principios de los 80, cuando era camarero de bingo, que consideré que podía dirigir películas y redactar guiones. Apenas tenía dinero, pero iba tres o cuatro veces por semana a las matinales de los Multicines Buñuel. Aquel era un festín para mí: abrí un cuaderno, y dos y tres, y lo fui llenando de notas sobre la película, los actores, la historia del guión, el propósito del director y mis propias teorías. Por todo ello, en aquel verano de 1987 en que me convertí en periodista de El Día de Aragón, encaré el rodaje de El aire de un crimen con absoluto entusiasmo. En realidad, con una idéntica porción de ilusión y pánico.

 

 

Llegué a Calatayud en autobús, y busqué los puntos de rodaje: la plaza central, el hotel donde pernoctaban los equipos, la plaza de toros. Y pronto, muy pronto, me topé con los actores y todos los cachivaches de producción, entre ellos algunos negros coches de la posguerra inicial. La plaza era realmente espectacular: como un gran teatro de comedia que aguarda a que los actores declamen a Cervantes, a Lope de Vega y a Calderón. Asistí a diversas tomas con auténtica delectación: no podía creérmelo. Antonio Isasi dirigía la película y todo el mundo recordaba su éxito internacional con El perro. El capitán Medina era un actor local que empezaba entonces su proyección: Chema Mazo. María José Moreno era la Tacones. Maribel Chueca encarnaba la fragilidad y la extremada delgadez. Había muchos intérpretes importantes y no tan importantes. Me invitaron a cenar con ellos.

 

Me puse pesado: quería saberlo todo. Preguntaba y preguntaba, y Germán Cobos me contestaba primero con cariño y gracia y luego, a medida que descubría que mi inagotable insistencia o curiosidad, conteniendo el fastidio. Uno de sus amigos, uno de esos animadores de los actores que tienen buena conversación e instinto teatral aunque no lo practican, uno de ésos que siempre hablan de gastronomía y de viajes, me dijo: “Chaval. Olvídate por una hora del trabajo”. Lo intentaba. Lo intentaba, pero se me hacía difícil. Me volvió a advertir el amigo que “dejase de hacer el pelma”. Al final lo logré. O lo lograron ellos. Me emborracharon con cerveza, con vino, con orujo.

 

Al otro día, entrevisté a casi todo el equipo, tomé fotos, eso sí: tenía un insoportable dolor de cabeza. Al domingo siguiente publiqué el artículo en doble página, y dije que la joven actriz de catorce años no era una chiquilla, era un ángel vestido de amarillo. “O la diosa de hermosura inefable que enloqueció a Paris”, eso escribí sin temor al ridículo. Algunos días más tarde recibí un sobre con algunas fotos: estaba completamente borracho en todas. Una de ellas ponía en el reverso: “Bailas fatal, aunque eres muy simpático. Maribel Verdú”. A ella, precisamente a ella, la había confundido con un ángel. Creo que era lo único en lo que no había exagerado.

 

*Hace algunos años, EN 2009, publiqué este texto que recuerda mis inicios en el periodismo, en concreto en el diario ‘El Día de Aragón’ en el verano de 1987. Empecé a colaborar gracias a la librería Muriel y a la buena acogida de Plácido Díez Bella y Lola Ester Uruén. En la foto, Maribel y María José.

16/09/2018 14:02 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'CARRASCA', ESTRENO EN HUESCA

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Carrasca es una roadmovie personal y el testamento en vida de una veterana pintora, Teresa Ramón, que vuelve de la muerte para luchar por su arte en un mundo de hombres. 

Recientemente la película ha recibido la Mención Especialmente Recomendada para el Fomento de la Igualdad de Género por el Instituto de la Cinematografía y de las Artes audiovisuales de España (ICAA).
La proyección de Carrasca será hoy lunes 11 de junio a las 22h. en el Teatro Olimpia de Huesca. Ese mismo día  a las 11 de la mañana tendrá lugar la rueda de prensa en el al Diputación Provincial de Huesca. Entre las 11.30 y las 13 h. se llevarán a cabo entrevistas personalizadas junto con la protagonista, Teresa Ramón, y el director, Alejandro Cortés
Adjunto el cartel de la película diseñado por Iñaki Villuendas (Premio Feroz por el póster de Handia), fotogramas del largometraje, pressbook, biofilmografía y foto del director.

Catálogo de la nueva exposición de Teresa Ramón, un mural de 80 metros que se podrá visitar durante el festival en el museo de la capital altoaragonesa:

JULIÁN GARCÍA HERNÁNDEZ EXPLICA SU BIOGRAFÍA DE ANTONIO SAURA

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El pasado 31 de mayo, Julián García Hernández, pintor y arquitecto, presentaba en Huesca un trabajo titánico: ’Antonio Saura. El muro de la vida’, una mirada global y minuciosa sobre la vida y la obra del pintor oscense que formó parte del grupo El Paso y que pintó grandes murales, entre ellos ’Elegía’, en la Diputación de Huesca.

¿Por qué una biografía de Antonio Saura (1930-1998)?

En 2006 se estaba celebrando una exposición sobre Antonio Saura en una galería de arte barcelonesa. Circunstancialmente pasé por delante, me llamó la atención y, disponiendo de un rato libre, me decidí a entrar. La impresión resultó fuerte. Se trataba de una muestra en la que podían verse piezas de diversas épocas y sobre diversos formatos. Recuerdo de memoria alguna ‘Crucifixión’, varios retratos, ‘Damas’ y un ‘Cocktail party’; en fin, lo que luego sabría que formaba parte de sus habituales trabajos sobre series temáticas. Al salir de la muestra, impresionado por una pintura que me resultó irracionalmente muy atractiva, y con tiempo todavía suficiente, fui a la Casa del Libro pensando en comprar una biografía sobre Antonio.

Sospecho que no la encontró...

La búsqueda en el ordenador de la tienda daba como resultado la aparición de catálogos y escritos (todo por supuesto, por encargo), pero nada parecido a unas memorias o una biografía. Estando seguro de que tarde o temprano la encontraría, dando por hecho que debía de existir, no quise darle mayor importancia pensando que la hallaría en alguna otra librería. Regresé una vez más a ver la exposición antes de su clausura habiendo leído algunas cosas ya. Cosas que empezaron a suscitar verdaderamente en mí la curiosidad por completar un relato que empezó a resultarme muy interesante. Las biografías someras de los catálogos reseñaban hitos vitales, como es natural, abriendo sin embargo entre ellos las cuestiones que hacían que no pudiesen ser hilvanados de una forma satisfactoria. Antonio pasaba de estar en cama varios años, gravemente enfermo de tuberculosis desde 1943 y casi hasta 1947, a fundar el grupo El Paso, exponer con éxito en la Bienal de Venecia de 1958 o en la Galería de Pierre Matisse de Nueva York en 1961.

“Antonio Saura no pasará nunca de moda”

Quiso saber, claro, ¿qué había sucedido por el camino?

Decía José Ortega y Gasset, a propósito de su biografía sobre Velázquez, que la terna que cualquier biografía no debiese dejar de diseccionar se correspondía con “vocación, circunstancia y azar”. Qué y cuánto de todo ello hay en una persona hasta el hecho de conformar su vida.

Vamos que ya estaba usted poseído por Antonio Saura...

En mi caso, las primeras dudas y curiosidades quedaron inscritas de manera más modesta en “qué y cómo”. Qué hizo de un niño enfermo uno de los pintores más importantes de la vanguardia española de la segunda mitad de siglo XX y, naturalmente, cómo lo hizo. Decidí, mientras me animaba a realizar búsquedas de sus catálogos y fragmentarias lecturas de lo que iba encontrando, a tomar notas en paralelo con la intención de poder ser yo, finalmente, lector de mi propio libro. Lejos estaba la intención de publicarlo ni de capitalizar su redacción en forma de tesis doctoral o estudio académico de cualquier naturaleza. Ser lector del libro que había querido leer, ni más ni menos. Sin prisa por construir un relato que no estaba esperando nadie, editorialmente hablando, fui hilvanando durante casi cinco años la biografía sobre Antonio. Me detuve cuando consideré oportuno para localizar y entrevistar a quien episódicamente pensaba que podía resultarme de interés, consiguiendo así añadir a la búsqueda bibliográfica y a la consulta de hemerotecas, los tres pilares sobre los que construir el relato.

“Antonio Saura no pasará nunca de moda”

¿Cómo fueron las pesquisas, la relación con sus amigos? ¿Le aleccionaron, le previnieron?

Escribiendo el libro tuve ocasión de conocer y tratar a gente extraordinaria: amigos de Antonio, familiares, compañeros de profesión y galeristas. Aproveché para viajar a Zaragoza, Madrid y Cuenca, consiguiendo disfrutar del viaje de la redacción del libro tanto o más que del premio de su lectura final. Los consejos de muchos de ellos hicieron que me decidiese, tras darles a leer el manuscrito final, a intentar publicar el resultado de mi trabajo.

Y ahí apareció el sello Memoria Artium, ¿no?

Es una editorial que aglutina las publicaciones de siete universidades públicas catalanas, y el interés que mostró por mi libro resultó una alegría no exenta de matices. Sus publicaciones incluían un índice onomástico que yo, por tratarse de un manuscrito sin pretensiones, no había realizado. Tuve que leer de nuevo al manuscrito varias veces para reseñar los casi mil quinientos nombres que en él aparecen. Junto a esta tarea, debí también preocuparme de realizar otra que tampoco hice en su momento: reseñar las citas conforme a una bibliografía final. Solucionado todo esto, el libro entró finalmente en fase de correcciones hasta conseguir lo que hoy en día ya puede encontrarse felizmente en las librerías, el libro que presentamos el pasado jueves en Huesca.

¿Qué le atrae del personaje, del artista?

Si bien es cierto que, en un primer momento, desconocía por completo al personaje que había detrás de los cuadros y que mi primer interés fue simplemente por su pintura, la curiosidad por saber más acerca de él, no tardó en aparecer. En muchas ocasiones nos encontramos con pintores que, bien sea por su estilo o bien por los temas que tratan, se nos presentan como artistas de tipo más “floral”.

"La de Antonio Saura es una pintura llena de aquello que el propio Saura definía como la ’belleza convulsa’".

Concrete…

La pintura de Antonio Saura, como la de Tàpies o Manolo Millares, traspasa a todas luces una frontera que va más allá del buen gusto o del divertimento pictórico. Es una pintura llena de aquello que el propio Saura definía como la “belleza convulsa”. Una pintura que, más allá de códigos estéticos asumidos y aceptados socialmente, atraviesa territorios que todavía hoy, para mucha gente, resultan espinosos y hasta desagradables. Me atrajo especialmente la energía de su pintura, la fuerza de los trazos (ahí está esa bestia llamada Brigitte Bardot que vive en Cuenca), ese trazo vivo que, de nuevo en la biografía sobre Velázquez definió Ortega y Gasset: “Ver bien un cuadro es verlo haciéndose, es un perpetuo estarse haciendo, dotarlo de reviviscencia actualizándonos la biografía del autor.” Su astucia, su cultura y su capacidad de ser, tal como él mismo decía, un buen observador de cuanto le rodeaba, hizo de Saura un pintor muy culto, capaz de metabolizar en beneficio de su pintura cualquier cosa que potencialmente pudiera resultar interesante.

¿Veía Antonio Saura lo que no vemos los demás?

Ja, ja, ja. Tal vez lo que más me atraiga de él es esa gran capacidad de “saber ver”, de mirar con intención, sin prisa, de analizar para finalmente incorporar a su trabajo lo que de lo visto le resultaba útil. Supo incorporar a su trazo enérgico y veloz, las composiciones más sencillas y minimalistas de las grandes obras maestras para establecer mediante la adición de los dos elementos, una nueva y extraordinaria relación. La composición del ‘Perro de Goya’ es muy sencilla como lo es el retrato de Felipe II, un sudario o la imagen de un crucificado.

A mí siempre me impactó su enfermedad y su voracidad para estudiar, para aprender, para quemar etapas en plena dolencia...

Su larga enfermedad en cama le dio la oportunidad de ser espectador de la vida antes que actor de ella misma. Cultivó durante aquello años una gran afición por la lectura que le ayudó a evadirse del obligado encierro de su habitación. Todo aquel poso acumulado con la cadencia que obliga estar en cama fuese tal vez el que luego desencadenaría una pintura veloz.

¿Cómo convivieron el escritor y el pintor?

Antonio siempre decía que el lienzo era un campo de batalla y en este aspecto, la escritura también lo fue para él en muchas ocasiones. Escribió desde muy joven, siempre en paralelo a su actividad como pintor, cosa que le valió una discusión con Eugenio D’Ors al enterarse de que éste había dicho: “Vaya, con que ahora resulta que Antonio también tiene pluma…”. A sus primeros escritos teóricos, el más famoso de ellos la “letanía pictórico-poética” que tituló ‘Programio’ a modo de proyecto de vida surrealista, firmado con veinte años, añadió, siempre que consideró oportuno, textos para defender lo que creyó justo en cada momento.

“Antonio Saura no pasará nunca de moda”

Ha dejado varios textos muy distintos, sobre todo muy brillantes los de pintura.

Escribió sobre pintura y sobre pintores, realizando semblanzas cuando fallecía un amigo o referente artístico, y preparando textos para exposiciones de compañeros. Escribió sobre reformas museísticas cuando creyó que debía hacerlo, exponiendo sus argumentos con la misma contundencia con la que pintaba. Escribió sobre patrimonio cuando, por ejemplo, vio con pena la decadencia del casco antiguo de Cuenca. No quiso pertenecer a la órbita de pintores del “pintar y callar” y siempre que lo consideró oportuno dejó por escrito sus puntos de vista sobre la actualidad artística del momento. Indignado profundamente por la instrumentalización política que se hizo ya en democracia a propósito del regreso a España del ’Guernica’, escribió su “Libelo” para defenderlo poéticamente. Sus textos, recopilados por su editor y amigo Hans Meinke, están por suerte hoy disponibles en cuatro volúmenes publicados por Círculo de Lectores-Galaxia Gutenberg.

Ahora está muy de moda la ilustración. Él ilustró a muchos clásicos: ‘La familia de Pascual Duarte’ de Cela, El Quijote, ‘Pinocho’ de Collodi, etc.

Junto a ellos, y también apoyado por su editor, Antonio no quiso dejar pasar la ocasión de dedicar una faceta importante de su trabajo a ilustrar algunos clásicos de la literatura, consiguiendo así hacer converger sus dos pasiones. De hecho, tal como dijo respondiendo al “cuestionario Proust” que le formuló el periodista Lluís Permanyer, de no haber sido pintor le hubiese gustado ser editor de libros o matador de toros.

“Antonio Saura no pasará nunca de moda”

¿Qué lugar ocupa hoy en el mundo del arte?

Saura ocupa hoy en el mundo del arte un lugar destacado, especialmente por cuanto tuvo de valor su periodo de pertenencia al grupo El Paso. Sin embargo, para bien o para mal, su pintura, como la de Manolo Millares, sigue resultando muy inaccesible para una gran parte del público que se enfrenta a ellas con la misma incertidumbre que hace 60 años. A pesar de que no se puede escribir un libro sobre las vanguardias artísticas españolas sin mencionar a Antonio Saura, tuve la desagradable decepción de conocer a un licenciado en Historia del Arte que no había oído hablar nunca de él “aunque sí de su hermano”. Saura no pasará nunca de moda porque su pintura está construida sin artificios. Decía José Bergamín en su ensayo sobre el toreo ‘Arte de Birlibirloque’: “La rapidez, la ligereza, no son prisa ni precipitación: son todo lo contrario: cálculo, meditada, preparada, decidida resolución de vuelo, de salto, de inteligencia”. Ahí vive la obra de Antonio Saura.

 

*Este texto aparece en Heraldo.es

https://www.heraldo.es/noticias/ocio-cultura/2018/06/03/antonio-saura-no-pasara-nunca-moda-1247337-1361024.html

*La foto de Julián García Hernández es de Rafael Gobantes, para Heraldo y Diario del AltoAragón.

 

04/06/2018 07:08 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

XESÚS FRAGA: LA CORRESPONDENCIA DE LUIS BUÑUEL

https://www.lavozdegalicia.es/noticia/cultura/2018/05/18/bunuel-puno-letra/0003_201805G18P37991.htm

Buñuel, de su puño y letra

La correspondencia del cineasta, coeditada por el investigador gallego Breixo Viejo, revela aspectos inéditos de su personalidad y su papel como interlocutor cultural

   
XESÚS FRAGA 
REDACCIÓN / LA VOZ 18/05/2018 05:00 H
 

En la década de los cuarenta del siglo pasado, Luis Buñuel(1900-1983) presentó su película Las Hurdes en la Universidad de Columbia, donde el FBI aprovechó para investigarlo. Décadas después, en este mismo centro neoyorquino lo han vuelto a investigar, pero con fines muy distintos. Breixo Viejo (Santiago, 1976), profesor de cine en Columbia, es el coeditor, junto a Jo Evans de Luis Buñuel. Correspondencia escogida(Cátedra), un volumen que este jueves salió a la venta y que recoge una amplia selección de cartas -casi un millar- del cineasta, tanto en número como en arco temporal: arranca cuando tiene nueve años y concluye con cinco fechadas el año de su muerte.

 

Recopiladas en archivos públicos y privados de varios países, la edición se nutre de un buen número de misivas inéditas, como también es inédito el retrato que emerge de las palabras del propio puño y letra del director. En un mundo como el cine, tan dado a mitificaciones, Buñuel es una de esas figuras que se rodean de un halo enigmático en el que se hace complicado distinguir lo verídico de lo fantasioso. Breixo Viejo cree que la edición de esta correspondencia contribuye a dar una imagen más veraz del cineasta: «Buñuel é tan coñecido que xa ninguén o coñece», neutralizado su carácter subversivo. El objetivo, por tanto, era «revitalizar o legado do cineasta desde unha perspectiva histórica, social, que desafíe o mito individualista que presenta o artista como xenio illado».

 

Temperamento combativo

La lectura del epistolario permite seguirle la pista a la evolución personal pero además profesional de una carrera que también es, en cierto sentido, la del cine en un buen tramo del siglo XX. La primera carta ya revela su «temperamento combativo». Fechada en 1909, emplaza a dos compañeros de colegio a una pelea: «Mañana, a las tres de la tarde, os espero a los dos solos en el callejón que hay en la facultad. Si no podéis ir al colegio, me la pagaréis los dos juntos». «Buñuel mozo é moito máis expresivo e apaixonado e, por tanto, espráiase máis na súa correspondencia», confirma Viejo. A medida que madura y también llegan los reconocimientos, las cartas se abrevian, «pero gañan en sintetismo e humor. O Buñuel maduro é máis conciso e abstracto, pero nunca resulta distante nin oficial».

 

Un simple vistazo al índice del volumen permite apreciar el privilegiado papel de Buñuel como interlocutor cultural. No solo compendia una historia del cine -Eisenstein, Selznick, Trumbo, Truffaut, Malle, Fellini, Saura, Rabal, Bardem...-, sino que incluye todas las artes: Aub, Cortázar, Octavio Paz, Breton, Carlos Fuentes, Man Ray o René Char, entre muchos otros, son nombres que se comunicaron con BuñuelCorrespondencia escogida incluye tanto misivas del cineasta como las que recibió, lo que contribuye a perfilar cómo era visto, la recepción y repercusión de sus obras, y la amplitud de sus contactos e intereses. No faltan, claro está, sus compañeros de juventud en la Residencia de Estudiantes -Lorca, Dalí, Bello- como también figura una notable presencia de corresponsales gallegos.

 

En 1928 le escribe desde París a Bello una carta que acaba con una «Historia indecente» en la que alude a una menstruación de Maruja Mallo. «É unha broma das que se gastaban na Residencia de Estudiantes. Sen mala intención, coido, pois semella que a relación entre Buñuel e Mallo foi de amizade. O que si indica, alén do chiste específico, é que -fronte á España monárquica e católica, claramente conservadora, da época- os residentes eran principalmente liberais e progresistas, sen temor a mencionar debates en relación á sexualidade feminina, o ateísmo, o movemento obreiro», aclara Viejo. Otras alusiones son más difíciles de descifrar. Como cuando en 1956 se refiere a Carlos Velo, con quien tuvo tantos puntos en común, como «ilegible», quizás una referencia a la película que coescribió con Juan Larrea, Ilegible, hijo de flauta, pero que no llegó a filmar.

 

Cantigas gallegas

Otros gallegos con presencia frecuente en el epistolario de Buñuel son el actor Fernando Rey, el médico José Luis Barros, que aparecía en sus películas -le llama «nuestro actor-cirujano»-, o José Rubia Barcia, con quien mantuvo una intensa correspondencia. En 1982 el escritor le envía sus Cantigas de bendizer, a las que Buñuel responde así: «Sus ‘cantigas’ me han parecido deliciosas, tiernas, originales. Las lei? en castellano y en gallego, en voz alta estas u?ltimas, para disfrutar de su dulce fone?tica, hazan?a atrevida por ser yo aragone?s. Buen ero?tico, pero muy fino, esta? usted hecho, entreverado con la nostalgia de su tierra». También ese año Buñuel le excusa a Rubia Barcia su asistencia a un homenaje que le rendirán en el Pazo de Mariñán por motivos de salud. Unos meses después le llega la muerte, no sin antes escribir un «testamento» para sus amigos: «Dry martini: ginebra, cotas de vermú, preferiblemente Noilly-Prat. Tal vez angostura. El hielo, muy duro, que no suelte agua. Buñueloni: carpano, ginebra y Cinzano dulce. Más ginebra que los otros componentes. Bebida de los surrealistas: cerveza, Picon y granadina».

 

AVA GARDNER Y LUIS MOMPEL

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Antón CASTRO

Ava Gardner (1922-1990) ha pasado a la historia como una actriz de fotogenia deslumbrante que se comía la cámara y que interpretó estupendas películas como ‘Forajidos’ (1946), ‘Mogambo’ (1953; el director John Ford perdió la cabeza por ella), ‘La condesa descalza’ (1954) o ‘Pandora y el holandés errante’ (1951), que rodó en España. Ava, que se hizo acreedora a la frase “el animal más bello del mundo”, llegó a Tossa de Mar en la primavera de 1950 y allí vivió un romance, un tanto publicitario, con el torero y poeta Mario Cabré. En sus memorias, Ava no fue demasiado generosa con él: “Mario era apuesto y viril, pero también presuntuoso. Escribió los poemas de amor más idiotas que se puedan imaginar”.

Ambos fueron carne de primera plana y las fotos hicieron morir de celos a su marido, el cantante y actor Frank Sinatra. Esa historia y otras –por ejemplo, la afición de la actriz a subirse a las mesas y orinar como si tal cosa- las cuenta Carlos Reyero en ‘Nunca volveré a ese maldito país’ (2015). La presencia de Ava en España está muy historiada: el escritor y crítico teatral Marcos Ordóñez siguió sus pasos en ‘Beberse la vida. Los años de Ava Gardner en España’ (2010) y Nieves Herrero noveló su episodio de amor con Luis Miguel Dominguín en ‘Como si no hubiera un mañana’ (2015). En sus memorias, dijo Ava: “Yo era su chica y él era mi hombre: así de sencillo. Éramos buenos amigos, además de buenos amantes, y no nos exigíamos demasiado el uno al otro». El cineasta Isaki Lacuesta le dedicó un documental: ‘La noche que no acaba’ (2010).

A pesar de lo mucho que se sabe de Ava Gardner y sus amoríos y sus parrandas, no se recuerda en exceso que también estuvo en Zaragoza. Parece que en dos ocasiones. Una está perfectamente datada: acudió a la plaza de toros de La Misericordia el 14 de octubre de 1955 a una corrida con toros de Atanasio Fernández. Según el cronista taurino de HERALDO Don Faroles fue una espléndida tarde de fiesta con la presencia de Antonio Bienvenida, que brindó por la presidencia y la afición y recordó que su padre había debutado en Zaragoza hacía medio siglo; resultaría cogido por un astado. Lo acompañaban Antonio Vázquez, ovacionado, y Julio Aparició que escribió “una página para la historia de nuestra plaza”. En el coso estaban, entre muchos otros, el embajador de Estados Unidos en España John David Lodge y la actriz Ava Gardner. Don Faroles solo alude a ella en el inicio de su texto, en el que elogia “la muleta prodigiosa movida por el temple de la muñeca de Aparicio, y dice: “Y en el momento oportuno brindó Julio Aparicio la faena que jamás se borrará de nuestro ruedo a la estrella cinematográfica Ava Gardner, espectadora de barrera de todas las ferias de España”. Eso es todo. Miguel Marín Chivite captó la imagen de Ava cuando el diestro le rinde honores, o eso se supone, aunque a él no se le ve. Llevaba una chaqueta de lana o rebeca sobre camina blanca, con los puños vueltos. En ese mismo año 1955, la actriz de Carolina del Norte se acababa de instalar en el Hotel Castellana Hilton. Luis Antonio González Marín cuenta en un libro sobre la memoria musical del recinto –donde fecha esta corrida en 1954- que oyó piezas musicales como ‘El mejor torero’, ‘Don Indalecio’, ‘Gallito’ y ‘La jota de los toros’.

Ava Gardner pudo haber estado otra vez más en Zaragoza o, cuando menos, otro día, aunque fuese del mismo año. Todo parece indicar que debió ser antes, se le veía más joven: Luis Mompel, que trabajaba para el estudio de Miguel Marín Chivite, le hizo una impresionante foto en el tendido. Mompel no recordaba con precisión de qué año era. No debió publicarse en HERALDO y el fotógrafo la rescató después. En el rastreo de hemeroteca que han realizado Elena de la Riva y Pilar Rodríguez no aparece la foto impresa ni una alusión explícita a una segunda estancia de la actriz entre nosotros. Mompel solía decir: “Al principio no reconocí a Ava Gardner. Simplemente vi a una hermosa mujer entre la gente y disparé. Descubrí luego quién era”. Detrás de Ava se ve, o eso parece, a un joven José Luis Borau, que era crítico cinematográfico de este diario, y abajo está el alcalde de Herrera de los Navarros, Saturio Bedoya, que “procedía de Valladolid, era farmacéutico, se casó con una joven de la localidad y arraigó en Aragón”, tal como cuenta Genoveva Crespo. Quizá ni sabía que le habían hecho una foto para la historia con una diosa del cine.

19/05/2018 18:29 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

MIGUEL FLETA, POR LUIS CALVO

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Luis Calvo pinta y evoca a su tío abuelo

Miguel Fleta a los 80 años de su muerte

 

-Se cumplen 80 años de la muerte del tenor lírico en La Coruña en 1938, durante la Guerra Civil española

-El artista dice que el cantante lo sentó en sus rodillas en su última estancia en Zaragoza en 1937

 

 ZARAGOZA. El próximo mes de mayo se cumplirán 80 años de la muerte de Miguel Burró Fleta (Albalate de Cinca, Huesca, 1 de diciembre de 1897 - La Coruña, 29 de mayo de 1938), el gran tenor lírico que estremeció con su canto -la suya, según el crítico Rivadeneyra, «no es voz de hombre, sino de ángel y de un cantor divino»- los años 20, en concreto entre 1922 o 1923 y 1928. La Asociación Aragonesa de la ópera ‘Miguel Fleta’ inaugurará una gran exposición de su vida y obra en el IAACC Pablo Serrano, en la sala 0, comisariada por Sergio Castillo y Alejandro Martínez.

El pintor Luis Calvo (Zaragoza, 1935) es sobrino nieto de Miguel Fleta; su abuela materna Clara era hermana del cantante, que antes había sido recadista en un bazar de Ventura Morera de su pueblo y luego mozo de labranza en dos torres de Cogullada: la de su cuñado Mariano Marqués, que se había casado con su hermana Inés Burró Fleta, y luego en la Torre de las Monjas, que llevaban Higinio Díez y la citada Clara. «Ellos serían mis abuelos. El joven Miguel Burró Fleta, y eso siempre se ha contado en casa, tenía muchos amigos, pero el más especial de todos fue mi padre, Ricardo Calvo », dice.

De la torre a Barcelona

Miguel Fleta iba a diario al mercado de Lanuza a llevar las hortalizas con su carromato. Su presencia no pasaba inadvertida: solía cantar la jota con una energía especial. «Cantaba a pulmón, con una voz maravillosa», escribió Pablo Antonio Santolaria. Él, Ricardo y otros amigos solían frecuentar el café Ambos Mundos, lleno de espejos y de músicos, acudían a la pastelería Casa Sánchez e iban a Casa Aparicio en el Coso Bajo, que aun sigue abierta. Y si querían bailar se desplazaban a las Delicias, a la Tienda la Rita, sobre todo los sábados.

