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Se muestran los artículos pertenecientes a Febrero de 2013.

AGNES DAROCA ILUSTRA A POE

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La artista y diseñadora gráfica presenta una exposición sobre ‘La caída de la Casa Usher’ en la Universidad de San Jorge

 

 

Agnes Daroca (Zaragoza, 1978) vive un gran momento de creatividad en el campo de la ilustración y el diseño gráfico. Comparte con Susana Villacama el estudio Dos Cuartos y la editorial Los Imaginantes. Es autora de ‘El niño cabeza cubito de hielo’ (2012), un cuento fantástico; ha ilustrado un poemario de boxeo de Pedro Flores, ‘El último gancho de Kid Fracaso’ (2012), y hace pocas semanas presentaba el libro de artista ‘Lupanar de Greenwich’, donde ilustra unos textos sobre personajes literarios, entre ninfas pecaminosas y sueños femeninos (Morelia, Alicia, Lolita...), que ha recreado el poeta y cantautor Ángel Petisme.

A la vez, en medio de nuevos proyectos y talleres, ha inaugurado una exposición en la Universidad San Jorge alrededor de ‘La caída de la Casa Usher’ de Edgar Allan Poe (Boston, 1809-Baltimore 1849), uno de sus mejores cuentos: de terror, de atmósferas inquietantes, de incesto más o menos sugerido, de reclusión morbosa. El texto, el preferido con ‘Ligeia’ del autor, fue publicado en 1839 y narra la visita de un amigo de infancia a dos hermanos que viven aislados: Roderick y Lady Madeleine, víctima de una misteriosa enfermedad que la llevará a la muerte.

Explica la artista: “Entrar en el mundo de Poe no es fácil, hay una oscuridad más profunda que el negro. Es una oscuridad psicológica que te enreda mucho más. ‘La caída de la casa Usher’ tiene esa parte del interior de las personas que hace que tengas que adentrarte en ellas para conseguir que la ilustración no se quede en una representación básica del relato. Adentrarte supone, incluso, cambiar de registro en tu propia forma de ilustrar”.

Hacer eso, cambiar de registrado, experimentar, buscar un estilo nuevo, “es algo que me encanta. Trato cada relato y cada escena como un proyecto único con los materiales, trazos y colores que le corresponden”. Realizar un trabajo así conlleva acercarse a un material sensible, donde conviven la fragilidad, el miedo y lo inefable, lo que no es fácil expresarse con palabras, aunque Poe fuese un narrador y poeta que sabía acercarse como pocos a la enfermedad y a la muerte. Agnes Daroca define así este cuento: “El cuento me sugiere algo así: la tristeza, la que come desde el corazón y mata en vida. La unión de hermanos para morir juntos y hacer que su propia tumba muera. Esa tristeza que puede hacer que todo lo reflejado en un lago sea cierto y se hunda cuando todo muere”.

Agnes Daroca emprende ese viaje a la oscuridad en busca de la luz a través de la imaginación y la intensidad cromática, y por todo ello esta exposición es algo muy especial para la ilustradora:Ha sido maravilloso y agotador este proyecto. Cuando terminas con satisfacción es que algo anda bien, el relato ha sido entendido y vivido”. Edgar Allan Poe ha sido pintado, ilustrado y llevado a los tebeos o al cine en un sinfín de ocasiones. Próximamente la obra de Agnes será publicada por El Ángel Caído ediciones. Las ilustraciones permanecerán en el Espacio en blanco hasta el quince de febrero.

 

 

01/02/2013 00:42 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

GOYA Y SU NIETO MARIANITO GOYA

HISTORIA DE TRES LIENZOS DE GOYA A SU NIETO MARIANO GOYA

 

[El retrato de Mariano Goya, que habría realizado Francisco de Goya en 1827, fue subastado ayer por Sotheby’s en Nueva York pero no ha podido ser vendido. Sobre él, como sobre él de 1813-1815 pesan “las dudas fundadas” del Prado acerca de su atribución]

 

Francisco de Goya (Fuendetodos, 1746-Burdeos, 1828) siempre tuvo una gran debilidad por su nieto Marianito, hijo de Javier Goya y de Gumersinda Goicoechea, que nació en 1806 y falleció en 1874. Lo retrató, según se ha considerado siempre, en tres ocasiones: hacia 1810, cuando contaba entre cuatro años (una estudiosa como Jesusa Vega cree que en realidad era más pequeño, de apenas tres años); entre 1813-1815, en uno de los cuadros que durante mucho tiempo se consideró “una de las obras más genuinas del artista”, y en 1827, en su último viaje a Madrid, cuando había rebasado los 80 años.

Ese cuadro salió ayer a subasta en Nueva York en la galería Sotheby’s, con un precio de partida que rondaba los cinco millones de euros pero no se vendió. Curiosamente, dentro esa rueda de atribuciones y desatribuciones en la que se ha sumergido el Museo del Prado en los últimos años, a través de la conservadora de la pintura del siglo XVIII Manuela B. Mena, la Pinacoteca Nacional solo ve como «seguro» el primero como original del pintor aragonés.

Con declaraciones e informes más o menos explícitas, los dos han sido descartados: el ‘Mariano Goya’ de 1813-1815 lleva una inscripción, «Goya a su nieto», y pertenece al Duque de Alburquerque, que lo tuvo en depósito en El Prado durante dieciocho años; el Museo lo expuso y lo prestó para algunas exposiciones específicas. Distintos expertos lo defendieron como una de las obras más logradas de Goya, sobre todo en el campo del retrato infantil. Por ejemplo, el profesor zaragozano Julián Gállego dijo: «Se trata, en mi opinión, de uno de los retratos infantiles más hermosos de toda la pintura europea (…) No puede ser sino de Goya, en su mejor momento». Lafuente Ferrari dijo que en ese cuadro «Goya puso lo mejor de sí mismo» y otro experto como Nigel Glendinning aseguraba que «es un retrato de familia. Íntimo, espontáneo y personal. Hay rasgos muy típicos del estilo de Goya en esta obra».

El entonces Director del Museo del Prado Alfonso Pérez Sánchez logró que se le considerase BIC (Bien de Interés Cultural) y promovió su adquisición. Hacia 1993, cuando el Prado recibió un importante legado, se hizo una oferta formal por él de algo más de cuatro millones de euros. Manuela B. Mena dijo entonces que tenía  «dudas muy fundadas» de que fuese de Goya. Se paró el proceso de compra, en medio de la perplejidad y de la sorpresa de sus dueños y de los propios consejeros del Prado, y con la ambigüedad del propio Pérez Sánchez, que había cambiado de postura.

Ante ese estado de cosas, el nuevo director, Felipe Garín le pidió a Mena un informe minucioso; lo entregó tres años después, en julio de 1996, y constaba de algo más de una veintena de folios, donde cuestionaba «la procedencia, el soporte y su inscripción, la composición y la técnica» del lienzo.

Mena contó, además, con el apoyo inmediato de Juliet Wilson-Bureau, que por entonces organizaba con ella la muestra ‘El capricho y la invención’. Afirmó también que el retrato del niño, con la partitura de música, no era de Goya. El nuevo Duque de Albuquerque Ioannes Osorio (el anterior, Beltrán de Osorio, falleció en 1994) lo retiró del Prado y lo dejó en la caja fuerte de un banco. Algún tiempo después, casi una década, en 2003, la Academia de Bellas Artes de San Fernando se propuso adquirirlo y ofreció 600.000 euros, según contaba el domingo el diario ABC en una exhaustiva información. La Academia contaba con el apoyo de informes y escritos muy favorables de Sánchez Cantón, Gassier, Jeannine Baticle, Jesusa Vega o los ya citados Lafuente Ferrari, Gállego o Glendinning. Entonces el ducado rehusó la operación. Y ahora el cuadro se encuentra en el limbo. Es un cuadro BIC y sin embargo dicen que no es de Goya. No puede salir de España. Eso sí, los propietarios del lienzo no han recibido el informe de Manuela B. Mena ni tampoco una carta formal que niegue la autoría de Goya.

Algún tiempo después, Manuela Mena deslizaría otra descorazonadora observación en el catálogo de la exposición ‘Goya en tiempos de guerra’ de 2008. Allí sostiene que el primer retrato, el de 1810, que pertenece al marqués de Larios, «es el único retrato seguro que se conoce de Mariano Goya». Lo cual también arrojaba algunas dudas sobre la puja de ayer. El cuadro ‘Mariano Goya’ (1827) que subastó Sotheby’s, y que perteneció al coleccionista griego George Embiricos (lo adquirió en 1954), tampoco sería del pintor aragonés, aunque hubiera escrito el artista: «Goya a su nieto en 1827 a los 81 años de edad». Al respecto, por ahora, no existe un informe exhaustivo o conocido que explique por qué este lienzo de 52 x 41 -que representa a un joven elegante y apuesto, de aspecto romántico que tiene una cicatriz en la mejilla- no lo pintó Goya.

La vida fue generosa con el nieto más amado de Goya, pero parece que Mariano Goya no supo aprovechar todas las oportunidades que le había dado la suerte. Su abuelo hizo un duro y último viaje para retratarlo, y murió poco después. Tras diversos negocios de minas y de bancas, intentó adquirir un título nobiliario, el de marqués del Espinar, y se casó dos veces. Se caracterizó por la frivolidad, la inconsciencia y el despilfarro. Ahora, tanto años después de muerto, Marianito Goya “debe” remontar otra incómoda disyuntiva: ¿quién podría haber pintado esos dos cuadros que siempre habíamos pensado, con aparente fundamento, que eran de Goya, su abuelo tan amado?

 

01/02/2013 00:55 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

CALATAYUD: GOYA, MARILYN E ISASI

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[Carlos Barboza Vargas ha publicado este texto en su página web con algunas de las fotos. Aquí solo puedo publicar una de 'El aire de un crimen', pero el artículo está completo.]

 

GOYA, MARILYN, Y  EL AIRE DE UN CRIMEN  

DE ISASI EN CALATAYUD

 

Por Carlos Barboza Vargas. Artista. 

 

El periodista Antón Castro colgó en facebook dos noticias, una sobre la película de Billy Wilder Con faldas y a lo loco, que se proyectaba en el UNED de Calatayud, con Marilyn Monroe como protagonista de la misma. En otra noticia ponía una foto del fotógrafo bilbilitano Carlos Moncín, donde aparece la actriz española Maribel Verdú, entrando en un coche. Esta foto correspondía al rodaje en Calatayud de la película “El aire de un crimen”, dirigida por Antonio Isasi Isasmendi. Mi relación con Calatayud está muy ligada con Teresa Grasa y es muy fluida. Primeramente porque su abuela Matilde Ciria provenía de la familia Ciria de Calatayud, tía del pintor surrealista Javier Ciria. Y de las familias Ibarra y Celorrio, extendiéndose nuestra amistad bilbilitana con Carlos Moncín, José Verón Gormaz, Manuel Micheto, Mariano Rubio, y los desaparecidos Agustín Sanmiguel y Pedro Montón Puerto. 

 

Entre los años 1985-86, la Diputación General de Aragón nos encargó la restauración de las pinturas murales de la Iglesia de San Juan El Real de Calatayud, recién atribuidas a Goya, que representan los Cuatro Padres de la Iglesia Latina, San Jerónimo, San Agustín, San Gregorio Magno y San Ambrosio, inspiradores de sabiduría y transmisores de mayores conocimientos.  Después de trabajar todos los días, los 88 kilómetros de coche de Zaragoza a Calatayud, en una carretera en obras,  terminamos el trabajo a satisfacción en 1986.  Mientras tanto, el director de cine Antonio Isasi Isasmendi realizaba una serie para Televisión española, sobre la figura de Goya que dividió en tres episodios de la vida del genio: La Quinta el sordo, La familia de Carlos IV y Cayetana. Dicha serie se presentó en el desaparecido teatro Fleta, y fuimos Teresa y yo invitados con lo que pudimos conocer y saludar a los protagonistas de la serie, la actriz Maria Luisa Paredes y Enric Majó, así como al director Isasi.

 

En aquellos años íbamos frecuentemente a Calatayud, y un día que visitamos la Plaza de España encontramos que Antonio Isasi estaba rodando su película “El aire de un crimen”, en sus exteriores y como siempre llevamos una cámara de fotos, comencé a hacer fotos del acontecimiento y veo por notas de facebook de Antón Castro, que el estuvo allí y entrevistó a la débil actriz cuyo personaje es la parte mas trágica del drama, y Antón lo cuenta así: Se llamaba Maribel Chueca…y la entrevisté en Calatayud, y era una mujer frágil, parecía una mariposa a punto de huir o de volar….

A Emilio Lacambra, que actuó como chófer del autobús, también le trajeron recuerdos estas notas de Antón, y comenta sobre la actriz:….En aquella época era anoréxica y junto con Germán Cobos la cuidaban, sobre todo en las comidas…..

 

La película fue presentada al público en 1988 y estaba basada en una obra de Juan Benet, y como protagonistas principales estaban Francisco Rabal, Fernando Rey, Maribel Verdú, Germán Cobos, Miguel Rellán, y la aragonesa María José Moreno entre otros. Recibió premios en el festival de San Sebastián en 1988, que fue para Fernando Rey como mejor actor y en 1989 nominada en los Goyas como mejor guión adaptado. Mas tarde en el 2000 su director Isasi Isasmendi recibe el Goya de Honor. Ver blog Goya en el cine y la televisión…….

Para esas mismas fechas yo estaba exponiendo en la Escuela de Artes Aplicadas la muestra Recordando a Marilyn, la cual vio el fotógrafo Carlos Moncín y me propuso que hiciera una exposición similar en la Casa de la Cultura dependiente del Ayuntamiento de Calatayud, y el 7 de septiembre de 1988 se inauguró la exposición que se componía de pinturas, dibujos, collages, fotocopias, fotos y cajas, relacionando la figura de Marilyn con Calatayud, en alguno de los fotomontajes aparece la actriz en sus calles y con Goya, como homenaje a este gran pintor que también pintó a artistas de teatro como el bellísimo cuadro de La Tirana que se encuentra en la Academia de San Fernando de Madrid. El catálogo esta acompañado con textos de Angel Azpeitia, Flavia Cassagranda, Juan Domínguez Lasierra, Giovanni Mariacher y Ana María Navales. También está ilustrado con fotos de Luis Esteban Municio y Javier García del Olmo. Mas tarde, parte de esta exposición se expuso en Madrid en la sala Antonio Palacios de la Comunidad, patrocinada por la Embajada de Costa Rica con el nombre de Cine Barboza en marzo de 1990. En la revista Anticuaria nº 56, de 1988, en un reportaje Un altar de Marilyn en Hoyo de pinares, el crítico de arte Fernando Fontela escribe lo siguiente:  …De los artistas que han dejado una versión personal de M.M. entre los que quiero destacar al español Pepe González, autor de una carpeta de dibujos editada por Norma (1980), reeditados en Italia por la revista “1984 “ y al costarricense Carlos Barboza, pintor de labios y ojos de Marilyn,-ha hecho una exquisita selección Robert G. Taylor de “ Marilyn in art” (Londres, 1984), donde se reproducen a color cien dibujos o pinturas que son otras tantas versiones realistas, idealizadas o hasta fantasmagóricas- caso de Andy Warhol- del mito de Marilyn, pues todas ellas son producidas  a partir de la fecha de la desaparición de ésta, es decir, a raíz de su trágico final.

 

Carlos Barboza Vargas

 

 

01/02/2013 08:14 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

EUGENIA RICO: UN MICROCUENTO

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[La escritora y amiga Eugenia Rico me envía este cuento, este microrrelato. Las fotos son de Brooke Shaden.]

 

Hay un hombre que vive en mi casa cuando yo no estoy.

Encuentro colillas en los ceniceros, huellas de manos en la ventana, vaho en el espejo del baño.

Oigo sus pasos. Se alejan cada vez que abro la puerta.

He visto cabellos suyos en mi almohada.

A veces me deja mensajes.

No los entiendo.

Hay un hombre que vive en mi casa cuando yo no estoy.

Lo peor es que creo que soy yo. 

 

UNA FOTO DE VERNON MERRITT

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LA HERMOSA MUJER QUE AVANZA: VERNON MERRITT


El fotógrafo Vernon Merrit hizo un espléndido reportaje de las calle, los niños y de las mujeres neoyorquinos en el verano de 1969. Su foto más famosa es esta y está tomada en Nueva York. Publicaba en las revistas más importantes, como ‘Life’.

CANO: CARTEL DEL FESTIVAL DE HUESCA

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CANO: CARTEL DE CINE DEL FESTIVAL DE HUESCA

José Luis Cano Rodríguez, humorista de Heraldo de Aragón y profesor de la Escuela de Artes, artista desde hace más de 40 años y uno de los grandes ilustradores de España sin duda alguna, es el autor del cartel del XLI Festival de Cine de Huesca.

02/02/2013 13:22 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

'IDILIOS': UN JRJ EN ISLA DE SILTOLÁ

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Javier Sánchez, el editor de Isla de Siltolá, me ha enviado el libro ‘Idilios’, un poemario de Juan Ramón Jiménez que nunca se había publicado en libro y que contiene 38 poemas inéditos de distintas épocas. La edición es de Rocío Fernández Berrocal.

Selecciono este poema:

 

SUR

 

Miré tus ojos fulminantes

y luego miré el cielo.

 

Y tus inmensos ojos me miraban,

desde el azul total,

como dos soles negros.

JUAN FRANCISCO FERRÉ: UN DIÁLOGO

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JUAN FRANCISCO FERRÉ. Novelista nacido en Málaga en 1962. Publica ‘Karnaval’ (Anagrama), la novela con la que ganó el premio Herralde, una poderosa ficción que une a Strauss-Kahn con los ‘Indignados’. Presentó el libro la semana pasada en la FNAC de Zaragoza. La finalista fue Sara Mesa.

 

 

“Aquí cuesta salir del círculo vicioso

español de la memoria histórica”

 

 

“La crisis económica es una auténtica

obra de misterio para un escritor”

 

 

Insiste usted mucho en la defensa de la literatura. ¿Qué quiere reivindicar?

Hablo de la literatura de ficción y en particular de la novela, que es para mí un género supremo. El territorio de la novela es el territorio de la libertad, en el sentido más amplio. La novela te da la posibilidad de liberarte de la realidad. Eso no significa que haga una literatura evasiva, que rehúya mirar al mundo, sino todo lo contrario.

Sus novelas parecen buscar la complejidad...

A mí, en general, la complejidad me parece la clave de nuestro tiempo. Para un escritor trabajar en la complejidad es algo necesario, imprescindible, y eso no significa crear algo inaccesible para los otros. La propia crisis económica es un desafío para un escritor. La maraña de factores que nos han arrastrado a ella es para un novelista una auténtica obra de misterio.

¿Cómo nació esta novela? El escándalo de Dominique Strauss-Kahn parece el punto de partida.

Sí, pero nace fundamentalmente de un doble hecho, con pocas horas de diferencia: el que era entonces uno de los hombres más poderosos del mundo, bien relacionado y candidato a la presidencia de Francia (que hubiera sido una gran revolución para Europa), director del Fondo Monetario Internacional, cae víctima de un escándalo ridículo en una habitación de hotel y es detenido a la manera americana como si fuera un gángster. Y casi a la vez, se desata en España la cuestión de los ‘Indignados del 15-M’: cómo un grupo de gente, harto de la crisis, toma la calle y desafía al poder de Zapatero. Los dos acontecimientos son suficientemente significativos, pero juntos me sugieren una imagen muy potente de mi tiempo. Con ambos hechos se puede hacer una instantánea de lo que nos está pasando.

¿Qué está pasando?

Se está imponiendo el peso de lo económico sobre cualquier otro aspecto de la vida humana. Es el dominio definitivo del mercado sobre todo. Estamos en un momento clave en la historia porque el horizonte, la redefinición del sistema en clave liberal, nos va a conducir a un peso cada vez mayor de las máquinas y de la tecnología en nuestra vida. La literatura debe ser tan desafiante y provocativa como el tiempo que estamos viviendo.

¿Cómo recrea ese personaje, más bien malvado, ambicioso, con una pulsión sexual incesante?

Es un personaje poliédrico No me interesaba mucho Strauss Kahn en sí mismo, pero sí a partir de lo que le ocurre. Se convierte en una figura con la que se puede jugar. Lo puedo reconstruir, reinventar y convertirlo en un personaje que encarne muchas fuerzas a la vez. Está el DSK libertino, francés, que vive entre Estados Unidos y Francia, y ahí hace su coto legal, su paraíso sensual y sexual. Luego reinvento otro que es DK, que ha caído en desgracia y que es capaz, con todo lo que sabe y lo que conoce, de empezar a atacar las bases del sistema... Se dirige al Papa Ratzinger, a Obama, a Sarkozy, a Bill Gates. Denuncia la gran farsa del euro. En ese sentido toma conciencia de lo que antes excluía en su pensamiento: hay algo enfermo en el sistema y esto no puede conducir a nada bueno. Se convierte en un personaje casi divino en un sentido mitológico de la palabra...

De ahí que aparezca ese dios K, tan inquietante.

Exactamente. Llegamos a las escenas finales donde él, presa del delirio individual, directamente se entrega a la multitud. Es como un redentor. Strauss-Kahn se convierte en el gran Mesías de la Humanidad. Todo esto está hecho en la novela como farsa, como carnaval, como juego novelesco que permite conectar a ese personaje DK con estos movimientos que están intentando cambiar el sistema. O acabar con él.

Usted defiende siempre la novela europea... ¿Qué tipo de novela europea?

Soy un novelista europeo que escribe en español. Para mí la novela europea del siglo XX es fundamental: me siento muy próximo a Proust, a Kafka, a Joyce. De hecho ‘Karnaval’ es un homenaje a Kafka y a Joyce. Y a Houellebecq. Pero aún me siento más heredero de la gran novela centroeuropea: Thomas Mann, Witold Grombowicz, Hermann Broch, al que le falta humor, o Thomas Bernhard, porque es capaz de levantarle las faldas y bajarle las bragas a una sociedad como la austriaca. En España no ha terminado de entrar...

¿Por qué cree que ha ocurrido eso?

Es un país que ha tenido demasiadas cuentas consigo misma y no hemos terminado de salir de nuestro propio ensimismamiento. Del círculo vicioso español de la memoria histórica. Es falso que España no haya tenido memoria histórica. Al revés. Ha estado preocupada de su propio ombligo y ha olvidado que el mundo es ancho y ajeno como dice Cervantes, que es el padre de mi concepción de la literatura.

Hablemos del sexo. Es muy importante en ‘Karnaval’...

El sexo estaba muy justificado. Si hubiera hecho una novela sin sexo me habrían dicho: “Qué pacato eres”. Con DSK no debía reprimirme. Él es el último representante para mí de lo que sería una aristocracia libertina. Quería ver cómo el erotismo, tal como se concebía en el siglo XVIII, puede estar vivo en gente como esta: esa idea de la orgía que todavía existe, la relación con la esposa, con las prostitutas, la desmesura de Sade. El erotismo es algo común a todas las culturas desde los orígenes del hombre.

En el libro hay una alusión a ‘El ángel exterminador’. ¿Le ha influido Buñuel?

Buñuel me ayudó mucho. Es una influencia clara y aquí creo que hay un toque buñueliano de películas como ‘El discreto encanto’, ‘El fantasma de la libertad’ o ‘El ángel exterminador’. Goya es otro aragonés genial. Me interesa desde muy adolescente. Me gusta el lado rosa y el lado negro de Goya. Goya me gusta completo. No me gusta privarlo de ninguna de sus dos dimensiones y eso también está en la novela. El gusto por lo sórdido, por lo perverso y lo morboso, y al mismo tiempo el gusto por lo rosa, lo erótico, lo sensual. Se completan y se complementan. Y Goya es, quizá, el artista que ha llegado más lejos en ese terreno.

 

-La entrevista se publicó ayer en 'Heraldo de Aragón'.

 

*La foto de Juan Francisco Ferré la tomo de aquí:

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JETHRO TULL EN ZARAGOZA

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Jethro Tull en Zaragoza

 

La banda de Ian Anderson tocó anoche en el Palacio de Congresos uno de sus álbumes más legendarios: ‘Thick As a Brick’ (1972), que revisó y amplió en 2012

 

 

Jethro Tull actuó anoche en Zaragoza en el Palacio de Congresos. Se trata de una de las grandes bandas de la historia del rock con 45 años de trayectoria,  una treintena de discos y más de ochenta millones de copias vendidas. Se fundó en 1967 de la mano de un escocés peculiar, Ian Anderson (Dunfermline, Fife, Escocia, 1945), que amaba la música barroca (a Pablo Ferrer le confiesa hoy que sus dos polos son Beethoven y Roy Harper). Compositor, cantante y letrista, de largas melenas que evocaban a Jesucristo, ahormó en torno a su carismática figura un conjunto muy especial de lo que se llamó el rock progresivo, que era una forma de llamarle a un rock innovador, que introducía muchos elementos nuevos, entre ellos el rock sinfónico, la música clásica, el jazz, y la capacidad de convertir el disco en una aventura casi novelesca, como iba a suceder en algunos de sus álbumes y como hicieron otros grupos como Yes, Camel, King Crimson o Queen...

Jethro Tull tomó su nombre de un inventor agrícola del siglo XVIII que creó una sembradora. Uno de sus álbumes fundamentales, quizá el más conocido, fue ‘Thick As A Brick’ (Grueso como un ladrillo) y apareció en 1972. Era como una pieza única, matizada por el virtuosismo del grupo y de los músicos y por esa estética, tan particular de la banda, de “quiebros y ondulaciones” sonoros (como ha escrito Esteban Linés) donde convivían el espíritu del rock, un aroma de música medieval y el inevitable latido conceptual o trascendente de la banda.

‘Thick As A Brick’, entre otras cosas, era la historia del joven Gerald Bostock (que se hacía llamar Little Milton, en honor al poeta John Milton), de ocho años, que descubre las pequeñas cosas del mundo que le rodea a través de un poema escolar. Ese álbum ha vendido muchos ejemplares y ha sido tal vez el disco de culto de una formación que ha sufrido varios cambios y que ha alumbrado algunas obras inolvidables como ‘Aqualung’ (1971), sin duda otro álbum legendario que tenía como protagonista a un mendigo alcohólico y pederasta, como ‘Living The Past’ (1972), ‘Minstrel the Gallery’ (1975) o ‘Songs from the Wood’ (1977), por citar algunos.

Jethro Tull incorporaba muchos registros en sus piezas, de gran contenido filosófico. Era un grupo conceptual que podía inspirarse en Ludwig Andreas Feuerbach, por ejemplo, filósofo alemán que poseía una visión muy crítica de la religión. Musicalmente frecuentaba, y frecuenta, el rock duro, el folk, la música clásica o los ritmos de jazz. Si tiene una primera época marcada por el rock progresivo, existe otra de rock folk y una tercera, menos feliz sin duda, de música electrónica. Quizá la primera, desde los orígenes hasta avanzados los setenta, sea la más rutilante y a la vez la más compleja y provocadora. Ian Anderson incorporó no solo su personalísima voz, preciosa y evocadora, a las canciones sino la flauta travesera que siempre le dio al grupo una personalidad muy reconocible.

Esta tarde, a las 21 horas, Jethro Tull regresa a Zaragoza, donde estuvo hace más de veinte años, a finales de los ochenta. Y trae sobre todo dos propuestas: tocarán ‘Thick As A Brick’ y ‘Thick As a Brick 2’, un álbum que grabaron en 2012, con muchas novedades. En el concierto de esta noche, como han hecho en Barcelona, repasarán ambos álbumes y algunas de sus mejores canciones. La banda que viaja al Palacio de Congresos está compuesta, además del propio Ian Anderson, por Florian Ophale (guitarra y bajo eléctrico), John O’Hara (teclado, acordeón y percusión), David Goodier (bajo eléctrico), Scott Hammond (batería y percusión) y Ryan O’Neill, encargado de la segunda voz, del mimo y del baile. ‘Thick As A Brick’, como sucedió con ‘Aqualung’ o ‘Minstrel In The Gallery’, fue censurado en algunos de sus temas por el régimen de Franco. Ian Anderson miraba la religión y a Dios con un punto de rebeldía y de cinismo, como se puede oír en ‘My God’.

 

Concierto de Jethro Tull. ‘Thick As A Brick’ y ‘Thick As A Brick 2’. Palacio de Congresos de Zaragoza. Ayer a las 21 horas. Entradas desde 36 euros.

08/02/2013 11:58 Antón Castro Enlace permanente. Músicos No hay comentarios. Comentar.

MARTÍNEZ DE PISÓN, PREMIADO

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MARTÍNEZ DE PSIÓN: I PREMIO A LA EXCELENCIA

LITERARIA EN LAGUARDIA, EN BODEGAS LUIS ALEGRE

 

Ayer, en Laguardia, en la Rioja alavesa, Ignacio Martínez de Pisón (Zaragoza, 1960) recibía el I Premio Don Luis a la Excelencia Literaria, que conceden las bodegas Luis Alegre, a través de la iniciativa de uno de sus socios: Valentín Fernández, un gran apasionado de la literatura, especialmente de Luis de Góngora y Argote. En el jurado han estado el poeta y profesor (y ayer supimos que también guitarrista) José María Micó, premiado recientemente con el Premio de Poesía Generación del 27 por ‘Caleidoscopio’, y Antonio Pérez Laheras, profesor, estudioso de la lírica aragonesa y editor de Larumbe. Antonio y José María comparten la pasión por Góngora. El acto fue muy bonito en un día claramente romántico: asomó la llovizna y una nieve muy suave.