Un domingo, 30 de septiembre de 1917, Miguel Burró Fleta, que no tardaría en cambiarse de nombre, fue a las fiestas de las Sagradas Reliquias de Villanueva de Gállego. Allí lo oyó el gran jotero Miguel Asso, elogió su voz y le recomendó que se presentara al Certamen de Jota del Pilar. El propio Asso, que vivía en la calle San Lorenzo haciendo esquina con el Coso, le daba clases y le enseñó los estilos. «Ya sabe lo que pasó. Mi padre, Ricardo Calvo , fue al Teatro Principal y lo recordaría siempre. No le dieron ningún premio». Fleta no obtuvo galardón alguno, pero el público sí fue sensible a su voz y le aplaudió a rabiar. Ese 16 de octubre hubo protestas, abucheos y pataleos ante el veredicto. Al parecer uno de los responsables del Teatro Principal le dijo al joven mozo de labranza: «Y tú, vete a entrecavar cebollas». Fleta no se mordió la lengua y le replicó que nunca volvería para cantar en el Principal.

«Fue una gran decepción para Miguel y para sus amigos y familiares, con mi padre a la cabeza. Poco después, como tenía a su hermano Vicente en Barcelona, era guardia urbano en la Rambla de Santa Mónica, se marchó allá. Y desde allí empezaría a triunfar. Lo más bonito para mi familia es que a mi padre, incluso antes de ser novio de mi madre, le escribía cartas y le preguntaba por las cosas del campo». Su curiosidad era tan explícita que quería saber si del parto de una yegua nacía hembra o macho. Una de las cartas la publicó hace años Francisco Oliván Baile en estas páginas. Miguel Burró Fleta cometía muchas faltas de ortografía, algo que corregiría apenas dos años después; cuando escribió desde Livorno en 1920 su caligrafía y su ortografía ya habían mejorado.

Miguel Fleta nunca perdió el contacto con su familia ni con sus amigos. Solía ir a las actividades del Centro Aragonés de Barcelona, de la calle Costa, y allí oyó al gran jotero Cecilio Navarro. «Fue a probar al Conservatorio del Liceo, y por fortuna lo oyó Luisa Pierrick, que creyó ciegamente en él y en su portentosa voz sin educar. Pensó que ella podría domarla. Le enseñó, le eligió el repertorio y encauzó su carrera», dice Luis Calvo . Y no solo eso: se enamoró de él y, aunque estaba casada con un músico, Miguel y Luisa iniciaron una relación sentimental y tendrían dos hijos.

Allá va la despedida...

El 16 de mayo de 1924 se casaron los que iban a ser sus padres, Ricardo y Pilar Díez Burró, en el Pilar de Zaragoza «Fue un día precioso. Inolvidable. Así lo contaban mis padres. Miguel era una figura e hizo de padrino. Se amontonó la gente, tomó la iglesia, porque querían escucharlo, pero él no quiso robarle protagonismo a los recién casados. Se hospedó en el hotel Europa».

Algunos se enojaron con él y tuvo que intervenir la guardia urbana. Acabó prometiendo que volvería al Pilar para cantar y el 28 de mayo del año siguiente entonó, en dos ocasiones, el ‘Ave María’ de Schubert. Tras la ceremonia nupcial, al día siguiente asistió a la zarzuela ‘La Virgen capitana’ en el Teatro Circo, de público, y participó en una jornada de caza por los montes de Santa Fe, donde solo se cazó un conejo.

El cantante volvería varias veces a Zaragoza. En 1937, el 22 de enero cantó en el Teatro Parisiana en apoyo del auxilio social, y el 17 de marzo lo hizo en el Teatro Circo. «Yo tengo recuerdos como muy borrosos. Venía siempre a mi casa y nos regalaba entradas. A mis padres les escribía desde cualquier sitio del mundo. Teníamos sus discos de piedra. Vino a merendar y yo recuerdo que me sentaba en sus rodillas, aunque no había cumplido los tres años», dice Luis Calvo , que no sabe del todo si los suyos «son recuerdos reales o inventados».

Su propio padre contó que la última vez que estuvo en Zaragoza Miguel Fleta, se reunieron con los amigos de siempre en el café Gambrinus y que luego fueron a su casa a merendar. «Esa celebración también fue una despedida. Fleta murió un año después en La Coruña». Fue en la plaza de Orense, muy cerca del mar.

 

 DETALLES DE UNA VIDA, UNA EXPOSICIÓN EN MARCHA

Sergio Castillo y Alejandro Martínez, de la Asociación Aragonesa de la Ópera ‘Miguel Fleta’ preparan la gran exposición sobre el tenor. En 2107 rindieron homenaje a la cantante Pilar Lorengar. Explican aquí algunos detalles de su labor.

Miguel Fleta. El hombre y el mito’. Este es el título de la muestra que contará con muchas novedades en todos los terrenos: grabaciones, películas, fotografías de distintos lugares del mundo, cartas, los libros que han publicado de Miguel Fleta. «Quizá no existan tantos materiales como en el caso de Pilar Lorengar, pero nos gustaría resaltar algunas cosas: Miguel Fleta era el Messi de su época. La gente lo admiraba, acudía a saludarlo a los hoteles, le pedían que saliese a las ventanas o al balcón a cantar. Se entregaba y estaba dispuesto a cantar en cualquier instante. Y eso al final no es bueno para la carrera de un artista de su dimensión. Esa generosidad fue contraproducente y lo pagó caro», dicen Sergio Castillo y Alejandro Martínez.

Inicios. «Su marcha a Barcelona fue determinante. Pero nada fue fácil, a pesar de la gran intuición de Luisa Pierrick, su maestra de canto y también su amante. Se fogueó en el Casino Republicano de Barcelona, cantó muchas jotas y, durante su formación, las pasó canutas», agregan.

Política. «Nos interesa mucho analizar la trayectoria política de Miguel Fleta. Es sabido que fue enterrado envuelto en la bandera de Falange y que actuó en algunos mítines. Su actitud política merece un análisis detallado: saludó la llegada de la II República en Madrid, se sumó a la celebración, y cantó el ‘Himno de Riego’. Y se comprometió en diversos actos populares con muchas causas sociales».

Cantantes de su época. «Técnicamente, nadie cantaba como él. Era un animal en escena», dicen Sergio Castillo y Alejandro Martínez. «Con Caruso, Pavarotti, Domingo, Chaliapine y Kraus, Miguel Fleta está entre los mejores de todos los tiempos. Miguel Fleta es un icono para los amantes de la lírica, por su timbre reconocible y sus filados sin fin, por ese arte inimitable que le hizo cosechar los más grandes triunfos en Milán, Nueva York o Madrid», insisten.

Personajes. «Miguel Fleta cantó en muchos escenarios un amplio repertorio. Si hubiese que elegir las óperas en las que se sintió especialmente cómodo, citaríamos tres: ‘Carmen’ de Bizet, en la que encarnó a Don José, su papel fetiche; ‘Tosca’ y ‘Turandot’, de Puccini, en concreto el ‘Nessun dorma’».

En Zaragoza. Miguel Fleta cantó el 28 de mayo de 1925 en la Basílica del Pilar el ‘Ave María’ de Schubert. En el Teatro Circo, en los días siguientes, actuó con ‘La Bohème’, ‘Aída’ y ‘Carmen’.

Carmen Mirat. Así se llamaba su esposa, una joven de Salamanca con la que se casó el 20 de abril de 1927. Vinieron a Zaragoza y luego se trasladaron a Huesca; allí los retrató el fotógrafo y tendero Nicolás Viñuales. Tendrían dos hijos.

Teatro Principal. Por fin Miguel Fleta pisó el escenario del Principal. Fue el 15 de junio de 1932: participó en un concierto benéfico, ‘Homenaje a la vejez’. Cantó el cuarto acto de ‘Carmen’. Aquel día tocó la pianista Pilar Bayona. «Tres años después -dicen Sergio y Alejandro- ofreció un nuevo concierto benéfico, ahora en el Teatro del Hogar Pignatelli, acompañado por el violinista Carlos Sedano y el pianista Ataúlfo Argenta, que luego sería director de orquesta». Es probable que Argenta viviese una bella historia de amor y atracción con Pilar Lorengar. A. C. 

16/05/2018 09:46 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'MATERIA Y LUZ' DE CARMELO REBULLIDA

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Carmelo Ramos Rebullida está radiante: ayer, en la Lonja de Zaragoza, con la inauguración de su exposición ‘Materia y luz’, cumplía un sueño. Lleva más de 40 años viviendo de la pintura, desde que expuso en 19878 en la galería Trazos, y resume en 58 obras dos de sus líneas esteticas: sus ‘Aproximaciones a los fósiles’, serie que inició en 1992, donde rinde homenaje a los minerales y al paso del tiempo, y sus ‘Planetas’, una treintena de piezas, realizadas entre 2015 y 2017, donde refleja su pasión por los cuerpos celestes, las constelaciones, que abren un nuevo camino en su pintura: poético, como siempre, placentero, vitalista y de indagación en el trabajo y en los sueños. “Son planetas imaginarios que tienen algo de paisajes del subconsciente y, por lo tanto, algo extraño. Hay planetas rosas, gaseosos, planetas líquidos como ríos inmensos.

Dice: “Pintar ha sido una terapia para mí. Me ha salvado de muchas cosas y me ha ayudado a vivir. ‘Materia y luz’ es una exposición gozosa, terapéutica, un canto a la alegría de vivir. Yo me considero un clásico moderno. Las armonías del color me salen así, sin afectación, de un modo natural, y reflejan lo que soy. Esta es una muestra lúdica: he disfrutado con cada cuadro”. Insiste en que ya no tiene edad para intentar deslumbrar a nadie ni aparentar ser lo que no es, pero tiene clara una cosa: “Siempre he querido hacer cosas nuevas. No acomodarme. Al fin y al cabo el arte contemporáneo es una evolución constante. Se trata de cambiar y cambiar. Yo he aprendido siempre”.

Carmelo Ramos Rebullida es autodidacto absoluto, pero quiere aprender todo el tiempo: le sucedió con un tío suyo, perito mercantil, manco, al que veía pintar con una mano los domingo, y que le acabaría regalando una caja norteamericana de pinturas; le sucedió luego con Eduardo Laborda, con quien compartió una buhardilla; le sucedió en el Museo del Prado, donde veía a los copistas de Goya y, años más tarde, en Zúrich, lo deslumbró la pintura de Paul Klee.

No voy de nada. Ni me creo nada. La pintura me sale así, unas veces con muchas texturas, otras veces con esta ligereza, aguada, sutil. Muchos de los cuadros de estos dos últimos años son como de primera intención, sin retoques. He buscado la frescura y aquí está, pero también el resultado, sobre todo en algunas piezas, creo que es refinado; lo digo sin arrogancia alguna. Hace años que he amansado el ego”, matiza.

Desde que Rafael Ordóñez Fernández, exdirector de Servicio de Cultura, le confirmó en 2015 que ocuparía la Lonja en la primavera de 2018, no ha parado de trabajar y de acumular, casi a partes iguales, pasión, ansiedad, ambición, deseo de ser como es, más que de agradar exactamente. “En esta última serie de planetas no utilizo pincel. He trabajado con diversas herramietnes, esponjas, escorrederas, con la mano, con la escoba. Pieza a pieza, me siento reflejado y creo que me reconozco”.

 

*La foto es de Raquel Labodía.

 

13/05/2018 19:38 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

EL CANTO DE COLOR DE TERESA RAMÓN

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TERESA RAMÓN PINTA UN IMPRESIONANTE MURAL DE 68 METROS

EN EL MUSEO DE HUESCA: ’LE JEU DE VIVRE’ (2017-2018)

 

 

El canto de color de Teresa

 

 

Teresa Ramón (Lupiñén, 1945) recibió el Premio Aragón-Goya en 2015. Fue un galardón a su trayectoria –pintura, obra mural, escultura, dibujos, libros de poemas, bestiarios- y a la vez fue un acto de justicia poética: acababa de volver de la muerte; había cruzado el túnel lóbrego que lleva a ninguna parte o, para algunos, a las regiones ignotas de la fe. Poco después apareció Alejandro Cortés para hacer el documental ‘Carrasca’: esta mujer, fatigada, desarmada quizá por el estupor y otros dolores que no tardaron en sumarse, fue capaz de rehacerse y de pintar para sí misma y para la película.

Hace más de un año, Rafael Doctor –comisario de exposiciones, novelista, director del Centro Andaluz de la Fotografía y animalista- le propuso otro de los desafíos de su vida: desarrollar un proyecto abstracto, un gran mural, que se exhibiría por vez primera en el Museo de Huesca. Le propuso, entre otras cosas, que se alejase de la figuración, de sus animales, de sus signos reconocibles, y que se zambullese en el mundo infinito del color, de la gestualidad, de la delicadeza. Durante varios meses, Teresa Ramón trabajó con auténtico afán o quizá frenesí, y el resultado es ‘Le jeu de vivre’. El juego de vivir. Por extensión, el juego de existir, el juego de crear. El juego de ser. Lo más impresionante es que la artista, y no es una broma, ha rejuvenecido en el intento: ha pintado cuatro piezas, con solución de continuidad, de 2.20 metros de alto, por 17 metros de largo, es decir, 68 metros de pintura.

‘Le jeu de vivre’ es, de entrada, un gran homenaje a la pintura. Con todo lo que tiene: intuición, técnica, color, profundidad, capacidad de sugerencia, libre albedrío y libertad intrínseca. Indomable libertad. Teresa Ramón, a lo largo de los años, en Aragón y en países latinoamericanos, se ha medido a sí misma: ha hecho grandes exposiciones, una de las más bellas, la vimos en la Lonja de Zaragoza, ha pintado murales (uno de los más conocidos es el del Palacio de Congresos de Huesca: un documento de amor y reconocimiento a la ciudad donde se ha formado), hemos visto sus monstruos, sus figuras, sus lacas, sus impresionantes dibujos, tras el retorno de ese fugaz más allá. Y, aunque pueda parece que se juega con ventaja, todo eso está en el mural, que encaja a la perfección en el patio del museo que dirige, con tanto gozo, Ana Armillas. Están su travesía en el tiempo, el manual diverso de las emociones, una idea de la musicalidad (la pintura como el silencio tiene música), esa facilidad o inclinación para encontrar nuevos colores: Teresa Ramón los redescubre, los interioriza y los despliega con osadía, con vitalidad, con exuberancia. Con borrachera de luz.

En torno al color, desde la emoción y la energía, organiza su mural. Y no engaña a nadie. ‘Le jeu de vivre’ es un canto a la vida, es una exaltación de la condición humana y es una indagación en los códigos y atributos de la pintura. Empieza con la sangre, con los tonos rojos, rosados, burdeos, bermellones, como si se afirmase en la pasión, y el único elemento figurativo, explícitamente sugerido, podría ser un feto, la semilla, un cuerpo que se pondrá en marcha: hacia la niñez y adolescencia, hacia la plenitud, hacia el otoño de la edad, hacia la experiencia y sabiduría que se expande en rugientes cromatismos.

Los rojos avanzan hacia los verdes. Es la selva de existir. Es la selva del mundo. La naturaleza voraginosa, paraíso y precipicio insondable, bosque de fábulas. Da la sensación de que entre los dos primeras partes camina un río. Un río, sí, y se deslíe entre la sangre y la fronda como un testigo del pensamiento, y el cántico incesante del paisaje. Luego, salimos a otros territorios: amarillos, fuegos, ocres, tierras. El llano de la Hoya, tal vez, los páramos extendidos como lagartos inmensos, el limo enceguecido por el sol, las huellas de un andar casi metafísico. Y más tarde, se cierra el ciclo con otro fulgor. Podrían ser las cuatro estaciones, los ciclos vitales, podría la desnudez de la espiritualidad, el poder avasallador de la mano en el estudio, como documentó la cámara de Javier Broto, y antes la del cineasta Alejandro Cortés.

Teresa Ramón ha dado lo mejor de sí misma: el esfuerzo y la inspiración y el sentimiento. La hermosura y el abandono. El dolor y el llanto. La memoria hecha viaje. Ha entrado tan adentro con su sensibilidad y su visceralidad que no ha vuelto la cara a la materia oscura y al miedo y ha burlado con pura vida a la misma muerte. Ha jugado a vivir con el misterioso escalofrío del arte.

28/04/2018 17:19 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'CASI 40'. LA PELÍCULA DE DAVID TRUEBA

Tráiler de la nueva película de David Trueba: 'Casi 40'

https://www.youtube.com/watch?v=DslTferXQRM

http://www.davidtrueba.com/entrevista-a-david-trueba/

¿De dónde nace este proyecto? “Casi 40″ tiene un aroma personal e íntimo que escapa a casi todas las catalogaciones de género.

Es complicado explicar el origen de esta película. En 1996 busqué dos actores jóvenes y no profesionales para los papeles protagonistas de mi primera película como director, “La Buena Vida”. Encontré a Lucía Jiménez y Fernando Ramallo, entonces estudiantes en el instituto. Lucía cantaba en un grupo, Fernando dibujaba muy bien. Desde entonces, hace ya más de 20 años, no habíamos vuelto a trabajar juntos. Reunirlos para rodar “Casi 40″ fue por tanto un reencuentro que funcionaba casi como una trama paralela a la trama real de la película. El guión habla del primer amor, de lo que significa el primer amor.

¿Cómo fue ese reencuentro con Lucía y Fernando?

Los encontré más maduros, pero llenos de ganas de trabajar. Cuando los conocí no eran actores, ahora son actores con veinte años de experiencias profesionales a sus espaldas. Ellos son muy distintos y la vida les ha llevado por muy distintos lugares. Pero desde tiempo atrás quería reunirlos de nuevo y prolongar algunas ideas que estaban evocadas en mi última novela, “Tierra de Campos”. Al reencontrarlos en el momento en que están a punto de cumplir 40 años, mi intención era relatar una franja de vida que algunos definen como el segundo acto. No sé si las peripecias humanas pueden someterse a las estructuras del teatro clásico, pero para mí el paso del tiempo es el gran asunto de la ficción. Y esta película pretende contar eso, cómo el tiempo trata a las personas, en su caso, a quienes vivieron de manera distinta un inolvidable amor de adolescencia.

¿Te planteaste esta película en un diálogo con tu primera obra, “La Buena Vida”?

Nunca nos lo planteamos así. No la he vuelto a ver desde que la estrené en 1996, así que no la tengo muy presente. Lo que pretendíamos era hablar de algo difícil de retratar en el cine. Cómo la experiencia de vida, el avanzar profesional y personal, te obliga a enfrentarte con las ilusiones y vocaciones de adolescencia. Es inevitable enfrentarse al recuerdo y también salir tocado de él, porque no hay nadie, como dice Lucía en una de sus canciones, que haya sido capaz de cumplir todas sus promesas. Ni tan siquiera las promesas que uno se hizo a sí mismo. Los personajes nacieron para contar esta película, ellos mismo evocan un pasado para contrastarlo con el presente, que es lo que importa.

La música parece un motivo principal de la película, ¿hasta qué punto la narración se estructura en torno a las canciones que interpreta Lucía?

“Casi 40″ es una película que tiene estructura de musical, donde las canciones en este caso completan la visión del pasado, son alguno de los grandes éxitos de Lucía un tiempo atrás, cuando tenía un grupo de cierto nombre. Ella ha pasado de triunfadora en el mundo de la música a alguien que ha abandonado esa vocación juvenil. A su lado, el personaje masculino que interpreta Fernando Ramallo trata de rescatar otra ilusión igual de absorbente en los tiempos de la juventud: el amor. ¿Qué ha sido del primer amor? O como confiesa el protagonista en una escena de la película: acaso el primer amor sea como una figura inmarchitable y familiar, como el padre o la madre, así el primer amor se mantiene siempre vivo y firme en el recuerdo.

¿Entonces las canciones elegidas son también una visión del paso del tiempo?

Claro, las canciones se componen en un momento determinado y aunque se escuchen mucho tiempo después siguen hablando de quien las compuso en aquel día lejano. Por eso quería que fueran distintas, de distinto color emocional. Para ello utilizamos tres canciones que me gustan mucho, Miedo de Jorge Marazu, Despertarme contigo de Rebeca Jiménez y Todo me recuerda a ti de Señor Mostaza. Forman entre ellas una carrera ficticia de aquella cantante que fue la Lucía que muestra la película.

Pese a un cierto aire de desencanto, la película contiene momentos de humor, ¿cómo la definirías?

“Casi 40″ avanza como un martillo por las intimidades de los protagonistas y el desencanto es probablemente el desencanto de una generación, los que ahora cumplen cuarenta, que han visto cómo en España se han pulverizado sus ideales de vida y profesión. En la autonomía de las personas, en sus desencuentros cronológicos, en recordar cada cual los momentos estelares de su vida de una manera particular está la clave de la historia y los personajes. El viaje, en esta película de viaje, vuelve a ser algo más que un viaje geográfico, como ya pasaba en “Vivir es fácil con los ojos cerrados”. Se trata de un viaje interior. A medida que uno avanza en la vida, el pasado cobra un peso cada vez mayor y hay que lidiar con eso, algo que de joven ni te planteas. He tratado siempre de retratar personas en mis películas y novelas, no me importan demasiado los géneros, sino la gente. Me apasiona la gente, creo que ellos son los que dan vida a cualquier ficción, ni las tramas ni los géneros, sino esos alientos de vida que uno percibe en los grandes personajes.

16/04/2018 00:54 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

NATALIO BAYO INTERPRETA A GOYA

[Natalio Bayo, con quien he colaborado al menos en dos libros de bibliofilia, ’Bestiario aragonés’ y ’Caballos en la noche’, rinde homenaje a la pintura y a los grabados de Francisco de Goya en el Museo Pablo Serrano. Escriben varias personas en el catálogo. Allí también va este texto mío: esta suerte de breve diccionario temática de temas, obsesiones, trazos... etc.]

 

Natalio Bayo dijo en una ocasión, hace casi medio siglo: “Pinto porque me gusta”. La frase es sencilla: pura determinación, coraje, llamada de la sangre. Vocación. Y a ello –a pintar, a dibujar, a grabar- se ha dedicado casi toda su vida. Quizá por ello, Rafael Ordóñez Fernández tituló un libro sobre él, Natalio Bayo. La pintura interminable (Mira, 2008). Siempre se ha sentido hijo del campo, y en especial de su padre Plácido Bayo, tratante de caballos y quizá cuentista de una vida rural llena de fascinación, que se afirmaba en la tierra, en el paisaje y en el diálogo casi inadvertido pero latente con los antepasados. Natalio, además, se ha sentido heredero, ahijado lejano y discípulo indesmayable de Francisco de Goya. De ahí esta exposición monográfico. Esta cita y este homenaje. Son distintos, sin duda; su pintura ofrece dramas diferentes, pero hay entre ellos algunas conexiones, que encerramos en un puñado de vocablos un poco aleatorios.

ANDARIEGOS. Son los hombres que caminan. Esos campesinos que van del corazón y de las cosas del campo a sus asuntos. Son esos gigantes sonámbulos. Colosos que no lo parecen porque siempre exhiben candor y melancolía, una perplejidad dulce de existir. Son esos seres que parecen habitar otros mundos y que conocen a la perfección la tierra o los montes que pisan. Podrían hablar de los secretos del cereal, del paso airoso de las caballerías, de los sistemas de riego, de los sueños sin salida. Podrían contar que a veces, alguna tarde, un muchacho sale al plantío con sus cuadernos de dibujo o sus acuarelas y atrapa todo aquello que se mueve: un labrador, un vencejo, el aleteo de una rama, el suspiro de la brisa en el océano del panizo. Son como los aparecidos: paisanos sin ínfulas, sosegados, que aprenden el enigma de la luz en las nubes que pasan, en el tornasol del crepúsculo que se extiende sobre el mundo. Los andariegos, sin cultivar la exactitud del aforismo, son los filósofos de la aldea. Saben, intuyen y descifran el balido del universo. Natalio Bayo los observa: caminan como si hubiesen perdido el horizonte o la patria del alma. Y a veces, en el espejismo de la faena, los encuentran y a la par se encuentran a sí mismos.

ARAGÓN. Es algo más que una palabra: es un reino, un pueblo en la historia, todo un universo en Europa desde el siglo XII, incluso antes de que Europa adquiriese su calado simbólico de viejo continente de naciones y aventuras convulsas en el tiempo. Natalio Bayo es uno de los pintores aragoneses por antonomasia: se ha preocupado de ofrecer los mitos, los personajes, las atmósferas e incluso las leyendas más menos fundacionales de este territorio de polvo, niebla, viento y sol. Es el pintor de San Jorge, la doncella y el dragón; es el artista de las banderas como emblemas de convivencia y de tribu, de los palacios renacentistas, es el hombre que se estremeció con Pedro Saputo, el pícaro aragonés ilustrado, con el paisaje (los Monegros, el Moncayo, Albarracín), con la gente sencilla del tajo que cosecha afanosamente el labrantío de las estaciones. Si Goya encarna el tesón, la visceralidad, la genialidad y hasta cierta locura –impulsada hasta la devastación por la enfermedad y el tormento-, Bayo no le va a la zaga: ha querido aprender siempre y ha pugnado hasta la sangre y el espanto con el monstruo que nos habita. Con el monstruo que nos habita, o que habita en la naturaleza y sus páramos, y con el monstruo iracundo del poder y la sinrazón. En Goya, el  monstruo eran la guerra, el exilio, el miedo inabordable, los cuadernos del dolor y la ira de los Caprichos y los Disparates; en Natalio Bayo, es esencialmente el franquismo con sus perros del odio, a los que él ha denunciado una y otra vez tanto por la vía directa como por la alegórica con sus paisanos y sus mineros, con sus palomas aherrojadas, con sus cajas, con esos hombres decrépitos que resisten en medio de las ruinas.

BESTIARIO. Los animales no dan tregua. Estimulan, perturban, hacen compañía. Protegen. En la obra de Natalio Bayo, como en la vida, hay animales muy diferentes. Le gustan los galgos, claro, los tigres, los dragones, el armiño, el unicornio, las palomas, los pajarillos, los gallos. Por ahí andan entre las vibraciones del paisaje y las emociones del ser humano. Ilustró un Bestiario aragonés; los animales son sus aliados o la huella de una presencia inquietante y desvelada. Goya vio criaturas ominosas y se enfrentó al silencio terrible de quien no puede dormir.

CABALLOS. Quizá no sea exacto decir que Goya fue un pintor de caballos. No lo fue como Gericault o Picasso, sin duda, pero quizá sí lo fue en su Tauromaquia. Natalio Bayo compuso una Bayomaquia, pero hay algo que aún es más determinante: él sí es un pintor de caballos. Ya se ha dicho que su padre fue tratante de caballerías y que le ha rendido homenaje de diversas maneras; huérfano de madre, los caballos han estado siempre en su imaginación y en el vertiginoso vaivén de su mano. Bayo los ha entendido muy bien y pinta équidos desde que empezó en este oficio. El caballo encarna la elegancia, la nobleza, la versatilidad, la valentía, la lealtad, la pura energía. Bayo lo siente como algo sustancial de su memoria y de su corazón: lo ha situado, incluso, en las aguas del Ebro o lo ha visto, en forma de centauro, en tierras del Moncayo. Y lo ha visto, como corcel negro o como alazán, entre sus criaturas que van y vienen por los pasadizos de los siglos con el embozo en los ojos.

CABEZAS. Natalio Bayo le ha dado una impronta a sus cabezas. En su interior o sobre ellas puede suceder de todo. Puede anidar un monstruo, una iguana, un sombrero susceptible de ocultar un embrujo siniestro; puede ondular una bandera o crecer un jardín, un vergel, un huerto o una sencilla flor. Las cabezas de Natalio Bayo son excepcionales: a veces parecen el sedimento o los fósiles de un monstruario. Con la pintura, sus figuras se animan y salen de exploración desde el fondo del cuadro. Goya pintó cabezas, cabezotas y cabezones, empezando por sus autorretratos. Natalio Bayo no ha dejado de ensayar aproximaciones a sí mismo: en 1984, por poner un ejemplo, firmó un Autorretrato con San Jorge, la doncella y el dragón.