Hubo degustación de varios vinos de Luis Alegre, entre ellos un Pontac, leve tertulia, tras la entrega de premios (Pisón explicó que suele tomar vinos Luis Alegre en Barcelona con su amigo, el cinéfilo Luis Alegre, y que había vivido un tiempo en Laguardia, a los tres años, pero que no se acordaba) hubo una espléndida comida: entremeses, patatas a la riojana y un ternasco muy sabroso. En la sobremesa, que duró un par de horas, se cantaron varias canciones: Luis Alegre y Pepe Melero cantaron ‘Rocío’, Melero una jota, Maite Roy tomó la guitarra y entonó varios temas, y sonaron, además, temas de Paco Ibáñez y algunas canciones festivas.

La sorpresa la pusieron José María Micó y su esposa Marta: interpretaron, él a la guitarra, ella con una hermosa voz que a Pisón le recordó la de Olga Román, boleros y fados, entre ellos el ‘Fuimos’ de Homero Mansi. Para los galardonados y el jurado continuó la fiesta en Laguardia, una villa acogedora. Algo más de una veintena de amigos de Pisón fletaron un microbús desde Zaragoza y lo acompañaron en el acto; condujo un simpático Javier, profesional de Ágreda. Y mañana, Ignacio Martínez de Pisón –último Premio de las Letras Aragonesas, de 2011. ‘El día de mañana’ ha sido otra hermosa novela de confirmación, de madurez, de hondura y de complejidad- será objeto de una entrevista en el Teatro Principal, a las 19.00, en un acto que coordina Ignacio Escuín Borao, y que contará con la presencia de Antonio Pérez Lasheras y Mariano Anós.

10/02/2013 11:48 Antón Castro Enlace permanente. Escritores No hay comentarios. Comentar.

ADIÓS A ANGELINES VILLACAMPA

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El poeta Antonio Pérez Morte me ha enviado esta elegía dedicado a Angelines Villacampa, de la que me hablaba a menudo Eduardo de la Cruz, que ha rodado un documental sobre ‘La lluvia amarilla’. Hace poco Angelines había aparecido en Aragón TV. Había sido profesora de francés y se retiró a Susín para vivir con la naturaleza y arreglar, poco a poco, con su inmensa voluntad, los caminos de acceso a Susín y sus diversos parajes. Han sido mucho los que la han conocido y la han querido. Tomo esta foto del facebook de Manuel Lorenzo.

 

 

 

 

ROBLE FRÁGIL (Para Angelines Villacampa)

Para Óscar y Rafa

Necesito un refrán de aquellos
que sabías de memoria,
o de aquellos otros que dejábamos a medias,
a capricho de la memoria y la intención.
Lo necesito urgentemente para aliviar este dolor
que me atenaza y que todavía arrecia.

Hablar contigo, al lado del fuego,
de todas esas cosas importantes
que no pueden comprarse
y que tú encontraste muy cerca de aquí,
en Susín, en Sobrepuerto,
muy cerca del cielo.

Porque para vivir basta la vida,
el calor de la amistad y cuatro astillas
dos gatos, un perro,
un libro, el sol, un prado, la era,
las montañas, el cielo lleno de estrellas,
una noche de tormenta…

Necesito un refrán de aquellos.
¿El de febrerillo el loco?
Loco sí, pero no tonto:
Nos hizo un siete del calendario al alma
y te llevó, dejándonos, de nuevo,
el imborrable dolor
de los duros versos de Juan Luis Panero:
Vivir es ver morir.

Repienso:
Morir es ver morir cuando quien se va
se lleva dentro de sí, parte de ti
en una filosofía de vida basada sólo en la vida
-interior y exterior- : en el amor y en el respeto.

Antonio PÉREZ MORTE

10/02/2013 11:55 Antón Castro Enlace permanente. Temas aragoneses No hay comentarios. Comentar.

ROGELIO ALLEPUZ: PAISAJE

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ROGELIO ALLEPUZ: MOSAICO DEL FOTÓGRAFO

O DEL OBSERVADOR ZEN

Me encuentro a diario con las fotos de Rogelio Allepuz. Muy activo en facebook. Desde hace un tiempo trabaja en la recuperación de su archivo. Casi treinta años dedicado a contar la vida en imágenes. En los últimos tiempos, con una cámara diminuta, este fotógrafo que tiene algo de monje zen, o de pensador zen o de paseante de las alturas, va a las montañas, a los descampados, y eterniza instantes, casas, árboles, celajes, colinas del ocaso. He aquí una pequeña selección, un mosaico de su trabajo. Rogelio no se detiene. Ya no está en la prensa, pero sigue contando sus secretos del corazón: el río de la vida y de las emociones a través de las fotos necesarias para existir. Rogelio fotografía como siente, alienta como percibe el latido de la luz.

Por razones sentimentales esta es una de mis fotos favoritas de Rogelio. La de mi hija Aloma Rodríguez, fotografiada ante ’El Periódico de Aragón’, donde trabajé durante una década.

 

EL ARTE DE ROSSINA BOSSIO

ROSSINA BOSSIO: UNA JOVEN ARTISTA COLOMBIANA

QUE FOTOGRAFÍA, DIBUJA Y PINTA

Rossina Bossio es una joven artista colombiana que se mueve en tres disciplinas: la fotografía, la pintura (de más larga ejecución) y el dibujo. Ha realizado numerosas series, algunas de ellas en colaboración con otra estupenda fotógrafa como Miss Aniela. Los temas esenciales de Rossina serían el cuerpo, la seducción, la religión o la espiritualidad, la identidad femenina (creo que le he leído que no es feminista) y el erotismo. Le gusta experimentar, reflexionar sobre su trabajo, buscar nuevos caminos. Y aquí se ve. Reside desde hace algunos años en Rennes en Francia. Su consideración aumenta día a día.

 

 

*Esta todo la he tomado de aquí.

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CRISTINA FALLARÁS, EN PORTADORES

Eva Cosculluela y Félix González remiten esa invitación a clientes, amigos y cómplices de Los Portadores de Sueños:

 

El viernes 15 de febrero a las 20h tendrá lugar en Los portadores de sueños (C/Blancas, 4 - Zaragoza) la presentación de ÚLTIMOS DÍAS EN EL PUESTO DEL ESTE, de la escritora zaragozana CRISTINA FALLARÁS (Ed. Salto de Página), novela que ganó el Premio «Ciudad de Barbastro» de novela corta en 2011. Acompañando a la autora, contaremos con la presencia de ANTÓN CASTRO.

 

Al terminar, tomaremos un vino por cortesía de las Bodegas Luis Alegre y brindaremos juntos por el éxito de la autora.

 

ÚLTIMOS DÍAS EN EL PUESTO DEL ESTE

Una mujer, la Polaca, sitiada con sus hijos y un pequeño grupo de resistentes. Su compañero, el Capitán, ha partido por vituallas y aguardan su regreso, cada vez con menos esperanzas. Los fundamentalistas —no sabemos exactamente quiénes son, aunque sí sabemos lo que son— han despedazado el mundo que conocemos y rodean la casa. Permanece cerrada, pero los sitiados pueden oír afuera la amenaza, los gritos en la noche, las uñas de los perros, los sacrificios. Mientras espera el desenlace ella construye con su voz un relato de amor desesperado, de rabia y de muerte.

Con un lenguaje, duro y febril, Últimos días en el Puesto del Este resulta un retrato poderosamente lírico de nuestros días, una metáfora de la hecatombe que la crisis ha instalado entre nuestras certezas.

«¿Digo que la leí de un tirón y que se me pusieron en los ojos lágrimas de emoción en las últimas páginas y que a la vez ese desenlace me dio miedo? ¿Digo que llegué a querer y, por supuesto, admiré a la protagonista? ¿Digo que todos somos el Capitán? (…) No. Sólo les pido que si se consideran lectores del siglo XXI y creen en la literatura de resistencia ideológica y están interesados en las novelas que hacen preguntas hondas que da miedo responder, ésta es su novela.»

Fernando Marías

 

LA AUTORA

Cristina Fallarás (Zaragoza, 1968) es periodista y escritora. Ha publicado los libros Rupturas (2003), No acaba la noche (2006), Así murió el poeta Guadalupe (2009), Las niñas perdidas (Premio L’H Confidencial de Novela Negra 2011, Premio del Director de la Semana Negra de Gijón 2012 y Premio Dashiell Hammett de novela negra 2012), convirtiéndose con este último en la primera mujer en recibirlo en toda la historia del galardón. Además cuenta con libros traducidos en Francia e Italia y tiene relatos dispersos por una docena de antologías de ficción.

 

Ha ejercido como periodista en El Mundo, Cadena Ser, Radio Nacional de España, El Periódico de Cataluña, Antena3 Televisión, Cuatro televisión, Telecinco y La Sexta, y el diario ADN. Ha creado y actualmente dirige la página de debate y libros y la editorial Sigueleyendo.es.

Últimos días en el Puesto del Este obtuvo el Premio Ciudad de Barbastro de novela corta en 2011.

 

13/02/2013 11:37 Antón Castro Enlace permanente. Escritores No hay comentarios. Comentar.

LUISA GAVASA, POR ALBERTO BONGIORNO

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LUISA GAVASA: RETRATO DE UNA ACTRIZ CON VERDAD

Luisa Gavasa es una actriz impresionante: llena la pantalla con su hondura, con sus gestos medidos, con su dominio del espacio y de la voz, con su energía. Se formó en Barcelona y con Mariano Cariñena en el Teatro Estable. Ha trabajado en teatro, cine y televisión, y siempre ha sido una rebelde apacible, una mujer de emociones que no va de nada. Mira el mundo y el mundo se tambalea: registra como un espejo o una cámara su verdad. La hemos visto en muchos lugares, pero sobre todo conmovía, de nuevo, en ‘De tu ventana a la mía’, en la calle Alfonso. Este año será distinguida por las Jornadas de Cine de La Almunia. Esta preciosa foto es de Alberto Bongiorno, que le ha hecho una de retratos y me ha cedido este para la página con absoluta gentileza.

13/02/2013 12:14 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

CARLOS CASTÁN: UN DIÁLOGO

Esta tarde, a las 20.00, en compañía de Ismael Grasa, Carlos Grasa presentará su libro ‘Polvo en el neón’, un proyecto literario que se ve enriquecido con las fotos narrativas y sugerentes del artista norteamericano Dominique Leyva, afincado en Huesca desde hace algún tiempo. El libro ha sido publicado por Tropo editores y ya ha sido publicado en varias ciudades. Un resumen de esta entrevista aparece hoy en ‘Heraldo de Aragón’.

 

“Quizás la única huida posible esté en la literatura”

 

 

¿Adónde lleva la Ruta 66?

 Geográficamente hablando va desde el lago Michigan hasta Santa Mónica en la costa Oeste de los Estados Unidos, es decir, va al océano pasando por kilómetros de desierto y un montón de ciudades a lo largo de varios estados. Desde un punto de vista más metafórico se supone que también puede acercar al viajero hacia algún lugar extremo de sí mismo hasta el que nunca antes había llegado. La perdición y la gloria han pasado mil veces por allí.

  

Querría saber: ¿has hecho esa ruta? ¿Cómo la definirías: es un territorio literario o un territorio musical?

En realidad nunca he hecho esa ruta. Mi fascinación por ella proviene tanto de la literatura (Steinbeck, Kerouac, Sam Sephard) como del cine (‘Paris Texas’, ‘Corazón salvaje’ y tantas otras), sin olvidar la música que contribuyó a hacer de ella un territorio legendario. He viajado mucho en ese modo, aunque por otras rutas del mundo, solo en el coche, con el mapa de carreteras en el asiento del copiloto, un cuaderno, unos cuantos CD’s y sin tener un rumbo demasiado claro, eligiendo sobre la marcha un lugar donde pasar la noche.

 

¿Cómo surge este libro: nace primero el relato, nacen primero las fotos, se gesta todo a la vez?

Nacen primero las fotos. Yo conozco a Dominique Leyve desde que hace unos cuantos años aterrizó en Huesca procedente de su Albuquerque natal. El fotografía escenarios que le son absolutamente familiares y cotidianos pero lo yo que veo en esas imágenes tiene que ver con la fascinación de lo lejano. Vi esas fotos por primera vez en un ordenador, como si fuera una presentación, una tras otra y comprendí que esa secuencia era algo así como el storyboard del relato que más tarde terminaría por escribir. Creo que es un tipo de fotografía muy narrativa, es casi imposible mirar una de ellas (y no digamos ya la serie completa) sin pensar algo en términos de historia.

 

¿Qué querías hacer: la crónica de un viaje, de motel en motel, como Sam Sheppard, o contar una historia de amor?

Ambas cosas. Aparece el amor entendido como un viaje con sus etapas, sus minutos intensos, sus pinchazos y sus contratiempos. Y también quiere ser una reflexión acerca de la idea de irse, del intento tantas veces repetido de querer salvarse poniendo distancia cuando a menudo las sombras que nos acucian forman en realidad parte del equipaje; de la imposibilidad de huir del todo de nada ni de nadie.

 

Hablemos de la historia: es como un relato de dobles parejas, una doble aventura. Quinn y Jessica; Sally y John Perkins..., y a la vez es una peregrinación. ¿Es la Ruta 66 el escenario ideal de una aventura de amor?

Cualquier escenario sirve para una aventura de amor, pero me gustan las connotaciones que tiene la carretera, los lugares de paso, todos esos espacios que no están en un lugar ni están en otro sino en el camino, como un paréntesis abierto en medio del mundo. La ruta permite además jugar con conceptos como velocidad, distancia, lejanía y extravío; muestra muy plásticamente esa salir en busca de algo dejando atrás cosas y mundos enteros.

 

Dices: “Irse era para Quinn el pánico y a la vez el nombre de la felicidad”. Me parece que esta frase resume el espíritu del libro ¿no?

Sí, ahí subyace un poco esa contradicción entre el deseo de ser otro, de ensanchar al menos la propia vida y perseguir la intensidad, por una parte, y por otra la querencia a nuestro rincón de siempre, a nuestro propio descontento que, por conocido, no deja de ser una especie de hogar con sus comodidades y su calidez. Y aparece el miedo a la intemperie que pueda estar aguardándonos tras esos límites, las cautelas, el temor a arrepentirse después.

 

¿Qué sucede en las áreas de servicio?

En realidad casi nada: gente que reposta, que estira las piernas, que se refresca un poco. Pero a mí me gusta verlas como templos del azar, puntos en medio de la nada donde las historias de los hombres se cruzan unas con otras pudiendo llegar a enmarañarse. Sobre esa gran superficie de asfalto con manchas de aceite hay un bullir de gente de paso. A escala, es lo mismo que sucede sobre nuestro planeta.

 

¿Cuál sería el encanto de los moteles, tan literarios?

Creo que, aparte de las innegables referencias cinematográficas que a todos nos sugieren, puede tener que ver con eso que comentaba antes de que se constituyen en nuestro imaginario a modo de lugares al margen del mundo, a resguardo de las miradas y hasta del peso de la ley, lo que hace que los relacionamos con amores clandestinos, escondrijos de criminales y todo lo demás.