FUMAR. No recordamos ahora si Goya fumaba, pero Natalio no ha dejado de hacerlo. Es su manera de someter al tiempo íntimo de un cuadro: cada vez que aspira mitiga el arrebato, enfría la emoción, suaviza el incendio de los colores. Y aprende a observar desde la lentitud con un placer inefable. Natalio fuma Ducados. Puede parecer frivolidad, pero el virtuoso, el manierista, el pintor narrativo halla su acomodo y su inspiración en el centro del laberinto. Y piensa mejor. O sencillamente atrapa el sfumato que huye.

GRABADOS. Cada vez que se hacen listas, que es un hábito de antaño y no solo derivado de las nuevas tecnologías, siempre se dice que los mejores grabadores de todos los tiempos son Durero, Rembrandt, Goya y Picasso. Natalio Bayo aprendió de todos ellos y ha firmado aguafuerte, serigrafía, punta seca, punta de plata. Ha confeccionado muchos libros de artista de casi todo: de las canciones de amor de Labordeta (que quizá sea el sentimiento más auténtico del hombre que nunca dejó de ser emoción, ternura seca, canto para todos), del Aragón monumental y artístico, de las novelas Bomarzo y Carmen, de Romeo y Julieta, de gladiadores, hasta firmó una serie de seis aguafuertes: Según los Caprichos. Sobran los comentarios. Goya figura entre las obsesiones de Bayo, y no duda en rendirle homenaje. Goya ha sido una fuente y un estímulo: su mundo es complejo y rico, ebrio de paradojas y de dolor. Posee la sabiduría de alguien llamado a ser sociólogo y cronista de su tiempo y, ante todo, un artista del compromiso. Natalio se ha fijado en el maestro y, con pasión, con esfuerzo, con la búsqueda indesmayable, ha alcanzado el vértigo. O la cima de una montaña de expresividad, mirada y relato.

ITALIA. Si Goya refinó su talento, incipiente o en estado bruto, en Italia, ahí está su vigoroso Aníbal vencedor contempla por primera vez Italia desde los Andes, qué vamos a decir de Bayo. Le encanta contarlo. Con su deseo de saber y algunas becas decidió partir a Italia: a Florencia, Venecia, Roma. Allí lo descubrió casi todo: la potencia inmediata de los grandes cuatros, la untuosidad, la composición, una técnica increíble. Se hubiera arrojado en el interior de los cuadros de Botticelli, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel, Mantegna, Rafael de Urbino. Le estremeció hasta lo indecible la pintura en directo y sus ángeles negros, las dentelladas en el lienzo, la suavidad de los valles, la verdad etérea de la inspiración. Salió tan herido o tan poseído que, en cierto modo, nunca dejó Italia. Venecia, como se sabe, agita sus aguas y sus palacios y sus banderolas marinas en muchos de sus cuadros. Italia y sus próceres, Italia y sus frisos, los pintores italianos, renacentistas o sombríos como Caravaggio, exóticos y místicos como Fra Angelico o Giorgione, la Italia aragonesa, inmortal en el recuerdo… Nunca, nunca, nunca los ha perdido de vista: los abraza igual que el farero abraza un precipicio que se estrella con el mar.

MUJERES. Goya es un exquisito pintor de niños y de mujeres. De las mujeres que amaba, que adoraba, por las que sentía una atracción que iba más allá del amor o del deseo. Salvo excepciones, nunca le gustaron algunas reinas, logró retratos de una luminosidad esencial, que viene de adentro y del confín oculto de los sueños: las majas, vestidas y desnudas, la marquesa de Santa Cruz, la condesa de Chinchón, la Duquesa de Alba, Leocadia Weiss, Rosario, esa mujer que duerme en Dublín y agita como un volcán, bajo velos de luz y eternidad, el busto… Natalio Bayo ha pintado todo tipo de mujeres. Las ha pintado y las pinta: en el papel, en el lienzo, en sus cuadernos, en sus grabadores, en los borradores de la imaginación. Mujeres de agua y fuego, mujeres felinas o entronizadas, de jota y cierzo, mujeres con caballo, sedosas, mujeres con pájaros, que esperan el alba, que se adentran en el rumor de la noche, mujeres que ensayan su desnudo más hermoso entre las rosas o las formas hospitalarias de la fronda. Mujeres que son piel de lascivia y que sestean, con la nalga descubierta, bajo el sol del verano, mientras un perro Dálmata atrapa ese espectáculo de la pura belleza.

RETRATOS. Goya hizo retratos siempre. En todos sus cuadros. En el fondo, más allá de pinturas de guerra o de sus instantáneas del horror y de la convulsa vida diaria, no dejó de hacer retratos. Es uno de los más grandes: expresivo, psicológico, captó lo invisible y su catálogo de espantos. Arisco y tierno. Natalio Bayo es un pintor narrativo y un pintor pintor, que disfruta con la materia y la ingeniería secreta de la conciencia. La suya y la del retratado. No ha dejado de buscar el retrato más perfecto. Quizá no exista. El retrato también es un estado de ánimo, un afán, un temblor, la quimera de alcanzar un instante decisivo en los ojos, en la piel, en el gesto levantisco. En el retrato, Natalio Bayo es plenamente feliz o totalmente desdichado. El arte, en Goya o en Bayo, nace del estupor, del vacío, de las contradicciones, de los amores dolientes, reales o soñados. El arte es una forma radical de inconformismo y de querer atravesar al otro con el grito de la luz, del color, de la forma y de la materia. Goya y Bayo, Bayo y Goya dialogan en la inquietante hermandad de la creación. Y lo menos asombroso es que se reconozcan.

15/02/2018 01:19 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

PROGRAMA COMPLETO DE PABLO SERRANO

Natalio Bayo. Variaciones goyescas (Pl 04)

 Del 31 de enero al 20 de mayo de 2018

La exposición Natalio Bayo. Variaciones Goyescas se celebra con motivo de la concesión del Premio Aragón – Goya 2014 al artista, destacando por parte del jurado “su vitalidad creativa, su versatilidad, su profundo conocimiento de toda la técnica y género artístico y la creación de un universo plástico con un imaginario propio que incluye una visión personal de Goya y de Aragón”.

En esta muestra, Natalio Bayo aborda los Desastres de la guerra y las Pinturas negras en dos series de obras pictóricas, realizadas expresamente en 2017 para esta exposición. Se trata de 38 obras de técnica mixta (creta y tinta china) sobre cartón y 10 óleos sobre yute, que conforman sus Variaciones sobre los Desastres de la Guerra y sus Inspiraciones sobre las Pinturas Negras, en las que el artista recrea el dramatismo, la atrocidad y el espíritu crítico de las estampas y frescos de Goya, pasados por el personal filtro de Bayo. La exposición incorpora además dos series de grabados al aguafuerte y al aguatinta, según los Caprichos e Inspiraciones disparatadas, editadas en 1996 y 2014 respectivamente. En conjunto se trata de un diálogo del pintor con la obra de Goya, a la que doscientos años después considera plenamente actual.

Natalio Bayo (Épila, Zaragoza, 1945) recibe el Primer Premio “San Jorge” de pintura en 1970, otorgado por la Diputación Provincial de Zaragoza, destacándole como joven promesa, una distinción que le sirvió de acicate para dedicar toda su vida a la creación artística. En 2014 el Gobierno de Aragón le concede el Premio Aragón-Goya en reconocimeinto a toda su trayectoria artística, con cuyo motivo el pintor agradecido por tan honrosa distinción ha realizado la presente muestra.

Entre estos dos premios, y a lo largo de más de cuarenta y cinco años, transcurre una vida dedicada plenamente a la pintura en la que ha recorrido un largo camino, optando decidiamente por la figuración. 

 

Programación expositiva del IAACC Pablo Serrano 2018

 

 

El Departamento de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de Aragón presenta el calendario expositivo que el IAACC Pablo Serrano ha preparado para el 2018. La programación se articula en torno a siete líneas de trabajo: Premio Aragón-Goya, hitos del arte aragonés, creadores aragoneses, convocatorias abiertas de creación artística, arte y compromiso social, artes escénicas, y arte y literatura. 

Además de las muestras temporales, se recupera superficie expositiva con el Espacio Pórtico (zona de entrada junto a la tienda-cafetería) y la Sala 94, así llamada en referencia al momento en que se inagura el proyecto del museo. Próximas exposiciones: 

  • TRANVÍA TEATRO. 1987-2017. Los primeros años de una compañía. Hasta el 1 de abril de 2018
  • HNegra. Del 17 de enero al 18 de marzo
  • SERGIO MURO. Plain Happy-Felicidad absoluta. Del 24 de enero al 8 de abril
  • NATALIO BAYO. Variaciones goyescas. Del 31 de enero al 20 de mayo
  • REVISTAS CULTURALES. El papel de la diferencia. Del 4 de abril al 6 de mayo
  • XXIII Exposición de Arte Contemporáneo. Aspanoa. Del 17 al 29 de abril
  • CRISTINA HUARTE. Aún no estás sola. Del 25 de abril al 2 de septiembre
  • 3 artistas / 6 espacios. Del 15 de mayo al 19 de agosto
  • MIGUEL FLETA. El hombre y el mito. Del 16 de mayo al 14 de octubre
  • MODPORTRAIT 2017. Pintura realista. Del 30 de mayo al 17 de junio
  • ANA PALACIOS. Niños esclavos. La puerta de atrás. Del 27 de junio al 30 de septiembre
  • ESPACIO VISIONES. El sususrro en el paisaje. Del 29 de agosto al 23 de septiembre
  • YANN LETO. Safari. Del 19 de septiembre al 3 de febrero de 2019
  • VICENTE GARCÍA PLANA. El objeto de la memoria. Del 3 de octubre al 10 de febrero de 2019
  • VÍCTOR MIRA. Viaje de una generación. Del 10 de octubre al 6 de enero de 2019 
  • DANIEL MORDZINSKI. El fotógrafo de los escritores. Del 31 de octubre al 10 de marzo de 2019

La presentación de la nueva programación estará a cargo del Director General de Cultura y Patrimonio, Nacho Escuín y del Director del IAACC Pablo Serrano, Julio Ramón.

 

12/02/2018 08:32 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

SARA JOTABÉ: CÓMIC, HUMOR Y AMOR

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"Desde pequeña he estado en contacto con el mundo del arte gracias a mi madre, gran apasionada de la historia y del arte. No he dejado de crear y dibujar desde que fui capaz de sostener un lápiz, y es por eso que pasé mi infancia en academias de dibujo y pintura para, posteriormente, hacer el Bachiller de Artes en la Escuela de Artes de Zaragoza, graduarme en Bellas Artes por la Universidad de Zaragoza y cursar un máster de Profesorado en Dibujo. Conocí a Maitena Burundarena y caí enamorada de su humor ácido y crítico". Así se retrata Sara Jornet Blasco (Zaragoza, 1993), Sara Jotabé, autora de ‘Pajas mentales’ (2016) y ‘Diario de una vida de mierda’ (2017).

-¿Qué fue determinante para que te dediques al cómic? Maestros, lecturas,

títulos, algunas sensaciones…

Desde que comenzara de niña a leer los viejos “Astérix el Galo” de mi padre,

siempre he sentido una atracción especial por el mundo del cómic y su particular

forma de contar historias. Continué leyendo absolutamente todo lo que caía en mis

manos; Marvel, DC, Mafalda, Mortadelo y Filemón, diversos manga… Hasta que

conocí a Maitena Burundarena y caí enamorada de su humor ácido y crítico. Creo

que ese fue el punto definitivo de partida para mí. Recuerdo dibujar mis primeros

cómics propios estando en secundaria. Sin embargo, con el paso del tiempo y la

búsqueda de mí misma durante los años como estudiante de Bellas Artes, realicé

obras en todas las disciplinas; dibujo, pintura, escultura, performance, fotografía…

dejando algo apartado el cómic. No obstante, siempre he sentido que el mundo del

arte tal y como está concebido es algo frío y hermético, y que no se acerca ni

adapta a las necesidades del ciudadano de a pie. Así pues, fue durante mi estancia

Erasmus en Loughborough University (Inglaterra) donde retomé la idea del cómic

como método de trabajo, ya que el cómic ha formado parte de la cultura popular

desde sus inicios, siendo cercano y accesible para todo el mundo, y no provocando

ese miedo o rechazo a lo “desconocido”. Creo además que el cómic es un manifiesto

de los hombres y mujeres de su tiempo y una herramienta de carácter artístico y

social con un enorme potencial por explotar, y considero que en los tiempos que

corren todos tenemos mucho por decir.

-¿En qué momento decides dedicarte a este oficio y por qué?

A la vuelta de mi estancia en Loughborough University, traigo conmigo un puñado

de experiencias nuevas e historias por contar acompañadas de un montón de

dibujos frescos e innovadores con los que había ido experimentando y jugando allí

como parte de la especialización en ilustración que estaba cursando. Sentía que

esos monigotes me hacían libre, pues se salían de lo academicista que tanto

aborrecía ya y me permitían expresar de forma sencilla, clara y divertida todo lo

que quisiera. Además, su carácter estético, tan sencillo y desenfadado, me

encantaba. En un principio se trataba de ilustraciones únicas de carácter cómico o

crítico, las cuales en ocasiones formaban series o tiras, pero la necesidad de contar

historias más largas, me llevó definitivamente de vuelta al cómic. Era una forma

increíble de conectar con la gente y hacer del mundo algo más sencillo. Y con todo

lo que me había brindado, ¿cómo no iba a centrarme en él?.

-¿Cómo nació ‘Pajas mentales’? ¿Qué querías hacer?

“Pajas Mentales” nació como la necesidad de experimentar con esa nueva vía

artística que había encontrado y con la que tan cómoda me sentía, y todo lo que esa

apertura traía consigo a nivel personal. Comenzó como un juego, algo que me

divertía enormemente, mostrar situaciones cómicas o gags que se me pasaban por

la cabeza a mí y a mis amigos, imágenes oníricas, o simplemente reflexiones

basadas en el “¿por qué?” o el “¿por qué no?”. Era un lenguaje divertido que me

permitía plantearme la realidad de otra forma, como si de una niña se tratara. Así

pues, surgió la idea de “Pajas Mentales” como una forma de contar un día

cualquiera de una forma diferente, basada en la divagación y la imaginación por

encima de lo formal.

-¿Qué te condiciona más: el humor y la ironía, el desencanto, o tu mirada

femenina, que también tiene algo que ver con la identidad o tu lugar en el

mundo?

Creo que el humor es la sal de la vida, hace del mundo un lugar mejor y mejora

prácticamente cualquier situación. Es como un tipo de plastilina que se puede

moldear y convertir a tu antojo, con el que experimentas, te diviertes y compartes

sensaciones con los demás. No entendería la vida sin humor, porque el humor

también es amor. Y es que pudiendo elegir cómo aderezar una situación, es mejor

hacerlo con risas. Es por ello que creo que el humor siempre está presente en mi

obra, porque forma parte de mi forma de entender el mundo. Quizás por esto la

ironía tenga un lugar a destacar también en mi trabajo, porque es el catalizador de

muchas de las emociones con el humor. Con respecto a mi mirada, cuando percibo

algo no lo paso por un filtro de género, sino que lo percibo y lo siento así, de forma

sencilla, de forma humana. Trato de trabajar en base a cinco pilares fundamentales

que sustentan mi obra (humor, desinhibición, imaginación, deseo y sinceridad) y

que tratan de borrar o atenuar prejuicios y buscar el “sentido común” aunque a

veces sea tan difícil de encontrar.

-¿Qué pasó por tu cabeza antes de emprender ‘Diario de una vida de mierda’?

-Cuando comencé a trabajar en “Diario de una Vida de Mierda” estaba inmersa en

otro proyecto completamente distinto, también de carácter humorístico pero

bastante menos ácido y crítico. Sin embargo, viendo cómo se movía el mundo,

cómo todos mis amigos y compañeros -y también yo- crecíamos, nos movíamos,

intentábamos salir con mayor o menor suerte… Sentí la necesidad de hablar de ello

y mostrar esa crisis de los “veintintantos” de la que tan poco se habla pero tan

presente está, en la que te das cuenta de que el mayor cuento que te han contado

es el de tener una carrera e independizarte. Creo que es una fase importante de la

vida por la que todos pasamos y hacerla visible con humor y optimismo la hace

algo más llevadera.

-¿Qué quieres reivindicar o denunciar: que una estudia y no tiene donde

caerse muerta, que la sociedad no de para avanzar y desconfiar de los

jóvenes, que una no halla su lugar en el mundo...?

-Creo que “Diario de una Vida de Mierda” es un grito generacional. Un “para y

piensa” al mundo. A todos nos pilla por sorpresa el hacernos adultos precisamente

porque no es un momento, sino un proceso. No es algo que ocurra de un día para

otro y conlleva una adaptación que parece que la sociedad no está dispuesta a

permitir ni por tanto ni por tan poco. No somos una generación perdida, somos la

generación asfixiada entre la edad y la experiencia requerida para los puestos que

nos han vendido en nuestras carreras.

-¿No da la sensación de que Sara, tu ‘álter ego’, vive todo el tiempo en la

incertidumbre? El mundo es complejo, pero su cabeza también, podría

decirse.

-Realmente no creo que viva en la incertidumbre, no al menos de forma voluntaria,

sino que se dedica a plantearse y replantearse las cosas. El mundo gira muy

deprisa y a veces no te da ese tiempo de reacción que se necesita para alcanzarlo

todo, o al menos, comprenderlo. Supongo que todo forma parte de ese proceso de

adaptación.

-¿Para quién dibujas? ¿Cuál es tu ambición con tus cómics? ¿Qué querrías

lograr?

Siempre he pensado que dibujo para la gente, para el mundo, para cualquiera que

quiera pararse a mirar y leer. Me gusta pensar que puedo ayudar a alguien con mi

trabajo. Aunque bien es cierto que siempre hay una parte de uno mismo en todo lo

que hace, pues pasa por ti para llegar a los demás, así que supongo que cierta parte

de lo que dibujo es para mí misma también. Es divertido y liberador. No obstante,

suelo dejar reposar las obras una vez terminadas para poder disfrutarlas porque

nunca dejo de tener esa mirada crítica de autora. No puedo negarlo, soy bastante

ambiciosa. Me gustaría seguir creciendo como autora, conocer y leer más, y por

tanto poder llegar a más gente con unas obras cada vez más redondas. No tengo

una meta fija, pero sí me gustaría consagrarme como autora en algún momento de

mi vida.

-Explícanos cómo es tu dibujo, ¿qué importancia le das…, que línea estética

persigues?

-Considero que mi dibujo es fresco, divertido, enérgico, expresivo y podría decirse

que amable.. El dibujo en mi obra debe ser dinámico, mostrar movimiento,

vitalidad… incluso cuando una figura se encuentra estática trato de darle vida con

algún gesto o guiño. Es por ello que no persigo ninguna línea estética per sé, sino

más bien una emoción. Dejo que mi dibujo se desarrolle y cambie de forma natural

sin perder esa expresividad característica.

-¿A quiénes admiras? ¿Que nombres y profesionales te interesan? ¿Qué

cómics te han impactado en los últimos tiempos?

Siempre me han gustado Maitena Burundarena, Raquel Córcoles, Brian Lee

O´Malley, Sarah Andersen… tanto por la estética como por el discurso.

Últimamente ando muy enganchada a la grapa “Paper Girls”, la historia me tiene

intrigadísima y me encanta el uso que hace del color.

-¿Se ha vuelto a poner el cómic de moda? ¿Qué tiene el cómic que no tengan

otras disciplinas?

Creo que el cómic nunca ha caído en desuso, aunque bien es cierto que

últimamente ha habido un crecimiento en el consumo del mismo. Antes tenías que

ir a tiendas o puntos de venta especializados para encontrar cómic, pero ahora no

hay negocio que no cuente al menos con algunos títulos. Creo que esto se debe a la

oleada de nuevos nombres y su punto de vista de la sociedad y actualidad, más

cercano para todo el público, junto a la cercanía y lo directo que te ofrece el medio

del propio cómic.

-¿Pasa algo especial con el cómic en Aragón?

¡El cómic aragonés está en efervescencia total!. Y no hablamos solo de cantidad,

sino de calidad. Cada vez son y somos más los que nos incorporamos a un

panorama más que prometedor lleno de grandes dibujantes, guionistas,

divulgadores y gente con unas ideas increíbles y, sobre todo, muchísimas ganas de

llevarlas a cabo. Solo hace falta acercarse cada diciembre al Salón del Cómic de

Zaragoza para comprobar que cada año hay más presencia aragonesa. En mi

opinión, Aragón se está convirtiendo en sinónimo de cómic y eso es algo

maravilloso.

 

*La foto de Sara Jotabé es de Raquel Labodía y apareció en Heraldo en una versión más reducida de esta entrevista.

15/01/2018 01:17 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

GUILLERMO BUSUTIL RETRATA A AITANA

Aitana

Guillermo Busutil*  13.01.2018 | 22:25


Nació en Roma pero su reino es Mérida. La patria de las mujeres que entregan el alma al teatro bajo una antigua liturgia de noche, de grito y de piedra. A cambio él las corona como una luna llena en el centro del escenario, rosas rojas a los pies de la tragedia. No sabía en su cuna del exilio romano, apadrinada por un ángel de melena blanca, que su destino sería darle cuerpo a la palabra y al desgarro de una profunda mujer de negro. Ser sin serlo -igual en poder emocional, credibilidad y vientre, diferente sus bellezas y su acento- la nueva Nuria Espert. La gran dama de la dramaturgia en voz y en gesto, que el pasado año fue el eclipse escénico de la mujer que canta en la obra Incendios de Wajdi Mouawad, tres meses antes de que otra Medea se abriese en canal, austera y en trance, en su inolvidable interpretación de la policromía del amor y de la metamorfosis del deseo en venganza. Una Aitana Sánchez Gijón, intensa y de hermosa madurez, que ayer también volvió a enamorarnos en Troyanas, en versión de Alberto Conejero y dirección de Carmen Portaceli. Dos premios Max del teatro donde mujeres y sus mujeres luchan por vivir pese a todo, y mantienen viva la catarsis del arte y de la política del teatro al que en España le han puesto talento y pasión Margarita Xirgú, Irene Gutiérrez Caba, Concha Velasco, Lola Herrera. Nombres aplaudidos de una larga saga que ahora mismo, en galardón dorado de Valle-Incán y Mayte, abrochan Marta Portillo y Aitana Sánchez Gijón.

Nadie mejor que Rodero para bautizarla en un escenario. Otoño de 1988 interpretando El Hombre deshabitado de Alberti, con dirección de Emilio Hernández, llegó a Málaga. Tímida tentación de 20 años, y tras la función donde brillaron la excelencia de Magüi Mira y como siempre la sabiduría y contención de Rodero, emperador de la escena como ese otro histriónico don llamado Eusebio Poncela –inconmensurable ahora Bernarda Alba-, una noche de copas y risas junto a otro periodista amigo, Javier Cuenca, y al actor Nancho Novo, en la que ella no soñaba aún que su papel de Ana Ozores en La Regenta de Fernando Méndez-Leite, al que tanto le debe nuestro cine y el Festival de Málaga, sería la confirmación de su talento para lo que hiciese falta. Lo mismo daba un cinematográfico e internacional paseo por las nubes de Alfonso Aráu, el Titanic donde Bigas Luna la convirtió en el fetichismo de una camarera, que una espléndida criada junto a Emma Suárez bajo la mirada de Mario Gas. El director que hizo resplandecer su sensualidad y la riqueza interpretativa con lo que hace lo difícil fácil, convirtiéndose en La gata sobre el tejado de zinc, junto a otro demiurgo casi generacional como Carmelo Gómez al que el cine no ha sabido darle su papel. Siempre Tenesse Williams es la prueba del algodón -al igual que Shakespeare, O´Neill y Harold Pinter- que a Aitana le concedió el Fotogramas de Plata. Un premio más en una laureada carrera de galardones y de retos, de logros y divertimentos como hacer subir a escena a un Vargas Llosa enamorado, como todos, de esta mujer Sánchez nacida en Roma, y que nunca deja de escarbar hacia el fondo cada personaje y su misterio. Su credibilidad y su cercanía.
Aitana, nombre para un pájaro de la felicidad, cualquier arquetipo de la tragedia griega o para esa maravillosa Serafina Delle Rose - cinematográfico huracán Magnani-, de La rosa tatuada en la que Carmen Portaceli dirigió el estallido dramático de sus entrañas y su piel de voz, de dentro hacia fuera el latido oscuro de su corazón. Radiante, sedosa y carnal en todos sus matices, la rosa de la que Andrés Lima deshojaría el gran éxito de su Medea de 2017. La coronación de Aitana Sánchez Gijón en ese reino del teatro que en 1933 inauguró la Xirgú, presagiando a Nuria Espert y a la mujer la que de niña el poeta le arrulló "duerme hoy, despierta mañana". Quizá intuyó el exiliado marinero de Cádiz que aquella criatura, nacida en el derrotado noviembre del mayo francés y de infancia lectora de Ruedo Ibérico, sería una actriz que parece caminar descalza por el escenario -igual que si lo hiciese sobre la orilla de los atardeceres de Zahara-, y de la que en cualquier momento su vientre entra en ignición y su lenguaje se arrebata en una interpretación existencial. Lo mismo da si es para interrogar o maldecir a los dioses, para encender la pasión o asomarse al vacio del amor. Todo lo mira desde la naturalidad de la sonrisa, desde el aliento de una caracola que en monólogo narra sobre el destino o un secreto de intimidad. Y también, por supuesto, desde la náusea del dolor en hemorragia con el que ha inaugurado el 35 Festival de Málaga, programado por Miguel Gallego.

Nada le falta a esta versión de las Troyanas de vencida Te minimalista y totémica -menos es más- creada por Paco Azorín, espada también vencida sobre los cadáveres del escenario, y la memoria de un Alepo actual, en proyección sus ruinas bombardeadas, y de las esclavizadas mujeres por la ira de Daesh. Su sombra es también la abstracción del caballo del jaque mate de paz tallada como regalo, y de cuyo vientre fue el parto que tiñó de sangre la noche festiva del sueño de una ciudad. Sólo quedan en sus calles (frente a las toses impertinentes de tanto espectador deseducado de silencios y mutis obligado cuando sucede un monólogo) los cadáveres de Héctor y de Paris. La soldadesca y defensa civil de esposos, de hijos, de hermanos, las cenizas del corazón de seis mujeres. Es imposible no acordarse de la película de los setenta de Cacoyannis; espléndidas Vanessa Redgrave, Katahrine Hepburn, Irene Papas y Geneviéve Bujold y Brian Blessed. Su Taltibio, heraldo de Agamenón, recuerdo en pesadilla sin absolución, lo representa correcto Nacho Fresneda sin la fuerza ni el peso del drama que requiere su papel de mensajero de las venganzas de los vencedores, y contrapunto emocional en el duelo con las mujeres víctimas. Tan necesario para los monólogos con los que abre y cierra la obra apelando a la conciencia crítica del espectador, y frágil en medio de las protagonistas dispuestas por Eurípides como fantasmas en vida de la guerra, con su honor reducido a botín de la derrota.

Seis maneras del dolor como conciencia y fiebre que cada una actúa como el retrato de su supervivencia desangrándose. Venganza para Casandra; condena frente a la liberación de la muerte para Andrómaca- sobrecogedora Gabriela Flores en su registro-; impío territorio para nadie de Briseida; maldición de amor y rechazo para Helena -algo inconsistente Maggie Civantos-; locura de felicidad en el corazón de Políxena, flor degollada sobre la tumba de Aquiles -plasticidad, convicción y duende de la joven Alba Flores-, y la turbación y humanidad de la reina que reclama que a la injusticia no le siga el silencio. Grande Hécuba, crescendo sostenido sin esfuerzo aparente, Aitana manejando del suyo y de cada dolor lo áspero, la inquietud, la hipnosis, lo ingrato, la orfandad y la catarsis, llenando de poesía y furia el escenario donde transmite un magnifico exorcismo moral sobre la guerra.

Qué placer el teatro clásico; la modernidad de su vigencia; el vigor de su lenguaje; la ética e instrucción emocional la de sus obras. El valor de la cultura reivindicando en estos tiempos de banalidad, de pos verdades, de violencia sexista, estafas políticas, bufones del éxito, racismo contra las víctimas de las guerras y de la codicia. Realidades a las que les toma el pulso y las desnuda con textos profundos y en pie, la buena mano de excelentes directores y el talento con trabajo de los intérpretes que gozamos. La prueba, estas semanas en el Echegaray y el Cervantes donde siempre esperamos que vuelva, a sus espléndidos cincuenta y los que vengan, Aitana. Reina y médium del teatro, y sus constantes vitales.

*Guillermo Busutil es  escritor y periodista
www.guillermobusutil.es

 

*La primera foto de Aitana Sánchez Gijón la tomé de aquí:

http://www.elcultural.com/imgBd/20170714/ESCENARIOS/img/39882_1.jpg

-La segunda de aquí: 

http://e00-elmundo.uecdn.es/assets/multimedia/imagenes/2017/03/29/14907750471751.jpg

14/01/2018 17:49 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

ALFRED CHENEY JOHNSTON: BAILARINA

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Una foto del artista pictorialista Alfred Cheney Johnston. Ella es Helene Costello, 1920s.

14/01/2018 17:30 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

JOSÉ LUIS LASALA HACE MEMORIA DE SU TRABAJO (DIÁLOGO RECUPERADO)

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JOSÉ LUIS LASALA

"Nunca hubo tan buenos pintores con las ideas tan claras como ahora"

Ha sido uno de los responsables de la Obra Social de Ibercaja desde 1989. Hace balance en la hora de su jubilación y mira hacia el futuro con optimismo.

*[Actualizada 23/08/2010 a las 12:43. Recupero esta entrevista a José Luis Lasala, que ha sufrido tiempo atrás un ictus e intenta recuperarse y volver a la pintura.]

 

 

 
 

 

 
 

 

 
 

 

 
 

 

 

José Luis Lasala, en el patio de la Infanta de Ibercaja, institución que deja después de 21 años para jubilarse.OLIVER DUCH

 

José Luis Lasala (Zaragoza, 1945) fue llamado en 1989 para dirigir una nueva política cultural de Ibercaja. Era responsable de una sucursal de la entidad, y tenía un perfil casi incómodo. "Había sido militante del PSA, me había presentado a las elecciones sindicales en Ibercaja y había sido socio fundador y colaborador de ’Andalán’. Siempre he sido leal a mi casa y cuando me llamaron lo acepté de muy buen grado", recuerda. Se quería renovar "una política cultural que se había quedado trasnochada y falta de compromiso".

Desde entonces han pasado 21 años, y Lasala -integrante del casi legendario y fugaz grupo pictórico Azuda 40- hace balance en la hora del adiós. Dentro de unos días alcanzará la jubilación.

¿Cuál es el balance de estas dos décadas en la Obra Social de Ibercaja?

Yo creo que no ha ido mal. Podría haber ido mejor. ¿Qué ha ocurrido? Que ha habido cosas que en determinados momentos no me han dejado hacer, por diversas circunstancias, y otras que no he sabido hacer, como acomodar iniciativas a la propia conveniencia no solo de Ibercaja sino de la ciudad, abordar no diría mercados, porque estaría mal dicho, pero sí yacimientos de clientes culturales que no hemos sabido tratar. Y aquí me refiero específicamente a los jóvenes?

¿Por qué?

Quizá porque entre los jóvenes hay muchas tribus diferentes conviviendo y no se pueden diversificar los esfuerzos tanto como para dar satisfacción a todas las tribus a la vez, sobre todo en la música.

¿Pasó lo mismo con el arte?

En el arte optamos por un nicho de actividad. Creíamos que había que fijar una política de exposiciones. Hemos tenido en cuenta varias cuestiones. Una ha sido que no debíamos competir con las galerías privadas, era un mundo de negocio que debíamos respetar y lo hemos hecho, y tampoco podíamos invadir el territorio que otras instituciones estaban abarcando. Optamos por realizar exposiciones sobre las vanguardias históricas. Eso sí, siempre hay pequeños cambios?

¿A qué se refiere?

A veces era sencillo y hasta sensato renunciar a la contemporaneidad más rabiosa, y dábamos un paso atrás de 40 o 50 años, y eso nos permitía exponer a Sorolla, Fortuny, que también eran parte de lo que sería después la vanguardia histórica, el pilar de partida. También hemos apoyado al arte aragonés en general y al arte joven.

¿Ha habido varias fases en su gestión?

No ha sido una línea continua, pero no se entendería la historia de la realidad cultural de Aragón de estos últimos veinte años sin el papel que han jugado las cajas de ahorros, a la que luego se han sumado los bancos.

¿Qué ha sido lo que más éxito ha tenido?

Siempre he tenido la teoría de que la exposición más cara en términos absolutos puede resultar el acto cultural más barato en términos relativos. Y una de las más baratas fue una muestra de Pablo Picasso. Muy rentables han sido las exposiciones de Sorolla, o una exposición como la de Kubota, de los kimonos japoneses.

¿Cuáles han sido los éxitos inadvertidos?

Yo creo que hemos sabido tejer un complemento educacional para los niños e incluso para los ancianos con programas didácticos de música clásica, de teatro, de patrimonio, de medio ambiente. Ibercaja se ha comprometido desde hace años a conectar a los escolares con la naturaleza mediante visitas a espacios protegidos, centros de interpretación, etc.

¿De quién ha aprendido más en estos años?

De los compañeros, del amplio equipo de colaboradores: Magdalena Lasala, Gonzalo de Diego, Elena Usán, José María Barceló, Alberto Sánchez, con el que logramos darle protagonismo al cine en Ibercaja y crear modelos y ciclos que utilizan hasta en el Festival de Cine de San Sebastián. He aprendido de la gente exterior, de los creadores. Hay que ser permeable: lo peor que te puede ocurrir es creer que lo sabes todo. Entonces te conviertes en un personaje que produce efectos endogámicos y eso es muy peligroso porque trabajas para ti mismo y no para un proyecto.

¿Un artista que le haya emocionado?

El contacto con la gente y los creadores me enseñó que la mayor gilipollez es el prejuicio. Yo recuerdo que tenía prejuicios: por ejemplo, no podía ver a Joaquín Rodrigo; tuve la oportunidad de conocerlo y me di cuenta de que era un hombre con un impedimento físico que lo hacía muy vulnerable, pero que era una persona y un músico excepcional. Me impresionaron José Saramago, Antonio López, y María Kodama, una mujer deslumbrante que me convenció de que había amado profundamente a Borges.

¿Podemos extraer conclusiones sobre la realidad cultural aragonesa?

A mí me parece excelente. En música clásica, gracias al Auditorio y gracias al Conservatorio Superior de Zaragoza y con todo lo que se programa, es excelente. Zaragoza está en un nivel superior a las ciudades similares de Francia o de Italia. ¿Sabe cuál es el acontecimiento artístico en estos momentos en Milán? ’Goya y el mundo moderno’, que se ha inaugurado y se ha producido aquí.

¿Por qué estamos tan quejosos, entonces?

El fenómeno de la abundancia en actividades culturales se ha debido a la pugna que se produce entre instituciones para realizar una oferta cultural de alto nivel. La competencia fomenta la superación entre los competidores. En Zaragoza, tenemos la Lonja, el palacio de Sástago, el Centro de Historia, el Pablo Serrano, el Museo de Zaragoza, el Paraninfo, Ibercaja tiene la Infanta y el Museo Camón Aznar, la CAI la sala Luzán, etc., y las instituciones que los gestionan se diversifican y se ramifican. Los aragoneses no valoramos a los aragoneses ni lo que tenemos.

¿Cuál es el nivel de nuestros creadores?

Espléndido. La gente joven de Zaragoza y Aragón está en un momento óptimo. Nunca había habido tan buenos pintores con las ideas tan claras: María Enfedaque, Javier Riaño, Eduardo Lozano, Javier Joven, Lina Vila, Mapi Rivera, Pilar Martínez Carnicer, Marta Aguirre, Natalia Laínez, David Latorre, Jesús Bordetas ? Y muchos más.

¿Qué falta entonces?

Lo que ha faltado siempre: un mercado interno consumidor que facilite la trascendencia de esos pintores, de nuestros creadores, desde aquí.

 

*La foto de José Luis Lasala es de Oliver Duch. Esta entrevista apareció en 2010 en Heraldo de Aragón.

25/12/2017 21:41 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

DIÁLOGO CON PABLO J. RICO

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Pablo J. Rico Lacasa (Zaragoza, 1955) regresa a Zaragoza, tras más de un cuarto de siglo dando vueltas por el mundo: Mallorca, Alicante, Nueva York y México, donde ha vivido casi una década. Aquí resume algunas de las actividades y sensaciones de estos años.

-Vuelves a casa tras más de veinticinco años dando vueltas por ahí… ¿Qué significa para ti reencontrarte con Zaragoza?

 Extrañas sensaciones y sentimientos. Ha sido media vida trabajando en el mundo del arte, que es el mío, por medio mundo, valga la redundancia. Han sido más de 300 exposiciones en 22 países del planeta. Regreso no sólo para jubilarme en unos pocos años sino también para morir aquí, es un decir, ojala dentro de mucho tiempo. He elegido voluntariamente regresar a mi tierra y cerrar un círculo virtuoso personal y profesional.

-¿Qué has hecho en estas primeras semanas? ¿Qué sensaciones te ha dado la ciudad?

Caminar, caminar y caminar hasta cinco horas al día. Recorrer la ciudad con los ojos de plato y recordar sin melancolía. También reencontrarme con viejos amigos (literalmente, viejos de aspecto todavía juvenil)... La ciudad ha cambiado mucho, para bien. Ahora es una ciudad más amable. Paseable. Más cálida aun el frio que hace...

-Se te ha visto en el Museo Pablo Gargallo, donde casi empezaste y donde fuiste director. ¿Qué te pareció, qué te pasó por la cabeza?

 Pasé allí unos años muy intensos y felices. Quise entrar de corrido y, por supuesto, el conserje me paró en seco y preguntó dónde iba. Fue un acto inconsciente, automático, como hice durante años. Pero él no tenia por que conocerme ni recordarme. Caí del guindo en un santiamén...

-Recuérdanos, muy someramente, qué has hecho en todo este tiempo lejos de casa.  Por ejemplo: ¿cuál es tu balance en la Fundación Miró?

 En 1992 gané el concurso internacional para dirigir la Fundación Miró en Mallorca. Los primeros meses me tocó terminar de diseñar del nuevo edificio que había proyectado Rafael Moneo y organizar la Fundación. Fui director durante seis años y llegamos a hacer más de 200 actividades anuales, no sólo exposiciones y cosas de arte. En otoño de 1997 me fui a vivir a New York y a trabajar, sobre todo, como productor y curador de buena parte de las exposiciones de Yoko Ono, 15 en total. Luego regresé a España como comisario de grandes exposiciones, digamos, de Estado, con el Instituto Cervantes, Asuntos Exteriores, ICEX, etc. En aquellos años de Comisario independiente llegué a vivir más de 250 días al año fuera de casa, sobre todo en América y Asia.

-¿Y en Alicante?

El Ayuntamiento de Alicante me encargó el diseño y programa museológico del Museo de Arte Contemporáneo de Alicante y poco después me la dirección artística del Castillo de Alicante, un lugar excepcional, con unas vistas increíbles sobre el Mediterráneo y once salas para exposiciones. En tres años hice 42 exposiciones realmente memorables. Luego hubo elecciones municipales y el nuevo concejal tenía otras ideas para el Castillo y me fui. No me veía organizando cenas o justas medievales, por supuesto...

-De manera sencilla, casi como un apunte, ¿cómo ha sido tu trabajo con Yoko Ono, Marina Abramovic, Rebecca Horn?

 ¡Qué decir! Tener la amistad y las complicidades de tres de las artistas más grandes e influyente del arte contemporáneo es un privilegio al alcance de muy pocos. Cada una es muy distinta. Sus procesos de trabajo también. He tenido la fortuna de participar del mundo del arte contemporáneo internacional no sólo con mis exposiciones sino también compartiendo los recuerdos y experiencias de ellas tres y otros artistas igualmente significativos. Se aprende y participa también por ósmosis.

-Volviste en 2000, creo recordar, con Yoko Ono. ¿Es uno de tus mejores recuerdos?

 Sín duda, sí. Regresar a Zaragoza de la mano de Yoko Ono es un lujo, se mire como se mire. Recuerdo a Yoko en la rueda de prensa antes de la inauguración diciendo “He venido a Zaragoza porque me lo pidió Pablo que es amigo mío y cómo no venir a su ciudad que tanto quiere”... Yo lloraba... Fue una gran exposición, de las más completas de Yoko Ono, una de las grandes del arte contemporáneo. Ella la recordó también en su inauguración en el Guggenhein de Bilbao. Tiene tan buenos recuerdos que me ha pedido que hable con las autoridades de Zaragoza y Aragón porque quiere donar una gran instalación permanente aquí. Para mí sería una enorme satisfacción hacer posible este deseo de Yoko en mi tierra.

-Has estado en México mucho. ¿Con quién has trabajado allí?

 Más de nueve años felices e intensos. He comisariado pocas exposiciones pero muy grandes. Acaso la más compleja fue Los Parra-Gironella, una macro exposición de tres generaciones de artistas mexicanos unidos por vínculos familiares. He expuesto a artistas mexicanos en Beijing y en USA, también en Guanajuato y Oaxaca. Y a Valerie Campos, una joven artista mexicana muy brillante con una carrera ya internacional. Pero sobre todo me he dedicado a escribir, he publicado en estos años seis libros, a dar conferencias y seminarios... y sobre todo, a cultivar el arte de la vida...

-¿Quién es Valerie Campos? ¿Qué vínculo tendría con Goya?

 Es uno de los más satisfactorios encuentros que he tenido en mi vida artística. La conocí en Oaxaca   hace unos siete años y de inmediato me fascinó su voluntad de arte y su inventiva, su frescura para ensamblar asuntos goyescos, por ejemplo, con estampas de mangas japoneses e imágenes de ingenuo-perverso erotismo. Parecía la hermana menor de los Chapman... He dirigido cuatro de sus exposiciones y escrito dos libros sobre ella. Valerie debería estar una temporada en la tierra de Goya. Participar en el programa de artistas contemporáneos influidos por Don Francisco...

-¿Sabes qué vas a hacer en Zaragoza? ¿En qué cometidos te gustaría implicarte?

Pues he podido ocupar una plaza provisional de técnico sociocultural  en el Servicio de Juventud tras veinticinco años de excedencia voluntaria como funcionario. Por supuesto, yo quiero terminar mis días como técnico cultural dando a mi ciudad lo mejor de mí y mi experiencia de cuarenta años dedicados al arte y la cultura. Pero no depende de mí... En todo caso, quisiera crear o hacer posible un legado artístico en mi tierra. Tengo una biblioteca de 15.000 libros y catálogos que quiero donar a Zaragoza o a Aragón, también parte de mi colección de arte. Y, si es posible, lograr que algunos de mis amigos artistas y otros creen obras permanentes para esta tierra. Y, desde luego, acabar mis días haciendo lo que mejor sé hacer. Soy un enfermo crónico de Arte...

Trabajas desde hace años en una novela. ¿Qué nos puedes avanzar?

 Después de diez años de documentarme y trabajar los distintos aspectos de esa historia, por fin en enero pasado comencé a escribir. Hasta mayo había escrito 800 páginas en 31 capítulos, pero tuve que parar y solamente tomar notas de acontecimientos de estos últimos meses porque la acción transcurre en tiempo real desde abril. Curiosamente, en febrero decidí que el desenlace final de la novela iba a ser el 30 de noviembre de 2017. Y el final de mi aventura personal como independiente  terminó precisamente esa fecha. El 1 de diciembre me incorporé al servicio activo en el Ayuntamiento. Son esos caprichos y decisiones mágicas del Destino... Es la “biografía” de un libro en concreto que encontré en New York en 1998. Esa biografía, la de sus primeros propietarios y la de un tipo que se parece bastante a mi se trenza durante toda la novela. Los últimos capítulos son de una acción trepidante con inesperados giros. Yo mismo me sorprendo al escribirlos... El libro tiene vida propia.

-Después de andar de aquí para allá. ¿Qué crees que has aprendido, qué te ha enseñado el mundo del arte?

 Todo... y no es una exageración. Creo firmemente que Arte=Vida=Arte... Toda mi vida he intentado ser digno de este mundo de artistas y locos por el arte, ser y estar en el mundo con dignidad artística, es un decir.

-Es morbo casi o pura envidia. ¿Qué relación has tenido con Jessica Lange, un mito del cine y ahora fotógrafa, en todos estos años?

 La conocí en Oaxaca hace unos años. Estaba haciendo fotos con su mítica Leica m6 de un proyecto del que yo era su curador, MATRIA, una antigua casona porfiriana en la que creamos una especie de territorio “arterapeútico” con huerto colectivo y todo. Me pidió fotografiar las instalaciones la víspera del Día de Muertos, en realidad se trataba de un gigantesco altar de muertos en un palacio en ruinas... Le bromeé y me siguió la broma. Por ejemplo, que en todas las casas que he habitado siempre hay una gran mesa en la cocina... Luego vinieron amigos comunes y seguimos riendo y disfrutando de la vida en el Día de Muertos. Jessica es una de las mujeres más fascinantes que conozco y una gran fotógrafa, sobre todo de México y sus singulares tradiciones

-¿Quién o quiénes serían los artistas que más te han impresionado y por qué?

 Además de mis tres superwomen, YoKo, Marina y Rebecca, Xu Bing, el gran artista chino, más influyente y reconocido incluso que Aiwei, auténtico responsable de la explosión creativa en China en los últimos años, del que soy su brother desde hace casi veinticinco años y he hecho con él tres exposiciones y un libro antológico. También el maestro Nagasawa, al que considero mi maestro y amigo, y a Kawamata. Joseph Kosuth seguramente es el artista más brillante intelectualmente que conozco... Richard Serra, al que conozco desde 1984 en París es el más carismático... Y a Chillida lo traté como Aita Chillida, como si fuera un padre. Me dio grandes consejos...

-Creo has tenido un vínculo profesional con la premio Velázquez Concha Jerez. ¿Cómo lo resumirías?

 Es una gran amiga y cómplice desde principio de los 80´. Hemos trabajado juntos en un par de exposiciones y en media docena de acciones en Mallorca, Berlín y New York. Nada más llegar a Madrid desde México cené con ella y José Igés, su compañero personal y artístico desde hace décadas. Ese premio es una justa recompensa a una de las trayectorias artísticas más serias y coherentes del arte español. Concha ha dedicado toda su vida a un arte nada complaciente, nada fácil para el gran público. Pero ha sido fiel y leal a sí misma y al arte experimental. “Insisto, luego existo”...

-Aquí tenemos, ahora en concreto, creo, una sensación un poco pesimista del arte y del universo de las galerías. ¿Interesa el arte, cuál es su función hoy? ¿Estamos más abajo que nunca o solo es un espejismo?

Difícil pregunta y compleja respuesta... El arte siempre es puro optimismo, incluso lingüísticamente. Los objetos y las prácticas artísticas son en realidad prótesis para ver más y mejor, para penetrar más profundamente en nuestras ocultas oquedades, para hacer pensar más intensamente, para reflejarnos o proyectarnos de modo más extenso y detallado, por ejemplo. Son prótesis ópticas, seguramente cuánticas. Y optimismo tiene la misma raíz que óptico. En arte no se puede ser pesimista, eso hay que dejarlo para el resto de la vida. En arte, sólo mirar lejos te salva de la catástrofe...

 

*La foto de Pablo J. Rico es de José Miguel Marco.

EL PAYASO MARCELINO, HOY, EN JACA, CON MARIANO GARCÍA

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MARIANO GARCÍA: “MARCELINO OBSERVABA EL MUNDO QUE LE RODEABA PARA AVERIGUAR LOS ATAJOS QUE LLEVAN A LA RISA Y LA CARCAJADA”

 

 

El periodista Mariano García analiza en Jaca como Marcelino Orbés se convirtió, desde unos orígenes humildes, en una figura internacional del espectáculo de masas en los inicios del siglo XX.

 La conferencia se encuadra dentro de la programación que Ayuntamiento de Jaca y Diputación Provincial de Huesca organizan para colocar al payaso Marcelino en el lugar histórico que merece. 

La figura del payaso Marcelino sigue centrando la vida cultural de la provincia de Huesca durante todo el último trimestre de 2017. Este viernes 10 de noviembre, será el periodista Mariano García quien analice las claves de su ascenso al estrellato mundial y como consiguió cautivar y ser un referente para leyendas como Chaplin o Buster Keaton. “Era un hombre extremadamente inteligente, un observador nato, un psicólogo especialmente dotado, que observaba el mundo que le rodeaba para averiguar los atajos que llevan a la risa y a la carcajada. A principios del siglo XX, nadie como él supo leer las inquietudes y sentimientos del público infantil”, afirma Mariano. En la conferencia “Marcelino Orbés y la tradición del clown español y europeo” se explicará como el hijo de un peón camionero aragonés de finales del siglo XIX, llega a encumbrarse como un icono mundial del espectáculo con tan sólo 35 años.

 Una radiografía desde sus orígenes y sobre su crecimiento profesional en las principales compañías europeas de la época: el Lockhart en Francia, el Carré en Holanda y el Hengler en Gran Bretaña; haciendo especial hincapié en su etapa de formación, en dos puntales de las artes circenses españolas por donde pasó: el circo Price en Madrid y el circo Alegría en Barcelona. Marcelino, desde la perspectiva de García, no contó con grandes maestros, pero sí fraguó su personalidad artística observando a los más destacados de su época como Billy Hayden, Antonet, Bebe, Pinta, Tony Grice o Foottit.

El payaso es un rol que históricamente ha existido desde la Antigüedad, y este será otro de los puntales de la conferencia: su transformación histórica; la evolución de esta figura en la Edad Media, la transformación que experimenta con la Commedia dell’Arte italiana y finalmente su eclosión como espectáculo de masas con el circo en el siglo XIX. “Marcelino nació, creció y se desarrolló en la tradición del mejor circo europeo del siglo XIX, y permaneció fiel a esa tradición a lo largo de toda su trayectoria artística. Esa fidelidad, unida al tsunami que supuso la irrupción del cine en la industria del entretenimiento norteamericana, explica en buena parte el por qué de su ocaso”, en palabras del propio Mariano.

 Mariano García Cantarero (Guadalajara, 1965) es un periodista con una larga trayectoria, marcada por uno de los periódicos de referencia a nivel nacional en información regional, Heraldo de Aragón; donde Mariano empezó a trabajar en 1986. Licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad de Navarra ha desempeñado sus labores informativas en diversas secciones: Deportes, Reportajes, Local y, especialmente, Cultura. Su relación con la figura de Marcelino se remonta a principios de este siglo; sería en 2004, tras una notable investigación cuando logró establecer que el clown Marceline, que alcanzó el estrellato mundial a principios del siglo pasado, en realidad se llamaba Marcelino Orbés Casanova y había nacido en Jaca el 15 de mayo de 1873.

 

PRESENTACIÓN DE SU LIBRO “MARCELINO, EL MEJOR PAYASO DEL MUNDO”

 

Además de la conferencia, Jaca acogerá también este viernes por la tarde (18:30h en la librería Oroel), la presentación del libro que el propio Mariano ha escrito sobre este ilustre jacetano: Marcelino, el mejor payaso del mundo. Una publicación que recopila todas sus investigaciones y descubrimientos de la vida y leyenda de este gran artista.

 

Todos estos actos se engloban en una programación coral organizada por el Ayuntamiento de Jaca y la Diputación Provincial de Huesca donde se encuentran exposiciones, conferencias y proyecciones, cuyo objetivo final es poner en relieve la figura de este ilustre aragonés dentro y fuera de su tierra de origen. Todo ello culminado con una gran exposición que se inaugura este próximo 30 de noviembre en la capital oscense. [Prensa de la DPH.]

10/11/2017 11:32 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

LOS CANTAUTORES EN EL II CONGRESO JOSÉ ANTONIO LABORDETA

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II Congreso José Antonio Labordeta

de Política, Comunicación y Periodismo


El II Congreso José Antonio Labordeta de Política, Comunicación y Periodismo, que se  celebra hasta el sábado en la Sala Goya de las Cortes de Aragón - Palacio de la Aljafería de Zaragoza se ha centrado este viernes por la tarde en “Los cantautores en la transición”. Tras la ponencia del periodista Antonio Gómez, los protagonistas han sido ellos: Joan Manuel Serrat, Víctor Manuel, Marina Rossell, Luis Pastor y Joaquín Carbonell, cuatro hombres y una mujer con sus canciones inmortales, con sus palabras fraternales, con su música sin fin. [Nota de Ana Rioja y el comunicación de la Fundación.]


Los cantautores en la transición


El II congreso José Antonio Labordeta de Política, Comunicación y Periodismo ha reunido esta tarde a cinco cantautores de la transición.
Todos ellos han relatado ante un público entregado qué es para ellos la canción de autor y cómo se formaron como cantautores. Serrat ha contado que “comencé a escribir canciones como una forma de expresarme, en el afán de buscar canciones con contenido”. “Fueron los años más felices de mi vida, los de la transición, porque pensábamos que éramos inmortales e inmoribles” con un oficio maravilloso que me ha permitido escribir, cantar e ir por el mundo”. 

“Hace  40 años, los cantautores éramos personajes con la guitarra colgando, con pelo abundante y de izquierdas, pero en estos momentos ha habido un desarrollo de la música en el que los cantautores siguen siendo hombres que escriben canciones y las cantan, pero tienen más dependencias, están más esclavizados por productoras. Ahora somos una especie en extinción, unos venerables ancianos”.

Serrat ha recordado cómo fue su aprendizaje en el mundo de la canción cuando su abuela le compraba “Cancioneros” a los 4 años para poder seguir las canciones de la radio. “Mi segundo gran estímulo fueron las mujeres, que me hacían más caso si les cantaba La flor de la canela, y luego ya, cuando me incorporé a la nueva canción catalana. Y ha confesado su amor por Charles Aznavour, junto a la canción sudamericana.

Y lo que más ha enriquecido su vida y sus canciones son las “gentes que he ido conociendo a lo largo de mi vida, y que no sé cómo se llaman. Y viajar. Es necesario que la gente viaje, conozca, sepa… para llegar a la conclusión de que la gente sangra de la misma manera, y sueña, y ama a sus hijos de la misma manera. Todos somos iguales.

Marina Rosell ha confesado que viene de la tradición de todos los cantautores presentes esta tarde: Serrat, Víctor Manuel… y José Antonio Labordeta “el abuelo”. “Conocí a Labordeta en 1976, cuando grabé mi primer disco, a través de Ovidi Montllor. Me impresionó conocerlo, en su voz había sabor a tierra. Serrat fue mi otra gran influencia: él cantaba lo que yo veía y no pensaba que lo veía. Él ha trazado un hilo de identificación magistral entre todos nosotros. Ha hecho canciones superiores a él. Él y Paco Ibáñez que nos acercaron, además, a los grandes poetas del 27 musicalizando sus versos”.

“El espíritu de la transición fue la de la fraternidad de las culturas y yo canté con esa intención. Pero yo soy más feliz y mejor cantante ahora que en la transición, porque he podido formarme y sé lo que quiero. En la transición la felicidad era otra cosa, era la alegría de salir de un túnel, del franquismo”.

 

 

Marina Rosell ha asegurado que “la canción es palabra. Los cantautores son palabras. “Y hoy, en este momento, lo que ha faltado es la palabra. El gran desafío es cantar en la lengua del otro”.

Víctor Manuel ha asegurado que comenzó a escribir y a cantar escuchando la radio, oyendo a esos cantantes franceses e italianos. “Y luego te das cuenta de que componer tiene algo de inconsciente, una idea que te asalta, y que no hay nada más maravilloso que escribir una canción”.

Y ha recordado la transición como un periodo febril. “Me convertí en un activista, pero no fue un tiempo perdido. Ahora los cantautores tienen más difícil sobrevivir, porque no tienen la complicidad de los medios de comunicación”.

Luis Pastor llegó a la música porque “soy un ser musical. Estaba todo el día cantando. Hay algo maravilloso en mi vida, que es componer. Mis referentes están en el barrio, en los curas obreros, en las charlas, las lecturas… Componer es crear un nuevo ser y hay que respetar siempre la creatividad, porque la música, las canciones (con todo lo que tienen de conocimiento, crítica y reflexión), nos ayudan a ser mejores personas”. “No vamos a volver a ser los cantautores que fuimos. A los cantautores ya no se les necesita como en la transición. No conseguimos la utopía, pero vivimos en ella”.

Joaquín Carbonell ha manifestado que “yo también canté por ti, Serrat, porque nos enseñaste por dónde ir. Y por José Antonio Labordeta, mi profesor en Teruel, que cantaba rancheras porque en Teruel, entonces, no había nada que hacer. Cantábamos para pasar el tiempo, hasta que Sanchis Sinisterra, también profesor en Teruel, le dijo que compusiera sus propias canciones: abre la ventana y canta lo que ves, y lo que vio fueron unas tierras rojas que pasan hambre… una canción”. Para Carbonell, otra de sus revelaciones fue cuando, tras escuchar a Brassens, supo que se podían hacer canciones con ironía.