 

Otra frase perturbadora, que tiene mucho que ver con nuestra vida también y con nuestra incertidumbre: “Los padres viajan toda la noche hacia el lugar de la tragedia”. ¿Por qué?

Es cierto, van siempre ahí, arrastrando todo su cansancio, con fuerzas o sin ellas, arruinados, cojos, pero van. Si están a tiempo tapan la hemorragia con sus propias manos; si llegan demasiado tarde mueren también ahí de alguna manera, en las cunetas, en las salas de espera de los hospitales. Siempre me ha interesado el tema de la angustia asociada a la paternidad, esa especie de condena. Y también la cuestión de cómo repercuten nuestras decisiones en esos espectadores de nuestra vida que son los padres. Espectadores por lo general con localidades bastante malas, que lo ven todo desde lejos y esquinado, que no saben de la misa la media pero a los que les va la vida en lo que sucede en escena.

 

Otra frase: “El amor tiene naturaleza de pregunta (...) Dudar es ya amar”.

Pascal cuenta que Dios le dijo algo así como “si estás buscándome es porque ya me has encontrado”. Cuando alguien se sorprende cuestionándose a sí mismo acerca de si se ha enamorado, generalmente es ya demasiado tarde. Ya se ha visualizado, todo lo borrosamente que se quiera, un futuro. Ya el mundo a su alrededor es otro.

 

¿En qué medida todo el viaje es también una toma de conciencia, la constatación de un error? Insisto: ¿Para qué sirven los viajes?

 

Como la literatura y el arte en general, los viajes nos ponen en contacto con otras realidades, abren ventanas por todas partes, nos conducen a gentes y parajes que no habríamos podido ni imaginar. Necesitamos viajar de la misma manera que necesitamos leer, para obtener el ensanchamiento de un mundo que a menudo se nos antoja escaso, limitado y repetido. Viajamos y al regresar encontramos nuestro espacio habitual más habitable de lo que era, pero el bagaje interior lo traemos de vuelta a casa prácticamente intacto: ahí siguen los miedos, las preocupaciones, roto lo que estaba roto. Existe una tendencia a pensar que la vida (la intensidad, la magia) está en otra parte, y creo que es un error común, aunque puede que inevitable, entender eso en términos espaciales. Quizás la única huida posible esté en la literatura.

 

¿Por qué siempre hay un tono de desgarro, de dolor, de inefable melancolía en tus libros?

Me ha interesado siempre el tema del descontento en general, de la insatisfacción humana, la dificultad de ser felices en un sentido muy amplio que iría desde las pequeñas frustraciones más o menos domésticas y cotidianas hasta las raíces últimas de la angustia y la locura. He procurado mediante la escritura ahondar en eso y en la distancia insalvable entre la realidad y el deseo, intentar darle forma a lo que sentimos que nos falta.

 

¿Qué músicas se oyen en la Ruta 66?

Hay una canción de la ruta por excelencia que compuso Bobby Troup en 1946 titulada Gets Your Kicks On (Route 66) y que después ha conocido versiones de todo el mudo: Nat King Cole, Chuck Berry, The Rolling Sotenes, Depeche Mode, Manhattan Transfer, John Mayer, The Cheeta Girls, Pappo, Bob Dylan… Yo echaría también en la guantera mis discos de Johnny Cash, Nebraska de Bruce Springsteen y algo de Willy Neville.

 

Has entregado una novela a Destino, ¿qué nos puedes decir de ella?

Se publicará seguramente en septiembre de este año y es, en muy resumidas cuentas, una historia de amor y violencia, de tono intimista y con ciertos ecos existenciales, que quiere tratar también sobre la cuestión del sentido de las cosas, el peso de lo ya vivido, el deseo, la culpa, el cansancio. Ante todo es la peripecia y la circunstancia de unos pocos personajes medio perdidos, en plena búsqueda de su ración de dicha, en nuestra ciudad, en nuestro tiempo.

 

RAMÓN ACÍN: DOS CUENTOS

Ramón Acín Fanlo, escritor y crítico literario, está trabajando en un nuevo proyecto literario. Me envía estos dos relatos, y dice: “Forman parte de mi libro inédito titulado Monte Oscuro, que, en gran medida, en su conjunto, se centra en una ciudad -y su atmósfera- reconocible, con los Pirineos al fondo, cómo no. Son cincuenta relatos que pueden leerse individualmente, pero que, a su vez, conforman un libro compacto en torno a la familia con circunstancias de todo tipo”

 

DOS RELATOS DE RAMÓN ACÍN

 

 

 

CARTÓN PIEDRA, SIN CUENTOS

 

Que no venga con cuentos.  Aunque le comprendamos –conocemos su calvario- puede decir cuánto quiera y lo que quiera, pero, por lo general, la realidad es tozuda.  Ésta, abogado,  es la verdad: Su progenitor fue un tarambana miserable que, además, de quemar la herencia familiar, necesitó que muchas veces sus concuñados, nuestros respectivos padres, le sacasen del apuro. Él supo, desde siempre, sin lugar a la duda que, así, sus concuñados cortaban de raíz el lacerante llanto de las respectivas esposas, sus hermanas pequeñas, nuestras madres. Era muy consciente de ser el mayor de la estirpe y de que por ello, como tal,  podía ejercer el dominio. Desde muy  niño. Todos en la ciudad estaban al corriente de que, en la Casa, apenas se le presentaba una ocasión, sacaba a relucir alguno de sus encantos y que, después, no dudaba en ejercer su condición de embaucador. Cayese quien cayese, aunque el sacrificado fuese carne de su carne.  Sí, abogado, fue en la niñez -¿quién puede dudarlo?- cuando forjó esa variopinta maestría suya para hacer uso de las añagazas. Por eso mismo, sus hermanas, nuestras madres, más que hermanas, fueron su mejor probeta de ensayo y, por supuesto -¿alguien lo duda?-, víctimas. Ahí nace y reside la permanente influencia sobre ellas. Y, de rondón, también, sobre sus concuñados quienes, una vez tras otra, comprendieron  muy bien cuál debía ser la manera de su proceder: antes de ahogarse y ahogarnos a todos en un valle de lágrimas familiar, prefirieron soltar los cuartos o, incluso, aunque la vergüenza les corroyese, mover los hilos de sus amistades en las alturas. Porque sonrojo de verdad es lo que en la familia se ha padecido, pese a haber evitado la ignominia. En muchas ocasiones ante los agremiados, amigos o, como dice él, ante nuestros conmilitones, se vieron forzados a obrar contra su voluntad. No seremos nosotros quienes ahora aticemos la hoguera, pero, usted sabe bien, abogado, que, en la ciudad, aun está muy viva, porque se comenta a menudo, la más sonada de sus hazañas; aquella en la que sus concuñados, con su aval, cubrieron la deuda contraída en la más famosa partida de póquer de la región. Famosa porque, pese a los años, todavía anda en boca como la línea roja que nadie debe traspasar. Nos referimos, abogado, al fatídico amanecer en el que nuestros padres, como ángeles custodios, acudieron malvestidos para cubrir el farol –un miserable trío- que él había avalado con su hija mayor que “aún era virgen”. Fue, precisamente, esa barbaridad  ofrecida como prenda lo que movilizó a nuestros padres, sacándoles de la cama y viajando con el alma en vilo tantos kilómetros. Y todo para ver -eso aseguraron ellos varias veces- cómo él sorbía el humo de su puro, detrás del que, en apariencia, pretendía disimular y desleer la verdad de su mirada. Entre la supremacía y la súplica, pero jamás ni un viso de agradecimiento. Una barbaridad muy semejante, abogado -también nos la relataron- a la de su adversario, un caradura parecido, que no tragó la bravata y pujó fuerte, más retador todavía. Y, como ya conoce, la algarabía fue de tal órdago a la grande que, por milagro, no acabó en tragedia, pues la sangre tenía ya todas las compuertas abiertas.  Varios prohombres de la ciudad –entonces aún jóvenes-, asustados, hicieron de bombero conteniendo al retador y permitiendo que nuestros padres, los concuñados del tarambana, acudieran con la ya consabida lluvia de billetes y de esta manera que nuestra prima salvase su virginidad.

 

DE “PIEDRA” EN “PIEDRA” Y JUEGO PORQUE ME TOCA

 

De tal palo, señoría, tal astilla. El refrán acierta. No quiero cargar las tintas, sólo acudir a la realidad que es verdad, la verdad. Sin intereses de por medio. Simplemente, concretar lo que sucedió y cuanto sucedió. He admitir que era guapa, muy guapa, pero también que sabía –lo sé- que era –espero que aún no haya dejado serlo-  tía carnal. Como afirmaba la abuela, la naturaleza –en concreto, ella hablaba de Dios- le había dotado de esa hermosura que encela a los hombres inclinándoles a la sinrazón. Yo, no puedo probarlo, porque apenas la traté. Que recuerde, tan sólo unas semanas, en verano, cuando vino a la Casa para curarse de una tisis.  Aún vislumbro su indolencia sobre la cama durante los primeros días de su enfermedad. Maliciosa, torciendo el rictus mientras yo, asombrada, miraba aquello a hurtadillas Me llevaba más de diez años. Por aquel entonces, señoría, yo tendría  siete u ocho, quizá nueve. Luego, después de ese verano sanador, ella marchó a Londres. A perfeccionar su inglés, creo. Y ya perdí su pista hasta quedar convertida en una difusa fotografía, agrietada y sin el brillo de la vida. Quizá, no tan agrietada y sin brillo como en el resto de mi familia que, supongo, alguna noticia tendrían de sus andanzas. Porque, en aquel tiempo, nuestros padres aún se cruzaban cartas con ella.

Se desgajó así de mi vida de manera muy simple. Cubriéndose poco a poco de sombras, oscuridad y, olvido.  Ella, y todo cuanto sucedió mientras se recuperaba de su postración, fue desliándose como el paseo militar de las sombras cuando mordisquean la luz hasta transformarla en tiniebla y negrura.

Supongo que lo que hacía conmigo, también lo haría con otras. Digo, supongo. Sin embargo, sí puedo decirle que era ladina, no en un sentido de indecorosa, que también, sino en el de la pericia. Cegaba, una a una, todas las salidas posibles para que no tuvieras más remedio que aceptar lo que ella proponía. Lo que se proponía. Primero encelaba y, cuando, vislumbraba atisbos de incomodidad en su contendiente, empujaba a lo incierto y, así, sucesivamente hasta que una caía rendido a sus pies.  Ahora creo que la normalidad le resultaba aburrida y que necesitaba no amputarse los arrebatos más íntimos. La locura era su tabla de salvación. La demencia de esperar lo imprevisible, sabiendo que ésta nunca llega del todo. Tal vez, así  escapaba a la vida. Y se saciaba. Por eso, me reafirmo en lo de tal palo tal astilla.

El niño, señoría, me recuerda a su madre, mi prima agrietada y sin brillo.

15/02/2013 11:34 Antón Castro Enlace permanente. Escritores No hay comentarios. Comentar.

CITA CON MANUEL PEREIRA, POETA

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EL POETA MANUEL PEREIRA, HOY, A LAS 19.00, EN EL COLEGIO JOAQUÍN COSTA

Esta tarde, en el colegio Joaquín Costa, a las 19.00, Manuel Pereira, un gallego de Ouzande-A Estrada (Pontevedra) que estudió y se formó en Zaragoza, presenta su nuevo poemario: ‘Interior con frutero y heridas / Interior con froiteiro e feridas’, que publica Aqua e ilustra Ana Cristina Lapiedra con una colección muy personal de grabados. Manuel Pereira vivió aquí el despertar a la vida, al arte, a la creación y a un sinfín de sensaciones. Habla de los días del colegio, del clima hostil, de los días de cine, de alguna pelea (de golpe se descubría entre los escasos amigos del perdedor), del Tubo, de los bocadillos o del fútbol de ‘Los Cinco Magníficos’. O de aquella profesora francesa, Nicole, a la que todos veían pasar. Entre los textos, de evocación y recuperación, de fijación del almanaque de los horas y circunstancias en la memoria, hay este poema vinculado al cine, a la película ‘La hija de Ryan’. Entre otros amigos, estaré con Manuel Pereira y Ana Cristina Lapiedra en la presentación. Lo copio aquí en castellano.

 

Algunas películas quedan para siempre.

Inauguran algo en nosotros.

Era una historia de lealtad, amor,

traición, valor y desprecio.

Una playa inmensa,

la música de Maurice Jarre,

y un oficial inglés desabrochando

la blusa de Sarah Miles.

La titulaba ‘La hija de Ryan’, la vi en el

teatro Fleta y al salir todo había cambiado.

XIV: PREMIOS DE LA MÚSICA ARAGONESA

MÁS SORPRESAS EN LOS XIV PREMIOS DE LA MÚSICA ARAGONESA

Habrá alguna actuación no anunciada así como el lanzamiento de una nueva actividad del colectivo Aragón Musical.

Aragón Musical sigue aportando nuevos datos sobre la gala del próximo lunes, 18 de febrero, a las 20h, en el Teatro Principal de Zaragoza. Al parecer los XIV Premios de la Música Aragonesa van a contar con más de una sorpresa. Por una parte, desde Aragón Musical, aseguran que va a haber alguna actuación inesperada, pero, además, en el transcurso de la jornada, anunciarán la puesta en funcionamiento de una nueva actividad como colectivo.

Estos son los escuetos datos que han aportado tras informar hace solo unos días de que el Premio Global de la Música Aragonesa de este año recaería en Loquillo que ha asegurado ya su asistencia a la gala. También aportaron el nombre de las últimas nominaciones que quedaban por difundirse así como el anuncio de que gracias al apoyo extra del Ayuntamiento de Zaragoza así como de la empresa Insertos, el acto podrá televisarse de nuevo en directo desde aragonmusical.com y aragonmusicaltv.com. También se hará en diferido desde ZTV y distintas televisiones de las tres provincias aragonesas.

La gala de este año contará con las actuaciones de The Faith KeepersLírico y Gavy Sander’s & Los Vibrants. Además, Gavy, recogerá el Premio Especial a una Trayectoria como despedida definitiva de los escenarios tras más de medio siglo desde sus inicios como pionero del rock en Aragón y en España.

Más que nunca, la labor de los patrocinadores ha sido esencial, y su esfuerzo mayor que nunca: Ayuntamiento de ZaragozaCovah y Ámbar.