Cantautores en la transición, una música sin fin

Muy interesante ha sido la intervención previa de Antonio Gómez, referente del periodismo especializado en música. En los años 70 fue responsable de la sección de cantautores en el sello Movieplay-Gong, que dirigía Gonzalo García Pelayo. Minutos antes de la misma, el cantautor Luis Pastor ha recitado su ya célebre poema-canción “¿Qué fue de los cantautores?”, que ha emocionado a todos los asistentes al congreso (más de 200 personas).

En su ponencia “Cantautores en la transición, una música sin fin”, Antonio Gómez ha repasado la historia de la canción de autor en España, desde sus primeras influencias francesas en los años 60 (Brassens, Ferre, Brel y la plana mayor de  la chanson) a la latinoamericana, (Atahualpa Yupanqui y Violeta Parra, Carlos Puebla o Chabuca Granda). Ha mencionado a los pioneros, “el surgimiento inicial de las primeras muestras de canción de autor española (más preciso sería decir catalana, Pi de la Serra, Enric Barbat, Guillermina Mota, Joan Manuel Serrat, María del Mar Bonet, Rafael Subirachs y Lluis Llach”. Ha hablado de su apogeo en los años 70 y de cómo le afectó la transición, su crisis y su nuevo resurgimiento.

Pero, sobre todo, ha puesto de manifiesto que “los cantautores antifranquistas no fueron tan sólo voceros más o menos frustrados de la revolución, fueron, ante todo, creadores artísticos. Contemplar  la canción de autor exclusivamente desde el punto de vista del testimonio político ofrece una imagen de los cantautores excesivamente simple y reduccionista y falsea su verdadero significado.

Cierto es que se convirtieron durante la transición en un medio de comunicación con el público, “constatando que la canción podía ser un medio artístico, musical y poético a la vez, con el que expresarse en relación con la sociedad”.

Para Antonio Gómez, “la responsabilidad de haber sido los primeros en España, no ya en componer nuevas canciones, sino en haber llevado esas canciones más allá del estrecho círculo de sus seguidores más cercanos, fue de tres nombres propios, artistas fundamentales ahora, cuya decisión de cantar nació de forma independiente y contemporánea: Raimon, Paco Ibáñez y Chicho Sánchez Ferlosio. No sólo es que fueran los primeros en grabar discos de larga duración en 1964, sino que sus canciones conectaron inmediatamente con ese tejido social antifranquista”.

Respecto a las críticas sobre la excesiva simplicidad de la canción de autor, ha precisado que “en sus primeros años, la canción de autor quiso ser voluntariamente sobria en su expresión musical, para destacar la importancia y la calidad del texto, en la necesidad de buscar la esencialidad de la canción. Se quiere una canción que comunique. Eso lo facilitaba la guitarra, pero dentro de la canción de autor hay todo tipo de instrumentos y estilos: el jazz, el folk, el flamenco o incluso el rock. La variedad musical de la canción de autor es evidente, pese a que digan que es monótona”. Desde comienzos de los años setenta y hasta la muerte del dictador, los últimos aleteos posteriores de la dictadura y el comienzo de la transición propiamente dicha, la canción de autor española fue haciéndose transversal, abarcando prácticamente la totalidad de los géneros musicales”.

Además -ha explicado- la canción de autor es una poética. La nómina de poetas musicados por la canción de autor es muy extensa (desde Góngora a Lorca, Miguel Hernández, Machado…). Los cantautores representan la corriente crítica y popular de la poesía española y encuentra en los años 60 y 70 su actividad lógica. Poesía con una sensibilidad contemporánea”.

Otro rasgo de la canción de autor, según ha expresado en esta ponencia, es que es el primer signo identitario de muchas comunidades. Prueba de ello es la cantidad de himnos que son adoptados. Algunas de aquellas canciones antifranquistas  se perdieron en la noche de la historia, pero otras, las mejores, se convirtieron en himnos movilizadores que sirvieron como elementos de identificación y reafirmación colectiva, de símbolo de unidad y solidaridad, de dinamizador de la lucha contra la dictadura y de alumbradores de un futuro en libertad. “Gallo rojo, gallo negro”, “España en marcha”, “Andaluces de Jaén”, “A galopar”, “Diguem no”, “D’un temps d’un pais”, “Bella, Ciao”, “No nos moverán”, “L’estaca”, “Somos”, “Canto a la Libertad”, “A cántaros”, “Qualsevol nit pot sortir el sol”, “Vallecas 75”… No es preciso decir los nombres de quienes nos las enseñaron, porque sabemos quiénes fueron.

“Si hubiera que datar el momento en que la transición llegó a la canción de autor española, bien se podría fijar en el 9 de mayo de 1976 y situarlo en la Universidad Autónoma de Madrid”, ha señalado. Aquel día y en aquel lugar la iniciativa aparentemente voluntarista y entusiasta de un grupo de estudiantes reunió a 50.000 personas ante 21 de los más destacados cantautores de todo el Estado español e incluso Portugal, incluido alguno, como Mikel Laboa o Raimon, que nunca antes habían aceptado participar en un acto de similares características. Se llamó Festival de los Pueblos Ibéricos y, si en aquel momento era el punto más alto que habían alcanzado los cantautores como representantes y potenciadores de una voluntad común de libertad, con la perspectiva del tiempo se puede comprobar que también supuso el comienzo de su decadencia en ese terreno concreto de influencia en la historia, de su capacidad de movilización política. Su cenit, pero también su canto del cisne”.

La herencia recibida

La ponencia de Antonio Gómez ha concluido de este modo: “Si la canción de autor española hubiera sido tan sólo un testimonio de resistencia contra el franquismo, en este punto acabaríamos este repaso del tema. O, como mucho, empezaríamos a hablar de memoria histórica, de lo que fue y que, aunque ya haya dejado de serlo, merece ser recordado como reivindicación y enseñanza del pasado. No es el caso, pues la canción de autor en España no es hoy tan sólo memoria de un ayer ya transcurrido, sino presencia viva y renovada. A lo largo de los más de treinta años transcurridos desde aquella transición, la canción de autor ha continuado activa, en muchos de sus viejos cultores, pero también en nuevas voces que han ido surgiendo hasta ahora mismo en una sucesión de oleadas generacionales. Jóvenes y ya no tan jóvenes que recorren los bares con una guitarra a cuestas, cantado para un público fiel y entusiasta, por más que minoritario, como si de una vueltas a los orígenes se tratara, convertidos los clubs juveniles o culturales de antaño en los actuales garitos con micrófono y mínimo estrado. También hay en ellos un cierto regreso a las raíces formales, con la guitarra como principal, y a veces único, acompañamiento.

La lista de cantautores españoles surgidos tras la transición política es larga, y en numerosos casos su obra valiosa. Desde Ruper Ordorika o Javier Ruibal, reciente Premio Nacional de las Músicas Actuales, que abrieron paso a las nuevas generaciones allá por los comienzos de los ochenta, hasta Pedro Pastor Guerra, que con apenas 23 años ha mostrado ya sus cualidades de heredero no sólo musical, sino biológico. Y ahí queda en mezcla cronológica un listado (somero, que el espacio manda): Pedro Guerra, Javier Batanero, María José Hernández, Albert Pla, Javier Bergia, Fermín Muguruza, Marta Plumilla, Ismael Serrano, Andrés Sudón, Emilio Cao, Silvia Pérez Cruz, Javier Álvarez, Rozalén

 

 

Una continuidad generacional que no se explica sólo por la posible devoción de los más jóvenes hacia sus mayores, muchos de ellos perfectos desconocidos para las nuevas generaciones, o por la importancia que le puedan a su papel histórico, sino porque la canción de autor supuso, en todo el mundo y también en España, la creación de un lenguaje creativo compuesto por diferentes modelos musicales y poéticos, y cuya esencia fue y es la actitud del autor y cantante ante la canción que compone y canta, considerándola como una obra creativa y artística, adulta y madura, capaz de expresar las complejidades del conjunto de los humanos, de sus vivencias personales o sociales, afrontadas a menudo desde un punto de vista crítico y a veces subversivo.

 

CLAUSURA DEL CONGRESO MAÑANA SÁBADO. Para concluir el congreso, mañana sábado a las 10 horas se realizará una visita guiada al Palacio de la Aljafería para los congresistas y tras ella habrá una ponencia a cargo de Eloy Fernández Clemente sobre “Andalán”.

El II Congreso José Antonio Labordeta de Política, Comunicación y Periodismo aborda “La transición en España”, “La transición en Aragón”, “La transición y los medios de comunicación, nacionales y aragoneses”, “Los cantautores en la transición”, y “Andalán”. Está organizado por la Fundación José Antonio Labordeta, con la coordinación de Antonio Ibáñez, y cuenta con la colaboración de Las Cortes de Aragón, el Gobierno de Aragón, el Ayuntamiento de Zaragoza y Caja Rural de Teruel.

Participan en este congreso célebres políticos, periodistas, historiadores y otros agentes sociales que vivieron muy de cerca y fueron protagonistas de esta transición, esos años en los que se selló gran pacto político, a base de diálogo y consenso, para que España llegase a ser una democracia; un talante y unos modos de hacer que hoy, más que nunca, conviene recordar y debatir. Por ello, este congreso aborda la importancia de ese periodo histórico en el que José Antonio Labordeta también participó con un protagonismo determinante.

La Fundación José Antonio Labordeta es una organización sin ánimo de lucro que tiene como objetivo principal recordar, estudiar, preservar y difundir la obra, el pensamiento y la memoria del escritor, músico y político aragonés, así como acoger la obra de todas aquellas personas vinculadas generacional o afectivamente con él. Horario para visitar su sede (calle Mariano Barbasán, 5 – entrada por la calle Latassa): de lunes a viernes de 10.30 a 13.30 horas. Entrada: 1€.

 

*La foto es de Javier Castejón.

 

 

EL 'TERRENAL' DE LAMOV

LAMOV CONMUEVE EN EL PRINCIPAL CON 'TERRENAL'


[Este texto de Michel Vallés* explica en buena parte la génesis de 'Terrenal', el espectáculo soberbio de LaMov que se despidió anoche del Teatro Principal. Una pieza preciosa marcada por el ‘Réquiem’ de Mozart y algunas piezas de Javier Sarnago. Doce bailarines, en diversas claves o situaciones simbólicas y dolientes, en una indagación en los trastornos del movimiento y del cuerpo y del alma, realizan un trabajo impresionante: intenso y lirico, convulso, con temblores, y de exploración total en los estados de ánimo, en las relaciones humanas, en el mar de la soledad.

Con ese impresionante subrayado musical del ‘Réquiem’ de Mozart hay momentos en que acuden las lágrimas a los ojos. La danza se vuelve emoción, estremecimiento, paleta incesante de sentimientos, sobre un escenario casi desnudo, aunque con unos elementos sencillos de escenografía que podrían simbolizar las habitaciones de hospital o el extraño corredor que lleva a la muerte.

Los bailarines, con su dinamismo y su entrega, bordan el amor, el desamor, el vacío, la amistad, el misterio, la fragilidad, la percepción fatalista del existir, el destino, y lo hacen con energía, plasticidad, sentido de la belleza, sensualidad, desamparo y manejo de los ritmos, algo que domina muy bien Víctor Jiménez, algo que prepara con meticulosidad en sus escenografías. Una de las obras más redondas de una compañía que trabaja mucho, que cree en lo que hace y que tiene una importante y generosa presencia en la vida cultural de Aragón y de su ciudad, Zaragoza.]


*La foto es de Jaime Oriz, que acudió de nuevo a ver el montaje del cual ha hecho un amplio reportaje.

http://www.elperiodicodearagon.com/…/marca-aragon_1235589.h…

TEXTO DE MICHEL VALLÉS*

Marca Aragón

Hace justo un año me diagnosticaron el cáncer de pulmón en fase IV. El 27 de octubre del 2016 tuve mi primera sesión de quimioterapia. Cinco horas en una cama con tres vías abiertas en el brazo derecho. Guardo fotos con mi hermano, con mi novia, con los amigos que me vinieron a ver. Hago la señal de la victoria. Cuando salí a la calle sentí cierta euforia, ya estaba en la pelea. Durante todo este tiempo he mantenido muchas conversaciones sobre el tortuoso camino que debe recorrer un enfermo de cáncer. Con Víctor Jiménez, director de la compañía de danza LaMov, he quedado con frecuencia. Hemos hablado largo y tendido, y de esas charlas ha salido Terrenal, una obra que se estrena mañana en el teatro Principal y que permanecerá en cartel hasta el domingo. Todo el mérito es suyo. Su creación trasciende de lo que yo haya podido contarle y refleja el sufrimiento, el miedo y la incertidumbre que vivimos los enfermos oncológicos. Pero también la esperanza, la pelea por la vida, la importancia de la amistad, de la familia, del amor. Habla de lo esencial, de lo más terrenal: la vida y la muerte. Suena el Réquiem de Mozart y la vibración de la danza resuena en la piel. Es una obra que relata lo más íntimo. Cualquiera puede sentirse identificado y traspasado. Víctor Jiménez consigue captar ese pálpito atemporal; la existencia misma repleta de contradicciones. LaMov es marca Aragón y marca Zaragoza; lejos de convencionalismos. Un proyecto artístico nacido aquí, que rompe fronteras y que merece apoyo y reconocimiento.

*Periodista

23/10/2017 00:24 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

MEMORIA DE NATI ZARO

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VICKY CALAVIA INICIA EL RODAJE DE LA VIDA DE NATI ZARO


Hay mujeres a las que la memoria colectiva no les ha dado una segunda oportunidad y habitan el limbo del olvido. Una de ellas, entre nosotros, es Natividad Zaro, nacida en Borja el 26 de diciembre de 1901, y no en 1909 ni en 1905 como tanto se ha escrito, y fallecida en Madrid en 1978, al día siguiente de ser arrollada por un coche. ¿Quién fue esta mujer en realidad? Actriz y rapsoda, dramaturga y adaptadora de textos, escritora de ficciones, guionista y productora de cine. El pasado lunes, en el Teatro Principal, Vicky Calavia empezaba a rodar un documental sobre ella.
“La primera persona que me habló de ella fue el malogrado Félix Romeo. Hace muchos años me dijo que tenía que hacer un documental sobre ella. Leí su espléndido artículo aparecido en HERALDO. Con el paso del tiempo, a través de diferentes amistades, he tenido mucho contacto con Borja y con el Centro de Estudios Borjanos, y su director Manuel Gracia Rivas, que también me animó”, explica la autora de trabajos sobre María Domínguez, Manuel Rotellar o su contemporánea María Moliner.
“Lo que me atrajo de esta mujer, que hizo tantas cosas, que su iniciativa, su capacidad de trabajo. No se amilanaba ante las cosas y encontró su sitio en un mundo de hombres”, afirma. 


Nati Zaro se marchó a estudiar a Madrid Filosofía y Letras, y allí cursó cuatro cursos. Se inclinó hacia el teatro y debutó como rapsoda, y provocó el elogio de Ramón Gómez de la Serna y de César González-Ruano, que aludió a “esos ojos de agua de mar, donde asoma la vida hecha poesía”. Más tarde, se integró en la agrupación El caracol, que tenía 300 socios, y se volcó con la escena: formó un dúo con Cipriano Rivas Cherif, encarnó a don Juan Tenorio, al propio seductor, y actuó en obras de Carlo Collodi y Jacinto Benavente. Marcada por Luigi Pirandello, estrenó ‘El hombre de los tres reflejos’. Una de las revelaciones del documental de Vicky Calavia es que estuvo casada en los años 20 y 30 con un diplomático, pero se cruzó en su vida el poeta, narrador y periodista de ‘Abc’ Eugenio Montes -que acabará volviéndose falangista- e inician una relación amorosa que solo finalizará con la muerte. Cuando estalla la Guerra Civil, será enfermera en el frente y escribirá su experiencia en el libro ‘También la guerra es dulce’, que pasará al cine como ‘Sin uniforme’. 


Acompañará a Eugenio Montes a Berlín, Roma y París, en una época dinámica donde hizo muchas cosas: escribió, concibió argumentos, tradujo del inglés, francés e italiano. Hacia 1951 regresarían a España, y Nati Zaro fundó Athenea Films. “Hay muchas cosas que me atraen de ella, pero quizá lo más sorprendente sea la película ‘Surcos’ de José Antonio Nieves Conde, que generó polémica. Ella estuvo en la producción y colaboró en el guión. Era una película que acababa con el costumbrismo e introducía la denuncia social, el neorrealismo”, agrega Vicky Calavia. “Nati Zaro puede parece un personaje contradictorio: no deja de ser curioso que una mujer como ellea, cosmopolita, pueda tener relaciones con Falange y a la vez sea una defensora del papel de la mujer”. Desde Athenea Films, Natividad Zaro produjo ‘Amanecer en Puerta Oscura’ de José María Forqué, que reconocía que el argumento de esa historia de bandidos era de ella.
Para mí Natividad Zaro es un enigma. Es una mujer muy misteriosa”, concluye Calavia, que está grabando los testimonios de Javier Barreiro, Javier Hernandez, Luis Alegre, Juan Villalba Sebastián, Adolfo Ayuso, María Antonia Martín Zorraquino (“su madre estudió con Nati Zaro”, dice), Asunción Balaguer, Gemma Cuervo y el ya citado Manuel Gracia Rivas.

*El dibujo es de la pintora Ana Maorad y está basada en su foto más conocida.

15/10/2017 13:09 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

UN CUENTO DE CASTRO Y TUDELA

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EL PINTOR DE DESNUDOS. DE 'EL DIBUJANTE DE RELATOS'
[Juan Tudela, durante el proceso de preparación de 'El dibujante de relatos', una colección de cuentos, microrrelatos, instantáneas y perfiles que nos publicaron David Francisco y Reyes Guillén en Pregunta, tiró de muchos recuerdos e imágenes de su memoria y de su buen archivo fotográfico. Un día apareció con unas fotos que había tomado en Santiago en los 60 o 70, en blanco y negro, un tanto desdibujadas. Claramente eran las hermanas Coralia y Maruxa, pero no lo sabíamos, claro. Me acabo de enterar por el texto de Valentina Rosselli, que me había enviado hace algún tiempo Choni Acín y no había visto. E inventamos esta historia, que poco tiene que ver con ellas, pero que es un homenaje a la pintura, al amor, a la vida con sus paradojas y al azar.]

 

EL PINTOR DE DESNUDOS

Se llamaba Gustavo o Gustave, como Courbet, su pintor predilecto. Pintor de mujeres. Pintor de desnudos. Pintor de la piel estremecida. 
No mentía acerca de su procedencia: había nacido en una aldea minúscula cerca de Compostela. Tenía un tío que era pintor de brocha gorda, que hacía unas cenefas muy bellas para las puertas y los techos, y otro tío que era cura en Compostela. Un día, el sacerdote lo llevó a la ciudad: le enseñó las calles, los balcones sobre las torres de la catedral, los soportales; le enseñó cómo la lluvia acariciaba la piedra antigua. Y cuando moría la tarde, fueron hasta la alameda. No se lo podía creer: era una imagen increíble. Toda la magia del crepúsculo parecía concentrarse en la sillería y las luces que se encendían como si construyeran el último refugio. Asomado a un mirador, vio a un pintor y su cuadro: trabajaba afanosamente, casi sin iluminación alguna. Aquella escena lo conmovió y se lo dijo a su tío. Y después a su padre. 
Algunos meses después, lo mandaron a trabajar a Compostela: hacía recados para un hotel y para un restaurante, y encontró tiempo para asistir a clases de pintura. Allí intentó aprenderlo todo: la técnica, la composición, el arte del color y de la lentitud, la pericia con las sombras; se abrasaba en la sensualidad de las mujeres desnudas que ejercían de modelos. Una de ellas se llamaba Leonor y posaba siempre de cuatro a seis. Era como una actriz de cine, con el pudor justo y la rotundidad de las odaliscas: le pareció exuberante y de una suavidad de retama. Un día le dijo: “Quiero hacerte el retrato de tu vida”. Ella esperó: un año, dos, tres, hasta cinco. Al cabo de tanto tiempo le anunció: “Voy a dejar esta profesión para siempre, Gustavo. ¿Cómo llevas el retrato? Te concedo una última sesión de posado; me caso el mes que viene y mi marido no aceptaría que siguiera en este oficio”. 
Él la invitó a su casa y le mostró su modesto cuarto de alquiler. De una cómoda extrajo todas las obras que le había hecho: dibujos, acuarelas, grabados, fotos, algunos collages; debajo de la cama guardaba los óleos. La mujer se conmovió, no se había imaginado que el pintor continuaba su trabajo después de abandonar el taller y no sabía que ella era, en realidad, el tamaño de su obsesión. Se desnudó solo para él y para sus sábanas: “Tócame aunque me muera. Tócame como si me fueras a pintar por última vez”. 
No volvieron a verse; él murió de manera casi grotesca mientras pintaba del natural un paisaje de acantilados en Finisterre: resbaló cerca del faro y se trastabilló entre los peñascos; en apenas unos segundos voló por los aires como una gaviota y cayó sobre una roca. La sangre se desmandó vertiginosamente en la espuma.
Algún tiempo después, en la Fundación Eugenio Granell, del cual había sido amigo al parecer, le hicieron un gran homenaje. En esa exposición antológica dominaban dos figuras, muy especialmente dos mujeres: la modelo, una modelo de su primera época, pocos sabían que se llamaba Leonor, y su esposa Floralba Neira. 
Al cabo de unos días, Leonor se acercó a la muestra. Paseó entre los cuadros, y se reconoció en los desnudos, realizados en distintas técnicas: óleo, acuarela, tinta y carboncillo. Estaba emocionada; uno de ellos, quizá el mejor de todos, un desnudo de espaldas, lo había firmado unos meses antes de morir. Aún la recordaba tantos años después. 
De repente, se le acercó otra mujer y le dijo: “Por usted no ha pasado el tiempo, Leonor”. Se imaginó quién era y respondió: “Yo tampoco lo he podido olvidar nunca. Me separé muy pronto de mi marido, volví a ejercer de modelo, busqué otros pintores que supieran amarme o pintarme como él, pero no tuve esa suerte”. Quedaron al día siguiente, y al siguiente. Salían, tomaban una copa en El Español. Y otra en Reina Lupa. Hacia las ocho se marchaban. Con total confianza y sin rivalidad alguna, se intercambiaban confidencias y le devolvían la vida a Gustavo, o Gustave, aquel pintor que alguna vez quiso ser como Courbet. Pintor de desnudos. Pintor de mujeres. Un artista con dos modelos: nunca se atrevió a decir cuál de las dos era la más bella.

*De 'El dibujante de relatos'. Textos: Antón Castro. Ilustraciones de Juan Tudela. Pregunta. Zaragoza, 2013.

**El primer retrato está inspirado en las fotos de Juan Tudela de la mayor de las hermanas, la más baja, Maruxa. Y al lado el pintor imaginario.

 

11/10/2017 08:49 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

HOMENAJE CON MICROTEATRO Y GALA PARA SANTIAGO MELÉNDEZ

Esta tarde noche, a partir de las 19.30, homenaje al actor y director teatral Santiago Meléndez en el Teatro Principal. Coordinan: Lara Meléndez Molinero, Karlos Herrero y Saúl Blasco.

http://www.heraldo.es/noticias/ocio-cultura/2017/10/04/esta-noche-homenaje-principal-actor-director-santiago-melendez-1200072-1361024.html

04/10/2017 10:34 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'EL COLOSO' PIERDE SU NOBLE MARCO

[Un gran periodista como Jesús García Calero publicaba ayer esta nociticia. El Museo del Prado, con deficiente información cientìfica, dijo que ’El coloso’ no era de Goya. Jesusa Vega y Nigel Glendinning ha demostrado lo contrario. Ahora también le han quitado su noble marco. Quizá Miguel Falomir, que parece un hombre sensato, tenga algo que decir...

http://www.abc.es/cultura/arte/abci-coloso-cuadro-maldito-prado-pierde-tambien-marco-201710030119_noticia.html

04/10/2017 02:18 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

PROYECTOS DE CINE DE GONZALO MONTÓN

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Gonzalo Montón Muñoz, experto en cine, profesor y fotógrafo, vinculado a la revista ’Cabiria’, de la que es director, me envía a algunos de los links a proyectos que se están desarrollando en Teruel. Me dice:
En esta web enlazamos vídeos enlazamos vídeos que utilizan trucos cinematográficos: (http://travelindechomon.catedu.es/). Contiene una aplicación didáctica que hicimos hace algunos años Fernando Muñoz, Mª Jesús Pérez y yo: Si entras en la página y picas en el audiovisual interactivo podrás entretenerte, trata sobre los orígenes del cine: Segundo de Chomón, el cine mudo, los efectos especiales...
 
Y en este blog, Cuaderno de rodaje, contamos algunas grabaciones que vamos haciendo en el instituto. Si picas en las pestañas de Producción propia podrás visionar muchos de los cortos que hemos rodado en estos años:
 
Este es uno de los últimos cortos que hemos hecho con los alumnos (Fernando Muñoz y yo). Nos parece que quedó gracioso:
 
También te puede interesar un pequeño docu que hicimos entre Elifio Feliz de Vargas y yo para presentar una novela que escribió sobre los tiempos de la OJE. Algunos de los entrevistados son del Jiloca:

 

 

*Esta desnudo pertenece a Gonzalo Montón Muñoz. Por publicarlo en mi página de Facebook, alguien me ha denunciado ( y no es la primera vez) y me han tenido una semana censurado o clausurado. 

**Aquí veo una entrevista con Gonzalo, acerca de su trabajo:

http://teruelaldetalle.blogspot.com.es/2016/04/entrevista-gonzalo-monton-munoz.html

04/10/2017 02:06 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

EL VERANO DE ANTONIO ISASI

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CUENTOS DE DOMINGO / Antón Castro

 

Un verano con Antonio Isasi, Chema Mazo y María José Moreno

 

 

Hace unos días fallecía el cineasta Antonio Isasi-Isasmendi a los 90 años. Dirigió películas como ‘Estambul 65’ (1965), ‘Asalto a Las Vegas’ (1968), ‘Un verano para matar’ (1972) o  ‘El perro’ (1977), que suscitaron la admiración de Orson Welles, Quentin Tarantino o Juan Antonio Bayona, quien lo despidió así: “Falleció un hombre de cine total, un director pionero, visionario y único”. Una década después de ‘El perro’, Isasi-Isasmendi regresó al cine con una adaptación de ‘El aire de un crimen’ de Juan Benet, la novela más convencional de las suyas, finalista del Premio Planeta. Se planteó el proyecto, como comentó en ocasiones con amigos (entre ellos el actor, político y abogado Rafael Zorraquino, que hacía de cura), como un regalo para su hijo Antonio, que fue su ayudante de dirección. La película se rodó en el verano de 1987de Calatayud, Ibdes, Nuévalos y Torrijo del Campo, y era emocionante ver a padre e hijo apurando un plano o dando instrucciones a Ramoncín, Terele Pávez, Perico Beltrán (actor y un gran guionista) o Germán Cobos. En la película aparecen con mucha presencia Paco Rabal y Fernando Rey.

‘El aire de un crimen’ (1988) se pasó el jueves en La 2 y aguanta el paso del tiempo: Isasi quiso hacer una película de autor y manejó muy bien los resortes del guión, el trabajo de los actores y la atmósfera. Se habla de varias muertes, de una intriga que tiene que ver con los maquis y de la especulación. El protagonista principal era el actor aragonés Chema Mazo, que encarna al Capitán Medina; procedía de El Grifo y podía ser el galán, que pierde la cabeza por la joven Maribel Verdú y un hombre de acción. Lo acompañaba María José Moreno, que ejercía de prostituta, la Tacón, segura, convincente y misteriosa como una actriz francesa. Y también está la ahora ‘desaparecida’ Maribel Chueca, la hija minusválida de Germán Cobos. Cuando se estrenó la película en Madrid todos quería ver si padecía una enfermedad mental o había hecho una actuación prodigiosa. Entre otros aragoneses aparecían el médico Javier Gómez de Pablos; el cocinero Emilio Lacambra, que conducía el bus, Gabriel Latorre, actor de La Taguara durante años, y el citado Zorraquino. La música es de Paco Aguarod y Luis Fatás, dos músicos aragoneses que trabajaron muchos años con José Antonio Labordeta (1935-2015). Aquel fue el primer rodaje (y el último de Isasi, que había estado casado con Marisa Paredes) al que asistí en mi vida, trabajaba en ‘El día’ y allí conocí a los corresponsales de HERALDO: Carlos Moncín, fotógrafo, y José Verón Gormaz, poeta y cronista bilbilitano. Una noche cenamos con el equipo en un mesón y Germán Cobos amenizó la velada con un sinfín de risas. En un rincón, de amarillo y con 16 años, estaba Maribel Verdú. Parecía un ángel.