Los nominados en los XIV Premios de la Música Aragonesa son:

 

Mejor Grupo:
Cube
RedRum
Tako
The Faith Keepers

Mejor Solista:
Aer
Bunbury
David Sancho
Lírico

Mejor Álbum:
“A la Deriva” de Interlude
“De Vito” de De Vito
“Leap of Faith” de The Faith Keepers
“Un antes y un después” de Lírico

Mejor Tema Musical:
“Canción para Dimitris” de Joaquín Carbonell
“Coche” de Aer
“El Alma Atada” de Tako
“A fuego lento” de Lírico

Mejor Directo:
Amaral
Dadá
Después de Todo
The Faith Keepers

Mejor Álbum Autoeditado:
“Envasado en hechos reales” de Guisante
“Iluminando los Colores” de Mister Hyde
“Origen” de Cube
“Recuerdos del Futuro” de Aer

Mejor EP:
“Canciones con(de) Coraz(i)ón” de Stabilito & The Space Oddithree
“Interludio” de Pecker y Manso
“La Revolución de Terciopelo” de Crisálida
“Try” de The Bärds

Mayor Proyección:
Amorica
Esparatrapo
Mercury Rex
Ticket

Mejor Programación:
Avv Arrebato
El Veintiuno
Pirineos Sur
Sala López

Mejor Portada:
“Envasado en Hechos Reales” de Guisante por Münster Studio
“Iluminando los Colores” de Mister Hyde por Gustaff Choos
“Leap of Faith” de The Faith Keepers por Raúl Mest
“Zona Hostil” de Urban Contack Clan por Isaac Mahow

Mejor Vídeo:
“Licenciado Cantinas” de Bunbury dirigido por Alexis Morante
“Hoy es el principio del final” de Amaral dirigido por Alberto Van Stokkum
“Subir los Colores” de Limnopolar dirigido por Iván Castell
“Tanto te dirán” de Aer dirigido por Beatriz Abad

Mejor Canción en Lengua Autóctona Aragonesa:
“A mía Tierra” de Jesús Viñas
“Mosica, Parola y Movimiento” de Prau
“Olivera d’ Aragó” de Ángel Villalba
“Os Pietz en a Tierra” de Prau

Mejor Producción:
“Envasado en hechos reales” de Guisante por Rafael Domínguez
“Las Campanas de la Vergüenza” de Tako por Daniel Alcover
“Origen” de Cube por Jorge Escobedo
“Un antes y un después” de Lírico por Lírico y R de Rumba

Mejor Disc Jockey:
DJ Pendejo
DJ Potas
R de Rumba
Simon Zico

Mayor Apoyo:
Mondosonoro
Pablo Ferrer
Periferias
Ztv

Mejor Web:
Aragón Metal
Aragón También Tiene Sed
Capitán Lillo
Zaragoza Conciertos

Los medios de comunicación, podrán disponer de los distintos artistas nominados en el photocall, desde media hora antes del comienzo de la gala.

17/02/2013 00:42 Antón Castro Enlace permanente. sin tema No hay comentarios. Comentar.

SACRISTÁN, POR SERGIO CASADO

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[Sergio Casado es un cinéfilo incansable, pero también es biógrafo de Sinead O’Connor, Enya o Alanis Morrisette. Ha publicado un libro sobre Adolfo Aristarain, trabaja en otro sobre Mario Camus y siempre está lleno de proyectos. Uno de ellos es, con la ayuda de algunos amigos, la reapertura de los cine Renoir, donde trabajaba. Acaba de publicar en Soyuz este artículo sobre José Sacristán, que, esta noche, podría recibir el premio Goya a la mejor interpretación por ‘El muerto y ser feliz’ de Javier Rebollo. Cuelgo aquí esta foto y la foto de Sergio con Luis Alegre y José Sacristán.]

  

El Actor Labrador

 

 

“Estimo a quien de un revés

echa por tierra un tirano:

lo estimo, si es cubano;

lo estimo, si aragonés”.   

José Martí.

 

 Por Sergio CASADO

Daba la impresión de no ser casual entrar en la sala Amparo Poch (anarquista y librepensadora) del Paraninfo de Zaragoza con tiempo de sobra.   Apenas había todavía periodistas en una fría tarde de Enero, así que pude acercarme a la placa con la cita de José Martí.  La apunté en una pequeña libreta mientras esperábamos a Pepe Sacristán, que venía a Zaragoza, al Teatro Principal, a representar su nueva obra “Yo soy Don Quijote de la Mancha”.

 

La tiranía de estos días, de la ignorancia, del conformismo, del desánimo, siempre estuvo ahí, como tal.   Pero a veces parece atenazarnos, recordarnos con más fuerza que está a nuestro lado, permanentemente.  Pepe Sacristán nos estrecha la mano con fuerza, sonriente, con un espíritu joven.    Tiene setenta y cinco años, pero su voz honda, serena, no es la de alguien cansado de vivir, sino la de alguien lúcido, sano, muy vivo.   Mientras se sienta, pletórico, su voz inunda la sala: “Aquí no hay nada que celebrar.  De momento”.  

 

Luis Alegre le pregunta por su momento de oro, actual, el del éxito de su obra teatral y sus recientes trabajos para el cine en “Madrid, 1987” y “El muerto y ser feliz”, dos películas arriesgadas que él engrandeció y le engrandecen a él.  El premio Goya parece esperarle este año, pero él no parece tomarlo en serio (“¡si no lo gano, peor para mí!”) y de inmediato intenta dejar claro que el Sacristán actor es también Sacristán ciudadano, mientras comenta y se indigna por el esperpento cotidiano de periodistas falsas pagadas a precio de oro, o tesoreros con cuentas en Suiza.   Insiste en que el Sacristán cómico y el Sacristán ciudadano van de la mano, deseando pensar “que somos de alguna utilidad al que nos escucha”.  En varias ocasiones, en esta sala, y después en el Aula Magna, recordará la figura de Fernando Fernán-Gómez, espíritu que le guía, al que admiró y sin duda quiso parecerse.  Quizá, pensó el joven Pepe Sacristán, si se esforzaba, si dedicaba su máximo interés a la interpretación, a su oficio, podría soñar con ser algún día un actor de auténtica talla, como Fernán-Gómez.  Así que se refiere a la necesidad, que aprendió de Fernando, de no descuidar el trabajo del actor respecto a la sociedad.

 

¿Qué sucedió? ¿Cómo ha llegado a ser el que es?  Sacristán era hijo de un republicano que estuvo en las cárceles franquistas, militante del partido comunista en la clandestinidad: “Vengo de la Castilla campesina de los años treinta”.  Actor labrador, pero que se define sanchesco de origen y quijotesco de aspiración.  Aquel joven Sacristán de la posguerra vivía con su familia, todos juntos, cinco en una habitación, aprendiendo en clases con profesores republicanos represaliados, que en lugar de imponerle oraciones por las noches, le leían un trocito del Quijote.

 

Un actor que sabía lo que es el hambre, un actor labrador con sabañones, que no quiso ser mecánico, y que haciendo el servicio militar en Melilla, declaró la guerra a la tiranía de la ignorancia, de no saber, de no leer, de no formarse.  Sacristán compró el libro de Stanislavsky, la preparación del actor, y como aficionado primero, luego con pequeños papeles, estaba dispuesto a todo por no conformarse en la oscuridad franquista.  De las bibliotecas públicas a las lecturas recomendadas por compañeros y amigos, y de ahí a trabajar cuantas horas fueran necesarias.  Recuerda hacer siete papeles distintos en una representación de “Julio César”, en 1964.  

 

La vida es a menudo representación, y nada mejor para un actor que pasar por Zaragoza, por el Teatro Principal, que es la Vida, y referirse a la interpretación como a un juego (“Es como un juguete, divertido”).  La vida también es juego.  El Juego.  Y Sacristán se empeñó en ganar en ese Juego.  Sin él la vida sería un absurdo para él: “Si no estoy ahí no me divierto”.  Por eso cuando le pregunto que significa para él trabajar en el Teatro Principal de Zaragoza, sonríe: “¿Cómo me preguntas eso, si ya sabes la respuesta?”  Le respondo que quiero escucharlo en sus palabras y sitúa el Teatro Principal entre lo mejor de lo mejor: “Estar en el Teatro Principal es un privilegio”. 

 

“Aquel crío de Chinchón vio una película en su pueblo y quiso ser aquel comanche, mosquetero, gángster...”  Son sus palabras.  El origen de ese inconformista que de nuevo vuelve a Fernando Fernán-Gómez.  El sueño de ser como él, de tener su estatura, de seguir la disciplina que él le aconsejaba, pero desde la humildad: “La cultura de Fernando era inmensa”.

 

Sacristán, ya actor, duda de todo, como buen lector. Vuelve a referirse a la incertidumbre de estos días, a la necesidad de tener una voz propia. ¿Lee el periódico todavía, cada día?: “Tengo que comprar más de uno.  No me fío y después de leerlos todos me fío menos”.

 

Desde su debut con Fernando Palacios en “La familia y uno más” (1965), el conformismo nunca llegó y por eso Sacristán ya no sólo se alimentó y aprendió del trabajo de los compañeros, sino también de los grandes papeles, teatrales y cinematográficos, como el Martín Marco de “La colmena”, el Carlos Galván de “El viaje a ninguna parte”, o el geólogo Hans Mayer Plaza de “Un lugar en el mundo”.

 

Y Sacristán podía trabajar en musicales, siendo ya ese Don Quijote que soñaba ser, en “El hombre de la Mancha”.  Actor labrador y cantante. Y ya la minúscula se hacía mayúscula, Actor, como el Maestro Fernando Fernán-Gómez.  Antes de que los fotógrafos le retraten en el Paraninfo, su ejemplo, la figura en la que se ha convertido, resuenan en su reflexión, en la necesidad de “presentar batalla a la necedad y el atropello”.  Continúa: “Hemos estado alimentando al monstruo y nos tiene cogidos por los huevos”.  Así el arte se convierte en un instante de felicidad, ese juego al que se refiere, pero el ciudadano, formado, luchará como actor para que además de ese instante de felicidad exista, quepa también una reflexión: “Quiero salir todos los días a librar la batalla de la dignidad, incluso de la alegría, de la felicidad y la lealtad”. 

 

Lo ha logrado. Pepe Sacristán es Fernando Fernán-Gómez. Pepé Sacristán es Don Quijote.

 

 

17/02/2013 15:01 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

GABRIEL LATORRE, GALAGAR

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EL OTRO GABRIEL LATORRE: EL FOTÓGRAFO NECESARIO
Gabriel Latorre se crió, como actor, al amparo de la inolvidable Pilar Delgado en La Taguara. Luego, con una magnífica versatilidad, fue haciendo muchas cosas: teatro, cine, televisión. Siempre con una calidad difícil de definir: con oficio, con hondura y con sensibilidad. Con el inadvertido primor de los secundarios imprescindibles. Pero Gabriel Latorre tiene varias vidas: una de las más activas y sólidas, más allá de la interpretación, es su condición de fotógrafo. Fotógrafo con vocación artística, fotógrafo que también documenta lo que sucede, lo que sueña, lo que imagina, lo que le atrapa o le incomoda. Merced a su gran gentileza, hoy muestro aquí una selección de su obra. Hay de todo: retratos, formas, piezas teatrales, puesta en escena, sueños... Como fotógrafo, Gabriel Latorre se hace llamar también Galagar: Gabriel Latorre García. Los artistas son así: artistean hasta con el nombre.

17/02/2013 17:09 Antón Castro Enlace permanente. Fotógrafos No hay comentarios. Comentar.

PEREIRA EVOCA A LOS LABORDETA

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MANUEL PEREIRA RECORDÓ A LABORDETA

EN EL COLEGIO JOAQUÍN COSTA


La noche del sábado, en el salón de actos del colegio Joaquín Costa, con su bella cúpula, Manuel Pereira Valcárcel (Ouzande, A Estrada, Pontevedra, 1955) presentó su poemario ‘Interior con froiteiro e feridas /Interior con frutero y heridas’ (Aqua), que es una gran declaración de amor a Zaragoza, donde vivió entre 1967 y 1973. Aquí estudió y gracias a Nazareth Fernández Teso descubrió su vocación literaria. Nazareth estuvo en el acto sus folios de perfecta caligrafía, con la ilustradora y grabadora Ana Cristina Lapiedra y conmigo. Fue una jornada muy especial: se leyeron poemas en gallego y castellano, Nazareth recordó la gran sensibilidad del poeta, Ana Cristina leyó una carta a Manuel (él le envía en su poemario una carta a ella) y Manuel homenajeó a Miguel Labordeta, leyendo ‘Retrospectivo existente’, y a su hermano José Antonio, del cual contó varios chistes, entre ellos aquel de la anciana a la que le mandan repetir unas frases y ella dice: “... sí, sí, lo dice por lo del plano y el contraplano”. Curiosamente, en una tarde de muchas emociones, estaba en la sala el hombre que proyectaba las películas, sobre todo películas del Oeste con una bella dama. En el acto hubo muchos familiares y amigos, alrededor de un centenar o más, entre ellos el nieto de Manuel y Chus, que puso una hermosa música a las palabras y a los versos de su abuelo. El autor, tras la hora y media de recital, estuvo más de una hora dedicando sus libros; Ana Cristina Lapiedra hizo lo mismo. Entre otros muchos, anduvieron por allí Lourdes Frajo, Berta Lombán, Rafael Lobarte o Mónica Pasamar...
Cuelgo aquí el poema a José Antonio Labordeta:


JOSÉ ANTONIO LABORDETA

Lo escuché por primera vez poco antes de marchar,
o poco después, no recuerdo bien, pero siempre
tuve cerca su música de coraje y tierra,
sus canciones de aullido y ansia.
Tantas voces, su voz.
Tantos caminos, su camino.
Tantas vidas, su canto.
Los yermos, los barbechos, la sombra de la casa del padre,
lo recuerdan como un hombre sin más.
Alguien que se llama José Antonio Labordeta.

 

Miguel Labordeta por Cano.

Gigliola Cinquetti, recordada también por Pereira.

En la foto de arriba, José Antonio Labordeta, por Cano.

18/02/2013 01:57 Antón Castro Enlace permanente. Escritores No hay comentarios. Comentar.

LA NOCHE DE ARAGÓN MUSICAL

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UNA NOCHE DE MÚSICA, DE SONIDOS,

DE PROYECTOS Y DE FUTURO

 


Maravillosa noche de música, cariño, de autoestima en los XIV premios de la Música Aragonesa que concede Aragón Musical. 18 galardones y muchos ganadores: The Faith Keepers, Lírico, Rafa Domínguez Guisante, Aer, Tako, Crisálida, Ticket, Pirineos Sur, Limnopolar e Iván Castell, Prau, Dj Potas, Gustaff Choos, Mondosonoro y Aragón Tiene Sed. Y con ellos, o detrás de ellos, también ganaron un sinfín de profesionales. Recibieron premios especiales tanto Loquillo, que recordó con la ayuda de Gabriel Sopeña, a su padre de Chiprana y su pasión aragonesa (que incluye al propio Sopeña y a José Lapuente, entre muchos otros nombres),  como Gavy Sander’s. Gavy, un precursor del rock en Aragón y un magnífico bailarín todavía, dijo: “Como el aplauso es la comida del artista, yo hoy ya voy cenado”. Loquillo cantó ‘No volveré a ser joven’ de Jaime Gil de Biedma y Gavy se marcó dos temas con los magníficos The Vibrants, que tienen un poderoso directo. Daba gusto oírlos. Tocaron, además, los enérgicos The Faith Keepers, que pidieron a la gente que se pusiera de pie para bailar mejor, Rafa Guisante (que realizó una versión más eléctrica de ‘El libro de los sueños’) y Lírico, en un homenaje a Zaragoza. Hubo mucho humor (Miguel Mena y David Marqueta lo bordaron: Miguel llevaba una camiseta que decía ‘He venido aquí a hablar de mi libro’ y lo hizo con humor al recordar que ‘Todas las miradas del mundo’ estaban puestas sobre ellas y David, por fin, se confesó: “Sí, yo soy el hombre de las jotas”), Beatriz Pitarch y Raúl Zeta escenificaron su boda en el escenario (ella deslumbrante con un vestido de papiroflexia) con un juez inesperado: Juako Malavirgen.