 

*Esta foto pertenece al archivo de Carlos Barboza y Teresina Grasa. Estuvieron en el veranode 1987 en Calatayud y tomaron, entre otras, esta de Antonio Isasi. 

 

03/10/2017 06:53 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

MURNAU, EL POETA DEL CINE MUDO

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F. W. Murnau, el poeta del cine mudo

 

La tumba del director de ‘Nosferatu’ y ‘Amanecer’ fue profanada y, como a Goya, le han robado su cráneo

 

Friedrich Wilhelm Plumpe, hijo de un fabricante textil, ha pasado a la historia como “el poeta del cine” o “el poeta del silencio”. Es autor, al menos, de dos obras maestras: ‘Nosferatu’ (1922), una interpretación libre de ‘Drácula’, y ‘Amanecer’ (1927), un complejo ejercicio de exquisita sensibilidad, la primera película que hizo en América. Murnau había nacido en Bielefeld (Alemania) en 1888; desde muy joven, destacaría por su curiosidad y su talento. Estudió arte, filosofía y música en la Universidad de Heidelberg y participó como piloto en la I Guerra Mundial; fue herido en Suiza y regresó a casa. Al principio, influenciado por el romanticismo, más o menos tenebroso o fatalista, por el nuevo expresionismo y por el productor y dramaturgo Max Reinhardt, con quien colaboraría, se inclinó por el teatro como actor, aunque no tardaría en debutar en el cine. En 1909 se cambió el apellido: sustituyó Plumpe por Murnau, un pueblo de la alta Baviera que había visitado con uno de sus amigos en bicicleta.

En 1919 filmó ‘El muchacho en azul’ y realizó varias películas antes de ‘Nosferatu’, algunas tan interesantes como ‘El castillo Vogeloed’ y ‘Fantomas’, basada en una novela del Nobel Gerhard Hauptmann, con guion de Thea von Harbou. En 1922, un año muy intenso, se estrenó la historia del vampiro ‘Nosferatu. La sinfonía del horror’, que se rodó en exteriores. Como la productora no logró conseguir los derechos de la novela ‘Drácula’ de Bram Stoker, hizo su propia adaptación y cambió al Conde Drácula por el Conde Orlok. La viuda del escritor lo denunció y fue condenado a destruir la película. Alguna gente tenía copias y, felizmente, la película se conserva. Más tarde filmó ‘El último’ (1924), ‘Tartufo’ (1926) o ‘Fausto’ (1926), con su actor fetiche Emil Jannings. ‘Fausto’ tenía algo de superproducción y era un intento de contar la historia de Goethe del anciano sabio que vende su alma al diablo para conquistar a la bella Margarita. El cine de Murnau poseía una factura técnica indiscutible: pura plasticidad y belleza. Trabajaba como nadie la puesta en escena –admiraba al romántico Friedrich, pero también a Rembrandt y a Goya-, poseía un especial sentido del ritmo y los movimientos de cámara eran innovadores.

Lo reclamaron de Hollywood y allí estrenó ‘Amanecer’ (1927), para muchos uno de los más bellos poemas visuales del cine mudo, de casi tres horas, expresionista, que abordaba la historia de un hombre que tiene el corazón dividido entre dos mujeres. Recibió tres Oscars. Con todo, a W. F. Murnau no le acompañó el éxito en su periplo norteamericano, quizá por ello intentó regresar a su país. Rodó ‘Tabú’ en Tahití, su último y tumultuoso proyecto.

Un 11 de marzo de 1931 perdió la vida en Santa Bárbara, California, en un accidente de coche que conducía un joven filipino de catorce años, al que, según cuenta Kenneth Anger en su ‘Hollywood Babilonia’ (Tusquets), le practicaba sexo oral. Murnau ha vuelto a ser recordado estos días porque alguien profanó su tumba, en el mausoleo número 22 de Stahnsdorf, rompió el ataúd metálico y robó su calavera. Este hecho le vincula con su querido Goya: en 1888, tras la exhumación de sus restos, el cónsul Pereira remitió una nota desde Burdeos donde decía: “Esqueleto de Goya no tiene cráneo”. Aún hoy no se sabe qué fue de él. Quizá sea más fácil saber qué pasó con el cráneo de Murnau.

 

LA ANÉCDOTA

Murnau murió en marzo de 1931 y su cadáver tardó casi un año en volver a su país. Antes fue cuidadosamente embalsamado. El rodaje de su última película fue un tormento. Le escribió a su madre y le dijo: “En ningún sitio me hallo en casa; en ningún país y en ningún lugar, ni cerca de ninguna persona”. La víspera de su adiós, un astrólogo le anticipó que perdería la vida en un accidente.

 

*La foto es de 1920.

 

 

 

01/10/2017 12:21 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

ADIÓS A ANTONIO ISASI-ISASMENDI

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El director Antonio Isasi-Isasmendi (Madrid, 1927) ha fallecido a los 90 años en Ibiza. Responsable de títulos como 'Las Vegas, 500 millones', 'Estambul 65', 'Un verano para matar', 'Rapsodia de sangre' y 'Vamos a contar mentiras', 'El perro' y 'El aire de un crimen', el cineasta cosechó premios como tres medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos y un Goya de Honor. En su carrera, de más de seis décadas, también trabajó como guionista, editor y productor.

Isasi-Isasmendi comenzó en la industria del cine como actor de doblaje, poniendo voz a niños en los estudios Voz de España, en Barcelona. Más tarde comenzaría a trabajar como editor, encargándose del montaje de películas como El ángel gris, Canción mortal, Pacto de silencio y En un rincón de España.

Más adelante ocuparía ya la silla de director en títulos como Relato policiaco, La huida, Rapsodia de sangre, Pasión bajo el sol, Diego Corrientes, Sentencia contra una mujer, Vamos a contar mentiras, La mentira tiene cabellos rojos y Tierra de todos, esta última no muy bien recibida por el régimen franquista al humanizar y equiparar a dos combatientes de ambos bandos de la Guerra Civil.

Tras esa primera serie de títulos nacionales, Isasi-Isasmendi abrió sus miras al mercado internacional realizando películas coproducidas con otros países, como La máscara de Scaramouche, Estambul 65, Las Vegas, 500 millones, Un verano para matar y El perro, todas ellas distribuidas a lo largo del mundo con notable éxito de público, admiradas por cineastas como Orson Welles y Quentin Tarantino.

Su último trabajo como director tendría lugar en 1988 con El aire de un crimen, basada en la novela homónima de Juan Benet y candidata al Goya a mejor guion adaptado.

A lo largo de su larga trayectoria Isasi-Isasmendi trabajó con intérpretes de renombre como Lee J. Cobb, Elke Sommer, Karl Malden, Raf Vallone, Jack Palance, Olivia Hussey, Jason Miller, Lea Massari, Gérard Barray, Gary Lockwood, Horst Buchholz, Klaus Kinski, Christopher Mitchum, Fernando Rey, Francisco Rabal, Maribel Verdú, Germán Cobos y Marisa Paredes, entre otros.

Galardonado con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2007 y la Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España en 2009, fue miembro de Honor de esta desde dicho año.

Además de su trabajo en la industria del cine, Isasi-Isasmendi escribió los libros Memorias tras la cámara y Los años grises. En el primero narraba su experiencia en el mundo del cine, y en el segundo describía su infancia en una Barcelona marcada por la Guerra Civil, además de su paso por Ibiza.

 

*Lo tomo de aquí.

29/09/2017 11:01 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

ÓSCAR SANMARTÍN EN MONTEMUZO

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Óscar Sanmartín Vargas -Zaragoza, 1972-, artista, ilustrador y diseñador gráfico con una amplia trayectoria, presenta esta retrospectiva donde, a través de más de 50 obras, entre óleos, ilustraciones y dioramas, nos acerca a su universo creativo, siempre sorprendente, fantástico y misterioso. Su obra, desde el punto de vista temático, conforma un peculiar imaginario en el que se advierten las influencias de la ilustración victoriana, el cine de ciencia ficción o la literatura de Lovecraft y Bradbury, y donde la metáfora visual constituye su epicentro. Como él mismo ha señalado en alguna ocasión "trabajo en el territorio de la metáfora visual y cualquier posibilidad de humanizar un objeto crea una metáfora que para mí es interesante. La asociación de objetos e imágenes me permite expresar ideas a las cuales, quizás, me resultaría más difícil llegar de otro modo". [Nora del catálogo.]

ÓSCAR SANMARTÍN VARGAS. Retrospectiva 1996-2017

Sala de Exposiciones Palacio de Montemuzo

C/ Santiago, 34
Teléfono: 976 721268

Del 4 de Octubre al 19 de Noviembre de 2017


28/09/2017 09:32 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

LUIS FELIPE ALEGRE: UN DIÁLOGO

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Luis Felipe Alegre (Zaragoza, 1957) es actor y rapsoda, fundador de la compañía El Silbo Vulnerado, que tiene más de 40 años de existencia. Hace unos días le rindieron un homenaje en el ciclo 'La Puerta de los Vientos'. Aquí da algunas claves sobre su visión de la poesía. (La foto es de Vicente Almazán).

 

¿Qué te sientes, en realidad, actor, juglar, rapsoda?

Actor especializado en verso.

-¿Quién y cómo se te contagió la pasión por la palabra, y especialmente por la poesía?

 Un disco de Manuel Dicenta recitando las 'Coplas' de Manrique. Una especie de oralidad moderna.

-¿Qué tiene de particular para ti la poesía, qué te da, qué nos da?

 El nombre exacto de las cosas, como le pedía Juan Ramón Jiménez.

-¿Recuerdas cuándo te embarcaste en este oficio y cómo convenciste a los colegas?

 En general todos participamos de la creencia en el arte como arma para mejorar el mundo y comprendernos a nosotros mismos.

-¿Qué ha querido ser El Silbo Vulnerado a lo largo de los tiempos?

 Una máquina de guerra artística.

-Si tuvieras que hacer una valoración sencilla y global de la lírica española de todos los tiempos, dado que has montado desde Jorge Manrique, Quevedo o Cervantes hasta Lorca, Blas de Otero o Cernuda, ¿qué dirías, cómo es, qué contiene, por qué debes leerla?

 A todos nos gustan las aventuras ¿no? Para Salinas era una aventura hacia lo absoluto; para Homero Aridjis lo era hacia lo desconocido.

-¿Sirve para algo la poesía, es justo que le tengamos miedo?

 Conozco psicólogos que recetan libros de poesía.

-Recuerdo que hace años llevabas en los bolsillos los borradores, o primeras versiones de poetas aragoneses: Ángel Guinda, Rosendo Tello. ¿Cuál ha sido tu vínculo, tu relación con los poetas aragoneses, qué lugar ha ocupado en tu repertorio?

 Un rapsoda debe asentar en su repertorio una buena selección de poemas de su tierra. ¿Sabe? Hicimos un disco con Rosendo Tello hablando y recitando. Aquí no pasó nada, pero en Argentina es muy valorado, lo consideran nuestro mejor trabajo.

-Se ha rendido un homenaje a Leopoldo María Panero… ¿En qué ha cambiado la Zaragoza de ‘Más margen malditos’, en 1988, que montasteis vosotros, a la de hoy?

 Zaragoza, Aragón, tiene un potencial impresionante. El problema es la brecha cultural abierta por la crisis. En nuestra capital puede verse.

-¿Por qué has mirado hacia Guinea y hacia Latinoamérica? ¿Qué buscabas?

 Busco compartir acentos y aprehender cadencias.

-¿Por qué parece que El Silbo Vulnerado esté desaparecido o moribundo? ¿Qué ha significado la crisis para ti?

 La crisis ha puesto en cuarentena todos los gremios artísticos. Y no salimos, eh!

-¿Qué está pasando con la poesía que vuelve a la calle, a las tabernas, a la noche?

 Está muy bien, es un movimiento un tanto endogámico, pero siempre ha sido así. Los del Niké -Miguel Labordeta, Luciano Gracia, Manuel Pinillos, Julio Antonio Gómez, Rey del Corral, Emilio Gastón, José Antonio Labordeta, Fernando Ferreró...- tampoco se salían de su círculo.

-¿A quiénes admiras en este oficio, quiénes son tus espejos, y por qué?

 No distingo entre oficios en este tema de los referentes. Cualquier ciudadano que haga su trabajo con placer es mi espejo. Da igual camarero, taxista o profesor.

-Parece que todo el mundo quiere reconocer tu trabajo: primero el Gobierno de Aragón y ahora Andorra. ¿Cuál es tu mirada sobre tu trabajo, tu propio balance?

 Ahora no tengo tiempo para balancearme.

-¿Te atreverías a quejarte de algo, a denunciar algo, podríamos mejorar la situación del oficio de cómico de algún modo?

 Me quejo de que la enseñanza gratuita no es gratuita. Eso puede suponer que miles de adolescentes acaben en el instituto sin haber pisado un teatro, por ejemplo.

-Recuérdanos tus tres poemas favoritos.

“Yo escucho los cantos de viejas cadencias…” de Antonio Machado, 'Poética' de Rosendo Tello, "Abrir el mar con llaves de ceniza / expresa simplemente lo que dice: / “Abrir el mar con llaves de ceniza ,  y 'La comunidad' de Gil Albert.

 

28/09/2017 08:41 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'LITORAL' ANALIZA LA LOCURA

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‘LITORAL’ ANALIZA LA LOCURA

 

Goya, Antonio Saura, Dino Valls y Susana Blasco participan en un cuidado número sobre la dolencia y sus vínculos con el arte y la literatura

ZARAGOZA. La locura es uno de los grandes temas de la creación: el hombre que enloquece, como Don Quijote y que va por el mundo con su insondable lucidez, el artista loco, las descontroladas formas del caos y de la enfermedad que dan lugar a la transgresión, la rebeldía, el inconformismo, la posesión, la paranoia, la destrucción y su reverso, la melancolía, y por supuesto, el amor, que desemboca a menudo en locura de amor. A todo ello, la cuidadísima revista ‘Litoral’, que dirige Lorenzo Saval y que fundaron los poetas e impresores Manuel Altolaguirre y Emilio Prados, publica uno de sus espectaculares monográficos sobre ‘La locura. Arte & literatura’, casi 300 páginas donde conviven la poesía, el ensayo, el relato y los aforismos con cuidadas ilustraciones: óleos, dibujos, grabados, fotografía, collages, etc.

Es precisamente en el terreno de las imágenes donde es importante la presencia de cuatro autores aragoneses. Francisco de Goya -que en cierto modo encarna al artista loco como el Bosco, Gericault, Van Gogh o Bacon, por citar a algunos que aparecen en ‘Litoral’-, ilustra con dos cuadros, ‘El patio de una casa de locos’ (1794) y ‘Casa de locos’ (1812), un fragmento de ‘El pabellón nº 6’ de Antón Chéjov, que aborda uno de los grandes epígrafes del número: los manicomios. Aquí aparecen varios textos de Leopoldo María Panero, uno se titula ‘Los manicomios o la fábrica de la locura’, y Jorge Alemán firma una ‘Evocación de Panero (Presencia de Panero)’.

Antonio Saura fue un maestro no solo en la pintura sino en ilustrar libros. Lo hizo a su modo y fue capaz de ponerle sus líneas ensortijadas a Baltasar Gracián, Camilo José Cela, Carlo Collodi o San Juan de la Cruz. También ilustró los dos volúmenes del Caballero de la Triste Figura. Se reproduce un dibujo de 1987 y se ve, a la perfección, la eficacia y el sentido de síntesis del artista oscense. El Quijote protagoniza en buena medida uno de los artículos más atractivos del conjunto: ‘Melancolía española’, que firma Andrés Trapiello.

El pintor zaragozano Dino Valls explora las psicopatías y los desvíos del alma. Ilustra con su retrato ‘Silentium’ (2014) un artículo de Amalia Rodríguez Monroy sobre ‘El silencio’, donde se habla de la poeta norteamericana Emily Dickinson, “que nos asoma a la intemperie y la soledad del afuera”, y del autor francés Michel Foucault, que escribió: “Todo ser que habla hace uso, al menos en secreto, de la absoluta libertad de estar loco”. En esa misma pieza se incorporan tres collages de la diseñadora y artista zaragozana Susana Blasco de la serie ‘Antihéroes’, que se pudieron ver en el Centro de Historias. Valls, con una de sus piezas más complejas, ‘Dies Irae’ (2012), acompaña el poema ‘Hipocondría’ de Virginia Aguilar, que empieza así: “Conozco muy bien mis males, y por eso / sin número, / sola, me diagnostico / enfermedades muy sofisticadas”.

Se analizan otros temas como el extravío de la razón –donde figuran algunos locos egregios como Robert Walser, Virginia Woolf, Nietzsche, Kafka o Pessoa–, la alteridad, la tempestad de las almas, los soñadores de la razón perdida, las pasiones más desgarradas, el suicidio y la muerte. La locura es tan antigua como el hombre, ya Platón o Aristóteles escribieron de ella. Isaac Newton ofrece una dimensión abierta de esta dolencia tan enigmática: “Puedo calcular el movimiento de los cuerpos celestes, pero no la locura de la gente”.

 

 

*Este artículo apareció en Heraldo de Aragón. La ilustración es de Dino Valls, 'Silentium'.

10/09/2017 14:19 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

DIÁLOGO CON JORGE ASÍN, ACTOR

 

Soy muy feliz porque trabajo en lo que quiero y eso, en los tiempos que corren, es una bendición. Yo voy conquistando sueños, así que agacho la cabeza, sonrío y tiro hacia adelante”. Este es el estado de ánimo del actor, guionista y ex cantante de heavy metal Jorge Asín (Zaragoza, 1972), que se ha hecho popular gracias a ‘Oregón Televisión’, a su matrimonio en la ficción con Marisol Aznar y a una ya nada incipiente carrera en el cine. Acaba de participar en ‘Yucatán’ de Daniel Monzón, en ‘La tribu’ de Fernando Colomo y en ‘Los Futbolísimos’ de Miguel Ángel Lamata, y dentro de unos días empieza ‘Miau’, la segunda película de Estaregui.

-¿Recuerda desde cuándo le interesa este oficio?

-Yo he sido un niño del centro. Iba a todos los cines: Don Quijote, el Mola, el Teatro Fleta y los multicines Buñuel, donde me aficioné a los grandes cómicos: desde Woody Allen y Buster Keaton a los hermanos Marx, pero también Harold Lloyd, del que TVE emitió una serie que me interesó mucho.

-Era chico de cines. ¿Lo fue también de teatro?

-Menos. Pero mi padre, que empezó de botones y acabó de jefe de cartera del Banco Central, era muy aficionado al teatro y actuaba con una compañía amateur. Era primo del director de cine José María Forqué, y yo lo saludé de niño en la presentación de un libro sobre él. De mi padre heredé una colección de textos teatrales de Enrique Jardiel Poncela, Tono, Mihura, y los dos nos enganchábamos a ‘Estudio 1’. Recuerdo cuánto me impactó ‘Doce hombres sin piedad’. Desde niño, siempre he querido ser actor.

-Quería ser actor y empezó siendo fontanero. Y trabajó en el hotel Boston.

-Es cierto. He sido muy mal estudiante. Cuando estaba en el instituto, solo aprobé historia y literatura. Mis padres me llevaron a un psicólogo y les recomendó que me dedicase a trabajos manuales. A los 17 empecé a trabajar en el Boston. Trabajé un año. Tenía un compañero, que diseñaba los circuitos y tuberías, y dormía todos los días con aquellos planos. Me impresionaba.

-¿Qué pasó luego?

-Me fui a la mili y volví, primero a la Escuela-Taller de Veruela y luego a la Plaza de Toros, y después me incorporé a mi empresa. Siempre había alguien que te empujaba hacia la escena. Una novia, mientras ejercía de fontanero, me llevó a unos cursos en el Teatro de la Estación. Sería hacia 1996. Y un día, uno de nuestros profesores, el actor Miguel Pardo me dijo si quería trabajar en un grupo de teatro infantil La Carrucha. Dije que sí, claro. Y allí recibí mi primera nómina en el mundo del espectáculo.

-Había oído que también pasó por la Escuela Municipal de Teatro.

-Sí. Me apunté a los 28 años. Tenía dos años de paro, y con el subsidio pude sobrevivir en ese tiempo. Mariano Bartolomé me invitó a hacer monólogos en el Juan Sebastian Bar. Un día un señor mayor nos dijo: “Como no cobráis nada y nos hacéis reír tanto, os hemos comprado unos billetes de lotería”. Y nos tocó. A mí, 6.000 euros, y con aquel dinero pude acabar el tercer curso en la Escuela Municipal de Teatro. La lotería ha sido fundamental en mi vida. Ya lo irá viendo, ja, ja, ja. Poco después, justo cuando Javier Coronas dejó la tele, Marisol Aznar, a quien ya conocía, me dijo si quería probar en ‘Qué viene el lobo’.

-Y conoció a Félix Zapatero.

-Siempre digo que es mi padre artístico. Es un hombre que siempre va más allá: una figura fundamental de la televisión del cine y de la televisión en Aragón. Me hizo la prueba, le gustó y hasta ahora: primero en ‘Qué viene el lobo’, luego en ‘Vaya Comunidad’ y desde hace doce temporadas en ‘Oregón televisión’ con ese equipo extraordinario de actores y amigos con los que reivindico sin complejos el humor y el acento aragonés. Félix Zapatero fue el primero en darse cuenta de que todo Aragón es un plató de cine.

-De golpe dio el salto a la gran pantalla.

-Aragón ha vivido estos años un período importante de apoyo al mundo audiovisual y está dando sus frutos ahora. Empecé con Alejandro Cortés, en ‘Refugios’, donde hice un cameo. Y luego me llamó Ignacio Estaregui para ‘Justi&cia’, aunque la primera gran oportunidad me llegó con ‘Bendita calamidad’ de Gaizka Urresti. Allí era protagonista con Nacho Rubio y aprendí muchísimo del cine. Lo más complicado en el set es saber de dónde vienes y a dónde vas, o que hoy estás rodando una cosa que aún no le ha pasado al personaje… Aprendí muchísimo. Me impresionó Álex Angulo, educado, sabio, todo un caballero. Me dijo. “En esta profesión se empieza desde cero en cada proyecto”. Y lo tengo muy presente.

-¿Cómo dio el salto para trabajar con Daniel Monzón?

-Dos de las grandes directoras de castin de España, Eva Leira, hija de Manuel Carmena, y Yolanda Serrano, zaragozana, me vieron en la película de Gaizka Urresti y se fijaron en mí. Y me llamaron para ‘Villaviciosa de al lado’ de Nacho García Veilla, que giraba en torno a la lotería. Fue una experiencia muy bonita y coral. Me entendí muy bien con el equipo y con García Velilla. Y ellas, Eva Leira y Yolanda Serrano, también fueron claves para que me llamase Monzón. Me vio y le gusté.

-¿Como son la película y su papel?

-La lotería ha sido básica en mi carrera. Esta es la historia de un hombre al que le toca la lotería, el euromillón. Tiene tres hijas, y yo soy el marido de una de ellas. Ha leído que ocho de cada diez agraciados son infelices, y decide, para cambiar la suerte, invitarlas a un crucero. Viajamos en un transatlántico que recorre Francia, Italia, las cosas españolas, etc., y también estamos en Brasil y México… Casi he dado la vuelta al mundo.

-¿Cuál ha sido su relación con Monzón?

-Es una de las mejores personas que he conocido nunca. Es inteligente, lo lleva todo en la cabeza, pero trabajando es divertido, cariñoso, alegre. Yo creo que esta película, que se parece al cine de aventuras de Hollywood de los años 50, va a pegar fuerte. Tiene personajes, acción, viajes, e incluso hay muchos musicales. Lo que más me impresionó de él es que cuando leíamos el guión se reía y se divertía como un niño de ocho años, con gestos, voces, risas constantes. Todos nos partíamos, salvo Luis Tosar, que ya lo conocía. Con un director jasco, duro, esa película no se habría podido hacer.

-¿Y su trabajo en ‘La tribu’ de Fernando Colomo?

-Es más pequeño, de secundario, casi podríamos decir que de figurante con frase. En ‘Miau’, de Estaregui, mi papel será más importante. En ‘La tribu’, de Colomo, soy el marido de Marisol Aznar. La película cuenta la historia de un grupo de madres que llevan a sus hijos a clases de hip hop y deciden apuntarse. Llevo muchos años trabajando con Marisol Aznar, y estoy acostumbrado a todo, posee un talento natural desbordante, pero aquí ha hecho un trabajo impresionante y aquí, además, baila. Colomo es un tipo encantador, sabio y afectuoso.

-¿Alguna sugerencia de futuro?

-Soy un loco de los cómics y soy ‘marvelita’. Ellos suelen recordar la gente que hace posible cada cómic, cada película. Los cineastas deberían hacer lo mismo y poner: “en esta película han trabajado 100, 1000, 2500 personas”, para que nuestros políticos y gestores vean que en caso de que no les interese el arte, el cine es una gran industria.

*La foto es de 'Heraldo'.

10/09/2017 14:15 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'LA PIEL DEL DISCURSO MÉDICO', EN HUESCA

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'LA PIEL DEL DISCURSO MÉDICO'. SEMINARIO Y MUESTRA
Directores: Javier Codesal y Montserrat Rodríguez Garzo
'Caerán las almas de las pieles'
Sala de exposiciones de la Diputación de Huesca. 8 de septiembre al 22 de octubre de 2017.

'La piel del discurso médico'
Seminario Universidad Internacional Menéndez Pelayo. Sede Pirineos. Salón de actos de la Diputación de Huesca. 21 a 23 de septiembre de 2017.

El proyecto 'La piel del discurso médico' consta de una exposición, un seminario interdisciplinar y una publicación. La exposición se titula, a partir de un verso de Vladímir Maiakovski, 'Caerán las almas de las pieles' y se presentará el 8 de septiembre en la sala de exposiciones de la Diputación Provincial de Huesca. El seminario conserva el título genérico del proyecto, La piel del discurso médico, forma parte del programa de la UIMP. Sede Pirineos
Lo más característico de 'La piel del discurso médico' es este dispositivo doble, discursivo y expositivo, que articula la producción teórica con la presentación de obras de arte para explorar la relación de los lenguajes artísticos con fenómenos y síntomas médicos o psicológicos.
La piel del discurso médico es, pues, una propuesta que atañe tanto al saber médico (dermatológico y psiquiátrico), al psicoanalítico y al que generan la historia del arte y la estética. La hipótesis de partida, pensada con la teoría psicoanalítica, es que el fenómeno psicosomático y la obra de arte comparten ciertos rasgos que, al explorarlos, arrojan luz sobre los dos ámbitos: el del arte y el de la medicina. Eso explica el interés en articular producciones discursivas (científicas, psicoanalíticas y estéticas) que no participan del mismo fundamento (difieren en su finalidad y procedimientos) pero trabajan sobre las mismas manifestaciones somáticas. [Nota y fotos por cortesía de Teresa Luesma.]

Dos obras:
1. 'Días de sida' de Javier Codesal.
2. 'El nido' de Pepe Espaliu. 1993.

07/09/2017 10:18 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

UN SIGLO DE ROBERT MITCHUM

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Robert Mitchum (Brigdeport, Conneticut, 1917-Santa Barbara, California, 1997) fue uno de los actores más escurridizos e impenetrables de la historia de Hollywood. Y también uno de los más grandes: hierático en apariencia, sobrio, lacónico e ingenioso. Tenía un sentido humor especial; solía decir, como si siempre quisiera quitarse importancia: “Nunca he cambiado, excepto de calcetines y de ropa interior”. Encarnó el buscavidas rebelde e inestable, capaz de recorrer el país en tren, barco o avión para encontrar un lugar en la tierra más que en el cine. En otra ocasión, se retrató así: “Soy capaz de cualquier cosa”. En las películas hizo de todo: se especializó en la películas del oeste, en las series de ‘Hopalong Cassidy’, y dio lo mejor de sí mismo en el cine negro, especialmente en películas como ‘Retorno al pasado’ de Jacques Tourneur y ‘La noche del cazador’ de Charles Laughton; ahí encarnaba a un hombre sombrío, trasunto del demonio, capaz de llevar escrito en los dedos de la manos las palabras ‘hate’ (odio) y ‘love’ (amor) y planear, sin escrúpulo alguno, una pesadilla, una venganza, la semilla del pánico.

Siempre fue rudo, dado a la gresca. Su padre, operario de trenes y astilleros, falleció cuando él tenía dos años. Su madre, de origen noruego, intentaba atemperar su violencia leyéndole poesía y enseñándole a dibujar. Pese a ello, él prefería la reyerta, cruzarse la cara con sus compañeros. Se quedó huérfano pronto y decidió probar suerte: se subió a un tren y realizó diversos trabajos aquí y allá. Fue minero, estibador, portero de viviendas, dependiente de ultramarinos, y boxeador. Intentó ser pugilista profesional. Se suele decir que su rostro inexpresivo y soñoliento, entre desdeñoso y displicente, se le quedó así tras recibir algunos golpes. A los 16 años, en uno de sus viajes a Savannah, Georgia, fue arrestado bajo la acusación de vagabundo. No sería la única vez: en 1948, cuando ya era famoso, le detuvo la policía con marihuana y le encerraron 43 días en prisión en Castaic, Califonia. Robert Mitchum encarnaría al actor más taciturno que soñador, enigmático y enfadado, de palabras justas, arisco, de esos que incomodan un tanto a su interlocutor porque están siempre envueltos en silencio.

Conoció a una joven, Dorothy Spence, con la cual acabaría casándose. Tendrían tres hijos y nunca se separaron, aunque Mitchum, el perfecto antihéroe en la vida y el cine, iba y venía. Mitchum cosechó numerosos elogios de actrices como Joan Collins, Jane Russell o Deborah Kerr, con quien trabajó varias veces, y se dice que vivió romances más o menos episódicos con Ava Gardner y Rita Hayworth, aunque su gran pasión fue Shirley McLaine: trabajaron juntos en ‘Cualquier día en cualquier esquina’ (1962), de Robert Wise, y en ‘Ella y sus maridos’ (1964), de J. Lee Thompson, el director de ‘Retorno al pasado’. La relación puso en peligro la estabilidad conyugal de ambos.

Aconsejado por su hermana, se matriculó en una escuela de teatro, y un cazador de talentos lo recomendó en Hollywood. Su carrera comenzó en 1942, como especialista para montar a caballo; en 1943 intervino en 19 piezas, sobre todo adaptaciones de western. En 1946, fue candidato al Oscar, como mejor actor de reparto, por ‘También éramos seres humanos’, de William Wellman, aunque no ganó. En realidad, Mitchum no venció nunca. Ni con las ya citadas ‘Retorno al pasado’ o ‘La noche del cazador’, ni con ‘Encrucijada de odios’ (1947) de Edward Dmytryk. Ni con algunas de sus grandes películas de los 50 como sus colaboraciones con el gran Otto Preminger, ‘Cara de ángel’ y ‘Río sin retorno’, donde coincidió con Marilyn Monroe, ‘Una aventura en Macao’, de Josef von Sternberg, el pigmalión de XX, o ‘Solo Dios lo sabe’, de John Huston, con quien se entendió a las mil maravillas en algunos de sus vicios: el alcohol y el juego. Howard Hawks lo dirigió en ‘El Dorado’, donde coincidió con John Wayne, y J. Lee Thompson lo dirigió en ‘El cabo del terror’, donde era el antagonista de Gregory Peck, un rencoroso espíritu del mal. E hizo, con David Lean, un papel en ‘La hija de Ryan’. Entre otros títulos importantes se despidió del cine con Jim Jarmusch en ‘Dead Man’. En 1992 recibió el premio Cecil B. de Mille por toda su carrera y al año siguiente el premio Donostia. Dijo: "(…) empiezas a trabajar a las nueve, acabas a las cinco y te pagan los viernes. Si tenemos en cuenta que una de las grandes estrellas de este oficio ha sido Rin-tin-tín, tampoco es para presumir de nada”. Fue entonces cuando, casi por sorpresa, recibió la llamada de Eduardo Vijil, Inés Monreal y Santiago Echandi, de la revista ‘El Híbrido’ de Zaragoza, y respondió. Fue de las pocas veces donde desmintió uno de sus asertos: “Sencillamente oponte”. Esa vez habló con su voz cavernosa. Poco después moriría de cáncer.

 

ECOS DE ‘EL HÍBRIDO’

El monográfico de ‘El Híbrido’, dedicado a Robert Mitchum, fue el segundo número de la revista y marcó una nueva línea de la publicación, que solía tener carácter anual: a partir de entonces publicó monográficos sobre la novela negra o los mares del sur, entre otros asuntos. Eduardo Vijil, uno de los directores de la publicación, contó y recontó muchas veces la entrevista con Mitchum. Encontraron el teléfono de una productora o de su propia casa en una revista y probaron suerte. Llamaron desde Zaragoza y aquel hombre levantisco, de carácter voluble e impredecible, respondió primero con sorpresa y luego con interés. Y se entregó al diálogo. Fue una de las integrantes de la publicación, Inés Monreal, quien dialogó con el protagonista de ‘Adiós, muñeca’ de Dick Richards. Estuvo amable, encantador, de una amabilidad insólita, recorrió su carrera, sus películas y las claves de la interpretación, y pidió que le enviasen la revista. Fue como un milagro.

ANITA EKBERG: ALGUNAS FOTOS

Tomo de aquí este retrato de Anita Ekberg, la actriz y modelo sueca.

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La tomo de aquí: 

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Retrato de Peter Basch

Este retrato de Peter Basch lo tomo de aquí: 

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Lo tomo de aquí: http://i62.tinypic.com/2z5q45f.jpg


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1956. La tomo de aquí: 

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http://4.bp.blogspot.com/-NvX-VanRQpo/VLLlI9EAonI/AAAAAAAAr4w/CXa5MsWN0oQ/s1600/anita-ekberg-1357323234_b.jpg

ADIÓS AL ACTOR SANTIAGO MELÉNDEZ

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"Santiago Meléndez era un hombre de teatro que estaba marcado por la pasión". La frase es de la actriz y directora teatral Cristina Yáñez, pero la asumen otros muchos del colectivo del espectáculo. El actor, escritor y director falleció ayer de cáncer. Fue fundador de Vitamínico, de La Mosca Teatro y Teatro del Alba, y era un creador marcado por la intensidad, la ambición, la energía, la curiosidad, la furia incluso, que se transformaba en la escena.

Santiago Meléndez (Teruel, 1958-Zaragoza, 2017) empezó a hacer sus pinitos en el Instituto Pignatelli y consolidó su vocación en la Universidad de Zaragoza, donde se matriculó en Filología francesa. Con La Mosca, especializada en el mimo, hizo ‘Guernika’, de Fernando Arrabal, ‘El dulce sabor de la canela en rama’ y ‘El alba’. En 1981 fundó Teatro del Alba, una compañía capaz de poner en escena obras muy diferentes y novedosas como ‘Así que pasen cinco años’ de Lorca, quizá el autor que más amaba Meléndez, del que montó ‘Yerma’, los ‘Sonetos del amor oscuro’ o ‘La casa de Bernarda Alba’.

El gran sueño de la escena

Con Teatro del Alba alcanzó momentos de gran teatro: turbulento, oscuro, de indagación, capaz de explorar los oscuros laberintos del alma, de la conciencia y de una sexualidad turbulenta. Ahí están piezas como ‘El rayo de colgado’ de Paco Nieva, ‘La señorita Julia’ de Strindberg, ‘Tierra negra’ y ‘Cantar de bestias’, que eran obras suyas, o aquella función, ‘Severa vigilancia’ de Jean Genet, marcada por una poesía oscura, desarraigada, doliente. "Santiago Meléndez fue toda su vida un luchador. Fue un rupturista, un valiente, un radical, y a la vez era frágil. En su obra podía haber rabia, dolor, desasosiego y candor. Apenas unos días antes de morir me pidió que le tradujera ‘El hombre de la flor en la boca’ de Luigi Pirandelli, el relato de un hombre con cáncer. Quería llevarla a escena. Así era", dice el marionetista Karlos Herrero, gran amigo de Meléndez.

Luis Felipe Alegre, director de El Silbo Vulnerado, afirma: "Santiago Meléndez tenía un apasionamiento difícil de repetir. Quería hacerlo todo porque todo le preocupaba: la puesta en escena, la coreografía, la escenografía, la luz y la dirección de actores. Podía ser un severo director de actores. Sus espectáculos no pasaban inadvertidos. Recuerdo que Francisco Nieva vino varias a veces a ver los ensayos de ‘El rayo colgado’ y estaba fascinado. Le encantaba verlo trabajar y dirigir". "Era un hombre de escena. He trabajado con él en varios espectáculos y diría que interpretaba con una entrega total. Era excesivo en ocasiones. Se apasionaba. Se llevaba el trabajo a casa y al sueño. Alguna vez le dije: “Para, Santiago. Para”. No dejaba de pensar. Recuerdo que quería montar ‘En la soledad de los campos de algodón’ de Bernard–Marie Koltès: me pidió que la dirigiese y él la interpretó con José Dault. Trabajamos juntos en ‘Yo no soy un Andy Warhol’ y ‘Misiles melódicos’: jamás dejaba de darte una réplica. Estaba a tope en escena y podías fiarte de él", explica Cristina Yáñez, directora del Teatro de la Estación.

Fran Fraguas, que trabajó con él en ‘Buñuel, Lorca, Dalí’ del Teatro del Temple, insiste en esa idea: "Santiago era un artista intenso en escena. Él encarnaba a Luis Buñuel y yo a Lorca. Te sostenía la mirada como nadie, te apoyaba, te seguía", explica el actor de ‘Oregón Televisión’. Fraguas, conmovido como muchos de sus compañeros (lo acababa de sustituir en ‘Cabaret Shanghai’, su último proyecto), también trabajó con él en funciones del Centro Dramático de Aragón como ‘Misiles melódicos’ o ‘La vida es sueño’. Desliza un hermoso retrato: "Santiago era brusco a veces. Aparentaba serlo. Parecía negarte el pan y sal, bromeaba sin concesiones, y sin embargo, cómo se preocupaba por ti. Era paternal, delicado. De verdad. Podía decirte con inmensa ternura: “Fran, ahí no se te oye, Fran”. Siempre tenía muchas ideas interesantes".

 

Un rostro en las series

Meléndez trabajó, sobre todo como secundario, en muchas series de televisión: ‘La que se avecina’, ‘Olmos y Robles’, ‘Física y Química’, ‘Águila Roja’, ‘Amar en tiempos revueltos’ o ‘El Ministerio del Tiempo’, entre otras. En ellas mejoró como actor, mitigó su vehemencia y sacó partido a sus personajes. Y también se asomó al cine, quizá en menor medida de lo que hubiera soñado. Por ejemplo, entre otros títulos, participó en 'Just&cia' de Ignacio Estaregui. Sin embargo, su gran sueño –compartido con su compañera y esposa Pilar Molinero, una actriz intensa, de carácter, que murió en 2014; con ella tuvo dos hijas: Lara y Lucía– fue el teatro, algo que nunca abandonó ni como actor ni como director, escritor o productor. Ahí están sus funciones de microteatro o ‘La casa de Bernarda Alba’, que estrenó en 2015.

Cristina Yáñez resume: "Yo creo que nunca se recuperó del todo de la muerte de Pilar Molinero. Yo le veía la mirada perdida, errática, como si estuviera en otra parte. Aunque parecía un hombre expansivo, siempre fue muy celoso de su intimidad". Santiago Meléndez, en un diálogo con Soledad Campo para HERALDOconfesaba: "Me reinvento todos los días. Esta es una profesión muy ingrata e insegura, pero me apasiona". Fue su vida, su delirio y será su mejor recuerdo más allá de la muerte.

 

*Este texto apareció ayer en Heraldo de Aragón.

 

07/07/2017 01:26 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

SALÓN HISPANO-FRANCÉS DE JACA

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I SALÓN HISPANO FRANCÉS DE CÓMIC DE JACA /

 

Ier FESTIVAL FRANCE-ESPAGNE DE LA BD

 

DANIEL VIÑUALES, EDITOR DE GP Y UNO DE LOS COORDINADES EXPLICA:

La iniciativa surgió casi de forma natural. Desde que fundamos la AAAC (Asociación aragonesa de autores de cómic) una de las prioridades fue ver de qué manera podríamos promocionar el cómic aragonés y en dónde. Francia es la industria más importante del cómic en Europa y una de las tres más importantes del mundo, así que, enseguida, vimos que teníamos que acercarnos a Francia y qué mejor lugar que Jaca. La ciudad es perfecta porque es un nudo de comunicaciones importante, con muy buenas relaciones con el sur de Francia y nos puede servir como cabeza de puente para dar a conocer el trabajo de los dibujantes aragoneses. Eses es nuestro principal objetivo. Además, queremos que sea un punto de encuentro entre los dos países, consolidarlo y conseguir que Jaca sea una de las citas importantes del cómic, tanto en Aragón como en el resto de España. Esto ya lo estamos consiguiendo porque tenemos expositores de Aragón, de Madrid y de Valencia y estamos cerrando acuerdos para que tener también franceses.  

En cuanto a la relación de España y Francia, la verdad, es que son buenas. Hay una relación fluida, con grandes autores españoles trabajando para el mercado francés (como Antonio Altarriba o Jaime Calderón, que además estarán presentes en el Salón), pero queremos que vaya a más y, también queremos, que estas relaciones también sean por el Pirineo central. Por eso este Salón queremos que sea reivindicativo de esa línea Somport Sagunto  

   


  

Jaca 2 y 3 de septiembre de 2017

 

El I Salón Hispano-Francés de Cómic de Jaca/ Ier Festival France-Espagne de la BD à Jaca tendrá lugar en el Pabellón de Hielo de Jaca, los días 2 y 3 de septiembre de 2017.

¿Quién es la AAAC?

 

 

La Asociación Aragonesa de Autores de Cómic (AAAC) fue fundada en el año 2015 por José Antonio Bernal, dibujante de EL JUEVES, Daniel Viñuales, dibujante y editor de GP Ediciones, y Juanfer Briones, dibujante.

En la actualidad cuenta con más de treinta profesionales asociados, siendo la referencia del sector en Aragón.

 

Fruto de sus gestiones ha sido el primer stand patrocinado por el Gobierno de Aragón aglutinador de creadores aragoneses de diferentes ámbitos del cómic en el Salón del Cómic de Barcelona, la Feria referente y más importante de nuestro país y una de las mayores de Europa.

 

La AAAC es la responsable de la organización en los últimos tres años de las Jornadas de Cómic de Barbastro, cita que se viene desarrollando en la ciudad del Vero desde 2013.

 

En la actualidad prepara proyectos para el Salón de Cómic de Zaragoza y los Premios TRAN del cómic aragonés además de ser la responsable y organizadora de este I Salón Hispano-Francés de Cómic de Jaca/ IerFestival France-Espagne de la BD à Jaca.

 

¿Por qué una cita así?

 

La Asociación Aragonesa de Autores de Cómic propone con la celebración de este evento en torno al noveno arte abrir una ventana y establecer un punto de encuentro entre autores, editores, libreros, agentes, críticos y aficionados de España y Francia aprovechando la lengua común que nos une, que no es otra que el cómic.

 

Francia como gran consumidora y productora mundial de la industria del cómic (cinco mil trescientos cinco títulos publicados en 2016 entre novedades, reediciones y ensayos sobre noveno arte, con tiradas de  títulos de hasta quinientos mil ejemplares[1]) y España como país de origen de los más de ochenta artistas que actualmente trabajan para editoriales francesas y sede de un buen número de editoriales nacionales que producen para el mercado español álbumes que más tarde se publican en Francia.

Este encuentro será, sin duda, el germen para proyectos transfronterizos basados en la complicidad entre creadores y editores de nuestros países, abriendo mercado y estableciendo contactos y sinergias.

 

Estamos ante una cita que en su primera edición se celebra en Jaca, una ciudad de arraigada tradición histórica como puente entre Occitania y el Reino de Aragón, que viene respaldada por entidades públicas, como el Gobierno de Aragón y el Ayuntamiento de Jaca y empresas y entidades culturales del ámbito privado como Cultura RSCHuella Digital y el Ateneo Jaqués.

 

 

¿Por qué en Jaca?

 

Jaca, la capital de la comarca de La Jacetania, acogerá el I Salón Hispano-Francés de Cómic/ Ier Festival France-Espagne de la BD.

 

Con un enclave en los Pirineos formidable para despertar el interés de profesionales y aficionados de ambos países, a unos 145 km de Zaragoza y 76 km. de Huesca, accesible por la autovía A-23, y a escasos 25 km. de la frontera francesa, la ciudad de Jaca ofrece, además, un atractivo turístico muy importante. Cuenta con suficientes infraestructuras de servicios y comunicaciones y está preparada para recibir visitantes tanto nacionales como del país vecino.

 

La celebración de este evento en Jaca ofrece también la posibilidad de poner en valor la línea de ferrocarril del Canfranc y la inmejorable ocasión de convertirla en cabeza de un eje de conexión alternativo entre el Mediterráneo y Francia, que lleve por bandera el lenguaje universal del cómic. De esta forma, uniría a través de las vías del tren diferentes eventos como HuescómicSalón del Cómic de ZaragozaFeria del libro y del cómic de TeruelSplash Sagunt (Salón del Cómic de la Comunitat Valenciana) y las Jornadas de Cómic de Valencia, lugares que a día de hoy ya se encuentran conectados por otra infraestructura: la autovía mudejar. Fortaleciendo el ferrocarril, se facilitaría el hermanamiento con  salones franceses que ya se celebran al otro lado de los Pirineos, como el Festival BD Pyrenées en Pau, o el Salon BD de Saint-Gaudens o, el más importante de todos, el de  Angoulême.

 

Se pretende con ello contribuir a que Jaca devenga en destacado punto de conexión y encuentro entre España y Francia y, consecuentemente, con el resto de Europa.

¿En dónde?

 

El I Salón Hispano-Francés de Cómic de Jaca/ Ier Festival France-Espagne de la BD à Jaca desarrollará sus actividades en el Pabellón de Hielo de Jaca.

 

 

Además de tratarse de un edificio emblemático, nos encontramos ante una construcción moderna, accesible y luminosa que cuenta con amplios espacios definidos y bien delimitados favoreciendo, de esta manera, la realización de actividades paralelas.

 

El Salón cuenta con dos espacios bien diferenciados aprovechando las infraestructuras del Pabellón de Hielo:

- un área comercial compuesta por los stands de editoriales, tiendas, fanzines y otros comercios relacionados con el mundo del cómic que compartirá espacio con el área destinada a las exposiciones

- un área de exposiciones que acogerá las presentaciones y charlas programadas

 

El hall del Pabellón de Hielo, cómodo y espacioso, permite la adecuada convivencia de expositores y público independientemente de cuál sea la afluencia, posibilitando la circulación de los y las asistentes entre los stands de venta a la par que éstos admiran las ilustraciones de las muestras que se expondrán.

 

Por otra parte, la sala de prensa se perfila como el lugar idóneo para presentaciones de cómics y charlas.

 

 

¿Para quién y cómo?

 

El Salón tiene una doble orientación: la organización ha trabajado para que tanto el público profesional como el gran público encuentren su espacio. Se han programado diversas actividades que componen, en conjunto, una variada y atractiva oferta para ambos públicos.

Una de las acciones que discurre paralela a ese objetivo es, precisamente, la gratuidad de la entrada para todos los públicos.

 

-          Jaca quiere devenir en el lugar en los profesionales del noveno arte (guionistas, dibujantes, coloristas, entintadores…) establezcan contacto entre ellos y con otros profesionales del sector, incluidos editoriales y distribuidoras, para poner en común proyectos y establecer sinergias de trabajo.

Para ello se van a promover encuentros entre todos los interesados habilitando espacios para ello.

 

-          El aficionado va a tener a su disposición gracias a los stands de los expositores participantes, un buen número de tebeos entre los que elegir para llevarse a su casa. Podrá, además, compartir espacio con autores, pudiendo llevarse dedicatorias, originales o realizar encargos. Sin olvidarnos de las presentaciones que se llevarán a cabo, las charlas que se han organizado, las muestras que se expondrán y los talleres que tendrán lugar

Una parte de estas actividades irán orientadas a los niños y jóvenes.

 

 

 

¿Con quién?

 

Un buen número de autores, editoriales, librerías y fanzines de nuestro país, y de Francia han mostrado su interés por participar en el Salón y estarán presentes con sus stands en el Pabellón de Hielo de Jaca, con especial representación aragonesa.

 

 

 

De la larga lista de autores asistentes destacamos la presencia de:

 

 

Antonio Altarriba (Zaragoza, 1952), reputado guionista, gran teórico y conocedor del cómic en España.

Es autor de El arte de volar (junto a KimNORMA), Yo asesino (junto a Keko, NORMA), El ala rota (junto a Kim, NORMA) El perdón y la furia (junto a Kieko, MUSEO DEL PRADO), entre otros.

Cuenta en su haber con numerosos galardones de Salones de Cómic y premios tan prestigiosos como el Premio Nacional del Cómic, el Premio de la Association des Critiques et journalistes de Bande Dessinée o el Premio de librerías especializadas Zona Cómic.

 

 

Jaime Calderón (1973) es ilustrador, dibujante, profesor de dibujo y fundador junto a Esther G. Punzano la Escola de Il·lustració i Còmic Fem Art.

Autor de Los Caminos del Señor (con david y Lassablière, YERMO) o Isabel,  La loba de Francia (con Gloris, YERMO), entre otros.

Goza de gran éxito en Francia, siendo todo un referente en el país vecino, al igual que A. Altarriba.

 

 

Thierry Gioux (1960) es un dibujante francés, autor de Hauteville House (con Duval y Quet, YERMO), serie aclamada en Francia, abierta, que mezcla el cómic histórico, el western y el steampunk, y que lleva publicados hasta el momento 14 tomos en el país vecino.

La editorial Yermo lo comenzó a publicar a primeros de año en nuestro país.

 

 

 

Editoriales como GP EdicionesTaula edicionesMalavidaJordi Bayarri convivirán el hall del Pabellón con fanzines como Los DiletantesEstafermo o ¡Hey! y librerías como Librería Oroel o Yojimbo Cómics, ofreciendo al público las últimas novedades, material de fondo y publicaciones independientes, tanto en castellano como en francés y promocionando las obras de los artistas asistentes.

Datos de interés

 

El I Salón Hispano-Francés de Cómic de Jaca/ Ier Festival France-Espagne de la BD à Jaca tendrá lugar en el Palacio de Hielo de Jaca, sito en la Avenida Perimetral s/n de Jaca, los días 2 y 3 de septiembre de 2017.

 

Horario:

sábado 12:30-14:00 y 17:00-21:30

domingo 11:00-14:00

 

 

El I Salón Hispano-Francés de Cómic de Jaca/ Ier Festival France-Espagne de la BD à Jaca en las redes

 

  web de la Asociación Aragonesa de Autores de Cómic (https://asociacionaragonesadeautoresdecomic.wordpress.com/)

  web del Salón I Salón Hispano-Francés de Cómic de Jaca/ I Festival France-Espagne de la BD à Jaca (saloncomicjaca.com)

  Facebook del Salón (https://www.facebook.com/SalonComicJaca)

  Twitter del Salón (@JacaComic)

 

*En la foto, Antonio Altarriba por Pilar Albajar.

LANA MATICH PRIVITERA: UN DIÁLOGO

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“Pinto la realidad para hacer feliz a la gente”*

 

La pintora zaragozana, nacida en 1961 y formada en la Escuela de Artes, lleva más de un cuarto de siglo en Estados. Es acuarelista y le apasionan la arquitectura, el hiperrealismo y los contrastes

 

Lana Matich Priviterq acaba de venir a Zaragoza a visitar a su madre.

 

 

“Cada vez que vengo a Zaragoza no hago más que pasear y pasear y hacer fotos. Quiero captarlo todo. Esta es mi ciudad, aquí nací y fui muy feliz, aquí me inicié en el arte. Gracias a mis padres descubrí el teatro, la danza, la música, la arquitectura. Aunque ya sea norteamericana, porque llevo en Estados Unidos más de un cuarto de siglo, tengo corazón aragonés. Llego aquí y ya empiezo a usar el ico. Segundico. Paseico”, dice Lana Matich Privitera, pintora a la acuarela, que acaba de volver a casa para visitar a su madre y a sus hermanos, uno de ellos el pintor Zvonimir Matich.

-Explíquenos cómo trabaja.

Siempre tomo fotos, muchas fotos, y hago una selección de cosas: paisaje urbano, fachadas, edificios más antiguos del pueblo elegido y alguna iglesia. Y los mezclo con otras cosas, según el fluir de las estaciones. Hago también bodegón. Eso sí, siempre a la acuarela. Es rápida, limpia, eficaz. Me siento muy cómoda con ella. Uso la técnica hiperrealista pero la imaginación también interviene.

--Usted es lo que llamaríamos una pintora de arquitecturas. ¿Por qué?

-Se va a reír. Cuando fui a Estados Unidos me quedé impresionada con la cantidad de edificios tan distintos que hay allí: te encuentras con el estilo Tudor, con el alemán, con el francés… Es como si todos los países del mundo estuvieran metidos en las fachadas y en las líneas de las casas. Aquello me impresionó, las casas son una preciosidad. Así que empecé a hacer retratos y estampas de viviendas para ganarme la vida.

-Aún no ha parado…

-No. Empecé a hacer pueblos enteros. Las calles principales, las iglesias, los palacios, una estación, árboles… Y me divierto. Son como cartografías minuciosas de un lugar. Parto de lo real y a veces invento.

-¿Le encargan la obras, las decide usted?

-De todo. A veces, como me sucede ahora con Middletown y Ellenvield, donde expondré el próximo otoño, me hacen algunos encargos porque han visto mis obras. Me compran piezas originales y también me piden litografías o impresiones de imprenta, láminas. Trabajo mucho: hago medio centenar de acuarelas al año, suelo dar talleres para diez o quince personas y hago demostraciones públicas, a partir de una fotografía, ante 150 o 200 personas.

-¿Qué colores le gustan?

-Me gustan los colores tierra, los colores de la naturaleza. Pero lo que me preocupa siempre es el contraste de luz, eso lo verá en todos mis cuadros. Si hay nubes al fondo del paisaje, verá que hay un estudio exhaustivo de cómo entra la luz. El diálogo de la luz y la sombra es mi auténtico tema.

¿Cómo son sus bodegones?

-De varios tipos. Por ejemplo, a veces aparecen gatos. En Estados Unidos tienen una obsesión con los gatos. Les encantan. Esos cuadros los vendo muy bien. Además coincide que tengo un gato y le gusta posar para mis fotos, así que aprovecho. Como es un gato simpático, las fotos salen tan bonitas que no puedo resistir pintarlo. Sobre el papel, asumo el desafío de sacar toda la piel, sus brillos y sus texturas, y que parezca que la puedes tocar. Es como si fuera casi una pieza tridimensional.

-¿Por qué ese estilo naturalista, hiperrealista? ¿Ha explorado otros o ahí se siente plenamente feliz?

-Soy hiperrealista, sí. A mí siempre me ha gustado el detalle. De pequeña, en Zaragoza, dibujaba hasta arruguitas en la camisa de la gente. Está en mi naturaleza ser detallista y observadora. Algún día, cuando no pueda ver bien, me volveré impresionista o expresionista.

-¿Quiénes son sus pintores?

-A mí me gusta Sorolla. De toda la vida. La claridad, los matices y los temas de Sorolla. El cuadro que más me impresiona es ‘Y aún dicen que el pescado es caro’. El tema social, que es algo que me interesa desde niña, mezclado con maestría cromática y con esos contraluces que usa Sorolla, me conmueve. El asunto del cuadro me da una pena horrible, impacta muchísimo, pero está resuelto con la grandeza del arte. Para mí Sorolla es un maestro.

-¿Alguna otra referencia?

Muchas, claro. Vermeer, los holandeses, etc. Siempre he sido realista y he intentado representar algo reconocible. Lo que me gusta es recrear la realidad para que la gente tenga una buena memoria de su vida. Quiero que las cosas de mis cuadros le traigan recuerdos de otra época, de una atmósfera, de una forma de belleza. Me gusta que mi obra despierte evocaciones en las personas; si son sensaciones agradables, mejor que mejor. Pinto la realidad para hacer feliz a la gente.

 

*Esta entrevista se publicó en Heraldo. La foto pertenece al archivo de Lana Matich.