Noelia Gracia y Alejandro Montserrat reivindicaron su intervención flamenca en el pregón, y al final David Chapín y Sergio Falces recibieron todo el cariño del mundo y la confirmación de algunos apoyos necesarios: de Covah, de Ámbar y del Ayuntamiento de Zaragoza. El Gobierno de Aragón ha dado la espantada: lo cual es bastante raro; en la intimidad y entre los amigos, Humberto Vadillo se confiesa, y creo que es cierto, un fan del rock and roll y de muchos grupos. Como siempre, Virginia Martínez sostiene el pulso de la gala con gracia, con seguridad y con convicción. Una estupenda actriz y una buena presentadora, que se marcó un dúo muy graciosa con la simpática María de Miguel, la directora de ‘Bien dicho’. Es una auténtica lástima que Aragón Televisión no transmita la gala.

 

*The Faith Keepers. Una foto de Paola Berné que hoy reproduce Heraldo.es.

19/02/2013 09:07 Antón Castro Enlace permanente. Músicos No hay comentarios. Comentar.

PREMIOS DE ARAGÓN MUSICAL

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Uno de los momentos más destacados de esta gala de entrega de los XIV Premios de la
Música Aragonesa
, y probablemente de todas las ediciones, ha sido
la actuación sorpresa deLoquillo y Gabriel Sopeña mano a mano. Loquillo acudía al Teatro
Principal a recoger el Premio Global de la Música Aragonesa pero la organización
no había anunciado actuación alguna, menos con Sopeña, compañero de fatigas. No
menos destacado ha sido el último directo del pionero del Rock Gavy
Sander’s
. El artista aragonés se ha despedido de los escenarios medio
siglo después de sus inicios recogiendo el Premio Especial a una
Trayectoria.


Otra sorpresa de esta edición, presentada de nuevo por la showoman Virginia
Martínez
, la ha puesto el directo de Guisante –Mejor  Producción- y un anuncio por parte del colectivo organizador Aragón Musical de una nueva actividad: si fueron pioneros en sacar
adelante el primer portal dedicado íntegramente al seguimiento del panorama
musical aragonés, ahora vuelven a serlo, gracias a la labor de Antiestudio,
poniendo en funcionamiento la primera aplicación de móvil dedicada al completo a
agenda, noticias y demás actualidad musical de Huesca, Teruel y Zaragoza.


Esta  gala que a punto estuvo de abandonar el escenario del Teatro Principal por falta
depresupuesto tras anunciar el Gobierno de Aragón a última hora que retiraba el 100% de su
patrocinio, ha resultado ser la más completa de la historia de estos premios.
Esto ha sido posible gracias al apoyo extra del Ayuntamiento de
Zaragoza
junto al esfuerzo de la empresa de sonido e iluminación Covah así
como de cervezas Ámbar.


The Faith Keepers ha sido el grupo más premiado llevándose tres categorías:
Mejor Grupo, Mejor Álbum por “Leap of Faith” y Mejor Directo. Han roto el hielo
con un vivo y una puesta en escena que han dejado el listón del resto de la
jornada muy alto. Lírico –que se ha llevado la categoría a
Mejor Solista- ha protagonizado otra de las actuaciones más aplaudidas. Hemos
vivido otro momento de especial intensidad con una boda en
directo desde el propio escenario del teatro musicada por Los
Vibrants
-banda que ha acompañado a Gavy Sander’s-. Es
prácticamente lo único que faltaba por realizarse en una celebración de estos
premios que nuevamente han sido televisados en rirecto desde aragonmusical.com yaragonmusicaltv.com y que a  partir de mañana podrán verse desde ZTV y distintas
televisiones locales de Huesca, Teruel y Zaragoza.


El
grupo con mayor proyección ha sido Ticket. Aer ha obtenido el
reconocimiento a Mejor Álbum Autoeditado por ‘Recuerdos del Futuro’. ‘El Alma
Atada’ de Tako se ha llevado la categoría a Mejor Canción, ‘La
Revolución de Terciopelo’ de Crisálida a Mejor EP y ‘Os Pietz
en a Tierra’ de Prau a Mejor Canción en Lengua Autóctona
Aragonesa. Iván Castell ha recibido el reconocimiento de Mejor
Vídeo por ‘Subiendo los Colores’ de Limnopolar y Gustaff Choos el de Mejor
Portada por ‘Iluminando los Colores’ de Mister
Hyde
. Pirineos Sur ha inaugurado la categoría de Mejor
Programación. DJ Potas ha recogido la estatuilla a Mejor
DJ, Aragón También Tiene Sed –Conducida por José Carlos
Borja
- a mejor Web y Mondosonoro Aragón a Mayor
Apoyo.


Alejandro Monserrat y Noelia Gracia, protagonistas de la injusta
polémica del último pregón de las Fiestas del Pilar, han hecho la entrega a
Mejor Directo reivindicando la música, y también el flamenco, como patrimonio
universal. David Angulo -diseñador gráfico, músico y actor
deOregón Tv- ha sido quien ha roto el hielo de la entrega de
trofeos guitarra en mano. Los periodistas Miguel Mena y David Marqueta también han sido entregadores
junto a otros personajes de la vida cultural aragonesa
como Kase.O, Sho Hai, María José
Hernández
,Carlos Estella, Antón
Castro
, Diego Peña, Antílope, Jorge
Nebra
, José Azul (diseñador de las
estatuillas), Carlos Morte Azorín del Roscón
Rock
, Alejandro Castro del Foro No Virtual
para Músicos Aragoneses
, Óscar Senar de
los Premios del Cómic Aragonés, el dibujante Javier
López
y el programador cultural Tomás
Gómez
. Tea Fm, ganadores durante 2013 del Premio Ondas
a la Innovación Radiofónica, han entregado el premio a Mejor Producción mediante
un podcast radiofónico.
Nominados y premiados (en rojo) en los XIV
Premios de la Música Aragonesa:


Premio
Especial a una Trayectoria:

Don Javier Ezpeleta, Gavy Sander’s


Premio
Global de la Música Aragonesa:

Don José María Sanz Beltrán,
Loquillo


Mejor
Grupo:

Cube
RedRum
Tako
-
The Faith Keepers -


Mejor
Solista:

Aer
Bunbury
David Sancho
-
Lírico -


Mejor
Álbum:

“A la Deriva” de Interlude
“De Vito” de De Vito
-
“Leap of Faith” de The Faith Keepers -

“Un antes y un después” de
Lírico


Mejor
Tema Musical:

“Canción para Dimitris” de Joaquín
Carbonell
“Coche” de Aer
-
“El Alma Atada” de Tako -

“A fuego lento” Lírico


Mejor
Directo:

Amaral
Dadá
Después de Todo
-
The Faith Keepers -


Mejor
Álbum Autoeditado:

“Envasado en hechos reales” de
Guisante
“Iluminando los Colores” de Mister Hyde
“Origen” de Cube
-
“Recuerdos del Futuro” de Aer -


Mejor
EP:

“Canciones con(de) Coraz(i)ón” de Stabilito & The Space
Oddithree
“Interludio” de Pecker y Manso
-
“La Revolución de Terciopelo” de Crisálida -

“Try” de The Bärds


Mayor
Proyección:

Amorica
Esparatrapo
Mercury Rex
-
Ticket -


Mejor
Canción en Lengua Autóctona Aragonesa:

“A mía Tierra”de Jesús
Viñas
“Mosica, Parola Y Movimiento” de Prau
“Olivera d’ Aragó” de Ángel
Villalba
-
“Os Pietz en a Tierra” de Prau -


Mejor
Producción:

-
“Envasado en hechos reales” de Guisante por Rafael Domínguez -

“Las
Campanas de la Vergüenza” de Tako por Daniel Alcover
“Origen” de Cube por
Jorge Escobedo
“Un antes y un después” de Lírico por Lírico y R de Rumba


Mejor
Programación:

Avv Arrebato
El Veintiuno
-
Pirineos Sur -

Sala López


Mejor
Portada:

“Envasado en Hechos Reales” de Guisante por Münster
Studio
-
“Iluminando los Colores” de Mister Hyde por Gustaff Choos -

“Leap of
Faith” de The Faith Keepers por Raúl Mest
“Zona Hostil” de Urban Contack Clan
por Isaac Mahow


Mejor
Vídeo:

“Licenciado Cantinas” de Bunbury dirigido por Alexis
Morante
“Hoy es el principio del final” de Amaral dirigido por Alberto Van
Stokkum
-
“Subiendo los Colores” de Limnopolar dirigido por Iván Castell
-

“Tanto te dirán” de Aer dirigido por Beatriz Abad


Mejor
Disc Jockey:

DJ Pendejo
-
DJ Potas -

R de Rumba
Simon Zico


Mayor
Apoyo:

-
Mondosonoro -

Pablo Ferrer
Periferias
Ztv


Mejor
Web:

Aragón Metal
-
Aragón También Tiene Sed -

Capitán Lillo
Zaragoza Conciertos

 

*La foto es de Ángel Burbano.


Más
info: Premios de la
Música Aragonesa

19/02/2013 13:26 Antón Castro Enlace permanente. Músicos No hay comentarios. Comentar.

'MAPA' DE ELÍAS LEÓN SIMINIANI, POR JONÁS TRUEBA

[Está dando mucho que hablar una película que llegará la próxima semana a Zaragoza: ‘Mapa’ de Elías León Siminiani. Una película que parece un falso documental y que es un diario delirante realizado durante cinco años. Jonás Trueba, realizador, guionista y apasionado del corazón de las películas, ha escrito de ella en su blog en ‘El mundo’. Aquí puede leerse su texto, que yo copio en mi blog de manera íntegra.

http://www.elmundo.es/blogs/elmundo/elvientosopladondequiere/2013/02/14/siminiani-justo-a-tiempo.html]

 

SIMINIANI, JUSTO A TIEMPO

Por Jonás TRUEBA

 

 

Al salir de Mapa muchos se preguntan si todo lo que se cuenta en ella es real; y cuanto más lo pienso, más me doy cuenta de que en esa pregunta está la confirmación de su fuerza. Todo es real y no por ello deja de ser ficción. Es la vida misma hecha película.

Como tantos cineastas crecidos en las filmotecas, como aquel Perlov que un día decidió reaprender el cine desde la ventana de su casa, Siminiani también ha tenido que renunciar al cine que una vez soñó para conformarse con el cine que le ha tocado vivir. Nace de una cierta frustración y, sin embargo, es allí donde parece haber encontrado la felicidad. Mapa es el relato de todo esto y, de ahora en adelante, una guía para todos aquellos que andamos un poco desorientados. Es un primer largometraje pero viene precedido por una plétora de cortometrajes, de ficciones que se dan la vuelta como un calcetín, de ensayos fílmicos y autobiográficos, de una fascinante serie de instrucciones para entender el mundo moderno y de algunas pequeñas piezas de orfebrería casera; una obra que Siminiani ha ido tejiendo minuciosamente, en estricta soledad, a base de imperativos categóricos y restricciones creativas: sin duda una de las aventuras más fascinantes de nuestro cine.

El festival Márgenes asumió la iniciativa de enseñarnos a mirar Mapa reuniendo gran parte de estos trabajos anteriores: una hermosa cartografía acompañada de textos iluminadores, dando fe de lo que ya puede considerarse otra manera de disfrutar el cine. Y el cine de Siminiani llega en el momento justo, situándose en el tránsito de la ficción al documental, del cine al digital, de la ciudad al campo, de la vida en pareja a la soledad: en ese punto intermedio o en esa fricción esquizofrénica. Entre guardar las formas, imponiendo cierta distancia intelectual, y el desborde emocional, incontrolable.

Luis E. Parés llama la atención sobre el modo de operar de Siminiani en algunas de sus piezas más logradas, construyendo guiones de hierro soterrados bajo imágenes extraídas de lo real, un poco a la inversa de lo que sucede en la mayoría de las películas que pretenden hibridar la realidad y la ficción. Pero en Mapa el guión parece haber sido construido en función del azar, o más bien al hilo de cómo se van presentando los acontecimientos, en un intento enloquecido de aplacar los vaivenes de la vida, entre fugas y huidas a paisajes exóticos, en la búsqueda de una calma y de un nuevo amor que no llega, echando mano de viejos amores y también del cine, por qué no: siempre ha tenido efectos terapeúticos y nunca ha dejado de dar cobijo a los que le son fieles.

Si es verdad eso de que el cine va perdiendo fuerza como espectáculo gregario y que los que seguimos acudiendo a él nos parecemos cada vez más a aquellos cristianos en las catacumbas, entonces es posible que ese cine del mañana haya llegado definitivamente para quedarse. Mapa de Siminiani lo indica claramente: el cine ya solo puede ser un acto de amor.

 

[Otro especialista en cine, como Gregorio Belinchón, que firma en ’El País’ y ha publicado numerosos reportajes y estudios de cine, publicaba esta noticia sobre Seminiani en ’El País’ el pasado 31 de enero.]

 

http://www.google.es/imgres?imgurl=https://antoncastro.blogia.com/upload/externo-8ccfd696f3ee2ca8f440520b606e4a46.jpg&imgrefurl=http://cultura.elpais.com/cultura/2013/01/30/actualidad/1359575636_514027.html&usg=__5v_dx6ekQ4WK7asIRCMdiSRmPHo=&h=418&w=560&sz=38&hl=es&start=14&sig2=DiHFriKBxHjxcqidFO5y5g&zoom=1&tbnid=Yr6GefCJse6koM:&tbnh=99&tbnw=133&ei=NK0nUdCZNeeN0AWikoHQBA&prev=/search%3Fq%3DmAPA%2BDE%2BEL%25C3%258DAS%2BLE%25C3%2593N%2BSIMINIANI%26hl%3Des%26gbv%3D2%26tbm%3Disch&itbs=1&sa=X&ved=0CEQQrQMwDQ

EL TRISTE (E IRÓNICO) DESVARÍO

DE DESAMOR DE UN CINEASTA

 

Por Gregorio BELINCHÓN

 

Érase una vez un cortometrajista de reputada carrera, que entró en la vorágine de las series de televisión y acabó desnortado. En lo profesional y en lo personal. Érase una vez Elías León Siminiani (Santander, 1971), un cineasta que en 2008 empezó a grabar su vida —“como si el amor pudiese demostrarse a posteriori en vídeos”, dice con sorna su propia voz en off—, sus desvaríos de enamorado, que le llevaron a vagar durante meses por India, a dejar de lado la película, a retomarla y a acabar rematándola a inicios de septiembre de 2010. Mapa, que así se llama el documental autobiográfico, se estrena mañana en cines y es candidato al Goya en su categoría. Y demuestra un humor socarrón y liberador en el alma de un tipo que en pantalla es capaz de llevarse la contraria con una voz que bautiza como el Otro.

“Todo lo que cuento es 100% real. Aunque ya me he alejado de mí mismo con este personaje... bueno, aún estoy luchando. Me ha ayudado el tiempo, porque han pasado cuatro años desde el inicio. Agradezco a las dos productoras que hayan apoyado durante este largo periodo el proyecto”. Su Siminiani de Mapa está más cerca de los personajes del actual boom del cómic autobiográfico que del Cercas más reelaborado de Soldados de Salamina. “Pero el tono de Javier Cercas está muy presente, porque bebe del nuevo periodismo de los sesenta, que adopta diversos aspectos dramatúrgicos para ayudar a la narración”. El director saca a su exnovia, explica cómo se va a India tras el rastro de otra chica cuando una canción de Matthew Sweet, Walk out, le enciende el alma. De paso, un poco de Wong Kar-Wai, de Truffaut, de Hitchcock... Referencias para la generación que nació a inicios de los setenta. “Son ganchos que lanzo al público. Porque lo que yo deseo es comunicarme con el espectador, que el filme sea entretenido”. ¿La mayor batalla de Mapa? “Saber dónde situarme”, dice, mencionando los trabajos de Cavalier, Marker o I’m still here, con Joaquin Phoenix. “Uno de los grandes peligros era encontrar la frontera entre lo público y lo privado. La presencia del Otro desarticula los riesgos que se cruzaban en la historia”.

Mapa es, en el fondo, una comedia divertidísima porque todos nos podemos ver retratados en Siminiani, porque es humano enamorarte de alguien que ni es consciente de lo que ha provocado en tu interior. “Ainhoa, mi exnovia, mi amiga, ha sido cómplice absoluta de mi debut en el largo [magistral el momento en que ella le ofrece con inocencia unas moras para comer y él está a punto de derrumbarse llorando]. En cuanto a Luna [nombre ficticio de la chica por la que va a India], hizo dos veces de filtro. La última, cuando ya vio la película acabada. Le impactó lo que había provocado en el protagonista”, cuenta el director, usando la tercera persona para distanciarse.

 

El cineasta tiene una legión de amigos-fans en el cine: Eduardo Chapero-Jackson, Isaki Lacuesta, Andrés Duque, David Pinillos (que califica a Siminiani como “talentazo, el tipo que mejor pilla la verdad, el motor detrás de todos nosotros”) y Daniel Sánchez Arévalo, que aparece en Mapa: “Elías es neurótico, despistado, perfeccionista hasta la parálisis, despistado... y encantador”.

El Siminiani presente ha encontrado su carrera en este juego ficción / no ficción con una serie de cortos documentales y con El premio, candidato el año pasado a los Goya, que mezcla verdades y mentiras sobre la candidatura al Goya a la mejor actriz secundaria de Pilar Castro por Gordos. “Me gustaría seguir por ahí, por combinar al 50% ficción / no ficción”. Y no olvidará dos de los descubrimientos de Mapa: la grabación de las fachadas de edificios racionalistas para no mezclarse con la vida que le rodea en la calle —“Tengo un proyecto sobre el espacio urbano que irá por ahí”— o el delirio de enfocar a una vaca lejana mientras rehúye a un niño que le pide que le grabe. “El prota va buscando algo sin darse cuenta de que está delante de sus narices. Toda una lección de vida. La voz lo explica... En realidad, es que ya he incluido de oficio los audiocomentarios cañeros de extras de los DVD”. Como le dice Ainhoa, mientras graba ella al final. “Anda, haz el favor de seguir y cállate ya”. El Otro estaría orgulloso.

22/02/2013 18:41 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

CAÑARTE EN LA PUEBLA DE HÍJAR

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CAÑARTE: LOS ARTISTAS DE LA CAÑA EN LA PUEBLA DE HÍJAR

Estos días, en La Puebla de Híjar, se organiza el Festival Cañarte, un Encuentro de Artistas Plásticos en torno a la caña, en el que participarán 27 aristas de Zaragoza y de localidades próximas al Bajo Aragón: Urrea de Gaén, Alcañiz, Andorra, Caspe, Azaila, La Puebla de Híjar, Pina de Ebro o Escatrón. Conviven artistas conocidos como José Luis Cano, Pierre d. La, Eugenio Arnao, Fernando Lasheras, Alberto Gamón, los hermanos Iván y Miguel Ángel Ortiz Albero, Isabel F. Echeverría o José Orna, con otros creadores más jóvenes o menos conocidos entre nosotros, como pueden ser dos artistas mexicanas que viven en Urrea de Gaén. Todos exploran las posibilidades artísticas de la caña. Concha Breto, coordinadora del evento con Eugenio Arnao, me envía una selección de piezas que “destacan por su heterogeneidad, su imaginación y su sentido plástico”.

Este certamen precede a los de los instrumentos musicales y la caña que se celebrará dentro ocho días.

 

*En la imagen 'El Rascatripas' de Iván Ortiz Albero

MUÑOZ MOLINA Y LA DEMOCRACIA

 

ANTONIO MUÑOZ MOLINA:

ELOGIO DE LA DEMOCRACIA


Antonio Muñoz Molina (Úbeda, Jaén, 1956), reciente Premio Jerusalén, acaba de publicar un nuevo libro, de ensayo, ‘Todo lo que era sólido’ (Seix Barral). Una reflexión sobre la historia reciente, una mirada de escritor y de ciudadano que medita sobre las formas de convivir. Y es, sin duda, un elogio de la democracia. Dice: “En treinta y tantos años de democracia y después de casi cuarenta de dictadura no se ha hecho ninguna pedagogía democrática. La democracia tiene que ser enseñada, porque no es natural, porque va en contra de inclinaciones muy arraigadas en los seres humanos. Lo natural no es la igualdad sino el dominio de los fuertes sobre los débiles. Lo natural es el clan familiar y la tribu, los lazos de sangre, el recelo hacia los forasteros, el apego a lo conocido, el rechazo de quien habla en otra lengua o tiene otro color de pelo en la piel. Y la tendencia infantil y adolescente a poner las propias apetencias por encima de todo, sin reparar en las consecuencias que pueden tener para los otros, es tan poderosa que hacen falta muchos años de constante educación para corregirla. Lo natural es aceptar límites a los demás y no aceptarlos en uno mismo. Creerse el centro del mundo es tan natural como creer que la Tierra ocupa el centro del universo y que el Sol gira alrededor de ella. El prejuicio es mucho más natural que la vocación sincera de saber. Lo natural es la barbarie, no la civilización, el grito o el puñetazo y no el argumento persuasivo, la fruición inmediata y no el empeño a largo plazo (...) Lo natural es la ignorancia: no hay aprendizaje que no requiera un esfuerzo y que no tarde en dar fruto. Y si la democracia no se enseña con paciencia y dedicación y no se aprende en la práctica cotidiana, sus grandes principios quedan en el vacío o sirven como pantalla a la corrupción y a la demagogia. La única manera de predicar la democracia es con el ejemplo. Y con el ejemplo de sus actos y de sus palabras lo que han predicado con abrumadora frecuencia en España la mayoría de los dirigentes políticos y de sus propagandistas ha sido lo contrario de la democracia”.

 

*La portada la tomo de la Casa del Libro y el retrato del autor de aquí:

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VÍCTOR MIRA: UN DOBLE RETRATO

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[Rogelio Allepuz, el espléndido fotógrafo, me envía un par de fotos de Víctor Mira. La Galería A del Arte presenta el proyecto ’Cada vez única’, coordinado por Chus Tudelilla, y dentro de él la exposición ’Preferencia por lo primitivo’, Víctor Mira-Mariano Santander, con una excelente selección de grabados sobre todo de los años 80. Cuelgo aquí este texto que publiqué algún tiempo después de su muerte en noviembre de 2003. Víctor, que fue un buen amigo, había nacido en Zaragoza en 1949; en realidad nació en Marruecos, pero él siempre decía que había nacido en su ciudad.  Mariano y Montse, de la galería A del Arte, recibieron ayer una carpeta roja de obras de una larga veintena de artistas: no los recuerdo a todos pero estaban José Beulas, Pascual Blanco, Mariano Castillo, José Luis Cano, José Ramón Magallón, Lina Vila, Ricardo Calero, Alicia Vela, Vicente Villarrocha, Sylvia Pennings, Pepe Bofarull, Natalio Bayo, Steve Gibson, Aurora Charlo, Enrique Larroy, Enrique Carbó, Paco Algaba, José Verón, Ángel Pascual Rodrigo, María José Maynar, Asun Valet, Julia Dorado, Fernando Sinaga, Ignacio Fortún, la fundación Fuendetodos... ]

RETRATO DEL ARTISTA VÍCTOR MIRA


El artista aragonés que más me ha perturbado en los últimos años es Víctor Mira por la complejidad de su universo, por la imbricación entre su obra y su existencia, por su destino final. Poco antes de decir adiós a todo esto, recibí algunas cartas suyas, algunas notas escuetas, dos o tres catálogos dedicados que me parecieron premonitorios. Víctor Mira (1949-2003) era como una casa con fantasmas. Había un momento, una estación o un golpe de viento que los agitaba todos en su interior, y Víctor pasaba de la calma del místico –“Me arrodillo y espero hasta que siento que puedo pintar como un ángel”, dijo. “Para mí el pintor es como un santo, comparte los mismos problemas, la perfección”, declaró-, del tormento interior al insulto, al exabrupto, a la teatralización de su espanto, al rechazo del mundo. Entonces, entendía que la distancia exacta ente los otros y su angustia, y el único bálsamo de su inmenso dolor también, eran la brocha, el lápiz, el bolígrafo, la cámara fotográfica, sus propias manos. El silencio. Incluso en esos estados de creación, que estaban próximos al éxtasis, parecía infeliz, herido en algún cuarto de la sangre por exceso de sensibilidad. O porque era su mejor amigo, era el otro y él mismo simultáneamente, y a la vez su propio lancero homicida. Padeció el drama de la insatisfacción radical.       
Se sentía perseguido y se convertía en un perseguidor. Y al revés: cualquier detalle exterior minaba su fuerza y su entereza, a pesar de que podía ser sarcástico, hiriente, provocador o de una lucidez apabullante, amasada con razones y erudición. Ha sido un rebelde ilustrado –le estimulaba la música, la literatura, el teatro, la poesía, la filosofía…, y de todo ha dejado abundantes huellas- que rara vez podía huir del desarraigo, de la incertidumbre, de la urgencia de trascender y, en el fondo, de la imperiosa necesidad de ser querido. En esa casa con fantasmas que era Víctor Mira, ese árbol humano desmelenado por el vendaval, se aliaban la materia, la materialidad avasalladora, y la creación, la ira con el lirismo más excelso, y el desgarro aparecía una y otra vez entre sombras. Como una mancha de destrucción que se expande. Como una tupida textura de tenebrismo que avanza. Una de esas sombras era la incansable vecindad de la muerte, su demonio particular: quería “ser un artista capaz de soportar el espectro, la metáfora de la muerte”.         
Se entregó a combatirla en una batalla interior, desabrida, que le hacía sentirse víctima y verdugo. Que no le dio un instante de sosiego.  En la muerte estaba casi todo: su propio envés, que era la energía misma de la vida, el sexo, la soledad, la inspiración, el arte, el amor y el desamor, la política, la invención… Víctor Mira fue una ardiente paradoja. Como Goya. Pasión y nieve de llanto sobrehumano. Pese a vivir siempre al límite, en una suerte de exilio buscado, desarrolló una obra rica en hallazgos expresivos, vías de comunicación, experiencias simbólicas y hondura. Mezcló, y modernizó a su manera, la gran tradición del Barroco español (Zurbarán, Valdés Leal, Velázquez); frecuentó la naturaleza muerta con ecos españoles y de los interiores holandeses; asumió una línea mística en la que podía sentirse santo, mártir y hereje, de ahí esas cruces constantes, esa  obsesión por el predicador en el desierto, que es el estilita, altivo y solitario, de ahí esa insistencia en el “pájaro solitario”; conectó con las pinturas negras de Goya, con George  Baselitz, con Joseph Beuys, con Otto Dix, con Vincent Van Gogh, con Andy Warhol, con Salvador Dalí, con Antoni Tàpies y Antonio Saura. E incluso halló otro término en el que se reconocía muy bien: la figura del caminante, ese viajero constante, mental y físico, que desea saciarse de paisajes, de travesías, de laberintos, de un celaje idóneo para el sueño. De ahí que otro cuadro con el que se sentía identificado fuese “Monje junto al mar”, y también con “El viajero contemplando un mar de nubes”, de Caspar David Friedrich, un pintor que fue calificado como “el místico con pincel”, frase que no resultaría inexacta como epíteto de Víctor Mira. Este artista, igual que su interés hacia la poesía de Novalis, lo emparienta con el romanticismo alemán. La suya es una pintura cósmica, matérica y rotunda, llena de expresividad y de convicción.         

En los últimos años realizó numerosos dibujos y tintas donde anunciaba constantes y turbios diálogos consigo mismo ante el espejo, la muerte se mira al espejo, dijo alguna vez, e incluso señaló la senda fatal que iba a tomar. Vivir para él (vivir, amar, pintar: respirar día a día, levantarse de un sueño de espectros) era casi una tarea del héroe de la pintura que no se soporta a sí mismo ni se acomoda, ni halla vericuetos para estar en paz o un camino hacia la felicidad y hacia la risa. Mira fue héroe y antihéroe. Escribió: “El héroe enfatiza la fuerza; el antihéroe personifica la poesía”. Ésa es una de las sensaciones más nítidas que nos invade al enfrentarnos a su arte, a sus diarios, a sus confesiones, a su teatro. Sin embargo, de cerca, era divertido, risueño, cariñoso, apasionado. Vulnerable como un niño, proclive al asombro o al candor. Alocado como la sinrazón y el deseo. Tenía algo de animal extraviado y a la intemperie, acosado por otras alimañas, que se adentra en el infinito bosque de la noche.         

De golpe, reflexionaba y sentía que tenía raíces. Bajo la estampa del cielo azul de Zaragoza, elogiaba el Juslibol de su infancia, el río Ebro, Zaragoza, la ciudad donde dijo haber nacido en 1949. La ciudad donde quiso que se iniciase su biografía. En uno de sus espléndidos libros: “En España no se puede dormir”, había anticipado su destino: “Niego que en mí exista vida alguna y me horroriza no estar muerto y tener que sentir la repugnante vida latir como un animal antiguo”. En otras prosas, de manera aún más explícita, dijo: “Lo intenté varias veces [el suicidio], la más serie de las veces fue en Madrid. Pero también en Zaragoza, donde un día, con toda la desolación de la necesidad, puse mi cabeza sobre los raíles y esperé, todo envuelto en adioses, la llegada de un tren”. Víctor Mira, como Francisco de Goya, a quien pintó como el perro con sombrero de su propio cuadro, sucumbía a su aniquiladora cabeza y resucitaba desde ella con toda la lucidez del delirio. Era una cabeza que, tal como señaló el propio artista, se alimentaba de escalofríos.