 

02/07/2017 11:53 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

MEMORIA DEL PINTOR XAVIER PRAT

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Xavier Prat Riquelme (1957-2007)

Y en otra ciudad también amanece”

 

 

Por Sergio Vila-Sanjuán* 

 

Cuando le conocí solía vestir un poncho como el de Tintín en El Templo del Sol, lo que en la muy progre Universidad Autonóma de los años 70 representaba sin duda un toque de distinción. Quizás por ello desde el principio le vi como alguien diferente, capaz de poner una nota de color, aunque fuera algo estridente, y de fantasía en todo lo que se cruzaba en su camino. Hablaba catalán o castellano con un suave seseo. Intervenía bastante en clase con observaciones originales que revelaban su cultura tan amplia como heterodoxa, y los profesores de la época, gente sesuda y muy politizada, le observaban con desconcierto.

Xavier Prat Riquelme era un personaje intenso, que cultivaba a fondo sus raíces peruanas escuchando valsecitos (Si me alejo de ti/es porque he comprendido/que soy la nube gris/ que nubla tu camino) rodeándose de objetos y tejidos del país, leyendo a Cesar Vallejo y cocinando especialidades como el cebiche o la causa limeña.

Había nacido y crecido en Lima, pero tras la muerte de su padre la familia volvió a Cataluña, de donde procedia: Xavier tenia nueve años en el momento del retorno y su hermano Jordi once. Carles les había precedido cinco años antes para estudiar medicina. Xavier refrescaba regularmente toda la mitología y la nostalgia peruana con sus amigos de aquel país, como el gran traductor de Elias Canetti, Juan José del Solar, y junto a su madre, Joana, quien también guardaba abundante memorabilia en el piso familiar.

Pero Xavi era un hijo de su tiempo, de la agitación barcelonesa de los años 70 y de los movidos tiempos de la Transición: se declaraba anarquista, no se perdía una manifestación y por el apartamento de la calle Creu Coberta que compartía con Jordi, quien siempre mantuvo un desvelo paternal y cuidadoso con una nota de flema británica por Xavi, pasaban las figuras del momento, las de las Jornadas Libertarias del año 77 o del mundo ramblero entonces en plena efervescencia. Durante algún tiempo en aquella casa abierta se conservó con reverencia un mantón, creo que no muy limpio, de Ocaña, rey de la noche de la época, que nadie sabía muy bien como había ido a parar alli (y probablemente es mejor no imaginarlo).

Relacionarse con Xavi era como vivir en una página del Nadja de André Breton. Conocía los sitios más raros de la ciudad, convertía en legendarios los lugares anodinos y, con él, una simple vuelta a la manzana podría deparar acontecimientos formidables y encuentros con los personajes más pintorescos. Te llevaba al bar Marsella de la calle Hospital a beber “el ajenjo de los poetas malditos” y a una taberna ignota de la plaza San Agustí Vell donde servían las mejores cañaíllas de la ciudad.

Durante un par de años frecuentamos el taller de escritura impulsado por José Donoso en Sitges, donde autores noveles nos congregábamos en torno al ya consagrado novelista chileno para leer y debatir nuestros intentos literarios. Allí Xavier topó con un personaje mas imprevisible aún, el poeta peruano Américo Yabar, y sumando la imaginación de ambos cualquier noche podía acabar en una sesión de chamanismo a la luz de la luna o un improvisado recital con los poetas encaramados a la mesa de cualquier restaurante chino. O con el Seat 600 de los Prat sumergido en la fuente de Gran Vía, frente al Hotel Ritz, de donde salimos sin daños.

Xavi escribía versos, que reunió en varios volúmenes pero nunca editó, y produjo también una extensa y variada obra plástica: dibujos y acuarelas con planteamientos surrealistas, figuras extrañamente anónimas y monocromas en escenarios marítimos y monumentales, escenas de amor en paisajes urbanos tocados por la irrealidad, con leyendas como "y en otras ciudades tambien amanece.. esos recuerdos que de ti me quedan". Una figuración erudita e irónica, a ratos con tintes de la pintura metafísica italiana, a ratos con referencia a la “Mujer bajando una escalera” de Marcel Duchamp o a las Tres Gracias de Rubens, en reelaboraciones seriales. Algunas de estas obras las mostró en lugares no profesionalizados como la abigarrada tienda Argot de la calle Hospital, que regía su amigo Albert. Su exposición mas importante tuvo lugar en 1982, organizada por Josep Miquel García en un espacio de la Diputación Provincial de Lleida, a donde acudimos en peregrinación todos sus amigos a acompañarle.

Pintaba entre confettis los bailes que se celebraban en La Paloma o en los locales del Borne, como la sala La Ceca, antiguo espacio de acuñación de monedas del barrio barcelonés. Y más tarde recreó los paseos junto al puerto a mediodia, cuando vivia en el edificio ochocentista y masónico de los Porxos d´en Xifre, con Pitu y los niños muy pequeños en una de las etapas mas estimulantes de su vida.

A pesar de que fue la persona con más talento natural que conocí en mis años de juventud, nunca llegó a profesionalizar realmente sus aptitudes literarias y plásticas. Una extrema sensibilidad defensiva le hacía mostrarse siempre reticente a la hora de enseñarlas y de promocionarse a sí mismo. Pero en los trabajos que realizaba para ganarse la vida tambien se las arreglaba para convertir fragmentos de la realidad mas prosaica en fantasía. Durante un tiempo realizaba globos artesanales y otras maravillas con papel y cartón en un tradicional comercio del barrio de Gràcia. Y luego colaboró en escenografías para películas como Angustia de Bigas Luna o Los Angeles de Jacob Berger, junto al decorador Felipe de Paco. Igualmente desplegó su talento plástico en el atrezzo para la campaña municipal Vine al Mercat, Reina, que le tuvo varios meses frecuentando los mercados barceloneses y haciendo malabarismos con frutas y hortalizas. Se lo pasaba muy bien en este ambiente hortícola.

Era provocador y le gustaba polemizar. Te pinchaba con lo que sabía que podía ponerte incandescente. Se divertía con la dialéctica. Era generoso y hospitalario, sus espaguetis con almejas fueron legendarios.

La experiencia de la larga enfermedad y el dolor marcó un antes y un después, que se tomaba con filosofía. En una visita que le hice al Clínic presumió humorística pero verazmente de que su pancreatitis se había convertido en “case study” para los médicos del Hospital. Seguía escribiendo, se tomaba la vida con calma, la relación con sus hijos Clàudia y Tomàs representaba un gran estímulo para él. De vez en cuando me mostraba sus escritos y me decía que estaba trabajando –finalmente- en una novela. Uno de los poemas que me envió por mail un año antes de morir, pienso que resumía bien su visión del mundo y su posición frente a la vida en esos últimos tiempos. Me gustaría pedirle que subiera a la mesa por última vez para recitarlo, pero como no puedo voy a reproducir algunos fragmentos. Dicen así:

 

 

No hay nada en el dolor que precio tenga;

Valor se supone a los soldados no a la bala

que posterior al fallo ni siquiera enseña;

Se entretiene mucho en el que ha caído

pero en el cuerpo en paz que ya no siente

solo la muerte denota que ha partido

en dos un corazón contra la nada.

 

La sangre y la ceniza están tan cerca

que se tocan en la ordalía pegajosa

como viejos amantes del martirio,

pétalos y espinas de una triste rosa

convertida en sal y vinagre delirante.

Acuérdate que un dolor, estéril, macho

no da nunca frutos al final sino reliquias.

 

Me siento reo en todas la esquinas,

culpable de buscar la paz ajena

a la sombra de las derrotas;

Entonces no sabía ver en el saqueo

lo que hurtar podía a un muerto

y ahora sé lo que no pierdo

en la vorágine necia de la vida.

 

(…)

 

La vigilia me roba la paz para tentarme

y si salgo de ese cáliz es para vivir

el tiempo lentamente como los sabios vegetales.

Rechazo la premura de los buitres

que han hurgado en mis entrañas condenadas

y me abandono a las flores azaleas.

 

No soy un bufón ni un buen acompañante,

tal vez un hombre triste y silente que sonríe.

Mi ojo germinal que mira y deja

que pase la historia asesinada

logró amansar un tiempo tu desastre.

Lo que considero sabio tú lo ves viejo.

Quizás ya habré vivido demasiado,

pero quisiera en ti lo que me resta. 

 

*Sergio Vila-Sanjuán es escritor, periodista, coordinador del suplemento ’Culturas’ de ’La Vanguardia’ y comisario de la exposición de Xavier Prat. La exposición 'Xavier Prat. Y en otras ciudades también amanece', que comprende más de sesenta pinturas y dibujos de este artista, puede verse en el Museo Can Framis/Fundación Vila Casas de Barcelona hasta el 23 de julio. Este texto de Vila-Sanjuán figura en el catálogo. Hoy Teresa Sesé le dedica un extenso y bello artículo.

**Esta obra se titula ’Autorretrato de Xavier Prat’ y está documentado en 1981.

27/06/2017 18:24 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

PATRICIA ALMARCEGUI Y LOS SUEÑOS: 'LA MEMORIA DEL CUERPO' (FÓRCOLA)

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PATRICIA ALMARCEGUI CUENTA UNA VIDA SOÑADA EN EL BALLET
[Esta tarde, en el Museo de Zaragoza, a las 19.30, en un acto organizado por el Museo, la librería Antígona y la editorial Fórcola, Patricia Almarcegui -viajera, especialista en el Islam, autora de ’El pintor y la viajera’, profesora de Literatura Comparada- presenta su segunda novela:’La memoria del cuerpo’, las memorias de una bailarina que, a los 50 años, recuerda su carrera en la Academia Vagánova, en el Ballet Mariinski, sus funciones, sus amores (Misha, Roman, Kolia, Yuri Alexei) y describe la decadencia del cuerpo y las posibilidades de empezar de nuevo. Es una vida soñada de una mujer que fue bailarina hasta que una inoportuna carrera truncó su carrera. en la foto Anna Pavlova, una gran ’Giselle’.]

Empezó la función. Aunque estaba muy emocionada, no pude ver aún ‘Giselle’ como bailarina sino como espectadora. No podía pensar que un día llegaría a pisar ese escenario. Me fijé en el cuerpo de baile, su sincronicidad era tan grande como la belleza de los cuerpos. Por fin, en la última parte, la música me permitió introducirme como bailarina. Las luces blancas, los tutús largos, el maquillaje de las caras, los brazos largos y pálidos, era todo tan sutil como la muerte. Aquellas pobres muchachas muertas bailaban desde el inframundo. Me fijé en ‘Giselle’, se deslizaba flotando como si el cuerpo le hubiera abandonado y solo quedara el alma. El bailarín la posaba con tanta delicadeza en el suelo que, una vez que la bajó, espiré y mi pecho acompañó el movimiento. Mis piernas se abrieron lentamente y rocé con la rodilla a Misha. No la retiró y yo tampoco.

*De ‘La memoria del cuerpo’. Patricia Almarcegui. Fórcola. Madrid, 2017. 187 páginas. [El libro se presenta esta tarde, a las 19.30, en el Museo de Zaragoza con la presencia de la autora, su editor Javier Jiménez, la bailarina Arantxa Argüelles y Antón Castro. La compañía LaMov bailará algunas piezas.]

 

14/06/2017 09:23 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

PEPE BOFARULL EN MORLANES

Pepe Bofarull se pregunta y se 

responde en color y en gesto 

 

El maestro serígrafo, 25 años después, realiza una exposición individual en la Casa de los Morlanes

 

 

 

Pepe Bofarull (Sabadell, 1953) es el maestro serígrafo de Aragón de los últimos 30 años. Así lo han bautizado, entre otros, pintores como Jorge Gay, Pepe Cerdá o José Luis Lasala. Acaba de jubilarse y deja un importante vacío en la reproducción artística. Por eso, poco antes de su marcha, Rafael Ordóñez Fernández, jefe de área de Cultura del Ayuntamiento de Zaragoza, le sugirió una antológica de su quehacer serigráfico. Bofarull le propuso otra cosa: realizar una nueva exposición individual de monotipos de serigrafía, un cuarto de siglo después de la última, en la sala Barbasán de la CAI. «Entre otras cosas, porque eso que me pedía ya lo había hecho en el Museo del Grabado de Fuendetodos», dice el artista.

Así se explica ese verdadero ‘tour de force’ que presenta en la Casa de los Morlanes: más de medio centenar de piezas apaisadas, de 60 x 120 mm, que constituyen una fiesta del color, un oleaje de tonos, un torbellino encendido de gamas que tienen algo de partitura de notas, secuencias y temblores. «Esta exposición es mi memoria contemporánea, y está basada en la pintura y en la música. Desde muy joven oía a Jimi Hendrix, Frank Zappa, pero también a Ígor Stravinski, John Coltrane o Miles Davis, pongamos por caso. Todos me han marcado. Del arte aquí hay muchas cosas: lo que he vivido, mi formación, mi evolución. El pop, el infomalismo, la abstracción expresionista norteamericana, y algunas técnicas tradicionales. Para la impresión, he elegido la madera antes que el zinc. Eso sí, es una exposición hecha a mano por completo».

Pepe Bofarull es un hombre cultivado. Es un pensador tranquilo, un lector de ciencia, un curioso y, a su despacioso modo, un teórico. «He robado a todo Dios. Piense que yo he trabajado con Broto, con Gay, con Cerdá, con Cano, con Xavier Grau; conozco de primera mano sus secretos. Es mi mundo. Y aquí están Jaspers John’s, Willem De Kooning, pero también Frank Stella o Robert Rauschenberg. En este trabajo es muy importante el ritmo, el movimiento de la regleta de serigrafía o de la cartulina que extiende la tinta. Hay una búsqueda constante de la armonía, del equilibrio. He usado 40 litros de disolvente y 10 kilos de tinta», dice. Recuerda algo importante: ‘Pregunta sin respuesta’ es el título de este empeño, intenso y apasionado, que ha llevado a término en 2017. «Así se llama una pieza del compositor estadounidense Charles Ives, nacido en 1874 y fallecido en 1954, de apenas tres minutos, una obra sobria, casi atonal, donde dialogan algunos instrumentos en poco más de tres minutos».

El pintor y serígrafo explica su método, cuadro a cuadro. En todos los cuadros realiza un primer fondo inicial, sometido al binomio de control y accidente. Conciencia y azar. Luego interviene con distintas capas de tinta. A veces hasta con cuatro superficies. De cuando en cuando le quedan zonas sin imprimir o veladuras, o emergen, con distinta graduación o intensidad, determinadas figuras, o lo que Bofarull llama «fantasmas». El autor usa aquí el gesto, el arrebato, pero también el dibujo. Gobierna y desgobierna la mano. «He elegido este formato porque es cuanto me dan los brazos. He intentado hacer una exaltación del color. A veces es voluntaria y ha sido dominada por entero, y a veces es accidental. Todo me sirve. Esta es una exposición de la acumulación de capas», afirma. Aún va más allá: «Por aquí han pasado alrededor de 500 personas, nada comparable a las 30.000 de Natalio Bayo en la Lonja. Lo sé. Pero hay varias cosas importantes. Vienen porque les interesa, porque sí, tienen interés y curiosidad, y eso siempre es estimulante. Estoy vivo y estoy aquí. He hecho un esfuerzo gigante y me siento recompensado. Este es un trabajo de taller y, quizá, un autorretrato. No soy moderno, ni lo pretendo, pero soy de mi tiempo. Seguro».

Pepe Bofarrull siempre regala frases. Suyas o de otros. A veces habla en aforismos. Dice: «“Hay que aprender de lo que no te gusta”. Si lo haces también te preguntas por lo que te incomoda y creces. Mi exposición está fuera de la moda, de lo que se lleva, es un mirar hacia atrás. Soy un artesano que, de repente, se presenta en este espacio en un acto de sinceridad.

Pregunta sin respuesta’ estará abierta hasta el 25 de junio».

 

*La foto la tomo de aquí: 

https://joseluiscano.blogia.com/upload/20170426191059-captura-de-pantalla-2017-04-26-a-las-19.04.56.jpg

27/05/2017 09:19 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

LINA VILA: 25 AÑOS EN EL ARTE. DIÁLOGO

Lina Vila expone en la sala Goya de la UNED de Barbastro (Huesca) una selección de su obra, agrupada bajo el título ’Vivir, dibujar’, en la que celebra sus primeros 25 años en el arte. Lina fue el II Premio de las Artes del suplemento ’Artes & Letras’. Aquí intenta explicar su trayectoria, su concepción del arte, sus temas, sus vínculos familiares y su comunión, cada vez más constante e intenso, con el paisaje.

-De manera sencilla, a modo de balance, qué ha pasado en estos 25 años en tu vida y en tu obra?

Qué pregunta tan difícil, echar la vista atrás. 25 años son muchos y sin embargo me siento igual de primeriza en muchas cosas, tanto de la vida como del trabajo, que también es la vida. Siento los mismos nervios si no más cuando tengo que enfrentarme a mostrar el trabajo y, de alguna manera, siento como si estuviera empezando en el hecho de vivir. Lo mejor de todo es que mantengo la ilusión. Por todo lo que me ilusiona. Creo que sin ilusión es imposible vivir. Apasionarse por lo que haces y por lo que vives te da felicidad. 25 años de vida te dan experiencias buenas, malas y mejores; becas, premios, lugares, personas,… en ocasiones te preguntas si haces lo correcto, si no hubieras sido más feliz eligiendo otros caminos. Son instantes que se curan cuando tu trabajo te lleva a una epifanía, a un descubrimiento. Aunque es evidente que la vida te enseña, creo que es el arte el que me ha concedido una serenidad importante para seguir viviendo.

-¿Siempre has tenido tan clara tu vocación, tu entrega al arte?

Siempre. Aunque a veces me arrepiento de no haber sido peluquera o de realizar un trabajo por el que las personas sientan una necesidad. En épocas de crisis da la sensación de que te estás dedicando a algo completamente banal o frívolo. Es entonces cuando encuentras apoyo en los libros, la literatura que te cuenta las vidas de otros artistas o de otras personas a las que admiras te hace reafirmarte en tu vocación. Y el privilegio de poder hacerlo en esta época, siendo mujer, con libertad. 

-Empezaste haciendo una obra más feminista y misteriosa, vinculada a tu abuela y su mundo, algo que volviste a recuperar en ’Círculo de tiza’. ¿Qué querías decir y reivindicar a través de ella?

Yo empecé pintando a mi abuela. Me sirvió como modelo para el examen de ingreso de la facultad de Bellas Artes y continué… después se convirtió en mi leit motiv. Vivía con nosotros y no nos despegábamos la una de la otra. Ella me posaba incluso desnuda sin entender muy bien lo que yo hacía porque ella estaba ciega. En Barcelona fui de voluntaria a residencias de ancianos y me parecían escenarios terribles. No entendía que se exiliase a los ancianos en esos espacios, así que poco a poco el tema de la senectud fue tomando forma en mis cuadros y en mis grabados con un deseo de transmitir belleza al espectador y con un deseo de que este espectador se hiciese preguntas y cuestionase sus decisiones… no sé si lo conseguía. Curiosamente en Barcelona tuve unos clientes gerontólogos que compraron casi toda la obra relacionada con esta época.

(En la pieza de los platos de loza de “Círculo de Tiza” quería explicar mi propio círculo de tiza contando varias cosas: por una parte quería dejar constancia del gran avance para la mujer en tres generaciones: mi abuela que era analfabeta y que se dedicaba a servir en las casas del pueblo. Mi madre que tampoco pudo estudiar, que también fue sirvienta y que se dedicó al cuidado de sus familiares; y finalmente yo, que pude irme a estudiar a otra ciudad lo que deseaba y convertirme a pintora. Por otro lado, siempre había admirado las pertenencias de herencia, las casas de mis amigas en las que había una vajilla, un reloj,… objetos que ligaban una generación a la otra y, como yo no tengo hijos siempre me aferraba a estos objetos. De mis abuelos no heredé nada material, así que cree mi propia vajilla heredada.)

 -¿Cómo te ha marcado Barcelona y Alicia Vela?

Barcelona era otra ciudad en ese momento en el que yo estudiaba allí. Era una ciudad abierta, donde se podía ver arte de primer nivel, galerías con exposiciones muy interesantes, seminarios vinculados al arte o a la educación artística,… Yo asistía a todo lo que podía y todo aquello constituyó un aprendizaje fundamental como persona y como artista. Tuve la suerte de conocer personas muy interesantes y de hacer amistades profundas. Alicia Vela fue mi profesora de grabado y me enseñó muchas cosas. Al realizar el posgrado de gráfica rompimos la relación profesora-alumna y nos hicimos amigas y hemos realizado proyectos juntas. Tiene un trabajo muy interesante y a mi juicio poco valorado o reivindicado en esta ciudad.

 -¿Desde cuándo te empezó a interesar tanto la naturaleza, el huerto, los jardines, los árboles?

De pequeña pasé muchísimos veranos en el pueblo, con mi abuela. Pasar tardes enteras en las eras forma parte de mi memoria. Ir al silo a ver pisar uvas, al lavadero a lavar de rodillas y volver en burro… todo eso queda, como te digo, como parte de mi memoria. De hecho diría sin dudar que lo más feliz de mi infancia se encuentra en ese pueblo, Clarés de Ribota, y con mi abuela. Después, mi padre fue el que nos enseñó a apreciar la naturaleza, las plantas, los árboles,… a cualquier matojillo le encontraba belleza. Su huerto era su paraíso. Y aunque en la adolescencia no le prestaba demasiada atención, todo eso va dejando una huella. Él plantó muchos de los árboles del lugar en el que vivo y eso es mi herencia. Ese lugar ahora es mi Tara. Desde que no vivo en la ciudad, esos árboles, esas plantas, esos matojos se hacen cada vez más presentes en los dibujos, pero tampoco sé si esto será así siempre.. quizá vaya a vivir a otro lugar y un nuevo entorno se acabe imponiendo… 

-¿Cómo mezclas o conjugas tu intimidad, tu pulsión, tu condición de mujer con el paisaje exterior?

Creo que uno crea desde su condición de hombre o de mujer sin planteárselo demasiado, de una forma natural. Es evidente que, como soy mujer, me expreso desde la mujer que soy. Pero sí que reivindico continuamente a la mujer en mis clases, charlas, cursos o talleres. Intento que los alumnos conozcan también la otra parte de la historia. Es algo que está en mi día a día y que pongo en valor en mis clases. Me da mucha pena que solo se conozcan los grandes nombres y sean siempre de hombres… y que en las escuelas de infantil y primaria solo se esté trabajando con Miró y Picasso, por ejemplo.

 -Hay en ti un fogonazo de inquietud permanente. De amor y temor. De silencio y sombra. ¿Es el tormento materia de inspiración también o está ahí y no es fácil rebasarlo?

El tormento está siempre ahí. Es la vida. No hay luz sin sombra. Admiro a esas personas a las que nunca les ha ocurrido nada grave o malo y no tienen esa sensación constante de incertidumbre o de inquietud. No es mi caso. La vida me ha dado mucha felicidad pero también mucho dolor. El dolor no es mi inspiración. Y aún tratando de hacer algo hermoso, también en la belleza está presente, con fuerza, la fugacidad. En todo caso, el dibujo me hace, cada día, olvidarme de ello por unas horas. Es mi mindfudness. 

-¿Qué es lo mejor que te ha pasado en estos años?

Lo mejor siempre es lo bueno de la vida. El amor, los viajes, las comidas en la hierba con amigos, el gran placer que te produce aprender algo, oír los ruiseñores que cantan ahora mientras te respondo… y también lo mejor es que, con altibajos, por suerte me he podido dedicar a lo que siempre he querido hacer, pintar y enseñar a apreciar el arte. He podido vivir en otros lugares, disfrutar de becas que me han formado y conocer personas extraordinarias que se han quedado conmigo. 

-¿Qué ocurre en tus talleres de arte? ¿Qué te han aportado?

De lo que más orgullosa me siento es de que a las personas que asisten a mis talleres se les abre un mundo artístico y personal. Conocen otras maneras de vivir y se transforman en personas más abiertas y con un pensamiento más independiente. Es muy gratificante comprobar como cualquier persona desde los 3 a los 90 años puede aprender y disfrutar del arte, y ver cómo les hace crecer su autoestima, fundamentalmente a las mujeres. También es muy importante lo que ellos me aportan, ya que mi trabajo es muy solitario y es en los talleres, a través del contacto con los alumnos, dónde yo misma aprendo de la vida. Muchas de estas personas son ya mi familia puesto que llevamos juntos más de 20 años…  

Has hecho muchas cosas estos años. Pintura, grabado, ilustración... ¿Te sientes más cómoda en alguna de ellas o son disciplinas que te estimulan por igual?

Todo lo que me hace aprender me gusta y en función de lo que quiero expresar me acerco a una técnica u otra, aunque siempre me considero dibujante. El grabado me apasiona porque tiene un componente de sorpresa que me excita mucho. La ilustración es un reto porque sueles partir de un trabajo previo que pertenece a otro creador y este se tiene que ver reflejado en tus dibujos. Hay muchas técnicas que todavía me gustaría experimentar y que supongo que irán llegando de manera natural, aunque creo que soy cada vez más amanuense.

 -¿Cómo has montado la muestra de Barbastro? ¿Vendrá a Zaragoza?

Clara Abós, de la UNED de Barbastro me propuso exponer en la sala Francisco de Goya y, como se cumplían 25 años de vida profesional yo quise echar la vista atrás y hacer un breve recorrido por las que yo considero las etapas más importantes de mi trayectoria y recuperar algunas de las obras que, habiendo sido creadas en diferentes épocas, se habían quedado en un cajón o en lo alto de una estantería del taller y, sin embargo, verlas de nuevo, me produjo una sorpresa y un descubrimiento. De la muestra de Barbastro vendrán a Zaragoza cuatro grandes piezas que formaron parte de la instalación “Un jardín para Petronila” en el Museo de Huesca, comisariada por Chus Tudelilla. Estas piezas junto a otras de reciente creación serán mostradas a partir del 6 de junio en la galería “La Casa Amarilla”. 

-¿Qué obras has recuperado que no se habían visto?

Grandes paisajes de acuarela y animal de la serie “La boca del Lobo”, algunos dibujos y pasteles de huertos de la serie “Flora y Fauna” que no se expusieron en la Aljafería y una serie de grabados.

 -¿Tienes la sensación de que eres una artista cada vez más realista y vinculada con la tierra?

Pues ahora que tú me lo preguntas y lo reflexiono quizá sea así. Quizá sea la edad. No lo sé. Creo que no tengo la perspectiva suficiente. Lo que sí sé es que cada vez me siento más libre para hacer lo que me apetece hacer, fuera de gustos o modas o requerimientos externos… pero el trabajo depende de épocas y nunca se sabe hacia dónde vas a ir, lo siguiente que tendrás necesidad que expresar o de qué manera lo harás.

 

*La foto la tomo de su página web.

24/05/2017 01:28 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

ROBIN WRIGHT. PLENITUD Y TALENTO

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Una de las grandes actrices del momento. Deslumbró con ’La princesa prometida’ y ahí sigue, tan bella como siempre, tan irresistible y talentosa, pura personalidad. Una de las grandes a las que quizá le falten dos o tres películas espléndidas...

DIÁLOGO CON DANIEL CANOGAR

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Daniel Canogar: “Hoy se hace realidad un sueño”

 

Sikka Ingentium” es el último trabajo de Canogar, una producción del Museo Universidad de Navarra que cuenta con la colaboración de la Fundación Aquae

 

 "Gracias por dejarme hacer realidad un sueño, Sikka Ingentium. Hoy es un día muy emocionante para mí, la llegada a una meta después de tres años de trabajo intenso, junto con mi director técnico, el ingeniero Diego Mellado, y el director musical, el artista y compositor Alexander MacSween”. Así comenzaba la rueda de prensa Daniel Canogar, quien destacó que esta obra supone un homenaje a un soporte audiovisual hoy en extinción (el DVD), a una época que ya pasó y al gusto que todos tenemos por el cine. “Porque quien no recuerda su pasado, ha perdido la identidad y no sabe de dónde viene ni a dónde va” sentenció en su afán constante en su trayectoria profesional por perpetuar la memoria.

 

Los más de 2.400 DVD’s que componen la escultura están colocados en la pared de la sala principal del Museo Universidad de Navarra. Se trata de una instalación en forma de nube enorme, con más de 18 metros de base y 3 metros de altura. “La forma que el conjunto adquiere evoca al cúmulo de información que se instala en la red, en internet, en las redes sociales” y critica así el exceso de imágenes que actualment