23/02/2013 18:44 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

VÍCTOR MIRA, POR ROGELIO ALLEPUZ 2

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Rogelio Allepuz, ese maestro de fotógrafos tanto en ‘El día de Aragón’ como en ‘El Periódico de Aragón’, me ha enviado una segunda foto de Víctor Mira. Una de las más famosas y una de las mejores; anuncia la compleja personalidad del artista, su fragilidad, su convivencia con el dolor y con la muerte, el abismo del amor y la creación en el que vivía.

PALMIRA MÁRQUEZ Y LA EDICIÓN

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Recibo esta nota de Daniel Heredia, escritor y periodista cultural gaditano, que posee un espléndido blog. La foto la tomo de ahí.

[¿Conoces el trabajo que realiza una agente literaria? ¿Qué cualidades se necesitan para desempeñar esta profesión? ¿Por qué la gran mayoría de ellas son mujeres?

PALMIRA MÁRQUEZ, de Dos Passos Agencia literaria y Comunicación, responde a estas y otras cuestiones en una entrevista de ¡A los libros!

http://danielheredia.com/palmira-marquez-acepto-a-un-escritor-si-me-gusta-lo-que-escribe-creo-en-ello-y-veo-en-el-un-autor-de-futuro/

Buena lectura.]

22 AÑOS DE LA SALA JUANA FRANCÉS

Una retrospectiva. 22 años de la Sala Juana Francés

 

Por Paula GONZALO LES

Desde que abrió sus puertas en 1990, la Sala Juana Francés de la Casa de la Mujer de Zaragoza ha centrado sus esfuerzos en visibilizar a las artistas aragonesas, apoyar a artistas noveles y presentar la obra de artistas varones comprometidos con el género y la identidad. Una retrospectiva. 22 años de la Sala Juana Francés revisa la trayectoria de este espacio expositivo, referente local del arte contemporáneo. La muestra, que se nutre fundamentalmente de los fondos de la Casa de la Mujer de Zaragoza, se articula en torno a cinco bloques: identidades, cuerpo, violencia de género, nuevas masculinidades y videoteca. Este proyecto se enmarca dentro del II Festival Miradas de Mujeres (II FMM)que en 2013 reúne un total 13 comunidades autónomas, 800 mujeres artistas y 190 centros de arte, pretendiendo conceder prestigio y visibilidad al trabajo de nuestras artistas nacionales.

Comisaria: Paula Gonzalo Les

http://www.facebook.com/SalaJuanaFrancesZaragoza
http://www.festivalmiradasdemujeres.com/

Inauguración 7 de marzo. Período expositivo 7 marzo-3 mayo 2013

Casa de la Mujer, C/ Don Juan de Aragón nº2, 50001, Zaragoza

Artistas participantes:

Katia Acín, Paco Algaba, Javier Almalé, Rosalía Banet, Cabello/Carceller, José Luis Cano, Cecilia Casas, Soledad Córdoba, Roberto Coromina, María Enfedaque, Virginia Espá, Antonio Fernández Alvira, Elena Fraj, Jorge Fuembuena, Louisa Holecz, Javier Joven, Julio Lanao, Enrique Larroy, Las tAradas, Luis Marco, Vicky Méndiz, Carmen Molinero, Sandra Montero, Begoña Morea Roy, Beth Moysés, Raquel Muñoz, Rosa Muñoz, Marina Núñez, Paula Ortiz, Sylvia Pennings, Enrique Radigales, Mabi Revuelta, Miriam Reyes, Mapi Rivera, Gema Rupérez, Sarah Shackleton, Cecilia de Val, Eulàlia Valldosera, Alicia Vela, Lina Vila.

 

*Tomo esta información de mi querida Paula Gonzalo Les. Conservo un gran recuerdo de su papá: Francisco Gonzalo, un tipo maravilloso que leía con cariño a José Luis Sampedro.

 

26/02/2013 01:36 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

ACTORES Y POLÍTICA: DANIEL GASCÓN

Actores y política

  

El cine español es una categoría extraña, que arrastra muchos tópicos y confusiones, empezando por el propio uso de esa categoría. Hemos visto la mayoría de ellos en funcionamiento estos días, a raíz de la gala de los Goya, los premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas.

A un escritor español no le echan en cara los libros de los demás escritores españoles, por ejemplo: bastante tiene con los suyos. Tampoco le adscriben las opiniones de los demás escritores españoles. No hay mucha gente que diga “yo no leo novelas españolas”, y tampoco se piensa que todas las novelas españolas hablen de la guerra civil, porque más o menos se asume que las novelas son diferentes y que entre ellas hay algunas que hablan de la guerra civil. En un país en el que se nacionalizan bancos y se dan ayudas a multinacionales, parece que el cine es la única industria que recibe dinero público, y esa es una impresión que cómicamente alientan medios que reciben subvenciones. Existe también la idea, profundamente divertida por su total desconexión con la realidad, de que se trata de un sector de millonarios. Se podría entender, sin recurrir a la teoría de la conspiración, que en algunas profesiones hay más gente de izquierdas o de derechas, pero la versión más imaginativa del mito del cine español presenta a todo el sector tomando el sol al borde de piscinas de lujo, conspirando a favor de Zapatero, Fidel Castro y otros miembros del eje del mal. Por otra parte, la gala de los Goya, emitida cada año por la televisión pública, siempre despierta interés: se sigue y se comenta, los periódicos dedican páginas a los vestidos, los chistes y al contenido de los discursos.

Este año, el ambiente venía caldeado. El asunto era si, en medio de una brutal crisis económica y cuando la industria suma al problema de la piratería el recorte de las ayudas y la subida de 13 puntos porcentuales en el IVA de las entradas, los profesionales del cine iban a hacer declaraciones políticas. La especulación acaparó espacio en los medios. En la alfombra roja, los periodistas preguntaban a los nominados qué les parecía que alguien protestara.

Media docena de los galardonados hicieron críticas a la gestión del gobierno. Una actriz dedicó su premio “a los que han perdido sus casas, sus ilusiones, sus esperanzas e incluso sus vidas por culpa de un sistema quebrado, injusto, obsoleto, que permite robar a los pobres para dárselo a los ricos”. Otra dijo que su padre había muerto en un hospital donde no había agua ni mantas y declaró que apenas había tenido trabajo en tres años. El presidente de la Academia criticó las medidas del gobierno que perjudican a la industria. Asombrosamente, los chistes de la presentadora recaían más en el gobierno que en la oposición.

Nadie debería escandalizarse por esto. El representante de un sector defiende sus intereses. Ocupar el poder tiene algunas contrapartidas, como por ejemplo que hagan más chistes sobre ti. Y uno puede compartir o no el discurso de Maribel Verdú –Christopher Hitchens usó la fórmula “socialismo para los ricos y capitalismo para los pobres” para describir la crisis financiera, y hace unas semanas Ulrich Beck hablaba de “socialismo de Estado para los ricos y los bancos, neoliberalismo para las clases medias y los pobres”– o el de Candela Peña –que me pareció desafortunado y poco hábil si lo que pretendía era defender la sanidad pública–, pero no parece que fuesen un abuso de la libertad de expresión.

Sin embargo, algunos han intentado desacreditar a esos peligrosos subversivos. El periodista Santiago González escribió sobre la gala. Según González, en la actuación de la presentadora “hubo momentos inenarrables, como cuando definió la especial jurisdicción de los actores: ‘la máxima autoridad para nosotros, el presidente de la Academia, Enrique González Macho’”. Como Santiago González es un hombre inteligente, no pienso que realmente se tome en serio lo que insinúa: más o menos, que los miembros de la industria del cine no reconocen a las instituciones de este país y se consideran parte de una especie de república sectorial al margen de la ley. La distorsión intelectual de la insinuación me recordó lo que le dijo a Harold Ross uno de sus redactores: “Eres tan retorcido que comes un clavo y cagas un tornillo”.

El texto de González tenía el encanto de pedir equidistancia a un monólogo cómico. Reprochaba, por ejemplo, que hubiera un chiste acerca de los sobres de Bárcenas. Pero ¿qué guionista podría resistirse en este momento? A todos nos seduce la posibilidad de hacer una broma fácil, y González lo sabe bien: él mismo aprovecha la ocasión para hacer un chiste de sobres a partir de un error de la gala.

Candela Peña dijo que solo había trabajado en una película en los últimos tres años. González la corregía:

“No sé si recollir-lo en català com a actriu catalana que sóc, o decir: “Thank you very much. I’m very, very happy… [grandes aplausos] Quiero decir que hace tres años que no trabajaba [desde 2008 ha trabajado en 6 películas, lo que hace una media de 1,2 películas por año, a saber: tres en 2008, una en 2009, una en 2012, por la que ha recibido el premio y la que está haciendo con Isabel Coixet, que se estrenará en abril] (los corchetes son de González)

A mí también me sorprendieron los aplausos. Pero yo no estaba al corriente de que en los Premios Gaudí Candela Peña había recibido críticas por dar su discurso de agradecimiento en castellano y por no aplaudir una declaración independentista de la actriz Montserrat Carulla. La contabilidad de González (que esta vez no pone link a su fuente) es curiosa. Decide remontarse hasta el 2008, un año en el que Peña hizo tres películas (entre ellas un cortometraje), y así le sale esa media de 1,2 películas anuales. Si en el 2009 Peña hizo The Island Inside, en 2010, 2011 y 2012 solo aparece una película suya en imdb.com, Una pistola en cada mano, por la que recibió el Goya.

El periodista establecía una analogía entre las palabras de la gala con el caso de “un joven dirigente de IU en Vitoria escribió una carta abierta a Cosme Delclaux, entonces secuestrado por ETA, en el diario Egin. El espíritu de la misma venía a ser un ‘jódete, Cosme’”. Posiblemente él mismo se dio cuenta de que la comparación era un tanto excesiva, ya que matizaba antes que se trataba de “un caso más severo”.

La Razón dedicó una portada a Maribel Verdú, bajo un titular que decía “La doble cara del cine español”, con un fotomontaje sobre el rostro de la actriz y el letrero: “Maribel Verdú, de multipropietaria, vendedora de hipotecas y accionista de una clínica privada a heroína antidesahucios y abanderada de las críticas al Gobierno por los recortes”. Es decir: cuando recibes un premio por tu trabajo decides solidarizarte con gente que lo está pasando mal, y un par de días después te encuentras una campaña llena de insultos y especulaciones sobre tu vida privada. Bajo la retórica ampulosa que presenta a Verdú como “vendedora de hipotecas” y luego como una especie de Agustina de Aragón antisistema, se encuentra el dato de que la actriz había hecho un anuncio en el que se fomentaba la contratación de hipotecas. Parece un poco extraño que haber hecho un anuncio te impida criticar algo –especialmente en un medio que publica anuncios–, o pensar que una persona que se encuentre en una situación económicamente cómoda no pueda defender a los que están en una situación peor. Y, en todo caso, sería mejor presentar argumentos que lanzarse a un ataque personal.

En la línea de quienes reprochan a los actores que lleven ropa de gala en una gala y aun así critiquen al sistema –por lo visto, serían mucho más convincentes si fueran desharrapados–, este fin de semana ABC publicaba tres páginas tituladas “El capitalismo sienta bien a los actores más críticos”, que denunciaban que a estrellas de Hollywood como Penélope Cruz y Javier Bardem les vayan bien las cosas. Se detallaban inmuebles y empresas de gente que ha criticado al gobierno, o de gente que es próxima a gente que ha criticado al gobierno, o de gente de quien se sospecha que podría criticar al gobierno si tuviera la oportunidad. Se hablaba de “prebendas que el ciudadano de a pie no disfruta” cuando un registrador de la propiedad se negó a informar del patrimonio de un actor. El artículo estaba lleno de insinuaciones malintencionadas: la empresa de Pilar Bardem tiene un “nombre casi guerracivilista”, la productora de Pedro Almodóvar es un “emporio cinematográfico” y José Corbacho recibió un préstamo de La Caixa.

Aun así, es el estilo que eligen esos medios, y resulta mucho más preocupante la respuesta del ministro de Hacienda, que dijo que “alguno de nuestros famosos actores no pagan impuestos en España”. En un momento chanante, añadió que, cuando paguen en nuestro país, “las bases imponibles y la recaudación serán más amplias”, como si la culpa del déficit fuera de los actores. Esas palabras, que pretenden desacreditar a todo un sector, son irresponsables, tienen un tono levemente mafioso y no están a la altura de lo que debería ser un ministro de un país democrático. No es la primera vez que el ministro Montoro, que amenazó a los medios críticos con airear sus deudas tributarias, adopta maneras que recuerdan a Cristina Kirchner.

Se dice con frecuencia que damos demasiada importancia a las opiniones políticas de las celebridades, y posiblemente sea cierto, aunque no creo que sea culpa suya. Como en profesionales de todo tipo, hay opiniones más o menos discutibles, más o menos fundadas. Tienen derecho a exponerlas y nosotros a criticarlas: yo lo he hecho en más de una ocasión. Lo peligroso es que se intente difamar a quien piensa de otra manera, que se creen categorías groseras e indiscriminadas, y que quien nos representa a todos se comporte como un cacique o un aprendiz de Joe McCarthy.

 

*Este artículo lo ha publicado Daniel Gascón (Zaragoza, 1981), escritor y traductor y redactor de la revista ’Letras Libres’ en la edición española de la revista mexicana.

El enlace es este:

http://letraslibres.com/blogs/blog-de-la-redaccion/actores-y-politica?page=full

26/02/2013 12:31 Antón Castro Enlace permanente. Artistas No hay comentarios. Comentar.

MELENDO: EXPOSICIÓN Y WEB

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JOSÉ ANTONIO MELENDO ESTRENA WEB

Ese viejo amigo que es José Antonio Melendo me escribía anoche con la siguiente noticia: “Este viernes en el lounge del Club Náutico (Paseo Echegaray) nos juntaremos para brindar por mi nueva web: www.melendofotografia.comy además expondré unas muestras de mis trabajos”. José Antonio Melendo ha sido el fotógrafo que estaba en todas partes durante unos años –presentaciones, ciclos, conferencias, reuniones de amigos, etc.-, sin dejar de atender bodas o publicidad. De golpe, el azar le puso ante maravillosas modelos, actrices y otras mujeres de fantasía, y ahí ha realizado una amplia parte de su obra en los últimos tiempos. Con los ojos deslumbrados, afectos a la hermosura indecible. En su web hay muchas cosas, aunque por ahora parece un poco exigua. He aquí una pequeña muestra de su quehacer...

26/02/2013 12:53 Antón Castro Enlace permanente. Fotógrafos No hay comentarios. Comentar.

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